INDIEKINO MAG #23, November/Dezember 2022

소설가의

EDItOrIAL

Im November/Dezember erscheint das INDIEKINO Magazin als dickes Doppelheft und versucht, einen Überblick über das wahrhaft fulminante Herbst- und Winterfilmangebot zu geben. Es gibt neue Filme von Emily Atef (MEHR DENN JE), Yvan Attal (MENSCHLICHE DINGE), Hong Sang-soo (DIE SCHRIFTSTELLE RIN, IHR FILM UND EIN GLÜCKLICHER ZUFALL), David Cronen berg (CRIMES OF THE FUTURE), Mia Hansen-Løve (AN EINEM SCHÖNEN MORGEN), Thomas Stuber und Clemens Meyer (DIE STILLEN TRABANTEN), Maria Schrader (DIE MACHT DER WAHR HEIT) … um nur einige zu nennen. Sehr gut gefallen haben uns auch diese drei, die vollkommen unterschiedlich sind: WIR SIND DANN WOHL DIE ANGEHÖRIGEN, der von der Entführung von Jan Philipp Reemtsma aus Sicht der Familie erzählt, ist ein küh ler, sehr genauer, sehr realistisch inszenierter und gespielter Film. Hans-Christian Schmids Realismus geht so weit, dass bei einer der Hauptpersonen nie erklärt wird, wie sie eigentlich in das Familiengefüge gehört. Freund aus Kindertagen, Verwandter, Ex-Geliebter? „Sollen wir Christian holen?“ fragt eine Person, und dann ist er da. Der chinesische Actionfilm CLOUDY MOUNTAIN ist das genaue Gegenteil: Die CGI ist durchsichtig, die nationalis tische Heldenerzählung hanebüchen, aber die Stringenz, mit der sich das Problem entfaltet – ein Berg droht einzustürzen und eine Stadt zu verschlingen – und an der Lösung gearbeitet wird, ist vorbildlich. DER KLEINE NICK ERZÄHLT VOM GLÜCK ist auf den Kinderfilmseiten gelandet, gehört dort aber nur halb hin. Der im Stil von Sempé, also mit zarten Strichen, warmen Aquarelltönen und einem feinen Humor gezeichnete Animationsfilm ist ebenso für Erwachsene geeignet. Der Film erzählt die Geschichte seiner beiden Erfinder, Jean-Jacques Sempé und René Goscinny, und zwischendrin auch ein paar der schönsten Geschichten vom klei nen Nick.

Viel Spaß beim Lesen und viel Spaß im Kino Eure INDIEKINO Redaktion

einem schönen

Beings

Mambas

buco –

Höhlengleichnis

Jane

Mountain

of the Future

Winter

Drover‘s Wife

Jelinek –

Sprache von der Leine

DEr WOCHE

Ennio Morricone

Macht der Wahrheit

Medusa

Mehr denn je

Mein gestohlenes Land

Meinen Hass bekommt ihr nicht

Menschliche Dinge

Merkel

goldenen Jahre

Leonard

a Journey, a Song

Demons

kleine Nick erzählt

Glück

hört auf

of Dreams

The Middle Man

Mrs. Harris und ein Kleid von Dior

Nachtwald

Nelly & Nadine

Neptune Frost

Poppy Fields

Rebellinnen – Fotografie. Underground. DDR.

Rhino

Robin Bank

48 Rosy – Aufgeben gilt nicht

Der Russe ist einer, der Birken liebt

14 Die Schriftstellerin, ihr Film und ein glücklicher Zufall

Servus Papa, See You in Hell

Sibirisch für Anfänger

Sonne

Stille Post

Die stillen Trabanten

Tenor

Ein Triumph

Vandana Shiva –Ein Leben für die Erde

Verlorene Illusionen

Wir sind dann wohl die Angehörigen

Zeiten des Umbruchs

Rebellinnen – Fotografie.

DDR.

Russe ist einer, der Birken liebt

INtErFILm & KUKI

Das 38. Interfilm Kurzfilmfestival Berlin zeigt vom 15.–20.11. wieder ein umfangreiches Programm: Es gibt einen deutschen und einen internationalen Wettbewerb, Wettbewerbe für „Green Film“ und Dokumentarfilm, Reihen zu „abwegigem Film“, Länderschwerpunkte zu Brüssel, Buda pest und Berlin, ein Programm mit Filmen, die bei anderen Festivals Publikumspreise gewonnen haben, und acht „Spezialprogramme“, darunter die Kompilationen „Girls* Riot“ und „Queer Fever“. Ein Höhepunkt des Festivals ist die Veranstaltung „Sound and Vision“ in der Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz, wo Berliner Musiker*innen live Kurzfilme vertonen. Zeitgleich findet wie immer das Kinder Kurzfilmfestival KUKI statt. interfilm.de

CINEmA! ItALIA!

Seit September ist das Festival „Cinema! Italia!“ wieder auf Kino tour durch Deutschland. Zu den Häfen, die im November und Dezember noch angelaufen werden, gehören unter anderem Bielefeld, Frankfurt, Göttingen, Kassel, Kiel und Berlin. In ARIAFERMA (Ver riegelte Luft) geht es um einen Machtkampf in einem alten Gefängnis, das kurz vor der Schließung steht. Tonio Servilo als Gefängnisdirektor und Silvio Orlando als Mafioso liefern sich dabei ein existentialistisches Duell. In CAL CINCULO (Karusell) eröffnet die Begegnung mit der Schaustellerin Amanda der fünfzehn Jahre alten Außenseiterin Benedetta eine neue Perspektive. COME UN GATTO IN TANGENZIALE – RITORNO A COCCIA DI MORTO (Wie eine Katze auf der Autobahn – Die Rückkehr) Ist die Fortsetzung einer Erfolgskomödie über linke urbane Eliten und die unterprivilegierten städtischen Randge biete. In IL LEGIONARIO (Der Legionär) ist ein Schwarzer Polizist Teil einer Einheit, die einen besetzten Gebäudekomplex räumen soll, in dem auch seine Familie wohnt. WEL COME VENICE erzählt von zwei Brüdern, die als Krebsfischer auf einer der Inseln in der Lagune von Venedig leben, aber unter schiedliche Zukunftsvisionen haben. Auch als Hommage an die im Februar verstorbene Monica Vitti zeigt „Cinema! Italia!“ eine restaurierte Fassung von Michelangelo Antonionis Klassiker DESERTO ROSSO (Rote Wüste). cinema-italia.net

EXGrOUND FILmFESt

Schwerpunkt des diesjährigen exground filmfest, das vom 11.–20.11. in Wiesbaden stattfindet, sind Filmarbeiten aus Portugal. In zehn Spielfilmen und Dokumentarifilmen sowie 14 Kurzfilmen stellt die Sektion vor allem junge Filmschaffende in den Mittelpunkt. Als Eröffnungsfilm wird IRRLICHT von João Pedro Rodrigues gezeigt, in dem ein sterbender Monarch von seiner goldenen Zeit als Feuerwehr-Azubi träumt, und die Retrospektive stellt Arbeiten der in Deutschland wenig bekannten Filmemacherin Teresa Villaverde vor. Als Teil des Rahmenprogramms ist die Ausstellung „Tale of Two Cities“ des portugiesischen Dokumentarfotografen Gonçalo Fonseca im Foyer des Murnau-Filmtheaters zu sehen. Die Filme und Kurzfilm programme sind im Anschluss an das Festival auch online für begrenzte Zeit (21.–24.11.) verfügbar. exground.com

KASSELEr DOKFESt

Vom 15.–20.11. zeigt das Kasseler Dokfest in den Programmkinos Filmladen, BALi-Ki nos und Gloria Kino 54 Lang- und 196 Kurzfilme aus 56 Ländern, darunter über 90 Premieren. Nach der ersten Vorstellung im Kino können die Filme jeweils sieben Tage lang auch im Stream geschaut werden. Zahlreiche Veranstaltungen wie die Paneldis kussion „Wahrheit oder Pflicht – Die Inszenierung der Realität als ästhetische Praxis im Dokumentarfilm“ oder die interdisziplinäre Tagung SYM:BIO:FICTION laden zum Austausch ein. Das Plane tarium zeigt immersive Fulldome Filme, an Kasseler Kunst- und Projektorten werden 19 Medieninstallationen zu sehen sein, und es gibt Angebote für Kinder und Jugendliche und „Generationen im Dialog“. kasselerdokfest.de

VON BODY-HORROR-VISIONÄR DAVID CRONENBERG

Irrlicht

Ilkka Halso, Museum of Nature

IFFmH Das Programm

des 71. Internationalen Filmfestes Mannheim-Hei delberg, das vom 17.–27.11. stattfindet, stand zu Redak tionsschluss noch nicht fest, wohl aber die Ehrengäste:

Der IFFMH Award, mit dem das Festival „die aus unserer Sicht eindrücklichsten, stilprägendsten und innovativsten Filmemacher*innen der Gegenwart“ ehrt geht an Alice Winocour, die das Skript zu MUSTANG (2015) von Deniz Gamze Ergüven verfasste, und zu deren Regiearbeiten der Thriller DER BODYGUARD (2015) und das Astronautinnendrama PROXIMA (2019) gehören. Alice Winocours neuester Film PARIS MEMORIES (2022), das Porträt einer traumatisierten Frau und ihres Versuchs, diesem Trauma wieder zu entkommen, wird auf dem Festival zu sehen sein. Die diesjäh rige Hommage würdigt die Arbeit von Kameramann Benoît Debie, der unter anderem für die Bildgestaltung von Jacques Audiards Meta-Western THE SISTERS BROTHERS, Harmonie Korines SPRING BREAKERS und Gaspar Noés LOVE 3D verantwortlich war. iffmh.de

BESt OF CINEmA

Jeweils am ersten Dienstag des Monats bringt die Reihe „Best Of Cinema“ restaurierte Kino-Klassiker wieder auf die Leinwand. Im November gibt es John Carpenters Action-Film DIE KLAPPER SCHLANGE (ESCAPE FROM NEW YORK, USA 1981). Ganz New York ist ein Gefängnis. Dort hat der Gangsterboss „Duke“ (Isaac Hayes) den Präsidenten der USA gekidnapped. „Snak“ Plissken (Kurt Russel) hat 22 Stunden, um den Präsidenten zu retten, sonst explodieren Micro-Bomben in seinen Arterien. Im Dezember folgt John Hustons Abenteuerromanze AFRICAN QUEEN (USA 1951). Humphrey Bogart als trinkender Schiffer und Katherine Hepburn als pingelige Missionarin versuchen mit dem heruntergekommenen Kahn African Queen, ein deutsches Kanonenboot zu versenken.

VErLOSUNG: mEINE StUNDEN

mIt LEO In MEINE STUNDEN MIT LEO spielt Emma Thompson die pensionierte Religionslehrerin Nancy, die sich nach dem Tod ihres Mannes ein Herz nimmt und den jungen Sexarbeiter Leo Grande für ein Date bucht. Als sie sich im Hotel zimmer gegenübersitzen, besteht jedoch erstmal Redebedarf –Nancy ist viel zu nervös, kann sich nicht entscheiden zwischen dem Aufschieben oder Aufgeben der ganzen Aktion. Wir verlosen zwei Blurays/DVDs. Schreibt uns bei Interesse bis zum 15.11. eine Mail an info@indiekino.de Stichwort: Leo

VErLOSUNG: FILmKALENDEr

Wir freuen uns, dass wir in Kooperation mit dem Schüren Verlag auch dieses Jahr wieder zwei Film-Taschenkalender verlosen können. Neben den üblichen Planungshilfen enthält der Kalen der einige Thementexte (Heist-Movies, Kurosawa/Ozu, Zombi efilme), Jubiläumsporträts (Loriot, Akin, Deneuve …) und Filmgeburtstage, Festi vals, Museen und wichtige Adressen. Schreibt uns bei Interesse bis zum 15.11. eine Mail an info@ indiekino.de. Stichwort:

Kalender

Paris Memories

Die Klapperschlange

NOVEmBEr & DEZEmBEr Im INDIEKINO

CLUB

Zum Start von David Cronenbergs CRIMES OF THE FUTURE zeigt der Indiekino Club NAKED LUNCH aus dem Jahr 1991, in dem Cronenberg die Entstehungs geschichte von William S. Burroughs Roman fiktionalisiert: Kammerjäger Will stolpert durch einen surrealen Alptraum, nachdem er im Rausch seine Frau erschossen hat. In RIGHT NOW, WRONG THEN erzählt Hong Sang-soo, dessen neuer Film DIE SCHRIFT STELLERIN, IHR FILM UND EIN GLÜCKLICHER ZUFALL im November ins Kino kommt, mit großer künstlerischer Freiheit eine zarte Romanze aus zwei Perspektiven. Mit MON ONCLE von Jacques Tati, TOKYO MONOGATARI von Yasujirō Ozu und DIE BETTWURST von Rosa von Praunheim kommen mehrere Klassiker in den Club, und Club-Mitglieder haben die Gelegenheit, einen Ausschnitt aus dem AFRIKAMERA-Festival zu gucken. indiekino-club.de

EINEM SCHÖNEN MORGEN

BEttINA WEGNEr ZUm 75.

Offen und unbeirrt erzählt die gebürtige Berliner Musikerin Bettina Wegner in Lutz Pehnerts schlicht-schönem Dokumentarfilm BETTINA aus ihrem aufgewühlten Leben: Wie sie als Kind noch Stalin verehrte, später Kunstaktionen organisierte und mit der DDR-Staatsmacht aneinan dergeriet, sich lange gegen die Ausbürgerung weigerte und 1983 doch in den Westen übersiedeln musste. Zum 75. Geburtstag von Bettina Wegner am 4. November zeigen 75 Kinos bundesweit den Film noch einmal. Alle Kinos unter: salzgeber.de/bettina#bettina_wegner_wird_75

EACD

Zum siebten Mal feiert der „European Art Cinema Day“ am 13. November das europäische Kino. 600 Filmtheater in rund 40 Ländern zeigen Previews aktueller Produktionen wie CLOSE von Lukas Dhont oder MEHR DENN JE von Emily Atef, veranstalten Retrospektiven und organisieren Sonder veranstaltungen mit Gästen, Gesprächen, Lesungen und Musik. Alle teilnehmenden Kinos unter: artcinemaday.org

KUrZFILmtAG

Am 21.12.,

dem kürzesten Tag des Jahres, ist wieder Kurzfilmtag, und in ganz Deutschland zeigen Kinos, Schulen, Kitas, Museen, Vereine und Privatpersonen unter dem Motto „Ich sehe was, was du nicht siehst“ drinnen und draußen und online Kurzfilmprogramme, oft mit Gästen und Drumherum. Alle Veranstaltungen werden laufend auf kurzfilmtag.com eingestellt. Wer möchte, kann dort auch noch selbst eine anmelden.

PASCAL

FILM VON MIA HANSEN L O VE

Apocalypse Airline

Naked Lunch

Close

Hans-Christian Schmid studierte an der HFF München Dokumen tarfilm. Nach einigen Fernseharbeiten filmte er 1995 die Komö die NACH FÜNF IM URWALD. Mit 23 – NICHTS IST SO WIE ES SCHEINT (1998), der an den Fall des Hackers Karl Koch. und REQI UEM (2006), der an den Tod von Anneliese Michel während eines Exorzismus in den 70er Jahren angelehnt war, drehte Schmid zwei Filme nach realen Ereignissen. Auch STURM (2009), über einen Kriegsverbrecherprozess in Den Haag, enthält dokumentarische Elemente. Pamela Jahn hat sich mit Hans-Christian Schmid über seinen neuen Film WIR SIND DANN WOHL DIE ANGEHÖRIGEN unterhalten.

„WIr ErZäHLEN

Interview mit Hans-Christian

INDIEKINO: Wie haben Sie die Entführung in Erinnerung?

