INDIE FERENCIA
FEBRERO 2012 | Nº 8
magazine
GRIMES * ENTREVISTA A THE NEW DIVISION * REVIEWS TENNIS
LA HABITACIÓN ROJA * BAND OF SKULLS * SHEARWATER * VARRY BRAVA MOTORPSYCHO * YOUNG MAGIC * KLAUS & KINSKI * HOWLER Y MUCHOS MÁS
INDICE
INDIEFERENCIA MAGAZINE
Review: Varry Brava: Demasié 3 La Habitación Roja: Fue Eléctrico 7 Shearwater: Animal Joy 9 / Tennis: Young & Old 11 Young Magic: Melt 13 INDIEQUETAS 14
Review del mes: Grimes: Visions 15
Review : Klaus & Kinski: Herreros Y Fatigas 17 El Columpio Asesino: Mondo Sonoro EP 18 Band Of Skulls: Sweet Sour 19 Motorpsycho: The Death Defying Unicorn 21 The Ting Tings: Sounds From Nowheresville 23 Lisabö: Animalia Lotsatuen Putzua 25 The Kills: The Last Goodbye 26 Howler: America Give Up 27
Entrevista: John Kunkel de The New Division 29 Ico Top: Febrero 33 Indiespensables: Febrero 35
Photo: Neil Krug
VARRY BRAVA
D E M A S I É
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REVIEW VARRY BRAVA Demasié (2012) Por Jesús Daniel Marín
Por fín ha llegado el momento. Tras la declaración de intenciones que presentaron allá por 2009 con el nombre de “Ídolo” (2009) y que tan buenos resultados les dió, Varry Brava han madurado. Juntando los mejores temas de aquel disco auto-editado y sumándolo a unos nuevos, bajo la atenta mirada de Raúl de Lara (nombre habitual en los discos de sus paisanos Second) han dado forma a “Demasié”.
Con una mayor calidad en el sonido y en la producción, Demasié empieza con la conocidísima “No Gires”. Esta canción sigue teniendo la esencia que nos llevaba a bailar sin parar, pero ahora con ese sintetizador de fondo y un nuevo puente es menos guitarrera y suena con reminiscencias ochenteras. “Calor” es el tema que han elegido como single y resume a la perfección la música de Varry Brava. Guitarras pegadizas, ritmos bailables y estribillos pensados para ser lanzados en directo ante un público dispuesto a cantar con el grupo.
“Ritual” y “No te conozco” nos sumergen de lleno en los sonidos procedentes de la década de los ochenta, incluido ese saxo que queda perfectamente acoplado a la canción. “Amantes de fuego” es la primera canción que baja un poco el pistón de lo bailable en “Demasié”. Nos imaginamos a Tino Casal cantándola, o a un primerizo Miguel Bosé. Curioso efecto el repiqueteo de castañuelas durante el estribillo.
De nuevo los sintetizadores nos atacan en “Templo”, acelerada y con un bajo sobresaliente, llevando el peso de toda la estrofa de la canción hasta que el estribillo vuelve a caer en manos de un teclado provocando un contraste como si de frío y calor se tratara. Y sin dejar a ese bajo que quiere protagonismo, suena “Radioactivo”, otro de los temas rescatados de aquella primera maqueta y que saca a relucir el lado más indie de la banda, haciendo un tema rápido y muy pegadizo de fácil estribillo y que se os pegará como la camiseta en verano. La tercera de las canciones rescatadas de Ídolo es “Miedo”. Aquí vuelven a esos sonidos ochenteros con toques de funk y sonidos que nos pueden recordar a la música de los grandes cantantes italianos como
Pino D’angio o Franco Battiato, imprescindibles en el sonido disco de los años ochenta, sobretodo por el final de la canción y sus frases en italiano.
En el último tramo del disco, “Confusión” sigue sumergiéndonos en esa influencia de la música de los años ochenta, recordándonos a Radio Futura por momentos, pero con la característica voz de Óscar, cantante de Varry Brava. Y ese sonido cargado de buen rollo y diversión del cual está cargadito este “Demasié” sobresale en “Despeinados”. Así debe ser como terminan los componentes del grupo después de tocar esta canción en directo, sin parar de bailar y mover la cabeza. Es con el siguiente corte, “Disco”, con el que se bajan las revoluciones, con un principio casi acústico que evoluciona en unos ritmos que podrían acompañar a un anuncio de Martini, destilando ese sonido italiano que antes ya había sido mencionado.
Como primer disco y tras su buen hacer con la maqueta, según ellos mismos, de Ídolo, Varry Brava se presentan como una propuesta muy atrevida que bebe del pop español de los ochenta, la música disco, el funk, el romanticismo italiano y sin olvidar al movimiento indie más actual, del cual son una de las promesas. ¡Bravo por los Brava!
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LA HABITACIÓN ROJA FUE ELÉCTRICO
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REVIEW LA HABITACIÓN ROJA FUE ELÉCTRICO (2012) Por J. N. Carretero
Resulta muy difícil permanecer impasible tras escuchar Fue eléctrico, el nuevo disco de La Habitación Roja, una de las bandas de indiepop más veteranas del panorama nacional y que, largo tras largo, demuestran una madurez instrumental y artística que, aunque no derribará las reticencias de sus eternos detractores, les ha llevado a firmar el que posiblemente sea su trabajo más completo, profundo y conmovedor de su carrera.
La formación compuesta por Jorge Martí, Jose Marco, Marc Greenwood, Pau Roca y Jordi Sapena da la razón con este disco a aquellos que acusan al indie español en general, y a La Habitación Roja en particular, de abordar en la mayoría de las ocasiones temas tristes, demasiado dramáticos y pesimistas, pero si se hace con la maestría que han demostrado los valencianos en los once cortes que contiene “Fue eléctrico”, bienvenida sea esa actitud hacia la autoflagelación. Cada uno de los temas que contiene este disco representan verdaderos poemas musicales que te hacen empatizar con los mensajes que encierran sus letras. Cada canción consigue captar tu atención, te lleva a profundizar en su mensaje y te transmite los sentimientos que la característica y melancólica voz de J. Martí interpreta en cada una de ellas. De este modo, todo aquel que haya tenido la enorme desgracia de sufrir rechazo, desamor, abandono o angustia en algún momento de su vida encontrará una expresión musical a dichos sentimientos en los aproximadamente cincuenta minutos que dura este trabajo.
A pesar de que los once cortes de “Fue Eléctrico” gozan de una calidad mayúscula, son “Ayer”, “Indestructibles” y “Norge” los que se anclan a las tripas y al corazón del que escucha y los que consiguen que, al mismo tiempo que las canciones se desarrollan en tus oídos, en tu cabeza se sucedan tus propias instantáneas en las que viviste las historias que Martí canta de forma magistral. En “Ayer” encontramos el relato atormentado de quien no es capaz de corresponder a otra persona y no se atreve a dejar a quien merece ser querido. Una historia contada desde el punto de vista de quien se siente obligado a desprenderse de otra persona siendo consciente de que esa decisión es totalmente injusta para el ser humano que es abandonado. En total, son más de cuatro minutos en los que es im-
posible no vivir la historia desde ambos puntos de vista y en los que es fácil llegar a decantarse por quien se va a encontrar solo y desamparado, odiando metafóricamente a un Martí que no hace más que reconocer su cobardía.
En la misma línea de desasosiego y desamparo en la que se sitúa “Ayer” comienza “Indestructibles”, himno musical al desconcierto que provoca en las personas ese momento inesperado en que una relación que parecía inquebrantable estalla en mil pedazos llevándose con ella tu vida, tu realidad y tu universo. A nivel vocal e instrumental plasma con total credibilidad ese estado de pérdida y de indigencia sentimental en que quedas tras una ruptura tan inesperada.
Por último, el trío de temas “dolorosos”, sentimentalmente hablando, culmina con “Norge”, donde la nostalgia de los recuerdos vividos en pareja es una mochila de enorme peso que más que en tu espalda cargas en tu mente y en tu corazón, ambos destrozados ante unos momentos que sabes que nunca volverán. Es ese vértigo ante el vacío el que consigue transmitir este tema y mediante el que esta canción se clava y perdura en la memoria del oyente. Dejando al lado la tristeza adictiva que desprenden los cortes analizados, Fue eléctrico tiene un arranque instrumental muy potente y pegadizo con “El Resplandor”, una línea dinámica y rítmicamente veloz que tiene más ejemplos en “La razón Universal” y en “Cielo Protector”, temas muy en la línea de anteriores trabajos de La Habitación Roja pero que denotan un paso más a todos los niveles dentro de su carrera.
En definitiva, este nuevo disco de La Habitación Roja eleva la calidad demostrada en anteriores trabajos y representa un avance significativo en lo que se refiere a las letras, especialmente, y a nivel instrumental, continuando la escalada que su anterior trabajo, “Universal” (2010), significó para el grupo. “Fue Eléctrico” se convierte en una obra de arte musical capaz de transmitir emociones y hacer aflorar sentimientos que se aprovechan del dolor para calar hondo en el oyente. Sin duda, el disco del año hasta el momento. Febrero 2012 INDIEFERENCIA MAGAZINE 9
SHEARWATER Por Joaquín Ollero
“Animal Joy” ve finalmente la luz para demostrar o no si todo el álbum tiene la calidad de esos singles tan prometedores que fueron lanzados de forma previa al álbum. ¿Estará a la altura?
Shearwater es una banda de rock independiente que comenzó su viaje en el mundo de la música en Texas allá por 1999, y desde entonces se han publicado 8 álbums (contando como último este “Animal Joy”), un par de EPs y algún trabajo esporádico más. No sería hasta la publicación de “Palo Santo” (2006) donde la prensa especializada valorase tal y como se merece la música de calidad y culto que este grupo estadounidense realiza, así como también el reconocimiento por el público y en ventas seguiría una trayectoría ascendente a partir de esta publicación y llegaría hasta hoy en día, donde este octavo LP ha sido muy esperado por los fans más allegados a la banda, los cuales han sido recompensados con un trabajo muy completo y satisfactorio.
El telón se abre y nos topamos con “Animal Life” título acorde con el nombre elegido para el álbum. De forma subjetiva pienso que es un tema perfecto para escuchar en primer lugar, ya que es muy fiel y sincero con lo que nos encontraremos en el resto del tracklist, mostrando las características esenciales de las que hace gala
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Shearwater. Con ésto me refiero a que las mejores canciones del grupo en general, incluso podría decir en toda la discografía, comparten ciertos puntos en común que las hacen especiales y memorables. Hablamos de que la voz de Jonathan Meiburg es una seña de identidad en la banda, es un sonido que suele comenzar desde una entonación grave sumida en la profundidad de los sonidos, a las puertas del infierno, para ascender como si no existiese mañana, gracias a una escala de agudos espeluznantes, hasta las nubes del cielo. Esta melodía que crece constantemente está acompañada por guitarras melódicas y baterías tranquilas, creando definitivamente una textura inigualable e irrepetible, por lo que es realmente sencillo identificar cualquier canción del grupo, siempre y cuando se sea capaz de identificar estas características.
“You As You Were” (en cuarta posición en el tracklist) comienza con un piano constante que de repente cambia de temperatura para cogerse de la mano tras 25 segundos transcurridos a la voz principal que llevará las riendas del tema. La primera sección termina con ese escalofriante “and for the rest of you life…” (y jamás estuvieron mejor puestos unos puntos suspensivos que justamente ahí). La batería entra en juego, y encontramos el pedal del bombo funcionando a una frecuencia
constante, metiendo ritmo a la canción, cómo si dejar claras las intenciones fuese primordial. Cuando la voz de Jonathan Meiburg decide elevarse, ya es demasiado tarde para poder retirarse. Toda la canción es una aventura in crescendo, y continúa de la mejor forma posible, con ese fondo tan minimalista y tan completo, con una voz que jamás estuvo tan adaptada en una canción de la banda. “I’m leaving the life”. Se repite una y otra vez, cada vez con más fuerza. “¿Te enteras?” parece querer decirte el cantante. Es una sección orgásmica culminada por una paz honda y tranquila. Al final y al cabo acabas de dejar la vida… En la humilde opinión de este redactor, y como conclusión tras cientos de reproducciones que he podido disfrutar de este tema, me parece que tiene una fuerza y una energía inusual, fuera de lo común, ajena a lo cotidiano, perteneciente a otro universo, es un grito de desahogo, una necesidad de expresarse sin peros ni reparos, un puñetazo sobre la mesa, un acto de reivindicación absoluto. La primera mitad del LP tiene a estas dos canciones recién comentadas como más destacadas (y tanto, sobretodo en el caso de “You As You Were”), pero en líneas generales muestra una faceta más rockera del grupo, la cual desafina notablemente. Temas como “Dread Sovereign”, “Insolance” o “Immaculate” no están mal, pero no muestra la magia de la que Shearwater es capaz: guitarras acústicas y una melodía con propósito y determinación. Por regla general, los sonidos que superan una barrera abstracta de fuerza, no encajan muy bien con la filosofía de la banda. Afortunadamente, a partir de “Run the Banner Down” (octavo tema del álbum) la calidad va en aumento hasta el final del mismo. De hecho ésta es para un servidor la tercera mejor canción del disco (por detrás de como es obvio “You As You Were” y del extremadamente sensible epílogo “Escape From Holy Mountain”). La voz principal de nuevo toma toda la responsabilidad de este
SHEARWATER ANIMAL JOY 2012 REVIEW
poema y nos hace estremecer con esa entonación que va a juego con la disfrutada a lo largo de todo este viaje.
En la recta final es un placer escuchar “Believing Makes It Easy” y “Star of the Age”. La primera es una de las más movidas, con un ritmo arriesgado (partiendo de la base de que estamos hablando de un grupo que por emoción y riesgo entiende ésto que podemos sentir escuchando la canción, no espereis nada muy experimental o diferente al resto, pero sí que se nota un cambio en la velocidad de las estrofas, así como los enlaces entre ellas). La segunda acaba con autoridad un álbum que empezó de la misma manera, dejando claro qué es lo que el grupo sabe hacer, y eso mismo, lo saben hacer muy bien. “Star of the Age” transmite fuertes vibraciones, y mientras los segundos van transcurriendo, es inmediato admitir que hemos pasado por una tierra firme, sin titubeos, que no ha sido producto del azar, sino de una intención pura y directa, de disfrute animal. Sin formar parte del tracklist convencional, “Escape From Holy Mountain” como canción extra de la versión especial del álbum, es imprescindible para entender verdaderamente de todo esto que se ha hablado. Los primeros compases te hacen recordar melancólicamente a la primera canción del primer álbum de la banda, “Mullholland”: pura sensibilidad, fragilidad, delicadeza y susceptibilidad. Y es que éste es el sabor más rico que esta gran banda de indie rock sabe preparar, y así lo ha hecho a lo largo de todo el disco, mostrando un color uniforme (desacompasado en ciertos temas, pero sin mayor importancia), pero con un resultado global único y que merece la pena disfrutar con calma y amor por la música.
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REVIEW TENNIS Young & Old (2012) Por David G. Altarejos
Poco más de un año después de su debut, la banda originaria de Denver, Colorado, formada por Alaina Moore y Patrick Riley, vuelven para lanzar su segundo LP llamado “Young & Old”. El dúo chico-chica, tan frecuente en estos tiempos, nos deleita con un indie-pop con toques lo-fi que nos transportará a climas más cálidos, a paseos por la playa en primavera.
Tennis ha vuelto, y con un LP bajo el brazo. “Young & Old”, producido por Patrick Carney de The Black Keys, es un disco homogéneo, que fluye suavemente, sin prisa pero sin pausa. En él, algún que otro tema destaca por encima del resto, como “Origins” o “Traveling”. “Origins” fue el primer single, lanzado a principios del pasado mes de diciembre. Se trata de una gran canción, y una de los primeros temas del LP. Gran melodía, espléndida voz y magníficos coros que nos hacen esperar un disco enorme. Lamentablemente no es así, pero el resultado no desmerece para nada a lo escuchado en las dos primeras pistas.
en especial el final. Trata sobre una pareja de enamorados, todo es alegría, pierden la noción del tiempo cuando están juntos… pero como acaba repitiendo varias veces la canción al final: “Paradise is all around but happiness is never found” (El paraíso nos rodea pero nunca encontramos la felicidad). Y la segunda cosa a destacar es la canción ”Dreaming”, que resume lo que es el álbum: soñar. Canción melódica, somnolienta, que hace pensar sobre lo que el futuro aguarda, sobre lo que quiere creer, sobre lo que está por venir.
Después aparecen tres canciones que, a pesar de no ser sobresalientes como “Origins”, dejan un grandísimo sabor de boca. Así, “My Better Self”, “Traveling” y “Petition” pasan en un santiamén, y son de lo mejor del disco. A partir de ahí, nos queda la última mitad del disco, en la que el nivel desciende un punto, aunque sigue siendo muy compacto. No existe apenas transición entre una canción y otra, todo fluye como la brisa marina en el paseo de una playa, como si de una canción de 35 minutos se tratase.
En líneas generales, las letras se centran en torno a romances, traiciones y esperanzas, muy introspectivo. Todo ello envuelto en la dulce y relajante voz de Moore, que sumado al sonido dream-pop y los coros afables le otorga al disco una aureola que recuerda a otros grupos como Best Coast, Summer Camp o Cults.
De la última parte del disco cabe resaltar dos cosas. La primera, la canción “High Road”, buen tema para ir cerrando el disco. Voz, melodía y coros son buenos, pero sobre todo las letras son lo que llaman la atención, y
Para finalizar, el álbum termina con “Never to Part”, irónicamente. La cosa termina, pero no quieren partir. Y así, tal como empezó, el disco se acaba. Dejándonos ensimismados, inmersos en ensoñaciones. Es un disco de primavera, de brisa marina, de paseos descalzos por la arena.
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REVIEW YOUNG MAGIC MELT
MELT
(2012)
Por Sergio Herguedas
Con una portada que quedará clavada en la retina de muchos ojos, encontramos a este trío de Brooklyn, que dará mucho que hablar con su álbum debut, y (esperemos) con todo lo que venga detrás de él.
“Sparkly” comienza con unos vocales espaciales que crean el clima adecuado para dejar volar la imaginación de cada uno, hasta que de buenas a primeras, las percusiones envueltas en coros, aparecen para aumentar la calidez desprendida por nuestra mente. Calidez que toca a “Slip Time“, aunque esta vez, lo que acompañan, son gritos que podrían provenir de cualquier rito africano. La temperatura que envuelve el ambiente de “You With Air”, incluyendo la electrificación a la que nos vemos sometidos, va siendo sofocada gracias a la magia angelical que destacamos de fondo, pero que enseguida traemos al primer plano, para mitigarla y dejarla en el olvido. Con el
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frío de la noche, “Yalam” va creando una suave brisa llena de repetición de elementos que se van interponiendo unos a otros, para llegar con el suave balanceo de la mañana a “Jam Karet” mientras dejamos que los primeros rayos de sol creen una sociedad onírica con el hip-hop del Bronx. Y para aumentar la sensibilidad, “Night In The Ocean” se desmarca con unos vocales femeninos en francés que acrecentan el estilo utilizado también en “The Dancer” que nos podemos encontrar en las calles orientalesde “Watch For Our Lights“, aunque enmarañadas por el bullicio lo-fi del gentío.
Huímos a “Cavalry” para que el viento golpee nuestra cara y así poder sentir únicamente la libertad mientras a lo lejos distinguimos “Sanctuary” y sus ritmos llenos de caza sueños que evitamos evandiéndonos a un mundo exótico en el que observamos como los últimos resquicios del fuego van llegando a su fin, al igual que lo hace “Drawing Down The Moon“.
I N D I E Q U E TA S ¿Tienes una banda?
Entonces estás en la sección adecuada. En este espacio tratamos de ayudar a esos grupos musicales que están comenzando y quieren darse a conocer, quieren que la música que han creado con tanta pasión sea escuchada por la mayor cantidad de personas posible.
¿Cuáles serán promocionadas?¿Qué sacan de beneficio las bandas?
Una vez que escuchemos en la redacción los discos autoproducidos/maquetas/EPs que recibamos en nuestro correo, elegiremos las que más nos gusten y serán promocionadas mediante una pequeña review que será publicada en la web, como también en nuestra cuenta de twitter y Facebook de la revista. En esta review hablaremos sobre la banda y la maqueta. Además las 5 mejores maquetas de cada mes saldrán en la revista del PDF mensual en su sección correspondiente.
El estilo musical nos es indiferente, aunque debería encajar dentro de los estilos que solemos hablar en la revista: indie, rock, rock alternativo, post-rock, shoegaze, indietronica, dreampop, psicodélica,..etc
¿Qué es necesario?
Tener un disco autoproducido/EP/Maqueta. Mínimo 2 canciones. Tener vuestro trabajo colgado en Soundcloud o Bandcamp No tener sello discográfico
¡Envíanos vuestro trabajo!
Las demos/maquetas/EPs nos las tenéis que enviar a esta dirección de correo: indiequetas@indiefermag.com
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REVIEW GRIMES Visions (2012) Por Joaquín Ollero
Claire Boucher (la persona que se esconde detrás de Grimes) aporta una perspectiva escalofriante sobre el contacto físico y la era digital en la que vivimos a través de texturas electrónicas en éste Visions que jamás podrías imaginar por ti mismo. La carrera musical de esta artista comenzaría en 2010 a través de la discográfica Arbutus, donde publicaría sus 3 primeros trabajos a lo largo de dos años: “Geidi Primes” (2010), “Halfaxa” (2010) y “Darkbloom” (2011) (en colaboración con D’Eon), para finalmente, en 2012 firmar un nuevo contrato con 4AD, la cual se encargaría de lanzar al mercado en Estados Unidos (y otros países) el nuevo álbum, mientras que Arbutus se haría cargo de ello en Canadá. Estos tres álbumes se pueden considerar una introducción muy aceptable para lo que realmente Claire quería conseguir: aportar su visión tan novedosa y particular en la música electrónica a través de un trabajo con una gran carga “filosófica”. Se puede decir que esos primeros pasos en la industria carecían de un propósito preciso y determinado, aunque por ejemplo “Vanessa” de “Darkbloom” (con un videoclip en el que disfrutamos viendo a Ms. Boucher moviéndose al ritmo de la música) es una gran canción, pero la tónica general a lo largo de cada álbum es como una línea constante que en ningún momento iba in crescendo.
Cuando pulsamos el “play” y nos disponemos a escuchar “Visions” nos encontramos con una intro muy fiel de lo que será el resto del álbum: sonidos digitales mezclados con la voz de Claire, aguda y que en realidad parece provenir de un androide, y es que esta visión que Grimes nos regala es una reflexión muy profunda sobre la distancia existente entre las personas hoy en día a causa de la expansión digital. Partiendo de esta base, este redactor piensa que tomar a la cantante como el robot protagonista de todas las canciones sería un ejercicio realmente adecuado para afrontar el álbum. En “Genesis” , segundo tema del LP, que nos deja completamente boquiabiertos por ese piano oriental tan condenadamente pegadizo culminado en el estribillo con una interpretación vocal espectacular, que sencillamente te hace suplicar que no termine jamás, podemos escuchar “My heart will never be. Never feel never…” Y podríamos entrar en el eterno debate de si una forma de vida articial e inteligente como lo pueden ser los utópicos y futuros robots con inteligencia artificial deberían tener corazón, alma, sentimientos. ¿Quie-
nes somos nosotros para determinar semejante veredicto? Esta canción desde ya se convierte en un nuevo himno cibernético gracias a una estructura con determinación y propósito, ya que todo está encauzado como una unidad. Continuamos con “Oblivion” o mejor dicho, lo que supone ser una secuela perfecta para el temazo anterior. Seguimos viajando por este mundo que bien podría ser sacado de los videojuegos Rez o Child of Eden: colores, neones, conexiones y un poco más adelante aparece “Vowels = space and time” (en general todas las canciones se titulan de una forma muy particular) y seguramente a estas alturas nos damos cuenta de que estamos ante algo realmente especial. Es un auténtico placer escuchar a Claire Boucher cantar de esa manera, dando rienda suelta a su registro de susurros, gemidos y gritos sutiles, y sobretodo cuando de fondo tenemos obras maestras instrumentales, con infinidad de sonidos provenientes de universos imaginarios.
Es cierto que se pueden encontrar piezas menos inspiradas como pueden ser “Eight”, “Nightmusic” o “Circumambient” que empañan el resultado final ligeramente, pero es que si no hubiese sido así, estaríamos hablando de un álbum que sería recordado durante décadas. Aún así, a lo largo del LP tampoco podeis dejar pasar ”Symphonia IX (my wait is u)”, “Visiting Statue” o el broche de oro “know The Way (outro)” (con el sonido del agua de fondo, esa naturaleza que no existe en lo digital, pero que por siempre jamás será pura y esencial en cualquier forma de vida). Un servidor se imagina en esta guinda del pastel a ese imaginario androide despertando en las cercanías de un arroyo situado en un verde valle, abre los ojos y se da cuenta de que el viaje que ha realizado lo ha convertido en humano, gracias a la música de Claire Boucher, y de una vez por todas podrá ‘sentir’, ya que mágicamente y como contradicción excepcional dado que lo cibernético es el escenario principal del álbum, el trabajo creado por Grimes es muy sensible, tangible… es algo que ha sido creado para ser sentido en lo más profundo de nuestro ser. Ese es el propósito buscado por la cantante, dejar huella con esta oda post-cibernética tan sorprendente, que ha alcanzado un grandísimo nivel y es un auténtico regalo sinestésico para cualquier persona. Febrero 2012 INDIEFERENCIA MAGAZINE 17
REVIEW KLAUS & KINSKI Herreros y Fatigas (2012) Por Jesús Daniel Marín
El dúo murciano Klaus & Kinski nos presenta su tercer disco, que lleva por nombre “Herreros y Fatigas”, con una portada muy adecuada al nombre del mismo. Un disco “obrero” que está cargado de costumbrismo español en sus letras. Tanto, que hasta se permiten el lujo de ponerle música a un soneto. Y no sólo eso, porque además el grupo se atreve a experimentar con el flamenco, la habanera, el bolero y por supuesto, un pop bailable que es capaz de tenernos moviendo los pies como si de un hit ochentero se tratara.
Hay que advertir al oyente primerizo, como es mi caso, que el dúo murciano tiene tres señas de identidad muy claras y diferenciadas. La primera de ellas son las letras que con tanto mimo y buen hacer escribe Alejandro Martínez. La segunda, la delicada voz de Marina Carruthers. Y la tercera y la más fácil de apreciar es el eclecticismo de sus composiciones musicales.
Así, y como ya hemos mencionado antes, “Herreros y Fatigas” es un disco que abarca multitud de palos y de una disparidad casi imposible. Porque a veces suena a indie bailable pero por sorpresa en la siguiente canción un piano abarca todo el protagonismo o incluso hay guiños al noise más puro al estilo My Bloody Valentine, que dicho sea de paso, se encuentra entre los grupos a los que admiran Klaus & Kinski.
Pese a esta amalgama de estilos, el disco se puede separar en canciones y agruparlas según se prefiera en el momento. Para los que prefieran el sonido de guitarra y los temas más indies, el trío inicial del disco es lo indicado. “La Duda Ofende”, “Contrato” o la inmensa “El Día de los Embalsamados” podrían sonar en cualquiera de los bares que redactores y lectores de esta revista frecuentamos. Atención a la última nombrada, pues se pega como un chicle y te resuena en la cabeza ese ruido constante de fondo mientras repites “Se acabó…”.
Dentro de esa corriente indie pero acercándonos algo más hacia el folk y el pop clásico colocaríamos el single “Ojo Por Diente”, con su guiño a los Beatles y su “Here comes the sun” con esos acordes tan fácilmente identificables. Y si de folk hablamos, el country en su
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vertiente más pura en “Poderoso caballero”, con otro homenaje, esta vez a Pink Floyd y su “Money”. Pero la temática del disco es más oscura que todos estos temas. El disco habla de ansiedad, desasosiego, como si una decepción general nos rodeara y tiñera el mundo de gris (nada más lejos de la realidad que vivimos hoy día) y Klaus & Kinski imitan a los bardos del medievo y se convierten en encargados de hacernos llegar la situación actual a nuestros oídos. Sin embargo, también sabemos reírnos de nosotros mismos y ese cinismo queda patente en temas como “In The Goethe”, en la que haciendo uso de múltiples referencias literarias, se habla de la figura de los enamorados que quieren morir de amor, por si no fuera ya bastante todo lo que está pasando. No quiero decir que sea un tema de risa ni mucho menos. La letra de esta canción es, sin duda, una de las mejores que se han escuchado en mucho tiempo. Y si al principio de esta review os hablaba del costumbrismo español, en “Soneto” queda claro el porqué de semejante afirmación. El dúo es capaz de casar la lírica del soneto con un sonido demasiado saturado y muy del gusto del noisepop (y del que escribe estas letras). Creo que a estas alturas, queda claro que el eclecticismo sí es uno de los puntos fuertes de la banda.
“Dos Males tienes” posee un ligero regusto a las últimas entregas de Los Planetas, con una letra cargada de contenido moral una vez más y el alucinante parecido de “Cumbres Profundas” con “Only Shallow” una de las mejores canciones de los antes mencionados My Bloody Valentine y que contiene un homenaje (otro más) a la figura de Ángel Cristo.
Desde luego, “Herreros y Fatigas” es una caja llena de sorpresas que contiene, sobretodo, grandes canciones. Este disco pone el tope muy alto a Klaus & Kinski y los sitúa en la gran liga de los grupos indies españoles. Presentes en un buen número de festivales del verano que se aproxima, ojalá puedan defender este disco en directo con el mismo nivel al que suena desde el sofá de casa. Y agradecerles desde estas páginas que se atrevan a hacer música sin importar la etiqueta, porque así es como se llega a los oídos de los melómanos.
REVIEW EL COLUMPIO ASESINO Mondo Sonoro EP (2012) Por Sergio Herguedas
Ser considerado por la revista Mondo Sonoro como mejor Disco del Año Nacional 2011, ha tenido como consecuencia, editar un EP de cuatro canciones, en donde las “gafas negras en la noche” ahora más que nunca van a ser imprescindibles.
Tras pasear “Toro” y sacar a relucir sus mejores “Perlas”, David Kano, más conocido como Kane, y Toy Selectah, se han unido a esta fiesta para reinventar con sus propias manos el primero de ellos.
Kane es de todo menos un novato para estos chicos, y es que hace algún tiempo atrás ya facturó un remix para la canción “La Marca En Nuestra Frente es la de Caín”. Ahora que se vuelven a encontrar, David ha
facturado un remix que ensalza la esencia rocker y añade a esta receta, electrónica minimalista para dotarlo de la energía necesaria a altas horas de la madrugada. Otros ingredientes con los que cuenta, ha sido jugar con la exaltación a mitad del tema, enmascarando las voces detrás de un biombo con guitarras para después explosionar de ahí hasta el final.
Con la misma base que su predecesor, Toy Selectah cambia la fachada del mismo, llenando los vacíos que va encontrando con una electrónica percusionista con tintes espaciales, todo ello mantienendo la cara interna casi intacta, ya que, salvo por el tratamiento de su base hasta el infinito y el jugueteo con los coros, el tema se mantiene en su plenitud original. Febrero 2012 INDIEFERENCIA MAGAZINE 19
REVIEW
BAND OF SKULLS Cuando en una banda son tres las mentes creativas los resultados pueden ser diversos, en la mayoría de los casos, catastróficos. La excepción la confirma Band Of Skulls: a ellos parece funcionarles a las mil maravillas. Este trío británico disfruta de las mieles del éxito y lo hace a lo grande, en la tierra que la mayoría ansía por conquistar: EE.UU. Las razones pueden ser varias, pero quizá la
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clave sea que una de tus canciones salga en la banda sonora de la saga Crepúsculo. Ellos, por supuesto, niegan cualquier asociación con los vampiros descafeinados: ni han leído los libros, ni han visto las películas. Pueden ponerse lo flamencos que quieran, ese tipo de colaboraciones siempre abre puertas. Si se las ha ‘abierto’ a Muse, sería algo hipócrita decir que no hubo tal empujón.
REVIEW BAND OF SKULLS Sweet Sour (2012) Por Alejandra Otero
Amaneceres y Eclipses a parte, este ‘trío calavera’ Russell Marsden, Emma Richardson y Matt Haywardestrena ahora en Europa su segundo disco: “Sweet Sour”: el mayor de los argumentos para dejar claro que, con o sin ayuda mediática, estamos hablando de un excelente grupo de música. Band Of Skulls crece con su segundo trabajo aunque haya nacido del mismo ‘agujero’ donde fue grabado “Baby Darling Face Honey”, un estudio casero en su Southampton natal donde, según palabras de Hayward, ‘si sonamos bien allí, podemos sonar bien en cualquier sitio’. Más melódicos, con arreglos más cuidados, la bofetada en la cara del primer disco se suaviza y hay más espacio para la reflexión y la calma. Todo sin dejar de lado su ADN de rock garagero de guitarras sucias y densas, como demostró en su momento ese primer single “The Devil Takes Care Of His Own”; sin duda uno de los mejores de los once temas que esconde este disco y que huele a White Stripes en cada exhalación: contar con dos voces principales, una femenina, Richardson, y otra masculina, Marsden, sumado a su propio estilo, hace que la comparación sea casi obligada.
El nuevo álbum de Band Of The Skulls abre con “Sweet Sour” que, además de dar nombre al disco, sirve de carta de presentación de este trabajo. Agridulce. No había mejor bautismo. El propio “Sweet Sour”, escogido como segundo single, comienza más bien amargo y con muchas reminiscencias a “Baby Darling Face Honey”, para ponerse dulce en el estribillo y después agriarse con un torrente de guitarras que pasan de revoluciones lentas a medias sin pudor. Le sigue “Bruises”, tercer sencillo de este LP, otro de esos temas del disco que recuerdan mucho a los de Jack White, al igual que ocurre con “Wanderluster”, primera novedad que encontramos que no ha formado parte de los aperitivos. Y aún con el sabor sucio en la boca dejado por “Wanderluster” llegamos a “The Devil Takes Care Of His Own”: con una potencia sobrecogedora, es clara aspirante a romper los escenarios y dar rienda suelta a la improvisación de riffs interminables.
Por el momento, el paseo es más agrio que dulce. Entendemos el título cuando comienza a sonar “Lay My Head Down”: sentémonos en el sofá, encendamos un
cigarro y saboreemos la canción con cada calada. Richardson toma la batuta con una voz suave que va acompañada en todo momento por Marsden. Íntimo y cariñoso se desarrolla este tema hasta que comienza un oscuro riff que luego se torna blusero para volver a la calma. La paz se rompe de nuevo y lo hace con la brutal “You’re Not Pretty But You Got It Going On”, el mejor tema del disco a mi parecer y que apunta a single. O debería hacerlo. Cuelgan de nuevo la guitarra eléctrica en “Navigate” para ponerse a los mandos de la acústica, con la voz de la dama abriendo el camino. Esta última es otra de las maravillas de “Sweet Sour” y bien pueden servir de ejemplo para ese ‘han crecido’ del que hablaba al principio. Quizá el epílogo se antoje algo largo, pero es un tema lleno de matices y ternura que parece abrir una ventana al buen tiempo, ese que todos tenemos tantas ganas de que llegue. La acústica “Hometowns” también olvida la potencia del comienzo del disco y se hace algo pesada incluso a pesar de su corta duración.
Nada que ver con el tema que cierra el disco: “Such a Fool”. Los de Southampton versionean a los ingleses 22-20s y reinventan completamente este tema de indierock tan ‘Guy Ritchiano’: las guitarras eléctricas y nerviosas se sustituyen por las pacientes acústicas ricas en arpegios. Eso es lo que distingue una buena cover de una simple versión que se limita a imitar el tema original: así nos lo enseñaron Marylin Manson y Machine head con sus “Sweet Dreams” y “Message In a Bottle”. Antes de cerrar “Sweet Sour” nos encontramos con “Lies”, emergiendo como una roca en ese mar en calma en el que se convierte el disco en su segunda mitad, y con “Close to Nowhere”, que se aleja un poco del resto gracias a su toque de rock sureño.
“Sweet Sour” es de esos discos que no se entienden a la primera, ni a la segunda e incluso tampoco a la tercera escucha. Hay que darle tiempo y saborearlo poco a poco. Como una buena comida. Como ese cigarro del que hablábamos antes. La primera vez que lo escuchas echas de menos la frescura del primer disco, pero una vez te adentras en sus misterios caes en la cuenta de que Band Of Skulls han llevado su sonido a un estado superior, más serio y maduro. Febrero 2012 INDIEFERENCIA MAGAZINE 21
REVIEW MOTORPSYCHO THE DEATH DEFYING UNICORN 2012 Por F. Javier Moreno Bel
TRAYECTORIA
Motorpsycho pertenecen a la ciudad de Trondheim, Noruega y es una banda de rock progresivo y psicodelico, aunque también mezclan muchos más estilos como el jazz y el metal. Actualmente está formado por Hans Magnus Ryan (guitarra y voces), Bent Sæther (bajo y voces) y Kenneth Kapstad (batería), pero como en muchas otras bandas han habido cambios de formación con los años, llegando hasta un total de cinco miembros los que han salido del grupo hasta la fecha. Cogieron su nombre después de ver la película de Russ Meyer que llevaba por título el mismo nombre, "Motorpsycho", la cual formaba parte de un total de tres películas. Había un grupo llamado Mudhoney y otro llamado Pussycat! Kill! Kill!, las otras dos películas de Russ Meyer. Comenzaron mezclando el grunge, el heavy metal y el indierock en su dos primeros álbumes de estudio: "Lobotomizer" (1991) y "8 Soothing Songs For Rut" (1992). Con su tercer disco, “Demon Box” (1993), dieron una vuelta de tuerca a su sonido, donde predominaba el rock progresivo. En la decada de los noventa se puede decir que sus discos eran de rock y rock progresivo, pero que después de su disco "Let Them Eat Cake" (2000), sus composiciones empezaron a ser puramente psicodélicas, rock duro, toques metaleros, como "Phanerothyme" (2001), "Black Hole/Blank Canvas" (2006) o "Heavy Metal Fruit" (2010) entre
otros. En definitiva, la mezcla de estilos fue llevada hasta su máximo exponente.
Además de sus 15 álbumes de estudio, Motorpsycho también tiene en su discografía más de una veintena de trabajos editados entre singles, EPs y álbumes en directo. Una gran cantidad de material para disfrutar de rock y psicodelia sin igual, sobre todo para los amantes de estos géneros. Hay que destacar que muchos de sus discos están compuestos por dos cds, osea que son álbumes dobles, por si no es suficiente que algunas canciones duren entre 10-20 minutos y te quedas con ganas de más.
"The Death Defying Unicorn". El 15º álbum de estudio.
Motorpsycho llega a 2012 lanzando su 15º álbum de estudio bajo los sellos Rune Grammofon y Stickman Records. Este nuevo trabajo lleva por nombre "The Death Defying Unicorn" y está compuesto por dos discos. El primero contiene 6 canciones y el segundo disco otras 7. El disco es una colaboración con Ståle Storløkken y también participan en el Ola Kvernberg, Trondheimsolistene y The Trondheim Jazz Orchestra. Para ponernos en situación antes de darle al “play”, en el disco vamos a escuchar rock progresivo, psicodélico, nos recordará muchas veces a Jethro Tull,
MOTORPSYCHO THE DEATH DEFYING UNICORN 2012 REVIEW
Pink Floyd y todo aderezado con una orquesta sinfónica que le pone la epicidad, pasando por momentos inmensamente mágicos (sobre todo instrumentalmente hablando) y otros momentos en el que rizarán el rizo de lo psicodélico llegando a momentos angustiosos.
En el primer disco, de los dos que conforman este nuevo trabajo, podemos apreciar la paranoia que vamos a escuchar desde su primera canción "Out Of The Woods", con instrumentos de viento en bucle con-
tinuo que enlazan con el segundo corte, "The Hollow Lands", donde la orquesta sinfónica se empieza a hacer notar en los primeros minutos, hasta escuchar la primera melodía vocal, que nos recuerda un poco a las de algunos de los temas de Pink Floyd. A partir de la entrada de la melodía vocal el tema torna al rock progresivo, terminando con la psicodelia. "Through The Veils" es una autentica maravilla donde la orquesta y las guitarras del grupo nos siguen asombrando con la facilidad con la que van cambiando el estilo de la canción cada pocos minutos, como si fuera un conglomerado de canciones unidas. Todo esto lo podemos disfrutar a lo largo de su 16 minutos de duración, algo espectacular y que no se hace para nada pesado. "Dol-
drums" calma un poco nuestra aventura psicotrópica, dándonos un poco de suspense para llegar a "Into The Gyre", la que parece una pieza de una banda sonora de una película de aventuras, terror y tristeza (sí todo eso junto, mezclado, agitado y sin hielos). Este corte es uno de los más destacados del álbum. Durante la primera parte de la canción, la melodía vocal es genial, cómo juega con los instrumentos de la orquesta, cómo se van complementando. Es como si estuvieramos caminando por un lugar de ensueño, mágico. Según avanzan los minutos, da un giro radical: pasando por el rock progresivo, guitarras y baterias metaleras y terminando de nuevo con la psicodelia. "Flotsam" termina el primer disco de este doble álbum añadiendo un poco de tranquilidad, y que más que un fin, parece un interludio al segundo disco.
"Oh, Proteus - A Prayer" hace de apertura para el segundo disco, la orquesta y la voz de Motorpsycho nos vuelven a poner la piel de gallina, algo más tétricos que las canciones anteriores. "Skulls In Limbo" funciona como interludio, sonidos paranoicos y calma. "La Lethe" es una de las canciones más calmadas, sin contar los interludios, de lo que llevamos escuchado por ahora. Termina de una forma que podríamos tildar de épica y melancólica, enlazando a la perfección con "Oh, Proteus – A Lament", manteniendo esa epicidad, donde se suma la voz y, de nuevo, la orquesta sinfónica."Sharks" es el corte que continúa, un tema muy jazz, calmado, para tomarte un buen whisky, degustandolo con calma. Hacia el final vuelve a adquirir un sonido sinfónico, más tétrico y claustrofóbico, con la voz alzándose poco a poco y tomando el control. "Mutiny" comienza la recta final de nuestro viaje, con más rock, rock progresivo, con los instrumentos de viento de la orquesta uniéndose de una forma perfecta, añadiendo un tono más festivo. Y terminamos con "Into The Mystic", con la melodia principal identica al segundo corte del primer disco, "The Hollow Lands", pero con variaciones a la hora de añadir otras texturas y diferentes melodías para los instrumentos que acompañan el tema, dotándole de un sonido alegre, enérgico y que invita al optimismo después de haber pasado por sonidos oscuros, crudos, claustrofóbicos y pesados.
El álbum que nos ha regalado Motorpsycho es una auténtica delicia en todo. Una técnica y ejecución realmente imponente. Unas melodías que pasan de lo maravilloso y alegre a la tristeza y crudeza en cuestión de segundos. Una auténtica obra de arte de una hora y media de duración que te hará bailar o ponerte el corazón en un puño. Para evitar aburriros y que os perdáis entre tanta línea inundada de halagos, este álbum se puede resumir en una única palabra: arte. Febrero 2012 INDIEFERENCIA MAGAZINE 23
REVIEW Por Joaquín Ollero
4 años después de lanzar su primer álbum, The Ting Tings vuelven al panorama musical con un nuevo trabajo titulado “Sounds From Nowheresville” abarcando una cantidad ingente de estilos y registros.
Este dúo británico está compuesto por Jules de Martino y Katie White, que será principalmente a quién escuchemos a lo largo de los 10 temas que componen el tracklist del álbum, aunque también se ha comercializado una versión extendida que añade 9 canciones, la cuales en su mayoría son remixes que encontramos en éste álbum, pero también nos encontramos, por ejemplo, con “Hands”, un single que se publicó en 2010 y que cosechó un gran éxito. Los sonidos que provienen
de Nowheresville son muy diferente entre ellos, y pasaremos de canciones melódicas donde la angelical voz de Ms. White adorna cada rincón de las mismas, hasta un estilo mucho más sinvergüenza y desenfadado (mayoritariamente en la primera parte del LP, la cual tiene muy, muy poco que destacar). Choca que el primer paso lo protagonice una canción titulada “Silence”, un prólogo construído como una función estrictamente creciente, y con esto me refiero a que los instrumentos se van sumando poco a poco a la fiesta, hasta que finalmente todos suenan juntos para crear un primer contacto muy prometedor y agradable. Se entiende perfectamente que los ampliamente nominados para una gran cantidad de premios, hayan decidido que
SOUNDS FROM NOWHERESVILLE REVIEW
este comienzo sea el segundo single oficial del álbum. El juego que desde siglos se han traído entre manos la música en general y el silencio es cuanto menos digno de mención, ya que hay muchos que tienen la opinión que no hay sonido más bonito que el silencio.
Siguiendo con el curso natural del listado de canciones, sinceramente, a partir de este momento, toda la esperanza que nos brindó “Silence” desaparece irremediablemente gracias a “Hit Me Down Sonny”, “Hang It Up” (primer single, con un ritmo demasiado desafortunado, muy poco inspirado gracias a esos pasajes de rap que no sintonizan en absoluto con el resto del contenido), “Give It Back” y “Guggenheim” que siguen la cola del cometa destinado a estrellarse que es ese “Hang It Up”. La filosofía de la banda es tal que así, saben hacer música, y lo saben hacer muy bien, pero puede dar la sensación de que pueden tomárselo un poco a broma, no como algo totalmente en serio, pero ellos han deseado hacerlo así. Aún así… las cosas se pueden hacer de una manera u otra, y con esto me refiero que en sexto lugar nos topamos con “Soul Killing” que comparte esa sinvergonzonería con lo hasta ahora escuchado, pero sin lugar a dudas de un modo mucho más acertado. Posiblemente sea la mejor canción de todo el álbum, y para demostrar esa poca “seriedad”, durante los 3 minutos y 16 segundos que dura la canción, tenemos un sonido constante que bien podría ser una cama al ritmo de unos muelles que se mueven a la velocidad de un acto realmente apasionado, vosotros ya me entendeis. Pero esa idea es un elemento primordial en el tema, y rápidamente te encuentras siguiendo esa cadencia, ese tempo que te lleva a un estribillo donde la cantante te asombra con una interpretación vocal muy respetable, y también a unos bridges muy adictivos que concluyen con un tema muy acertado. Es curioso que en un mismo trabajo podamos encontrar un ejemplo de como “no” se debe construír una pieza musical, y como “sí” se debe hacer una canción con el mismo estilo, por lo que no es para nada raro pararse a reflexionar durante un momento y realizar la pregunta: “¿es que no se dieron cuenta ellos?
El álbum en realidad podría dividirse fácilmente entre una parte rítmica, movida, que te invita a bailar, y en otra más tranquila, ligeramente experimental. Dicho esto, la canción que culmina con la primera parte de la escisión es “One by One”, posedora de sonidos electrónicos en el background, coros que suenan genial en el estribillo y un ritmo de nuevo muy sticky. Además, en el tercer cuarto de esta pieza, The Ting Tings logra sorprendernos con un pasaje que enlaza dos secciones principales de la canción, el cual sirve de preparación
para el subidón que nos proporciona el último estribillo. “Day to Day” nos muestra qué es lo que el grupo entiende por algo que se podría denominar una balada rockera y popera a partes iguales. Es un sueño de canción, y toda la culpa la tiene la rubia que sencillamente clava toda la canción, y es que si cierras los ojos por un segundo, aquí un servidor ve un color rosa pálido muy agradable, que bien podría ser ese sol que nos encontramos en la letra y es que como el mismo tema dice, día a día, perdemos y ganamos. El resultado final de esta octava canción es tan adecuado que al final se dan el lujo de dejarnos boquiabiertos con un inesperadísimo instrumento de cuerda. Pero si hablamos de abrir la boca y no poder cerrarla durante toda una canción, entonces estamos hablando de “Help”. Es realmente impactante el cambio de registro que podemos escuchar aquí, pero claro, quién no arriesga no gana, y ellos han arriesgado con un giro de 180 grados, y han ganado un premio que les dice que sigan por ese camino, que investiguen rinconces de su imaginación como lo han hecho en esta canción, y seguramente darán con aciertos como éste. De nuevo, in crescendo total, una guitarra que segundo a segundo se nota que va cogiendo confianza, autoridad. Y es que como no va a ser así con un estribillo tan demoledor, donde ese “ayayayaya” te eriza la piel al son de cada grito de ayuda. Cuando dábamos nuestros primeros pasos por el álbum, seguramente nadie se podría imaginar que al final encontraríamos esto. Y es que las cosas más inesperadas, tienen un sabor mucho más dulce.
Este “Sounds From Nowheresville”, puede entenderse como un paréntesis de reflexión, y no me refiero a que las canciones sean tan profundas que te hagan plantearte cuestiones existenciales, pero el último tema, “In Your Life” maneja un violín tan melancólico que te hace cuestionar qué sonidos hay en tu vida. Como cada persona tiene su vida, investigad más allá de la superficie para encontrar la respuesta, pero este dúo nos ha regalado su concepción de lo que entienden ellos por música, y para ellos la música es vida. Y la conclusión final es que encontramos una parte desenfadada que no cumple con el supuesto propósito que buscaba, y otra más seria, que da la sensación de que ha sido producto de un planteamiento y una meditación serena y pausada. Y es que al fin y al cabo, en la vida hay que pararse a pensar antes de hacer las cosas. Febrero 2012 INDIEFERENCIA MAGAZINE 25
LISABÖ Por Quique Gomez
Haced la prueba. Elegid una de las seis canciones al azar y ya veréis como, en menos de medio minuto, ya estáis apretando los dientes. ¡¡Qué salvajes!!
El quinto álbum de Lisabö empieza, una vez más, enseñando las uñas para acabar dándote de hostias. Pero qué gustazo da que te den una paliza como las que reparten este (ahora) sexteto de Irún. Dos guitarras, dos baterías, bajo y voces en un despliegue post-hardcore único dentro de nuestras fronteras. Estamos hablando, ojo, de una de las mejores bandas de nuestro país, en la que, por sus cojones siguen cantando en su idioma. Si se atreviesen con el castellano, no sé cómo de famosos se harían. Así les va, y así parece que prefieren ir yendo, autoeditando sus propios cd’s, pegando ellos mismos los plásticos a los cartones del digipack. Con calma. La tralla la dejan para cuando le das al “play”. El hecho de que se les asocie al movimiento punk vasco tampoco ayuda, pero es que es tan ridículo, se les queda tan pequeño, que mejor ni entramos en ese tema. En “Animalia Lotsatuen Putzua” (El Pozo De Los Animales Avergonzados) la electricidad no puede dar más de sí. Parece mentira que transmitan que sí son capaces de controlarla y encima conseguirlo. Eso es habili-
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dad. Eso es que son muy grandes. Furia, bestialidad, intensidad, mala leche… todo vale en cuanto a calificativos, digamos, molestos. Como una montaña rusa (pongamos, por ejemplo, “Laztan Isilen Deidarra”) aquí encontraréis tantas subidas como bajadas, tanta agonía como calma, tanta ansiedad como euforia. Todo un verdadero manual de cómo conseguir disfrutar de algo tan, en principio, amargo a base de impulsos de lo más bestia.
Las letras (dicen) van acorde con tanta rabia contenida. Dan ganas de aprender euskera nada más que por ellos, pero con la energía que desprende todo el disco, no se hace tan necesario. Haced esta otra prueba: tirad de google y veréis cómo esas palabras que os imagináis (caos, destrucción, confusión, anarquía, oscuridad…) al escuchar este discazo cuadran con el torrente sonoro.
Nos han dejado esperando más de cuatro años desde el celebrado “Ezlekuak” (2007) y van los cabrones y lo superan en todo. Que nos hagan esperar lo que quieran para el siguiente. Ya sabéis, con calma. Va a ser aún mejor.
Nota: una pena que el repentino cambio de fecha en su publicación (estaba datado para este Febrero y se adelantó a Diciembre) nos pillase en bragas y no pudiésemos incluirlo en las listas de este recién acabado 2011. ¿Qué puesto habrían ocupado en nuestro top?
Por Sergio Herguedas
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REVIEW HOWLER America Give Up (2012) Por J. N. Carretero
Ante la avalancha actual de nuevos grupos indies, buscar comparaciones entre los recién llegados al mundillo y las bandas ya consolidadas se convierte en una práctica casi obligatoria que ayuda a encasillar a los debutantes y poder decir de ellos que son “los nuevos” alguien.
Esta “equiparación”, como todo, tiene sus ventajas y sus inconvenientes: del lado positivo, hace que te iguales a grupos con prestigio; del lado negativo, corres el riesgo de estar a la sombra de otra banda con más nombre y vivir siempre bajo su misma lupa. Pues bien, de los Howler se dice que son “los nuevos The Strokes”. Y la verdad es que es una afirmación que queda muy contrastada desde la primera escucha de “America Give Up”, nombre del debut de éstos jóvenes de Minneapolis.
El problema, o la virtud, según se mire, es que el disco de los noveles Howler recuerda a los dos primeros largos de Julian Casablancas y compañía (“Is This It” (2001) y “Room On Fire” (2003)). Es decir, al grupo liderado por Jordan Gatesmith no sólo se le compara con “los Strokes”, sino que además se hace con “los Strokes” buenos, no con los de “Angles” (2011), y que me perdonen los fans de los de Nueva York.
vertirse en canciones rompepistas. Con “Back of your neck” demuestran nuevamente sus dotes para las melodías surferas, que despuntaban también al inicio del disco, y que empaquetan un corte en el que los ecos y el poder instrumental le ganan terreno a la aportación vocal de Gatesmith.
En total, “America Give Up” lo componen once temas rápidos y directos de los cuales siete no llegan a los tres minutos de duración y sólo uno supera los cuatro, y que, a pesar de lo apuntado, consiguen que Howler destaquen en este completo inicio de año musical por encima de muchas otras bandas que en los últimos meses han ofrecido al gran público sus discos de debut.
Pero claro, existe la duda de si su éxito, tanto presente como futuro (estarán en la próxima edición del Festival Internacional de Benicassim) se lo deben, de momento, a sus propios esfuerzos o al cartel de “los nuevos Strokes” que le ha sido impuesto. El tiempo, y un posible segundo trabajo, lo dirán. Pero lo que sí es seguro es que lo mejor que les puede pasar a Howler es que empiecen a ser conocidos por ellos mismos y no por a aquellos a los que se puedan parecer.
Y todo ello a pesar del inicio de “America Give Up”: el tema “Beach Sluts” regala unos primeros acordes que evocan ambientes playeros previos a que la áspera voz de Gatesmith introduzca un frenético cambio de ritmo que se repite cíclicamente hasta el final de este primer corte. Y sí, cada vez que el tempo de la canción se acelera se perciben destellos a The Strokes. La tendencia no cambia en el resto del disco, con mención especial a “Back to the Grave” y “America”, cuyo final es digna de Casablancas y sus amigos. Llegados a este punto del disco de Howler las evidencias hablan por sí solas.
Por su parte, “This One’s Different”, “Told You Once” y “Wailing”, pese a sus escasos dos minutos de duración, son temas que en breve formarán parte del repertorio de muchos dj’s por su potencial para con-
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PREGUNTAS INDIESCRETAS THE NEW DIVISION / JOHN KUNKEL Por Jesús Daniel Marín & F. Javier Moreno Bel
The New Division son un grupo californiano que va a dar mucho que hablar. Muy queridos por parte de la revista, nos pusimos en contacto con ellos para hacerles unas preguntas y conocer un poco más de ellos. Su vocalista, John Kunkel, es quien se encarga de responder las preguntas en nombre de los cuatro componentes del grupo. Ante todo, antes de comenzar a haceros las preguntas para la entrevista, queríamos agradeceros lo bien que os habéis portado siempre con nosotros, siendo vosotros el primer grupo de fuera de Europa con el que nos hemos puesto en contacto. Y ahora sí, comenzamos a interrogaros...
Todo grupo tiene un comienzo, ¿Cuáles fueron las primeras letras que se empezaron a escribir de la historia de The New Division? ¿Cómo se conocieron los miembros de la banda?
Empezamos allá por 2005 cuando estaba yo solo. Por aquel entonces yo escribía canciones bajo el nombre de “The New Division” pero sin pensar que llegarian a salir algún dia. Lo hacía por diversión, como un pasatiempo. Pero con el tiempo, sentí ganas de empezar a tocarlas en directo. Conocí a Janzie, Brock y Mark y con el paso de los años llegamos a convertirnos en buenos amigos. Las raíces del grupo vienen de esa buena relación.
¿De dónde viene el nombre de The New Division? ¿Por qué escogisteis este nombre para vuestra banda? ¿Alguna influencia de Joy Division quizás?
En mi adolescencia era un gran fan de Joy Division,
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pero hasta que no tuve acceso a internet no fui capaz de darme cuenta que New Order era realmente el mismo grupo, excepto por Ian. Aparte de eso, nunca les presté demasiada atención. Sin embargo y una vez descubrí eso, me enganché a ellos y provocaron un gran impacto en mis gustos musicales de ahí en adelante (y solía odiar la musica electronica cuando era un adolescente).
El nombre “New Division”, a mi parecer, era una especie de homenaje a las dos bandas que realmente me impactaron desde una perspectiva musical. Y definitivamente, hay algo de Joy Division en la música que hacemos. No necesariamente en el sonido, pero tal vez sí la haya en las letras y en algunas de las melodias vocales.
¿Qué podemos encontrar en “Shadows”, vuestro primer disco?
En “Shadows” podréis encontrar un montón de sonidos escondidos de gente andando en lo que suena como una gran ciudad, da igual que esten esperando al tren o simplemente paseando a través del distrito comercial. También encontraréis diversidad de estilos, desde música dance a downtempo, mucho más ambiental. Hay un poco de todo.
El disco es a veces muy oscuro en lo que a letras se refiere, pero de una forma muy poco seria. La temática sobre muerte, drogas y relaciones rotas es muy difícil de abarcar. En realidad es el hecho de intentar contar una historia, pero sin ser un gran escritor.
¿Habéis notado un salto de calidad con respecto a vuestro primer EP, “The Rookie”?
Sí, creo que “The Rookie” fue un disco muy apresurado y no dispusimos del tiempo suficiente para conseguir el sonido que queríamos sacar a esas canciones. Del mismo modo también creo que por aquel entonces no contábamos con la experiencia que tenemos ahora en términos de mezclar y producir un disco. “Shadows” tiene mucha más calidad al respecto en esos términos. El nuevo material en el que estamos trabajando es incluso mejor que “Shadows” y es algo de lo que realmente estamos orgullosos. Y a la hora de componer, ¿cómo fue el proceso de creación de “Shadows”?
La mayor parte de “Shadows” la escribí mientras vivía con mis padres en Highland, un pequeño pueblo cerca de las montañas del sur de California. Estaba en el paro por aquel entonces, y acababa de graduarme, así que tenía demasiado tiempo libre. Escribimos “Memento” entre todos en una casa rara que Janzie estaba encargándose de cuidar y aquella era la primera vez que nos sentábamos juntos y escribíamos una canción. Brock escribió todas las partes de guitarra del disco, tiene un don que le hace llegar a riffs interesantes, algo en lo que yo no soy nada bueno. Creo que este es un elemento muy importante en el sonido de The New Division.
¿Qué hacen los miembros de The New Division cuando no están subidos en el escenario? ¿Qué hacéis en vuestro tiempo libre?
En nuestro tiempo libre solemos trabajar en la música. Tenemos diversos proyectos en los que estamos involucrados y no es fácil encontrar tiempo libre, pero como es lo que realmente queremos hacer no sentimos que lo que estamos haciendo sea algo como un trabajo. Aunque antes de los conciertos estamos en el camerino bromeando sin parar, comiendo mucho e incluso a veces, meditamos.
¿Cuál es el disco que más os ha influido en vuestra vida?
Es algo complicado de decir. Creo que la mayoría de nosotros estaríamos de acuerdo en decir que no somos
gente de tener un gran disco como influencia, pero sí podríamos entrar en el grupo de gente que se siente influenciada por unos singles. Es decir, puede que estemos inspirados por una canción en concreto y no es necesario que sea una colección de canciones que formen un disco.
Pero, si tuviéramos que elegir, creo que podríamos hablar de “Power, Corruption and Lies” de New Order, así como de “Music for the Masses” de Depeche Mode. “Achtung baby” de U2 también estaría en nuestra lista, junto a “Turn On the Bright Lights” de Interpol. ¿Qué planes tiene el grupo para 2012?
Este año planeamos sacar unos cuantos singles, hacer muchos remixes y tal vez lanzar bien un EP o un LP a Febrero 2012 INDIEFERENCIA MAGAZINE 31
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finales de año. De momento tenemos unas 11 canciones en forma de demo y aún estamos escribiendo más para asegurarnos que tenemos suficientes para elegir cuando llegue el momento de ponernos a grabar. Vamos a estar tocando unos cuantos conciertos también, con un poco de suerte, fuera de California incluso. No estamos seguros si estamos preparados para Europa, pero es nuestro sueño poder ir y tocar allí.
Nos gustaría que algún día pudieráis tocar en España. ¿Cuántos conciertos al año estáis dando en EEUU?
En el 2011 hicimos unos 34 conciertos en el sur de California. Fue el primer año que realmente tocamos tanto.
Nos encantaría telonear a Cut Copy. Creo que tienen un directo impresionante. New Order también sería genial, por supuesto.
Para terminar, nos gustaría que dedicarais unas palabras a nuestros lectores y por supuesto, agradeceros vuestro tiempo.
Queremos agradecer a todos los lectores y por supuesto a Indieferencia Magazine el apoyo que nos demostráis. Sois geniales y deseamos con muchísimas ganas poder ir a España, porque se ha convertido en un lugar verdaderamente especial para nosotros desde el momento que hemos sabido que hay tantos fans que son de allí. Realmente sois un grupo de fans único y os apreciamos.
Y hablando de tocar en directo, ¿a quién os gustaría telonear? Febrero 2012 INDIEFERENCIA MAGAZINE 33
INTERNACIONAL Ico Top: Febrero
Grimes / Visions
Lo primero que llama la atención de “Visions” es lo homogéneo que resulta escucharlo. Parece mentira tanto equilibrio en una música tan, a priori, caótica. Es pop electrónico, pero podría no haberlo sido si a la señorita Claire Boucher le hubiese dado por nacer en otra época. Es esta música a la que tuvo acceso y es este maravilloso disco lo que ha resultado. Y es que es todo cuestión de principios, de cómo enfocar un álbum principalmente íntimo. A modo de líder de una supuesta era ciber-pop (olvidaos aquí del punk), esta artista interrumpe el modo de ver la
Por Quique Gómez
música digital, tan contundente en algunos casos y tan molesta en otros. Aquí, ni una cosa ni la otra. Dulce como nadie y sencilla como pocas, la música de Grimes podría servir para la banda sonora de unos “Puentes de Madison” del futuro.
No se me ocurriría destacar una sola canción por miedo a romper esa homogeneidad. Lo dejaremos en que los casi 50 minutos son, desde ya, una de las canciones del año. ¡¡Tenemos nueva crack!!
Lambchop / Mr. M
Por mucho que digan algunos, “Nixon” (2000) es el mejor disco de Lambchop. A partir de ahí, lo que queráis. El problema, o la ventaja, es que todos son buenos discos: “How I Quit Smoking” (1996), “Is A Woman” (2002), “Aw C’mon y No, You C’mon” (2004), “Oh (Ohio)” (2008)… pero qué fácil es acordarse de un disco bueno para menospreciar otro nuevo (no menos bueno). Eso es, este Mr. M vuelve a ser cojonudo, es decir, vuelve a estar a la altura. Una altura que el señor Kurt Wagner encontró hace muchos años y de la que no parece querer bajarse en la vida. Nosotros lo celebramos. Quédate ahí, pedazo de crack, y sigue escupiendo discazos con regularidad.
A los discos de este hombre, siempre repletos de la más exquisita selección de instrumentos, se les nota que no están editados por compromiso con sellos ni mierdas del estilo, sino que necesitan una maduración. Como el buen vino, sí. Pero lo más bonito de los discos de Lambchop es que requieren un feedback con el oyente que se da sí o sí, a nada que tengas algo de paciencia. Hoy en día está difícil conseguir eso, viendo a qué velocidad va el mundo del pop, pero es escuchar el violín de la primera “If Not I’ll Just Die” y verse obligado a terminar de escuchar el disco, sumido en una manta de piel de gallina constante. Quien no conozca el particular universo de este buen hombre, está perdiendo el tiempo.
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Ico Top: Febrero
Tindersticks / The Something Rain
Pues estamos muy de enhorabuena, porque ahora sí que podemos decir que Tindersticks están de vuelta. Tras unos cuantos años ya (manda huevos, con lo que fueron) de palos de ciego, los de Nottingham nos sorprenden con otro señor disco a la altura de su anterior mejor disco, “Curtains” (1997). Quince años ya haciendo lo que peor se les daba: poner el pilóto automático. Mientras tanto, varias disputas y varios cambios de formación (se mantienen Dave Boutler, Neil Fraser y Stuart Staples como hueso desde los orígenes) que no hacía nada bien a la banda.
Este es el tercer disco con la nueva formación, y sin aparente evolución “The Hungry Saw” (2008) y “Falling Down A Mountain” (2010) son igual de malos) ahora van y firman un discazo, volviendo a los orígenes y, joder, sonando como lo importantes que fueron en los ’90, con esos dos homónimos discos a la cabeza. El rock de cámara que practican vuelve a ser, aquí, experimental; algo agónico pero de forma relajada. Una psicodelia de las de disfrutar con el vaso de whiskey. Bienvenidos de nuevo. Salud.
Sleigh Bells / Reign Of Terror
El dúo formado por Derek Miller y Alexis Krauss no se han hecho mucho de rogar tras la sorpresa que supuso ese primer y bizarro disco de Sleigh Bells titulado “Treats” (2010). A este segundo asalto al pop alternativo (realmente alternativo) parecen haberle bajado un par de revoluciones, y eso que el disco empieza exactamente donde lo dejaron hace menos de dos años: locurón máximo a toda leche gracias a “True Shread Guitar” y “Born To Lose”. “Crush” y “Leader Of The Pack” bajan un punto el listón, pero ese neo-baladón titulado “End Of The Line”, y, sobre todo el single “Comeback Kid” los ponen en lo más alto del planeta. Ya sólo por esta última canción merece la pena el disco.
O es que ellos mismos nos han acostumbrado a estos sonidos que ya impactan menos, o es que, realmente, se han tranquilizado, por muy poquito que sea. El disco vuelve a encontrar cumbres (no tan altas) en “Road To Hell” y “D.O.A.” aunque, en conjunto, sorprende menos que su elepé anterior. Superado el miedo al segundo disco. Siguen siendo importantes.
Islands / A Sleep And A Forgetting
Precioso puñado de canciones el que nos regalan los canadienses Islands una vez más. Y curioso que sea tan luminoso como siempre cuando la gran mayoría de las mismas están basadas en la propia separación matrimonial de su líder, Nick Diamonds. Un músico éste capaz de seguir sorprendiendo con indie-pop sofisticado del más exquisito gusto. Eso sí, se nota más reposado, va a menos vueltas (pese a “Never Go Solo”, “Hallways” y “Can’t Feel My Face”). Queda un paso muy pequeño para llegar a empalagar, pero domina tan bien el asunto, que cuando cruza la línea, lo hace de manera tan sutil que ni te das cuenta.
Once canciones tratadas con mimo y delicadeza, que superan a “Vapours” (2009) y “Arm’s Way” (2008) en todo, pero que se queda a un milímetro de ese extraordinario debut, “Return To The Sea” (2006). No está nada mal para estar de bajona…
Febrero 2012 INDIEFERENCIA MAGAZINE 35
NACIONAL Ico Top: Febrero
Se hace sumamente difícil encontrar los calificativos para un disco así. Acostumbrados siempre a hablar de álbumes buenos (básicamente porque no vamos a perder el tiempo con los mediocres), el que ahora nos ocupa está demasiado por encima de todo lo anterior. Entonces no es justo usar los mismos adjetivos que gastamos en el pasado. Habrá que inventarse algo nuevo.
Y hablando de invención, las 11 (de 12) canciones que aquí encontraréis originales del maestro del Albayzín se tendrían que denominar como reinvención. J y Florent de Los Planetas, Antonio Arias de Lagartija Nick y Erik Jiménez, batería de ambas bandas, se juntan originalmente para homenajear al desaparecido Enrique Morente en un concierto especial para La Noche Blanca (festival flamenco) en Córdoba. La romántica idea deriva en otra aún más potente. La que ahora tenemos entre manos. El disco nacional del año. Con un legado tan extenso a la vez que original (recordemos que Morente era el artista más singular e innovador de su generación) cedido a las manos de estos fieles alumnos, los granadi-
36 INDIEFERENCIA MAGAZINE Febrero 2012
Por Quique Gómez
nos han reclutado a Martin “Youth” Glover (Killing Joke) para darle un toque (hostia, más bien) místico al conjunto; a la hija pequeña del cantaor, Soleá Morente en su debut en los estudios; a la viuda del mismo, Aurora Carbonell en las ilustraciones; y a una pletórica Carmen Linares que demuestra en la apabullante “Delante De Mi Madre” quién es la número uno en esto del cante jondo actual. Versiones diferentes, ni mejores ni peores, con aire rock psicodélico es lo que guarda este pequeño tesoro, este humilde regalo de unos pobres huérfanos. Era lo mínimo que podían hacer estos cuatro discípulos, que como Jesucristo a sus cuatro evangelistas, Morente había llenado de arte y sabiduría las trayectorias de cada uno de ellos.
Abstenerse los detractores de los palos flamencos que han soltado Los Planetas en sus dos últimos álbumes y, sobre todo, del eterno “Omega” (1996) de Lagartija Nick. A todos los demás: felicidades, este es “el disco”. Así se rinde culto a un artista. Así se echa de menos a un amigo. Así se homenajea a Enrique Morente.
John Talabot / fIN
Difícil va a ser encontrar un álbum como este a lo largo de todo 2012 en nuestro país. El propio afán de John Talabot por el misticismo lo lleva a ocultar su cara al más puro estilo Daft Punk para que, según palabras suyas, prestemos más atención al sonido que a la imagen. Con semejante discarral no hacía falta, pero gracias. Una mezcla entre house y dubstep de lo más personal, donde cabe la comparativa con un James Blake bailongo y donde hay sitio para la voz de Ekhi (Delorean) y la ayuda a los mandos de Pio-
Ico Top: Febrero nal. Casi se junta lo mejor del sonido digital nacional en un disco que va a pasar a la historia. Cogemos tres canciones seguidas: la introvertida “El Oeste”, la tribal “Oro Y Sangre” y la bailable “Journeys” y nos damos cuenta de que, además de polos opuestos entre sí, guardan un toque atmosférico y personal que van a convertir a este nuevo artista en único. Acaba de nacer una estrella en nuestro país. De luz oscura, sí, pero de grandes dimensiones. Hasta en la pedante galaxia Pitchfork se han dado cuenta…
Klaus & Kinski / Herreros Y Fatigas
Los murcianos Klaus & Kinski van tan a su bola que merecen el premio a la banda más descarada de nuestro país. Llamarían la atención nada más que por su originalidad, pero no, por lo que destacan de verdad es porque son muy buenos. Y como no hay nadie en su terreno, son los mejores. “Herreros y Fatigas” es casi casi tan bueno como el majestuoso “Tierra Trágalos” (2010 y cuarto mejor disco nacional del año) pero mejor que el “Tu Hoguera Está Ardiendo” (2008) con el que debutaron. Desde la base electrónica de “Contrato” al sarcasmo en clave de tango que es esa portentosa “In The Goethe” todo vale. Adentrarse en el universo Klaus & Kinski es algo tan divertido como adictivo. Ojo con entrar en él, porque es difícil salir. Nacieron como algo nuevo, una alternativa a Astrud o vete tú a saber qué. Ya se han convertido en una de las mejores bandas de nuestro país.
McEnroe / Las Orillas
Cuarto y definitivo álbum de los vizcaínos que, aún siendo fieles a su sonido, vuelven a girar uno o dos grados hacia el melodrama sonoro que los vio nacer. No nos vamos a cortar las venas como con sus ídolos (Red House Painters y Mark Kozelek a la cabeza) pero tampoco van a progresar en ese sonido algo más luminoso que descubrieron en el anterior “Tú Nunca Morirás” (2009). La naturalidad con la que se suceden las canciones da hasta miedo, lo sencillo que lo hacen cuando lo áspero de su música y letra indica todo lo contrario. Genialidades una detrás de otra: “La Palma”, “Agosto del 94” y, por encima de todas, “Vistahermosa” arrancan en un álbum, que de seguir con el mismo nivel, sería el mejor del año. Tampoco el resto baja la media demasiado, pero “Arquitecto” da bajón más por la letra que por otra cosa y en el final de “En Mayo” se tornan rock y nos pilla por sorpresa. “La Cara Noroeste”, “Astillero” y “Mundaka” culminan de maravilla un disco elegante, intenso y perfectamente tocado. Un disco que debe poner a McEnroe a la altura que se merecen.
La Habitación Roja / Fue Eléctrico
Lo reconozco, a mí nunca me han hecho tilín La Habitación Roja. Lo primero que se hace cuando le dedicas tiempo a esto de la crítica musical es descartar lo que no te gusta para quedarte con lo que sí. Pero qué coño, escuchando el nuevo (octavo ya) disco de los valencianos uno tiene la sensación de no poder encontrar nada malo, todo lo contrario. Estribillos enérgicos, ritmo y, sobre todo, muy buen gusto a la hora de elegir las canciones y el orden de las mismas, el disco no sólo no cansa, sino que demuestra una madurez que pocas bandas en nuestro territorio han demostrado. A ver si ahora, en esta nueva juventud, se convierten en una de mis bandas…
Como bien dice J.N. Carretero en la review de este número de INDIEfermag, conmigo sí que han derribado esas reticencias. Con “Fue Eléctrico”, el mejor disco de toda su carrera, lo han tenido más fácil.
Febrero 2012 INDIEFERENCIA MAGAZINE 37
INDIESPENSABLES: Febrero 2012
Quique Gómez
DISCOS
CANCIONES
Ander Simón
DISCOS
CANCIONES
F. Javier M. Bel
DISCOS
CANCIONES
Jesús D. Marín
DISCOS
CANCIONES
David G. Altarejos DISCOS
CANCIONES
Joaquín Ollero
CANCIONES
1. Los Evangelistas - Homenaje A Enrique Morente 2. Grimes - Visions 3. John Talabot - fIN 4. Lambchop - Mr. M 5. Tindersticks - The Something Rain
1.Tennis - Young and Old 2. Grimes - Visions 3. John Talabot - fin 4. Els Amics de les Arts - Especies per Catalogar 5. School of Seven Bells - Ghostory
1. A Place To Bury Strangers - Onwards to the Wall 2. Motorpscho - The Death Defying Unicorn 3. Varry Brava - Demasié 4. Los Evangelistas - Homenaje A Enrique Morente 5. Pop. 1280 - The Horror
1. Varry Brava - Demasié 2. School of Seven Bells - Ghostory 3. Klaus & Kinski - Herreros y Fatigas 4. Tennis - Young & Old 5. Earth - Angels of Darkness, Demons of Light II
1. Tennis - Young & Old 2. John Talabot - ƒin 3. Grimes - Visions 4. Els Amics de les Arts - Especies per Catalogar 5. The Ting Tings - Sounds from Nowheresville
DISCOS
1. Grimes - Visions 2. Perfume Genius - Put Your Back N 2 It 3. The Ting Tings - Sounds from Nowheresville 4. Frankie Rose - Interstellar 5. Shearwater - Animal Joy
38 INDIEFERENCIA MAGAZINE Enero 2012
1. Sleigh Bells - Comeback Kid 2. McEnroe - Vistahermosa 3. Los Evangelistas - Donde Pones El Alma 4. Tindersticks - Slippin' Shoes 5. The Ting Tings - Soul Killing
1.Tennis - Origins 2. Arctic Monkeys - R U Mine? 3. Grimes - Vowels = Space and Time 4. Skip the Use - Ghost 5. The Casters - Once We Were
1. Varry Brava - Calor 2. Arctic Monkeys - R U Mine? 3. A Place To Bury Strangers - I Lost You 4. Los Evangelistas - En un sueño viniste 5. Pop. 1280 - Nature Boy
1. Los Evangelistas - Delante De Mi Madre 2. Klaus & Kinski - Ojo Por Diente 3. The Casters - Once We Were 4. Kasabian - Narcotic Farm 5. School of Seven Bells - Lafaye
1. Tennis - Origins 2. John Talabot - Journeys (feat. Ekhi) 3. Arctic Monkeys - R U Mine? 4. The Casters - Once We Were 5. Grimes - Genesis
1. Shearwater - You As You Were 2. Grimes - Genesis 3. The Ting Tings - Help 4. Perfume Genius - Hood 5. Tennis - Origins
INDIESPENSABLES: Febrero 2012
Alejandra Otero
DISCOS
CANCIONES
DISCOS
CANCIONES
Sergio Herguedas DISCOS
CANCIONES
J. N. Carretero
1. Band Of Skulls - Sweet Sour 2. Goldfrapp - The Singles 3. Lana del Rey - Born To Die 4. The Ting Tings - Sounds from Nowheresville 5. Tennis - Young & Old
1. La Habitación Roja -Fue Eléctrico 2. Varry Brava - Demasié 3. Howler- America Give Up 4. The Ting Tings - Sounds from Nowheresville 5. Joe Crepúsculo -El Caldero
1. Perfume Genius - Put Your Back N2 It 2. Young Magic - Melt 3. Tennis - Young & Old 4. Fanfarlo - Rooms Filled With Light 5. Frankie Rose - Interstellar
1. Kasabian - Narcotic Farm 2. The Casters - Once We Were 3. Arctic Monkeys - R U Mine? 4. Band Of Skulls - Such A Fool 5. The Kills - Crazy
1. La Habitación Roja - Indestructibles 2. Arctic Monkeys - R U Mine? 3. Varry Brava - No Te Conozco 4. Febrero - Síndrome De Stendhal 5. Howler - Beach Sluts
1. Niños Mutantes - Muerte De Un Ampli 2. The Casters - Once We Were 3. Arctic Monkeys - R U Mine? 4. Perfume Genius - Hood 5. John Talabot - Destiny (feat. Pional)
LISTAS SPOTIFY
URL - http://open.spotify.com/user/1113679117
London Challenge I / (2012)
London Challenge II. Anthems (2012)
Febrero 2012 INDIEFERENCIA MAGAZINE 39
REDACCIÓN
Ander Simón, Quique Gómez, Joaquín Ollero, F. Javier Moreno, Jesús Daniel Marín, David García Altarejos, Alejandra Otero, Ale Betancort, J.N. Carretero, Sergio Herguedas DISEÑO & MAQUETACIÓN
F. Javier Moreno
WEB
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Neil Krug fotografía Índice
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