INDIE
JUNIO 2012 | Nº 12
FERENCIA magazine
D AV I D B O W I E T H E
R I S E
ZIGGY A N D
T H E
A N D
F A L L
O F
S TA R D U S T
S P I D E R S
F R O M
M A R S
REVIEWS MAXÏMO PARK * CITIZENS! * AZEALIA BANKS * ALT-J JAPANDROIDS * LAUREL HALO * THE WALKMEN * GRUSHENKA NEW BAND TO WATCH * HOLY ESQUE * THE REST * AN BLONDS INDIEQUETAS CHEAP CIGARETTES * THE PARROTS * BOZA Y MUCHO MÁS
INDICE
INDIEFERENCIA MAGAZINE Junio 2012
Review del mes David Bowie The Rise And Fall Of Ziggy Stardust And The Spiders From Mars 3 Reviews Max誰mo Park: The National Health 7 Citizens!: Here We Are 9 Azealia Banks: 1991 EP 11 Laurel Halo: Quarantine 13 Japandroids: Celebration Rock 15 Alt-J: An Awesome Wave 17 New Band To Watch 19 Indiequetas: Junio 21 Ico Top: Junio 23
Indiespensables: Junio 27
DAVID BOWIE THE
RISE
AND
THE
AND
ZIGGY
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FALL
OF
S TA R D U S T
SPIDERS
FROM
MARS
Por Alejandra Otero “Soy un cocodrilo, soy mamá y papá y vengo por ti; soy un invasor espacial, seré una zorra del rock n’ roll para ti”. Ziggy Stardust, el mesías andrógino vino para salvar a la humanidad sin tener mucha idea de a qué pérfida indeseable venía a rescatar. Alguien debería haberle avisado de que si se acude a este nuestro planeta con ciertos aires de megalomanía, la historia no puede acabar bien. Quizá tampoco habría escuchado las advertencias. Y aunque lo cierto es que su historia es la de un ascenso y una caída, ahora Ziggy ha cumplido 40 años y posee el bien más preciado y perseguido por cualquiera que se precie: la inmortalidad.
Ziggy Stardust fue el primer alter ego de David Robert Jones, más conocido por David Bowie. Antes, el artista británico nos había vendido el mundo, nos había descubierto cómo era la vida en Marte y había iniciado su propia odisea espacial. Pero nada de aquello había sido suficiente. Para conseguir la liberal de los beatos. Ziggy supuso tales algunos e incluye en el DVD gloria no hay que ser de este la llave del éxito para David Bowie, clásicos adicionales como “Velvet mundo. Mucha culpa del nacimiento una puerta abierta a la consagra- Goldmine”, “Sweet Heart” o “The de este personaje la tuvo Linsday ción. Pero no todo fue maquillaje y Superman”. Pero dejemos la inKemp, un mimo abstracto y profe- lentejuelas: Ziggy Stardust se con- dustria a un lado. Fue un 3 de julio sor de baile, que se quedó pren- virtió en una estrella del rock porque cuando Ziggy Stardust firmó su epidado del primer disco de Bowie. su álbum fue, es y será una de las tafio. Lo hizo en directo, en el Hammersmith Odeon, frente a miles Kemp, también amante, fue el “Ziggy Stardust fue el primer alter de seguidores. Fans que no se mentor en lo que a puesta en esego de David Robert Jones, más contentaban con comprar una encena se refiere: le enseño a motrada: para ellos, Ziggy era el ververse en un escenario y a utilizar conocido por David Bowie” dadero mesías. Embutidos en el la iluminación y el maquillaje glamur que dictaba su gurú espicomo formas de expresión. De obras maestras de la historia. “The ritual, se pintaban, peinaban y teKemp, Bowie mamó el Teatro del Absurdo y la corriente escénica ni- Rise and Fall Of Ziggy Stardust And ñían el pelo como él. Los conciertos pona Kebuki para llevar todo ello al The Spiders Of Mars” ha cumplido de Ziggy Stardust y The Spiders extremo. Hasta el punto de mudar este 6 de junio cuarenta años y la From Mars no sólo eran un especsu identidad sobre el escenario para consiguiente reedición ha sido el re- táculo sobre el escenario, el público convertirse en Ziggy Stardust, un galo de aniversario. Remasterizado se convertía en una verdadera orgía extraterrestre de ambigua inclina- para eliminar el paso del tiempo y musical y sexual. “Muchos hombres ción sexual que venía del espacio adaptarse a las cada vez más exi- se quitaban la ropa interior e iban dispuesto a salvarnos. Un Jesu- gentes nuevas tecnologías, la edi- enseñando la polla por todas partes. cristo versión glam, con banda de ción especial la conforma un vinilo Había muchos fluidos en el ammúsicos marcianos incluida, que con un DVD. Esta resmaterización biente. De hecho, una chica se la hubiese hecho santiguarse al más no ha sido violada por efectos digi- estaba chupándo un tipo al mismo Junio 2012 INDIEFERENCIA MAGAZINE 5
THE
AND
RISE
AND
THE
FA L L
OF
SPIDERS
ZIGGY
FROM
S TA R D U S T
MARS
Tres tipos de amores se desgranan en esta canción y vemos a un extraterrestre descubriendo la más poderosa de las pulsiones humanas. El amor pasional, el amor paternal y el amor espiritual. “Moonage Daydream” continúa este camino de ascenso y nos presenta a Ziggy Stardust. Con el formato digital hemos perdido la costumbre, o necesidad, de darle la vuelta al disco, o cassette, pero este álbum tiene dos partes claramente diferenciadas. Si bien en la primera, que finaliza con “It Ain’t Easy”, no se nombra de forma específica al protagonista de esta triste historia y sus acompañantes, en la cara b del disco ya se nos presenta de forma oficial a Ziggy, sus diferentes facetas, su camino al éxito y su imparable descenso a los infiernos del rock. Nosotros, hijos de la era digital, lo vemos como un todo en un único acto. Quizá, precisamente por recuperar eso, la edición especial ha sido concebida en vinilo. Dejando las reflexiones nostálgicas a parte, “Moonage Daydream” es la primera canción que habla de forma implícita de esta zorra espacial de ego infinito. También lo hace “Starman”, que fue el primer single de “The Rise And Fall Of Ziggy Stardust And the Spiders From Mars”.
tiempo que intentaba enterarse de Woodmansey (batería): los Spilo que estaba pasando. Pensé que ders From Mars se habían queera algo extraordinario porque nadie dado sin trabajo. El ascenso y caída parecía sentirse inhibido”, comenta de Ziggy Stardust comienza con uno de los seguidores en el libro “Five Years”, un ser de otro mundo “Stardust: Secret Life of fans” llega a la Tierra para avisar a la hu(1985). No había mejor manera de manidad de que su planeta va a despedirse que hacerlo en aquel desaparecer. La crónica de una ambiente de éxtasis y decadencia. muerte anunciada. Y con la Tierra, “No sabía si yo estaba controlando desaparecerán sus habitantes, con a los personajes o los personajes sus miserias y alegrías. “Creo que me estaban controlando a mí, o si os vi en una heladería, bebiendo ba- “Hay un hombre de las estrellas estodos éramos la misma persona”, tidos, sonriendo y saludando tan fe- perando en el cielo que viene a coexpuso un Bowie siempre perse- lices, no creo que supierais que nocernos, el cree que va a hacer guido por el terror de sufrir la enfer- estabais en esta canción”. volar nuestras mentes, dejar que los medad mental de su hermano, niños lo pierdan, dejar que lo la esquizofrenia. Esa misma “No sabía si yo estaba controlando a usen, dejarles bailar…”. Acaba noche, en el Hammersmith los personajes o los personajes me este primer acto con la ya mencioOdeon el esquelético extrate- estaban controlando a mí, o si todos nada versión de Ron Davies, “It rrestre se dirigió al público, Ain’t Easy”, donde Ziggy, con una éramos la misma persona” “Este no es únicamente el úlsonrisa torcida, nos recuerda lo timo concierto de la gira, sino complicado que es convertirse en que es el último que daremos. Los instrumentos de viento, el pau- una estrella del rock. Cuando escuAdiós. Os queremos”. La gente se sado piano, la voz desgarradora de chamos “Lady Stardust” por priquedó muda, incluidos Mick Ron- Bowie… La leyenda de Ziggy em- mera vez, y sin haber visto vídeo son (guitarra, piano y coros), Tre- pieza con un tono épico para seguir alguno, nos imaginamos una luz cevoe Bolder (bajo) y Woody Woody hablando del amor en “Soul Love”. nital cayendo sobre un Mick Ronson
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a las teclas. Travestirse encima del escenario: Bowie descubre una de las principales facetas que describen a Ziggy, y a él mismo. Ya de pequeño, Robert Jones se colaba en la habitación de su madre para ponerse frente al espejo y maquillarse. “El chico en sus vaqueros azules, saltaba en el escenario y Lady Stardust cantaba sus canciones de oscuridad y desgracia”. Tras volver a contarnos sus anhelos de convertirse en una estrella de rock, en “Star”, se cuela un furioso rockabilly en “Hang On To Yourself”: estos marcianos son estrellas, las grupies quieren acostarse con ellos y la vida es tal y como la habían deseado. “Ziggy Stardust”, la canción, desvela explícitamente a este conjunto de dioses del rock. Ziggy toca la guitarra y es un hombre especial, él y su banda de Arañas de Marte. Segundo sencillo del álbum, este tema es hoy un himno del rock y una de las canciones que ha perseguido a Bowie durante toda su carrera, aún estando enterrado su alterego. A partir de Ziggy el exceso, la otra cara irremediable del estrellato, se sucede en “Suffragatte City” y la carta de despedida “Rock n’ Roll Suicide”. El poeta español Manuel Machado inspira a Bowie para describir este adiós sin lágrimas en los ojos, sólo vómitos y habitaciones destrozadas estilo Guns n’ Roses, Gallaghers y compañía. “Eres demasiado viejo para perderlo, demasiado joven para escoger, y los relojes esperan tan pacientemente en tu canción, pasas de largo por un café, pero no comes cuando has vivido demasiado, oh no, tú eres un suicidio del rock n’ roll”. Esta maravilla cierra una historia que se antoja triste: los viejos amigos se han reunido en el bar para tu despedida y levantan las copas en tu honor, y te recuerdan que no estás sólo, aunque ya te has ido y has dejado a tus arañas espaciales atrás. Música y letra nos dicen todo esto mientras sientes que se te desgarra el alma, aunque nunca hayas estado sobre un escenario y hayas sido una estrella del rock.