Hans-Christian Schmid: Fast gar nicht, weil ich im April 1996 in Los Angeles war und wir zeitgleich meinen ersten Spielfilm, NACH FÜNF IM URWALD, ins Kino gebracht haben. Der Starttermin war am 18. April, als die Entführung noch nicht beendet war. Daher erinnere ich mich nur dunkel daran, davon erfahren zu haben. Erst durch Johann Scheerers Buch, das im Jahr 2018 erschienen ist, wurde mir das überhaupt wieder bewusst. Vor allem auch, was die Entführung damals für hohe Wellen geschlagen hat. Dass es diesen „Spiegel“-Titel gab. Und dass lange Zeit nicht über den Fall geschrieben wurde, nachdem die Berichterstattung über das Geiseldrama in Gladbeck so katastrophal aus dem Ruder gelau fen war, dass man jeden Schritt „live“ begleiten konnte.

Ihr Film basiert auf dem Buch von Johann Scheerer und nicht auf den Erinnerungen Jan Philipp Reemtsmas, der seine Erlebnisse in dem 1997 erschienenen Buch „Im Keller“ dargestellt hat. Warum lieferte die Sichtweise des Sohnes für Sie den interessanteren Ansatzpunkt?

Weil die Perspektive für mich die ungewöhnlichere ist. Ein 13-Jäh riger versucht, zu beschreiben, wie es sich anfühlt, wenn ein Elternteil, in diesem Fall der Vater, entführt wird. Abgesehen davon, dass ich nie überlegt hatte, Jan Philipp Reemtsmas Buch zu verfilmen, hätte ich mich unwohl gefühlt, im Film auszustellen, was er als Entführter in diesem Keller mitgemacht und empfun den hat. Johanns Entscheidung, meinem Ko-Autor Michael Gut mann und mir die Verfilmung seines Buches anzuvertrauen, hat sicher auch mit diesem Ansatz zu tun.

Der Fall Reemtsma ist mit Abstand der prominenteste, den Sie bisher verfilmt haben. Hatten Sie Bedenken, sich darauf einzulassen?

Ich habe große Scheu davor, in das Privatleben von Menschen einzutauchen und bei der Recherche in Bereiche vorzudringen, die mich eigentlich gar nichts angehen. Ich bin von Natur aus eher zurückhaltend und ahne, dass wir den Menschen sehr viel abver langen, dass es eigentlich eine Zumutung ist, in diese Bereiche vorzudringen. Aber in dieser Hinsicht hat uns Johann Scheerer

KEINE trUE-CrImE-GESCHICHtE“

Schmid

SIND

WOHL

ANGEHÖRIGEN

sehr geholfen. Er wollte, dass aus seinem Buch ein Film entsteht, also hat er uns Gespräche mit sämtlichen Zeitzeugen ermöglicht. Und dann fand ich es natürlich spannend, diese Menschen zu treffen und herauszufinden, was die lange Zeit im Haus damals für sie bedeutet hat, was diese Erfahrung mit ihnen gemacht hat.

Sie verzichten im Film auf genaue Zeitangaben. Dadurch stellt sich auch beim Zuschauer schnell ein Gefühl der Orientierungs losigkeit ein.

Ich finde das einen interessanten Effekt, weil ich glaube, dass es den Leuten im Haus genauso gegangen ist. Die dachten ja am Anfang, wir sind hier für fünf oder sechs Tage versammelt, dann gibt es ein Angebot der Entführer, anschließend die Lösegeldüber gabe und 48 Stunden später ist Jan Philipp Reemtsma wieder frei. Dass es dann aber knapp fünf Wochen wurden, hat sich niemand vorstellen können. Und ich fände es falsch, im Sinne eines Pseu do-Realitätsbezugs, irgendwelche Daten einzublenden. Das wird ja sehr häufig gemacht, um dem Publikum zu vermitteln, das ist schon wirklich so passiert. Mich stört schon, wenn ich einen Film

sehe und da steht am Anfang so etwas wie „Marokko 1959“, weil ich weiß, dass es nicht stimmt. Aber ich soll das jetzt glauben, weil es da steht. Das ist nicht meine Art zu arbeiten.

Sie haben über Ihren Film REQUIEM, in dem Sie von einem töd lichen Fall von Exorzismus erzählen, darauf bestanden, den Film in erster Linie als eine Familiengeschichte zu sehen. Wonach suchen Sie als Filmemacher?

Wir sind natürlich alle Teil einer Familie, deshalb ist diese Formu lierung etwas allgemein. Aber in meiner Arbeit stehen die Men schen im Mittelpunkt, nicht so sehr ein bestimmtes Genre. Des wegen hat mich bei REQUIEM die Beziehung der Tochter zu ihrer Mutter mehr interessiert als den Exorzismus zu zeigen, in den diese Konstellation mündet. Meine Filme sind in erster Linie Dra men oder eine bestimmte Art von Komödie, wie bei CRAZY oder NACH FÜNF IM URWALD, die beide etwas leichtere Stoffe sind.

Sie sind zunächst als Dokumentarfilmer an die Filmhochschule gegangen. Hat das auch damit zu tun, wie Sie heute arbeiten?

Ja, ich wollte mit den Mitteln des Dokumentarfilms von den Men schen erzählen, die mich umgeben. Und bei einer Geschichte wie dieser war uns klar, für viele Zuschauerinnen und Zuschauer ist es „die Reemtsma-Entführung“. Deshalb haben wir vermieden, im Film den Namen Reemtsma zu nennen, weil wir uns da nicht so dranhängen wollen. Wir erzählen keine True-Crime-Geschichte, eher im Gegenteil, einen Anti-Thriller. Deswegen haben wir ver sucht, all das nicht zu machen, was man typischerweise hätte machen können: Nicht zu zeigen, wie der Entführte überwältigt wird. Keinen Ermittler auf Seiten der Polizei zu haben, sondern nur die Betreuer im Haus. Nicht auf die Krimi-Aspekte zu setzen. Das finde ich fast schon gespenstisch, weil man am Anfang gar nicht merkt, ob überhaupt jemand ermittelt. So rückten automa tisch die Menschen mehr in den Mittelpunkt. Es entsteht genug Raum, um über den abwesenden Vater nachzudenken, an dem alles Handeln ausgerichtet ist.

Zugespitzt könnte man vielleicht sagen, Sie nehmen ganz bewusst Abstand vom Dokumentarischen, um eben diese Einordnung in einen realen Kontext zu umgehen. Als hätten Sie innerlich damit zu kämpfen.

Ein innerer Kampf ist es nicht, eher eine bewusste Entscheidung. Ich habe als Dokumentarfilmer gemerkt, dass die Kamera meis tens stört, wenn man an den Kern der Dinge kommt. Dass sich diejenigen, die man porträtiert, einem gerade dann entziehen, wenn sich die Ereignisse zuspitzen. Der Spielfilm macht das Gegenteil: Er kann mit all seinen Mitteln genau dort hingehen, wo man spürt, wie Menschen ticken, wie sie handeln, sich streiten, an ihre Grenzen gehen. Und dann versuche ich, eine Art Verab redung mit dem Zuschauer einzugehen, und erzähle die Szenen, obwohl sie von mir hergestellt wurden, so, dass das Publikum ver gisst, dass das, was es sieht, nicht echt ist. Die Mittel des Kinos zu nutzen, soll eine ganz eigene Qualität haben.

Man sagt im Nachhinein immer gerne, heute würde eine Entfüh rung so nicht mehr passieren. Wie sehen Sie das?

Ich glaube schon, dass so etwas wieder passieren kann. Das Pro blem ist nach wie vor, dass die Polizei den Auftrag hat, die Täter zu fassen. Der Wunsch der Angehörigen ist jedoch, den Entführ ten oder die Entführte zurückbekommen. Sie wollen nicht, dass die Übergabe durch Polizeimaßnahmen gefährdet wird. Der Chef des Sicherheitsdienstes, der im Film auch eine kleine Rolle hat, meinte sogar, dass wir von den allermeisten Entführungen nichts mitbekommen, weil sich viele Angehörige mittlerweile nicht mehr an die Polizei wenden würden, sondern an Sicherheitsdienste. Denn die müssen keine Täter fassen, sie müssen nur das Geld übergeben.

Sie üben indirekt auch Kritik an der Polizei.

Ich würde da unterscheiden zwischen dem, was die beiden Betreuer im Haus geleistet haben und zwischen der Taktik der Einsatzführung der Polizei. Die hatten auch untereinander durch aus Diskrepanzen. Wir haben deshalb im Gespräch mit dem Ein satzleiter geklärt, dass wir zwar faktisch alles richtig darstellen, aber im Film den Namen ändern, weil wir nicht speziell Kritik an einer einzelnen Person üben wollten. Die Polizeiarbeit ist für mich eher ein Nebenaspekt. Wir haben im Zuge der Recherchen gemerkt, da gibt es noch etwas, was wir gerne mit erzählen wür den. Das war anfangs nicht so geplant. Auch weil es in Johanns Buch kaum eine Rolle spielt. Weil er das aus seiner Perspektive des 13järhigen Jungen gar nicht einschätzen konnte. Für ihn waren die Pannen der Polizei wirklich Pannen, und im Film ist es ein bewusstes Vorgehen, wenn bei der geplanten Übergabe das Auto zu spät losgeschickt wird.

Sie haben bereits das Setting erwähnt, die beiden Häuser, in denen die Familie Reemtsma zum Zeitpunkt der Entführung lebt. Warum sind Orte für Sie so wichtige Protagonisten, auch in die sem Film?

Für mich sind Schauplätze ein Teil des Wesens des Kinos. Ich versuche, die Eigenheiten der Orte ernst zu nehmen, sie mit zu erzählen. Hier war es so, dass die Geschichte fast nur in einem Haus spielt. Das ist zunächst mal unfilmisch: Menschen sitzen an einem Tisch und reden, hinter ihnen eine Wand. Deshalb haben wir uns viele Gedanken gemacht, welche Blickachsen wir verwenden können, wie die Zimmer angeordnet sein müs sen, damit Johann vom ersten Stock aus Geräusche hören oder Beobachtungen von der Treppe aus machen kann. Wir haben darauf verzichtet, mit einer Drohne über das Haus zu fliegen, wie es in jedem Fernsehkrimi zu sehen ist. Wir wollten uns auf das Wesentliche beschränken: Die Dialoge und die Figurenkonstella tion. Die Gesichter der Schauspieler an diesem Esszimmertisch. In dem Moment tritt das Haus in den Hintergrund. Wir haben auch vermieden, den Reichtum der Familie auszustellen, weil wir bei der Recherche gesehen haben, dass die Familie das auch nicht tut. Jan Philipp Reemtsma hat in zwei Häusern gelebt, weil er sich in einem der beiden Häuser mit seinen Büchern umgeben wollte.

Die Fakten sind bekannt, die Reemtsma-Entführung nahm ein gutes Ende. Hätten Sie sich entschieden, den Film zu machen, wenn sie anders ausgegangen wäre?

Darüber habe ich noch nie nachgedacht. Aber wenn ich mit Johann Scheerers Worten antworten würde, dann hat die Entführung kein gutes Ende genommen. Natürlich, sein Vater wurde freigelassen, aber die Entführung an sich war für die Familie traumatisierend, und danach ist nicht einfach alles wieder gut.

D Das Gespräch führte Pamela Jahn

Adina Vetter, Yorck Dippe, Enno Trebs, Justus von DohnaÃÅnyi, Hans Löw,

WIr SIND DANN WOHL DIE

ANGEHÖrIGEN

Kleinste Bewegungen

Als Jan Philipp Reemtsma (Philipp Hauß) entführt wird, rechnen Ann Kathrin Scheerer (Adina Vetter) und der 13-jährige Johann (Claude Scherer) aus, wie lange es dauern mag, bis der Ehemann und Vater wieder da ist. Zwei Tage für den Brief und dann noch die Übergabe der 20 Millionen. Freitag? Samstag? Es dauert dann fast fünf Wochen, in denen die Familie rund um die Uhr von Freun den, Polizei und „Angehörigenbetreuern“ umgeben ist und eine Geldübergabe nach der anderen scheitert, während Jan Philipps Briefe immer dringlicher werden. Nach dem gleichnamigen Buch von Johann Scheerer hat Hans-Christian Schmid die Geschichte der Entführung aus der Perspektive der Angehörigen als Famili endrama verfilmt. Dabei fällt zuallererst ins Auge, wie hanseatisch undramatisch die ersten Tage verlaufen. Sanft rüttelt Ann Kathrin Scheerer ihren Sohn wach, und erst, als er sich gesammelt hat,

erzählt sie ihm ruhig, was vorgefallen ist, und ebenso ruhig hören die beiden dann den Polizeibeamten mit den Codenamen „Nickel“ (Enno Trebs) und „Vera“ (Yorck Dippe) zu. Erst als sie realisieren, dass diese im Wohnzimmer am Telefon übernachten werden, schluckt Ann Kathrin merklich. In seinem eleganten, wie eine Cho reografie inszeniertem Ensemblefilm fängt Hans-Christian Schmid präzise diese kleinen und kleinsten Bewegungen ein, die anzeigen, wie das Zutrauen in die Polizeiarbeit langsam schwindet, und sich immer tiefere Risse in der Schicksalsgemeinschaft in der Hambur ger Elbvilla auftun. Die Kamera fängt in jedem Moment genau ein, wie die Personen zueinander stehen, sich umeinander bewegen, einander ansehen, wegsehen, und die Schauspieler*innen sind allesamt fantastisch. Neben der Kernfamilie besonders Justus von Dohnányi als zunehmend derangierter Familienanwalt Johann Schwenn. D Hendrike Bake  Start am 3.11.2022

Based on the autobiography of Johannes Scheerer, Hans-Christian Schmid depicts the abduction case of Jan Philipp Reemtsma from the perspective of his then 13 year old son.

Jun-hee (Lee Jye-young), eine erfolgreiche Schriftstellerin, nimmt eine längere Reise auf sich, um eine alte Freundin zu besuchen. Auch Sewon (Seo Young-wa) hat früher geschrieben, heute führt sie eine kleine Buchhandlung. Als Jun-hee den Laden betritt, hört sie versehentlich und unbemerkt einen Streit mit an, der das Tref fen mit Sewon von Beginn an unter einem ganz anderen Stern stehen lässt. Das Verhalten aller Beteiligten wird durch etwas beeinflusst, dass niemand so recht anzusprechen vermag oder gewillt ist – manches bleibt ungesagt, anderes tritt über Umwege zutage. Gleiches gilt auch für die anderen Begegnungen, die Jun-hee im Laufe des in Schwarzweiß gehaltenen Spielfilms DIE

SCHRIFTSTELLERIN, IHR FILM UND EIN GLÜCKLICHER ZUFALL macht. Sie wird durch den Tag getragen von ebenjenem Zufall, aber auch den Interessen der anderen und ihrer eigenen Motiva tion, die immer wieder durch ihre zurückhaltend-beobachtende Art hindurchbricht. So begegnet sie alten und neuen Bekannten, die vergangene oder zukünftige Phasen ihres Lebens repräsen tieren; etwa dem Regisseur Hyojin (Kwon Hae-hyo), mit dem sie einmal zusammenarbeiten wollte, oder der jungen Schauspiele rin Gil-soo (Kim Min-hee), die ihre Karriere früh beendet hat. Ihre Dynamiken und Dispute werfen zahlreiche fundamentale Fragen über Kunst, über das Schreiben und Filmemachen auf.

und Autor Hong Sang-soo widmet sich in seinem aktu ellen Film, der während der Pandemie spielt, erneut einer Frau und ihren Begegnungen. Wiedertreffen, Kennenlernen, Begrüßen und Abschied nehmen, all das findet in DIE SCHRIFTSTELLERIN oft in einem einzigen Tableau statt, in dem sich die Figuren ein ander zu- oder voneinander abwenden, wortwörtlich zueinander positionieren. Mit selbstkritischem Humor nimmt er die Eigenhei ten verschiedener Künstler*innen unter die Lupe und lässt dabei vor allem die vielfältigen, sehr echt wirkenden Frauenfiguren leuchten.

