INDIEFERMAG Nº 7. Enero 2012

INDIE

ENERO 2012 | Nº 7

magazine

LANA DEL REY BORN TO DIE

ENTREVISTAS LÜGER * ODIO PARÍS * GREN SPENCER (THE LYSERGIC SUITE) DOSSIER BLUR & NICK CAVE AND THE BAD SEEDS Y ADEMAS OS HABLAMOS DE

THE DOORS * TRIBES * CRIPPLED BLACK PHOENIX * WE ARE GHOSTS GRUPO DE EXPERTOS SOLYNIEVE * SIX BY SEVEN * CLOUD NOTHINGS * FIRST AID KIT y mucho más

INDICE

INDIEFERENCIA MAGAZINE

Dossier: Nick Cave And The Bad Seeds 3 Review: We Are Ghosts: Broadcasting 12 Six By Seven: The Death Of Six By Seven 13 The Doors: L.A. Woman (40th Anniversary) 17 Dossier: Blur: Discografía 21 Review: Tribes: Baby 27 Entrevista: Lüger 29 Review del mes: Lana Del Rey: Born To Die 33 Entrevistas Gren Spencer de The Lysergic Suite 37 Odio París 39 Ico Top: Enero 43 Indiespensables: Enero 45

Photo: Neil Krug

DOSSIER

NICK CAVE AND THE BAD SEEDS Por Joaquín Ollero

Nick Cave and the Bad Seeds es una banda de rock alternativo formada en Melbourne en 1983.

La banda está liderada, como es obvio, por Nick Cave, músico, escritor y actor, y por otro lado tenemos a sus “malas semillas” que ponen las notas musicales a cada canción. Su música se caracteriza por un tono siniestro y oscuro, especialmente gracias a la voz de Nick Cave, tan grave que parece de ultratumba, pero extremadamente sensual con infinitos registros en cuanto

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a entonación. A lo largo de sus 14 álbums de estudio, 3 discos en directo y 2 recopilaciones, nos encontraremos con un gran número de baladas en diferentes colores, tratando temas como pueden ser el amor, la muerte y preocupaciones existenciales, hasta canciones rockeras con un ritmo endiablado. Definitivamente, si por algo esta banda ha llegado hasta donde está es por el carisma, el don en cuanto a la escritura y composición de las canciones y la voz de Nick Cave.

NICK CAVE AND THE BAD SEEDS DOSSIER Aunque sus primeros pasos, desde 1983 que lanzaron su primer álbum, “From Her to Eternity”, hasta el 5º disco, “Tender Prey”, fue cuanto menos irregular, poco inspirado y sin carisma alguno salvo ciertos grandes detalles que marcarían el resto de la carrera de la banda, a partir de 1990 y su “The Good Son”, comenzaron a lanzar, cada aproximadamente 2 años, álbumes de una calidad asombrosa, donde por fin y de una manera completamente acertada, la voz de Nick rasgaba cada canción y te llevaba en un viaje que duraría hasta 2004, año en el que su penúltimo disco fue publicado, “Abbatoir Blues & The Lyre of Orpheus”, suponiendo ser uno de los mejores discos de toda la discografía. Finalmente en 2008 lanzaron su último trabajo, “Dig, Lazarus, Dig!!!”, que se aleja bastante de esa tonalidad que los ha hecho

DISCOGRAFÍA

1ª ETAPA: 1984 – 1988

tan memorables, las impresionantes baladas instrumentalmente sobrecogedoras, y retornaron de una forma más o menos aproximada a sus inicios, que como ya he mencionado, fueron mucho menos acertados. Nick Cave confirmó a finales de 2010 que estaban trabajando en el 15º álbum de la banda, pero desde entonces no se ha realizado ningún pronunciamiento al respeto. Por el momento nos queda esperar a que alguna noticia vea la luz y tengamos una fecha de lanzamiento durante este 2012 o, temiéndonos lo peor, durante 2013. Mientras tanto… podemos echar un vistazo a casi 30 años de carrera musical, y comprobar qué ha hecho que Nick Cave and the Bad Seeds sea hoy en un día una banda de rock alternativo muy respetada y conocer todos esos mágicos detalles escondidos en cada canción. Vamos a ello.

En primer lugar he decidido reunir los 5 primeros álbumes lanzados por la banda en este apartado, ya que todos son muy parecidos entre ellos, y considero que hay un antes y un después al término de esta etapa, que es donde comienza realmente Nick Cave and the Bad Seeds. Por lo tanto, en esta etapa tenemos los siguientes discos publicados: - From Her to Eternity (1984).

- The Firstborn Is Dead (1985).

- Kicking Against the Pricks (1986).

- Your Funeral… My Trial (1986).

- Tender Prey (1988).

Estos 5 álbumes son realmente prescindibles ya que básicamente lo que nos podemos encontrar en ellos es una banda de rock comenzando a componer sus primeras canciones, casi todas ellas muy desacertadas. Normalmente todas o casi todas ellas son canciones rockeras muy poco inspiradas, con anarquía de fondo, sonidos chirriantes y un Nick Cave entrenando su voz para un futuro muchísimo mejor que el presente por aquellos días. Aunque es cierto que en “Tender Prey” (1988) se puede notar una notable mejoría con respecto a los trabajos anteriores, pero sin llegar a destacar ni muchísimo menos. Los temas presentados durante estos 5 años prácticamente carecen de melodia, diría incluso que de propósito, salvo 5 canciones que he destacado a lo largo de los 5 álbumes, en las que se puede adivinar que realmente podían ofrecer algo bueno, y de hecho, a partir de 1990 tomarían ese camino, más suave, más tranquilo, más pausado, más premeditado, logrando la auténtica fama que se merecen.

Poco más se puede hablar de este comienzo tan desalentador, salvo destacar las únicas canciones que merecen ser escuchadas.

Canciones destacadas:

- In the Ghetto (From Her to Eternity, 1984).

- Your Funeral… My Trial (Your Funeral… My Trial, 1985).

- Something’s Gotten Hold Of My Heart (Kicking Against the Pricks, 1986).

- Deanna (Tender Prey, 1988).

- Watching Alice (Tender Prey, 1988) (con una letra muy divertida).

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2ª ETAPA: 1990 – 1994 THE GOOD SON (1990)

NICK CAVE AND THE BAD SEEDS DOSSIER

Empezando por la enormísima front cover del álbum, donde podemos ver a Nick tocando para unas pequeñas, y siguiendo por el impresionante tema que abre el álbum, “Foi Na Cruz”, ya sabemos que algo ha ocurrido. Esto no es lo mismo que habíamos podido ver en los primeros trabajos de la banda. donde la violencia y la visceralidad predominaba.

Ahora es turno de instrumentos preciosistas y letras con motivos espirituales.

“Foi Na Cruz” tiene posiblemente si no el mejor estribillo, uno de los mejores de toda la discografía, con ese cambio de idioma tan acertado. Simplemente mágico. “Fue en la cruz, fue en la cruz… Que un día, mis pecados castigados con Jesús”. De esta forma tan embelesadora comienza el ascenso al cielo, nunca mejor dicho, de Nick Cave and the Bad Seeds. Seguimos explorando el álbum y en la parte central nos encontramos con las baladas tan remarcables como son “Sorrow’s Child”, la algo más movida, y muy destacada “The Weeping Song” y “The Ship Song” que sigue la misma estela predominante en el disco. Al igual que ”Lament” y cerrando el álbum “Lucy”, donde incluso podemos ver de nuevo el ritmo encontrado en “The Weeping Song”. Todas ellas fueron construídas desde una misma exitosa base, como es el buen gusto.

Todas forman parte de un todo común.

“The Good Son”, como un buen vino, ha ido mejorando con el paso del tiempo, y hoy en día se considera una de las obras cumbres de Nick Cave and the Bad Seeds. El exquisito gusto provocado por la relación sentimental de Nick con una artista brasileña y su desintoxicación nos regalaron los oídos de la manera que se puede comprobar.

Canciones destacadas: - Foi Na Cruz.

- Sorrow’s Child.

- The Weeping Song.

- The Ship Song.

- Lament.

- Lucy.

PUNTUACIÓN

8,5/10

HENRY´S DREAM (1992)

El 7º álbum se divide casi a partes iguales entre canciones rockeras (que podrían recordar a las de los primeros discos) y baladas que siguen evolucionando tras 2 años desde el lanzamiento de “The Good Son”.

Tenemos que tener en cuenta que ese componente rockero del grupo es una de sus señas de identidad, y está presente a lo largo de toda su trayectoria, pero queda casi siempre ensombrecido por esas canciones instrumentales donde la voz de Nick nos lleva de la mano por un viaje visitando la historia de cada canción.

Canciones destacadas:

- Papa Won’t Leave You, Henry.

- Straight to You. - When I First Came to Town.

- Loom of the Land.

PUNTUACIÓN

7/10

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En primer lugar, y de nuevo abriendo el disco un temazo “Papa Won’t Leave You, Henry”, donde el tono vocal de Nick rasga la determinación y con un ritmo acelerado nos lleva hasta un estribillo bastante pegadizo.

Pero sobretodo nos quedamos boquiabiertos con la tercera canción del álbum. Y cuando digo boquiabiertos es literalmente, porque nadie se podía esperar que el estribillo de “Straight to You” pegase ese subidón tan incipiente. La primera vez que lo escuchas te quedas a cuadros, y a partir de ahí, ya es tarde para buscar cualquier remedio. Estás jodidamente enganchado a la canción. Parece que la canción se dirige a ti con su “This is the time that I’ll come running straight to you”. Instrumentalmente preciosa y con una determinación vocalmente hablando que te atrapará sin remedio.

El resto del disco no destaca mucho ya que el Nick agresivo y descerebrado hace acto de presencia con “Brother, My Cup Is Empty” o la

NICK CAVE AND THE BAD SEEDS DOSSIER

que cierra el álbum “Jack the Ripper”, salvo por sus “When I Firt Came to Town” (con bonitos coros) y “Loom of the Land”, baladas muy aceptables, pero que estarían muy lejos de los grandes temazos para recordar de Nick Cave and the Bad Seeds. Aún así, es fascinante realizar el recorrido cronológico de la banda en cuanto

a baladas y notar, sentir esa evolución en cuanto a propósito. Y es que es totalmente cierto, cuando trabajas una cosa, la que sea, cuando entrenas algo, poco a poco vás mejorando, perfeccionando los aspectos y eso se puede comprobar sin lugar a dudas en la composición de este tipo de canciones en la banda.

LET LOVE IN (1994)

Canciones destacadas:

- Nobody’s Baby Now. - I Let Love In. - Ain’t Gonna Rain Anymore.

- Lay Me Low.

PUNTUACIÓN

7,5/10

El amor desde el punto de vista de Nick Cave es algo siniestro, oscuro y a la vez muy romántico. Esos son los tres valores que respiran a lo largo de “Let Love In”. Si dejas al amor entrar, encontrarás una revolución instrumentalmente hablando. Los sonidos impregnados en ciertos temas son noventeros al 100%, y esas mismas canciones resultan ser las más destacadas. Mientras otras se quedan a medio camino intentando abordar al amor desde un ángulo más sinvergüenza, piezas como “Nobody’s Baby Now” o la sobresalientísima “I Let Love In” con un comienzo que te desencaja la mandíbula, son arriesgadas y románticas al mismo tiempo. Y es que, al fin y al cabo, el amor es pasión, romanticismo, color rojo, corazón y dejar que todo fluya. Contra todo pronóstico no encontramos una gran cantidad de pianos lentos y piezas empalagosas hasta la muerte.

Para él, el amor no es así. Aún así, “Ain’t Gonna Rain Anymore” y “Lay Me Now” algo más tranquilas, con algunos coros pero siempre atacando al amor con voces rasgadas y ciertos matices de rabia que salen a la luz inevitablemente. Él es así, un tipo con semblante duro, aunque deja que el amor se apodere de él, y esas son sus reacciones con respecto al sentimiento. ¿Amor? Bah.

3ª ETAPA: 1996 – 2004. LA ÉPOCA DORADA MURDER BALLADS (1999)

Nick Cave = Amor + Muerte. ¿Qué mejor manera de unir dichos conceptos? Crímenes de pasión. Historias de amor con final trágico.

A partir de 1996 comienza la que he denominado la época dorada de la banda, ya que durante estos años alcanzan el clímax en cuanto a voz, composición, instrumentos y todo lo que podais imaginar. Y para comenzar con este álbum que aborda 10 canciones sobre 10 historias conmovedoras que si estás algo más sensible de la cuenta, podrán hacerte llorar. En “Murder Ballads” encontramos las mejores letras de toda la discografía, ya que cada canción podría ser un magnífico cortometraje, un pequeño guión de 10 páginas sobre una historia conmovedora, con finales sorprendentes. Además, está tan bien abordado el concepto de crimen de pasión a lo largo de todo el disco, que se hace sencillamente irresistible.

Todas son grandes historias, pero no todas son grandes canciones.

“Henry Lee” supone ser la única canción donde el asesino no es el “propio Nick” (ya que he decidido otorgarle semejante lujo en todos los demás temas), si no una mujer que decide vérselas con ese tal Henry Lee para

Canciones destacadas:

- Henry Lee. - Where the Wild Roses Grow.

- The Kindness of Strangers.

- The Death Is Not the End.

PUNTUACIÓN

9/10

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DOSSIER NICK CAVE AND THE BAD SEEDS mal final del mismo. Un dueto espectacular entre Nick y P.J. Harvey. Ella le habla, él le habla. Es una historia sencillamente aterradora, “And the wind did howl and the wind did blow.” Su estribillo estremecedor con cada “la la la la la” y su “A little bird lit down on Henry Lee”, nos acercan a un final trágico para el hombre. Espectacular.

Pero aquí tan sólo empieza lo mejor.

Avanzamos un par de canciones y nos encontramos con un título enigmático. “Where the Wild Roses Grow”.

De nuevo encontramos a Nick Cave acompañado por una dama, Kylie Minogue, (que protagonizarían unos directos espectaculares, mostrando una simbiosis asombrosa entre ellos). “They call me the Wild Rose” susurra ella. ¿Por qué será? La historia nos va mostrando a lo largo de los bridges 3 días en la historia entre Elisa Day (la protagonista) y su verdugo. En cada parte escuchamos la versión de ella y la versión de él. Es sencillamente acojonante ver la evolución de la historia, ir enlazando coincidencias. No desvelaré el final de la historia, ya que sería un gran spoiler (sí, spoilers en una canción), pero el tono siniestro de la canción, la voz de ella y la voz del asesino, que no muestra ni pizca de arrepentimiento. Y es que al fin y al cabo, él tiene razón:

“And I kissed her goodbye, said, “All beauty must die”".

No os perdáis el videoclip. No os fieis de los extraños, ni de su amabilidad, porque os puede ocurrir como a “Mary Bellows” en la espectacular “The Kindness of the Strangers”, que acabó esposada en la cama, con una mordaza en la boca y una bala en la cabeza.

Cuando escuchas la canción, la sientes, realmente puedes sentir pena por la pobre mujer con cada “Oh poor Mary Bellows”, que se fió de alguien y acabó de la peor forma posible. La voz de Nick se te mete hasta las entrañas y te las destroza. Cuanta crueldad, Nick, cuanta crueldad. Y si creiais que ahí acababa todo, al final de la canción directamente te dan ganas de suicidarte cuando escuchas los sollozos de la imaginaria Mary. Ella tan sólo quería ver el mar… ¿Se os ocurre mejor forma de acabar un álbum sobre crímenes despiadados relacionados con el amor que con un tema que se titule “Death Is Not the End”? Es un mensaje para todas esas muertes acontecidas, que por muy crueles que hayan sido, señores y señoras, la muerte no es el final. La colaboración con Bob Dylan es brutal. El mejor final que jamás alguien podría haber imaginado para un viaje a través de la muerte.

THE BOATMAN´S CALL (1997)

Canciones destacadas:

- Into My Arms.

- Lime-Tree Arbour.

- People Ain’t No Good.

- Brompton Oratory.

- Green Eyes.

PUNTUACIÓN

9,5/10

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“The Boatman’s Call” es sin lugar a duda uno de los mejores álbumes de toda la discografía. Basado únicamente en la voz de Nick y en pianos de fondo (‘¿qué más necesitamos?’ se pregunta un servidor), dejando de lado completamente la faceta punk que habíamos visto hasta ahora (sobretodo en su primera etapa, y en menor notabilidad en la segunda) casi todo el disco entero son auténticos temazos. En estos años, a partir de “Murder Ballads”, el registro vocal del Sr. Cave ha evolucionado, madurado y alcanzado su plenitud, y hace gala de ello en todo el álbum. Su voz es tan sumamente sensual, tan autoritaria, tan directa y se lleva tan bien con un piano de fondo, que es innegable la belleza desperdigada durante todo el álbum, considerado por la crítica uno de lo más aclamados, colocándose en la posición 30 del libro ’100 Best Australian Albums’.

La mejor forma de disfrutar del álbum es comenzando por la primera canción y dejarlo sonar hasta el final, en el orden establecido. Las canciones están dispuestas de la manera correcta, y tan sólo queda disfrutar de cada una de ellas. Aunque es cierto que la primera parte del álbum es superior a la segunda mitad, es igualmente imprescindible escucharlo entero.

Se comienza con “Into My Arms”, una de las más conocidas por el mundo en general, y es que gracias a su letra y a su belleza en la composición no se hace para nada raro que haya alcanzado tal fama. “LimeTree Arbour”, “People Ain’t No Good”, “Brompton Oratory”… Cada una de ellas siguen la misma estela con un tempo despacio, minimalista y encantador. En definitiva, una joya a escuchar en una tarde lluviosa y gris y todo estará en consonancia, sobretodo cuando llegueis a “Green Eyes”, el último tema, y escuchéis a Nick cantando y hablando al mismo tiempo en el background. Perfecto final para un disco casi perfecto.

NO MORE SHALL WE PART (2001)

NICK CAVE AND THE BAD SEEDS DOSSIER

Si antes he comentado que durante estos años Nick Cave alcanzó plena madurez musicalmente hablando, en este “No More Shall We Part”, “sus semillas” llegan a la excelencia con las composiciones instrumentales más bonitas y conseguidas de toda la discografía. Este álbum, lanzado 4 años después de “The Boatman’s Call” (por problemas de Nick con el alcohol y la heroína), sigue el mismo camino trazado hasta ahora. Y es que esto es lo que mejor saben y hacer, y cuando lo hacen así, no se puede esperar otra cosa que no sea una auténtica maravilla.

Empiece por donde empiece será un temazo espectacular, ya sea por el final con “As I Sat Sadly By Her Side” con guitarras de fondo y un poco de ritmo, por el final “Darker With the Day” con una historia preciosa de fondo… “Oh My Lord” en la parte central del álbum con una recta final en la canción que te erizará la piel, totalmente in crescendo y con más fuerza que nunca, tanto en los instrumentos como en la voz… También nos encontramos con “Love Letter” una de las mejores baladas que existen en los 14 álbumes con un piano que simple y llanamente enamora (con mayúsculas, con signos de exclamación). Es una pieza musical admirable, digna de mención por siempre y jamás. Me dejo muchas otras por el camino, pero de nuevo es otro álbum que hay que escuchar desde el principio y… dejarte llevar por la magia impregnada por los instrumentos (más variados en esta ocasión) y un Nick Cave superándose una vez más, alcanzando tonos que hasta ahora no había ofrecido. Tiene unas melodias tan bien construídas que automáticamente se quedan en tu mente, una dulzura que se huele por todas partes y un buen gusto exquisito. No lo dejéis pasar por nada del mundo.

NOCTURAMA (2003)

Canciones destacadas:

As I Sat Sadly By Her Side.

And No More Shall We Part.

Love Letter.

Fifteen Feet Of Pure White Snow.

Oh My Lord.

Sweetheart Come.

We Came Along This Road.

Gates of the Garden.

Darker With the Day.

PUNTUACIÓN

9,5/10

Si en Nocturama no existiesen “He Wants You”, “Right Out of Your Hand” y “Bring It On”, seguramente estaríamos hablando de un álbum mediocre, que baja notablemente en términos de calidad, y más viniendo de “The Boatman’s Call” y “No More Shall We Part”, pero el problema es que esas tres canciones existen, y se encuentran en el álbum, y además las podemos encontrar seguidas, siendo la segunda, la tercera y la cuarta y… es realmente complicado describir con palabras lo que suponen esos tres diamantes de ingeniería musical.

Canciones destacadas:

- He Wants You. - Right Out of Your Hand.

- Bring It On. - There Is a Town.

- Babe, I’m On Fire.

PUNTUACIÓN

9,5/10

“He Wants You”, para un servidor la mejor canción de Nick Cave and the Bad Seeds, es sencillamente mágica. Cuando escuchas una canción desde que comienza, pasando por cada bridge y los estribillos, y… la escuchas de nuevo y una vez más… y pierdes la cuenta del número de reproducciones, llega un momento en el que la detienes y te preguntas, “¿por qué?”. Nick Cave con 46 años nos regala la mejor interpretación de su carrera. Ya no se puede mejorar más en este apartado, y de hecho no lo haría a partir de Nocturama. ¿Será por el comienzo con esa melodía de piano que en sí misma podría ser una obra maestra? ¿Será porque los bridges mismos son incluso mejores que el estribillo? “You’ve been sleeping now for years” nos dice con muchísima delicadeza… Es hora de despertar. Uno no puede más que caer de rodillas ante semejante exposición directa de belleza y rendirse ante la evidencia.

Acto seguido nos topamos con “Right Out of Your Hand”. La mejor balada de toda la discografía. Un ritmo lento, estudiado… La canción coEnero 2012 INDIEFERENCIA MAGAZINE 9

DOSSIER NICK CAVE AND THE BAD SEEDS mienza con un “Please, forgive me”, mientras de fondo el mismo Nick Cave pone una segunda voz diciendo “It’s impossible to say”. Ese redoble de voces es, sin miedo a que me tiemble el pulso, unos de los mejores segundos musicales que he escuchado nunca. La canción podría acabar a los 40 segundos que ya se convertiría igualmente en una joya. Pero no, tiene algo más que ofrecer. La ternura que se siente cuando uno escucha con la mayor delicadeza y fragilidad existente el siguiente párrafo a dos voces: “Poor little girl… With your handful of snow… Poor little girl… Had no way to know”, es indescriptible. Todo encaja a la perfección, los sonidos se aman entre ellos, y Nick sigue cantando y llegamos a un estribillo demoledor, que termina instrumentalmente de una manera extremadamente bella. El resto es seguir utilizando las magníficas ideas que han dado pie a semejante espectacularidad, y seguir disfrutando de ellas. Un sincero y sonoro aplauso para un sonido que toca a las puertas de tu corazón y pide permiso para entrar. La duda ofende, Nick, la duda ofende. La trilogia se cierra con “Bring It On”, dejando el término ‘balada’

de lado, y se sumerge en chirriantes y exquisitos violines y de nuevo una clase maestra de canto de Mr. Cave.

Una vez más los bridges son espectaculares, y el estribillo te da exactamente igual, pero cuando lo escuchas y notas el ritmo creciente y pausado al mismo tiempo…

Poco más queda que decir al respecto. “Into the see… ” 5 minutos y 23 segundos de pura exquisitez. Estas tres canciones reflejan lo mejor de lo mejor de todo lo ofrecido por Nick Cave and the Bad Seeds, su componente de baladas y también la rockera y punk. Si en algún momento se desease dar una muestra de lo que es capaz Nick Cave and the Bad Seeds en general, estas tres canciones serían el ejemplo perfecto.

El resto del álbum ya carece de importancia, pero aún así es bastante aceptable, destacando “There Is a Town” y para cerrar el álbum “Babe, I’m On Fire”, 14 minutos y 43 segundos de puro desquicio, pero muy bien llevados. Esto sí es buen punk rock, y no lo que se hizo en los primeros discos.

ABATTOIR BLUES / THE LYRE OF ORPHEUS (2004)

Transcurrido un año tras el lanzamiento de “Nocturama”, Nick Cave and the Bad Seeds vuelven a la carga con un doble álbum de proporciones épicas. Es el más colorista en mi opinión (como mejor ejemplo no hay más que ver el videoclip de “Breathless” con prados verdes y animalitos animados para darse cuenta de ello), aunque también se pueden encontrar piezas al más puro estilo ‘Seeds’, más oscuras y siniestras, pero sin llegar a las cuotas alcanzadas en álbumes anteriores. La época dorada concluye aquí, con ”Abattoir Blues & The Lyre of Orpheus”.

Canciones destacadas:

- Messiah Ward.

- Nature Boy. - Abbotoir Blues.

- Let the Bells Ring.

- Breathless.

- Babe, Your Turn Me On. - Easy Money.

- O Children.

PUNTUACIÓN

9,5/10

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Los 17 temás, prácticamente todos, rallan un nivel realmente bueno, pero como es obvio, siempre hay algunas que destacan (y tanto) más que otras, aunque la característica común a todas ellas es que da la sensación de que Nick Cave controla su voz de tal manera que… “se mofa de todo aquel que escucha el disco”, ya que visita tantas entonaciones y abarca tantísimas posibilidades con su registro que uno se queda sencillamente ensimismado. “Breathless” es una de las canciones “más felices” que podemos encontrar a lo largo de estos casi 30 años de música ofrecida por el grupo. Es una canción sencillamente encantadora, que presenta nuevos instrumentos no vistos anteriormente en el grupo y un ritmo más cercano al optimismo que nunca. El tema te hace bailar de la misma forma que baila Nick en el divertido videoclip rodeado de animalitos. ¿Quién podría imaginar esa imagen? El aterrador Nick Cave danzando felizmente rodeado por su grupo y conejitos y pajaritos. Desternillamente adecuado. Como se ha comentado antes, la seguridad que despierta el lider del grupo es de auténtico reconocimiento, y consigue transmitirla a todo aquel que le de una oportunidad al álbum.

“Babe, You Turn Me On” guerrea con “Right Out of Your Hands” con muchísima determinación al premio a mejor balada del grupo. Aunque lo que es totalmente indudable es que tiene el mejor comienzo de canción gracias a ese “Stay by me” que Nick nos susurra con la voz totalmente quebrada, llena de sentimiento y de súplica. Y más adelante… ¿para que

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cantar? Ciertas partes de la canción son habladas por él mismo… ¿o en realidad son cantadas? Es que el problema es que su voz es un propio canto en sí mismo, y uno mismo se pierde entre las fronteras difuminadas por su belleza. Se nos eriza la piel después de cientos de reproducciones escuchando su pre-estribillo y el mismo estribillo con un piano espectacular. Aquel que no sienta nada escuchando esta canción después de haberla es-

cuchado unas cuantas veces… sencillamente no sé qué puedo decirle. Para mí es un auténtico lujo darle al play y dejar que la química haga el resto.

“Easy Money”, “O Children” y muchas más son genialmente conducidas por una banda de instrumentos que con perfecta exactitud hacen lo que se proponen.

Dejarte boquiabierto.

4ª ETAPA: 2008 – ACTUALIDAD DIG, LAZARUS, DIG!!! (2008)

“Dig, Lazarus, Dig!!!” es el último álbum de estudio publicado por la banda. Aunque en general ha cosechado buenas críticas de la prensa especializada, a mí me parece que está lejísimos del nivel tan casi perfecto alcanzado en la época dorada.

PUNTUACIÓN

7/10

Nos encontramos ante un álbum demasiado moderno para el estilo de Nick Cave and the Bad Seeds. Es cierto que tenían que adaptarse a los nuevos tiempos, pero en el anterior álbum lo hicieron de manera correcta, sin desentonar para nada, pero en éste encontramos demasiados instrumentos que no están en su sitio, chirriantes y fuera de lugar.

La voz tampoco acompaña ni mejora el resultado, ya que no existe esa conexión que ha existido durante tantos años y que nos ha hecho levitar.

Ausencia total de baladas, que es lo que tocan con más gusto, y sonidos que intentan ser actuales y acorde con la sociedad de hoy en día, pero que definitivamente y a lo largo de los 11 temas propuestos, no hay ninguno que sobresalga como buque insignia para llevar el barco hacia algún puerto.

Quien sabe si en un futuro este es el camino a recorrer por la banda, aunque un servidor espera de corazón que no sea así, ya que la música que ellos han creado en los años anteriores jamás pasa de moda, y siempre habrá un hueco para temas bellos y emotivos.

Enero 2012 INDIEFERENCIA MAGAZINE 11

SELECCIÓN DE TEMAS

Ya que la selección de temas a lo largo de 14 extensos álbumes ha sido muy larga, 50 canciones en total, se ha decidido hacer dos listas, una de canciones más imprescindibles y otras 25 algo menos destacadas, para aquellos que quieran seguir explorando en Nick Cave y descubrir más y más sobre él. Sobre la lista de imprescindibles, las 10 primeras (e incluso las 25) las considero joyas. No dudéis en darle una escucha a todas las que podéis, guiándoos por la sección de premios especiales por si buscáis baladas, canciones más rockeras, letras conmovedoras o canciones en las que Mr. Cave hace relucir su voz más que en ningunas otras.

IMPRESCINDIBLES

MENOS IMPRESCINDIBLES

01. He Wants You (Nocturama, 2003) 02. Right Out of Your Hand (Nocturama, 2003) 03. Where the Wild Roses Grow (Murder Ballads, 1996) 04. Breathless (Abattoir Blues & The Lyre of Orpheus, 2004) 05. Babe, You Turn Me On (Abattoir Blues & The Lyre of Orpheus, 2004) 06. Bring It On (Nocturama, 2003) 07. Foi Na Cruz (The Good Son, 1990) 08. Into My Arms (The Boatman’s Call, 1997) 09. I Let Love In (Let Love In, 1994) 10. O Children (Abattoir Blues & The Lyre of Orpheus, 2004) 11. Easy Money (Abattoir Blues & The Lyre of Orpheus, 2004) 12. The Kindness of Strangers (Murder Ballads, 1996) 13. Love Letter (No More Shall We Part, 2001) 14. Straight to You (Henry’s Dream, 1992) 15. Henry Lee (Murder Ballads, 1996) 16. Death Is Not The End (Murder Ballads, 1996) 17. Green Eyes (The Boatman’s Call, 1997) 18. Oh My Lord (No More Shall We Part, 2001) 19. Gates to the Garden (No More Shall We Part, 2001) 20. The Weeping Song (The Good Son, 1990) 21. People Ain’t No Good (The Boatman’s Call, 1997) 22. Something’s Gotten Hold Of My Heart (Kicking Againt the Pricks, 1986) 23. Your Funeral… My Trial (Your Funeral… My Trial, 1986) 24. Watching Alice (Tender Prey, 1988) 25. In the Ghetto (From Her to Eternity, 1983)

- Deanna (Tender Prey, 1988) - Sorrow’s Child (The Good Son, 1990) - The Ship Song (The Good Son, 1990) - Lament (The Good Son, 1990) - Lucy (The Good Son, 1990) - Papa Won’t Leave You, Henry (Henry’s Dream, 1992) - When I First Came to Town (Henry’s Dream, 1992) - Loom of the Land (Henry’s Dream, 1992) - Nobody’s Baby Now (Let Love In, 1994) - Ain’t Gonna Rain Anymore (Let Love In, 1994) - Lay Me Now (Let Love In, 1994) - Lime-Tree Arbour (The Boatman’s Call, 1997) - Brompton Oratory (The Boatman’s Call, 1997) - As I Sat Sadly By Her Side (No More Shall We Part, 2001) - And No More Shall We Part (No More Shall We Part, 2001) - Fifteen Pure Of Pure White Snow (No More Shall We Part , 2001) - Sweetheart Come (No More Shall We Part, 2001) - We Came Along This Road (No More Shall We Part, 2001) - Darker With the Day (No More Shall We Part, 2001) - There Is a Town (Nocturama, 2003) - Baby, I’m On Fire (Nocturama, 2003) - Messiah Ward (Abattoir Blues & The Lyre of Orpheus, 2004) - Nature Boy (Abattoir Blues & The Lyre of Orpheus, 2004) - Abbatoir Blues (Abattoir Blues & The Lyre of Orpheus, 2004) - Let the Bells Ring (Abattoir Blues & The Lyre of Orpheus, 2004)

CONCLUSIÓN

Nick Cave and the Bad Seeds han sido capaces de crear música, y con ello me refiero a canciones preciosas, partiendo desde los instrumentos, pasando por las letras y terminando por las voces impregnadas en cada canción. A lo largo de casi 30 años, se han creado una cantidad ingente de temas dignos de escuchar, y muchos de ellos destacan de sobremanera por el buen gusto y el buen saber hacer. Personalmente he disfrutado como nadie recorriendo toda la historia de este grupo australiano, y no me queda más que agradecer de corazón por haberme hecho disfrutar tantísimo con una música que forma parte de mí y de mi vida.

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REVIEW WE ARE GHOSTS Broadcasting (2012) Por Jesús Daniel Marín

Seguro que alguna vez os ha pasado algo parecido a lo que a mí me ha pasado con este grupo. Estás navegando por internet sin buscar nada en concreto, escuchando un poco de música y de repente, te llama la atención el título de un disco o la portada del mismo. Y ya te termina de llamar la atención cuando conoces un poco más de este proyecto musical.

We Are Ghosts no es un grupo de música como tal. Es un colectivo de músicos israelíes que se reúnen varias veces al año, bien en un escenario, bien en un estudio de grabación. Muchos de ellos nunca han tocado juntos antes e incluso alguno afirma que no es ni siquiera músico profesional. Pero cuando están todos juntos, pulsan el botón de grabar y empiezan a tocar, sin una partitura definida y así llevan cinco discos ya. Supongo que después de leer esto estaréis pensando en que es un experimento de unos bohemios que no tienen nada mejor que hacer que juntarse y tocar. Pues si es así, me alegro, porque hay que ver como suena.

jar más allá de las nubes, pensando que podemos tocar las estrellas y volver a bajar hasta nuestro rincón particular, pero en un estado mucho más relajado, cargado de buen rollo por así decirlo.

Éste es el poder de la música queridos lectores. Dejaos llevar.

“Broadcasting” es su quinto álbum y recibe éste nombre por lo curioso de su creación. Este disco fue creado y grabado en un programa de radio, durante una sesión de cuatro horas de música y las canciones que escuchamos son las mismas que en la grabación del programa sin modificaciones ni arreglos posteriores.

Su escucha no es fácil, por supuesto, pues sólo sus dos primeras canciones ocupan media hora. Pero en la cantidad de matices y detalles reside su grandeza. Música que va desde el ambient, pasando por el shoegaze, para coquetear abiertamente con el post-rock en la mayor parte de su duración. Evidentemente, también queda clara la impronta racial del origen de los músicos, con algunas letras cantadas en hebreo, que otorgan una personalidad muy marcada a las canciones pero, por supuesto, sin dejar de lado el inglés.

Desde aquí quiero recomendar su escucha en momentos de calma, a ser posible con el mayor silencio posible alrededor, para poder comprobar la calidad de lo que este grupo de gente consigue hacer sin tener la música escrita. Improvisación pura y dura que desemboca en pasajes melódicos interminables, que nos llevan a viaEnero 2012 INDIEFERENCIA MAGAZINE 13

SIX BY SEVEN THE DEATH OF SIX BY SEVEN

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SIX BY SEVEN THE DEATH OF SIX BY SEVEN REVIEW

Por F. Javier Moreno Bel

Six By Seven es una banda de rock de Nottingham que nació en 1996 y que está formada por Chris Olley a la guitarra y voz, James Flower a los teclados, Sam Hempton a la guitarra y Christian Davis a la batería. Su sonido es muy diverso, coqueteando en sus composciones con el indie rock y el space rock, pasando por el drone y la creación de atmósferas cargadas de distorsión, delays y algunos toques electrónicos.

Cada álbum podría decirse que es “de su padre y de su madre” ya que un disco puede sonar indie, otro lleno de rock-folk y otros con canciones influenciadas por el shoegaze. Su sonido, sobre todo el de los primeros discos, está influenciado por My Bloody Valentine y Spacemen 3.

Primeros lanzamientos

Los primeros lanzamientos del grupo empezaron con el vinilo de single “European Me”, llamando la atención de la crítica, con lo que consiguieron un contrato discográfico para grabar cinco álbums. Publicaron su primer álbum, “The Things We Make” (1998), con el que giraron con grupos como Ash, Manic Street Preachers, The Dandy Warhols y Placebo. Más tarde llegarían sus nuevos discos, “The Closer You Get “(2000), “The Way I Feel Today” (2002). En el 2004 llegaría su cuarto álbum de estudio “04″ y también una colección de temas descartados “Left Luggage At The Peveril Hotel”. Y antes de su disolución sacarían “Artists Cannibals Poets Thieves” (2005). La banda anunció que dejarían de girar ante la previsible disolución de la banda.

De la disolución a la vuelta de la formación original

Trás la disolución, tres de los miembros originales (Chris Olley, James Flower y Chris Davis) formarían una banda que supuestamente se llamaría “Collision” junto con otros dos nuevos miembros, Ady Fletcher y Tony ‘Doggen’ Foster. En las sesiones para componer y grabar el nuevo material, se dieron cuenta de que el mismo sonaba muy parecido a Six By Seven, por lo que lanzaron el nuevo álbum bajo el nombre por el que siempre habian sido conocidos. Este nuevo disco se llamaría “Club Sandwich at the Peveril Hotel” (2006).

En Febrero de 2007 la banda anunció en su web oficial que la formación original se había vuelto a juntar. Esta consistía en Chris Olley, Sam Hempton, James Flower, Christian Davis y el bajo pasaría a estar bajo las orde-

nes de Pete Stevenson. En este año un nuevo álbum fue grabado por Chris Olley y James Flower. Se llamaría “If Symptoms Persist, Kill Your Doctor” (2007). A lo largo de su carrera han lanzado discos no oficiales en su web oficial, colección de caras b, así como multitud de directos en conciertos y festivales.

The Death Of Six By Seven

Después de unos años sin lanzar ningún álbum de estudio, la banda vuelve con un nuevo trabajo, “The Dead Of Six By Seven” (2012). Este nuevo trabajo tiene un sonido bastante diferente a lo realizado a lo largo de su carrera, sin artificios. Guitarras acústicas, teclados que impregnan las canciones de atmosferas calmadas, relajadas y unas melodias bastante intimistas. Da la sensación que estamos viviendo una continua despedida, como cuando vas a despedir a alguién querido en la estación del tren en una mañana fría y soleada de otoño. Todo tiene un tono bastante melancólico, puede que encontremos algunos matices alegres, pero siempre envuelto con un tono “apagado”, transmitiéndonos soledad. También podemos apreciar en casi todas las canciones un sonido claramente influenciado por el folk, algo que nos recordará en algunas ocasiones al sonido de Bruce Springsteen. Y por último, los teclados estarán presentes en parte de las composiones.

Algunas de las canciones más destacadas son “The Writing On The Wall”, que funciona perfectamente para abrir el disco, con una armónica que nos pone en situación desde un primer momento, anunciado lo que vas a encontrar a lo largo del disco. “Moving” funciona como la droga, enganchándote, hará que no pares de escucharla. “Running”, “Something” y “This Time” son otras en las que encontraremos ese sonido folk, sobre todo en la voz y como se apoya en la guitarra para crear las melodías. Y sin olvidar “Found”, el tema que cierra el álbum con un teclado que crea la base de la canción y que posiblemente sea lo que haga recordar más a su antiguo sonido, aunque sea muy vagamente.

“The Death Of Six By Seven” es un álbum que puede resultar monótono en algunas ocasiones, muchas veces siempre depende del estado de ánimo en el que te encuentres el día que lo escuches, pero es un disco muy ameno, melancólico y relajado. Es perfecto para ponerlo de fondo y dejarte llevar por lo que transmite, una estado de calma y relajación que resulta hipnótico.

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Qué ilusión descubrir que uno de los discos que más esperas del año sale con dos meses de adelanto según las fechas previstas. Y aún te alegra más cuando te enteras que es un disco doble lleno de temazos indiscutibles. (Mankind) The Crafty Ape es el quinto álbum de Crippled Black Phoenix y, probablemente, sea el mejor hasta la fecha. Es una epopeya dividida en tres partes: “A thread”, “The

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Trap” y “The Blues of Man”. Con este título, ya supondréis que la temática del disco esta centrada en la humanidad y en la comparación de ésta con un mono inteligente. Pero escuchando el disco, podemos entender que no toda esperanza está perdida y que hay una especie de hilo conductor que conecta a las personas que tienen una mentalidad similar donde quiera que vayas.

REVIEW CRIPPLED BLACK PHOENIX (Mankind) The Crafty Ape (2012) Por Jesús Daniel Marín

La música y las letras han sido creadas para representar el mundo fuera y dentro de estas personas que comparten una misma visión dentro y fuera de la mente, pero sin tener ningún tipo de compromiso entre ellas.

Esto se demuestra en una mayor madurez de sus composiciones, cargadas de arreglos y con capas y capas de sonidos que nos sorprenden cuando menos lo esperamos, explotando el grandísimo potencial de este grupo.

Como veis, es un concepto de disco con ideas que nos pueden recordar a unos Pink Floyd primerizos, donde Syd Barrett llevaba la batuta y la psicodelia inundaba cada acorde. Con la robótica introducción de “Nothing (We are…)” nos dejan descolocados, pero no vamos a volver a centrarnos hasta pasados diez maravillosos minutos. Esa es la duración de ”The Heart Of Every Country” o lo que es lo mismo, la reencarnación de Pink Floyd en la actualidad. Y sin miedo a decir semejantes palabras, que suenan fuertes. Es simplemente una obra de arte. Estamos en enero, pero ya es candidata a canción del año. Campanas, coros, solos de guitarra con sabor a David Gilmour… Y estamos sólo en la segunda canción.

La sección rítmica del grupo toma su protagonismo a lo largo de “Get Down And Live With It”, que contrasta con la emocionada voz de Daisy Chapman (apuntad el nombre, avisados quedáis). Seguimos avanzando en el disco con la extraña “(In the Yonder marsh)”, pieza de rock experimental y escuchamos de nuevo ese sonido tan Pink Floyd en “A letter Concerning Dogheads”. La doble “The train/Poznan” es una demostración de que si quieren, son capaces de juntar en una misma canción los fundamentos del rock progresivo, convertirlo a su antojo y sentar cátedra para lo que no podría hacer ni siquiera el mismo Roger Waters.

Con la segunda parte de la obra conceptual llega la inmediatez. Dejamos de lado a Pink Floyd y abrazamos a Black Sabbath, sobretodo en temas como “Born In

A Hurricane”, disparando un continuo riff de bajo acompañado de unas trompetas que dan un contrapunto perfecto. Tanto “Laying Traps”, con su homenaje al cine del oeste incluido, como “Release The Clowns” siguen con ese cambio de sonido que se vuelve ligeramente más agresivo y directo para dar paso a la sorprendente “(What?)”.

Con el toque de blues de “A Suggestion (Not A Very Good One)” que abre el tercer capítulo no sabemos hacia donde nos lleva la parte final del disco, pero sin embargo vuelven las guitarras con ecos y reverbs, otorgándole un particular toque progresivo. Tras otro pequeño interludio viene “Operation Mincemeat”, una mezcla entre acordes tristes y la esperanzadora voz femenina que nos muestra una vez más la facilidad que tienen Crippled Black Phoenix para conseguir sentimientos enfrentados en sus composiciones. “We Will Never Get Out Of This World Alive” es el estertor final de esa esperanza que no quieren perder dentro de la temática del álbum y que termina con una luminosidad inusitada en contra de lo pesimista de su título. Y el broche final lo pone “Faced With Complete Failure, Utter Defiance Is The Only Response”. Un nombre largo para un tema de catorce minutos que pone colofón a la rabia contenida durante todo el disco, abordando una nueva esperanza que suena mucho más colorida que la segunda parte de la historia que nos cuentan.

Destacar la perfecta ejecución del disco, desde la calidad extraordinaria de esos cambios instrumentales, pasando por los diferentes timbres y tonos. El valor que han tenido a la hora de realizar un doble disco como (Mankind) The Crafty Ape es algo digno de reconocimiento así como el hecho de haber crecido musicalmente hablando sin haber caído en lo pretencioso, sabiendo coger lo mejor de cada uno de sus grupos favoritos y haber creado un sonido actual. Con este disco, han tocado las estrellas. Tal vez, en el siguiente, ya sean parte de ellas.

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THE DOORS L.A. WOMAN | 40TH ANNIVERSARY

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REVIEW THE DOORS L.A. Woman (40th anniversary) (2012) Por Alejandra Otero

“Mirad, me parece una mierda. No creo que el mundo quiera escucharlo, es la primera vez que me aburro en un estudio de grabación. Me quiero ir a mi casa a dormir, las tensiones entre vosotros son descomunales. Éste es vuestro disco. Es el disco que vosotros queréis.

Así que mejor os buscáis la vida. ¿Por qué no lo producís vosotros mismos? Yo lo dejo”. Paul A. Rothchild había sido el productor de los cinco álbumes de estudio de The Doors, sumado al grandes éxitos “13” y al recopilatorio de directos Absolutely Live. Metódico, perfeccionista y exigente, se bajó del barco en los albores del adiós definitivo de una de las bandas más grandes de la historia. Pensar en una tragedia peor a “The Soft Parade” no es descabellado tras escuchar a Rothchild.

Irónicamente, L.A. Woman está considerado uno de los mejores discos de The Doors, si no el mejor. Una de dos, o Rothchild tenía el día cruzado o los chicos pulieron los temas de lo lindo. Personalmente, me gustaría tener una máquina del tiempo, entrar a hurtadillas en el estudio y escuchar lo que tocaron aquel día delante de su decepcionado, más bien hastiado, productor. ¿Cómo tenía que ser esa primera versión de “Riders On The Storm” para que Rothchild la calificara de ‘música de cocktail’?

La carrera de The Doors fue corta e intensa, reflejo de la propia vida de Jim Morrison, que a los 27 años parecía tener 50. En aquella última etapa se concentraba en escapar de la fama, del star system y de ser una simple cara bonita. Curioso en un tipo que en su adolescencia ya se había leído toda la bibliografía de Nietzsche. “L.A. Woman” fue el tramo final en aquel ascenso de caída inevitable. Se fraguó durante los días previos al juicio en Miami del que Morrison salió escaldado: fue condenado a seis meses de cárcel y a dos años y medio de libertad vigilada por escándalo público tras el famoso episodio en el que, en pleno escenario, supuestamente se la sacó delante de miles de espectadores y luego le simuló una “mamada” a Robbie Krieger. Prisionero de sí mismo, Morrison quería volver atrás y vivir la vida del ‘artista tranquilo’, pero ya era demasiado tarde. Todos estos anhelos se reflejan en el disco más personal de The Doors, que produjeron ellos

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mismos: su local de ensayo se convirtió en un estudio improvisado de donde salieron diez temas de una gran madurez. Poco importa en el plano creativo que John (Desmore) quisiera matar a Jim desde hacía años, que Robbie (Krieger) gustosamente le hubiera dado el hacha para hacerlo o que Ray (Manzarek) se hubiera cansado de defender lo indefendible. De The Doors nos queda un maravilloso legado de música que culmina con “L.A. Woman”.

Fue en abril de 2011 cuando este disco, que alcanzó el puesto 362 de los 500 mejores discos de todos los tiempos según Rolling Stone en 2003, celebró su 40º cumpleaños; al igual que, el 3 de julio, se cumplieron cuatro décadas de la muerte de Jim Morrison. Sin embargo, el lanzamiento de la reedición de “L.A. Woman” se ha hecho de rogar casi un año. Ha merecido la pena.

Y lo ha hecho porque a la ya manida y evidente versión remasterizada se une un segundo disco de versiones alterativas que, en varias ocasiones, superan a las definitivas. ¿Hablaba antes de viajar al pasado? Con esta reedición en cierta medida lo haces: se pueden oír las voces de los cuatro en el estudio, como Jim se equivoca y tiene que volver a empezar, los clásicos parones o las risas de un Morrison que parece estar disfrutando como no lo ha hecho nunca en su vida dentro de un estudio. A las siete versiones alternativas se les une un tema inédito, ‘She Smells So Nice’ y otro tema adicional que ya conocíamos, ‘Rock Me’.

Habitualmente se dice de este disco que es el único de toda su carrera esencialmente blusero. Esto no es del todo cierto: desde sus inicios The Doors ya coqueteaban con este género, como demuestran en su álbum debut con una de sus pocas covers, ‘Back Door Man’ o con la hipersexual ‘Roadhouse Blues’ de Morrison Hotel. Asimismo, se cae en la exageración si se dice que todo “L.A. Woman” es blues, en el disco también hay hueco para el pop -‘Love Her Madly’-, para el sonido puro The Doors, aunque evolucionado hacia un área más experimental, -‘L’America’, ‘Hyacinth House’- y, por supuesto, para la genial y jazzística ‘Riders On The Storm’.

THE DOORS L.A. WOMAN (40 ANNIVERSARY) REVIEW El sonido The Doors, caracterizado por ese órgano hipnótico ‘made in Manzarek’ que parece haberse atiborrado de ácido, se diluye en una densa, armónica y sensual guitarra que baila al son de un sonido de bajo profundo y una paciente batería. El ejemplo más claro lo tenemos en ‘Car Hiss By My Window’, uno de los mejores temas de “L.A. Woman”. Jim Morrison es capaz de dejar su impronta aun en parcelas que no le son propias, como es el caso del solo de guitarra, que se lo roba a Krieger para hacerlo el mismo con su voz.

“So let’s walk in blues”, oímos que dice -¿Morrison?antes de comenzar el tema en la versión alternativa. No podía haberlo definido mejor. Curiosamente, ese aire jam que se respira en las nuevas versiones inéditas no está tan presente en el caso de ‘Car Hiss By My Window’, menos experimental que la definitiva y sin ‘la voz de Jim a la guitarra’. Lo mismo ocurre con otros de los temas esencialmente bluseros como son ‘WASP (Texas Radio And The Big Beat)’, ‘Been Down So Long’ o la versión ‘Crawling King Snake’. Su propio género se presta más a la improvisación y la diferencia apenas es reseñable.

Del blues más puro pasamos al tema que inmortaliza el disco: ‘Riders On The Storm’. Una canción de despedida que en esencia aúna todo lo que The Doors significó durante sus cinco años de vida. Tanto fue así, que no podía faltar la siempre inherente polémica: hubo quien se quiso echar encima de Morrison -una vez más- por esta canción. En esta ocasión, por hacer apología de un asesino en serie. Todavía hay quien sostiene que ese “There’s a killer on the road” iba referido a Charles Manson. En realidad, la letra es completamente autobiográfica e introspectiva. Un vistazo al complicado mundo interior del cantante, musicalmente más de lado del jazz y con un halo de misterio que se materializa en los efectos de tormenta que Manzarek incluyó con su Fender. La versión alternativa nos regala una introducción con Jim Morrison cantando una pequeña pieza y el comienzo se alarga hasta que suman los efectos de lluvia, incluso escuchamos a Jim imitar el sonido de los truenos con la boca… ‘damos paso a…’, la canción comienza. Quizá haya momentos en los que la voz no quede perfecta, quizá el solo instrumental que desemboca en el final se alargue en exceso y quizá los arreglos sean menos complejos que en la definitiva, pero esta pieza es una reliquia por la que hay que dar gracias de que no siguiera cogiendo polvo en los archivos de Elektra.

Mr. Mojo Raising se presenta en la canción que bautiza el disco. Morrison se la dedica a Los Ángeles, la ciudad

que vive de noche, y de paso deja la tarjeta de visita en código de su alter ego (Mr. Mojo Rising es un anagrama de Jim Morrison). ‘L.A. Woman’ es uno de los claros ejemplos en los que, a mi juicio, la variante alternativa gana. La mayor libertad de movimiento quizá sea la clave. Menos metódica, más caótica, acompaña mucho mejor esta oda a la ciudad que nunca duerme. Lo mismo ocurre con ‘Love Her Madly’, la canción firmada por Robbie Krieger y la más comercial del disco. La discográfica la escogió como primer single por esa razón y la decisión fue de todo menos acertada: a mi juicio, es una de las peores canciones del disco y dista mucho de representarlo. Ese tono bailarín y alegre se aleja del tempo melancólico de “L.A Woman” en su totalidad.

Pero en la variante incluida en el disco dos suaviza su cadencia comercial simplemente por no estar pulida.

Terminamos con el supuesto regalo del disco, la canción inédita ‘She Smell So Nice’. Fue el anticipo a este disco y al igual que ‘Love Her Madly’ representa la parte más happy del disco. No es que sea una canción mala, es que si se compara con el resto el betún le queda lejos. No es de extrañar que quedara fuera como tampoco lo es que fuera filtrada antes del lanzamiento del disco. Las verdaderas joyas se encuentran dentro.

Poco más que decir, “L.A. Woman” lleva desde 1971 siendo un disco completamente indispensable y esta reedición aderezada con sus siete ‘frikadas’ lo es aún más si cabe. Hasta el siguiente aniversario, Rey Lagarto, aunque estar a la altura de éste estará difícil.

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Por Quique G贸mez

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DOSSIER BLUR

Por Quique Gómez

Damon Albarn (teclado y voz), pijo londinense, se hacía el bohemio (empezó estudiando arte dramático) por su barrio de Chelsea casi sin amigos que lo soportasen. Graham Coxon (guitarra), uno de esos pocos, se pasaba las noches en garitos de mala muerte empujado por ese sonido Manchester tan de moda hacia finales de los ’80. Se dice que coincidieron los dos en un concierto junto a Dave

Rowntree (batería) y que fue ahí cuando decidieron montar algo. Ese algo se llamó Seymour, empezaron a tocar en pubs de moda y Coxon metió, no sin polémica, al cuarto de a bordo, Alex James (bajo). Poco tiempo después, tras autopromocionarse y grabar material pasteloso, una subsidiaria de EMI, Food Records, les ve futuro y los ficha pero les obligan a cambiar el nombre. Nace Blur.

LEISURE (1991)

En el disco de debut, y con el millonario contrato bajo el brazo, los cuatro londinenses se destapan como unos auténticos vacilones, pasando de esas pasteladas por las que, se supone, habían fichado con EMI y grabando un puñado de canciones tremendamente influenciadas por esa moda ácida de la época pero con mucha guitarra pesada. Mucho les tuvo que gustar a los jefes para permitirles semejante rotura de cintura.

Canción destacada: - Bang

PUNTUACIÓN

8/10

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Tenían listos varios singles, “She’s So High”, “Bang” y “There’s No Other Way”, pero fue el resto del disco el que prepararon en cuestión de dos semanas, a modo de relleno. Un relleno tan inspirado, por otra parte, que demostraba que esta gente “lo tenía”. Es injusto no acordarse de “Slow Down”, “Bad Day”, esa lisérgica “Sing” (BSO de Trainspotting), “Fool” o “Come Together” entre tanta perla. El propio Albarn reconoce ahora que no merecían el mínimo respeto (no estoy de acuerdo), por esa forma de pasar y reírse de todo, esa actitud tan jodidamente borracha.

Pero las modas son así y a principios de los ’90 en el Reino Unido entró el grunge. Mezclamos grunge con el rock bailable que practicaban… y éxito asegurado. Diferente a todo lo que hicieron después, “Leisure” es un discazo. Y los de EMI se los llevan de macrogira por los USA.

BLUR DOSSIER

MODERN LIFE IS RUBBISH (1993)

Tras la mala acogida en tierras americanas, los malos consejos de otras bandas y el trato que recibieron, le cogieron tanto asco a todo lo que tenía que ver con la palabra yanqui que se tomaron a conciencia lo de encabezar una especie de guerra contra todo aquello. Así surge “Modern Life Is Rubbish”, la primera parte de una trilogía que bien podríamos definir como “qué bien se vive en Inglaterra (¡y qué viva el sarcasmo!)”. Porque es un giro radical, un cambio que los definió por completo, un uso de las letras fresco y culto que los descubrió como auténticos cracks de la lírica.

Unos raperos del pop. Orgullosos de sus orígenes pijos y shakespearianos, dieron rienda suelta a unas irónicas letras que camuflaban la idea de: como en casa, pese a sus cosas, en ningún sitio. Una idea que iniciaron aquí y que fueron depurando en los dos sucesivos álbumes.

En este disco absolutamente todo es diferente a su debut. Pop en mayúsculas, orgullosos de liderar un sonido tan marcadamente británico (recordemos que son los padres del brit-pop), en contra de todo lo americano (especialmente el grunge, palabra clave y que perseguirá a Albarn hasta su muerte) y en defensa de la banda madre: The Kinks.

Desde la primera “For Tomorrow” hasta ese “Commercial Break” desfasado (usado, cómo no, para un anuncio) todos los temas tienen donde rascar en este infravalorado disco. La gente redescubrió este segundo álbum tras el éxito posterior. Acababa de surgir un super grupo y no lo sabían ni ellos.

Canciones destacadas: -Blue Jeans

PUNTUACIÓN

8/10

PARKLIFE (1994)

Segundo episodio de la trilogía y ocurrió lo que tenía que ocurrir. “El disco” de Blur aparece un 25 de abril de 1994 para cambiar la historia del pop en las islas. Una obra maestra que depuraba la idea del anterior y la llevaba a un extremo impredecible, con el que no sólo nació el término “britpop” sino que se convertiría de inmediato en uno de los discos de esa década.

Canción destacada: - This Is A Low

PUNTUACIÓN

10/10

Abanderados, junto a Suede, de ese nuevo término, “Parklife” empieza con un pepino disco desvergonzado (“Girls & Boys”) para dejar las cosas claras desde el principio: 16 canciones, 16 singles. En los más de 50 minutos que dura, se suceden estribillos, falsetes, guitarrazos punk, baladones y lo que se nos ocurra. Eso sí, ahora las canciones se notan mejor producidas, con más arreglos (cuerda, trompetas, saxofones…) y, por qué no, mejor cantadas. Se descubría así a un extraordinario vocalista, arropado por uno de los mejores guitarristas de su generación y a un batería tremendamente amoldable a tanta variedad. Es increíble que se den cita en un mismo álbum canciones tan perfectas como “End Of A Century”, “To The End”, “Jubilee”, “Parklife”, “Badhead”, “Magic America” o “This Is A Low”. Unido a la variedad del conjunto, a la originalidad y sarcasmo de las letras y al acople de adornos en cada canción, daban como resultado esta genialidad atemporal, y es que sigue sonando moderno. Damon Albarn en estado de gracia. A ver quién lo aguanta ahora…

Enero 2012 INDIEFERENCIA MAGAZINE 25

DOSSIER BLUR

THE GREAT SCAPE (1995)

Independientemente de la guerra que las productoras quisieron publicitar entre Blur y Oasis (decidieron sacar el primer single de sendos nuevos discos el mismo día, “Country House” y “Roll With It” respectivamente), había bastante diferencia musical entre las dos bandas. A los de Mánchester se les metió en el saco, pero lo de los Gallagher era más rock & roll.

Para la tercera y última entrega de la trilogía, y con motivo de esa rivalidad, los pijos no tardaron ni un año en sacar “The Great Escape”, otro episodio de genialidad pop irónica. De hecho, el citado primer single, hacía referencia a esos obreros de clase rural del norte de Inglaterra, lo cual se les vino en contra porque el amarillismo del Reino Unido no aceptó muy bien esa supuesta superioridad de los niños de papá. Sigo sin entender cómo, para algunas cosas, los ingleses se olvidan de su propio homónimo humor. Polémicas aparte, el disco, aun sin llegar a la genialidad del anterior, mantiene el tipo con auténticas joyas como ese single, el siguiente “Charmless Man” lleno de lalalás, la maravillosa “The Universal”, cuyo vídeo se inspira en el bar Moloko (idolatrada La Naranja Mecánica), y, en general, una segunda mitad de disco a la altura de “Parklife” (la seria “He Thought Of Cars”, el punk de “Globe Alone”, el estribillo de “Dan Abnormal”, la divertidísima “It Could Be You” o la preciosa balada-homenaje a un ídolo en “Yuko And Hero” que cierra el disco).

Canciones destacadas: - The Universal

PUNTUACIÓN

9/10

BLUR (1997)

Tras la “derrota” contra la otra gran banda, Damon Albarn, harto de presiones mediáticas decide exiliarse con su banda en, ojo, Islandia. Acabada ya la peculiar aventura de los tres homogéneos discos, y rehuyendo de las fobias pasadas a lo relacionado con lo americano (se atreven a vestir ropa Nike), deciden probar a acercarse a un sonido más duro. Como si de un renacimiento se tratase, llaman al disco “Blur” y paradójicamente, su más importante single es una canción grunge. “Song 2” es una puta canción grunge de mierda –dice Alex James- que tardamos en componer 15 minutos, una demostración de lo fácil que es rockear. Bienvenidos al rock, chicos.

Canción destacada: - Beetlebum

PUNTUACIÓN

8,5/10

26 INDIEFERENCIA MAGAZINE Enero 2012

Pero no sólo de rock vive este otro genial álbum. Último gran álbum de la banda, por cierto, demasiada buena racha no podía ser normal. En algunos temas patinaban, pero subían la media, y de qué manera, canciones como “Beetlebum”, la genial y casi hip-hopera “On Your Own”, otra preciosidad como “Look Inside America”, que recordaba de dónde venían, los pildorazos “M.O.R.” y “Chinese Bombs”, la fatalmente cantada (puro Coxon) pero entrañable “You’re So Great” o esa joyita titulada “Strange News From Another Star”. Había mucho de Blur en este disco, era diferente y estaba camuflado, pero seguía siendo genial. Como todo lo que habían hecho hasta la fecha. Si tenían que haberlo dejado, éste era el mejor momento.

BLUR DOSSIER

13 (1999)

Llamaba muchísimo la atención que la primera canción del sexto álbum de Blur fuese una especie de country-gospel de casi ocho minutazos. Y es que los intentos de un líder que no quería parar de evolucionar a veces se volvieron en su contra. Ser variado no siempre es sinónimo de ser mejor. “Bugman”, la que sigue, no deja de ser otro intento de hit punk que tan buenos resultados les dio en el pasado, pero menos inspirado y desfasadísimamente distorsionado en esta ocasión. Gracias a Dios, en seguida llega “Coffee & TV”.

Y no nos equivoquemos, aquí no ocurre eso de: “es que como ya no suenan a Blur, el disco es bueno pero no lo entiendes”, no. El disco es bueno pero también es el peor disco de la banda (hasta el momento), escuches sólo pop, o te llames Julio Ruiz. Pero no seamos injustos, 13 contiene genialidades más allá de “Coffee & TV”, como “1992”, el acertadísimo y raro experimento “Battle”, la sobresaliente nana “Mellow Song”, el subidón alternativo de la alargada “Caramel” o la preciosísima “No Distance Left To Run”. Al igual que en “The Great Escape”, la segunda mitad del disco le da un par de vueltas a la primera, y liderando este segundo puñado está la tremenda y adictiva “Trimm Trabb”.

Canciones destacadas: - Coffee & TV

PUNTUACIÓN

6,5/10

THINK TANK (2003)

Tardaron en volver, y muchos nos temíamos lo que al final acabó ocurriendo. Graham Coxon no sólo había firmado en la banda las canciones más acordes con los orígenes de la misma, sino que se había forjado una discografía en solitario (lanzó en ese periodo de pausa, de media, más de un disco por año) que sonaba más a Blur que los propios Blur. Ésto, unido a los arrebatos de liderazgo de un Albarn a medio camino entre Gorillaz y los sonidos africanos, alejaron artísticamente y poco a poco a los dos líderes. Graham Coxon abandona el barco a mitad del proceso de grabación de “Think Tank”, séptimo y último álbum del grupo.

Canción destacada: - Out Of Time

PUNTUACIÓN

4/10

Y vaya si se le echa de menos. Es posible que hasta entonces no se supiera de la importancia del guitarrista (y ya compositor), pero como se dice siempre, no se sabe lo que se tiene hasta que se pierde. Desde “Ambulance” que abre el disco te das cuenta de esa influencia por los sonidos tropicales con los que Albarn tan a gusto se encuentra. Le sigue la mejor canción del disco, “Out Of Time” y todo hace parecer que estamos ante otra joya, pero rápidamente nos bajan de la nube con “Crazy Beat” y las anodinas “On The Way To The Club” y “Brothers And Sisters” que no dicen nada. Entre ellas, eso sí, se cuela una buena canción con mejor título: “Good Song”. La muy lo-fi “Caravan” y la arábiga tralla rock de un minuto, “We’ve Got A File On You”, suben el listón pero, qué va, el resto del disco parece un caras B de Gorillaz. Entre raro y minimalista, con una búsqueda de unos sonidos que estarán muy bien para la banda virtual, pero no para esta otra (pieza importante de la historia del pop reciente), se suceden las últimas canciones donde sólo se salva “Sweet Song”. Qué falta de respeto.

A diferencia de sus máximos rivales, Blur se despiden con un vulgar disco que no hace justicia a tan imborrables momentos en la historia del pop.

Menos mal que se han juntado de nuevo para arreglar las cosas. Por su legado, yo confiaré SIEMPRE en ellos.

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TRIBES Por F. Javier Moreno Bel

Como cada año, el mundo de la música está siempre expectante por aquellos nuevos grupos que sacan su disco debut, esperando que sea ese gran grupo que venga para quedarse y hacer historia. Muchos consiguen debutar, con mayor o menor calidad y acierto, pero lo que es difícil es convencer a la gente de que tus canciones son buenas, no hace falta que técnicamente maravillen porque eso no lo es todo, lo importante es saber escribir unas buenas canciones, con una letras que no se le vayan de la cabeza a aquel que las escuche, que la melodía llegue al corazón y te erice la piel.

Y qué queréis que os diga, Tribes serán mejor o peor técnicamente, pero lo que si os puedo asegurar desde un principio es que os emocionarán, y que han escrito unas canciones que no se os irán de la cabeza fácilmente.

Tribes es un cuarteto inglés del archiconocido barrio de Camden, y que está formado por Johnny Lloyd (exOperahouse), Dan White, Miguel Demelo y Jim Cratchley. Empezaron a llamar la atención cuando grabaron el vídeo para la canción “We Were Children”, perte-

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neciente al EP que lleva el mismo nombre y que fue lanzado al mercado en Abril del pasado 2011. Congregaron en la calle a cientos de personas curiosas y fans que pudieron disfrutar, a los pies de un edificio de Camden Town, de un concierto en directo desde una azotea.

La canción fue un éxito en la emisora BBC Radio One, con lo que la gente ya empezaría a conocer su nombre.

Debido a la acogida que tuvo, la banda tocó conciertos en diferentes festivales de verano en Inglaterra como el Field Day Festival en Victoria Park, Bestival, Reading & Leeds Festival e incluso salieron del país y actuaron en el Summer Sonic Festival de Tokyo. En Julio sacarían el single y videoclip de “Sappho”, tema con el que seguirían consiguiendo adeptos y meses después, en Octubre, sacarían el segundo EP, titulado “When My Day Comes”. Este nuevo EP, además de tener una versión demo de “Sappho”, contenía otras dos grandes canciones: una animada y distorsionada “Not So Pretty“ y una perfecta balada titulada “Face To Face”.

(Que inexplicablemente no está en su disco debut)

TRIBES BABY REVIEW

BABY

Y tras muchos conciertos y trabajo a sus espaldas, ha llegado el momento del esperado debut, “Baby”. En este podremos encontrar un sonido que nos recordará inevitablemente a aquella dorada época de la música brit-pop/rock de finales de los 80 y los años 90. Influenciados por The Pixies, Pavement, Nirvana y Rem, en las canciones de Tribes vamos a encontrar un sonido añejo, familiar para aquellos amantes del comienzo de la época del britpop, indie y el rock británico (incluso a veces nos recordarán a algunas canciones de The Cure). Cuando Blur y Oasis se tiraban de los pelos o Suede nos encadilaban con aquellos hits que siempre quedarán en nuestro recuerdo.

El disco comienza con “Whenever”, un tema que es perfecto para abrir la escucha de este primer trabajo, con un potente estribillo, unas estrofas muy britpop. Un auténtico clásico instantáneo con el que Johnny Lloyd nos enganchará con su voz desgarrada, en esta y en el resto de canciones. Continua con la ya conocida “We Were Children”, la cual tiene una melodía vocal apasionada, como si estuviera recitando con garra, proclamando a los cuatro vientos y un estribillo que se te queda totalmente pegado y que reza “Oh no stranger you´re just like me, these things happen we were children in the mid 90′s”. Uno de los grandes hits del grupo sin lugar a dudas. Bajamos las revoluciones con “Corner Of An English Field” y “Half Way Home”, poniendo un poco de calma y dando unas pinceladas bohemias a lo que llevámos escuchado. Con “Sappho” volvemos a escuchar otro hit britpop con un gran

estribillo, lleno de energía. Otro de los temas más destacables del álbum. De nuevo nos relajamos con “Himalaya” y “Nightdriving”, dos baladas que, pese a estar juntas, no hacen pesada la escucha y consiguen profundizar más en el registro de canciones que llevabamos hasta ahora. Dos temas bastante emotivos y melancólicos, una auténtica banda sonora que te incita a la reflexión y al recuerdo. Y la recta final comienza, después de este momento para coger aire. Irrumpe “When My Day Comes” para dejarnos otro auténtico himno guitarrero con un gran estribillo, como no. Además se atreven a meter un pequeño puente, antes de la recta final de la canción, con un toque muy The Cure.

La noventera “Walking In The Street” con un toque muy pop, es seguida por “Alone Or With Friends”, donde la banda coquetea con el country y el sonido de los años 70. Muy parecido a algunas canciones de la era country de los Creedence Clearwater Revival. Y llegamos al final de este viaje con “Bad Apple”, terminamos como empezamos, con un sonido con regusto a años 90 y esta vez con un toque a Radiohead en algunas de las canciones.

No sé hasta donde llegarán Tribes, evidentemente no soy adivino, pero al menos si sé que han hecho un disco prácticamente redondo. Quizá eche en falta un par de canciones más “cañeras” o agresivas, como algunos de los singles que han sacado, pero aún así el disco es bastante notable, sobre todo siendo un debut.

Y lo que también es seguro es que nos han dejado unas grandes canciones, bohemias, melancólicas, tristes. En definitiva, han sabido transmitirnos emociones, de alegría, euforia, diversión o tristeza, y esto no lo pueden decir todos los grupos.

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PREGUNTAS INDIESCRETAS LÜGER Por Jesús Daniel Marín

Dentro del eclecticismo que nos caracteriza a los miembros de esta revista, conseguimos encontrarnos con uno de los grupos nacionales que más han dado que hablar durante el pasado año 2011. Ellos son Lüger (Bandcamp: http://luger.bandcamp.com/) y sacaron unos minutos para contestar a las preguntas que les planteamos justo antes de empezar uno de sus impresionantes directos. Tuvimos la oportunidad de charlar con Edu (guitarra) y Chuso (suplente de Lopin, percusionista) en una entrevista con invitados especiales como Dani (bajo y voz) y Mario (teclados).

En sólo 3 años lleváis una ascensión meteórica dentro de la escena underground ¿os esperabais todas las buenas críticas y la buena acogida de vuestro último disco y de vuestra propuesta en general?

Chuso: Pues realmente está siendo todo muy rápido y la acogida no, no esperábamos que fuera a funcionar así.

Edu: No, no sé, nosotros tampoco lo pensamos mucho.

Nosotros tampoco notamos que haya cambiado, o sea vale si viene más gente a los conciertos pero tampoco estamos llenando estadios. Quiero decir, en el día a día del grupo tampoco notamos una diferencia de cómo venían siendo las cosas. Seguimos teniendo el mismo poco dinero de antes.

Viendo las listas de los mejores discos de 2011, Concrete Light está prácticamente omnipresente.

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Cuando pasan estas cosas, ¿se le coge un cariño especial al disco en cuestión?

E: Si es un flipe ver nuestro disco entre los grupos que están siempre en todas y tú piensas ¿qué pintamos nosotros ahí? Pero bueno oye, que dure… En cuanto al disco, lo tenemos ya más trillado… Estamos hasta los cojones de él (ríe).

A juzgar por la forma en la que grabasteis el disco, os gusta ser honestos con el sonido de Lüger, ¿No? Me refiero, os gusta que el disco suene lo más parecido a un directo vuestro…

E: Sí, pero yo creo que eso es lo que intentan todos los grupos. Es difícil de conseguir, mayormente es cuestión de dinero.

Y siguiendo con la forma de actuar de Lüger, el pri-

mer disco fue auto-editado y para este segundo habéis contado con Marxophone. Pero en ambos casos se puede conseguir desde vuestro bandcamp… ¿Pensáis que es una buena forma de llegar a la gente el hecho de facilitar la descarga legal de vuestra música?

E: Sí, sin duda. Nosotros hicimos una apuesta con el primer disco, dijimos, vamos a hacerlo gratis. Y el resultado fue que en año y medio se agotaron todas las copias. Es una fórmula con la que de momento estamos muy cómodos y a nuestro nivel pequeño esta funcionando guay y mientras sea posible seguiremos haciendo lo mismo, editando vinilos y poniendo el disco en bandcamp.

C: El comprador de vinilos sabes que escucha el disco antes de comprarlo. El mercado ha cambiado bastante desde que existen cosas como Spotify, que también puedes escuchar el disco allí. El nivel de descargas sube pero los discos siguen vendiéndose, incluso del primero hubo una primera reedición y del segundo se están agotando ya las copias.

Un directo vuestro es como una descarga de 10000 voltios. ¿Cómo es posible sacar un sonidazo así en directo, que suene como si un ejército de apisonadoras te estuvieran pasando por la cabeza y encima, lo disfrutes?

E: Tocando muy fuerte.

D: A base de ensayo. Y ten en cuenta que la base rítmica es potente y de ahí partimos.

C: Muchas horas de local… Una base rítmica contundente e intentar que el tema de melódico vaya por un camino distinto al de la base rítmica.

D: Es todo. Es trabajo y es volumen.

Se os ha etiquetado de mil maneras, pero si tuvierais que elegir una… ¿Qué coño de música hace Lüger? Y no nos sirve cojonuda, porque esa etiqueta ya la hemos usado nosotros.

C: La que se oye… Lüger esta tocando en festivales muy dispares. Sonorama, Low Cost… un público muy dispar. Pero vamos, las fuentes de las que bebe son la psicodelia, el underground, la música electrónica de los 70…Son fuentes que se ven que están ahí, pero vamos, intentar etiquetarse en nada partiendo de la base de que es música hecha en el local sin ningún tipo de pretensión.

Cuando componéis, ¿Es un proceso grupal, o alguien suele llevar la iniciativa?

LÜGER PREGUNTAS INDIESCRETAS

E: Depende de cada canción.

D: Siempre ha sido grupal…

E: Sí, pero me refiero, una persona que trae una idea al local y entre todos se trabaja. O dos que se juntan y empiezan a sacar algo que luego seguimos desarrollando entre todos. Pero luego al final es grupal.

C: Lo que es el desarrollo de la canción y de la textura es grupal, porque si no el concepto no funcionaría.

E: Eso se pone en el conjunto, la idea parte de una persona o de un par y luego ya entre todo el grupo se le da forma y es un proceso plenamente democrático en ese sentido.

Entonces, la (acertadísima) idea de incluir un sitar en la canción que cierra “Concrete Light”, ¿Fue algo general también?

E: Sí, él tenia esa idea que se juntó con Mario (teclista) y se pusieron a trabajar en ella…

D: Un poco fue así. Nos trajimos como el que dice el patrón y ahí trabajamos todo. Pero siempre ha sido así.

Empecé con un riff pero la canción mejoró gracias a que todo el mundo aporta.

Ahora queremos que nos confeséis la verdad: Tenéis un mono borracho que os escribe los títulos de las canciones, ¿Verdad?

E: (risas) Hostia que bueno. Sí, algo parecido…

D: Realmente es lo que hablamos muchas veces, que no hay que darle importancia. Nosotros somos una pandilla de amigos y tenemos nuestra forma de comunicarnos entre nosotros y que realmente no hay que darle más importancia.

E: A nosotros como no nos vale el Whatsapp pues nos comunicamos con los títulos de las canciones.

D: Claro, es como el argot que tienes con la pandilla de tus colegas. A lo mejor yo me junto contigo y no entiendo a la primera pero luego a la larga ya si…

¿Cómo veis la escena nacional en cuanto a Space Rock, Kraut, Psicodelia…? Como ya dijimos cuando hicimos la review de “Concrete Light”, habría que ver que pasa si Lüger no fuera un grupo español…

D: A nivel de grupos, excelente.

E: Sí, la verdad que últimamente… Pero lo que pasa es que ahora, como se ha globalizado todo. Antes o tenías un sello que te promocionara o nada, pero hoy en día cualquiera con un ordenador puede grabar un disco y subirlo a internet. Y en cuanto a lo otro, no se puede saber. Es como el futbol, a veces se gana, a veces se pierde…habría que ponerse en la situación. Igual la Enero 2012 INDIEFERENCIA MAGAZINE 31

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gente diría de este tipo hay mil grupos, pasamos de ellos. O igual no, seríamos los Rolling Stones, nunca se sabe.

El invierno pasado estuvistéis de gira por los Estados Unidos, tocando en sitios de renombre y en un festivalazo como es el SXSW. ¿Fue una experiencia que repetiríais?

C: Al fin y al cabo, la gente que se esta moviendo por ahí fuera son grupos como tú. Son grupos con mucha calidad pero que son grupos de carretera que se lo están currando igual que el resto pero que no cuentan con apoyos. En esta movida no hay un mainstream muy definido tampoco, triunfar un poco más o un poco menos pero sin salirte de la línea de lo que es el underground.

E: Si el presupuesto lo permite, repetiríamos sin duda. La única restricción es la presupuestaria. Si hay dinero, sin dudarlo. Vamos, si no tenemos que pagarlo nosotros vamos…

Suponemos que los planes más inmediatos son seguir tocando en directo y llegar a la ma-

yoría de oídos posibles, pero la siguiente pregunta es inevitable. ¿Algún plan de futuro que se pueda contar? ¿Volveremos a ver a Lüger en festivales de verano?

E: Seguir dando la chapa tío.

D: Bueno, en Marzo tenemos la gira de Girando Por Salas y luego ya veremos. (NdR: Lüger han sido confirmados para tocar en el Azkena Rock Festival con bandas de la talla de Black Sabbath, Lynyrd Skynyrd o Pentagram).

Pues sin más, agradeceros vuestro tiempo y ahora tenéis barra libre para decir lo que os dé la gana sin que os hayamos preguntado.

C: No tengo absolutamente nada que añadir.(risas) E: Si mira, aquí está el autentico mono borracho.

(Aparece Mario en la entrevista).

M: Sí, tenemos un par de monos explotados en el grupo. Con máquinas de escribir.

D: Monkeys, everywhere.

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BORN TO DIE

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REVIEW LANA DEL REY Born To Die (2011) Por Joaquín Ollero

Lana del Rey. La reina del hype, nacida para morir, finalmente publica su highly anticipated álbum, “Born To Die”. ¿Estará a las alturas de las desorbitadas expectativas que se han generado en los últimos meses?

La rosa negra, amante del Bacardi, se encuentra sumida en una espiral de caos y autodestrucción permanente, en un estado en el que su voz, quebradiza e hipnotizante toma las riendas de su corazón obstinado, doloroso, lleno y vacío al mismo tiempo, y nos muestra un viaje repleto de crisantemos, hipersensible, en el cual recorremos un álbum de 12 temas (+3 de la versión deluxe), el cual cerrará muchas bocas y dejará boquiabiertas otras tantas. Su poder de la seducción, de la atracción fatal, irremediable, sin vuelta atrás está impregnado en cada una de las canciones que conforman el tracklist. Este redactor cualquiera está borracho de ese aura que te envuelve, producido por una parte instrumental espectacular, y sobretodo por esa entonación vocal apetitosa, criminal. Simple y llanamente abstraeros y pensad que una voz tal que así os susurra angelicalmente ’ven conmigo y tendrás la muerte más dulce que puedas imaginar’. ¿Irías a su lado? Yo ya estoy allí, y os puedo asegurar que es mortalmente placentero.

Casi todo lector que escudriñe entre estas palabras conocerá de antemano las canciones que catapultaron a la neoyorkina de 25 años a la fama que ha hecho que este “Born To Die” sea un álbum tan esperado. El simple polémico hecho de comprobar si la cantante podría estar a la altura de esos tres singles, de si todos los adjetivos que se le han dedicado, malos y peores, buenos y mejores aún, eran merecidos o no, de si la promesa que ella dictaba con sus palabras se cumpliría o no…

“Videogames”, “Blue Jeans” y “Born To Die” han sido las mejores y más peligrosas cartas de presentación con las que un artista ha podido contar desde hace mucho tiempo. Y de hecho es lo primero que nos encontramos cuando pulsamos el play y nos dejamos llevar de nuevo por esos tres impresionantes temas que siguen siendo tan potentes como el día en que fueron lanzados al mundo. Y es que ella ha sido sincera, tan franca como lo es en “Diet Mountain Dew”, donde profesa a los cuatro vientos “Baby, you’re not good for me, but baby, I want you, I want you”, o como lo puede

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ser en “National Anthem” donde reconoce que “Money is the anthem of success”. Es totalmente cierto que ella es un producto en sí misma, con su aparencia (labios y uñas incluídos si os apetece), con su voz, con sus letras provocativas, pero exactamente igual que todo lo que se vende en este mundo. Los productos están hechos como concepción para ser vendidos, para formar parte de una transacción, y hay que saber venderse, y ella lo ha hecho de la mejor manera posible y, sobretodo, sin engañar a nadie ni con falsas esperanzas. Por lo tanto, si te gustaron los tres primeros singles, el álbum entero te encantará sin lugar a dudas, ya que sigue la misma dirección y vuela totalmente in crescendo. Y con esto me refiero a una actitud directa, sin miramientos, canciones instrumentalmente muy bien creadas y su voz como bandera que ondea en lo más alto de su reino.

Este paraíso oscuro que ella ha construído, nunca mejor dicho, ya que “Dark Paradise” en el eje del tracklist, es un lugar idílico y utópico a partes iguales para todos aquellos que deseen perder la cordura, donde las malas compañías, los desaconsejados hábitos y los peores vicios tienen lugar y es un auténtico placer escucharla gemir o articular esos “Oh oh oh, ha ha ha”.

Lujuría, pasión, ella está esperando dispuesta a todo y más, como se puede comprobar en “Off To The Races” (“Kiss me on my open mouth”, confiesa) con unos agudos que de forma maestra se había guardado en la manga (tan sólo mostrados como aperitivo en el estribillo de “Blue Jeans“). Éstas dos canciones junto con “National Anthem”, que desde ya se convierte en su himno estrella gracias a la sinceridad expuesta en cada frase de la canción, son las más inspiradas en mi opinión con la trilogía inicial, ya que los violines vuelan alrededor de ella y sus letras de pura decadencia son un auténtico regalo para los oídos. No puedo obviar en este apartado a “Summertime Sadness” una de las más “épicas” por su ritmo más pausado que el resto y sentencias como “I think I’ll love you forever, like the stars miss the sun in the morning skies” amén de unos inspiradísimos pasajes de ensueño tras el estribillo y “This Is What Makes Us Girls”, canción reivindicativa sobre el género que era sencillamente necesaria e imprescindible en un discurso de intenciones y sinceridad.

LANA DEL REY BORN TO DIE REVIEW Un chorus aderezado con cierto elemento electrónico, culmina con una conclusión muy determinante: chicas y mujeres del mundo, sois como sois, y el amor forma parte de vuestras vidas, intentad no llorar por él, ya que todo pasará… Este preciso quinteto salpicado a lo largo de todo el álbum era lo que Lana del Rey necesitaba para reafirmarse en la posición que ha ido buscando durante estos meses. Son las canciones que todo el mundo esperaba para poder aceptar de una vez por todas la supremacía en la que ella desea instalarse, y lo ha conseguido a base de poner en funcionamiento sus armas de mujer y de cantante más potentes. Al fin y al cabo… ¿qué puede ser mas sabio que poner en práctica las cosas y habilidades que mejor se te dan?

lentísimo Hank Moody de ‘Californication’, toma su pasión por la destrucción y la muerte, sentir al límite y dejarse llevar por una brisa fresca y pura que adereza el panorama musical actual. “I wish I was dead” susurra en uno de sus pasajes… Yo tan sólo te pido una cosa: o bien que no mueras, o bien que me lleves contigo.

Como único punto negativo del álbum, es que es cierto que puede hacerse un poco largo, aunque siempre acaba remontando el vuelo, pero temas como “Radio”, “Carmen”, “Million Dollar Man” y sobretodo “Lolita” relucen menos en las oscuridad que las anteriormente comentadas. Eso no quiere decir que sean malas para nada, ya que sigue siendo Lana del Rey elevado a la máxima potencia menos uno, pero la miel que hemos podido degustar directamente de sus labios en la primera mitad del álbum está muy presente como para conformarnos con menos. Formando parte de esos temas extras, incluídos únicamente en la edición deluxe, nos alegra sorprendernos con “Without You” y más aún incluso con “Lucky Ones”, lo más parecido que encontraremos a una balada en todo el tracklist, donde nos rompe el corazón diciéndonos con decisión ”Finally, you and me are the lucky ones this time”. Por fin, Elizabeth, por fin tú y yo somos los afortunados. Un broche de diamante para un acto de reivindicación con fuerza y decisión. Aunque igualmente, a lo largo de todo el disco, ella se pinta de todos los colores posibles, se viste y desviste con vaqueros azules, bikinis, vestidos rojos, pero siempre con su mirada, su pelo por delante y la provocación que todo una mujer como ella despierta. Lana del Rey es una femme fatale de imposibles, ¿se puede conseguir la violencia y la dulzura al mismo tiempo? ¿Es posible que el cielo y el infierno sean tan sólo uno?

“Born To Die” aprueba con sobresaliente el durísimo examen que el universo ha decidido realizarle. No era sencillo para nada, y más cuando se juega con fuego y cuando factores externos a lo puramente musical entran en juego e ilusiones, decepciones y esperanzas difuminan sus fronteras y el sentimiento se convierte en un cocktail explosivo. Las sensaciones finales que permanecen en tu corazón y en tu mente al término del álbum son escalofriantes. Cogida de la mano del exce-

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PREGUNTAS INDIESCRETAS GREN SPENCER (The Lysergic Suite) Por Alejandra Otero

Aunque esta entrevista hubiese tenido que ser presencial, no pudo serlo. Habíamos quedado con Gren Spencer en Londres durante el concierto que The Lysergic Suite iba a dar en el O2 Arena Plaza el 14 de diciembre, pero fue cancelado porque Adem, el batería del grupo, sufrió un accidente de coche. No obstante, manteniendo el contacto vía email con Gren, le mandé la entrevista. Así, descubrimos un poco más sobre esta banda de Midlands y sus planes para 2012. ¿La mejor noticia? Su disco debut está al caer.

Hablemos sobre el principio de The Lysergic Suite. ¿Cómo empezó todo?

El principio fui yo simplemente componiendo música que nunca pensé realmente que nadie escucharía y grabándola por simple diversión… Entonces Adem (el batería y también alma de The Lysergic Suite), grabó varias partes de batería para mí ayudando a que todo quedara más completo, resuelto y un poco más consolidado, lo cual me sigue pareciendo difícil. Tenemos unas cuarenta canciones y piezas grabadas en el estudio, la mayoría desconocidas…

¿Por qué el nombre de The Lysergic Suite? Tenemos en la cabeza la respuesta obvia, pero, ¿Estamos en lo cierto?

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Depende de lo que estés pensando creo yo… Simplemente es un reflejo de los estudios que hacemos y usamos, un espejo suspendido en la locura.

Rock psicodélico, krautrock, eletro-rock… vuestra música es como un viaje lisérgico. ¿Cuáles son vuestras principales influencias?

No estoy seguro, suelen cambiar según quien me pregunte… Me encanta la naturaleza repetitiva de la música disco, aunque odio la mayoría de música disco.

Siempre me encantó, por ejemplo, Noel Gallagher colaborando con The Chemical Brothers, durante los ‘90 cuando ese tipo sonido no era muy habitual (refiriéndose a “Let Forever Be” y a “Setting Sun”). Y esa es la razón por la que Death In Vegas me volvió loco tam-

bién a finales de la década de los 90, porque les importaba una mierda tener canciones de seis minutos sin voz alguna…

Desde luego, eres el cerebro de The Lysergic Suite: composición, voz principal, guitarra, efectos electrónicos, el art work… ¿Cuándo decidiste escoger la música como camino en tu vida?

Mi padre tocaba la guitarra y la armónica, así que cuando tuve ocho años, me compró mi primera batería por Navidad. Me encantaba, y solía ir a clubes acústicos con él y tocar cuando tenía catorce años o por ahí… Siempre por Leicester, sus alrededores y la región de Midlands… Entonces empecé a tocar su guitarra y así fue como empezó todo.

Pero el camino para las bandas que empiezan es complicado…

Y también Tim Holmes (Death In Vegas), Kav (Happy Mondays) and Jay Mehler (Kasabian) colaboran en vuestro primer disco… son grandes nombres también.

Sí y todos por casualidad… fue extraño…

The Lysergic Suite ha dado un importante número de conciertos en Reino Unido pero, cuando el disco salga a la venta, ¿Abriréis las puertas al resto de Europa? ¿Os veremos por España?

Nos encantaría, hemos estado barajando la idea de comprar una autocaravana y convertirla en un estudio, así podríamos viajar, escribir y componer mientras estamos de gira por Europa y Rusia.

Sí, pero sólo si estás buscando algo. Nosotros no estamos persiguiendo nada que no tengamos actualmente, así que ya lo hemos conseguido. Tocamos en directo, la gente viene y disfruta de nuestra música. Eso es todo.

Sabemos que Liam Houchen abandonó la banda este verano y que eso ha afectado en cierta manera al lanzamiento del disco… ¿Se puede decir que The Lysergic Suite tiene ya una formación definitiva?

Sí, lo hizo ligeramente y también cambiamos de mánager no mucho después, ambas cosas nos afectaron un poco, así que hemos seguido grabando, porque el disco ha sufrido pequeños cambios también … The Lysergic Suite éramos Adem y yo durante mucho tiempo, y luego quien quisiera unirse a nosotros, pero los dos tíos que tenemos ahora significan mucho para mí, así que espero que se queden abordo…

Después del EP de Ghosts On Crusade y de cuatro años de trabajo, vuestro primer álbum debería haber sido lanzado a final de 2011, pero no lo hizo. ¿Cuando podremos disfrutar de él finalmente? ¿Alguna pista sobre el nombre del disco?

Bueno, la segunda pregunta tiene fácil respuesta, será de nombre homónimo al grupo. La primera es más complicada, pero será a principios de este año…

La canción Ghosts On Crusade parece haber nacido para que la cantara Tom Meighan (Kasabian) pero, ¿Cómo ocurrió aquello?

Simplemente somos amigos haciendo lo mismo el uno que el otro, pero en bandas diferentes, y para esta canción nos juntamos.

Hemos encontrado una página en Facebook que asegura que eres un señor del rock en potencia, ¿Crees que las redes sociales son ahora la clave para darse a conocer?

Jajaja, creo que fue uno de mis amigos quien empezó esa página, en plan broma… Nosotros usamos Facebook y demás redes sociales para que todo el mundo sepa lo que estamos haciendo, de lo contrario tendríamos que escribir demasiados mensajes de texto.

Gracias por aceptar esta entrevista para INDIEferencia Magazine, Gren, esperamos escuchar vuestro álbum pronto y hablar contigo cara a cara la próxima vez.

Gracias a tí, besos.

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PREGUNTAS INDIESCRETAS ODIO PARÍS Por Ander Simón

No paramos con las entrevistas, en esta ocasión os traemos a una de las revelaciones del panorama español en el último año, Odio París. Esta entrevista fue realizada vía email por lo que, desafortunadamente, no disponemos de un audio de la misma.

Antes de todo, desde Indieferencia nos gustaría agradecer a los chicos de Odio París el habernos concedido la entrevista y felicitarlos por el disco que se marcaron, dicho esto aquí tenéis la entrevista:

Bueno, primero de todo hablemos de como surgió el grupo, tenemos entendido que antes de que naciera Odio París estuvisteis en distintas agrupaciones, a partir de ahí, ¿Cómo os conocisteis y decidisteis grabar juntos? ¿Visteis claro desde el principio el abandonar otros proyectos anteriores para dedicaros a Odio París o alguno de vosotros tuvo dudas al respecto?

Casi todos tocábamos en un mismo grupo a finales de 2008 y desde hacía un tiempo veníamos hablando de experimentar más con el sonido, pero el grupo aquél tenía un estilo sesentero tan marcado y al no estar

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todos de acuerdo decidimos empezar de cero. Recuerdo que los que decidimos seguir juntos nos tomamos con entusiasmo el cambio. Entonces entró Alex (bajo) para completar el grupo, que llevaba un tiempo hablando con Victor (voz) de tocar juntos con las mismas inquietudes. No tardamos en sentirnos cómodos con el nuevo proyecto.

Si hablamos de los orígenes, hay una pregunta que os debemos hacer y no es otra que ¿qué os ha hecho París? ¿De dónde viene el nombre del grupo, es fruto de alguna coña interna o tan solo surgió entre las posibilidades y a todos os gustó?

Es una de nuestras ciudades favoritas, por eso nos hizo gracia. Pero viene de una historia real de desamor de un integrante del grupo, ambientada en París, que en principio iba a ser una canción. Al final sólo conservamos el nombre.

Vuestra maqueta generó bastante expectación, ¿esto os supuso algo de presión añadida a la hora de realizar el disco? Y, ahondando más en la transición de un grupo maquetero a uno con sello, ¿qué

ODIO PARÍS PREGUNTAS INDIESCRETAS diferencias habéis encontrado entre la grabación de la maqueta y del LP? ¿Habéis tenido algún tipo de presión por parte de El Genio Equivocado?

La verdad es que sí sentimos alguna presión, porque nos sorprendió el éxito de la maqueta. Nos preocupaba perder la naturalidad de la maqueta al tener muchos más recursos en estudio. Lo solucionamos grabando todos juntos, como en directo, y luego fuimos sumando arreglos. Por parte del sello nunca hemos tenido ningún tipo de presión. Sobre todo al grabar el disco, tácitamente tuvimos plena libertad. Quizá si hubiera sabido sobre algunas ideas descabelladas que surgieron durante la grabación nos habrían dicho algo. Afortunadamente les encantó el resultado.

El título de la maqueta da a pensar que no sería la única, así pues, suponemos que teníais más canciones preparadas cuando la lanzasteis. ¿Las canciones que no vieron la luz fue debido a no verlas al nivel necesario o hay algún otro motivo? ¿Alguna de las que teníais ideadas fueron recuperadas para el disco o las 5 nuevas de este han sido completamente hechas desde 0?

Con la “Maqueta No. 1” descartamos algunas canciones anteriores de una “maqueta 0″ que nunca hicimos pública y las eliminamos definitivamente. Los 5 temas nuevos en el disco son posteriores, iban a ser parte de la “maqueta no. 2″ que nunca terminamos.

A la hora de realizar el álbum optasteis por encargaros vosotros mismos de la producción, nos surge la duda ahora, ¿en el proceso de creación de una canción, aportáis todos en todos los puntos del proceso o hay alguno que, por ejemplo, se dedique más a las letras mientras que la producción recae en hombros de otro? En dicho proceso, ¿con que dificultades os habéis encontrado?

Al crear una canción aportamos todos. Claro que algunos tienen más talento para las letras, los arreglos o los ritmos, pero en general los temas evolucionan a base de ensayos.

Y en primavera salió finalmente el larga duración, ¿cómo fueron los días una vez decidisteis que estaba listo para ver la luz? ¿El resultado fue exactamente el que buscabais o, ahora, con meses ya pasados, pensáis que hay algún retoque que le pudierais dar a alguna canción para que sonase aún mejor? ¿Podéis elegir la canción que os guste más en vuestro disco u os resultaría imposible?

No estábamos 100% de acuerdo en cómo queríamos que sonara el disco. La duda era si más guarro o lo-fi o no. Finalmente quedamos contentos porque es un buen reflejo de cómo somos en directo. Sobre nuestra canción favorita, coincidimos en “1 de Noviembre”.

Habéis sido todo un éxito en las listas nacionales siendo nombrados en la mayoría de medios como uno de los discos a escuchar en el ámbito nacional, ¿confiabais en lograr algo así u os ha supuesto una sorpresa la gran aceptación que habéis tenido?

Veníamos recibiendo tantas buenas críticas que sabíamos que estaríamos en algunas listas, pero ha sido una sorpresa vernos en tantas. Hasta tenemos a nuestro bajista entre los más sexys del mundo según Jenesaispop.

Y ahora que comento lo de las listas, me gustaría aprovechar para preguntaros a cada uno de los 5 con qué disco y con qué canción os quedáis de este, ya pasado, 2011, nacional o internacional, a vuestra elección.

Marcel: Disco: M83 – Hurry Up, We’re Dreaming

Canción: M83 – Echoes Of Mine

Oscar: Disco: Washed Out – Within And Without

Canción: Crystal Stilts – Death Is What We Live For

Alex: Disco: The Horrors – Skying

Canción: Las Ruinas – Secundarios Del Mundo, Uníos!

Jaume: Disco: Ringo Deathstarr – Colour Trip Cancion: Nudozurdo – Prueba/Error

Víctor: Disco: Youth Lagoon - The Year Of Hibernation Canción: M83 – Midnight City

Siguiendo con el éxito logrado, ya habéis pasado por un festival de la talla del Primavera Sound, seguro que para vosotros todo ha pasado muy rápido pero, ¿creéis que el pasar por dicho festival os ha ayudado a que se corriera la voz respecto a vuestra música? ¿Dónde os sentís más a gusto tocando, en uno de estos festivales o sois más de salas de conciertos algo más pequeñas?

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Sí, por supuesto, al ser el PS uno de los festivales más interesantes, a la gente le entra la curiosidad por los grupos que tocan ahí. Y sobre dónde nos sentimos más cómodos: en realidad tenemos nuestras diferencias. Algunos disfrutamos más con el nivel de producción de un festival (luces, sonido, backstage) y otros, con la cercanía con el público en una sala pequeña.

Otro festival por el que habéis pasado fue el Día de la Música, allí también fueron The Pains of Being Pure at Heart a los cuales siempre se les nombra para describiros. ¿Qué pensáis de esta comparación? Tenéis influencias en común pero, que os comparen tanto, ¿no os llega a resultar algo molesto al final?

Sí que cansa un poco, pero es normal recurrir a las comparaciones para describir un estilo. Pero los Pains nos encantan , así que no nos molesta.

Siempre se nombra, entre otros, a My Bloody Valentine como una de vuestras influencias. Aunque aún quede lejos, ¿de cara al futuro hay algunos otros grupos que os hayan marcado y de los cuales os gustaría ponerle algún toque a alguno de vuestros próximos trabajos?

Por ahora ninguno. En realidad esperamos que

nuestro segundo disco tenga un toque más propio.

Aprovechando lo del futuro, ¿puede suponeros en cierto modo un lastre el haber tenido tanto éxito en el primer disco a la hora de que os pongáis a hacer el segundo? ¿Tenéis alguna fecha orientativa en mente para encerraros a preparar una continuación o de momento preferís disfrutar de todo lo que os está viniendo y ya ira surgiendo el segundo poco a poco?

Por supuesto sentimos esa presión, aunque estamos seguros de que el próximo será igual o mejor. Quizá nos preocupa más conseguir un camino más personal. De hecho, ya hay algunas ideas que nos tienen entusiasmados. Esperamos lanzar un EP hacia fines de 2012.

En Indieferencia Magazine somos muy afines a las redes sociales por lo que siempre nos gusta preguntar sobre ellas. ¿Cómo valoráis la conexión que ofrecen entre artista y seguidor tanto a la hora de recibir opiniones como de herramienta para promocionar el trabajo realizado?

Para nosotros han sido indispensables. Además es agradable la cercanía que se produce con los fans.

Enero 2012 INDIEFERENCIA MAGAZINE 43

Ico Top: Enero

Por Quique Gómez

Cloud Nothings / Attack On Memory

Cloud Nothings era el proyecto casi en solitario de un tal Dylan Baldi, que editó sus EP’s caseros en un primer largo, “Turning On” (2010), y que en menos de un año tenía listo ya el segundo, “Cloud Nothings” (2011). Indie-rock con algún que otro destello punk pero sin demasiado impacto. Fucked Up los eligió como teloneros para su gira del año pasado y lo que parecía inofensivo se acabó convirtiendo en una peligrosísima arma incendiaria. Baldi, con la necesidad de convertir su proyecto en algo más serio, recurre a la formación de banda como tal, y así, otra vez en menos de un año, Cloud Nothings se convierten en un pedazo de grupo punk con ramalazos alternativos muchísimo más marcados incluso que los propios ”papás” que se los llevaron de viaje. Los han superado en crudeza y transgresión, y es que ahora apuntan muy alto. Tan alto como que tienen el “Spiderland” (1991) de Slint entre ceja y ceja. Menudo descaro. Escogimos un nombre en 2011 (The Men)

para relacionar un álbum con los padres del punkalternativo… y hemos tardado apenas un par de semanas de año para hacer lo propio en 2012. Brutal colección de canciones que van desde el indie más digerible (“Fall In”, “Stay Usless”) al desgarro más emocional (“No Future No Past”, “No Sentiment”), pasando por un interludio tocado a la más alta velocidad posible (“Separation”) que te demuestran qué calidad tienen. Cierran “Our Plans” y “Cut You” reivindicando que siguen siendo indirock y, que en eso, se van a partir la cara con quien sea.

Resumiendo, lo que nos encontramos en estos ocho geniales temas son: guitarras muy agudas, riffs de ensueño, inspiradas melodías y algún que otro estribillo al estilo de los primeros Weezer… ah, y “Wasted Days”, claro, los mejores 9 minutos de lo que llevamos de año.

Lana Del Rey / Born To Die

Mira tú si toca tanto las pelotas el tema, que ahora lo más indie dentro del panorama indie es ir en contra de alguna corriente de moda. Es decir, que si hay mucho hype sobre algún artista medianamente cool, lo mejor es criticarlo/a antes que nadie para “demostrar” lo guay que eres. Como esa es una actitud tan gilipollesca, dejaremos el tema ahí, porque nos podemos empezar a calentar, y de eso no va esta revista.

Eso es, hablemos de música. Y en el debut de la ya famosa Elizabeth Grant, alias Lana Del Rey, la hay, y muy buena. Sí, rotundo sí al que preguntaba si tanto hype estaba justificado.

“Born To Die” camina por un fino hilo de milimétrica precisión entre rascacielos, porque este disco y esta artista están, desde ya, en las alturas. Nada más que añadir, este señor disco supone un tremendo bofetón a todo aquel que criticó antes de escuchar. Eso sí, es largo: ojo con el que no tenga mucha paciencia. Pero con tanta calidad es fácil aprender a tenerla.

First Aid Kit / The Lion’s Roar

Haciendo justicia a su propio nombre, este dúo femenino sueco cura cualquier sospecha de que el folk europeo está muerto. Parece que acercarse al sonido country en el viejo continente está vetado, que es cosa de los yankees. Lo tienen más fácil allí en Escandinavia, eso sí, sobre todo por esa corriente de pop delicado y sin complejos que tan grandes nombres ha dado en los últimos años (José González, Kings Of Convenience, el propio Erlend Øye, The Radio Dept., El Perro Del Mar, Jens Lekman, Frida Hyvönen…) y que han convertido a Suecia en el tercer país exportador de bandas internacionales.

Todos ellos influyen en este tercer disco de First Aid Kit y mucho, para acabar formando un gran disco en el que las hermanas Söderberg, sin tanta instrumentación (de verdad, no hace falta con semejante vozarrón) tienden al sonido Fleet Foxes sin miedo. Destaca entre todo el genial conjunto una canción (“King Of The World”) en la que colabora Conor Oberst (Bright Eyes). Por algo será…

44 INDIEFERENCIA MAGAZINE Enero 2012

Ico Top: Enero

4º Crippled Black Phoenix – (Mankind) The Crafty Ape

5º Gonjasufi MU.ZZ.LE

6º Chairlift Something

7º Leila U&I

Grupo De Expertos Solynieve / El Eje De La Tierra

Ya nos avisaron con un single previo (“La Nueva Reconquista De Graná”) que volvían con fuerza. Se filtraron otro par de canciones (“Perros Muertos” y “Dime”) y resulta que en el disco que iban ordenadas. Vaya forma de empezar el segundo y aclamado álbum de los granadinos. Vaya tres temazos.

Como si de reivindicación se tratase, ese primer corte de reconquista quiere poner al folk sureño con deje fronterizo donde se merece.

Vamos a dejar de tratarlos como “la otra banda de J” porque ahora van más en serio que antes. De hecho, el otro líder, Manuel Ferrón (compositor de eternos temas de Los Planetas) tiene a puntito su debut en solitario, fechado para este 2012. En este “Eje De La Tierra” están al 50%, tanto en composición como en interpretación.

Con la siguiente (“Merienda De Negro”) no sólo llevan al extremo la malafollá (… tanta polla pa ná) sino que sacan su lado más protestante. Y no es la única, puesto que hay más temas (“Perros Muertos”, “De Baja” y, sobre todo, “El Evangelio (Según Pablo)”)

2º Dulce Pájara De Juventud Dulce Pájara De Juventud

3º AtletA Verdad

que ofrecen otra lectura, más allá de la primera apariencia. “¿Por Qué No Te Largas De Aquí?” podría ser la cara B de “Pesadilla En El Parque De Atracciones” en otra asombrosa oda al rencor, de las que dicen tener 15 canciones. Por Dios, las queremos oír todas. Al blues (original de Kevin Ayers) que comienza la segunda mitad del álbum sólo le falta Kiko Veneno. Y es que si el principio era espectacular, para terminar, “Pequeños” se convierte desde ya en la mejor canción de Ferrón; y “Tú, Misionero De Dios” en el mejor cierre desde “La Copa De Europa”.

Olvidaos de la psicodelia jonda de Los Planetas y del flamenquito pop andaluz; Grupo De Expertos Solynieve van por libre y no hay ninguna otra banda igual en nuestro país.

Aunque tarden en volver (nos han hecho esperar más de 5 años) y vuelva a ser un disco corto, lo esperaremos impacientes. Y si se hace tan corto es porque, de media, es aún mejor que “Alegato Meridional” (2006). Sí, es verdad, aquí se ve que hay calidad…

NACIONAL E N E R O

Enero 2012 INDIEFERENCIA MAGAZINE 45

INDIESPENSABLES: Enero 2012

Quique Gómez

DISCOS

CANCIONES

Ander Simón

DISCOS

CANCIONES

F. Javier M. Bel

DISCOS

CANCIONES

Jesús D. Marín

DISCOS

CANCIONES

David G. Altarejos DISCOS

CANCIONES

Joaquín Ollero

CANCIONES

1. Cloud Nothings - Attack on Memory 2. Grupo de Expertos Solynieve - El Eje de la Tierra 3. Lana Del Rey - Born To Die 4. Dulce Pájara De Juventud - Dulce Pájara De J...

5. First Aid Kit - The Lion's Roar

1. Cloud Nothings - Attack on Memory 2. Crippled Black Phoenix - (Mankind) The Crafty...

3. Chairlift - Something 4. Enter Shikari - A Flash Flood of Colour 5. Lana del Rey - Born to Die

1. Pulled Apart By Horses - Tough Love 2. Tribes – Baby 3. Enter Shikari - A Flash Flood of Colour 4. Crippled Black Phoenix - (Mankind) The Crafty...

5. Cloud Nothings - Attack on Memory

1. Crippled Black Phoenix - (Mankind) The Crafty...

2. Grupo de Expertos Solynieve - El Eje de la Tierra 3. Tribes - Baby 4. We Are Ghosts - Broadcasting 5. Caspian - Live at the Old South Church

1. Enter Shikari - A Flash Flood of Colour 2. Grupo de Expertos Solynieve - El Eje de la Tierra 3. Lana del Rey - Born to Die 4. The Maccabees - Given To The Wild 5. First Aid Kit - The Lion's Roar

DISCOS

1. Lana del Rey - Born To Die 2. The Maccabees - Given to the Wild 3. Cloud Nothings - Attack on Memory 4. Tribes - Baby 5. Anthony Green - Beautiful Things

46 INDIEFERENCIA MAGAZINE Enero 2012

1. Cloud Nothings - Wasted Days 2. G. de Expertos Solynieve - Tú, Misionero de Dios 3. First Aid Kit - King Of The World 4. Lana Del Rey - Videogames 5. Gonjasufi - Nickels And Dimels

1. Cloud Nothings - Wasted Days 2. Crippled Black Phoenix - Get Down And Live Wi...

3. Lana del Rey - This Is What Makes Us Girls 4. Els Amics de les Arts - Monsieur Cousteau 5. Chairlift - Take It Out On Me

1. Tribes - Whenever 2. Pulled Apart By Horses - Shake Off the Curse 3. Cloud Nothings - Wasted Days 4. Enter Shikari - Sssnakepit 5. Lana Del Rey - Dark Paradise

1. Crippled Black Phoenix - The Heart of Every C...

2. The Maccabees - Pelican 3. Grupo de Expertos Solynieve -¿Por qué no te...

4. Els Amics de les Arts - Monsieur Cousteau 5. Foxy Shazam - Welcome to the Church of R&Roll

1. Grupo de Expertos Solynieve - Dime 2. First Aid Kid - King of the World 3. Enter Shikari - Warm Smiles Do Not Make You...

4. Lana del Rey - Off to the Races 5. Els Amics de les Arts - Monsieur Cousteau

1. Crippled Black Phoenix - The Heart of Every C...

2. Lana del Rey - Dark Paradise 3. Chairlift - Take It Out on Me 4. Mi and L'au - Magic 5. Tribes - Corner of an English Field

CRÉDITOS & AGRADECIMIENTOS

FOTOGRAFIA

Neil Krug - www.neilkrug.com Marina Chavez / última foto Dossier Nick Cave / www.marinachavez.com Noa Magger / Foto review “We Are Whosts” / www.flickr.com/people/noa_m/ Mariano Regidor / Fotos entrevista “Lüger”/ www.nsefotografia.com Delphine Van Brackel / Fotos entrevista “The Lysergic Suite” / www.delphinevanbrackel.com Blanca Viñas / Fotos entrevista “Odio París” / www.blancavinas.com

REDACCIÓN

Ander Simón, Quique Gómez, Joaquín Ollero, F. Javier Moreno, Jesús Daniel Marín, David García Altarejos, Alejandra Otero, Ale Betancort.

DISEÑO & MAQUETACIÓN

F. Javier Moreno

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