Caer en los tópicos se antoja fácil, pero es imposible no decir que esta obra maestra forma parte, según mitología, del Olimpo de los Discos, del Asgard de los Álbumes o del Cielo de la Música. Tras cuarenta años, hoy escuchas “The Rise And Fall Of Ziggy Stardust And The Spiders From Mars” y ves que no ha perdido ni un ápice de frescura y de realidad. Es un disco del ayer, del hoy y del mañana. Un álbum atemporal que nunca puede morir. Bowie fue un visionario a través de esos ojos de pupilas dispares fruto de una pelea por amor. El romanticismo es una de las claves de este LP, culmen del glam rock, y una nostalgia infinita se apodera de ti cuando lo escuchas caminando una noche de verano sintiendo el asfalto arder bajo tus pies. Te hace sentir vivo y a la vez te recuerda, sin piedad, que ya no se hacen discos como éste. Porque viendo a
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Ziggy sobre el escenario te das cuenta que ese suicidio del rock n’ roll nació como la mayor de las farsas y se convirtió en la mayor de las verdades: la humanidad corre imparable hacia el fracaso, hacia la caída. La redención en forma de legado sólo está al alcance de unos pocos elegidos y Ziggy está entre ellos.
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¨ MAXIMO PARK THE NATIONAL HEALTH
Corría el año 2009 cuando uno de los grupos que más estaba dando que hablar de los pertenecientes a la nueva hornada del rock británico presentaba “Quicken The Heart” y nos dejaba con un sabor de boca algo menos dulce de lo que esperábamos después de los celebradísimos “A Certain Trigger” y “Our Hearthly Pleasures”. Ya han pasado tres años desde entonces y ahora Maxïmo Park han regresado con “The National Health” y lo único que podemos hacer es alegrarnos por volver a disfrutar de sus ritmos acelerados y la característica voz de Paul Smith.
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REVIEW
Por Jesús Daniel Marín Hay algo brillante en la forma de empezar el álbum por parte de los miembros de Maxïmo Park. Arriesgarse a empezar con un tema llamado “When I Was Wild” que está formado por unas pinceladas de piano entre las cuales Paul Smith se lanza a cantar letras cargadas de redención acerca de cuando vivía en “el mundo de las sombras” y de las repercusiones que eso trajo antes de dar un paso adelante en su carrera. Una pausa de tres segundos y una explosión se produce en nuestros oídos. El pedal del acelerador está casi a ras de suelo y nos sumergimos de cabeza en “The National Health” que con una melodía serpenteante que juega con efectos y fuzz consigue colarse hasta el fondo de nuestras cabezas y nos lleva directos al más puro sonido de Maximo Park. “Hips and Lips”, de la que ya hablamos previamente, sigue la misma línea de la canción anterior, mostrando la faceta más divertida y bailable de los de Newcastle. Es fácil explicar como temas como “Write This Down”, “The National Health” o “Until the Earth Would Open” suenan a éxito inmediato. Ese sonido metálico que nos suena a unos falsos Smiths, los teclados atronando al fondo de todas las canciones, los punteos a velocidad endiablada de la guitarra y esos estribillos creados para ser cantados en festivales por miles de gargantas. Todo esto en un disco que es más fresco que meter la cara recién afeitada en un congelador. Una de las razones por las que funciona tan bien es el hecho de que Maxïmo Park se toman tan en serio a ellos mismos que parece que pretenden conseguir una reverencia del oyente con cada canción. Esto se puede apreciar claramente en “The Undercurrents”, donde todo el tema gira en torno a este hecho y que en el estribillo estalla en un opus de grandilocuencia en lo que es un giro habitual de Maxïmo Park, tocando tantos instrumentos como puedan. También hay tiempo para la experimentación y la delicadeza en “The National Health”. Canciones como “Reluctant Love” coquetean descaradamente con el dream-pop más comercial, centrando la canción en una melodía que acompaña a lo largo de todo el tema en uno de esos riffs que te sorprenderás silbando cuando menos
te lo esperes. “Banlieu” es un viaje al lado más oscuro de Maxïmo Park. Voces graves, algo que rara vez habíamos escuchado en este grupo, melodías pesadas, cargadas de revival post-punk y que seguro gustará a los seguidores de grupos como Editors o Bloc Party, con ese toque de electrónica que hace que nos pongamos a quemar la suela de nuestras zapatillas. Si bien es cierto que no todo iba a ser perfecto, el disco adolece de cierta falta de fuerza en su último tercio. “Wolf Among Men” y la facilona y simple “Take Me Home” no pasarán a la historia como grandes singles de Maxïmo Park, pero no desentonan demasiado en el conjunto del disco. Simplemente, relajan un poco el pistón para evitar que estemos ante uno de los grandes discos del año. La insulsa balada “Unfamiliar Pieces” nos invita a pensar que estamos en caída libre en lo que a calidad se refiere, pero para cerrar el disco los de Newcastle han sabido elegir uno de los mejores temas del disco y que probablemente terminará siendo uno de los sencillos que se desgranen de este álbum. La canción de la que estamos hablando es “Waves of Fear” y podría elegirse para definir lo que es Maxïmo Park. Una guitarra que lanza punteos sin parar, un puente con teclados y batería para que no paremos de mover los pies y un estribillo de esos que estás tarareando días y días.
Así pues, este disco evoluciona en algo que podría sobresalir de manera clara entre un catálogo de The Verve, Echo and The Bunnymen, los más tardíos Manic Street Preachers y así podríamos seguir nombrando a unas cuantas grandes bandas británicas más. Maxïmo Park no está en esta liga de momento, pero las posibilidades están ahí. Con su nuevo disco han demostrado que están en excelente forma y que por fin, y si no lo había hecho antes el mundo de la música, hay que tener en cuenta a Paul Smith y a los suyos, porque han sabido coger lo mejor de cada disco anterior y plasmar esta especie de “grandes éxitos” plagado de buenísimas canciones y que no cansa al que lo escucha una y otra vez. Junio 2012 INDIEFERENCIA MAGAZINE 9
CITIZENS HERE WE ARE
Por Jesús Daniel Marín
Cuando el propio Alex Kapranos decide ser el productor de tu primer disco después de escuchar unas demos de tu grupo, es porque tienes algo. Si a eso le sumas que una muy famosa revista musical, creadora de hypes temporales, celebra el lanzamiento de tu primer single como si se tratara del advenimiento del Mesías, es porque sigues teniendo ese algo. Si además de todo eso, resulta que tu música es buena de verdad, realmente ayuda. Así, con todos estos apoyos, han llegado Citizens! con su primer disco hasta nuestros oídos. “True Romance” fue la bomba de relojería que sacudió al indie pop a finales del último año. Y es que parece que tienen los ingredientes perfectos para conseguir el éxito dentro del mundillo indie gracias a sus letras mordaces y melodías pegajosas, con riffs ejecutados al dedillo que coronan ritmos fascinantes. Pero “Here We Are”, que así se llama su primer disco, no termina ahí. Está lleno de canciones que no dejan de sonar en tu cabeza una vez que las has escuchado. En “Reptile” apreciamos el motivo por el cual Kapranos ha fijado su vista en estos chavales. Podría ser una canción compuesta por el cuarteto de Glasgow sin miramientos y eso es algo que siempre se agradece mientras esperamos al nuevo disco
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de Franz Ferdinand. “Caroline” es otra canción puramente pop, aderezada con un estribillo que se presta a ser coreado en los conciertos del quinteto de Londres. Pero no deja de sonarnos a algo que hemos escuchado con anterioridad, que se nos hace inevitablemente familiar al oído. Alcanzando la mitad del disco, en el minuto 2:30 de “Let’s Go All The Way”, nos regalan un precioso momento con un piano eléctrico de fondo, mientras una voz limpia y clara habla sobre las conversaciones de los dioses. Es el mejor momento de todo el disco, cargado de fuerza y emotividad. Y a partir de aquí, la música se torna en un arma de seducción, que acompaña a la voz de Tom Burke quien en ocasiones es un caballero de brillante armadura y en otras, un chulo de barrio cualquiera. Tras la sencilla “Nobody’s Fool”, llega ese ataque de disco-funk setentero que es “Monster”. Con un buen remix, será un llenapistas seguro, aunque con ligeras reminiscencias de Abba. “She Said” es una canción que no debería faltar en la discoteca de cualquier dj que presuma de pinchar música indie. Su estribillo machacón incita a mover el cuello arriba y abajo y repetir ese “she said, she said” hasta la saciedad. “I Wouldn’t Want To”, nostálgica y desgarrada
como su letra, vuelve a tener ese ligero toque de Abba de fondo, curioso en un álbum de tintes ligeramente disco y principalmente indie, pero que sumado a la tranquilidad reinante del tema, incluso se agradece un poco de pausa entre tanto zapatilleo. Cierra el disco “Know Yourself”, que a mi, desde la primera vez que la escuché, me hace pensar en unos Hot Chip relajados. Muy del estilo, tanto en la forma de cantar de Burke como en la estructura de la canción. Podría decirse que no hay una mala canción en “Here We Are”. Pero el grupo necesita demostrar que a partir de ahora habrá un progreso a raíz de lo que ya se ha escrito sobre ellos. Y el principal problema es que, actualmente, hay demasiadas bandas dentro del estilo que aún están buscando cimentar las bases de su música para poder construir algo más grande que un hype otorgado por la NME. Buenos, pero no rompedores. Aunque el auspicio del sello Kitsuné seguro que les proporciona un buen numero de festivales por delante en su carrera. Pero aún les falta un paso que les haga llegar al lugar que hoy ocupan grupos como Two Door Cinema Club, The Whip o Delphic, que han alcanzado el podio en cuanto a calidad se refiere.
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REVIEW AZEALIA BANKS 1991 EP
AZEALIA BANKS Por Sergio Herguedas
1991EP (2012) Aunque se ha hecho esperar, por fin podemos escuchar el EP debut de la americana, cuyo título es el reflejo del año en el que aterrizó en este mundo, 1991 (Adele ya hizo algo parecido al nombrar en 2008 su álbum debut en base a su edad, 19), el cual contiene en su haber cuatro temas, de los cuales conocemos los dos últimos, “212” y “Liquorice”, estratagema perfecta para descubrir los nuevos sonidos que nos tiene preparados.Y comenzamos con la canción de mismo título que el EP, cuya base deep house lleva el peso de un tema que mantiene la voz de Azealia en los derroteros del 4×4, deslizándose hacia el final hacia un soul que nos saca una sonrisa. Y es que tener 20 años y estar en los charts de medio mundo, tiene su parte mala (presión, críticas, propagación de rumores,…), pero también una parte más saludable en la que a parte de popularidad, dinero o rodearte de fans, por ejemplo, se encuentra la de codearte con gente de la industria que puede apoyar tu música como es el caso de este “1991”, o el de “Van Vogue”, en donde el sonido se mueve por los mismos derroteros pero de una forma más contundente, y porque no de-
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cirlo, agresiva, perfecto para el papel que desarrolla nuestra artista, en donde parece disfrutar hasta el punto de jugar con el distorsionador de voz y meterse en el papel de tipo duro. Y “212” nos devuelve a cuando hace aproximadamente 6 meses saltó el hype, y que a medida que pasa el tiempo, creo que la parte central del mismo, donde se queda casi en formato acústico, destila un R&B, que debería explotar, ya que el mercado que se abriría no encontraría fronteras de ningún tipo. Y si dejamos de lado esta parte para centrarnos en el resto, el trabajo de Lazy Jay (no olvidemos que son dos personas) hace que el mismo haya sido, sea y será (por lo menos este verano) carne de cañón de las pistas de baile mainstream del mundo.
Y “Liquorice” se olvida de todo para centrarse en los vocales haciendo que lo que les envuelve esté acorde a los mismos, e incluso se los lleva al terreno de los años 80, a través de samples utilizados en la época (metrónomo incluído) y cerrar así un EP que sabe acompasarse a los tiempos que corren, pero sin olvidar las raíces del mismo.
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LAUREL HALO Q U A R A N T I N E Por Joaquín Ollero
“Quarantine” es el primer álbum oficial de Laurel Halo: artista de un género tan especial y concreto como es el synth experimental y a través del cual nos presenta un tejido sonoro fino y delicado pero al mismo tiempo asentado sobre las portentosas bases del abstractismo. Aunque este trabajo sea el primer LP que la cantante americana ha publicado, desde 2010 que comenzaría su carrera musical ha habido mucho movimiento en cuanto a sus publicaciones. Saltando continuamente de un sello discográfico a otro irían viendo la luz diferentes composiciones de menor tamaño bajo este mismo nombre artístico pero también bajo el pseudónimo de King Felix. Cuestiones nominativas aparte, y partiendo desde “Constant Index” perteneciente a “Hour Logic EP” (2011) hasta “Spring 01″ de “Spring EP” (2012), se comprueba sin duda alguna que el tipo de música que ella quiere obrar no es más que una invitación para conocer su corazón celestial, un billete de ida a un universo interdimensional donde la luz viaja por el espacio a una velocidad diferente a la habitual. Parte de la base de que las palabras son sólo palabras y que pronto caen en el olvido, y para contrarrestar esta pérdida, se
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desmarca del convencionalismo para aventurarse en formas de comunicación únicas y aptas para mentes que cumplen con el “Think Outside The Box”.
Por varias razones de peso, este primer trabajo de larga duración se perfila claramente como el más completo de su carrera musical hasta el momento. Mientras transcurre el tracklist, compuesto por 12 canciones, se percibe seguridad por parte de la cantante, valor que hasta ahora no habíamos disfrutado a este nivel, y esto se debe a que ella encuentra a su voz en la inmensidad de texturas que presenta. Entre las diferentes capas de sonido también hallamos cohesión y dirección en cuanto a la construcción de cada canción. A pesar de todo ello es completamente cierto que Quarantine es un conjunto artístico difícil de asimilar y más complicado aún de entender completamente. Podría decirse de hecho que para deleitarse con el álbum se requiere de unos ojos que vean más allá o unos oídos que oigan matices aparentemente invisibles, sentidos que te permitan traducir la complejidad representada en términos más asequibles. De no ser de esta forma, seguramente concluyamos el viaje pensando que Laurel Halo
no ha hecho más que dar palos de ciego en el vacío más desolador posible. Pero esto tan sólo es la apariencia, ya que el alma que guarda el significado de su música se encuentra enterrada profundamente. La experimentación comienza desde el primer segundo de “Airsick”, canción que inaugura la aventura y que destaca en importancia, ya que nos muestra los valores primarios plasmados durante cada canción. Instrumentos que comienzan pero que se les acorta la vida interrumpiéndolos súbitamente para dar paso a unos nuevos que sufren el mismo ciclo, y formando así un bucle continuo de claustrofobia y personalidad que nos acompaña en todo momento. El actor protagonista es precisamente ese sonido melódico y melancólico situado en el trasfondo, en la sombra, que podemos tachar de minimalista y solitario. El contenido de las letras también son de estos mismos colores y más incluso si salen del hilo de voz robotizada que se deshace en corrientes de placer en canciones como “Years” o “Thaw”. Sin ir más lejos, estos dos cortes sobresalen por encima del resto con notabilidad, ya que el experimento en estas dos ocasiones concluye con un rotundo éxito.
LAUREL HALO QUARANTINE REVIEW
Este riesgo en el que la bella cantante se ha sumergido en este par de canciones es un detalle que se echa en falta en otros temas, ya que algunos de ellos (“MK Ultra” o “Morcom”) muestran tan sólo su cara más tímida y no echan a volar en este mundo fugaz, si no que se retraen en sí mismos y no explotan produciendo supernovas del estilo de las ya mencionadas. De no ser por esta ligera falta de valentía, el álbum habría escalado hasta una cima tan alta que da vértigo de tan sólo imaginársela. Aún así, la calidad es realmente alta como se puede comprobar en “Carcass”, que apuesta por unos agudos escalofriantes sobre esa base gris y dividida en estratos, y en “Tumor”, donde durante 3 minutos escasos encontramos el ritmo más acelerado y comprensible de todo el álbum y se consigue edificar una melodía muy coherente y
cercana. “Light + Space” es una piedra preciosa que refleja innumerables brillos y destellos. No sólo es la pieza que mejor muestra las intenciones de Laurel Halo, si no que como cierre tiene un sabor dulce y nunca antes degustado, el cual se convierte en una indescifrable (por el momento) sonrisa en los labios. “Quarantine” está compuesto por una sustancia desconocida, lo cual conlleva dos posibles significados: en primer lugar puede producirse que se sienta miedo por algo que no se conoce, y regocijados en ese pavor, no se consiga descifrar el mensaje. En segundo lugar, la cara opuesta que no deja de ser el atractivo de algo virgen y procedente de un lugar donde lo común y lo cotidiano no tienen sitio. Las sensaciones que produce este LP bien se pueden ver plasmadas en la sangrienta portada, donde las chicas se suicidan pero a la vez disfrutan de ese dolor que hasta ese momento no habían sufrido. La inteligencia que ha demostrado la cantante no hace más que prometernos un futuro lleno de promesas y caminos por explorar que si son lo suficientemente arriesgados, nos llevarán hasta el cielo. Junio 2012 INDIEFERENCIA MAGAZINE 15
Por Sergio Herguedas
JAPANDROIDS “CELEBRATION ROCK”
Una vez dejados los fuegos artificiales de lado, es cuando comienza la verdadera “Celebration Rock“, y es que tras un debut brillante, el eléctrico “Post-Nothing”, “The Night Of Wine And Roses” capta la esencia del debut de Japandroids y a la vez, le aplican un buenrollismo, palpable tanto en el ambiente como entre sus componentes, que dejamos que nuestro cuerpo se deje llevar desde el principio por su sintonía. Y es que si la jugada anterior les ha salido bien, ¿por qué no seguir con sus señas de identidad? Eso sí aplicándole una intensidad que se reparte por igual durante los ocho cortes del disco y una complicidad entre Brian y David que hace que suenen más compactos que nunca, lo que les va
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a dar (y les está dando) muchas alegrías sobre el escenario. Los ‘Oh yeah, all right‘ de “Evil’s Sway” son un buen grito de guerra cuando uno rezuma felicidad por los cuatro costados, lo que en ellos se traduce en una derivación hacia el punk garagero británico de los 90 con una batería que lleva la voz cantante, pero que gracias a la inclusión de más y más pedales a la guitarra, canciones como “For The Love Of Ivy”, suponen una dura competencia hacia la primera en su dura lucha por sobresalir, y es que la destreza que ambos le imprimen a sus respectivos instrumentos no nos deja otra salida que declarar empate técnico. Y conscientes de que el público a estas alturas ya sepan de que pie cojean, “Younger Us” nos
muestra un rock tan categórico que solo nos devuelve a la realidad cuando la psicodelia vuelve hacer acto de presencia en “The House That Heaven Built”, la cual además parece revolverse en sí misma alcanzando el 100% de la esencia Japandroids.
Y saboreando las mieles de un nuevo triunfo, “Continious Thunder” es un claro homenaje vocal que literalmente me ha dejado perplejo y que me recuerda mucho al “Keep Yourself Warm” de Frightened Rabbit, sobre todo en la parte instrumental, donde el tema va cogiendo fuerza hasta que la celebración se da por concluida, haciéndonos entrar en un bucle que jamás nos dejaría salir del disco.
I N D I E Q U E TA S ¿Tienes una banda?
Entonces estás en la sección adecuada. En este espacio tratamos de ayudar a esos grupos musicales que están comenzando y quieren darse a conocer, quieren que la música que han creado con tanta pasión sea escuchada por la mayor cantidad de personas posible.
¿Cuáles serán promocionadas?¿Qué sacan de beneficio las bandas?
Una vez que escuchemos en la redacción los discos autoproducidos/maquetas/EPs que recibamos en nuestro correo, elegiremos las que más nos gusten y serán promocionadas mediante una pequeña review que será publicada en la web, como también en nuestra cuenta de twitter y Facebook de la revista. En esta review hablaremos sobre la banda y la maqueta. Además las 5 mejores maquetas de cada mes saldrán en la revista del PDF mensual en su sección correspondiente.
El estilo musical nos es indiferente, aunque debería encajar dentro de los estilos que solemos hablar en la revista: indie, rock, rock alternativo, post-rock, shoegaze, indietronica, dreampop, psicodélica,..etc
¿Qué es necesario?
Tener un disco autoproducido/EP/Maqueta. Mínimo 2 canciones. Tener vuestro trabajo colgado en Soundcloud o Bandcamp No tener sello discográfico
¡Envíanos vuestro trabajo!
Las demos/maquetas/EPs nos las tenéis que enviar a esta dirección de correo: indiequetas@indiefermag.com
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A LT- J
AN AWESOME WAVE Por Joaquín Ollero
Este cuarteto musical de Leeds ha compuesto un revolucionario álbum debut que ha sorprendido a medio mundo, ya que la música que han creado inspira evolución y movimiento a partes iguales y promete un futuro enorme para la banda.
El resultado que se produce tras la combinación de las teclas Alt-J en una máquina Mac es el símbolo delta (∆), terminología muy utilizada en el universo matemático. El guitarrista y bajista de la banda se pronunció indicando que esta letra griega que aparece con frecuencia en el contexto de ecuaciones y números normalmente sugiere cambio, y dicho significado subyace en la filosofía de esta nueva banda inglesa de rock independiente. Tras conocerse en la Universidad de Leeds en 2007, los cuatro componentes del grupo pasarían unos años tocando a menor escala en diferentes localizaciones e ideando
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este primer trabajo que en un primer acercamiento se podría afirmar que tiene un sabor claramente british y que se asemeja de bandas paisanas como Mumford and Sons o Little Comets, aunque también hay momentos en los que se acercan al cantautor de raíces americanas, a África, a la cultura india y todo ello aderezado con microsonidos a mansalva al estilo Burial. “An Awesome Wave” como título representa fielmente la sensación que se desprende de cada una de las 14 canciones que conforman el LP, ya que durante la escucha notamos con claridad que estamos siendo testigos de un acontecimiento grande y
especial. Alcanzan el éxito y lo hacen sustentando su inteligencia en diferentes pilares. El primero de ellos es la lograda capacidad para sorprender al oyente en cada canción ya que en el momento menos pensado nos asaltará un cambio de velocidad en la batería, o esos sonidos de repente calmados mutarán en una brisa de ritmo y optimismo. También es obligatorio destacar el buen gusto de esta maquinaria que funciona armoniosamente gracias a la arquitectura interna del álbum (dividiendo y estableciendo secciones con interludios experimentales de corta duración), partiendo desde la peculiar e inspirada voz de Joe
ALT-J AN AWESOME WAVE REVIEW Newman y terminando por las dulces y frescas melodías que nacen desde el teclado de Gus-Unger Hamilton o la guitarra de Gwil Sainsbury.
El telón se abre con “Intro”, toda una declaración de intenciones que divide su tiempo entre un comienzo y un final instrumentales (con diferentes pulsaciones) y cede la parte central a la voz que nos marca con un legendario “One, two, three… yeah”. En teoría a una introducción no se le puede otorgar el título de mejor canción del álbum, aunque Spiritualized ya nos dejó boquiabiertos con la belleza de “Huh?” (el tema que abría su “Sweet Heart Sweet Light” publicado en el mes abril del 2012), pero es que este año estas canciones que sirven de presentación vienen pegando realmente fuerte. Se está convirtiendo en un recurso musical y estético de muchísima importancia que le da elegancia y consistencia al conjunto en total, ya que encierra el contenido de peso y primordial que se quiere ofrecer entre una apertura y un cierre (normalmente de las mismas características) que le da una forma simétrica muy atractiva a los trabajos. En este caso no tenemos ese broche de oro puramente instrumental, si no que dada la determinación del comienzo, decidieron que a esas tempranas alturas de vida era necesario incluir un interludio exclusivamente a capella antes de entrar en palacio.
Situadas antes del siguiente descanso musical, ”Tessellate” juega con subidas y bajadas de tono e intensidades como las posee el estribillo, aunque no muestra toda la excelencia que sí tiene “Breezeblocks”, el single que mejor ha funcionado por el momento del álbum (con un videoclip que os tendrá pegados a la pantalla hasta que finalice), y es totalmente comprensible
porque es la representación más fidedigna de esa ola majestuosa e impresionante que nos sugerían, y para demostrarlo no hay más que
aproximarse al tercio final del tema para asombrarnos con esas frases a diferentes voces al mismo tipo que nos ruegan y nos revelan “Please don’t go… / I love so…”. Y tras semejante poderosa descarga musical, ¿qué mejor que adornar el ambiente con un punteo suave de una guitarra acústica con sonidos cotidianos de fondo? Desde el principio y gracias a este tipo de detalles nos damos cuenta de cuan importante es para Alt-J controlar el flujo de intensidad que nos van cediendo poco a poco. A priori parece un matiz sin importancia y desapercibido, pero existe y está presente, y ello le suma incuestionable inteligencia y calidad al producto.
Todo lo escuchado hasta el momento es una parte muy importante del trabajo, pero si tenemos que limitar la parte central del álbum diríamos que se sitúa desde “Something Good” (con unos solos de piano espectaculares y una gran culminación de potencia en el estribillo) hasta “Fitzpleasure”, ya que los 5 temas recogidos en ese área son de sobresaliente se les mire por donde se les mire. “Dissolve Me” recuerda a cualquier playa inglesa en verano repleta de
piedras y olas, y se proclama como el corte más alegre de todos (por lo menos en sonido). “Matilda” se traduce en delicadeza y fácilmente se pone la corona por ofrecernos los mejores minutos de este disco. “This is from Matilda…” se repite constantemente durante todo el minutaje de la canción, y a cada vez que suena nos hace desear escucharlo una vez más. “MS” aclara, por si hubiese alguna duda, que el estilo de la banda está perfectamente definido, y es que les encanta detenerse en mitad de la carretera para observar el paisaje y luego acelerar como si no hubiese mañana. Además, la sección coral ofrecida en este tema es totalmente peliaguda y se merece un sonoro aplauso.
De aquí hasta el final se nos prepara concienzudamente para el gran golpe emocional que es terminar esta gran obra de arte que hemos podido disfrutar segundo a segundo. “Bloodflood”, “Taro” y la canción secreta “Hand-made” son temas que se sienten de menor peso pero que sin embargo no tienen menos calidad que el resto. Y de esta forma concluye un álbum que nadie esperaba en estos momentos pero que se sitúa entre los lanzamientos más acertados y de mayor calidad del año. Y es que no hace falta tener un nombre que todo el mundo conozca y una ingente cantidad de dinero para crear música. Simplemente se necesitan ideas y llevarlas a cabo, plasmar los pensamientos en notas musicales. Si la principal característica de este LP es sorprendernos con su propósito, que se sepa desde ya que han sobrepasado unos límites que seguramente ni ellos mismos podían imaginar.
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NEW BAND TO W Por Sergio Herguedas
TCH
OS RECOMENDAMOS LAS MEJORES BANDAS INTERNACIONALES EMERGENTES
Holy Esque / Holy Esque EP
Holy Esque es una banda formada por cuatro tipos de Glasgow que llevan haciendo música desde el año pasado, y que, gracias a unas demos que les pusieron en el ojo del huracán, podemos hoy disfrutar de cuatro cortes de rock aderezado por unos vocales muy desgarradores, y una forma de presentarlas que recuerda a Joy Division. Ya desde el primer momento, y aunque son unos recién llegados, se percibe en el ambiente una claridad de ideas a la hora de definir un sonido, el cual forma un tándem perfecto con esa voz a la americana que deforma todas y cada una de las palabras que salen por su boca, que tan bien
desarrollan en “Ladybird Love”. Su discurso aúna una rapidez y una fuerza inusitadas que solo reman a contracorriente en “Loneliest Loneliness”, donde el bucle instrumental en el que nos vemos envueltos, recoge esa soledad de la que hace gala este título, y a la que consiguen llegar gracias a esos riffs de guitarra y esas líneas de bajo crujientes que ponen los pelos de punta. Y con la ligera sensación de que este corte podría transmitirme lo mismo que en formato acústico, llega “Prophet Of Privilege” para juntar a todos en su composición cromática, hacer y cerrar así un debut que parece no querer marcharse de nuestro oídos.
I've Become Vapour / I've Become Vapour
Las recomendaciones de grupos siempre me han gustado, y esta de Holograms, una new band to watch muy a tener en cuenta y que este
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año va a dar mucho de que hablar gracias a que estranará su disco debut, más todavía, ya que una vez escuchadas las tres canciones de "I've Become Vapour", no he podido encontrar información sobre el grupo de mismo nombre, lo que me hace pensar que los integrantes de ambas bandas tienen algo que ver entre ellos. Y dejando suspicacias a un lado “WRR:er” es como escuchar flamenco del bueno en donde las palmas se han sustituido por un línea de bajo muy grueso que va
muy bien con los vocales a lo The Cure, aunque el regusto está más en la instrumentación. “Tear Them Down”, sin embargo, se centra más en el aspecto vocal, el cual se reafirma con leves puntadas instrumentales que van y vienen creando un bucle en su corta vida. Y “Save Me Bright” es un canto a la desesperación, la cual va comiendo terreno a todo lo demás, hasta dejar un vacío tras de sí que solo escapa a la oscuridad industrial creada para la ocasión.
The Rest / Seesaw
Desde hace unos meses, The Rest, el grupo con base en Ontario y que tiene en sus filas a siete músicos, publicó que en Junio vería la luz su nuevo álbum "Seesaw", pero lo que más me llamó la atención, fue que cada cierto tiempo iba a presentar una canción nueva para su escucha y descarga gratuita, con lo que cada uno se podía ir haciendo su propio disco.
Diez canciones orquestadas para que la voz de Adam alcance en muchos casos una magnificencia que se convierte en un matiz indispensable para entender este grupo, como reflejan “Who Knows” o “Always In My Mind”. Aunque también a este respecto, hay que apuntar que si consiguen llegar hasta este punto, es gracias a los monosílabos alargados utilizados como estribillos. Y entonamos “Laughing Yearning” con unos
NEW BAND TO WATCH cambios de registro vocales que hacen que pasemos de la tristeza a la euforia en cuestión de segundos,
cobrando más fuerza los primeros, y es que sigue emociónandome como el primer día, esa sensación de que todo lo que está suciendo a su alrededor se desmorona por completo, eso sí, mientras todo ello se ve envuelto en percusiones que les devuelven la felicidad perdida. Y
An Blonds / An Blonds
Los hermanos Nathan y Ryan proceden de Washington, pero actualmente se mueven por tierras inglesas, lo que ha llevado a que An Blonds, tome elementos de aquí (Mánchester) y de allá (Londres), y nos entregue un EP, dotado de cuatro composiciones diferentes entre sí, pero iguales de espíritu. La primera piedra la pone “Breathed You Out”, un compendio entre dream-pop arenoso y muy melancólico que instaura el verano en el ambiente y que recuerda a las composiciones de Tennis, pero enseguida los vocales lo-fi empleados nos aleja de ellos, al igual que “Creeps Out” hace lo propio con esta estación del año, y es que a
de la nada, parece como si los mismísimos Delorean tomaran posiciones en “John Huston” para llevar el tema hacia una experimentación que mantiene los pies en la tierra y no pierde las señas de identidad del grupo. Y aparte de llevar a cabo esta convicción hasta el final, tratan de hacernos ver como se mostrarían en directo tanto en “Could Be Sleeping” como en “The Last Day”, siendo en esta última donde sacan todo su potencial tanto en formato acústico como en eléctrico, conviertiendo estos momentos en una auténtica Jam Session.
Y para despedirse, nos transportan a un pop clásico donde por momentos recuerdan al mismísmo Beirut, haciendo que nos acostumbremos a la oscuridad sonora que prosigue tras apagarse la llama de “Slumber”.
través de ella parece que se divisen los últimos rayos de sol de cualquier atardecer. O los primeros rayos del amanecer, y es que con el despertar, “El Mudo” empieza de forma dubitativa hasta que toma el camino del tropicalismo y de una distorsión emocional donde parece que todo va a quebrar, al igual que las últimas muestras de Animal Collective. Y con “This Is The Girl”, uno tiene la sensación de que detrás del teclado, se podía haber sentado el mismísimo David Lynch para jugar a ser Tom Petty, lo que explicaría el amalgama de sonidos del mismo y la creación de An Blonds como grupo y como disco. Junio 2012 INDIEFERENCIA MAGAZINE 21
I N D I E Q U E T A S JUNIO Por Jesús Daniel Marín
CHEAP CIGARETTES
B e C a r e f u l O f W h a t Yo u S a i d
Amigos, este mes dejamos paso a nuestro lado más bruto en las indiequetas. Deberían llamarse stonerquetas o garajequetas, porque vaya apisonadora que traemos. Descarados, jóvenes, con mucho talento… palabras que pueden ser la tarjeta de presentación de Cheap Cigarettes. Nacieron como grupo en 2010 y desde entonces ya han grabado dos EP’s. Antes de eso, se divertían haciendo versiones de grupos por los cuales compartían el interés. Pero es ahora con su segundo EP con lo que nos han despertado los oídos y reclamado nuestra atención. Joan, Marc, Álvaro, Laura y Gerard. Ellos son los encargados de darle forma a las canciones de Cheap Cigarettes y de crear un sonido tan compacto y poderoso, que bien puede recordarnos a un amplio abanico de grupos, desde unos primeros Arctic Monkeys, pasando por Queens Of The Stone Age hasta los Libertines. Ya habíamos avisado que sonaban potentes, pero cuando empecéis a escuchar “A Song Through The Valley” os daréis cuenta por vosotros mismos. Un riff acelerado con una batería que martillea desde atrás hasta que una áspera voz nos dirige a través de un pasaje de punteos para llegar a un nuevo cambio de ritmo que endurece aún más la canción. Rock señores, eso es lo que están haciendo estos chavales barceloneses. “Some Kind Of Joke” empieza en una onda más oscura, casi en un estilo Horrors, que mantiene a lo largo de toda la canción,
con cambios de ritmo una vez más, ahora más marcados debido a la inclusión de algún parón en la canción. Casi sin darnos cuenta y sin bajar el pistón, cambiamos a “Chelsea Hotel”, marcial en el ritmo impuesto por el bajo de Laura y que desemboca en un poderoso solo de guitarra, de influencias casi metaleras, pero con un sonido bastante más sucio, bebiendo de esas fuentes del garaje rock que hablábamos con anterioridad. “Belvedere” es la penúltima canción de este EP. Distorsión, de nuevo una voz rasgada al estilo Lemmy Kilmister que queda en un segundo plano por la impresionante instrumentación que tiene este tema. Lo remata otro enorme solo de guitarra, acompasado con la batería, en un clarísimo estilo QOTSA, con la segunda guitarra creando una pantalla de sonido desde el fondo y provocando que nuestros oídos pidan clemencia ante tal potencia.
A modo de despedida, “Thank You For Your Visit” tiene un regustillo a Metallica. A los Metallica de las baladas poderosas, los que te erizan la piel del escroto, siendo francos. No sé si es por la maravillosa guitarra, los golpes de la batería o ese interludio en el que el bajo se torna en Chris Wolstenholme, pero lo que está claro es que la pegada que tienen Cheap Cigarettes queda demostrada en el ultimo minuto y medio del EP, donde la calidad y la mala leche se dan la mano para instaurar un nuevo orden dentro de la música: queda mucho rock and roll y ellos están dispuestos a reventarnos los tímpanos a base de buena música.
* Dónde escucharlos / Cheapcigarettes.bandcamp.com
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Por Jesús Daniel Marín
The Parrots / Cozy
Diego, Dani y Alex son tres hermanos que decidieron allá por el 2008, y más concretamente durante el verano, enseñar al público madrileño lo que The Parrots eran capaces de hacer encima de un escenario. Dicha jugada fue tan satisfactoria, que a partir de ahí, dieron el paso natural, lo que se saldó a finales del 2010 con el EP "Cozy" en donde, a día de hoy, se sigue palpando la frescura como si por él no hubiera pasado el tiempo. “Cozy”(single) no es el típico empiece que uno espera a tenor de su juventud, ya que se respira esa madurez que uno adquiere cuando pasa por la Sala Nasty, el Ocho Y Medio o la Sala Costello entre muchas otras, ya que suenan directos y rápidos, pero sin precipitación ninguna y dándose un respiro los unos a los otros, cualidad que hasta ellos mismos agredecen. Pero sin
JUNIO INDIEQUETAS duda, lo que más llama la atención y lo que le da ese toque diferenciador (y de calidad) es la voz de Diego, encabronada y británica a partes iguales. Atributos que alcanzan su máximo en “Last Chance” y “Rotten Wood”, en donde no puedo dejar de imaginarme al mismísimo Pete Doherty agarrado a su micrófono absorto en su mundo mientras el resto lo miramos fascinado.
Pero su carrera no sólo se queda ahí, ya que unos meses más tarde, decidieron seguir alimentando nuestros oídos con “Amsterdam”, un track que tendrá continuidad este verano en forma de EP, en el que la banda pretende sonar más potentes. Y a buen seguro que alguna demo sonará en los conciertos que darán junto a Trajano!, The Bleach o Sra Sr Sra.
* Dónde escucharlos / Theparrots.bandcamp.com
Boza / Lapislázuli EP
El boca a boca y las redes sociales, nos hacen descubrir cosas que de otra forma nos hubiese sido imposible llegar a ellas. Así es como un día, descubrí a una chica de Cádiz que tenía un EP autoproducido, y se dedicaba a mostrar las canciones que había en su interior allí donde su presencia fuera requerida. Esta podía ser la mejor introducción para Carmen, la artista que se esconde tras su apellido, y “Lapislázuli“, el primer paso en la música, y en el que ha colaborado Román Méndez (Miss Caffeina) en alguna de sus canciones.
“Dos Puntos Sobre O” es el tema que abre el disco y rápidamente se convierte en una de esas canciones que te gustan desde el principio y de las que al final te acabas enamorando. Y es que, son muchos los sentimientos que se cruzan durante su camino, y de los que son altamente responsables tanto la magia instrumental como la dulce voz de nuestra artista. Las emociones a flor de piel se van calmando a medida que “El Ejército” va haciendo acto de presencia, un tema que me recuerda muy y mucho al “My Better Self” de Tennis, en donde Carmen podría cumplir el papel de Alaina a la española perfectamente. Con un estilo también clásico podríamos enmarcar a
Por Sergio Herguedas
“Sirenas”, donde el tema nos invita a dejarnos mecer por la instrumentación mientras las palabras cobran vida y nos convierten poco a poco en seres más felices, y es que uno de los motivos que impulsa sus letras, es el de convencernos que las cosas se pueden cambiar. Y para que surta efecto su mensaje, “Fisiones Nucleares” se encarga de llevarnos un paso más allá en su convicción a través de rock y pop a partes iguales, incluso permitiéndose el lujo de endulzarlo con un poco de electrónica para dejar paso al baile de tintes clásicos al que hace mención su nombre, “El Pequeño Vals Sin Título”, en el corte que cierra esta pequeña aventura, y en donde más que nunca la relación con el oyente se vuelve intimista, llegándose a convertir en un cara a cara entre ambos.
Y para ir abriendo boca acerca de lo que vendrá en un futuro no muy lejano, Carmen nos da pequeñas pistas de hacia dónde se va a dirigir su siguiente proyecto a través de ‘cápsulas’, que ella misma se encarga de subir a su cuenta de Soundcloud, y que hace más fácil la espera hasta que podamos disfrutar de nuevo material.
* Dónde escucharlos / Boza.bandcamp.com
Junio 2012 INDIEFERENCIA MAGAZINE 23
Ico Top: Junio
INTERNACIONAL
Por Quique Gómez
JAPANDROIDS / Celebration Rock
Lo de Japandroids iba muy en serio cuando lanzaron “Post-Nothing” (2009) y todo el mundo se aventuró a calificarlos como lo más cool del momento. No se podía ser más rentable. Ni se le podía sacar más partido a dos únicos instrumentos (guitarra y batería) ni se podía hacer más ruido con ellos. El formato dúo indie-punk-rock estaba de moda (No Age) pero ellos tendieron más por la inmediatez que por la profundidad. Más por el noise que por el rock alternativo. Sin experimentos ni malabarismos supieron exprimir el formato a base de subir el volumen.
¿Otra banda más? ¿Otros oportunistas que se suben a la moda del momento y les sale bien? ¿Otro disco ideal para eso que se suponía que necesitábamos escuchar en ese momento (otra vez, moda)? Pues todo parecía indicar que sí, que no se trataba más que de todo eso. Más aún cuando reúnen sus dos primeros EP’s previos, “All Lies”
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(2007) y “Lullabies Death Jams” (2008) en un solo LP que titulan originalmente “No Singles” (2010) y que nos quieren colar en formato inverso (de blanco), viniendo a demostrar que sí, que antes no eran tan buenos. Brian King (guitarra) y David Prowse (batería) forman este dúo de Vancouver, y llega el momento, con este “Celebration Rock”, de aprendernos sus nombres. Sin demasiadas esperanzas puestas en el siempre complicado segundo álbum, éste pasa en un suspiro en la primera escucha, entre el ruido llevado al extremo y la vergüenza ajena de llenarlo íntegramente de “ooohs”, “uuuhs” y “oh yeahs”. ¿¡Pero qué coño!? ¿No se trataba de eso precisamente en el rock? ¿No se ha ido buscando exactamente eso a lo largo de la historia? “Celebration Rock” no podía tener mejor nombre porque es el auténtico manual del rock. Nada de sub-etiquetas, ni indie ni post-nada. Desde la segunda escucha empezamos a prestar atención en el cuidado con el que han tratado todas y cada una de las canciones que lo componen. Subidones estratosféricos, estribillos infinitos y épica rock con, joder, dos instrumentos. No existe respiro alguno, no te dejan tiempo al aburrimiento porque desde la primera “The Nights Of Wine And Roses” hasta la última y elegante “Continuous Thunder” no hay una mínima brecha. Todo funciona tal y como debería ser en canciones largas que ni siquiera lo parecen. Incluso dentro de su propio estilo gritón, son capaces de variar (algo) en canciones como “For The Love Of Ivy” con regustillo blues o la más stadium-rock que es “The House That Heaven Built”.
Es en estos tiempos que vivimos de crisis y guerras, de religiones y pobreza cuando contraatacan bandas como Cloud Nothings, The Men y Japandroids hartos de tanta mierda. Porque todavía existe algo que celebrar: el rock.
DIIV / Oshin
El proyecto paralelo de Zachary Cole Smith (Beach Fossils) tiene aún más de profundidad que su banda original. Los antes conocidos como Dive firman la sorpresa del mes (¿del año?) en un espectacular derroche de guitarras que van desde el shoegaze, al lo-fi, pasando por el post-punk. Por si fuera poco, las voces y coros no hacen más que ayudar en la superposición de capas para dejarte levitando entre tanta densidad de texturas. Espectacular. Acostumbrados que estamos a que estos sonidos se alarguen hasta el dream-pop, aquí la emoción es efímera, pues son canciones cortas, autoimponiéndose el más difícil todavía, porque lo que debería sonar cansino (13 canciones) se convierte en la originalidad llevada al extremo. No sé qué porcentaje de gente disfrutará de un disco así, pero desde luego va a poner en comunión a un montón de gustos diferentes. Para hacernos una idea de qué son DIIV hay que mezclar a Real Estate con Deerhunter y con The Cure. Casi nada.
The Walkmen / Heaven
Menuda racha llevan los de Hamilton Leithauser. Desde que decidieron “envejecer” con el aún no superado “You & Me” (2008) se han marcado tres joyas. Este “Heaven” lo podemos situar, sin miedo, a la altura del segundo asalto a la madurez, “Lisbon” (2010). Y tampoco es que hayan cambiado tanto las cosas desde “Pussy Cats” (2006), pero esa fórmula hype que ellos sí supieron mantener con los años (The Strokes no quisieron mirar en la misma dirección) se agotaba inevitablemente. Será la edad, o será el estilo, pero la evolución lógica que tomaron con ese inolvidable disco de 2008 todavía puede durar otros cuantos años, porque siguen en forma. Lo demuestran, sobre todo, las primeras canciones de este lote, que hacían presagiar lo que al final, por poco, no llega. No es el mejor álbum que tienen, pero se mea en la grandísima mayoría de todos aquellos que intentan probar con el rock acordándose de los orígenes.
Grass Widow / Internal Logic
Grass Widow son la enésima banda retro de post-punk, garage, revival, etc… Otras Vivian Girls, Best Coast, Dum Dum Girls o Veronica Falls. Pero hay dos motivos que hace que este trío de San Francisco aparezca en este top: su personalidad y el bajo. Dos cosas que las diferencian de tanta competencia. La primera es porque son capaces de ser menos directas que el resto, guardándose ases en la manga (lo mejor del disco está al final) y colocando interludios al final de las caras (está descaradamente concebido para el vinilo); y la segunda es evidente, porque ese bajo suena, directamente, a Joy Division, sin tonterías y con una distorsión que más que impostada juega a su favor, mezclándose a veces con la preciosa voz principal y coros de forma magistral. Por lo demás, más de lo mismo, sea virtud o defecto aquí hay buenas melodías y buen ritmo que, con ayuda de ese prodigioso bajo todo entra mejor.
Fiona Apple /
The Idler Wheel Is Wiser Than The Driver Of The Screw And Whipping Cords Will Serve You More Than Ropes Will Ever Do
Fiona Apple es la típica guay que me cae mal. Y con el nombre de su nuevo álbum está para el bofetón. Pero seamos serios, que yo soy el primero que idolatra a pijipis como Björk o Joanna Newsom. La neoyorquina llevaba sin editar álbum desde el espectacular “Extraordinary Machine” (2005), y aquí, siete años después, mantiene las mismas señas de identidad que la convirtieron en artista de culto. Poco prolífica pero eficaz (menos mal), este nuevo “The Idler Wheel…” es el resultado de otro buen puñado de canciones (no tan inspirado) que van del cabaret a la canción de autor (muy necesarias las letras, pues ahí reside la gracia) bañadas todas con el aroma del elegante pop-soul. Piano, mucho piano, alguna guitarra y batería de fondo y su preciosa voz para ver cómo pasan los temas y cada uno te convence más que el anterior. Esta maldita esnob mola un huevo. Que no tarde tanto para el próximo. Junio 2012 INDIEFERENCIA MAGAZINE 25
Ico Top: Junio
NACIONAL
Por Quique Gómez
Grushenka / Técnicas Subversivas El noise pop que tan buena generación de bandas vio nacer en los ’90 en nuestro país (Penélope Trip, Surfin’ Bichos, Cancer Moon, los primeros Planetas, etc…) se ha ido olvidando por completo hasta esta nueva ola actual donde todo lo anterior vuelve a ser moda. Lo retro que tanto gusta pero hoy en día siempre con un filtro de inocencia o pureza. Si antes, lejos, era My Bloody Valentine ahora es The Pains Of Being Pure At Heart; y si antes, cerca, era El Inquilino Comunista ahora es Odio París. Los Grushenka que nos ocupan tienen mitad de los de antes, y mitad de los de ahora. Son como los citados barceloneses pero con un punto más de mala leche; o como Triángulo De Amor Bizarro sin tanta.
Grushenka son un jovencísimo grupo de veinteañeros formado en Barcelona en el año 2010. Ellos son Xavi (guitarra y voz), Laia (teclados), Enric (batería) y Erik (bajo) y ya les ha dado tiempo a beber de todas esas fuentes de las que hablábamos antes, especialmente una que hemos querido dejar para este momento: The Jesus & Mary Chain. Al igual que los escoceses, Grushenka buscan el pop más allá de las capas de
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shoegaze, sintetizadores y distorsión. La sensibilidad que desprenden “Será Algo Imposible”, “Orgullo Amordazante” o “Siempre Actúo Rápidamente Y Absurdamente”, por ejemplo, no está al alcance de cualquiera.
Este cuarteto catalán tiene el don. Han sido bendecidos por los dioses del gusto exquisito, esos que como muchos de nosotros, echaban tantísimo de menos esa esencia perdida hace ya demasiados años. Son capaces de mezclar en una sola canción la fuerza de Penélope Trip, el estilo de Mercromina y la adicción de Los Planetas (en “Mi Estrategia Vital”, con la que se dieron a conocer, no incluida aquí, cantan: Y esto no lo arreglan mis letras / Ni san Jota de Los Planetas) en un señor temazo. Pero tranquilos, no la echaremos de menos, porque vamos a encontrar en este álbum de debut muchas dosis de esa benévola droga: “Piel De Naranja”, “Técnicas Subversivas”, “Ese Gran Lunar De Tu Espalda” y, sobre todo, “Los Chicos Del Futuro”. Sensaciones parecidas a las transmitidas con el “Super 8” (1994). Ojo que esto va muy en serio. Debut nacional del año (con permiso de John Talabot).
Jonston / Veo Visiones
Si en el homónimo debut en 2007 de José Ignacio Martonell, alias Jonston, se hablaba de Deluxe y el mod de The Kinks, con esta continuación tenemos que hablar de Sr.Chinarro y The Beatles. Uno por la originalidad y cantidad de registros, y otros por la puntería con la que clava cada uno de sus intentos. Está sembrado. Letras surrealistas en una gran parte del conjunto, emocionantes en otra y arriesgadas en todas. Como ejemplo, “Bat-chulapo”, una frikada que a priori no hay por dónde cogerla pero que se convierte por méritos propios en una de las mejores. Igual tiene que ver el hecho de que este disco ha sido grabado en los estudios de Paco Loco, y claro, lo que ocurre allí, allí se queda. Más que promesa, Jonston es ya una realidad. Del cabaret oscuro a lo Tom Waits en “Presentimiento De Culpa (Calamar Dos)” al brit pop de Teenage Fanclub en “Apaga Y Enciende” en un santiamén.
Templeton / El Murmullo
A quien no le guste el nuevo rumbo que han tomado Lori Meyers y su maxi-party festivalera (¿se me nota mucho?), que no se preocupe: seguimos teniendo a Templeton. En el segundo álbum, estos madrileños (también grabado en Paco Loco’s) dejan de dar los palos de ciego que dieron en “Exposición Universal” (2009) y toman el testigo de ese añorado “Viaje De Estudios” (2004), siempre con referencia al legado de Los Brincos pero mirando algo más hacia adelante. Habría que coger este álbum y explicarle a Noni y los suyos que sí se pueden meter sintetizadores sin cambiar de registro, con sutileza (“Sabe Mejor”). Cuántas bandas se partirían la cara por canciones tan redondas como “El Cazador”, “Miércoles Capítulo” y, por encima de todas, ese bien escogido single, la tremenda “Los Días”. Templeton consigue con este segundo disco algo curioso: contar historias con música en un punto intermedio entre la inseguridad y la certeza, algo difícil de explicar. Resumiendo: es bonito.
Love Of Lesbian / La Noche Eterna. Los Días No Vividos
No entiendo esa manía que le ha dado a las bandas por realizar discos dobles con el riesgo que supone. Está claro que si hay calidad (además de cantidad) y pueden costearlo, adelante, sin problemas. Pero es una jugada que habría que pensarse muy bien. Love Of Lesbian están tan sobrados que se lo pueden permitir, pero en “La Noche Eterna. Los Días No Vividos” ocurre algo muy parecido a lo que pasó con Smasing Pumpkins allá por 1995, con el archiconocido “Mellon Collie And The Infinite Sadness”. Los de Billy Corgan venían de grabar esa joya atemporal e imprescindible que era “Siamese Dreams” (1993) donde absolutamente nada falta y nada sobra. En su citada continuación probablemente había mejores canciones, pero en la relación calidad/cantidad salía perdiendo. Pues eso es lo mismo que le pasa a los barceloneses con el actual disco y el casi perfecto “1999” (2009). En el nuevo las hay mejores, pero en el anterior no sobraba nada.
Montevideo / El Año Del Dragón
Cuarto álbum ya de Montevideo que, aprovechando el calendario chino, titulan “El Año Del Dragón”. Viene a suceder al notable “Vértigo Y Euforia” (2010) y se pone un peldaño por encima. Y lo hace porque, esta vez sí, parece que han madurado. Como si les hubiese dado tiempo a sufrir desengaños amorosos o rupturas, las letras, ahora con tono agridulce, pegan mucho mejor con unas melodías a la vez más adultas. Dejan, por tanto, el tono festivo que bañaba la gran mayoría de suscanciones hasta la fecha. El encargado de la producción, Raúl Pérez (responsable también de bandas como Pony Bravo y Mañana), les ha tenido que dar consejos, y de los buenos. Un buen ejemplo de ello, y que nada tiene que ver con el primer single (“Es La Última Vez”) es “Nana”, una canción larga con reminiscencias a su Sevilla natal, con bajada de intensidad a mitad casi tan imponente como la posterior subida (theremín incluido). Junio 2012 INDIEFERENCIA MAGAZINE 27
INDIESPENSABLES: Junio 2012
Quique Gómez
DISCOS
CANCIONES
Ander Simón
DISCOS
CANCIONES
F. Javier M. Bel
DISCOS
1. Van She - Idea Of Happiness 2. Japandroids - Celebration Rock 3. Maxïmo Park - The National Health 4. Reverend And The Makers - @ Reverend_Makers 5. A Place To Bury Strangers - Worship
CANCIONES
1. Muse - Survival 2. Gallows - Last June 3. The Toxic Avenger - 3/2/1 (feat. Heidi Cannon) 4. Smashing Pumpkins - The Chimera 5. Van She - Jamaica
Jesús D. Marín
DISCOS
CANCIONES
David G. Altarejos DISCOS
CANCIONES
Joaquín Ollero
CANCIONES
1. Japandroids - Celebration Rock 2. DIIV - Oshin 3- Grushenka - Técnicas Subversivas 4. The Walkmen - Heaven 5. Grass Widow - Internal Logic
1. Alt-J - An Awesome Wave 2. Nudozurdo - Ultra Presión 3. Hot Chip - In Our Heads 4. Japandroids - Celebration Rock 5. Napoleón Solo - Chica Disco
1. Citizens! - Here we are 2. Maxïmo Park - The National Health 3. A Place To Bury Strangers - Worship 4. Totally Enormous Extinct Dinosaurs - Trouble 5. Japandroids - Celebration Rock
1. Alt-J - An Awesome Wave 2. Citizens! - Here We Are 3. Maxïmo Park - The National Health 4. Totally Enormous Extinct Dinousaurs - Trouble 5. Paul Banks - Julian Plenti Lives
DISCOS
1. Maxïmo Park - The National Health 2. Exlovers - Moth 3. Metric - Synthetica 4. DIIV - Oshin 5. Laurel Halo - Quarantine
28 INDIEFERENCIA MAGAZINE Junio 2012
1. Cat Power - Ruin 2. Templeton - Los Días 3. Japandroids - Fire's Highway 4. The Walkmen - We Can't Be Beat 5. Alt J - Something Good
1. Nudozurdo - Cementerio de Errores 2. Alt-J - Breezeblocks 3. Muse - Survival 4. Why? – Sod In The Seed 5. Hot Chip - Motion Sickness
1. Maxïmo Park - Waves Of Fear 2. Citizens! - Let's Go All The Way 3. Turbonegro - Shake Your Shit Machine 4. Smashing Pumpkins - Panopticon 5. Japandroids - Adrenaline Nightshift
1. Alt-J - Taro 2. Citizens! - True Romance 3. Julian Plenti - Cavern Worship 4. Maxïmo Park - Until The Earth Would Open 5. Totally Enormous Extinct Dinousaurs Tapes & Money
1. Maxïmo Park - Reluctant Love 2. Elite Gymnastics Here, In Heaven 4 & 5 (CFCF Remix) 3. Fiona Apple - Every Single Night 4. Exlovers - Emily 5. Japandroids - Fire's Highway
INDIESPENSABLES: Junio 2012
Alejandra Otero
DISCOS
CANCIONES
J. N. Carretero
DISCOS
CANCIONES
Sergio Herguedas DISCOS
CANCIONES
Maje M.S.
CANCIONES
1. Paul Banks - Julian Plenti Lives... (EP) 2. David Bowie - Ziggy Stardust 40th Anniversary 3. RJD2/Wax Tailor - Heart Stop (EP) 4. Maxïmo Park - The National Health 5. The Hives - Lex Hives
1. Maxïmo Park - The National Health 2. Nudozurdo - Ultra Presión 3. Napoleon Solo - Chica disco 4. Japandroids - Celebration Rock 2. Smashing Pumpkins - Oceania
1. DIIV - Oshin 2. Alt-J - An Awesome Wave 3. The Hundred In The Hands - Red Night 4. Japandroids - Celebration Rock 5. Totally Enormous Extinct Dinosaurs - Trouble
DISCOS
1. Smashing Pumpkins - Oceania 2. Napoleon Solo - Chica disco 3. DIIV - Oshin 4. Maroon 5 - Overexposed 5. Fiona Apple - The Idler Wheel
1. Paul Banks - Summertime is Coming 2. RJD2/Wax Tailor - Heart Stop 3. Maxïmo Park - When I Was Wild 4. Muse - Survival 5. MGMT - Futurgames
1. Citizens! - Let's Go All The Way 2. Maxïmo Park - When I Was Wild 3. Nudozurdo - Cementerio de Errores 4. Japandroids - Fire's Highway 5. Smashing Pumpkins - Oceania
1. Sizarr - Boarding Time 2. Funeral Home - Stuck Here 3. Purity Ring - Belispeak 4. An Blonds - Breathed You Out 5. Japandroids - Fire's Highway
1. Fiona Apple - Every Single Night 2. Napoleón Solo - Sueña conmigo 3. Muse - Survival 4. Cat Power - Ruin 5. Maroon 5 - Sad
LISTAS SPOTIFY
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Junio 2012 INDIEFERENCIA MAGAZINE 29
REDACCIÓN
Ander Simón, Quique Gómez, Joaquín Ollero, F. Javier Moreno, Jesús Daniel Marín, David García Altarejos, Alejandra Otero, Ale Betancort, J.N. Carretero, Sergio Herguedas, Maje M.S. DISEÑO & MAQUETACIÓN
F. Javier Moreno
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Marcus Maschwitz. Foto review Citizens! A todos los participantes de INDIEquetas MAIL
contact@indiefermag.com En INDIEFERENCIA Magazine tenemos el fin de divulgar información sobre la música que nos gusta. Desde los grupos más destacados de la escena hasta las nuevas bandas que aún son desconocidas por la mayoría del público.