Eva Szulkowski

DIE mACHt DEr WAHrHEIt

„Hollywood war ein organisiertes System zum Missbrauch von Frauen“, schreiben Jodi Kantor und Megan Twohey in ihrem Buch „She Said“, das nun nach einer Drehbuchadaption von Rebecca Lenkiewicz (SMALL AXE, IDA) unter der Regie von Maria Schrader verfilmt wurde. Kantor und Twohey sind die Autorinnen des Artikels in der New York Times, der den systematischen Missbrauch und die Vergewaltigung von Schauspielerinnen und Mitarbeiterinnen durch den Filmproduzenten Harvey Weinstein dokumentierte. In ihrem Buch beschreiben sie den Verlauf der Recherche, die sich besonders schwierig gestaltete, weil viele Opfer Weinsteins durch Non-Disclosure-Agreements (Schweigeverträge) zum Schweigen gezwungen waren, und Schauspielerinnen mit erheblichen Nachtei len oder gleich dem Ende ihrer Karriere rechnen mussten, wenn sie mit Journalistinnen redeten. Ist es ein Zufall, dass DIE MACHT DER WAHRHEIT (SHE SAID) eine Produktion von Annapurna Pictures ist, der Firma von Megan Ellison, Tochter des „Oracle“-Gründers Larry Ellison, eine Firma, die in eigenem Geld schwimmt und nicht auf Kooperationen angewiesen ist, und dass eine deutsche Regisseu rin und eine polnische Drehbuchautorin den größten Skandal der US-amerikanischen Filmbranche seit der McCarthy-Ära verfilmen?

Schraders Film hat viele Fallstricke zu überwinden – von recht lichen Aspekten auf diesem Schlachtfeld der Privatklagen mal ganz abgesehen. Viele Protagonist*innen sind so berühmt, dass sie sich nicht einfach durch andere Schauspieler*innen erset zen lassen. Niemand will eine Weinstein-Kopie auf der Leinwand

Frauen missbrauchen und vergewaltigen sehen. Sich selbst spie len hier die Schauspielerin und Aktivistin Ashley Judd und Lauren O’Connor, die in den neunziger Jahren Weinsteins Assistentin in London war. Die beiden Frauen waren auch die ersten, die bereit waren, Weinsteins Taten öffentlich zu bezeugen. Andere berühmte Protagonist*innen wie vor allem Rose McGowan und Gwyneth Paltrow sind nur zu hören oder von hinten zu sehen. Weinsteins Taten schildern Frauen aus dem Off, während Schrader Hotelzim mer und -flure zeigt, wo die Taten begangen wurden. Während sich Kantor und Twohey in ihrem Buch vor allem für journalisti sche Details und Wendepunkte interessieren – etwa im Fall des Fox-Moderators Billy Reilish, bei dessen Entlassung gerade die Non-Disclosure-Agreements und das gezahlte Schweigegeld eine wichtige Rolle spielten – betonen Schrader und Lenkiewicz die emotionalen Folgen und die praktischen Konsequenzen für das Leben der Opfer. Ihr Film beginnt mit einer Szene, in der die sehr junge, fröhliche Waliserin Lauren auf ein Filmset stolpert und dabei einen Jobeinstieg findet. In der nächsten Szene läuft sie schreiend und weinend eine Straße hinunter. Rückblenden aus der Perspek tive der Frauen fügen sich immer wieder in die Erzählung über die Recherche ein. Es sind die emotional intensivsten Momente des Films, vielleicht neben den Gesprächen mit Frauen, die nach dem Missbrauch durch Weinstein nie wieder einen Job in der Filmindu strie bekommen haben. In diesen Szenen wird das systemische Problem der Misogynie in der Branche am deutlichsten.

Die Arbeitswelt von Jodi Kantor (Zoé Kazan) und Megan Twohey (Carey Mulligan) ist, auch nach Aussage der Journalistinnen selbst, realistisch wiedergegeben. Mulligans Darstellung wirkt vielschich tiger und präsenter als Kazans, gerade in den Szenen, in denen Donald Trump sie am Telefon anbrüllt oder Weinstein unangekün digt im Büro erscheint, oder wenn sie durch die Zeugin Zelda Per kins herausgefordert wird, das ganze rechtliche, finanzielle und kulturelle System auseinanderzunehmen, das Weinsteins Taten über Jahrzehnte ermöglichte. Es gelingt ihr, so viele vermischte Emotionen von Wut, Zweifel, Amüsement, Mitgefühl und Ent schlossenheit zugleich zu zeigen, dass eine Oskar-Nominierung fällig sein dürfte. SHE SAID ist ein exzellenter Film über herausra gende journalistische Arbeit. D Tom Dorow  Start am 8.12.2022

Originaltitel: She Said D USA 2022 D 128 min D R: Maria Schrader

B: Rebecca Lenkiewicz

K: Natasha Braier

D: Carey Mulligan, Zoe Kazan, Samantha Morton, Patricia Clarkson, Adam Shapiro

V: Universal Pictures

An adaptation of the eponymous book that journalists Jodi Kantor and Megan Twohey wrote about their research into Harvey Weinstein.

SIBIrISCH FÜr ANFäNGEr

Tragikomisches vom Ende der Welt

Ein Junge nimmt das Gewehr seines Vaters und verleiht es an einen Freund, der es inmitten eines Trinkgelages seines Vaters wiederfin det. Der störrische Davyd gräbt ein Plumpsklo neben dem Gemüse seiner Nachbarn und zieht damit deren Groll auf sich. Petya hat das Haus seiner Großmutter verkauft, doch als er das Geld nach einer Sauftour mit stolz geschwellter Brust seiner Frau präsentieren will, ist es weg, und der Nachbar hat ein neues Auto. Als ein Dorfbewoh ner schwer alkoholisiert seine Familie mit der Waffe bedroht, muss der Dorfälteste einschreiten, bevor die Situation eskaliert. Sieben tragikomische Geschichten vom anderen Ende der Welt erzählen Stepan Burnashev und Dmitrii Davydov in ihrem Episodenfilm. Wobei die Tragik hier oft die Überhand hat, alle Geschichten aber ein lakonischer Humor durchzieht. Hier, in den äußersten Ausläu fern des russischen Staatsgebiets, in der Republik Sacha am Ostsi birischen Meer, sind die Menschen auf sich selbst zurückgeworfen. In dem kleinen Ort machen Gerüchte schnell die Runde und wer den für Wahrheiten genommen. Man lässt sich über Kommunal politiker oder Nachbarn aus, weil man nichts Besseres zu tun hat. Die Gespräche sind karg, die Tage wie Nächte alkoholgeschwän gert, und mit dem Vodka beginnen und enden oft die Probleme. Gemeinsam mit seinem Kompagnon Davydov schrieb Burnashev Geschichten auf, die man sich an langen Abenden erzählt, wenn der Wind über die Tundra pfeift. In statischen, ausdrucksstarken Bildern erzählen sie von falschem männlichen Stolz und menschli cher Fehlbarkeit, inszeniert mit Laiendarstellern vor der endlosen Landschaft ihrer Heimat. Beim Filmfestival in Warschau gewann ihr Film den Jurypreis. Unter dem reichlich unmotivierten deutschen Titel SIBIRISCH FÜR ANFÄNGER findet er nun zum Glück den wei ten Weg auch in unsere Kinos. D Lars Tunçay  Start am 15.12.2022

ELFrIEDE JELINEK – DIE SPrACHE VON DEr LEINE LASSEN

Porträt als Collage

Eine „Textmasse ohne eine Spur künstlerischer Struktur“, dafür aber voll „lustloser Gewaltpornographie.“ So äußerte sich Knut Ahnlund, Mitglied der Schwedischen Kommission, die im Jahre 2004 die österreichische Autorin Elfriede Jelinek mit dem Lite raturnobelpreis auszeichnete. Der deutsche Großkritiker Marcel Reich-Ranicki kommentierte die Auszeichnung Jelineks im „Spie gel“ wiederum so: „Das literarische Talent der Elfriede Jelinek ist, um es vorsichtig auszudrücken, eher bescheiden. Ihre Dramen sind unaufführbar. Ein guter Roman ist ihr nie gelungen, beinahe alle sind mehr oder weniger banal oder oberflächlich.“ Wer so viel Antipathie weckt, gerade bei den inzwischen sprich wörtlich gewordenen „alten, weißen Männer“, an dem muss etwas dran sein. Doch wie nähert man sich in einem biografi schen Dokumentarfilm einer Autorin, die sich wie Elfriede Jelinek fast völlig aus der Öffentlichkeit zurückgezogen hat und praktisch keine Interviews gibt? Claudia Müller hat aus der Not eine Tugend gemacht und – wie es der Untertitel ihres Films andeutet – die Sprache von der Leine gelassen. Gesprochen von Schauspie ler*innen wie Sophie Rois, Sandra Hüller oder Martin Wuttke, stehen die Texte Jelineks im Mittelpunkt, die Müller zu einer asso ziativen Collage formt. Unterlegt sind die Texte mit Archivaufnah men von Jelinek, Interviews und Aufnahmen, bevor sie sich ganz zurückzog. Dazu Bilder von Österreich, einem zerrissenen Land, das seine Beteiligung im Zweiten Weltkrieg mehr verdrängte als verarbeitete, ein Missstand, den viele österreichische Künstler anprangerten, von Bernhard über Haneke bis eben Jelinek. Eine dichte, ausufernde Collage, eine Annäherung an eine streitbare Autorin, ein Film, der nicht zuletzt Lust macht, Jelinek (wieder) zu lesen. D Michael Meyns

Start am 10.11.2022

Deutschland

Claudia Müller’s portrait of author Elfriede Jelinek puts her texts at the center, which are read here by Sophie Rois, Sandra Hüller and Martin Wuttke.

YT portrays the everyday stories of a remote village in the tundra. Dumb ideas, often fuelled by vodka, always leading to small and big catastrophes.

Originaltitel: YT D Russland 2021 D 102 min D R: Stepan Burnashev, Dmitrii Davydov D K: Nikolay Petrov D S: Stepan Burnashev D D: Innokenty Lukovtsev, Sergei Balanov, Djulustan Semyonov D V: Cine Global

CALL JANE

Underground-Feministinnen

Der Spielfilm CALL JANE von Regisseurin Phyllis Nagy erzählt eine fiktionalisierte Version der Entstehung des „Jane Collective“, ein Netzwerk von Aktivistinnen, das in den 60er und 70er Jahren in Chicago hunderte illegale, aber sichere Schwangerschaftsab brüche durchführte. Hauptfigur Joy (Elizabeth Banks), die weiße, gut situierte Gattin eines aufstrebenden Anwalts, Hausfrau und Mutter. Als zu Beginn einer Schwangerschaft lebensbedrohliche Komplikationen auftreten, wird ihr Gesuch um einen medizini schen Schwangerschaftsabbruch abgelehnt. Deutlich zeigt der Film, was es für sie bedeutet, ihrer Selbstbestimmung beraubt zu sein, und was für ein Glück es ist, dass sie auf die Gruppe um die Aktivistin Virginia (Sigourney Weaver) stößt. Mithilfe eines windi gen, aber sorgfältig arbeitenden Arztes (Rupert Friend) bieten sie ungewollt Schwangeren medizinische und zwischenmenschliche Unterstützung an. Joys politisches Bewusstsein erwacht, und sie tritt der Gruppe bei.

Vorbild für Joy ist die unter dem Codenamen „Jenny“ bekannte Akti vistin, die als erste der „Janes“ selbst lernte, Schwangerschaftsab brüche durchzuführen, und das Wissen an andere Frauen weitergab. Sie ist eine perfekte Protagonistin, um in zwei Stunden die faszinie rende Geschichte des Kollektivs anzureißen – durch den starken Fokus auf eine Figur und die konventionelle Erzählweise kommen jedoch andere Perspektiven, etwa die der einzigen Schwarzen Akti vistin Gwen (Wunmi Mosaku), zu kurz. Wenn die Gruppe zusammen Entscheidungen debattiert und man das Ensemble von Feministin nen im Zusammenspiel erlebt, ist CALL JANE am besten. Vor allem stechen aber die Szenen hervor, in denen die Schwangerschaftsab brüche selbst so sachlich, ausführlich und sogar humorvoll gezeigt werden, dass es im aktuellen amerikanischen Klima durchaus sub versiv wirkt. D

Szulkowski

am 1.12.2022

KÖNIG HÖrt AUF

Porträt eines Aufrechten

Mit seinen Krücken humpelt Lothar König in den voll besetzten Saal. „Die Parkplatzsituation ist hier ja genauso beschissen wie in Jena“, ruft er einem der Anzugträger entgegen. Sein Auftritt beim Erfurter Forum „Theologie im Dialog mit der Politik“ ist typisch für den kleinen Mann mit dem Zauselbart. Er bereitet ihm die Bühne, sorgt dafür, dass man ihm zuhört. Lang und laut richtet er sich bei der Diskussion im Anschluss an die Erfurterinnen und Erfurter, for dert sie auf, es sich nicht gefallen zu lassen, wenn ein FDP-Politiker sich mit Stimmen der AfD zum Ministerpräsidenten von Thürin gen wählen lässt. Drei Jahre lang begleitete Tilman König seinen Vater, den Jenaer Jugendpfarrer Lothar König, bei seinem Eintritt in den Unruhestand. Er zeigt ihn bei seinen Predigten, den Demos, Punk-Konzerten im Jugendclub und dabei, wie er seine Habselig keiten in Kisten verpackt und auf den seit Jahren leerstehenden Hof der Familie in Leimbach bei Nordhausen zieht. Er war dabei, wenn es laut wurde, und als die Stille einkehrte. Der Sohn zeigt sei nen Vater als streitbaren, unbequemen Menschen, der sein Umfeld stets herausfordert. In der DDR wurde er von der Stasi überwacht. Seit der Wende engagiert sich Lothar König gegen Rechtsextre mismus und stand deswegen immer wieder im Fokus der Öffent lichkeit und der Justiz, wurde von Faschos verprügelt und wegen der Teilnahme an einer Demo gegen Faschismus in Dresden 2011 wegen schweren Landfriedensbruchs angeklagt. Als zahlreiche Videodokumente von polizeilicher Gewalt gegen Demonstranten ans Licht kamen, wurde die Anklage fallengelassen. Die nimmer müde politische Arbeit, seine Rolle als Jugendpfarrer in der Kirche und die Sozialarbeit mit Migrant*innen gehört ebenso zu seiner Natur wie die Wut und das stete Nerven seines Umfelds. Ein viel schichtiges Porträt eines Aufrechten, der Vorbild sein sollte für uns alle D Lars Tunçay  Start am 17.11.2022

In the GDR, Jena youth pastor Lothar König was surveilled by the Stasi. Since the reunification, he has been involved against right-wing extremism. Tilman König accompanies his father for three years and shows him as a pugnacious, uncomfortable person.

USA 2022 D 121 min D R: Phyllis Nagy D B: Hayley Schore, Roshan Sethi

D K: Greta Zozula D S: Peter McNulty D M: Isabella Summers D D: Kate Mara, Elizabeth Banks, Sigourney Weaver, Chris Messina, Aida Turturro D V: DCM

Deutschland 2022 D 82 min D R: Tilman König D K: Tilman König D S: Tilman König, Denise Lipfert D V: Weltkino

CALL JANE tells a fictionalized version of the formation of the “Jane Collec tive”, a network of activists that performed hundreds of illegal, but safe, abortions in the 60s and 70s in Chicago.

BONES AND ALL

Außenseiterromantik

Man hätte sich denken können, dass eine Kannibalen-Geschichte mit dem Titel BONES AND ALL nicht lange ohne Blut und Kno chen auskommt. Aber wenn die schüchterne Maren (Taylor Rus sell) zum ersten Mal ihre Zähne zusammenbeißt, sitzt der Schock dennoch tief. Zumal die Teenagerin selbst nicht so genau weiß, warum sie manchmal eine solche Fleischeslust verspürt. Doch kaum hat ihr Vater realisiert, was (wieder einmal!) geschehen ist, packt er hektisch das Nötigste zusammen und fordert seine Toch ter auf, das Gleiche zu tun. Kurz darauf sind sie auf der Flucht in einen anderen Bundesstaat, ein anderes kurzes Stück Hei mat, wo sie niemand kennt und keiner Marens Schicksal erahnt. Doch schon bald schafft es ihr Vater nicht mehr, mit der Last des Geheimnisses umzugehen. Eine Tonbandaufnahme ist alles, was

er seiner Tochter hinterlässt, und so begibt sich Maren auf die Suche nach ihrer Mutter, die sie nie gekannt hat, um Antworten zu finden.

Was der italienische Regisseur Luca Guadagnino dann mit sei nem Film macht, ist weniger grausam als – ähnlich wie in sei nem wunderbar gefühlvollen schwulen Liebesfilm CALL ME BY YOUR NAME – vielmehr von einer bewundernswerten Sinnlich keit geprägt. Erst geht es noch ein bisschen düster zu, weil Mark Rylance seine Rolle als so rätselhafter wie abgebrühter Kannibale Sully, der Maren buchstäblich mit der Nase aufspürt, ganz hervor ragend spielt. Doch kaum rückt Timothée Chalamets verschlos sener Drifter Lee ins Bild, entdeckt Maren in ihm einen Seelenge fährten, der mindestens genauso mit seinem Anderssein kämpft wie sie. Die zarte Romanze, die sich daraus entwickelt, ist das Herzstück dieses Films, der verpackt als Roadmovie im Achtzi ger-Jahre-Flair, so behutsam mit seinen Figuren umgeht, dass er sich von vornherein geschickt jeder offensichtlichen Genre-Kate gorisierung entzieht. In seinen besten Momenten ist BONES AND ALL ein emotionaler Balanceakt, der tief unter die Haut geht. D Pamela Jahn  Start am 24.11.2022

Shy cannibal Maren (Taylor Russell) is searching for her mother and finds vagabond Lee (Timothée Chalamet), a soul mate, along the way,

USA 2022 D 130 min D R: Luca Guadagnino D B: David Kajganich D K: Arseni Khacha turan D S: Marco Costa D D: Timothée Chalamet, Michael Stuhlbarg, Taylor Russell, Mark Rylance, Chloë Sevigny, Jessica Harper, David Gordon Green D V: Warner Bros.

ENNIO mOrrICONE –DEr mAEStrO

Der größte aller Filmkomponisten Ennio Morricone war zweifellos der größte aller Filmkomponisten – und vielleicht einer der ganz großen Komponisten überhaupt. Mit Giuseppe Tornatore erweist eine Größe des italienischen Kinos diesem Giganten der Filmgeschichte die Referenz. Herausgekom men ist ein großer Film, der mit zweieinhalb Stunden gerade die richtige Länge hat. Tornatore führte kurz vor dessen Tod ein langes Interview mit Morricone, in dem dieser ausführlich seine Karriere resümiert – die Anfänge im Musikbusiness als Arrangeur für Schlager, die experimentelle Musik, die ihn interessierte, die Filmmusik, in der er Arrangement und Experiment mit eingängigen Melodie-Ideen mischen konnte, die er offenbar im Überfluss hatte. Durch den direkten Zugriff auf den Protagonisten entzieht sich der Film der Versuchung, ein bloßes Requiem auf das Musikgenie zu werden – und durch umfassend eingesetzte Ausschnitte aus Fil men wie auch Morricone-Konzerten umschifft Tornatore die rein retrospektive Werkbetrachtung. Denn die Werke leben weiter, die Musik packt selbst in der fragmentierten Form von Szenenclips, und die Gewalt der Melodien umrauscht den Zuschauer auch, wenn die Live-Aufführung lediglich mittelbar erlebt werden kann. Tornatore ist der richtige Mann für diesen Film – seit CINEMA PARADISO hatte er vielmals mit Morricone zusammengearbei tet. Er ergänzt dessen Selbstauskunft durch Einschätzungen von Wegbegleitern, auch von Fans (Bruce Springsteen! James Het field!) und arbeitet heraus, was die Kraft von Morricones Musik ausmachte: Kontrapunktisch und rhythmenverschiebend, zugleich eingängig und avantgardistisch fügte er den Instrumenten zusätz liche Geräusche (Peitsche, Pfiffe oder Jaulen) hinzu, um mit seiner Musik die Bilder in etwas anderes, Höheres zu transzendieren – zu wirklich gewaltiger Kunst. D Harald Mühlbeyer  Start am 22.12.2022

tHE DrOVEr’S WIFE

Outback-Western

Wenn es um ihre Kinder geht, kennt Molly Johnson keine Gnade. Kaum wittert sie Gefahr, stellt sie sich auf, mit einem mörderischen Blick und der Schrotflinte an der Brust. Keine Frau, die am Ende des ausgehenden 19. Jahrhunderts im australischen Outback lebt, ist robuster, widerstandfähiger und entschlossener als sie. Die Hochschwangere muss sich allein um die Farm und ihren Nach wuchs kümmern, während ihr Mann monatelang als Viehtreiber unterwegs ist. Mehr muss man über die hellhäutige Aborigine-Frau zunächst nicht wissen, die Leah Purcell in ihrem Spielfilmdebüt selbst verkörpert. Basierend auf ihrem eigenen Theaterstück, hat sie sich die Rolle auf den Leib geschrieben. Und so wie Molly keine Zeit mit Höflichkeiten verschwendet, bringt auch Purcell ihr Anlie gen schnell auf den Punkt: In ihrer postkolonialen Überarbeitung von Henry Lawsons Kurzgeschichte aus dem Jahr 1892 ist ihre Unerbittlichkeit eine notwendige Eigenschaft zum Überleben. Ent sprechend hartnäckig macht sich die Regisseurin daran, dem klas sischen Outback-Western eine feministische, indigene Perspektive entgegenzusetzen. Die Geschichte verdichtet sich, als Molly eines Tages auf Yadaka (Rob Collins) trifft, einen Aborigine auf der Flucht vor der Polizei, der bei ihr Unterschlupf sucht. Zwischen ihnen entwickelt sich ein zerbrechliches, angespanntes Vertrauen, das auf gemeinsamen Geheimnissen beruht. Ihre Beziehung gibt dem Film Halt, wenn er aufgrund der anderen Nebenfiguren und Hand lungsstränge mitunter seinen Fokus verliert. Der Rassenhass, die patriarchalischen Geschlechterrollen und Ausbrüche von sexueller Gewalt sind stets präsent. Befeuert von Purcells Tour-de-Force vor und hinter der Kamera kriecht die schwelende Brutalität, die sich in den Bildern von Kameramann Mark Wareham entlädt, immer wei ter unter die Haut.

am

Leah Purcell‘s postcolonial adaptation of Henry Lawson‘s short story from 1892, light-skinned Aboriginal Molly Johnson has to take care of her farm and her children alone while her husband is out working as a cattle

In his documentary, Giuseppe Tornatore works out what made Ennio Morricone’s music so powerful using a smart composition of talking heads and film scenes.

Italien 2020 D 90 min

R: Giuseppe Tornatore D K: Giancarlo Leggeri, Fabio Zamarion D D: Giuseppe Tornatore, Ennio Morricone, Bernardo Bertolucci

V: Koch Films

Originaltitel: The Drover’s Wife D Australien 2021 D 109 min D R: Leah Purcell

B: Leah Purcell

K: Mark Wareham

D: Leah Purcell, Benedict Hardie, Elpida Savva, Jessica De Gouw, John McPharlen, Marti Murray

V: Cinemien

CLOUDY mOUNtAIN

… und RUMMS!

CLOUDY MOUNTAIN ist ein chinesischer Propagandafilm, im selben Sinne, wie Hollywood-Actionfilme US-Propagandafilme sind. Der ideologische Zweck ist das Gedenken an die Pioniere, die den gewaltigen technologischen Fortschritt der chinesischen Gesellschaft bewerkstelligt haben: eine Beschwörung des patrio tischen Geistes. Immerhin ist die Verklärung hier pazifistisch und auf Eisenbahnarbeiter gerichtet. In US-Produktionen gab es das zuletzt in Cecil B. DeMilles UNION PACIFIC (1938). Die Pionier-Ver klärung geschieht dort allerdings auf Kosten der kolonialisierten Bewohner des Landes. CLOUDY MOUNTAIN ist aber auch ein exzellenter Actionfilm, trotz der gelegentlich allzu offensichtlichen CGI-Tricks. Es geht um einen Erdrutsch bei einem Tunnelbau, und der Film lässt sich bis zur ersten Katastrophe keine fünf Minuten Zeit. Ein kurzer Dialog, ein Typ ist Messtechniker, seine Freundin auch, der Vater soll zu Besuch kommen, Andeutung eines Genera tionenkonflikts, die Chefin drängt aufs Tempo und RUMMS. Schnitt und Kameraführung sind so virtuos, dass selbst eine Kamerafahrt an einem ankommenden Bus entlang zu einer schwindelerregen den Bewegungschoreografie wird. Die psychologischen Konflikte sind minimal, gottseidank gibt es kein Typendrama, wie in klas sischen Katastrophenfilmen in der Tradition von THE POSEIDON ADVENTURE (1972). Alle verhalten sich weitestgehend vernünftig und tun, was sie können, um das Schlimmste zu verhindern, aber das ist schwierig genug. Ein Wassereinbruch im Tunnel ist nur der Anfang. Um die Zerstörung einer Stadt durch die Erdmassen zu verhindern, müssen Höhlen durchkrochen, Berge erklommen und gesprengt werden, in strömendem Regen. Ähnlich wie der indische Actionkracher RRR ist CLOUDY MOUNTAIN nationalistisches, aber perfektes Entertainment. D Tom Dorow  Start am 1.12.2022

Similar to the Indian action hit RRR, CLOUDY MOUNTAIN is nationalistic, but

enjoyable, action entertainment.

INVISIBLE DEmONS

Schonungslose Diagnose

„In den letzten 30 Jahren galt Indien als das Land mit der am schnellsten wachsenden Wirtschaft. Aber wer profitiert von die sem Wachstum?“ Dieser Frage geht Rahul Jain in seinem zweiten Film INVISIBLE DEMONS nach (sein Debut MACHINES von 2016 porträtierte die Arbeitsverhältnisse in einer indischen Textilfabrik). Es geht hier jedoch nicht so sehr um die ungleiche Vertei lung von Wohlstand, sondern um die Schattenseite der Industri alisierung, die Umweltverschmutzung, deren Auswirkungen wie derum ungleich verteilt sind: sowohl international, da der globale Süden stärker von der Klimakrise betroffen ist als die größten CO2-Emittenten, als auch national. So sind es in Indien die Armen und insbesondere die Obdachlosen, die den „Invisible Demons“ – der Hitze, der Luftverschmutzung und der Vergiftung der Was serquellen – schutzlos ausgeliefert sind.

Rahul Jains Erzählung ist zurückgenommen, nüchtern, selbstre flexiv – der in Kalifornien ausgebildete Filmemacher bezeichnet sich beispielsweise als „air conditioned child“ und verortet sich damit auf der privilegierten Seite der Gesellschaft. In seiner scho nungslosen Diagnose erlaubt sich Jain immer wieder assoziative Einstellungen und Bilder, die nicht nur ethisch, sondern auch ästhetisch erschütternd sind. Diese Bilder – von giftigen Schaum kronen, endlosen Mülldeponien oder mikroskopischen Rußparti keln – sind schön, fallen aber nie in die Kategorie des Erhabenen, die etwa Edward Burtynskis Dokumentarfilmen über das Anthro pozän so eine gefährliche Distanz verleiht. Auch bemüht sich Jain nicht um einen versöhnlichen Abschluss, wie, dass jede*r einen kleinen Beitrag zur Rettung der Welt leisten könne. So schnell schließt sich der Abgrund, den INVISIBLE DEMONS öffnet, nicht.

Yorick Berta

mEHr DENN JE

Licht am Fjord

Vicky Krieps spielt die 33-jährige Hélène, die an idiopathischer Lungenfibrose erkrankt ist, einer chronischen Erkrankung, bei der die Lungen langsam verhärten und die Betroffenen irgendwann ersticken. Die Ärztin hat eine Lungentransplantation in Aussicht gestellt, aber auch da sind die Aussichten nicht gut. Hélènes Freund Matthieu (Gaspar Ulliel in seiner letzten Rolle) klammert sich an diesen Rettungsanker, aber Hélène ist eigentlich schon woanders. In eindringlichen Szenen zwischen Krieps und Ulliel wird die Barriere deutlich, die sich zwischen ihnen aufgetan hat,. Besser verstanden fühlt sich Hélène bei dem norwegischen Blog ger „Mister“ (Bjørn Floberg), der Bilder, Fotos und Notizen aus seinem Leben mit Krebs postet. Als sie das erste Mal miteinander telefonieren, sagt er einen Satz, der Hélènes Situation perfekt zu erfassen scheint „Die Lebenden verstehen die Sterbenden nicht“, und sie macht sich auf den Weg, um ihn in Norwegen zu besuchen. Mister ist anders als gedacht, aber die Fjorde, die Luft und die Ruhe verhelfen Hélène zu einer Art von Frieden, der ihr in Paris fehlte. Emily Atef erzählt mit großer Genauigkeit. Krieps Darstellung lässt einen nie vergessen, dass fast jede Bewegung für Hélène eine Anstrengung bedeutet, zugleich spielt sie Hélène nicht als jemand, der leidet, sondern als jemand, der mit seiner Situation, Stück für Stück, umgeht. In Norwegen ist sie dann mit ganz praktischen Dingen beschäftigt, dem Licht, das sie am Schlafen hindert, oder dem fehlenden Handy-Empfang. MEHR DENN JE fängt ein, wie raumgreifend einfachste Alltagsdinge –eine durchwachte Nacht, ein unbequemes Bett, ein Bad im Fjord – in Hélènes Situation werden, und wie weit entfernt die Welt, die Freunde, sogar Mathieu, der sie verzweifelt nach Paris zurückho len möchte, ihr scheinen. D Hendrike Bake

Start am 1.12.2022

Originaltitel: Plus que jamais D Deutschland/Frankreich/Luxemburg/Norwe gen 2022 D 123 min D R: Emily Atef D B: Emily Atef, Lars Hubrich D K: Yves Cape D S: Sandie Bompar, Hansjörg Weißbrich D M: Jon Balke D D: Gaspard Ulliel, Vicky Krieps, Bjørn Floberg D V: Pandora Filmverleih

Deutschland/Finnland/Indien 2021 D 71 min

R: Rahul Jain D B: Yaël Bitton, Rahul Jain, Iikka Vehkalahti D K: Tuomo Hutri, Saumyananda Sahi, Rodrigo Trejo Villanueva D M: Kimmo Pohjonen D V: GMFilms

Gravely ill Hélène comes across Norwegian blogger “Mister“ online who makes her feel understood. She decides to travel to Norway.

Rahul Jain investigates the dark side of industrialization in India, the environmental pollution, with impacts that are unequally distributed, inter nationally as well as nationally. In India it is the poor that are unprotected against the heat, air pollution, and the contamination of water sources.

NELLY & NADINE

Unerschütterliche Liebe

Der schwedische Regisseur Magnus Gertten widmete sich bereits in HAFEN DER HOFFNUNG (2011) und EVERY FACE HAS A NAME (2015) Menschen aus einem Archivfilm, die am 28. April 1945 mit fast 2000 anderen Überlebenden deutscher Konzentrationslager den Hafen seiner Heimatstadt Malmö erreichten. NELLY UND NADINE, für den Gertten auf der Berlinale 2022 den TEDDY Jury Award erhielt, bildet den Abschluss seiner Filmtrilogie. Nadine Hwangs Blick, auf dessen Spuren er sich darin begibt, faszinierte ihn – an wen denkt sie? Auf dem Dachboden eines Bauernhofs in Nordfrankreich lagern Tagebücher, Briefe, Super-8-Filme und Fotos von Sylvie Bianchis Großmutter Nelly Mousset-Vos. 20 Jahre lang schafft Sylvie es nicht, die Dokumente anzuschauen, doch vor der Kamera ist sie nun bereit zu der aufwühlenden Reise in Nellys Vergangenheit. Immer entschlossener rekonstruiert Syl vie das Leben der Mezzosopranistin und lernt auszusprechen, was die Familie nie laut zu sagen wagte: Nelly und Nadine, die sich nach dem Krieg wiederfanden und gemeinsam nach Vene zuela gingen, waren jahrzehntelang ein Paar. In ihrem Tagebuch beschreibt Nelly, wann sich die beiden kennenlernten: Weihnach ten 1944 im Frauen-KZ Ravensbrück, als Nelly sang – und auf Nadines Wunsch eine Arie aus Madame Butterfly vortrug. In NELLY UND NADINE begleitet Magnus Gertten unmittelbar die Annäherung einer Enkelin an ein Familiengeheimnis – Nellys und Nadines lesbische Identität – und erzählt von einer unerschüt terlichen, queeren Liebe trotz aller Widerstände. Indem Gertten Nellys und Nadines persönliche Erinnerungen an das KZ Ravens brück öffentlich macht, wo im Mai 2022 erstmals offiziell lesbi schen Frauen und Mädchen gedacht wurde, setzt er den queeren Opfern des Nationalsozialismus ein eindrückliches und notwen diges filmisches Denkmal. D Stefanie Borowsky  Start am 24.11.2022

The moving documentary tells the story of Belgian opera singer Nelly Mousset-Vos and Chinese resistance fighter Nadine Hwang who met in the Ravensbrück concentration camp, got separated and found each other again after the war ended.

GrUmP

Nörgler auf Tour

In seiner Heimat Finnland ist der grummelige Einsiedler mit der Pelzmütze, der gegen alles Moderne zetert, aus Zeitungskolum nen, Hörfunk und dem Kino bekannt. Nach Deutschland hat es der Grump bislang mit dem Film KAFFEE MIT MILCH UND STRESS (2014) geschafft. Im neuen Film von Mika Kaurismäki (MASTER CHENG IN POHJANJOKI) reist der Kaffeeliebhaber nun selbst dort hin, nachdem er seinen roten 1972er Ford Escort schrottreif gefahren hat. Natürlich kommt für ihn als Ersatz nur ein genau gleiches Modell in Frage (Diese ganzen neumodischen Hybrids taugen ja nichts!) und das steht in Hamburg. Dort angekom men, gerät der Alte an Gauner und wacht ohne Geld wieder im Krankenhaus auf. Schlimm genug, und dann steht auch noch sein Bruder am Fußende, mit dem er doch nie wieder sprechen wollte! Aber der Bruder ist genauso dickköpfig, und so lässt sich der Grump notgedrungen von ihm helfen. Auf der Jagd nach dem Escort geht es quer durchs Land, und endlich sprechen sich die beiden auch darüber aus, wieso Jahrzehnte Funkstille zwischen ihnen herrschte.

Dafür, dass sich der Film um eine Figur, dessen Name im Ori ginal so viel wie „Der Mann, der sich über alles aufregt“ heißt,

ist er erstaunlich versöhnlich, und seine Botschaft lautet „Habt Verständnis füreinander“. Der Grump nörgelt viel, aber eigentlich ist er ein lieber Kerl und sorgt niemals für die ernsthaften Kon flikte, die bei einem Ewiggestrigen möglich wären. Alle Charak tere des Films stecken oder geraten in eine persönliche Krise, von einer Midlife Crisis bis hin zu einem Herzinfarkt. Die ist dann aber immer schnell bewältigt, weil auch sofort jemand hilft, und wird zur Chance, dass alles besser als vorher wird. Leider werden skurrile Charaktere (Ein Nachbar mit übermenschlich gutem Gehör) und Situationen („Escort“ ist nicht nur ein Auto) schnell wieder verworfen, bevor sie sich voll entwickeln können D Christian Klose  Start am 24.11.2022

Mika Kaurismäki tells a charming, warm-hearted story of two estranged brothers who reconnect after years of silence on a road trip across Germany.

Originaltitel: Mielensäpahoittaja Eskorttia Etsimässä D Deutschland/Finnland 2022 D 109 min D R: Mika Kaurismäki D B: Daniela Hakulinen, Tuomas Kyrö D K: Jari Mutikainen D S: Markus Leppälä D M: Anssi Tikanmäki D D: Iikka Forss, Heikki Kinnunen, Tiina Lymi, Mari Perankoski, Silu Seppälä, Rosalie Thomass D V: Arsenal Filmverleih

EmILY

Viktorianischer Freigeist

Als der neue, adrette Hilfspfarrer Mr. Weightman um 1840 seine Stelle in Haworth in West Yorkshire antritt, regnet es, und in sei ner ersten Predigt sinniert er über Gott in jedem Regentropfen. Der Sprengel ist entzückt ob so viel Poesie und Feingefühl, auch Anne und Charlotte Brontë, die Töchter des Pfarrers, nur eine guckt skeptisch: Emily.

Über die private Emily Brontë, eine der berühmtesten und mutigs ten Autorinnen der Weltliteratur, ist wenig bekannt. 1847 schrieb sie mit 29 Jahren unter dem Pseudonym Ellis Bells ihren ersten und einzigen Roman, den Klassiker „Wuthering Heights“ (Sturm höhe), ein Jahr später starb sie, vermutlich an Lungenentzündung. Sie war nie verheiratet, und auch von einer Liebesbeziehung weiß man nicht. Der Debütfilm von Frances O’Connor kümmert sich denn auch kaum um Fakten, sondern versucht, sich über den Roman ihrem Leben anzunähern. Statt der üblichen Suche von Spuren historisch belegter Ereignisse in einem literarischen Werk, imaginiert O’Connor ausgehend von Elementen des Buches Szenen aus Emilys Leben, was erstaunlich gut funktioniert.

So zeichnet O’Connor die Beziehung von Emily (Emma Mackey) und ihrem Bruder Branson als eng und verschwörerisch. Gemein sam huldigen sie in den Yorkshire Moors dem „freedom of thought”, und abends lugen sie durch die hellerleuchteten Fens ter der reichen Nachbarn – ganz so, wie es das in selbstzerstöre rischer Liebe verbundene Paar Catherine Earnshaw und ihr Adop tivbruder Heathcliff in „Wuthering Heights“ tut. O’Connor erfindet auch eine heiße Affäre, zwischen Emily und Mr. Weightman (Oli ver Jackson-Cohen), die ähnlich heimlich, ähnlich leidenschaft lich und ähnlich aussichtslos verläuft wie die Liebesgeschichte zwischen Catherine und Heathcliff. War es dort Cathy, die ein

bürgerlicheres Leben anstrebt, als es mit Heathcliff denkbar ist, so ist es hier Mr. Weightman, dessen Glauben ihn davon abhält, sich zum Freigeist Emily zu bekennen.

Das Auf und Ab der Gefühle verknüpft die Kamera von Nanu Segal mit der weiten Heidelandschaft des Hochmoors und ihren stän dig wechselnden Lichtstimmungen. Dominierte in Andrea Arnolds Adaption von „Wuthering Heights“ die graue Schwere eines wol kenverhangenen Himmels, so bricht hier immer wieder gleißende Sonne durch, ist das Moor der Ort, an dem Emily frei atmen, lie ben und denken kann. Einmal sagt sie „I will never get out of this pond” – “Ich werde diesen Flecken (wörtlich: Teich) niemals verlassen“, und Weightman antwortet: „Das hier ist kein Teich, es ist die See.“ Dazu rauscht draußen im Sturm das Heidegras.

Ähnlich wie letztes Jahr AMMONITE von Francis Lee, der auch eine reale Person, die Paläontologin Mary Anning, zum Anlass nahm, um sich ein Bild von den undokumentierten Seiten eines Frauenlebens im 19. Jahrhundert auszumalen, ist EMILY mehr Fantasie als Biopic. O’Connor entwirft ein modernes Porträt einer hochintelligenten, sehr privaten Frau, die wenig auf soziale Regeln gibt, aber einige Menschen gerade durch ihre Direktheit fasziniert. Einer Frau, die Emily Brontë hätte gewesen sein kön nen, möglicherweise aber auch nicht … D Hendrike Bake  Start am 24.11.2022

Similar to how Francis Lee’s AMMONITE painted a picture of the undocumented sides of women’s lives in the 19th century by portraying a real person, namely paleontologist Mary Anning, EMILY is more of a fantasy than a biopic.

Großbritannien 2022

130 min

R: Frances O’Connor

B: Frances O’Connor

K: Nanu Segal

S: Sam Sneade

M: Abel Korzeniowski

D: Emma Mackey, Fionn Whitehead, Oliver Jackson-Cohen, Adrian Dunbar, Gemma Jones, Alexandra Dowling, Sacha Parkinson, Amelia Gething D V: Wild Bunch

AN EINEm SCHÖNEN mOrGEN

Geist im eigenen Leben

Die französische Filmemacherin Mia Hansen-Løve greift immer wieder auf Autobiografisches zurück. In BERGMAN ISLAND ver wob sie die eigene Beziehung zu ihrem 26 Jahre älteren Ehemann Olivier Assayas, ebenfalls Filmemacher, mit dem Schaffen und Leben Ingmar Bergmans. Den Musikfilm EDEN über die franzö sische House-Szene schrieb sie mit ihrem Bruder, dem DJ Sven Løve. Auch AN EINEM SCHÖNEN MORGEN kokettiert damit.

Die Übersetzerin Sandra, Mitte 30, pflegt ihren Vater, einen ehemaligen Philosophieprofessor mit deutschen Wurzeln – was Hansen-Løves Stammbaum, ihr Vater war Übersetzer mit däni schen Wurzeln, die Mutter Philosophielehrerin, doch ähnelt. Die akademisch-bürgerliche Atmosphäre, aus der Sandra stammt, ist Hansen-Løve also nicht fremd. Im Gegensatz zur Filmemacherin ist Sandra (Léa Seydoux) verwitwet und alleinerziehend. Zwi schen Broterwerb und Care-Arbeit ist wenig Raum für sie. Der Vater, an einem seltenen neuro-degenerativen Syndrom erkrankt, ist immer weniger er selbst und kann nicht mehr alleine leben. Ein Heimplatz muss her. Sandra sucht für ihn, besucht ihn und erhält, was von seinem Leben übrig ist. Ihre Mutter unterstützt sie, ist aber als Kämpferin für Extinction Rebellion und mit dem neuen Lebensgefährten ausgefüllt. Für den Vater ist seine Part nerin Leyla das Hauptaugenmerk. Ihre kurzen Besuche entfachen Lebensfunken in ihm. An seine Tochter erinnert er sich oft nicht. Wie ein Geist im eigenen Leben scheint Sandra immer da zu sein, ohne gesehen zu werden. Erst als sie einen alten Freund ihres verstorbenen Mannes trifft, ändern sich auch die Dinge für sie. Aus einer Freundschaft wird eine Affäre und schließlich verliebt sie sich. Einfühlsam erzählt AN EINEM SCHÖNEN MORGEN von Abschied, Hoffnung und dem Riss zwischen der Sorge für andere und sich selbst. D Clarissa Lempp  Start am 8.12.2022

Translator Sandra (Léa Seydoux) is widowed, a single parent and is taking care of her sick father. Between breadwinning and carework, there’s little space for her.

Ein Film von Masaaki Yuasa

ECHO

Nachhall des Krieges

Nach einem Afghanistaneinsatz kehrt Kriminalhauptkommissarin Saskia Harder (Valery Tscheplanowa) in den Polizeidienst in der westdeutschen Provinz zurück. Im winterlich-verhangenen Nir gendwo des fiktiven nordrhein-westfälischen Örtchens Friedland ist eine Moorleiche gefunden worden. Im dunklen Wald begin nen Harder und ihr Kollege Alfons Tenhagen (Andreas Döhler), unterstützt von der schroffen Moormeisterin (Ursula Werner), zu ermitteln – und stoßen auf komische Käuze. Im nahe gelegenen Wasserschloss haust zurückgezogen – samt sprechendem Papa gei – Lorenz von Hüning (Felix Römer), der vor Jahrzehnten seine Tochter Beate verlor und sich seitdem seiner Sammlung aus Stei nen und Tierskeletten und dem Nymphengemälde Les Oréades widmet. Ist Bea die Tote im Moor? Kommissarin Harder suchen bei ihren Nachforschungen immer wieder Flashbacks aus dem Kriegseinsatz heim, bildlich dargestellt als pinkfarbener Nebel, den eine moderne Echo-Nymphe begleitet. Mit lakonischen, teils theatral anmutenden Dialogen und düsteren, von der WDR Big Band eingespielten Klängen erschafft Regisseurin Mareike Wege ner eine Mischung aus verstörendem Provinztatort, gegenwärti gem Echo-Mythos und Geschichtsaufarbeitung im symbolträchti gen deutschen Wald, die an Saralisa Volms SCHWEIGEND STEHT DER WALD erinnert. Auf mehreren Ebenen erzählt Wegener auf so schräge wie geniale Weise vom allgegenwärtigen Nachhall des Krieges und von dem Unausgesprochenen, das Wald und Moor verbergen. Spätestens als ein Einheimischer mitten im gespens tisch-beschaulichen Dorf lauthals den „Schuldkult“ und „anerzo genen Selbsthass“ für beendet erklärt, tritt zu Tage, dass nicht nur die Blindgänger im Boden Spuren des Zweiten Weltkriegs hinterlassen haben – in den Köpfen wirkt das Gedankengut nach.

EO

Fürsorge und Grausamkeit

von Jerzy Skolimowski, der zusammen mit ACHT BERGE den diesjährigen Preis der Jury beim Cannes Filmfestival gewann, handelt von einem Esel. Dieser Esel durchlebt stumm und stör risch, wie Esel eben sind, verschiedene Besitzverhältnisse: Zir kus, Streichelzoo, Tierarzt, Gestüt, Schlachthaus, um nur die naheliegendsten Erfahrungen eines Nutztiers zu nennen. EO ist eine Hommage an Robert Bressons eigentümlichen Film AU HASARD BALTHASAR von 1966; auch dieser dreht sich um einen Esel als passiven Akteur, der gerade durch diese Passivität die ihn umgebenden Menschen als neurotisch, brutal und durchgehend absurd entlarvt.

Gegenüber Balthasar wirkt der Esel Eo vermenschlichter, er spricht zwar nicht, doch verfügt er über Motivationen, die Balt hasar fremd zu sein schienen. In vielen Szenen und Schnitten bietet Skolimowski eine Interpretation von Eos Handlungen nach menschlichem Vorbild an. Gleichzeitig ist EO aber auch radikaler auf die tierische Erfahrung fokussiert. Alle menschlichen Schau spieler*innen sind kurzlebige Nebenfiguren, die auftauchen und vergehen, ohne dass sich ihr Charakter bestimmen oder moralisch bewerten ließe. Eo erlebt Fürsorge und Grausamkeit, doch oft auch eine Mischung aus beidem. Dieser Graubereich, in dem sich die Erzählung bewegt, wird durch surrealistische Einstellungen und eine markante Filmmusik unterstützt. Zu den eindrücklichs ten Szenen gehört ein Traum des schwer verletzten Esels, in dem ein vierbeiniger Roboter von Boston Dynamics durch eine schwarz verspiegelte Welt stakst. EO ist ein Ausgriff in eine bizarre, nicht menschliche Welt – ohne aber vor den anthropozentrischen Struk turen die Augen zu verschließen, in denen Tieren als lebenden und leidenden Ressourcen sehr begrenzte und schockierende Plätze zugewiesen werden. D Yorick Berta  Start am 22.12.2022

Originaltitel: Echo D Deutschland 2022 D 98 min D R: Mareike Wegener D B: Mareike Wegener D K: Sabine Panossian D S: Mareike Wegener D M: Thom Kubli D D: Valery Tscheplanowa, Andreas Döhler, Ursula Werner, Fedja van Huêt D V: Grandfilm

Polen 2022 D 86 min D R: Jerzy Skolimowski D B: Ewa Piaskowska, Jerzy Skolimowski D K: Michal Dymek D S: Agnieszka Glinska D M: Pawel Mykietyn D D: Sandra Drzymalska, Mateusz Kosciukiewicz, Tomasz Organek, Sophia Loren, Isabelle Huppert D V: rapid eye movies

With laconic, partially theatrical-seeming dialogues and dark sounds, director Mareike Wegener creates a mixture of a disturbing provincial crime thriller, the contemporary echo myth and reckoning with history in the symbolic German forest.

Jerzy Skolimowski’s EO is a homage to Bresson’s AU HASARD BALTHASAR: donkey EO takes an apocalyptic journey across a world that has been turned into hell by humans.

AFtErSUN

Nach dem Sonnenbad

AFTERSUN heißt Charlotte Wells‘ Spielfilmdebüt, wie die Krem, die aufgetragen wird, um den Schmerz zu lindern, der nach dem selbstvergessenen Glück des Sonnenbads auftritt. Sophie (Celia Rowlson-Hall) erinnert sich beim Betrachten alter Videoaufnah men an den gemeinsamen Türkei-Urlaub mit ihrem Vater Calum (Paul Mescal) vor zwanzig Jahren. Sie war elf, er wurde während der Reise 31. Aus den Videoaufnahmen entstehen Szenen wie mentale Bilder in Sophies Erinnerung. Der Budget-Urlaub beginnt mit Warterei an der Rezeption und einem Doppel- statt zwei Ein zelbetten auf dem Zimmer, aber Calum und Sophie scheint das kaum etwas auszumachen. Das Geld ist knapp, und in dem All-In clusive-Resort sind Calum und Sophie, die jeden Drink selbst zahlen müssen, Gäste der zweiten Klasse. Sophie steht an der Schwelle zur Pubertät, er wirkt so jung, dass zwei Teenager ihn beim Billard nach dem Namen seiner Schwester fragen. Sie interessiert sich nicht mehr für jüngere Kinder, ältere Teenager betrachtet sie heimlich, hängt später auch mit ihnen herum, aber so richtig dazu gehört sie noch nicht. Es wird sich viel eingekremt, und die Berührungen zwischen Vater und Tochter stehen eben falls auf der Schwelle. Mal trägt er sie wie ein Kind auf dem Arm ins Bett, mal will sie sich den Rücken selbst einkremen. Als das nicht gelingt, sind seine Berührungen äußerst vorsichtig.

Die ältere Sophie scheint in ihren Erinnerungen auf der Suche nach einer Dunkelheit zu sein, die sie damals, viel zu sehr mit sich selbst beschäftigt, nicht wahrgenommen hat. Calum ist an der Hand verletzt, es wird nie aufgeklärt, warum. Er kauft einen Teppich, den er sich nicht leisten kann. Langsam wird klar, dass neben der Urlaubsleichtigkeit eine Bedrohung mitschwingt, und dass Sophie als Erwachsene nach Antworten sucht, die sie viel leicht nie finden wird. Charlotte Wells‘ Film ist ein zärtlicher, heiterer und trauriger Film über Verlust und Erinnerung, der so unprätentiös daherkommt, dass die riskante Inszenierung mit so ungewöhnlichen wie beiläufigen Perspektiven leicht übersehen werden könnte. Stilistisch erinnert AFTERSUN am ehesten an Joanna Hogg (EXHIBITION), die sich aber nicht für die Arbeiter klasse interessiert, oder an Jonathan Glazer (UNDER THE SKIN). Charlotte Wells‘ Film ist eines der besten Debüts der letzten Jahre. D Tom Dorow  Start am 15.12.2022

USA/Großbritannien 2022 D 96 min D R: Charlotte Wells D B: Charlotte Wells D K: Gregory Oke D S: Blair McClendon D M: Oliver Coates D D: Paul Mescal, Frankie Corio, Celia Rowlson-Hall, Kayleigh Coleman, Sally Messham D V: Mubi

Sophie remembers her trip to Turkey with her father Calum 20 years ago by watching old video footage and traces chasms that she didn‘t perceive as a child.

ZEItEN DES UmBrUCHS

Politisches Erwachen

ZEITEN DES UMBRUCHS erzählt sehr zart und mit vielen Nuan cen eine Coming-of-Age Geschichte in Queens, New York in den 1980er Jahren. Während sein älterer Bruder Ted eine Privatschule besucht, geht der verträumte Paul (Michael Banks Repeta), der am liebsten zeichnet, in die sechste Klasse der staatlichen Schule. Es gefällt ihm gut dort, aber seine Leistungen lassen zu wünschen übrig, insbesondere als er sich mit dem neuen Sit zenbleiber Johnny (Jaylin Webb) anfreundet, der vor niemandem Angst hat, schon gar nicht vor dem Klassenlehrer Mr. „Turkey“ Turteltaub. Als John und Paul beim Kiffen erwischt werden, ergrei fen Schule und Eltern Maßnahmen: John, dem Schwarzen Jungen aus prekären Verhältnissen, drohen Förderschule und Pflege eltern, und Paul, Kind einer jüdischen Mittelschichtsfamilie mit Ambitionen, wird zum Privatschüler mit Schuluniform und Akten köfferchen. In der Aula werden Ansprachen an die „neue Elite“ des Landes gehalten, und in dieser Welt ist kein Platz für seinen besten Freund. ZEITEN DES UMBRUCHS erzählt aus Pauls Sicht von einem politischen Erwachen. Konfrontiert mit widersprüch lichen Eindrücken und sich widersprechenden Erwartungen und Loyalitäten, wird sich Paul immer mehr der Brüche bewusst, die durch die Gesellschaft gehen, aber auch in seiner eigenen Familie zu spüren sind. Da ist die Großelterngeneration mit ihren Erfah rungen von Flucht und Diskriminierung, da ist aber auch der Vater (Jeremy Strong), der als einfacher Klempner mit dem Snobismus der Verwandtschaft zu kämpfen hat und vom Aufstieg der Kinder träumt. Momente von Zuwendung und Härte wechseln einander ab. Pauls Anker in diesem Strudel ist sein prinzipientreuer und unerschütterlicher Großvater Aaron (Anthony Hopkins), der ihn auffängt und daran erinnert, vor allen Dingen ein „Mensch“ zu sein. D Hendrike Bake  Start am 24.11.2022

IL BUCO – EIN HÖHLENGLEICHNIS

Ungewöhnlich und schön

Warum macht man einen dialogfreien Film über eine Höhlenex pedition in Süditalien im Jahre 1961? Wer diese Frage erst einmal ignoriert und sich auf IL BUCO („Das Loch“) einlässt, sieht einen ungewöhnlichen und schönen Film.

1961 ist Italien im Wirtschaftswunder angekommen. Doch hun dert Jahre nach der nationalen Vereinigung gibt es immer noch ein deutliches Gefälle zwischen dem industrialisierten Norden und dem bäuerlichen Süden, das bis heute weiterbesteht. In diesem Kontext bricht eine Gruppe von Höhlenforscher*innen aus Mailand auf nach Kalabrien, um eine der tiefsten Höhlen der Welt zu erkun den. Mit der Expedition hält scheinbar die Moderne Einzug in die pastorale Monotonie des Südens. Das Hinabsteigen, Ausleuchten, Vermessen lässt sich als Metapher für die kolonialistische Wissen schaft verstehen, zumal die Aufnahmen aus der Höhle oft kont rastiert werden mit Erkundungen des Körperinneren durch Ärzte oder der gebannten Versammlung vor dem Fernseher, der auch die Dorfbewohner*innen Kalabriens in die Globalisierung portiert. Essenziell sind diese Assoziationen jedoch nicht. IL BUCO lässt sich genauso gut als Essay über die modernistische Entzauberung der Welt schauen wie als Porträt einer Landschaft, in der die Höhle die Hauptrolle übernimmt: Anstelle von Dialogen hören wir Trop fen, anstelle von Gesichtern sehen wir Schatten. Den Aufnahmen aus den feucht-dunklen Gängen, die an Eingeweide erinnern, ohne ekeln zu wollen, gingen immense technische Herausforderungen voraus: Das Filmteam um den Regisseur und Hobbyspeläologen Michelangelo Frammartino brauchte nach jedem Drehtag bis zu vier Stunden, um an die Oberfläche zurückzukehren. Und auch über der Erde zeigt IL BUCO ausnahmslos beeindruckende Ein stellungen, die auch die kleinsten Bewegungen und Geräuschen atmosphärisch in Szene setzen.

Berta

Originaltitel: Il buco D Italien/Frankreich/Deutschland

D 93 min

D R: Michelangelo Frammartino D B: Michelangelo Frammartino, Giovanna Giuliani D K: Renato Berta D S: Benedetto Atria D D: Paolo Cossi, Jacopo Elia, Denise Trombin, Nicola Lanza D V: Film Kino Text

IL BUCO can be seen as both an essay film about the modern demystifica tion of the world and as a portrait of a landscape in which the cave plays the main role.

Originaltitel:

James Gray

D

James Gray D K: Darius Khondji D M: Christopher Spelman D D: Anne Hathaway, Anthony Hopkins, Jeremy Strong, Domenick Lombardozzi, Michael Banks Repeta D V: Universal Pictures

ARMAGEDDON

tells a coming-of-age

VErLOrENE ILLUSIONEN

Opulent, präzise, hochaktuell

Merkwürdig, dass im stolzen Kinoland Frankreich ein Film der große Gewinner bei den Césars ist, der so nah an der Literatur vorlage bleibt, dass er wichtige Passagen des Romans von einer Off-Stimme vorlesen lässt, anstatt sie filmisch umzusetzen. Xavier Giannolis Adaption des gleichnamigen Romans von Honoré de Balzac ist opulent und präzise inszeniert, vertraut aber für wichtige Aspekte der Erzählung, für die Einordnung und Interpretation der Ereignisse ganz auf den Text. Das gilt im Kino eigentlich als ver pönt, weshalb man es fast als selbstbewussten Regelbruch sehen kann, die Worte des Autors auch ganz direkt vorkommen zu lassen. Beim Schauen gewöhnt man sich nach einer Weile daran, dass es hier eben einen Erzähler gibt, der einem immer wieder erklärt, was Sache ist. Erzählt wird von Aufstieg und Fall des jungen Dichters Lucien (Benjamin Voisin), der im nach-revolutionären, nach-napole onischen Paris der Restauration versucht, sich einen Platz im Lite raturbetrieb der Hauptstadt zu erkämpfen. Das läuft – siehe Titel – nicht darüber, dass die Granden der Szene sich in seine Gedichte verlieben, sondern über Kontakte, Intrigen, Gemeinheiten und den Verlust von Gewissen und Grundsätzen. Diesen Prozess der Desillu sionierung, der Konfrontation mit gesellschaftlichen Mechanismen und den Blick hinter die grandiosen Fassaden von Kunstbetrieb und Adel erzählen Balzac und Giannoli überaus genau, jeder Schachzug wird nachvollzogen, jede Manipulation durchschaubar gemacht. Herrlich böse die Figur des hochprofessionellen käuflichen Cla queurs Singali, der Triumph oder Fiasko von Theaterpremieren an den Meistbietenden verkauft. Hochjubeln und Hetze spielen sich in Balzacs Paris aber vor allem in gekauften Artikeln in den vielen Tageszeitungen ab. Die Nähe dieser Methoden zum heutigen Hype oder Rufmord via Social Media liegt auf der Hand und gibt dem his torischen Stoff große Aktualität. D Susanne Stern  Start am 22.12.2022

Originaltitel: Illusions perdues D Frankreich

144 min

R: Xavier Giannoli D B: Jacques Fieschi, Xavier Giannoli D K: Jacques Fieschi D D: André Marcon, Benjamin Voisin, Cécile de France, Gérard Depardieu D V: Cinemien

Xavier Giannolis adaptation of the eponymous novel by Honoré de Balzac is opulent and precisely staged, but completely relies on the text for the important aspects of the narrative, for the categorization and interpretation of the events.

mENSCHLICHE DINGE

Paradigmenwechsel

Bereits in DIE BRILLANTE MADEMOISELLE NEÏLA (frz. LE BRIO, das Vorbild für Sönke Wortmanns CONTRA) beschäftigte sich Yvan Attal damit, was passiert, wenn alte, weiße Dinosaurier des Kulturbetriebs auf neue Sensibilitäten stoßen. Damals war es ein ressentimentgeladener Juraprofessor, der an eine schlagfertige Studentin mit arabischen Wurzeln geriet. Auch MENSCHLICHE DINGE nach dem gleichnamigen Roman von Karine Tuil ist wieder ein eleganter Film, der von gesellschaftlichem Diskurs handelt und von seinen klugen, scharfen Dialogen lebt, die Tonlage ist aber um Einiges ernster. Im Zentrum steht die ultra-bürgerliche Familie Farel. Vater Jean (Pierre Arditi) ist ein bekannter Fern sehmoderator. Mutter Claire (Charlotte Gainsbourg) ist feminis tische Essayistin, Sohn Alexandre (Ben Farel) studiert an einer US-amerikanischen Elite-Uni und ist gerade in den Semesterfe rien zu Besuch. Die Eltern sind getrennt, aber die Verhältnisse scheinen geklärt und freundschaftlich.

Der Film beginnt auf dem Zenith von Jeans Karriere, morgen soll er zum Großoffizier der Ehrenlegion ernannt werden, aber eine Zeitenwende kündigt sich bereits an. Seine Talkshow „Le Grand Oral“ wird abgesetzt, man brauche „neue Gesichter“. Auch Claire spürt Gegenwind, eben noch hat sie sich in einer Radiodebatte um sexuelle Gewalt durch Migranten gegen den Vorwurf des Rassismus verteidigt. „Alle sexuellen Straftäter, und ich meine, alle, müssen gleichermaßen hart bestraft werden!“ ist ein Satz, der ihr auf die Füße fallen wird: Am Morgen der Preisverleihung wird ihr Sohn Alexandre von Polizisten abgeholt. Der Vorwurf lau tet Vergewaltigung, und die Anklägerin ist keine andere als Mila (Suzanne Jouannet), die Tochter von Claires neuem Lebensge fährten, mit der Alexandre am vergangenen Abend gemeinsam auf einer Party war.

Minutiös verfolgt MENSCHLICHE DINGE wie die Schockwellen die beiden betroffenen und verzahnten Familien durchlaufen. Wie Alexandre nur langsam begreift, dass seine Zukunftspläne sich erstmal in Luft auflösen. Wie Mila unter Tränen aussagen muss, während ihre jüdisch-orthodoxe Mutter fassungslos daneben sitzt. Wie Claire sich fragt, ob ihr Sohn das wirklich getan haben könnte, und Jean davon ausgeht, dass er unschuldig ist: „Das hat er doch gar nicht nötig“. Zwei Jahre später kommt es zum Prozess, dem Herzstück des Films, und in einer hochspannenden Verhandlung schälen sich aus Falschaussagen, Zeugenbefragun gen und Plädoyers nach und nach die Umstände des verhängnis vollen Abends heraus.

Dabei ist der Tathergang am Ende einigermaßen klar, zumindest so viel: Es kam zum Sex und Mila hat sich nicht gewehrt oder „Nein“ gesagt. Worum es in MENSCHLICHE DINGE eigentlich geht, ist etwas anderes. Der Film wirft ein scharfes Licht auf die beiden völlig unterschiedlichen Perspektiven von Täter und Opfer. Was der vom Leben und weiblicher Aufmerksamkeit verwöhnte Alexandre maximal als eine Art versnobte Rücksichtslosigkeit versteht, hat Mila als bewussten, willkürlichen Übergriff erlebt. Noch vor 10 Jahren wäre Alexandre ein Freispruch sicher gewe sen, wäre eine Anklage vermutlich erst nie erfolgt, doch inzwi schen haben sich die Parameter verschoben. In MENSCHLICHE DINGE lotet Yvan Attal geschickt die Eckpunkte des Diskurses aus.

After a party, young elite student Alexandre is accused of rape. In the legal drama THE ACCUSATION, Yvan Attal deftly surveys key points of contem porary discourse: when does recklessness and thoughtlessness become sexual assault?

HALLELUJAH: LEONArD COHEN, A JOUrNEY, A SONG

Lied und Autor

HALLELUJAH erzählt von der Entstehung eines modernen Volks liedes: Die Regisseur*innen Danya Golfine und Dan Geller lassen ihre Zuschauer*innen miterleben, wie Leonard Cohens „Hallelu jah“ in der Zeitspanne eines Menschenlebens zu einem weltwei ten Phänomen wurde. Das Leben Cohens, der 2016 verstorben ist, bildet dabei den Rahmen für die Geschichte eines Liedes, das sich eigentlich längst von seinem Autor gelöst hat.

Als der jüdische kanadische Dichter Leonard Cohen Anfang der 60er zum ersten Mal als Musiker in Erscheinung tritt, ist er mit 32 Jahren schon zu alt für „das Geschäft“. Erst, als die bekannte Sängerin Judy Collins seinen Song „Suzanne“ covert, beginnt seine ungewöhnliche musikalische Karriere. Das Filmteam inter viewte zahlreiche seiner Wegbegleiter*innen, darunter die lang jährige Kollaborationspartnerin Sharon Robinson und den „Halle lujah“-Produzenten John Lissauer, der auch den Score zum Film komponiert hat. Die Fotografin Dominique Issermann, die lange mit Cohen zusammen war, war dabei, als er „Hallelujah“ schrieb, und findet eine treffende Metapher: Das Lied sei „wie ein Vogel, der durch den Raum fliegt und manchmal die Wände der Kultur berührt.“ Flughilfe bekam das Lied von Musikern wie Bob Dylan, John Cale (Velvet Underground) und Jeff Buckley, deren Versionen längst bekannter sind als das Original. Heute ist „Hallelujah“ ein Weihnachts- und Hochzeitsschlager, der in dem Repertoire kei nes Kirchenchores fehlen darf. Der Dokumentarfilm zeichnet den Weg des Songs nach, verfolgt aber auch die Spur zurück zu sei nem Urheber. So erinnert er seine Zuschauer*innen unter ande rem daran, dass dieses vielleicht bekannteste „moderne Gebet“ sprachlich wie philosophisch in einer jüdischen Tradition steht.

StILLE POSt

Kurdischer Lehrer in Berlin

Mit seinen Schülerinnen und Schülern pflegt Lehrer Khalil (Hadi Khanjanpour) einen so emphatischen wie sanft-autoritären Umgang: nicht gefürchtet, aber stets respektiert. Für den Leh rer-Job, zumal in Berlin, keine ganz schlechten Voraussetzungen. Rührend, wie er einem Jungen nicht nur physisch, sondern mit Worten über den Turnkasten hilft: „Ist doch gut!“. Das Leben des Pädagogen wird zerfleddert, als ihm seine, als Journalistin arbei tende Freundin (Kristin Suckow) Videos aus seiner kurdischen Heimatstadt zeigt: Ist das wirklich seine, seit Jahren tot gewähnte Schwester Senem, die all die brutalen Zusammenstöße zwischen Kurden und türkischen Sicherheitskräften filmt? Über fast die gesamte Filmlänge wird Khalil sich mit dieser Frage herumschla gen. Wird versuchen, die stets neuen, über einen kurdischen Kul turverein nach Berlin geschmuggelten Bilder aus Cizre, dieser am Tigris gelegenen Stadt, einzuordnen. Wie es Khalil zunehmend emotional zerreißt, dafür findet der in Kreuzberg geborene Regis seur Florian Hoffmann in seinem Spielfilmdebüt adäquate, zumeist in kühles Grüngrau getauchte Bilder. Ein Grüngrau, das nicht sel ten vom Widerschein all der Monitore und Mobiltelefone stammt, die im Film eine Rolle spielen. STILLE POST ist (auch) Kommentar zu und Kritik an unserer Medienkultur. Wie funktioniert Agenda Setting? Welche Bilder schaffen es durch die Filter der (auf ver meintlich zynischen Maßstäben fußenden) Medien? Fragen wie diese überlasten den Film, der schon an seinem Hauptthema schwer trägt, ein wenig. Am meisten bei sich ist der Film in den Szenen, die den Lehrer beim schlichten, indes so wichtigen Ein fach-Für-Seine-Schüler-Da-Sein zeigen, etwa wenn Khalil das kur dische Mädchen aus seiner Klasse vor den Hänseleien türkischer Jungs in Schutz nimmt. D Matthias von Viereck  Start am 15.12.2022

The documentary follows the story behind what is probably Leonard Cohen’s most well-known

Deutschland 2021 D 94 min D R: Florian Hoffmann D B: Florian Hoffmann D K: Carmen Treichl D S: Marco Rottig D D: Hadi Khanjanpour, Kristin Suckow, Aziz Capkurt, Jeanette Hain, Melda Kanbak D V: Across Nations

Elementary school teacher Khalil has lived in Germany for years. He begins a feverish search when he believes he recognizes his sister in pictures from Kurdistan.

DEr rUSSE ISt EINEr, DEr BIrKEN LIEBt

Was hält?

Einmal beschwert sich ihr deutscher Freund Elias (Slavko Popa dic) bei Mascha (Aylin Tezel) darüber, dass er gar nichts über sie weiß, sie nie etwas von sich erzähle. Für ihn ist das ein Zeichen mangelnden Vertrauens. Vielleicht ist das auch so, denn Mascha legt sich nur ungern fest. Andererseits lässt sich Mascha auch nicht so leicht auf einen Ort, eine Geschichte reduzieren. Sie ist zugewanderte Deutsche, geflohen aus Aserbaidschan, von Kind heitstraumata geprägt, aber gut aufgehoben im Jetzt, Jüdin, und als angehende Dolmetscherin in vielen Sprachen, Orten und Kul turen zu Hause. Mit ihrem besten Freund Cem (Sohel Altan Gol), ebenfalls Dolmetscher, spricht sie Türkisch, ansonsten Deutsch, Russisch, Englisch, Französisch, Spanisch und Italienisch. Sie ist Klassenbeste, feiert gern und träumt von einer Karriere bei der UN. Der Film fängt diese Vielheit, die auch ein Gefühlszustand ist, in schnellen Orts- und Zeitwechseln ein. Gegenwart und Ver gangenheit verschränken sich, wenn Mascha eben noch mit Elias in der gemeinsamen Küche sitzt, dann allein in einem Apartment in Tel Aviv. Erst nach und nach schält sich heraus, wie sie dort hingekommen ist, dass Elias nach einem Sportunfall erkrankt und an Komplikationen verstorben ist, und Mascha nun sozusagen auf der Flucht ist – in noch mehr Orte, Sprachen, Beziehungen, Kon flikte. Nach dem gleichnamigen Bestseller von Olga Grjasnowa aus dem Jahr 2012 erzählt Pola Beck gleichermaßen schnell und einfühlsam von einer globalen Generation, die sich ihre Koordi natensysteme aus „Zuhause“ und „Familie“ selbst und immer wieder neu zusammensetzt. Als mit Elias Maschas wichtigster Ankerpunkt wegfällt, bricht für sie dieses Koordinatensystem aus einander und katapultiert sie auf eine Reise, auf der sie austestet, was hilft, was hält, und was bleibt. D Toni Ohms  Start am 3.11.2022

Philipp Thomas

Johannes Repka

Aylin

Sohel Altan Gol, Slavko Popadic, Yuval Scharf

Port-Au-Prince Pictures

Based on the eponymous bestseller by Olga Gryasnowa from 2012, Pola Beck tells the story, both quickly and sensitively, of a global generation that continually recomposes its own coordinate systems of “home“ and “family”.

mEIN GEStOHLENES LAND

Paúl ist Anführer des bewaffneten, indigenen Protests gegen die Mine Río Blanco. Sie kämpfen gegen die rücksichtslose Ausbeu tung und sehen dabei massiver staatlicher Verfolgung ins Auge. Fernando ist Journalist und hat Geheimverträge aus den Jahren 2009 bis 2017 aufgedeckt, in denen sich Ecuador unter der Regierung Rafael Correas extrem bei China verschuldet hat und in Folge dessen seine landesweite Souveränität in Bereichen des Bergbaus oder der Ölförderung in Gefahr ist. Fernando sagt dazu, Ecuador sei nun ein weiteres Mal kolonialisiert worden.

Start am 10.11.2022

GEIStErSCHIFFE

Die thailändische Fischereiindustrie gehört zu den größten der Welt. Die illegale Fischerei macht dabei einen großen Teil des Marktes aus, vor allem, seit die Bucht von Thailand praktisch leergefischt ist und die Trawler weite Wege zu den Fischgründen zurücklegen müssen. Patima Tungpuchayathul versucht mit ihrer Organisation LPN (Labor Rights Promotion Network Foundation) auf den Schiffen versklavte Männer zu befreien und Männern, die aus der Sklaverei entkommen sind, die Rückkehr in ihre Heimat und zu ermöglichen und sie bei Gericht zu unterstützen.

Start am 8.12.2022

VANDANA SHIVA – EIN LEBEN FÜr DIE ErDE

1982 gründete die Wissenschaftlerin und Schriftstellerin Dr. Vandana Shiva die Research Foundation for Science, Technology and Ecology (RFSTE), ein unabhängiges Forschungsinstitut, das sich mit den drängendsten ökologischen Problemen unserer Zeit befasst, und zwei Jahre später Navdanya („neun Samen“), eine Bewegung zur Verteidigung der biologischen Vielfalt und der Kleinbauern. Ihr Engagement machte sie zur Feindin der Agrarin dustrie und brachte ihr den alternativen Nobelpreis ein. Der Doku mentarfilm erzählt von ihrem Werdegang zur Umweltaktivistin.

 Start am 1.12.2022

mErKEL

Angela Merkel war nicht nur die erste Frau im Bundeskanzleramt, mit vier Amtszeiten von 2005 bis 2021 gehört sie neben Helmut Kohl (fünfmal wiedergewählt) und Konrad Adenauer auch zu den erfolgreichsten Personen, die diesen Posten je bekleidet haben. Basierend auf Archivmaterial und Interviews mit engen Vertrau ten erzählt der Dokumentarfilm zum ersten Mal mit Blick auf ein internationales Publikum „den unaufhaltsamen Aufstieg der drei fachen Outsiderin – Frau, Wissenschaftlerin, Ostdeutsche – und wie sie zur de facto Führerin der Freien Welt wurde.“

 Start am 24.11.2022

Großbritannien

Weber

Originaltitel: Ghost Fleet

min

R: Shannon Service, Jeffrey

K: Jeffrey Waldron

S: Parker Laramie

M: Mark Degli Antoni

James

Camilla Becket

Marc Wiese

K: Wolfgang Held

S: Marc Schubert

M: Alva Noto D V: Real Fiction

BLACK mAmBAS

Für die „Black Mambas“ ist ihr Job ein Dilemma. Im Kruger Natio nalpark, einem der beliebtesten Tourismusziele Südafrikas, gehen die Rangerinnen gegen Wilderer vor. Für sie selbst ist der Job eine Chance, für ihre Communities kommt er oftmals Verrat gleich, denn die lokalen Gemeinden haben an der Wildtierwirtschaft der Parks keinen Anteil. Der Film porträtiert die Arbeit der Frauen zwischen Artenschutz und Tradition, weißen Vorgesetzen und fordernden Angehörigen, und wirft einen Blick auf „das System Nationalpark“.

 Start am 17.11.2022

Frankreich/Deutschland/Südafrika 2022 D 81 min D R: Lena Karbe

rOBIN BANK

Der katalanische Aktivist Enric Ducan, aka Robin Bank, nahm zwi schen 2005 und 2008 Kredite in Höhe von einer halben Million Euro auf, die er nie zurückzahlte. Stattdessen ließ er das Geld sozialen Projekten zukommen, die für die ihnen geschenkten Gel der natürlich nicht belangt werden konnten. Nach einer zweimo natigen Haft wurde Ducan auf Kaution freigelassen und floh. Bis heute lebt er im Exil und agitiert von dort aus für zivilen Ungehor sam. Die Dokumentarfilmerin Anna Giralt Gris hat ihn aufgespürt und erzählt seine Geschichte.  Start am 10.11.2022

Spanien 2022 D 80 min D R: Anna Giralt Gris

CrImES OF tHE FUtUrE

Körper-Pop der unmittelbaren Vergangenheit

In der Welt, die David Cronenbergs CRIMES OF THE FUTURE beschreibt, spüren die meisten Menschen keinen Schmerz mehr. Eine Ausnahme ist der Performance-Künstler Saul Tenser (Viggo Mortensen), der ständig an Schmerzen leidet, in einem speziel len Knochenmassage-Bett schlafen und in einem sehr unbequem wackelnden Stuhl frühstücken muss. Seine Kreativität besteht in der permanenten Produktion neuer Organe, deren Zweck unge wiss bleibt. Es seien Tumore, rumort es. Seine Partnerin Caprice (Lea Seydoux), eine ehemalige Trauma-Chirurgin, tätowiert Sauls Organe im Körper und extrahiert Sauls „innere Schönheit“ schließlich mit einer aufwendig umgebauten Autopsie-Maschine während einer Live-Performance. Saul und Caprice sind Super stars der Performance-Kunstszene.

Man merkt Cronenbergs Film an, dass der Regisseur dieses Pro jekt bereits in den 90er Jahren begonnen hat. Es gibt zahlreiche Bezüge zu älteren Filmen, vor allem zu VIDEODROME (1981), in dem Körper mit Medien (bzw. VHS-Videorekordern) verschmel zen und ein „neues Fleisch“ begründen, und mit DEAD RINGERS (1988), in dem Zwillinge einen Fetisch für mutierte Geschlechts organe entwickeln. In den neunziger Jahren wurden die Fantasien aus Cronenbergs früheren Filme immer mehr zur Wirklichkeit. In der Pop-Kultur wurden Tattoos und Piercings zum Kennzeichen von „urban primitives“ erklärt, Body Art und Body Modifications wurden Mainstream, Performance-Künstler wie Flatz, der sich auf einem Berliner Mietshaus kreuzigen und auspeitschen ließ, wäh rend ein Hubschrauber eine tote Kuh auf die Straße warf, wurden

zu Cover-Stars des „Zeit-Magazins“. Goths lasen Batailles „Ero tisme“ und dachten beim transgressiven Vögeln an den Tod.

CRIMES OF THE FUTURE ist also eher ein ironischer Titel. Das „shock value“ der älteren Cronenbergs erreicht CRIMES nicht, aber der Witz, der damals auch durch die Erregung in den Zensur behörden verdeckt wurde, tritt deutlicher hervor. Es gibt eine Per formance eines nicht ganz so großartigen, aber populären Künst lers, der sich hundert Ohren an den Körper nähen lässt, die aber alle nichts hören. Es gibt ein Fan-Archiv, in dem Kristen Stewart als sexy-creepy Mega-Fan davon träumt, EINMAL selbst eines von Sauls Organen zu tätowieren. Es gibt ein lesbisches Mechanike rinnen-Paar, das völlig auf die Autopsie-Maschine abfährt. Ob die Verbrechen der Zukunft wirklich in der Manipulation von Organen und epigenetischen Versuchen mit dubiosen Zwecken liegen, sei mal dahingestellt. Als eine Satire über den Körper-Pop der unmit telbaren Vergangenheit ist CRIMES OF THE FUTURE ungemein amüsant. Dass zu Beginn des Films ein Plastikmülleimer verzehrt wird, ist konsequent. D Tom Dorow  Start am 10.11.2022

In the world which David Cronenberg’s CRIMES OF THE FUTURE depicts, most people don’t feel any pain anymore. One exception is performance artist Saul Tenser (Viggo Mortensen), who is constantly in pain and is con stantly producing new organs with purposes that remain unclear.

Kanada/Griechenland/Frankreich 2022 D 107 min D R: David Cronenberg D B: David Cronenberg D K: Douglas Koch D S: Christopher Donaldson D M: Howard Shore D D: Kristen Stewart, Léa Seydoux, Viggo Mortensen, Scott Speedman, Tanaya Beatty D V: Weltkino

mrS. HArrIS UND EIN KLEID VON DIOr

Träume in Tüll

MRS. HARRIS UND EIN KLEID VON DIOR ist zuckersüß, ein Film wie ein Windbeutel mit Schokoüberzug, oder besser – es geht ja um Paris und ein gewisses je-ne-sais-quoi – ein elegantes Türmchen hauchzarter Profiteroles. Mrs. Harris (Lesley Manville) ist eine Londoner Putzfrau, deren Ehemann auch ein Jahrzehnt nach dem Krieg noch als vermisst gilt. Ihre beste Freundin ist die zupackende Nachbarin Vi, und im Hintergrund hält ihr Archie die Stange, der im Wettbüro der Hunderennbahn arbeitet. Als Mrs. Harris bei einer ihrer Kundinnen ein Ballkleid von Dior entdeckt, einen pastellfarbenen Traum aus Tüll und Stickerei, und überra schend eine hübsche Summe beim Wetten gewinnt, wagt sie es, sich ein Ziel zu setzen. Ein unpraktisches Luxusziel: ein Kleid von Dior. Wie Mrs. Harris sich Penny für Penny ihren Traum zusam menspart, gehört zu den rührendesten Szenen des Films. Und dennoch braucht es noch zusätzliches Glück, bis sie endlich im Flieger nach Paris sitzt. Dort angekommen, gerät sie nicht nur an Madame Colbert (Isabelle Huppert), die die einfache Frau sofort wieder hinauskomplimentieren möchte, sondern stellt auch fest, dass sie für die Maßanfertigung EINE GANZE WOCHE in Paris blei ben muss, wofür sie weder Geld noch Zeit hat. Doch alle helfen mit: Vi und Archie in London, ein Vicomte und ein Buchhalter in Paris, und Model Natascha mit dem Faible für existentialistische Literatur. Mrs. Harris schlägt sie alle mit ihrer Mischung aus gro ßen Träumen und einer schlagfertigen Bodenständigkeit in ihren Bann. MRS. HARRIS ist ein buntes, nostalgisches Filmmärchen, das nicht nur in den 1950ern spielt, sondern auch dort hätte produziert sein können. Weniger raffiniert als die Kreationen von Dior, dabei aber so offenherzig wohlwollend, dass man ihm das kaum übelnehmen kann. D Hendrike Bake  Start am 10.11.2022

When

Harris Goes

Paris

min

Anthony

Carroll Cartwright, Anthony Fabian

Felix Wiedemann

S: Bar

Pilling D M: Rael Jones D D: Jason Isaacs, Rose Williams, Lesley Manville, Isabelle Huppert, Alba Baptista, Anna Chancellor

V: Universal Pictures

mEINEN HASS BEKOmmt

IHr NICHt

Suche nach Halt

Der Journalist Antoine Leiris schrieb, nachdem seine Frau Hèléne beim islamistischen Massaker im Musikclub Bataclan ermordet wurde, ein Facebook-Posting, das in kürzester Zeit viral ging und am nächsten Tag auf der Titelseite von „Le Monde“ abgedruckt wurde. Das Posting verband tiefste persönliche Betroffenheit mit einer beeindruckenden Weigerung, in die Spirale des Hasses und der Gewalteskalation einzusteigen. Leiris schrieb später ein Buch mit dem Titel „Meinen Hass bekommt ihr nicht“, das vor allem einen todtraurigen Mann zeigte, der verzweifelt nach Halt sucht, und ihn am ehesten in der Verantwortung für seinen kleinen Sohn Melvil findet. Der gleichnamige Film von Kilian Riedhof, der vor allem für seine TV-Dokudramen „Gladbeck“ und „Der Fall Bar schel“ bekannt ist, hält sich über weite Strecken minutiös an Lei ris’ Schilderungen. Es geht weniger um Leiris’ Absichtserklärung, glücklich zu werden, damit sein Sohn nicht von ererbtem Hass zer fressen wird, sondern um das Überleben, wenn Verlust und Trauer die ganze Welt als fremd erscheinen lassen. Von den zahlreichen Bataclan-Filmen, die in den letzten Monaten herausgekommen sind oder demnächst starten – NOVEMBER über die Polizeiarbeit nach dem Anschlag, der spanische Film LIEBE, FRIEDEN UND DEATH METAL über zwei Überlebende nach dem Anschlag, und die Net flix-Doku NOVEMBER 13 – ATTACK ON PARIS, eine Chronik aus der Perspektive von Überlebenden, Polizisten und Helfern – inter essiert sich MEINEN HASS BEKOMMT IHR NICHT am wenigstens für das Attentat selbst. Antoine (Pierre Deladonchamps) schaltet den Fernseher aus, wenn Nachrichten über die Täter zu sehen sind. Riedhofs Film zeigt Momentaufnahmen, in denen der Alltag als jun ger Vater beim Überleben hilft, und solche, in denen Schmerz und Trauer ihn überwältigen. D Tom Dorow  Start am 10.11.2022

Originaltitel: Berdreymi D Island/Dänemark/Schweden/Niederlande/Tsche chische Republik 2022 D 123 min D R: Guðmundur Arnar Guðmundsson D B: Guðmundur Arnar Guðmundsson D K: Sturla Brandth Grøvlen D S: Andri Steinn Guðjónsson, Anders Skov D D: Birgir Dagur Bjarkason, Áskell Einar Pálmason, Viktor Benóný Benediktsson, Snorri Rafn Frímannsson, Anita Briem D V: Edition Salzgeber

BEAUtIFUL BEINGS

Magisch und alptraumhaft

Erwachsenwerden kann beglückend, erdrückend, magisch und albtraumhaft zugleich sein. All das fängt Guðmundur Arnar Guð mundsson in seinem zweiten Langfilm BEAUTIFUL BEINGS ein, der vom Aufwachsen in den Vororten von Reykjavik erzählt. Der 14-jährige Balli (Áskell Einar Pálmason) ist ein Einzelgänger. Zuhause findet er keinen Halt, in der Schule wird er gemobbt. Seine Mutter ist drogenabhängig, der Vater sitzt im Knast. Seine Mitschüler Addi (Birgir Dagur Bjarkason), Konni (Viktor Benóný Benediktsson) und Siggi (Snorri Rafn Frímannsson) tyrannisie ren ihn nach der Schule. Aus Langeweile enden sie eines Nach mittags in dem verwahrlosten Haus, in dem Balli meist mit sich alleine ist. Langsam entwickelt sich zwischen den vier Jungs eine Art Freundschaf. Sie alle stammen aus zerrütteten Verhältnissen und halten zusammen, als Ballis Vater aus dem Gefängnis ent lassen wird und plötzlich wieder zu Hause aufaucht. Gemeinsam bieten sie dem gewalttätigen Schläger die Stirn. Klug und einfühlsam reflektiert Guðmundsson (HERZSTEIN) in seinem bemerkenswerten Film die Auswirkungen von Gewalt und emotionaler Verwahrlosung. Die Atmosphäre drohender Gewalt verlagert sich, bleibt aber steter Bestandteil in der Welt der Heranwachsenden. Dazwischen finden Guðmundsson und sein Kameramann Sturla Brandth Grøvlen hypnotische Traumbilder, in denen Addi sein ambivalentes Verhältnis zu seiner Mutter und dunkle Vorahnungen verarbeitet. Guðmundssons Coming-of-AgeDrama pendelt gekonnt zwischen hartem Sozialrealismus und sanfer Freundschafsgeschichte. Im Panorama der diesjährigen Berlinale wurde er dafür mit dem Europa Cinemas Label Preis als bester europäischer Film ausgezeichnet D Lars Tunçay  Start am 10.11.2022

Growing up can

Originaltitel: Vous n’aurez pas ma haine D Deutschland/Frankreich/Belgien

Riedhof, Jan Braren,

Blöbaum, Stéphanie Kalfon

Pierre Deladonchamps, Camélia Jordana, Zoé

Antoine Leiri loses his wife and daughter in the attack at the Parisian club Bataclan. His social media post “you will not have my hate!” spreads across the world. An adaptation of the eponymous autobiographical

DrEI WINtEr

Wenig Sprache, große Bilder

Ein Mann mit einem Nacken wie die Kuh, die er bemuttert. Ein Mann „vom Flachland“, wie sie in der Beiz im Dorf über ihn sagen, einer, der seit einem Winter da ist und drei Winter bleiben wird. Marco lebt hoch oben in den Schweizer Bergen, umgeben von grünen, steinigen Wiesen oder von weißen Bergkämmen, je nach Saison. Er ist gekommen, um einem Bauern auszuhelfen, beim Aufbereiten, bei den Kühen, beim Schneeschippen. Marco (Simon Wisler) hat sich in Anna (Michèle Brand) verliebt, die aus dem Bergdorf kommt, als Postbotin und Kellnerin arbeitet und eine kleine Tochter aus einer früheren Beziehung hat. „Wer mich will, muss auch meine Tochter wollen“, sagt sie einmal fast trium phierend zu den Stammgästen der Kneipe, die mit Skepsis auf Marcos und Annas Beziehung schielen. DREI WINTER von Michael Koch erzählt mit wenig Sprache und großen Bildern von einer Liebe, die sich zunächst selbst genügt, von blanker Zärtlichkeit und Sonne im Heu. Doch die Glückseligkeit währt nicht lang, erst tauchen bei Marco Schmerzen am Auge auf, dann ein Tumor im Gehirn. Sein Verhalten verändert sich, er wird abwesend, aggres siv. Irgendwann erwischt ihn Annas Freundin dabei, wie er vor deren Tochter onaniert. Anna trennt sich, zumindest räumlich. Sie bricht zusammen, aus Angst um das Wohl ihrer Tochter. Doch sie sagt auch: „Er ist krank, er ist kein schlechter Mensch.“ Und steht zwischen Abscheu und Mitleid alleine da. Kochs Film möchte sich auf keine Seite stellen, kein klares Bild zeichnen, Opfer hier, Täter dort, Berg, Flachland, die Integrierte, der Außenseiter und so wei ter. DREI WINTER ist langsam und fein beobachtet, roh gespielt von seinen Laiendarsteller*innen. In hellgrün-weißen Bildern wird die Schönheit, aber auch die Tristesse der kargen Bergwelt ein gefangen, die Härte der Umstände. D Lili Hering  Start am 15.12.2022

Marco from the “lowland” loves Anna from the mountain village. Then he gets sick and his behavior changes. A PIECE OF SKY is slow and well-ob served with raw acting from its amateur actors.

Künstlerinnen in der DDR

In REBELLINNEN porträtiert Pamela Meyer-Arndt drei ostdeut sche Künstlerinnen, die in der DDR der 70er gewirkt und gelebt haben: Cornelia Schleime, Gabriele Stötzer und Tina Bara. „Als ich anfing zu fotografieren, da war ich eigentlich noch sehr neu gierig“, erzählt Bara. Der Film zeigt, was das Aufwachsen in der Diktatur mit ihnen gemacht hat – und was sie daraus gemacht haben. Fotografie, Performance, Malerei, Literatur: Die Frauen nutzten sämtliche Möglichkeiten und Materialien, die ihnen zur Verfügung standen, gerade auch die eigenen Körper und Gesich ter, um ihren Gefühlen der Entfremdung Ausdruck zu verleihen. Sie verarbeiteten ihre unmittelbare Umgebung, machten Spie gel-„Selfies“ am Schlafzimmerfenster, wickelten Freunde in Alufolie ein, fotografierten sie im verfallenen Hinterhof, vor den Betonflächen und kahlen Häuserfassaden eines zerstörten Lan des. Die Arbeiten sind oft nicht explizit politisch, aber sie ecken trotzdem an, weil die Frauen eine Realität zeigen, die nicht zur SED-Propagandaversion der Wirklichkeit passte. REBELLINNEN begleitet die Frauen an die Orte aus ihrer Vergangenheit und aus ihren Werken. Sie erzählen, wie es war, als Künstlerinnen in

einem Staat zu leben, der Ausstellungen schloss, Auftrittsverbote erteilte und Kameras konfiszierte; ein Staat, der verdammt viel Aufwand betrieb, um seine Bürgerinnen systematisch fertig zu machen. Umso mehr fasziniert die Widerständigkeit der Werke, die uns Regisseurin Meyer-Arndt mit viel Zeit und Ruhe betrach ten lässt. Mit der Kunst aufhören und sich fügen, das kam für keine infrage – auch nicht für Gabriele Stötzer, die wegen einer Unterschriftenaktion ins Gefängnis gesperrt wurde. REBELLIN NEN lässt erahnen, wie ein weiblicher, feministischer Blick auf die DDR aussehen könnte: Schwarzweiß und schroff, nachdenk lich und nackt, voller Verletzlichkeit, Wut und dem unbedingten Willen, sich niemals kleinkriegen zu lassen. D Eva Szulkowski  Start am 3.11.2022

In REBELLINNEN, Pamela Meyer-Arndt portrays three East German artists who were working and living in the GDR in the 70s: Cornelia Schleime, Gabriele Stötzer and Tina Bara.

Deutschland 2022 D 88 min D R: Pamela Meyer-Arndt D K: Lars Barthel D S: Andreas Zitzmann D M: Ulrike Haage D V: Edition Salzgeber

rEBELLINNEN – FOtOGrAFIE. UNDErGrOUND. DDr

DIE StILLEN trABANtEN

Großstadtballade

Reinigungskraft Christa (Martina Gedeck) trifft in einer Bahn hofskneipe auf die Friseurin Birgitt (Nastassja Kinski). Sie trin ken zusammen, sind gemeinsam einsam und verlieben sich. Der Wachmann Hans (Peter Kurth) begegnet bei einem seiner nächt lichen Rundgänge in einem Heim für Geflüchtete der Ukrainerin Marika (Irina Starshenbaum), die ihm fortan nicht mehr aus dem Kopf geht. Jens (Albrecht Schuch) und Mario (Andreas Döhlen) haben mal davon geträumt, einen eigenen Imbiss zu eröffnen, doch jetzt ist nur noch Jens da. Abend für Abend steht er allein am Treppenhausfenster des Mietblocks und raucht – bis ihm Aischa (Lilith Stangenberg) begegnet, deren Gesicht Spuren einer gewalttätigen Beziehung trägt. Sie alle sind Nachtgestalten, die ähnlich wie in Andreas Dresens gleichnamigen Episoden film haltlos durch das Dunkel treiben. Entsprungen sind sie der

Kurzgeschichtensammlung „Die stillen Trabanten“ von Clemens Meyer. Wie schon bei HERBERT und IN DEN GÄNGEN adaptierte er sie gemeinsam mit Thomas Stuber für die Leinwand. Sie ver knüpfen drei der Geschichten lose miteinander und finden einen ganz eigenen Rhythmus, der dem sprachlichen Takt der Geschich ten von Meyer ähnelt, aber filmisch erzählt. Die Melancholie der frühen Morgenstunden, wenn man die Trabanten am Horizont erkennt, fängt Stuber in seinen Szenen atmosphärisch ein. Der neue Prolog, den er mit Meyer verfasste, in dem ein junges Flüchtlingsmädchen am Rande der Autobahn stirbt, wirkt nicht aufgesetzt, sondern fügt sich in die Erzählung. Die dritte Zusam menarbeit zwischen Autor und Regisseur ist aber auch ein Film über ihre gemeinsame Heimatstadt Leipzig geworden, über die Ränder der Boomtown, die Verlierer der Wende, die einfach wei termachen. Mit einer hervorragenden Besetzung, den ausdrucks starken Bildern von Peter Matjasko (IN DEN GÄNGEN) und der Musik von Kat Frankie entstand eine Großstadtballade, deren Takt noch lange nachhallt. D Lars Tunçay

am 1.12.2022

Deutschland 2022 D R: Thomas Stuber D B: Clemens Meyer, Thomas Stuber D K: Peter Matjasko D S: Kaya Inan, Julia Kovalenko D M: Kat Frankie D D: Martina Gedeck, Nastassja Kinski, Charly Hübner, Irina Starshenbaum, Peter Kurth D V: Warner Bros.

The third collaboration between author Clemens Meyer and director Thomas Stuber is a film about their hometown Leipzig, about the margins of the boomtown, the losers of the reunification, who just keep going.

rOSY – AUFGEBEN GILt NICHt

Begnadete Erzählerin

Wenn Marine Béarnais erzählt, blitzen ihre Augen. Sie lacht viel, gestikuliert viel und flucht reichlich. Sie ist eine begnadete Erzäh lerin, und man hört ihr fasziniert zu, wenn sie ihre Geschichte erzählt. