INDIEFERMAG Nº 9. Marzo 2012

INDIE FERENCIA

MARZO 2012 | Nº 9

magazine

ENTREVISTAS A VARRY BRAVA & SR.CHINARRO

REVIEWS THE SHINS * NIÑOS MUTANTES * THE MARS VOLTA PAUL WELLER * POOR MOON * ESPECIAL BON IVER INDIEQUETAS REIKIAVIK * SIDEBURNS VANITY * GLACIAR Y MUCHOS MÁS

INDIEFERENCIA MAGAZINE Review del mes

The Casters: Once We Were 3 Reviews

The Shins: Port Of Morrow 5 Niños Mutantes: Náufragos 7 / Poor Moon: Illusion 9 Paul Werller: Sonik Kicks 11 The Mars Volta: Noctourniquet 13 The All-American Rejects: Kids In The Street 15 Blood Red Shoes: In Time To Voices 17 Entrevistas

Varry Brava 19 Sr.Chinarro 25 Especial

Bon Iver: Una Visión Celestial 27 Opinión

Del Rey León a La Habitación Roja 31 INDIEQUETAS: Marzo 2012 33 Ico Top: Marzo 35 Indiespensables: Marzo 39

Por Alejandra Otero

Entre la maraña, a mí gusto bastante homogénea, que hace realidad la música independiente española surgen The Casters como un oasis en un desierto o, quizá más adecuada la metáfora, un Gibraltar en España. Estos valencianos que apenas sobrepasan la veintena han lanzado este mes de marzo su primer disco debut y lo hacen con una carta de presentación de lujo, trabajando con nombres de la talla de Carlos Jean y Mike Marsh. Acelerados bits y una gran sobredosis de energía es el santo y seña de Once We Were.

Una vez fuimos… Fuzzy White Casters. Dejar atrás el primer nombre de la formación es lo que ha dado título al disco y al primer single de este brillante LP de doce temas a cada cual más ‘bailongo’ y que promete romper los escenarios más festivaleros este verano. Un pasado que es difícil de olvidar cuando se ha compartido escenario con nombres de la talla de Arctic Monkeys o Crystal Castles. Con los primeros lo hicieron en 2010 en el MTV Winter valenciano; con los segundos, durante su gira en España y, el año pasado, estuvieron en varios festivales entre ellos su cercano Low Cost Festival. Y todo ello sin que su álbum estuviera en las calles. Desde hace un par de semanas “Once We Were” ha llegado a las tiendas y lo ha hecho generando una gran expectación, con el clásico boca a boca 2.0 valiéndose del

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uso de las redes sociales. La palabra éxito se queda corta. Los twitteros de a pie han alabado el trabajo de los valencianos e incluso lanzaban mensajes de ‘agotado en El Corte Inglés y la Fnac’. También los chicos de The Casters, ya sea por el perfil oficial del grupo o cada uno de los cuatro miembros por separado, nos informan de su agenda puntualmente: así sabemos que su próximo videoclip se grababa en Madrid la misma semana que “Once We Were” se lanzaba a las tiendas o que su gira presentación empieza en abril con fechas en Madrid (Fnac – Castellana), Valencia (Forum Fnac), Valladolid (On My Way Fest) o Barcelona (Razzmatazz). A The Casters, formado por Víctor Corell –voz y guitarra- , Santi Igual – voz y guitarra-, Johnny Bloom –batería y voz- y Demi –bajo-, hay que agradecerles mucho y decidir

por dónde empezar es complicado. Comencemos por el hecho de que hayan traído un género musical bastante desconocido en España como es el new rave. Una corriente que mama del electro rock más puro y cuyos máximos exponentes en Gran Bretaña son Klaxons. La influencia de los británicos es evidente, aunque en el caso de The Casters, salvo excepciones como “Surround”, deciden tirar hacia lo más eléctrico de su género, como si de un “Atlantis To Interzone” en bucle se tratase. También hay algo de la psicodelia de los primeros MGMT, como demuestran temas como “Smartz”. Las comparaciones son inevitables, aunque no le vamos a restar personalidad a estos españoles: The Casters son The Casters y punto. Mientras que el Indie español se autoalimenta con grupos empeñados en parecer todos iguales, The Casters, al igual que en su momento hiciera Catpeople en el escalón del post punk, se diferencian del resto. Y no sólo porque canten en inglés. Aunque, desde luego, su influencia británica no se puede negar. Tanto es así, que se han marchado a Londres para remasterizar “Once We Were” con Mike Marsh a los mandos, un tipo que ha trabajado con iconos como Depeche Mode y Björk, así como con grupos tan importantes en el panorama actual como son Kasabian, Justice o Cut Copy. Me dejaré de rodeos: The Casters son diferentes porque no tienen nada que ver con nada de lo que se produce en este país, porque demues-

tran que para cantar aquí no es necesario hacerlo con esa voz nasal estilo Los Planetas y porque no quieren saber nada del pop-rock.

“Once We Were”, publicado por Subterfuge Records, abre con la primera sobredosis de adrenalina: “Out Of Time”. Aunque sin duda, la energía no decae en la mayor parte del disco, encontrando con el tema homónimo del álbum o “Rhythm Of Desire”los máximos exponentes. Guitarras rabiosas y muchos sintetizadores subidos de revoluciones llevan la batuta en doce canciones que, quizá en ocasiones, pecan de parecerse entre sí. No obstante, The Casters se están labrando su sonido y hacerlo con este disco debut es para levantarse y quitarse el sombrero. “Once We Were” tiene muchas bondades, pero una de las más reseñables es que el ritmo y la calidad no descienden en la última parte del disco. De hecho, uno de los mejores temas que podemos encontrar cierra el álbum: “The Minute Of Creation”.

En definitiva, The Casters con su “Once We Were” cuentan con todas las armas para triunfar en nuestro país, pero, desgraciadamente más importante, también las tienen para hacerlo fuera de nuestras fronteras. No obstante, esperemos que su máxima sea hacerlo en España porque gente como ellos son más que necesarios aquí. Bienvenidos una y mil veces chicos.

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THE SHINS

Por Joaquín Ollero

The Shins publican su cuarto álbum de estudio, Port of Morrow, tras años de silencio e incertidumbre. ¿La espera habrá merecido la pena después de más de 1800 días sin material nuevo?

Los chicos de Albuquerque, con James Mercer (cantante y líder de la banda) a la cabeza, que comenzarían su carrera musical en 1996 están de vuelta con su estilo sencillo pero con gran profundidad, el mismo que han demostrado a lo largo de 3 LPs que nos han dejado anonadados según se publicaban. Su primer trabajo se tituló “Oh, Inverted World” (2001), y contó con una canción tan memorable que sirvió de primer single de la banda, como es “New Slang” (que aparecería en la película Garden State), o “Caring Is Creepy”. 2 años más tarde nos regalarían “Chutes Too Narrow”, aclamado enormemente por la crítica en general, ya que mejorarían aún más la esencia del grupo: grandes letras para canciones simples pero que se sienten completas (y que en realidad lo son). Nos trasladamos a 2007, y apaga y vámonos. “Wincing the Night Away” presentó canciones tan impresionantes como lo fueron “Australia”, “Phantom Limb”, “Turn On Me”, “A Comet Appears”… Resultó increíble comprobar como seguían estrujándose el cerebro para exprimir su fórmula y seguir sorprendiéndonos con temas pegadizos, muy agradables de escuchar, y en esta ocasión, más mágicos que de costumbre. El cantante (con gran pa-

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recido a Kevin Spacey para muchos), se soltó la melena y nos brindó con un disco excepcional que perdudaría durante 5 largos años para finalmente volver en 2012 a la palestra con “Port of Morrow”.

Este puerto que nos traslada a un día siguiente al que vivimos comienza y termina de una manera similar: de ligera forma desacertada. “The Rifle’s Spiral” y “Port of Morrow” son dos canciones que no representan el contenido del álbum bajo ningún concepto, y aunque forman parte del conjunto, y así lo completan, se encuentran a una enorme de las grandes joyas engarzadas en la parte central del trabajo. No se las puede considerar malas canciones para nada, pero en contraste con las estrellas que brillan con energía propia se sitúan, y nunca mejor dicho, a años luz. Pero no os preocupeis, éste es prácticamente el único aspecto negativo de este regreso tan esperado.

Metiéndonos de lleno en el álbum nos topamos con una obra maestra: “Simple Song”. Primer single oficial y la mejor carta de presentación que se podía imaginar.

Lo primero que llama la atención es el título, y tal y

THE SHINS PORT OF MORROW 2012 REVIEW como escuchamos ‘This is just a simple song’: se cubren de modestia al construír como ellos dicen, una canción sencilla, pero con una fuerza inusual. Una letra motivadora, con frases estelares como pueden ser ‘You feel like an ocean being warmed by the sun’ o ‘I know the things can really get rough when you go it alone’.

La parte instrumental de la obra es magistral, y las voz de Mr. Mercer acompañada de esos coros es sencillamente escalofriante (y mucho más cuando te deleitas con alguna actuación en directo). The Shins hace fácil lo difícil, aquello que parece complejo lo traduce en un lenguaje claro y conciso, fácil de entender, simple (pero en ningún caso con connotación negativa). Llegan a la conclusión de que los problemas en la vida pueden descomponerse en tareas más sencillas, abstraen los datos para permanecer únicamente con lo esencial, y son esas notas musicales imprescindibles las que nos son dadas. Ocurre de igual manera en “It’s Only Life”, que sigue la misma estela que la canción antes mencionada, y con esto me refiero a unas palabras que en realidad son consejos que provienen de una muy buena intención, me refiero a un trasfondo de canción que te aclara algunas dudas existenciales que se pueden tener sobre la vida misma. Son sabios, y lo demuestran con hechos, cantando: ‘I’ve been down the very road you’re walking now, It doesn’t have to be so dark and lonesome, [...] Well, I guess it’s only life. It’s only natural’. Es sólo la vida, no sintáis la necesidad de complicarla por placer. Es natural y simple.

Estos dos temas junto con “No Way Down” y “Fall of ’82″, son lo que estaban esperando todo aficionado de The Shins, son 4 canciones espectaculares, llenas de valores y fuerza, una energía representada de diferentes formas y colores. En “No Way Down” nos sorprenden con un sonido mucho más alegre, algo que incluso nos podría recordar a “Australia” y que culmina con un estribillo a doble plato de batería que es una auténtica gozada. James Mercer se sigue superando con la escritura y con la interpretación vocal, y es que suenan tan bien, son unos temas que desprenden una inspiración tan fidedigna, que es inevitable sentirse regocijado.

La guinda del pastel, el detalle más íntimo y encantador de “Port of Morrow” lo hallamos en “Fall of ’82″. En apariencia, y en consonancia con el resto de las canciones, parece un tema sin pretensiones, que suena sin más pero con grandes valores por descubrir en su interior, pero no es hasta pasado el ecuador de la canción cuando suena ese solo de trompeta: delicioso, tímido, adorable. Sólo dura 17 segundos, pero volvereis atrás para escucharlo una y otra vez. Es un gesto magistral, de auténtico maestro, que encaja a la perfección con el aroma del álbum. Suena nostálgico, pero esperanzador

al mismo tiempo. ¿Difícil de conseguir? Ellos lo han hecho.

“Bait and Switch” y “40 Mark Strasse” completan un tracklist que escucharás una y otra vez. Algo detrás de ellas podemos situar a “September” y “For A Fool”, que aunque están compuestas con acierto, quedan por detrás de las obras maestras del álbum. De esta forma llegamos al fin de un disco que nos ha traído de vuelta a la figura de James Mercer por encima de todo. Él es el actor principal de la película, el alma de la misma, y sin él, todas estas palabras carecerían de sentido, ya que sencillamente no existiría esa música sobre la cual se ha escrito. Es un visionario y una persona muy especial, y nos lo demuestra en cada frase. Nos habla y nos ayuda, nos encamina hacia un lugar más agradable como es “Port of Morrow”. Nos dice en cada expresión y en cada sonido que la vida es un proceso perteneciente a la naturaleza, y por ello, es completamente antinatural alejarse de los placeres de la misma y arrugar un trozo de tela de seda, cuando por su propio sentido, liso y uniforme, sería perfecto.

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NIÑOS MUTANTES NÁUFRAGOS

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REVIEW NIÑOS MUTANTES Náufragos (2012) Por J. N. Carretero

Cada vez que uno escucha a Niños Mutantes descubre que en el indie nacional no sólo tienen cabida los grupos que apuestan por alcanzar topes de modernidad o morir en el intento. Todo lo contrario. Los chicos de Granada demuestran con “Náufragos”, su nuevo disco, que si se tiene un mensaje claro que expresar no hace falta enmascararlo con artificios ni voces indescifrables para demostrar su calidad.

Sin embargo, lo expuesto anteriormente no significa que este nuevo trabajo de Juan Alberto Martínez, Andrés López, Miguel Haro y Nani Castañeda caiga en fórmulas reiterativas ni obsoletas. A lo largo de las doce canciones que componen este largo, asistimos a una sucesión de cortes que intercalan temas rápidos y guitarreros con otros más pausados y con una carga intimista que ya la quisieran para ellos muchos artistas patrios.

Así, “Hundir la flota” o “Caerán los bancos” destacan por su dinamismo y, a buen seguro, formarán parte del repertorio a interpretar en sus próximos directos ya que (y no hay que olvidarlo), a pesar de que no están tan bien vistos entre los círculos más “radicales” del panorama independiente español, algo tendrán estos chicos para estar año tras año presentes en los principales festivales del país.

Volviendo al contenido de “Náufragos”, cabe decir que su inicio, con “La puerta”, expresa un deseo de romper con el pasado y volver a empezar. Sorprende que la primera canción tenga un tempo pausado, sentimental y melancólico, pero se trata de una técnica que se muestra muy efectiva y sirve para encadenar perfectamente el resto de temas.

Por su parte, el corte que da nombre al disco, “Náufragos“, es posiblemente el tema más potente de todo el disco y no es de extrañar que fuera elegido como parte del adelanto de este trabajo. Además, la temática marinera está muy presente en otras canciones (“Hundir la flota”, por ejemplo) lo que demuestra empaque y coherencia entre el nombre del largo y parte de su conte-

nido, un aspecto muchas veces descuidado por otros grupos y que aquí se percibe muy a las claras.

Para ilustrar la profundidad de este trabajo conviene resaltar los temas “El Miedo” y “Muerte De Un ampli”.

Dos ejemplos que hablan de la variedad instrumental adquirida por Niños Mutantes y de la amplitud interpretativa que han alcanzado. De este modo, al escuchar “El Miedo” es inevitable que grupos como Los Coronas vengan a la memoria, especialmente por el impecable papel que la trompeta juega en la canción y que enriquece el conjunto musical sin desentonar. A su vez, “Muerte de un ampli”, última canción del disco, pone un broche inesperado al vestirse con un traje de distorsiones instrumentales y surrealismo vocal que en este punto de la escucha es bien recibido.

Con todo lo dicho, “Náufragos” constituye un muy buen disco de una muy buena banda que, en ocasiones, da la sensación de no estar todo lo bien tratada que se merece, tanto por su trayectoria profesional como por la calidad de sus trabajos, demostrada aquí una vez más.

Y es que es fácil emocionarse con temas como “Volverás” o “Querer sin querer”, a pesar de que a muchos la nítida voz de J. A. Martínez o la ausencia de experimentos musicales innecesarios les suponga una barrera que no les deje acercarse al sonido de los de Granada. Una pena. Ellos se lo pierden.

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REVIEW POOR MOON ILLUSION

I L L U Por Sergio Herguedas

S I O N

Fleet Foxes se rompe, o esa es la sensación que da desde fuera, ya que al proyecto de Father John Misty, o lo que es lo mismo, el ex-batería Josh Tillman, hay que sumarle este Poor Moon, el cual cuenta entre sus filas con Christian Wargo (Fleet Foxes, Crystal Skulls), Casey Wescott (Fleet Foxes, Cystal Skulls) y los hermanos Ian and Peter Murray (The Christmas Cards). Este proyecto, y como no podía ser de otra manera, lleva el sello folk, marca de la casa de sus miembros, y en parte, es debido a la voz de Christian, el cual invita a la tranquilidad y a la calma desde el otro lado del escenario. Y por la otra parte, este objetivo lo consiguen con una instrumentación que juega con unos acordes apriori limitados en cada unos de los temas, ya que a veces se salen del guión para ensalzar las partes más emocionales. Y esa emoción es de esas que te cautiva desde el primer momento para no soltarte pasa-

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(2012)

dos varios minutos después de que la aguja haya dejado de recorrer los surcos del EP, en consecuencia de la tristeza que desprenden los cinco poros que hacen que nos anclemos en el ostracismo, esperando que alguien nos saque de este estado, siendo el tiempo el único que lo consigue.

Desde un principio “Illusion” demuestra todo lo dicho hasta ahora, pero con “Any Place” llegan a rozar los límites del hundimiento moral, ya que parecen tocar y cantar como pensando en la primera. Menos mal que la cosa cambia con “People In Her Mind”, aunque llegar medianamente bien hasta el final no va a ser un camino de rosas, ya que en el ambiente impera un halo de que se han guardado algo para sí y no va a ser fácil que lo saquen a la primera de cambio, así que habrá que ver si en posteriores entregas se desahogarán por completo o si se quedarán a medio camino de nada.

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Hace treinta años, Paul Weller era número uno. “A Town Called Malice” de The Jam copaba el primer puesto de las listas durante tres semanas seguidas. Si viéramos ahora el vídeo de aquella canción comprobaríamos como el joven que aparece en el centro del grupo apenas ha cambiado en muchos aspectos. Su forma de cantar sigue siendo la misma,

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su corte de pelo… Pero sin embargo, canta una frase en la primera estrofa que podría haberse convertido en su leitmotiv particular: “Deja de disculparte por las cosas que nunca has hecho, porque hay poco tiempo y la vida es cruel, y depende de nosotros cambiarlo”. Parece que esos cambios son los que se ha decidido hacer en su último disco, “Sonik Kicks”.

REVIEW PAUL WELLER Sonik Kicks (2012) Por Jesús Daniel Marín

Paul Weller nunca ha sido un hombre al que le guste volver la mirada atrás hacia su carrera. El tiempo tampoco se ha comportado como un enemigo con él, pero parece ser que más que ir provocando que cayera en el olvido poco a poco, le ha inspirado para buscar nuevos sonidos, más acordes con las corrientes musicales actuales, por así decirlo. Es por ello que “Sonik Kicks” está plagado de una vitalidad implícita que proviene del propio Weller. Sin embargo, después del clamoroso éxito de sus dos últimos discos (“22 Dreams” en 2008 y “Wake Up The Nation” en 2010) parece ser que se ha convertido en una necesidad el exaltar el retorno de Paul Weller en cada disco que publica y se considera como algo excepcional. Y aunque su música ahora suene discordante y sin fondo, hay una cierta tendencia a decir que es pop psicodélico, creado con un caleidoscopio y de ahí sus múltiples sonidos (y ruidos en algunos momentos).

Algo que está provocado por ese hombre que siempre está intentando filtrar el pasado, pero a su propio modo.

Lo único bueno que queda de Paul Weller en este “Sonik Kicks” es la capacidad innata de hacer canciones “con la gorra”. Porque se nota que son canciones que han salido a la primera, sin pensar ni esforzarse, sino que ha importado más el producto final que la calidad del mismo. El disco estalla desde la primera canción, “Green”, con un sintetizador que recuerda a los ritmos de Neu!. Acto seguido, caemos en una espiral de ecos de voz, letras confusas sobre guías secretas y tiempos tranquilos y efectos que pasan de un oído a otro a través de nuestros cascos. Es difícil no venirse arriba con esta canción. En la misma línea están “Dragonfly” y “Around The Lake”, tal vez más acentuadas en los golpes de batería y esos efectos de sonido que tanto tiempo ocupan en este nuevo disco.

Y de ahí, podemos pasar a analizar la parte más extraña del disco. “Sleep Of The Terene” es como una rareza de una película de serie b de los años 60, llena

de balbuceos electrónicos y cuerdas que se enrarecen progresivamente. “Twilight” son 20 segundos de estrépito metálico mezclado con más sintetizadores, justo antes de recibir a “Drifters” con una línea de bajo más oscura, guitarras pesadas y que podría suponer la vuelta de Weller a lo que fue. Puede ser pop, pero quizás no como creíamos conocerlo con anterioridad, Paul. Más que a nadie, estos estilismos de “ciencia ficción” nos hacen pensar o recordar a David Bowie (del cual la nueva mujer de Paul Weller es una grandísima fan) pero también encontramos un poco, pero muy poco, de esa esencia que ha hecho que Paul Weller se haya convertido en el Modfather. “That Dangerous Age” es particularmente brillante, divertida, una canción sobre un hombre de mediana edad y su cotidianeidad. “Kling I Klang” es ligeramente menos buena, pero es igualmente mordaz en cuanto al tema que trata en sus letras mientras que “When Your Garden’s OverGrown” podría estar en cualquier disco de los que publicó Weller en los años 90. Su estribillo está cargado de fuerza, así que podemos decir que algo de gusto le queda al bueno de Weller para escribir canciones. Sin embargo, los momentos más conmovedores son las dos grandes baladas: la sensacionalmente épica “By The Waters” y el comercial final feliz, “Be Happy Children”. Esta canción cuenta con la colaboración de dos de los hijos de Paul Weller en la canción. Es un broche final que hace que olvides todo lo que has escuchado anteriormente.

Desde luego, Paul Weller se ha querido dejar todo en este nuevo disco, y vaya si lo ha conseguido. Ha innovado tanto que, para los que esperábamos un poquito de magia de manos del Modfather que pudiera mejorar sus dos últimos esfuerzos, nos hemos encontrado con que lo único que ha conseguido ha sido que nos cortemos las patillas, desilusionados y abandonados en el camino del krautrock y recordemos el estrépito de las calles de aquella ciudad que parece no recordar Paul Weller.

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REVIEW

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REVIEW THE MARS VOLTA Noctourniquet (2012) Por Alejandra Otero

La obsesión por evolucionar puede ser un arma de doble filo. La cosa puede salir bien o puede salir mal.

En el caso de The Mars Volta y su “Noctourniquet” la balanza se inclina más hacia el “Lado Oscuro”. Y no en el buen sentido del término. Los de Texas estrenan su esperado sexto álbum de estudio, tras el magnífico “Octahedron” lanzado en 2009. Un disco muy heterogéneo y que, muy a mi pesar, tiene más sombras que luces.

Siempre conceptuales, siempre del lado de la más pura fusión, capaces de pasar del rock progresivo, al krautrock y de coquetear con ritmos latinos, The Mars Volta tenían hasta la fecha cinco obras maestras. Una medalla que no puede llevar “Noctourniquet”. Tampoco es que lo intente. El disco abre con “The Whip Hand” y la tragedia comienza a mascarse desde los primeros compases. ¿Qué es esto? ¿Una copia mala del más electrónico Marilyn Manson? La melodía se sacrifica en este primer tema y, en general, en la mayor parte del disco. Pero lo peor no es eso, lo peor es que los temas más puramente Volta se antojan planos, sin gancho y sin mucho que aportar. La primera escucha de este sexto disco te deja completamente frío y, para no admitir el desastre, te autoconvences de que quizá sea de esos álbumes complicados que precisan de más de una escucha, de dos, tres e, incluso, cinco para apreciarlos. Pero no, no es el caso de Noctourniquet.

Que no se malinterprete mi generosa sarta de dardos envenenados. No es que The Mars Volta hayan parido una mierda de disco con mayúsculas. El problema es que cuando un grupo te tiene muy bien acostumbrado, un trabajo mínimamente mediocre se convierte rápidamente en decepción. Por supuesto que “Noctourniquet” tiene sus luces, siendo la más luminosa la que bautiza el álbum. El problema es que para llegar a este caramelo antes tenemos que pasar por un buen puñado de temas caóticos e insustanciales, comenzando por el ya mencionado “The Whip Hand” y siguiendo por “Aegis” que, si bien intenta recuperar el más puro sonido Volta, se queda como mucho en el tercer escalón habiendo diez. La cosa mejora con “Dyslexicon”: aunque el tema no acaba de convencer por completo, se distingue de los dos anteriores con la experimental, y esta vez acertada, guitarra de Omar Rodríguez-López

como principal protagonista. “Empty Vessels Make The Loudest Sound” es una reminiscencia al genial “Octahedron” y lo recibes con una sonrisa en la boca. Más melódica, con esta canción tenemos la misma sensación que con “Dyslexicon”, sí, es buena, pero no llega.

La acidez de estómago regresa con “The Makin Jewel”. No me esperaba que una mala versión de Jack White se colara en la fiesta de Rodríguez y los suyos. Si algo ha caracterizado siempre a The Mars Volta es que pueden enfermar con los sonidos experimentales y tirar de la improvisación más propia de un directo en sus temas de estudio: una virtud que parecen haber perdido con la quinta canción de “Noctourniquet”.

Llegados a este punto, te sobreviene una angustiosa pereza de seguir escuchando el disco. Tanto como a mí de desgranar canción a canción este álbum. El denominador común presentado con “The Whip Hand” sigue su camino por este tortuoso laberinto que acusa falta de oxígeno: más electrónica, más sintetizadores, poca armonía melódica, temas abruptos e irregulares…

Parece que los de Marte se han pasado de vueltas en el estudio (o en el desierto con el peyote) y han vomitado una paranoia que bien podría haberse quedado en demo. El naufragio lo salvan “Zed And Two Naughts” y, sobretodo ‘Noctourniquet’; quizá “Vedamalady” y “Molochwalker” también podría echar un cable al resto, siempre y cuando no lleguemos al estribillo…

Decir que este sexto disco de The Mars Volta no va a convencer a nadie puede que sea hablar muy alto. Tirando de tópico: para gustos, colores. Entre los seguidores habituales habrá quien se encomiende a la familia de los tejanos, habrá quien lo defienda y habrá a quien le parezca una maravilla. Cuando “Kid A” llegó a nuestras manos en los albores del siglo XXI, Radiohead murieron para muchos. Para otros nacieron. Para otros simplemente evolucionaron. Si bien este disco no huele ni el betún del de los británicos, se podría decir que “Noctourniquet” es el “Kid A” de estos marcianos.

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REVIEW THE ALL AMERICAN REJECTS KIDS IN THE STREETS Por Joaquín Ollero

La banda de rock alternativo liderada por Tyson Ritter lanza su cuarto álbum de estudio tras 4 años de preparación. ¿Habrán alcanzado el nivel que demostraron en “Move Along” y “When the World Comes Down”?

The All-American Rejects han destacado a lo largo de sus tres trabajos publicados por aportar una versión de rock alternativo típico americano diferente a la convencional, con una vuelta de tuerca que los hace únicos y especiales. Comenzaron con el clásico indie rock de adolescentes con su primer LP titulado de la misma manera que el grupo en el año 2003, y por aquel entonces no eran más que un género que estaba despuntando y sumarse al carro sería una gran idea, pero lo que construyeron no despuntaba de ninguna manera, salvo el single que los empezó a hacer famosos, “Swing, Swing”. Esa se podría considerar la semilla del gran árbol que son hoy en día, pero había que cuidar la plantación, regarla, mimarla con rayos de sol, y así lo harían con el espectacular “Move Along” lanzado dos años más tarde. Un álbum sencillamente espectacular, el que seguía la estela del debut pero revolucionaban todas las ideas para darnos auténticos temazos como “Move Along”, “Dirty Little Secrets”, “It Ends Tonight”, “Dance Inside”… y podría seguir, porque a lo largo del tracklist de 14 temas, nos encontramos otras que hemos escuchado y seguiremos escuchando como si no hubiese mañana. El guapo de Tyson lo clavó, sencillamente, y nos brindó la esencia pura y dura del

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grupo: rock alternativo que te entra por los oídos de primeras y que ahí se desarrolla para permanecer plácidamente en tu organismo, además de algunas inspiraciones más acústicas que contrastaban con las guitarras eléctricas y las baterías.

A partir de este momento parece que sintieron que dicha vertiente de creatividad necesitaba una descarga eléctrica y apuntar nuevos horizontes y tal y como haría Panic! At the Disco con su “Pretty Odd”, en el que cambiaron la filosofía de la banda completamente (de forma desacertada), The All-American Rejects daría un nuevo puñetazo en la mesa con un estilo que no se olvidaba de aquella semilla plantada en 2003, pero que resultaba fresca como una brisa de verano: “When the World Comes Down” nos sorprendió por aquel single rompedor que traspasó fronteras como lo fue “Gives You Hell”, por aquel dueto femenino/masculino en “Another Heart Calls” (no me cansaré de repetir que esta canción tiene una construcción y concepción perfecta), por todas aquellas guitarras acústicas que nos endulzaron los oídos en “Mona Lisa” o “Bonus Track”. Lo dicho, un álbum que no podeis dejar pasar, así como “Move Along”. Y ahora nos encontramos con

THE ALL AMERICAN REJECTS KIDS IN THE STREETS REVIEW

“Kids In The Street”… ¿qué habrán pensado como nuevo cambio de aires?

Pues… parece que no han pensado mucho. Bueno, a lo mejor sí que lo han hecho, y por lo tanto han llegado a la conclusión de que lo más adecuado sería hacer un cocktail de estilos recogiendo los creados en los tres trabajos previamente comentados. Y es que así se nos presenta, y de tal manera podemos deleitarnos ligeramente con alguna pieza instrumental, con el rock que nos han venido ofreciendo ‘desde siempre’, y por qué no, con la fuerza habitual con la que sienten la música.

Lo hacen muy bien, y eso se nota: se percibe en la presencia de Tyson, en la conjugación de instrumentos, en las letras, en los dobles estribillos. Pero todos sabemos que las estrellas brillan más o menos, y de tal forma este “Kids In The Street” se siente algo perdido en la galaxia.

Sí, “Someday’s Gone” y “Beekeeper’s Daughter” son buenas cartas de presentación, tienen estribillos pegadizos y al escuchar 30 segundos de cada canción podrías decir que se inevitablemente se trata de The All-American Rejects, ya que el estilo es inconfundible y muy fiel. Sí, “Out the Door” es un tema que va in crescendo (es agradable ver como va creciendo según transcurre la canción) y que suena bien, no lo podemos negar. Sí, “Kids In The Street” es instrumentalmente original, no tiene mayores pretensiones y disfruta siendo lo que es: una canción más. Sí, “I For You” no podía faltar como tema acústico que cierra el álbum (que ya viene siendo una costumbre), y como tal, y con la voz de Tyler pues te tiene que gustar sin remedio. Sí, las demás canciones que completan el disco no son desagradables al oído ni muchísimo menos, pero las escuchas y es cómo si no hubiese pasado absoluta-

mente nada relevante en tu vida: como quien oye llover.

Sí, el álbum no está mal en términos generales, y tiene algún pico que te pudiese hacer estremecer (cómo el tarareo que se escucha en “Beekeeper’s Daughter”), pero esto no era para nada lo que un fan de este gran banda se pudiese esperar.

Da la sensación de que este redactor se centra únicamente en las comparaciones, pero en realidad no es así. ¿Donde está la energía que se comprobó en “Move Along” o “Another Heart Calls”? Es muy difícil encontrar nada parecido en este trabajo, si acaso podríamos nombrar “Beekeeper’s Daughter” pero carece de muchos valores importantes que sin ellos es imposible llegar a la cima. Un grupo de este calibre no puede ni debe permitirse quedarse a medio camino como han hecho esta ocasión. De todas formas, repito: no es un mal disco para nada, pero… sabiendo de que son capaces de hacerte estremecer y vibrar como pocas canciones pueden hacer, coger el camino fácil no parece justo ni para ellos ni para el público. Aún así es un auténtico placer escucharlos de nuevo, regodearse del estilazo que se marca Tyler que como siempre no tienes otra opción que acabar enamorado hasta los topes de él.

Quién sabe si se darán cuenta de las sensaciones que el álbum ha producido, y quién sabe si actuarán en consecuencia para volver hacernos soñar con el quinto trabajo de la banda, porque por el momento, lo único que nos queda es esforzarnos en encontrar las virtudes de “Kids In The Street”, y una vez halladas, disfrutarlas sin intentar recordar el pasado glorioso que nos regalaron.

Empresa difícil, la verdad.

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REVIEW Por Alejandra Otero

Dicen que en esta vida todo tiene un precio, y el de la primavera es el de sacrificar una hora en pos de que el sol se muestre más perezoso a la hora de esconderse. Pagamos con el tributo del tiempo por una temperatura más amiga que invita a que

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nos tumbemos en el césped y recibamos el cálido abrazo de la única estrella que da vida al sistema solar. No podían haber escogido mejor época del año Blood Red Shoes para hacer llegar al mundo su tercer álbum de estudio “In Time To Voices”.

TO VOICES REVIEW A dulce primavera huele este disco del dúo de Brighton.

Y a rayos del sol colándose entre las ramas de un abeto mientras miramos al cielo. Y a chicas en minifalda colgando el abrigo. Y a festivales de verano. Y a esa tímida sonrisa que tanto tiempo habíamos esperado. Cuando, en 2008, Steven Ansell (voz y batería) y Laura-Mary Carter (voz y guitarra) abrieron su caja de Pandora, “Box of Secrets”, ya no había vuelta atrás. Una explosión con reminiscencias punk se coló en nuestros oídos reivindicando que había poco de Indie Rock en ellos, por mucho que se empeñen en colgarles en San Benito. Por ello, no me ataré con etiquetas hablando de los zapatos rojos y sangrantes. No lo haré porque In “Time On Voices” clama libertad: sin ataduras, el tercer trabajo de los británicos entra a la primera escucha tan bien como una cerveza fresquita en la terraza de un bar.

Lo hace desde “In Time To Voices” que comienza melosa como una flor abriéndose para terminar en una explosión de colores, en este caso, los ritmos rabiosos que conforman el ADN de esta banda de la pérfida Albión. Bautizado por la propia Laura como su trabajo más ambicioso hasta la fecha, este álbum crece en matices respecto a sus trabajos anteriores. “Cold”, escogido como primer single de presentación, engañaba para dar la bienvenida. Mucho más cercano a sus anteriores trabajos, podíamos temer que sobreviniera el típico tercer disco que se estrella contra el embarcadero, astillándose en la creación. Pero este barco que zarpó hace siete años atraca bastante triunfal y supera el escollo ‘del tercer álbum’, ese que supone la muerte o la consagración. Y es así porque encontramos maravillas como “The Silence And The Drones”, un tema lleno de melodía y atmósferas envolventes, muy progresivo, con excelentes transiciones y que no siente pudor alguno al coquetear con instrumentos de viento.

El silencio y el zumbido no es la única joya de “In Time To Voices”, brilla también “Two Dead Minutes”: la calma y la tormenta se dan de la mano en estos dos minutos muertos con un sonido que dista mucho del estilo al que nos tienen acostumbrados Blood Red Shoes y donde se cuelan los arreglos electrónicos acompañando a las guitarras furiosas. Merece también especial mención “Seven Years” –los mismos que llevan Blood Red Shoes dando guerra- con una influencia más cercana al metal en su variante más melódica y compleja (valga siendo generosos A Perfect Circle como ejemplo) en sus primeros compases. “Night Light” cierra este cuarteto de distinción, una balada tan oscura como acústica, que bien puede servir de ejemplo de una madurez que se anunciaba ni mucho menos con su anterior trabajo “Fire Like This”.

Con estos cuatro ejemplos, los seguidores amantes del sonido Shoes podrían sentirse decepcionados a la espera de un disco más rabioso. Pero para eso están canciones como “Lost Kids”, mucho más de la mano del primer álbum, o de la punk “Je Me Perds”, ecuador de este tercer álbum. Como en toda primavera que se tercie, no siempre va a brillar el sol: si este disco no alcanza un sobresaliente es porque encontramos temas más anodinos como “Stop Kicking”, “Down Here In The Dark” o “Slip Into The Blue”, que se antojan poco innovadores, planos y repetitivos en el ritmo, aunque en el caso del último mencionado la explosión final le salva.

Al igual que con su directo, Blood Red Shoes no tocan el cielo con ninguno de sus trabajos. Siempre tenemos la impresión de que falta algo. Quizá para los que amamos el bajo, la ausencia de este instrumento sea la clave, pero este proyecto nació huérfano de las cuatro cuerdas al igual que ocurre con The White Stripes.

Salvando las distancias, lo que no se puede negar es que paso a paso, los ingleses siguen demostrando que merecen estar ahí. Sí, “In Time To Voices” es su trabajo más maduro hasta la fecha y no pecaba Anne de presunción cuando hablaba de ambición. Esta tercera parada anuncia ser un punto de inflexión y, en mi caso, como todo lo que huele a primavera, lo recibo con los brazos bien abiertos.

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PREGUNTAS INDIESCRETAS VARRY BRAVA Por Jesús Daniel Marín

Después del éxito de “Demasié” y cuando están inmersos en la gira de presentación del mismo, los oriolanomurcianos Varry Brava han sacado unos minutos para nosotros. Para contestar a nuestras preguntas estaban Óscar Ferrer (voz) y Vicente Illescas (guitarra) y a última hora se incorporó Aarön Sáez (teclados). Desde luego, podríamos decir que ha sido la entrevista más divertida que hemos hecho en INDIEferencia Magazine.

Después de Ídolo y su gran repercusión, llega “Demasié”. ¿Es la primera palabra que se os viene a la cabeza cuando pensáis en lo que conseguisteis con una maqueta?

Óscar: Pues… la intención del nombre no era esa. Estuvimos dándole muchas vueltas a lo del nombre. Ídolo salió enseguida y con “Demasíe” estuvimos dándole mas vueltas. Y al final un día estando de cañas y salió “Demasié” y nos pareció divertido y nos reímos y pensamos que si nos reíamos nosotros pues la gente también se reiría. Además, viene de ese lenguaje urbano de la movida, de los 80 y eso también tenía mucha relación con la portada y la forma de producir algunos temas y bueno, “Demasié”.

Para este primer disco habéis currado con Raúl de Lara, productor de vuestros paisanos Second. ¿Fue decisión vuestra u os ayudaron ellos con comentarios buenos acerca de su forma de trabajar?

Vicente: Él se ofreció. Llegó y dijo “quiero grabaros”.

Me acuerdo que fue en septiembre de 2010 y ya grabamos un tema con él que era “No te conozco”, el cuarto tema. Hicimos ahí una especie de demo y nos gustó el resultado y con el tiempo llegó y le dijimos que queríamos grabar un disco y que habíamos pensado en él.

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O: A él le gustaba lo que habíamos hecho y nos preguntó si queríamos grabar y claro, dijimos que sí. Habiendo trabajado en ese tema nos facilitó el decidirnos por alguien porque vimos que con él había buen rollo en el estudio y nos entendíamos bien y le dimos más importancia a eso que no al nombre de un productor u otro porque muchas veces se producen los discos pensando en que el nombre del productor te va a dar más publicidad o algo de eso. Ya había una confianza previa y por eso decidimos trabajar con él también.

“Calor” es el single que habéis elegido para presentar “Demasié”. ¿Lo tuvisteis claro desde el principio o había alguna apuesta más?

O: Lo de los singles es un poco extraño. Los singles son más para el medio. Es una formalidad.

V: Los singles son como la carta de presentación.

O: Es como sacar el disco a la venta en las tiendas. Parece que si no está el disco en las tiendas es como si no hubiera salido, aunque tenga 15.000 descargas en internet. A nosotros nos gustaba “Calor” porque creo que suena a Varry Brava y nos parecía un buen tema de presentación. Pero más que single a mi me gusta hablar de un tema de presentación de lo que va a ser el disco, aunque luego el disco es mucho más variado

que “Calor”. Pero sí, lo vimos claro. Además, cuando estábamos haciendo el tema el estribillo salió solo y pensamos que si nos había salido así, a la gente le entraría igual de fácil así que lo tuvimos claro.

En nuestra crítica dejamos claro que nos habéis enganchado. ¿Cómo es el proceso de creación de un disco tan bueno?

O: Muchas gracias por tratarnos así de bien.

V: De tiempo, fueron seis meses.

O: Claro, la referencia para nosotros era “Ídolo”, que venia de estar producido en el local. Por eso suena más guitarrero y sólo teníamos un teclado. Ahora disponíamos de más medios porque la maqueta la grabamos de forma casera y en un estudio profesional tienes más medios. No teníamos muy claro cómo iba a ser nuestro sonido hasta que nos sentamos en el estudio y de hecho, muchos temas se produjeron en el estudio y vas currando sobre la marcha.

Nosotros pensamos que cogéis lo mejor de las canciones de Tino Casal y le dais un toque indie y electrónico. ¿Qué influencias podría decirse que tiene Varry Brava?

V: De todo. También nos pilló una época que cada uno llegaba al estudio con un disco distinto, desde M83, Whitest Boy Alive, Metronomy… Y claro, y mientras eso, pensamos en las influencias claras de la banda.

O: Y luego están también las influencias que tenía Raúl de Lara. Y él insistía mucho en la potencia, en que el disco sonara potente, sonara electrónico. A él le mola mucho la música electrónica, grupos como Groove Armada, Justice, M83… Y bueno, yo conocí a M83 por Raúl. Conocimos muchos grupos por él y él también conoció grupos por parte nuestra. Y luego también había momentos en que escuchábamos… ¿era Simply Red? V: Si, Simply Red y Supertramp también.

O: Los tenemos como referencia en ciertos sonidos limpios y elegantes.

V: Y Miguel Bosé también.

O: Sí, Miguel Bosé también. Nos parece un tipo elegante y que lo lleva la canción.

V: Y que siempre ha hecho lo que ha querido.

O: Me parece un tío a respetar que siempre ha estado

ahí. Esté o no esté en el indie. La música es música y eso ya es algo que aburre, el indie, el mainstream…

Cuando hay etiquetas que no sirven para nada.

En Demasié hay canciones que vienen de Ídolo, pero, ¿las habéis elegido vosotros o ha sido atendiendo a la respuesta de la gente en directo?

V: Sí, una mezcla de eso.

O: Sí, un poco de todo. “No gires” y “Radioactivo” estaba claro que a la gente le flipaba y a nosotros nos flipaban desde el primer momento. Y luego ha habido sorpresas como con “Disco”.

V: Sí, lo de “Disco” fue en verano. Estábamos a mitad de grabación y alguien nos dijo “tenéis que meter “Disco” y lo pensamos y era un tema que hasta ultima Marzo 2012 INDIEFERENCIA MAGAZINE 21

hora no teníamos claro si iba a entrar pero al final le dimos el punto.

O: “Miedo” es un tema que le gusta mucho a la gente en directo, es muy vacilón, y queríamos que tuviera un buen sonido. Y revitalizar las canciones, porque en un garito ponían “Radioactivo” después de sonar un tema de cualquiera y sonaba a maquetero y queríamos que estos temas tuvieran un sonido que estuviera a la altura.

¿Cómo se puede describir un directo de Varry Brava?

O: Pues eso tendría que decirlo el público. Nosotros si tenemos que describir lo que vemos, que supongo que es lo que le damos al público, es diversión. Nos atrevemos con cierto vestuario, con una manera de disfrutar la música y que va de la mano de la propia composición de los temas. Entiendo que si vas con una acústica y vas cantando cosas más tristes, vayas un poco más desaliñado… Si estamos cantando que fiesta y bailar y demás, pues nos gusta también transmitirlo en el escenario y porque nos sentimos cómodos haciéndolo así.

Vuestro concierto en el SOS del año pasado fue uno de los momentos más comentados del festival. ¿Cómo lo vivisteis vosotros?

O: Nos hizo muchísima ilusión.

V: Claro, teníamos la espina ahí clavada durante un año y por fin nos pudimos desquitar.

O: Tardamos un año en llegar al SOS. Para nosotros fue muy especial. Para mí en concreto fue especial, sí.

Y además eran las siete y media de la tarde y salir y ver que habían yo que se, 4.000 personas… Para nosotros sí fue muy especial y lo que esperamos es estar este año, pero bueno, no se si estar tres años consecutivos en el cartel… Nosotros encantados. Porque es un festival que nos encanta. Y si no estamos como artistas, pues seguro que iremos. (Comentamos los motivos de cada uno para acudir al festival y coincidimos en varios puntos como las conferencias). Y ese es uno de los puntos fuertes que tiene el SOS, que además de lo musical combina con ciertas artes que mola, a ciertas horas del día.

Siguiendo con los directos… ¿qué hay de cierto en el rumor que dice que tardáis más en arreglarlos para un concierto que en tocar?

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(Risas) V: Sí que es como un ritual, siempre que estamos ahí antes de salir nos ponemos a preguntarnos, ese momento de que llevas tú…

O: Pues sí que tardamos un ratillo en vestirnos. No tanto como en tocar, pero sí. Porque le damos importancia al vestuario porque creo que hay que dársela.

Hay que dársela porque estas arriba en un escenario y tiene que ir todo de la mano, disco, producción y diseño. Todo es un paquete que queremos hacer bien y el vestuario es una de esas cosas que tenemos que cuidar. Y además nos mola vestirnos así. No podría ir a comprar el pan así, pero para estar en el escenario sí es importante.

¿Cómo surgió la idea del estilismo que tiene Varry Brava? Trajes de colores, gafas oscuras, ese punto de chulería…

O: Pues yo creo que por divertirnos, simplemente.

V: Y también porque va acorde con el tipo de temas que hacemos.

O: Y porque nos divierte. Es divertido hacer una banda y además poder vestirte de una manera especial. Eso es divertido, yo lo dejaría en diversión. Aunque a veces te paras a pensar y dices… ¿qué me pongo?

¿Podemos esperar alguna sorpresa durante la gira de presentación de Demasié? ¿Qué os parece la idea que leímos por Twitter hace unos días de cantar “Amantes de Fuego” con Sean de Second?

V: Si, en teoría iba a haber algo para este viernes pero no ha podido ser porque Second venían de un concierto. Pero creo que Aarön se encargó de hablar con Frutos (cantante de Second) una madrugada entre copas, pero vamos, que este viernes habrá algo…

O: Sí, en el concierto de este viernes habrá colaboraciones de bandas amigas, de colegas. Pero cualquier colaboración con gente con la que nos sintamos cómodos y que sean amigos, por supuestísimo que si. Y con Second, cuando ellos quieran, claro.

¿Cuál es el disco favorito de cada uno de los miembros del grupo? Y en la furgoneta, ¿Cuáles son los 3 discos que más suenan?

O: El de todos, este año es el de Metronomy.

V: Si, “English Riviera” ha sido el disco del año para

todos. Pero si es en plan disco por necesidad…

O: A mi me gusta mucho “Dibujos Animados” de Nacha Pop.

V: Yo voy a decir el “White Album” de los Beatles, aunque siempre diga lo mismo.

(Aarön Sáez se incorpora a la entrevista)

A: El “Directo” de Radio Futura, que aunque no sea el mejor, pero es el que más he oído.

O: Y en la furgoneta, suena mucha máquina de los noventa.

A: Es que nuestro road manager es un antiguo vividor de la ruta del bakalao, en el sentido de que ha estado allí, y nos cuenta historias increíbles de la época y nos pone la música.

V: Y también es de los que dice que el casete es muchísimo mejor que el CD. De hecho, todos los CD’s que tienen están rayados.

Si no fuerais músicos, ¿a qué se dedicarían los componentes de Varry Brava?

A: Yo sería guionista.

V: Yo sería testeador de videojuegos. Es lo que más hago cuando llego a mi casa.

O: A mi me gustaría una sala de conciertos. Y un bar.

V: Y al final te montarías una banda… O pondría música en tu bar.

O: Claro hombre, Dj residente.

¿Cómo veis el momento actual del indie nacional?

¿Pensáis que ahora el mercado está mejor que hace unos años?

A: Yo lo veo un poco aburrido la verdad. A mí me aburre un poco. Me alegro que esté bien porque las bandas estén prosperando y haya más sitio para festivales y eso. El movimiento es genial pero creo que está un poco.. sosete.

O: A mí me parece que está mucho mejor que hace unos años. Tampoco conozco bien el de hace unos años, pero me parece que está habiendo mucho más movimiento. Y que nosotros estemos alcanzando cierto nivel nacional también pasa porque hay un buen momento musical y que dentro de esa etiqueta independiente que como te decía antes, me da igual, me parece que hay un buen momento musical, aunque sí Marzo 2012 INDIEFERENCIA MAGAZINE 23

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que es cierto que hay muchas bandas aburridas, aunque esas también son necesarias. A mí me gusta mucho McEnroe, o Bigott, que son mucho más tranquilos.

A: Bigott es más canalla.

O: Yo (de McEnroe) he escuchado sobretodo un disco de 2008, “Mundo Marino”. Y a mí me gusta mucho ese disco, pero si eso es aburrido o no, no lo sé.

V: Es de lo que hablamos siempre. El Guincho, Pony Bravo, Atom Rhumba. Es otro palo, un poco más de montar la fiesta en directo.

O: Y Guadalupe Plata me gustan mucho. Los que no nos gustan no te los vamos a decir. Esa sería una buena pregunta… ¿cuáles son los grupos que no os gustan?

(Aceptamos su sugerencia de preguntarles qué grupos no les gustan, pero preferimos no hacérsela para evitar conflictos como el de Bloc Party y Sex Pistols en el Summercase de 2008, pero seguimos la conversación a raíz de este tema).

V: Es verdad. Eso fue en el Summercase de 2008. Yo estuve ahí.

O: Eso es lo que hace falta para hacer grandes a los artistas y a la música de este país. Que se creen ídolos y que se peguen y que se critiquen en los medios de comunicación.

V: En los 90, con Oasis y Blur, había pique, incluso decían que eran mejores que los Beatles.

A: Claro, pero a mi Oasis a lo mejor no me gusta, pero los tipos llegaban y decían “Somos mejor que los Beatles” y se quedaban tan tranquilos.

Eso es genial, eso es rock and roll. Nosotros somos mejores que los Oasis.

(Nos interrumpen para anunciar a los chicos de Varry Brava que han agotado las entradas para su concierto en Murcia y se abre otra fecha para el sábado a la cual asistimos y disfrutamos).

Muchas gracias por vuestro tiempo. Siempre nos gusta pedir unas palabras para nuestros lectores y vosotros no ibais a ser menos.

Ahora sí podéis decir lo que os dé la gana.

O: Pues muchas gracias por seguirnos, por dedicar vuestro tiempo a escuchar el disco y escribir sobre el.

V: Bueno, es cortito. Son 35 minutos…

O: Son 35 minutos pero luego hay que escribir bien de él. Y un saludo a todos y nos vemos cuando queráis y para lo que haga falta.

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PREGUNTAS INDIESCRETAS SR. CHINARRO Por Maje M.S.

Aprovechando que el Pisuerga pasa por Valladolid y que Señor Chinarro iba a ofrecer un concierto en la capital vallisoletana, tuvimos la ocasión de hacerle unas preguntas con motivo del lanzamiento de su último disco, “Menos Samba”. Nuestra redactora Maje se encargó de las preguntas y aquí traemos las respuestas que Antonio Luque nos dio amablemente.

Cuéntanos, ¿por qué decidiste sacar “Menos Samba” tan seguido de tu anterior trabajo?

Bueno, ha pasado ya casi un año, un disco por año es una frecuencia buena. Si se te ocurren las canciones… lo malo es que no se te ocurran. Ya tengo otras veinte, ya le he dicho al sello que quiero grabar este verano veinte más.

¿No te pedía el cuerpo parar un poco después de la preparación del disco y la gira?

Bueno, tampoco Chinarro hace giras muy grandes ni tengo tanto trabajo. Tengo el trabajo bueno, que es sobretodo componer.

¿Y cómo ha sido la producción de “Menos Samba”?

Muy cómoda, muy buena. Marc es un tío muy apañado.

Ya me di cuenta cuando grabó el disco de Maronda que lo hacía sencillo. Hay mucha gente que se complica con lo que no se tiene que complicar. Fui a Valen-

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cia y ya estaban grabadas las baterías, grabé los bajos rápido, las guitarras, los arreglos… fue todo rápido. Es como todo en la vida, hay cosas que salen rápido y bien y hay cosas que se atascan y este salió fácil. Siendo el disco mas largo, creo que es el que más cómodamente he grabado de todos.

¿Serías capaz de resumir de alguna manera tu larga trayectoria?

Francamente, no. Igual está en Wikipedia (risas). Yo no pienso tampoco en la trayectoria, en la larga o en la corta. Yo solo pienso en el aquí, en las canciones nuevas, en que voy a hacer ahora y no estoy todo el rato pensando en oh, soy Antonio Luque y tengo 13 discos, he hecho tal y toque ahí… No es que trate de olvidarlo, es que francamente lo olvido. Entre otras cosas porque si no, no podría seguir. Si uno se deja llevar por el peso de la historia, aunque sea la de uno mismo, te puedes quedar un poco bloqueado. Yo prefiero sentirme siempre un “absolute beginner”, como la canción o la película.

Nos hablabas antes de la colaboración con Maronda, ¿cómo surgió esto?

Pues yo tenía un fotolog en el principio de esto de la web 2.0 y siempre me ponía comentarios y se ve que era fan antes de que él empezara a tocar y todo eso.

Un día se ofrecieron a hacer de teloneros en Valencia, hace ya tres años o así e hicimos un poco de amistad.

Yo paro mucho por Valencia ya que estaba grabando el disco y me pasé por allí y fue cuando supe y ví que Marc (Greenwood) era productor y que entendía de eso, porque no lo sabía, lo había visto tocando con La Habitación Roja pero no sabía que controlara de rollos de grabación, de mezclas, de producción… Y bueno, la banda de Sevilla estaba liada y quizá mi ritmo sea algo acelerado a veces, pues dije, voy a repartir trabajo por España.

Dices que tu ritmo es un poco acelerado, pero ¿cómo definirías la música que hacéis?

Definir la música es complicado, es más fácil que cada uno escuche el disco y saque su propia conclusión.

Hago música pop, no es muy complicada estructuralmente. No tiene muchos acordes, la música pop que llevo escuchando toda la vida. Empecé escuchando música en castellano, los grupos que molaban cuando yo era chaval, Los Ilegales, Gabinete Caligari, Aviador Dro, Radio Futura… Yo iba a conciertos, con 16 años fui al primero de Ilegales y Rosendo y me gustó hasta Rosendo, o sea que tuve claro que yo quería algún día subirme al escenario así y me considero afortunado por poder hacerlo.

Hablando del nuevo disco y que ya están saliéndote nuevas canciones, ¿en qué estado emocional se encuentran estas canciones?

Estas nuevas canciones van más de amor, ya que “Menos Samba” es un poco como el disco de la crisis.

No va todo el disco de eso pero si que todas las canciones relacionadas con el asunto y las nuevas son otra vez canciones de amor, es como “Ronroneando” pero con un poco más de guasa porque no es un disco de separación, es un disco de un descreído del tema.

¿Por qué etapas dirías que ha pasado la música de Señor Chinarro a lo largo de los veinte años de carrera?

Pues un montón de etapas. La de los colegas del pueblo, Morata y Franco, que no llegaron al primer disco porque me busqué a un batería que tocaba mejor y otro bajista. Luego entró Belmonte, que es otra época. Después la época en la que trabajaba yo sólo en casa y

que es un poco más desastrosa aunque finalmente creo que aquellos discos no están nada mal, corre cuanto antes o el ventrílocuo de sí mismo que desembocaron en la producción de Jota y un poco el hacer la música de Chinarro mas sencilla de escuchar. Y a raíz de esto la entrada de Jordi Gil y esa sería la última etapa. Ahora, que haya grabado “Menos Samba” en Valencia con otros músicos no quiere decir que se haya terminando esa etapa. De hecho, las canciones de “Menos Samba” que toquemos en directo las voy a tocar con los mismos músicos que he grabado los tres últimos discos. Y esta sería la última etapa, por así decirlo la profesionalización de Chinarro. Son cinco etapas, que para veinte años no son muchas.

¿Cuál dirías que es el secreto para permanecer en el mundo de la música tanto tiempo?

Pues no lo sé, mientras vaya algo de público, pues puedes seguir, cuando ya no vayan pues me dedicaré a otra cosa, aunque ya me va a pillar viejo así que espero que sigan yendo a los conciertos. ¿Consideras que hay algo que te quede todavía por hacer a estas alturas?

Bueno, he escrito una novela, igual ahora puedo pintar cuadros. Si lo hizo Lola Flores o Palomo Linares, ¿por qué no puedo hacerlo yo?

Y ya para terminar, nos gusta dar la oportunidad a las personas que entrevistamos para que digan lo que quieran, una llamada a la acción.

¿Una llamada a la acción? Me alegra que me hagáis esta proposición. Se dice que los hombres pensamos en sexo cada ocho segundos, yo creo que se quedan cortos. Además me consta que a las mujeres os pasa igual… Ya sabes, como es eso de la fama y la lana…

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BON IVER

UNA VISIÓN CELESTIAL Por Joaquín Ollero

Una visión celestial, una representación sobre las 10 canciones correspondientes al segundo álbum de Bon Iver, traduciendo cada sonido en imágenes y cada sentimiento en palabras.

El 17 de junio del 2011 vería oficialmente la luz el segundo trabajo del grupo americano de indie folk, Bon Iver, titulado “Bon Iver” y presidido por Justin Vernon, que ya nos dejó boquiabiertos en 2008 con su LP inaugural titulado “For Emma, Forever Ago”.

En esta segunda aproximación existencial sobre la música, el artista haría volar nuestra imaginación gracias a texturas inimaginables, gran cantidad de instrumentos puestos en funcionamiento; unidos todos ellos en un resultado espectacular, un trasfondo místico y profundo que desantrañar en cada una de las piezas musicales que conforman el tracklist. El año pasado se alzaría para muchos como mejor álbum musical y marcaría un antes y un después en la forma de representar valores mediante la música. Es imposible quedarse tan sólo con una canción, ya que todas forman parte de un todo, y el disco no tendría sentido si faltase una de esas 10 piezas. Cada una tiene un objetivo, algo que transmitir y el orden en el que están dispuestas es importante para entender el significado que existe tras la superficie.

El texto que viene a continuación no es más que una imagen de las infinitas que se pueden percibir al escuchar los 39 minutos y 25 segundos que dura esta abstracción de la realidad para visitar un universo mejor. Tras cientos de reproducciones del álbum, uno sigue descubriendo matices ocultos en un piano o en las voces, y es imposible que una historia no surja en tu mente, y este artículo es tan sólo la mejor traducción posible de ese pensamiento que nace y recorre un camino hasta llegar a su destino, como un río que ve la luz en lo alto de la montaña y viaja hasta llegar al mar.

Por último, me gustaría dedicar estas palabras a una persona muy especial, que sin ella y sin su forma de concebir la vida, no habría sido capaz de esbozar los secretos escondidos en cada canción. Es para ti, Ana.

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Bon Iver (2011) ~ Perth. / Esperanza.

Un hombre tendido sobre el suelo abre sus ojos…

Unos segundos transcurren sumidos en un silencio inmaculado hasta que por fin pestañea. Un atisbo de luz de un tímido sol le ciega. Lo único que percibe por el momento es un resplandor deslumbrante, el brillo que se siente cuando contemplas un ángel, sus alas, su profundidad. Por fin consigue adaptarse a la aparente claridad de un nuevo alba. Ese tipo de luminosidad que intima con tu sentido de ser, te abraza y durante un instante te sientes levitando.

- “¿Estoy en el cielo?”

Sus sentidos se acostumbran progresivamente a la atmósfera reinante. Su mirada puede contemplar una homogeneidad verde infinita correspondiente a un prado virgen y puro. Sus oídos escuchan el susurro del viento danzando en torno a él. Respira profundamente y consigue sentir una inyección de naturaleza que resucitaría hasta al ser más inerte.

Se sorprende acariciando el suave tacto de una hierba producto de la mejor intención posible. En su boca, tan sólo siente sed. Y en su corazón, esperanza.

~ Minnesota, WI. / Determinación.

Incrédulo y ensimismado por la situación, permanece desentrañando la inmensidad.

- “Estoy en el cielo.”

Con un propósito impensable se deshace de sus ataduras, se pone en pie y tras respirar pausadamente realiza la tarea más sencilla que jamás podía

llevar a cabo por sí mismo. Dar un paso en cualquier dirección. No importa… el destino le lleva de la mano. Comienza a caminar, sintiéndose llevado por una fuerza desconocida. Un paso, otro y el encadenamiento se transforma en gozo. El disfrute de andar, pero a la vez volar con la imaginación, se convierte en un placer inesperado y absoluto.

Y es sólo, y tras transcurrir una pequeña distancia, cuando se da cuenta y se detiene completamente.

Semblante serio, expresión serena, pensamientos celestiales. Al mismo tiempo, una brisa certera decide partir en su búsqueda para darle la bienvenida, y cuando consigue alcanzarlo lo acaricia con un cariño que inevitablemente recuerda a cuando sostienes por primera vez a un bebé en tus brazos.

El cosquilleo lo vence, y la primera sonrisa de su nueva existencia aparece en sus labios. Jamás podía imaginar algo así, un estremecimiento tan plácido, tan deleitoso… No consigue llegar a entenderlo, pero podía notar esa sensación que se traduce cuando ciertos impulsos toman las riendas de tus músculos y los hacen mover a pesar de tu propósito, y mientras se regocijaba de innumerables matices, continúa caminando con prodigiosa y portentosa determinación.

~ Holocene / Delicadeza.

- “Emma…”

La exposición directa de semejante belleza habló por él. No recuerda, no sabe por qué, pero esa palabra salió despedida de su aliento con una ternura incomprensible para las mentes mortales cuando de repente se encontró al borde de un escarpado acantilado. La necesidad de saber se apodera de su curiosidad y cientos de reflexiones inundan su pensamiento.

- “No merezco esto… Yo no era magnífico.”

Abstraído por sus dudas existenciales contempla un infinito horizonte. El cielo estaba teñido a pincel con colores melancólicos: azules de diferentes temperaturas, grises infinitos para decorar un mar de nubes y un cierto matiz más cálido. Más abajo las olas… y en contra de toda creencia, estallaban con sumo respeto contra las rocas bañadas durante incontables siglos, rozaban con apacibilidad una orilla de arena sin huellas. Millas y millas más allá, y a pesar de que donde la mirada de un hom-

bre no puede llegar como igualmente no puede alcanzar un alma encerrada por cadenas de acero, él pudo vislumbrar la manera en la que unos dorados, cálidos e impetuosos rayos de luz se mezclaban con todas las otras tonalidades; de una forma que una esencia no ha sentido tanta delicadeza.

~ Towers / Fuerza.

Entrañablemente el amanecer despuntaba segundo a segundo. El paso del tiempo, el correr de la cuarta dimensión era tan palpable que se convirtió en la segunda imagen más bella que tendría el lujo de contemplar. Lo sentía como un flujo firme, sin pausa pero sin prisa, un crecimiento constante hacia lo inconcebible. Y de repente, el universo se tomó 5 segundos de respiración para atenerse a un auge tan poderoso como el movimiento de las montañas.

Un ave con un aleteo majestuoso surcó el aire, como si la deidad a cargo del funcionamiento de esa firmeza invisible para la mirada, el viento, hubiese dado una orden directa a un leal súbdito para que pusiese en corriente todo su esplendor. Si se es capaz de concebir la imagen de la torre más alta y vigorosa que la teoría de las ideas permita, entonces se estará en el camino adecuado para percibir semejante fortaleza. Y al mismo tiempo que el coraje y la energía de esa ilustración llegaron hasta lo más profundo de ese hombre que se encontraba completamente absorto, esa criatura desaparecía de la vista. No sin antes, y cómo si se tratase de una descarga eléctrica con objetivo sus terminaciones nerviosas, hacer que una poderosa y vigorosa parte de su sentido fuese volando hasta su alma con una descomunal fuerza.

~ Michicant / Ilusión.

- “Era un niño. No tenía miedo.” – recordó.

Creció, viajó, exploró en la identidad de los nombres, indagó en la esencia aparentemente invisible pero existente de todas las cosas, aún así jamás pudo encontrar nada más simple y complejo al mismo tiempo, más puro que el amor; un sentimiento que no conoce límites ni fronteras, una llama tan incandescente que sobreviviría a un frío que proviene del infierno de hielo, un frío que jamás se haya podido sentir.

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En este paraje solitario en el que ahora mismo se encuentra, y como surgida de la nada, pero a la vez producto de un plan elaborado por centenares de engranajes, la chispa más insignificante estalló en su interior. Correspondía a un recuerdo vivido vidas atrás, tan potente que había traspasado las puertas de las dimensiones, recorrido los puentes que enlazan los diferentes planos de la existencia para llegar en ese preciso momento y en ese preciso lugar a su corazón. Era una reminiscencia de un abrazo recibido y dado en una balanza perfectamente equilibrada. Caluroso, reconfortante, cuando todos tus sentidos son testigos del momento vivido y del tiempo y del espacio para morir, si fuese necesario, en ese momento. Y tal y como si su cuerpo estuviera fabricado del material más inflamable posible se produciría una diminuta supernova que inundaría todos sus rincones, y con equivalente energía reanudaría su viaje sumergido en la hoguera de la ilusión.

~ Hinnom, TX / Evocación.

- “¿Será ésto producto de mi imaginación? ¿Existirá esa otra persona que me complementa de tal manera como si yo fuese raíz y ella fuese tierra fértil?”

El transcurso del día no se detenía y en los instantes de esa reflexión el delicado atardecer hacía acto de presencia, haciéndole recordar un crepúsculo de verano en aquel faro abandonado. Una paz solar acariciaba sus contornos, así como ellos se rozaban con eléctrico resultado.

- “Emma, todo este mundo que contemplamos en este momento, lo siento levitar. Me adivino en caída libre si tu mano no recoge la mía. Tú rediriges la luz hacia mis ojos, alojas el calor en mí y el infinito puzzle que conforman todos los elementos, lo resuelves y lo asientas. Yo, como persona, que piensa y siente, tengo sentido gracias a ti.”

De vuelta a la realidad, el impacto que había resultado esa estampa lo derrumbó sin remedio, y de rodillas en el suelo, un sutil brillo denotaba la existencia de unas lágrimas naciendo en su mirada. Tal acto se encargó de asegurarle que todo aquello que recordaba había sido real y los innumerables detalles de aquella escena se convirtieron en los encargados de adornar dicha evocación.

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~ Wash. / Superación.

Desde esponjosas nubes suspendidas en el cielo, unas gotas de agua comenzaron a descender progresivamente sobre la tierra. En primer lugar sólo cayeron las más valientes y atrevidas, provocando que inmediatamente las demás se animaran a hacerlo. El paisaje estaba conformado por ciertos árboles que parecían plantados al azar, elevaciones y descensos de un terreno desigual. Interminables motas brillantes, como si se tratasen de luciérnagas en mitad de la noche, reflejaban el lugar descansando en las hojas, los troncos, y en cada tallo.

Se levantó de la ya húmeda hierba y dijo en voz alta:

- “Estas lágrimas que lloran desde el firmamento, estas pequeñas esferas de agua que tienen por sino precipitarse vertiginosamente hasta encontrar donde posarse, me muestran que debo escalar, ascender a la infinita altura de mi capacidad. Estoy solo, y será gracias a mi afán y mi propósito que consiga hallar mi camino y recorrerlo, sin importar el fin.”

Cuando el pelo mojado se adhería a su cara y se sentía calado hasta los huesos, vislumbró un pequeño claro en mitad de la arboleda en la que se había adentrado. A pesar de la situación se dio cuenta de que el ejercicio de vivir consiste en un continuo acto de evolución, tanto mental como físico, un progreso sin descanso, con un principio y un desenlace. Es una persistente conducta de superación.

~ Calgary / Etéreo.

Como cada día la oscuridad le ganaba la batalla a la luz. El resultado siempre era el mismo: las sombras se colaban en cada rincón y teñían cada partícula de negro. Y como reina de la noche, La Luna desde su trono estelar contemplaba el silencio y la calma de un bosque en penumbra. Tan presumida y orgullosa de su puesto, pero envidiosa de un planeta inmensamente más fructífero, una copia de ella aparecía en un lago hirviendo por la lluvia. Y esa fue la más inmediata imagen que vio él. Una completa alfombra blanca refulgente suspendida en las aguas. Al instante se dio cuenta de otra fuente luminosa que guerreaba a más bella con el

resplandor de Selene. Se trataba de una luz dorada saliente de las ventanas de una pequeña casa construida con madera y piedra que se situaba al otro lado del lago.

Sin más dilación se acercó a la orilla y vio un insignificante embarcadero con una quebradiza barca de madera anudada a uno de los postes.

- “Tengo que hacerlo.”

Montarse en la balsa y comenzar a remar fueron un solo movimiento. La laguna era demasiado ancha como para bordearla a pie, y descubrir sus secretos atravesándola sería una empresa mucho más rápida. En el momento que la mitad de la aventura había transcurrido, una espectacular tormenta se desató en la zona. Primero se veían los rayos, y después se escuchaban los truenos. El agua comenzaba a agitarse con fuerza y surgieron unas pequeñas olas que ondeaban con prominencia a la embarcación. Con determinación, fuerza, ilusión e intención de superación, estabilizó el equilibro y continuó avanzando sin cesar y con esfuerzo y dedicación conseguiría alcanzar la deseada orilla, sintiéndose haber pasado por un ambiente etéreo.

~ Lisbon, OH / Sutileza.

Caminar sobre tierra firme de nuevo, alzar la cabeza y maravillarse con innumerables estrellas brillando en el firmamento. Parecía que se comunicaban entre ellas con sus reflejos, hablaban y cuchicheaban sobre satélites y sobre dónde estaría el fin del universo. ¿Tendría fin acaso? Y entre ellas, un errante cometa con una larga cola ardiente volando hacia un destino desconocido. Al mismo tiempo, cerrar los párpados y sentir el ímpetu de dicha composición estelar en el interior del cuerpo, un súbito fuego recorriendo las venas, un profundo deseo tan sólo pronunciado por un prácticamente imperceptible movimiento de sus labios y un objetivo: aquella cabaña.

Mientras se aproximaba a la entrada de la misma, temblaba, aunque nunca se supo si era a causa del frío o por el nerviosismo; aunque como todo, sería una mezcla de ambas cosas: una escala de grises entre el blanco y el negro, entre los extremos. Finalmente, se detiene ante la puerta y llena los pulmones de un aire húmedo y fresco y lo expulsa con decisión para empujar el portón de madera de roble con suma sutileza.

~ Beth/Rest / Pasión.

El ambiente que se notaba en el interior de la habitación estaba dominado por una chimenea llameante, produciendo confort al tan sólo contemplarla y estremecimiento al sentirla. Y en mitad de la estancia, una figura en pie. Un vestido de luz de estrellas ocultaba un esbelto cuerpo femenino. El pelo lacio caía sobre sus hombros, su sonrisa destruía toda tristeza imaginable y su mirada llegaba hasta los confines del entendimiento.

Esa sería la imagen más preciosa que jamás contemplaría, la idea belleza en su representación más fidedigna, la hermosura de un ángel.

Emma se abalanzó sobre aquel cuerpo completamente paralizado y se fundieron en un abrazo sincero, en un contacto tan penetrante que sus almas también consiguieron unirse. El olor que se desprendía de la piel de ella era un aroma dulce que conseguía transportarle a un mundo de sueños, y así quedó absorto, rodeando su cintura y su espalda con sus brazos, con la exacta intensidad para hacerla levitar, hasta que un susurro le devolvió a la realidad: - “Sabía que vendrías. Estás aquí, estoy aquí.”

Se separaron lentamente y en sus miradas pudieron comprobar el mismo grado de suavidad y ternura. Eran ellos, las mismas mentes que se amaron en otra dimensión, los mismos corazones que se hicieron uno; y podían notarlo en lo más hondo, de tal manera que él devolvió el roce de su voz.

- “Encontramos lo que quedó huérfano, cariño. Ya no viviremos en la oscuridad jamás, por el amor que sentimos, que carece de definición racional, por la luz que irradiamos cuando estamos juntos, porque desafiamos todas las Leyes de la Naturaleza y viajamos del vacío hasta otro universo con nuestro deseo…

Esto somos nosotros.”

Entonces el silencio invadió por un momento el espacio y sus labios se juntaron con sutilidad y exquisitez y así permanecerían unidos durante toda la eternidad, sumidos en la más pura pasión.

~Fin.

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OPINIÓN Por Maje M.S.

Lo primero que me vino a la cabeza cuando me planteé escribir algo sobre música fue definir qué es para mí eso de “la música”. Pensemos…

Tiene que estremecerme. Cada acorde que componga la melodía que está viajando en forma de ondas sonora hasta mis oídos ha de acariciar mis sentidos y terminaciones nerviosas. No siempre es el mismo escalofrío. A veces es una sensación cálida, otras es áspera.

Hay canciones que me paralizan en la cama, que requieren una escucha pausada, que detienen el mundo dentro de las cuatro paredes que me rodean, mientras el resto del planeta continúa a su intensa velocidad (esto me ocurre, por ejemplo, con el “Canon” de Pachelbel).

Algunas son dignas de ser deleitadas con calma, recreándose en la armonía letra-ritmo, profundizando y sintiendo cada palabra como si contasen tu propia historia. Otras, orquestadas con más percusión agitan todo mi cuerpo, desde los pies hasta la última raíz del pelo, pasando por las caderas. Las hay que son para bailar sensualmente en compañía.

Y en medio de tanta sensación y sonoridad, existen diferentes ritmos, variados estilos, cada uno con su, digamos, público. La mayoría de las veces ser “consumidor” de uno u otro implica pertenecer a un grupo, entrar en el saco de X etiqueta (heavy, rapero, moderno… ). Incluso puede (y suele) ir acompañado de una determinada vestimenta. Implica

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la pertenencia al grupo, la aceptación de esas normas de estilo, de comportamiento… Seguir indagando en esto supondría entrar por derroteros socio-psicológicos. Volvamos al camino musical.

Hablábamos del ritmo. Lento. Más rápido. Binario, terciario, a cuatro tiempos.

Con instrumentos de cuerda, viento, percusión, una o más voces… Las posibilidades que se plantean son casi infinitas. ¿Por qué conformarse entonces con uno o dos géneros musicales a lo sumo?

Una amiga, muy indie ella (ay, ¡otra vez las etiquetas!) me decía una vez que no sabía qué hacer conmigo. ¿El motivo?

La pobre descubrió que soy capaz de estar escuchando la banda sonora de, pongamos, “El Rey León”, y pasar inmediatamente después a lo último de, por ejemplo, La Habitación Roja. Variopinto, raro, hortera… Yo misma denomino mi gusto musical de mil maneras.

No me gusta poner barreras a la cultura.

Gracias a Internet tenemos todos al alcance de un clic acceso a una capacidad infinita (o casi) de selección musical. ¿De qué sirve tener las miras cerradas?

Si puede ser igual de excitante bailar con alguien “Cry to me” (Solomon Burke, de la banda sonora de Dirty Dancing, para los despistados), “Crazy” (Aerosmith) o “Dile al amor” (Aventura), ¿por qué limitar las posibilidades de vivir algo así poniendo topes a la música?

I N D I E Q U E TA S ¿Tienes una banda?

Entonces estás en la sección adecuada. En este espacio tratamos de ayudar a esos grupos musicales que están comenzando y quieren darse a conocer, quieren que la música que han creado con tanta pasión sea escuchada por la mayor cantidad de personas posible.

¿Cuáles serán promocionadas?¿Qué sacan de beneficio las bandas?

Una vez que escuchemos en la redacción los discos autoproducidos/maquetas/EPs que recibamos en nuestro correo, elegiremos las que más nos gusten y serán promocionadas mediante una pequeña review que será publicada en la web, como también en nuestra cuenta de twitter y Facebook de la revista. En esta review hablaremos sobre la banda y la maqueta. Además las 5 mejores maquetas de cada mes saldrán en la revista del PDF mensual en su sección correspondiente.

El estilo musical nos es indiferente, aunque debería encajar dentro de los estilos que solemos hablar en la revista: indie, rock, rock alternativo, post-rock, shoegaze, indietronica, dreampop, psicodélica,..etc

¿Qué es necesario?

Tener un disco autoproducido/EP/Maqueta. Mínimo 2 canciones.

Tener vuestro trabajo colgado en Soundcloud o Bandcamp No tener sello discográfico

¡Envíanos vuestro trabajo!

Las demos/maquetas/EPs nos las tenéis que enviar a esta dirección de correo: indiequetas@indiefermag.com

Marzo 2012 INDIEFERENCIA MAGAZINE 33

I N D I E Q U E T A SMARZO REIKIAVIK / I N S TA N T E S Por Jesús Daniel Marín

Reikiavik es la capital de Islandia. Una pequeña isla que ha adquirido especial fama por un volcán y por los santos huevos de sus ciudadanos para plantar cara al sistema establecido y salir de una crisis que les dirigía hacía el abismo. Reikiavik es también el nombre de unos chavales madrileños que se han convertido en mi personal tabla de salvación. Cuando pensaba que jamás podría volver a encontrar ese sonido que me ha tenido enganchado durante toda mi adolescencia e intento de madurez a las melodías de los hermanos Gallagher, aparecen ellos y me lo regalan. En español, para complicar aún más la cosa. “Instantes” es la maqueta que nos han hecho llegar hasta nuestra revista y que personalmente, me tiene ganado. Con un sonido limpio de guitarras, claras y definidas, no suena para nada a una maqueta. Hay muchos (insisto, muchos) grupos de “nivel” en el panorama nacional que ya quisieran sonar así.

Suena a grupo compacto, a cosas muy bien hechas y muy ensayadas y a unas referencias que está claro que me gustan a mí tanto o más que a ellos. Espero que me perdonéis, pero voy

a llevarme esto a lo personal y a decir que cuando escuché los primeros acordes de “Bajo Cero” y hasta que arrancó la voz, tenía los pelos de punta. Y los primeros versos lo terminaron de rematar. Esa forma de cantar, arrastrando las letras, rascando en la garganta lo justo para que suene a rock and roll… Joder, una puta rock and roll star. Y yo también quiero serlo. Abandonando de nuevo lo personal, cinco son los temas que componen “Instantes”.

Al tema ya mencionando anteriormente, se suman la muy británica “El Gran Perdedor” seguida de una exquisita casi balada que lleva por nombre “Habitación de Juegos” y donde demuestran la calidad instrumental que atesoran estos chavales. “Salto Mortal” es la canción que podría aglutinar todo lo que debe llevar una canción que quiera sonar a rock británico. Suena a Oasis, The Jam, The Who… Una perfecta mezcla que augura un gran futuro para estos chicos que cierran su maqueta con “Sombras”, mucho más pausada que el resto de los temas. En definitiva y en pocas palabras, sonido brit al 100%, con producción española y unas ganas de comerse el mundo impresionantes. Si estos chicos encontrasen un golpe de suerte, estoy seguro que llegarían muy lejos. De momento y a base de trabajar seguro que ya somos unos cuantos los que nos acordamos de su nombre.

Dónde escucharlos / www.Somosreikiavik.com

Sideburns Vanity /

Cuidado, unos golfos andan sueltos. De nombre patillero, con actudid chulesca y con un sonido muy fresco y adecuado a los grupos del momento.

Según ellos mismos, las influencias musicales que tienen son muchas, cada componente de la banda aporta algo distinto al sonido de Sideburns: rock, eléctrónica, blues, funk; canciones furiosamente rápidas y temas electrónicos más lentos, aunque el estilo predominante es el rock, cercano a grupos como Strokes, Editors , Kings of Leon o The Black Keys.

Y nosotros suscribimos sus palabras. Para este EP 2012 han

Por Jesús Daniel Marín

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EP 2012

contado con Brian Hunt a la hora de grabarlo quien ha conseguido que, además del buen hacer del grupo, ha dotado de un sonido compacto a las canciones. Especialmente recomendable es la escucha de “Congratulations” que nos recuerda a unos Libertines en plena forma o la mas oscura “The only One”, con reminiscencias claras de Editors, sobretodo en la voz. Las influencias de Strokes se marcan más en los dos primeros temas del EP, la mordaz “Little Spanish Posh” y “Somebody”. Guitarras afiladas y coros que podrían pertenecer a cualquier maqueta de los de Casablancas y compañía. Por supuesto que han llamado también nuestra atención y por eso queremos compartirlos con vosotros. Porque si Loewe puede decir “arriba las pestañas” nosotros podemos decir “que vivan las patillas”.

* Dónde escucharlos / myspace.com/ Sideburnsvanity

Glaciar / Como Ayer EP

No os dejéis engañar por el nombre de esta banda. Porque son de todo menos fríos. Estos malagueños saben lo que se hacen. Un pop luminoso, con toques de power-pop y guiños a grupos como La Habitación Roja en ciertos sonidos de guitarra. Nos presentan “Como ayer”, un EP que han llevado ya de la mano casi durante un año. Partiendo de la base de las influencias de sus componentes, que destacan por su heterogeneidad, ya que van desde el heavy metal al power pop pasando por la música clá-

Por Jesús Daniel Marín

Unidimensional / Time Travel Experiencies

ambicioso que gustará tanto a seguidores de grupos como Mogwai o Explosions In The Sky como a los fans de los Gorillaz más tranquilos, con ese toque folk que a veces impregna sus canciones, apoyadas en colchones de guitarras acústicas.

Eso sí, os pedimos que no os asustéis por la forma en la que empieza el EP. Dadle una oportunidad a “The Hawaiian Tridimensional Experiment” y seguid escuchándolo, porque descubriréis autenticas maravillas y locuras que se pueden hacer con combinaciones asombrosas de sonidos. Especialmente recomendable es “Reboot Now”, que explota a través de los altavoces con una fuerza eléctrica. Desde luego, el nombre no le hace justicia a la cantidad de capas de sonido que es capaz de aglutinar en una sola canción Ismael Gonzalez, más conocido como Unidimensional.

* Dónde escucharlos / www.Unidimensional.es

Dear Prudence / Prelude

Una guitarra melancólica y paciente me hipnotiza para dar paso a una poderosa batería con sobredosis de toms. Me encanta. Su nombre es “Kay” y es el segundo tema de Dear Prudence, una banda formada por cinco barceloneses – o al menos eso pone sobre el papel- que, por el movimiento que se ve en su página de Facebook, parecen estar conquistando poco a poco la escena independiente de la Ciudad Condal. “Sus temas evocan himnos generacionales que nos trasportan a la época en la que los monos iban al cielo y se pescaban bebés en piscinas con billetes de un dólar como anzuelo”. Así se autodenominan en su nota de presentación. Y lo cierto es que hay tanto de grunge, como de rock psicodélico en su trabajo. “I Wish” y “Digging” llevan la herencia de Nirvana, puro grunge que nos transporta a los 90: ganas me daa de volver a romper los

Por Alejandra Otero

sica o las bandas sonoras de película: en estas cuatro canciones hay elementos que podrían pertenecer a cualquier banda de primera línea nacional. “La Era Glaciar” empieza poderosa con guitarrazos, aperitivo perfecto para seguir escuchando más. Le sigue la algo más británica “Tres Siameses”, con giros que podrían hacernos pensar en unos Beatles actuales, con esos acordes clásicos y el aderezo de las trompetas. En “Ruido” nos dan un nuevo significado de esa palabra y cierran el EP con la epicidad implícita de “Y Desperté”.

Tendremos un ojo puesto sobre ellos, pues creemos que, como ya hemos dicho antes, podrían seguir una estela musical similar a La Habitación Roja, con un puntito más de alegría en sus letras.

* Dónde escucharlos / Glaciarband.bandcamp.com

Bienvenidos al futuro. A un lugar no muy lejano donde confluyen los estilos musicales de la mano de multi-instrumentalistas que a lo Juan Palomo se graban un disco con 5 temas que no dejan indiferente a nadie. Unidimensional es el proyecto personal de Ismael Gonzalez, que se encarga del proceso de creación de las canciones, así como de la producción y del control total del proceso, algo para lo que hay que ponerle mucho valor. “Time Travel Experiences” es su primer EP, una colección de 5 singles totalmente diferentes entre sí que suenan a rock, a experimental, a kraut, a electrónica… Un proyecto muy

Por Jesús Daniel Marín

MARZO INDIEQUETAS

vaqueros y ponerme camisas de franela tres tallas más grandes. Pero decir que Dear Prudence es una banda grunge es quedarse demasiado corto. Para empezar, veo mucho ácido sesentero en sus temas de ese que se vendía en los puestos de la playa y que Jim Morrison ingería en cantidades industriales. De hecho, en el tramo final de “I Wish” el órgano me recuerda a Ray Manzarek moviendo rítmicamente su cabeza.

Siguiendo con las comparaciones, la batería que me ha enamorado me recuerda irremediablemente a la de “Kingcrawler” de Miles Kane, que a su vez llegó con exceso beatleliano con su primer álbum en solitario. Y hablando de The Beatles…

Por cierto, ¿no os los he presentado?, perdonad mi pésima educación: Dear Prudence son Dedé Camprubí (bajo), Anna Castañé (teclados y coros), Ik Miranda (guitarra solista), Jotaeme Balibrea “Bali” (batería) y Carolina Delgado (guitarra rítmica y voz principal) y derrochan mucha, mucha, calidad.

Hay ganas de más.

* Dónde escucharlos / Dearprudence.bandcamp.com Marzo 2012 INDIEFERENCIA MAGAZINE 35

INTERNACIONAL Ico Top: Febrero

The Shins / Port Of Morrow

La banda de Alburquerque (Nuevo México) The Shins no sólo firma su mejor trabajo hasta la fecha, sino que “Port Of Morrow” es, desde ya, el mejor álbum de Travis. Sí, Travis, esa banda británica (injustamente) encasillada en el brit pop, tan exitosa como, a veces, talentosa y de la que poco, o nada, se sabe hoy en día. Fran Healy, por tanto, se tiene que estar dando calamonazos contra la pared intentando descubrir cómo The Shins, al revés que su propia banda, han tenido un ascenso creativo tan grande que ha derivado en esta joya; cómo han encontrado la fórmula perfecta que ha acabado siendo el equilibrio ideal entre el pop más sencillo y el single sin llegar a empalagar. Todo lo contrario, este disco no cansa, engancha.

La adicción que crea es tan satisfactoria que a cada escucha le encuentras cosas nuevas. De esos discos en los que varías tu elección de “canción preferida” con cada nuevo intento. Una a una, el álbum no tiene desperdicio, pues las diez canciones son buenas en lo suyo. Qué im-

Por Quique Gómez

portante es eso, coño. Aquí no encontraréis un single como “Australia” o, siguiendo con la analogía, “Sing“, “Why Does It Always Rain On Me” o “Turn“. En cambio, la eficaz y trotona “The Rifle’s Spiral” que abre el lote nos allana el camino para esa genialidad titulada “Simple Song“. Balada importante la siguiente “It’s Only Life“, la cual te dan ganas de coger a James Mercer y darle un abrazo. Healy continúa llorando desde que la escuchó por primera vez.

Algo más de ritmo en “Bait And Switch” y “No Way Down“, donde, en medio, se ha colado esa otra preciosidad, “September“. A base del truco una-lenta-una-menos-lenta se suceden temazos como los del tramo final. “Fall Of ’82“, “40 Mark Strasse” y esa última maravilla que da título al álbum y hace de perfecta despedida.

Un álbum que a buen seguro entrará en las quinielas de muchos a finales de año. No tiene ningún pero. Consagración definitiva.

The Men / Open Your Heart

Poco han tardado los brutos The Men en mover ficha cuando los citábamos en Enero con la llegada del mastodóntico “Attack On Memory” de Cloud Nothings y que suponía una más que seria amenaza a su reinado. Un reinado que, de hecho, lo perdieron pero que no van a entregar tan fácilmente. Open Your Heart no continúa, ni por asomo, donde lo dejaron con “Leave Home” (2011) ya que ahora, la crudeza post la han domesticado en salvajismo punk.

Sí, volvemos a mencionar a Fucked Up, pero ahora de forma descarada (esos coros femeninos en “Animal“); y a Les Savy Fav en los paisajes sonoros (“Oscillation“); y a Pissed Jeans en lo hardcore (“Cube“). No es decepción, ni mucho menos, es un cambio de registro que no esperábamos, como si, antes de cagarla intentando algo imposible para superarse, se bajasen a conciencia un peldaño para situarse en otro que dominan de forma sorprendente. Ese es el verdadero mérito que supone esta nueva alegría de los neoyorquinos. Y es que ese escalón en el que han decidido colocarse está compuesto de más estilos. Como si fuese intencionado, la canción que da título al disco bien podría formar parte de algún disco de Sonic Youth de finales de los ’80; “Candy” es tan lo-fi que parecen Thee Oh Sees; y si te dicen que “Presence” es un subidón psicodélico de Spiritualized te lo crees. Cierra el disco una perla llamada “Ex-Dreams” que hay que convertirla en single a la de ya, como posible candidata a abanderar el rock sónico que se hace hoy en día.

Son tan buenos que, siendo tan fácil cagarla con tanto nombre importante de referencia, han conseguido hacer un discón. Más mérito todavía. Un disco tan soberbio como ambicioso.

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Ico Top: Febrero

Andrew Bird /

Break It Yourself

Qué tío este Andrew Bird. Quien no lo tenga en el pedestal de los grandes genios actuales del pop-folk ya está tardando. Este hombre está a la altura de los Sufjan Stevens, Bill Callahan, Devendra Banhart o M. Ward, por citar algunos. Genios contemporáneos de música fácil de escuchar pero difícil de hacer. El autor de “Armchair Apocrypha” (2007) tiene otro disco a la altura, pasando por encima incluso del exitoso “Noble Beast” (2009). Llama la atención, además, que este disco surgió sin la idea de grabar material nuevo. Es tanta la creatividad del de Chicago que, como dice él mismo, simplemente le dio al REC sin ninguna pretensión, sin ningún plan. Surge entonces un disco casi por casualidad, más íntimo y personal, pero que demuestra más que nunca de qué pasta está hecho. En “Break It Yourself” incluso silba.

Grabado en un granero en las afueras de Illinois (verídico) el álbum desprende insultante calidez y cercanía. Ya los arreglos van a posteriori, como el violín de la tremenda “Orpheo Looks Back“; los banjo, teclado y campanitas de “Near Death Experience Experience“; o la eléctrica en “Eyeoneye“. Grande no, lo siguiente.

Julia Holter / Ekstasis

¿Querer ser realmente original, o copiar un poquito de todo lo que me gusta? ¿Intentar ser mística por la vida, o serlo de corazón? ¿Personalidad o pose? ¿Se preguntará Julia Holter esas mismas preguntas? Pues visto desde fuera, las respuestas son sí a todo. Sí, ¿a que es original la jodía?, pero copia (disimuladamente) en su discurso etéreo y volátil a nombres importantes ya en la escena (Joanna Newsom, Kate Bush). Música intensa que cuando la empiezas a acariciar se esfuma como el vapor. Un perfume de olor nuevo, una fragancia que ni te suena pero resulta acogedora.

Sí a la mística forzada, al personaje delicado entre la bruma del bosque, al cuento de hadas al que nos va a mandar directamente con su disco. Para conseguirlo se lo tiene que creer de verdad. Sí a esa pose, ese rol, esa estrategia comercial (no me jodas) que de tanto creérselo la convierte, precisamente en eso, en estrella. A esto se le llama personalidad precisamente, ¿o no? Otra cosa es la respuesta del oyente. Que le pregunten a Lana Del Rey.

“Ekstasis”, el segundo disco de esta joven angelina, tras muchos CD-R autoeditados y el prometedor “Tragedy” (2011), no va a dejar indieferente a nadie. Eso seguro.

The Wedding Present / Valentina

Uno de los grupos más “americanos” de las islas británicas y el grupo que más rápido toca de la historia del pop-rock. Son dos de las frases más repetidas cada vez que se habla de The Wedding Present, la banda de Leeds de David Gedge. Y sólo de Gedge, porque de tanto cambio de formación, el único que no se mueve es él. En “Valentina”, su octavo álbum, vuelve el batería de antaño, Graeme Ramsay (ahora guitarrista) y abandona la mítica bajista (Terry de Castro) a mitad de grabación, presente aún en varios coros. Otro que falta es Steve Albini en la producción, y viendo el resultado, no lo vamos a echar nada de menos, en parte porque este disco supera en todo al anterior “El Rey” (2008). Al magistral “Take Fountain” (2005), eso sí, no se le acerca. Y de los ’90 para atrás no hablamos.

Todo este rollo previo para acabar diciendo que, el hecho de haber sido “Valentina” compuesto en su práctica totalidad por su inquieto líder, lo hace más homogéneo de lo que eran los anteriores, donde el todo-vale era la regla principal. Eso en la forma. En el contenido, pocos cambios: guitarras a toda hostia, crujiendo entre lamentos, y mucho estilo en las voces y coros; nada de baladas (la última, la joya del lote, ni siquiera lo es aunque lo pueda parecer), aquí todo es rock (rápido, o más rápido). Superado el pequeño bache de hace cuatro años, The Wedding Present están arriba, sitio del que no deberían bajar jamás. Esperemos que, ahora en forma de nuevo, no vuelvan a tardar tanto en volver.

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NACIONAL Ico Top: Febrero

Qué grande es el pop. A ver cómo lo explico… Distinguimos géneros musicales, distinguimos instrumentos, voces e idiomas. Nos toca España (qué suerte, dios) y la única verdadera diferencia en ésto debería ser precisamente la procedencia: música estatal o música de fuera. Hablamos de discos hechos aquí, por gente de aquí, de entre nuestras fronteras. Bien, pues ahora viene lo bonito, y es que el hecho de que haya “canteras” según qué zonas me parece que es lo que realmente nos da identidad (podemos derivarlo a la política, pero creo que no es plan), como si de dialectos (o idiomas) hablásemos. Esto ocurre de forma tremendamente marcada en el hip-hop y sus tres grandes núcleos (Sevilla, Zaragoza y Alcorcón) y si intentamos hacer lo mismo con el país del que consumimos absolutamente TODO, sinceramente, no podemos porque no vivimos allí. ¿Qué sé yo de la jerga que usan en Denver, las mofas de Seattle o los insultos de Arizona?

Pues eso. En el pop-rock (y por extensión, el indie) pasa lo mismo. Canteras como la nova cançó, la rumba (catalana y andaluza), los de la movida madrileña, el indie granadino y muchas otras no menos importantes, como la que nos ocupa, el rock de Albacete. Vamos al

Por Quique Gómez

grano: Surfin’ Bichos es una de las bandas más importantes que ha dado nuestro país en el siglo pasado.

Sus dos cabezas pensantes eran Fernando Alfaro (…

Y Los Alienistas, Chucho) y este tal Joaquín Pascual (Mercromina, otro de los grandes de siempre), que al separarse nos regalaron por separado discografías fundamentales para el pop patrio. Su segundo disco en solitario (ilustrado por otro “rockero” albaceteño como es Joaquín Reyes) es algo muy tranquilo que se disfruta con calma y relajadamente. Supera en todo al debut como solista y lo acerca enormemente a Nacho Vegas, porque como el asturiano, es capaz de llenar las canciones con letras imposibles o, si no es suficiente, con instrumentación de lo más estilosa posible (“Hotel Romántico” es una obra de arte, que, aunque le cueste acabar, desgraciadamente lo hace). La voz es la protagonista (en “La Protagonista“, por ejemplo) pero también hay instrumentos, tanto de rock como de clásica.

Y así a lo largo de diez perlas donde cabe de todo, incluso interludios acústicos (“Señor Señor“).

Más en pelotas que en Mercromina, más emocional, pero con la misma intensidad. Menuda lección nos ha dado a todos. Grande Joaco.

Sr. Chinarro / ¡Menos Samba!

Antonio Luque, alias Sr. Chinarro, va a piñón. Casi sin tiempo para digerir lo que supuso su acercamiento al pop más, digamos, normal (o por lo menos, mejor producido) con “Presidente” (2011), va el amigo y retoma el ritmo compositivo con un disco de veinte canciones.

Casi nada. Con éste, su disco número trece, demuestra la habilidad de mezclar la época más actual y sopesada que lleva viviendo desde el año pasado con esa urgencia creativa que sufría tiempo atrás. El bofetón imaginativo te lo da sólo con las cinco primeras, donde pasa, en un abrir y cerrar de ojos, de la ironía al contagio más simple, de lo tradicional a lo arriesgado, del español al, ejem, inglés. Todo suena espontáneo, sí, pero hay una producción importante y no reconocida detrás en estos dieciocho descartes (más una versión, la última, de “La Arenga De Los Sindicatos Futuristas” de Aviador Dro) de la época entre 2008 y 2011, porque los descartes, en su caso, se miden por época más que por discos. Se haría imposible seguirle la pista de otra manera…

Parece mentira que tan buen puñado de canciones (injustamente descartadas en su día, según el propio Luque) compongan el álbum más cercano a la vez que descarado de su carrera. Con el anterior se atrevía ya a todo; con éste se ha soltado la melena. Cada nueva época de Sr. Chinarro es motivo de celebración.

38 INDIEFERENCIA MAGAZINE Marzo 2012

Lidia Damunt / Vigila El Fuego

Ico Top: Febrero

El buen rollo que da la noticia de un nuevo disco de alguien que esperas se convierte en nerviosismo por si estará o no a la altura. Ese temor es muy traicionero (puto hype) porque, o bien el disco es peor y decepciona, o bien es peor y ni te enteras por el amor que sientes, o bien es tan bueno como el anterior. Cuando salió “En El Cementerio Peligroso” (2009) no fui capaz de reconocer que era inferior al sobresaliente debut “En La Isla De Las Bufandas” (2008). Ahora, en cambio, sí sé que este “Vigila El Fuego” está a la altura (o lo supera).

Cuando parece que hay uniones creativas que no pegan ni con cola, llega la cantautora y se asocia con Hidrogenesse (en serio) para demostrar que los estilos musicales no tienen nada que ver con el discurso pretendido. En este caso, y esperemos que en muchos otros de aquí en adelante, sólo se enriquece. La guitarra-harmónica-pandereta que se gasta la murciana sigue presente aquí, por supuesto, pero con alguna que otra capa más. Por tanto, los teclados de Genís y los coros y palmas de Ballesteros agrandandan el mismo concepto pero haciéndolo más bello.

Esperemos que Lidia Damunt tenga el éxito que se merece, y que esas locas y ya no tan pequeñas canciones folk sigan nutriéndose de más influencias. Con tal de seguir contagiándonos con su encanto, todo debería valer. Diamante en bruto. Promoción ya.

Niños Mutantes / Náufragos

Lo que podría ser la última canción de cualquiera de los otros siete discos, aquí en Náufragos es la primera: la preciosa “La Puerta“, gracias a esa acústica, abre un disco de forma reivindicativa pero pausada. Declaración de intenciones. Han madurado. Ya llegarán los singles.

Poco queda ya de ese sonido que los vio crecer (“Veneno Polen“) y mucho menos del que los vio nacer (“Mama Baker”), el guitarreo es menos duro y las influencias ya no se llaman Pixies o Pavement. Pero ni mucho menos eso son malas noticias, porque ahora suenan trompetas (“El Miedo“), uh-uuuhs de fondo (“Empezar De Cero“), teclados (“Querer Sin Querer“, “Volverás“), etc… Mucho más nutrido, mucho más completo, este disco demuestra una madurez muy parecida a la de La Habitación Roja, del que hablamos justo el mes pasado.

Bueno, los singles, que son su fuerte, claro. Los hay, y muy buenos, como lo que viene después de esa tranquila intro (“Hundir La Flota“), que además es carne de festival (ese coro), o el riff de “Caerán Los Bancos” (y su letra), que va a volver groupie a más de uno. El disco acaba con otro temón, “Muerte De Un Ampli“, y ahonda en esa idea de disco al revés que decíamos en la primera frase. Pero sí, es verdad, si hay que quedarse con una sola canción, esa es la que da nombre al disco. Vaya estribillo, qué calidad.

Aries / La Magia Bruta

Las hermanas Fernández Reviriego protagonizan la sorpresa agradable de lo que va de año. Un disco, “La Magia Bruta”, ideal para los atardeceres de verano en la playa, un disco dulce y de fácil acceso pero con detalles realmente sorprendentes. Aries lo componen las viguesas Isabel y Virginia, arropadas en la producción por Santi García en la mayoría de los casos, y Jose Vázquez en el resto, se rodean de bongos, sintetizadores, castañuelas y más sorpresas, como el uso del reverb en alguna que otra canción, que todavía ayuda a emocionar más. Difícil destacar alguna canción, porque el disco funciona a la perfección en conjunto, cálido y directo al corazón. Desde la preciosa “Los Dos” hasta la mística y pastoral “El Jardín Armado“, el disco pasa en un suspiro (canciones cortas) pero que no dudaremos en reescuchar cuantas veces haga falta.

Habrá que seguirlas muy de cerca a partir de ahora, pero de momento, y con los recursos de los que disponían, no se les puede pedir más. Son como unas Nosoträsh puras y desnudas, cantando alrededor de la hoguera de San Juan. O mejor, como unas Pauline En La Playa… en la playa. Eso. Ojo a las referencias de fuera, porque viendo el resultado, Beach House no debería ser una ilusión, sino un objetivo. A ver hasta donde llegan.

Marzo 2012 INDIEFERENCIA MAGAZINE 39

INDIESPENSABLES: Marzo 2012

Quique Gómez

DISCOS

CANCIONES

Ander Simón

DISCOS

CANCIONES

F. Javier M. Bel

DISCOS

1. Sharks - No Gods 2. The Casters - Once We Were 3. Blood Red Shoes - In Time To Voices 4. The Men - Open Your Heart 5. Niños Mutantes - Náufragos

CANCIONES

1. The Casters - Out Of Time 2. Sharks - Able Moving Hearts 3. Miles Kane - First Of My kind 4. The Mars Volta - Aegis 5. Miike Snow - Paddling Out (Wolfgang Gartner Remix)

Jesús D. Marín

DISCOS

CANCIONES

David G. Altarejos DISCOS

CANCIONES

Joaquín Ollero

CANCIONES

1. The Shins - Port of Morrow 2. The Men - Open Your Heart 3. Joaquín Pascual - La Frontera 4. Andrew Bird - Break It Yourself 5. Sr.Chinarro - ¡Menos Samba!

1.The Mars Volta - Noctourniquet 2. The Casters - Once We Were 3. Mishima - L'Amor Feliç 4. The Men - Open Your Heart 5. Andrew Bird - Break it Yourself

1. The Shins - Port of Morrow 2. The Casters - Once We Were 3. Leech - If We Get There One Day...?

4. The Wedding Present - Valentina 5. The Men - Open Your Heart

1. The Shins - Port of Morrow 2. The Casters - Once We Were 3. Poor Moon - Illusion 4. Blood Red Shoes - In Time to Voices 5. The Mars Volta - Noctourniquet

DISCOS

1. The Shins - Port of Morrow 2. Sharks - No Gods 3. Julia Holter - Ekstasis 4. The All-American Rejects - Kids in the Street 5. Lee Renaldo - Between The Times & The Tides

40 INDIEFERENCIA MAGAZINE Marzo 2012

1. Lee Renaldo - Off The Wall 2. The Wedding Present - Mystery Date 3. Joaquín Pascual - Hotel Romántico 4. The Shins - September 5. The Men - Ex-Dreams

1. Beach House - Myth 2. Hot Chip - Flutes 3. The Mars Volta - Zed and two naughts 4. Mishima - No Obeir 5. Brothertiger - I've Been Waiting

1. Leech - March of the Megalomaniacs 2. The Wedding Present - Back A Bit...Stop 3. Bear In Heaven - Idle Heart 4. Last Dinosaurs - Zoom 5. Whomadewho - The Sun

1. Beach House - Myth 2. The Shins - Simple Song 3. Four Tet & Burial - Nova 4. The Casters - Once We Were 5. -Blood Red Shoes - Two Dead Minutes

1. The Shins - Simple Song 2. Sharks - Turn to You 3. The All-American Rejects - Beekeeper's Daughter 4. Julia Holter - Moni Mon Amie 5. Lee Renaldo - Fire Island (Phases)

INDIESPENSABLES: Marzo 2012

Alejandra Otero

DISCOS

CANCIONES

J. N. Carretero

DISCOS

CANCIONES

Sergio Herguedas DISCOS

CANCIONES

1. The Casters - Once We Were 2. Paul Weller - Sonic Kicks 3. White Rabbits - Milk Famous 4. Blood Red Shoes - In Time To Voices 5. The Mars Volta - Noctourniquet

1. Sr. Chinarro - Menos Samba 2. Niños Mutantes - Náufragos 3. The Shins - Port of Morrow 4. Blood Red Shoes - In Time To Voices 5. The Casters - Once we were

1. The Shins - Port of Morrow 2. Poor Moon - Illusion EP 3. La Sera - Sees The Light 4. Beach Beach - Tasteless Peace 5. Modelo De Respuesta Polar Así Pasen Cinco Años

1. Paul Weller - Drifters 2. White Rabbits - Heavy Metal 3. The Casters - Mistery Mr. 4. Blood Red Shoes - The Silence And The Drones 5. The Mars Volta - Noctourniquet

1. Sr. Chinarro - Todo Acerca Del Cariño 2. LA - Over And Over 3. Maximo Park - The National Hearth 4. Miles Kane - First Of My kind 5. Niños Mutantes - Náufragos

1. Peace - Follow Baby 2. Niños Mutantes - Muerte De Un Ampli 3. Gossip - Perfect World 4. Beach House - Myth 5. Four Tet & Burial - Nova

LISTAS SPOTIFY

URL - http://open.spotify.com/user/1113679117

Thunderbits / (2012)

London Challenge II. Anthems (2012)

London Challenge I / (2012)

Marzo 2012 INDIEFERENCIA MAGAZINE 41

REDACCIÓN

Ander Simón, Quique Gómez, Joaquín Ollero, F. Javier Moreno, Jesús Daniel Marín, David García Altarejos, Alejandra Otero, Ale Betancort, J.N. Carretero, Sergio Herguedas, Maje M.S. DISEÑO & MAQUETACIÓN

F. Javier Moreno

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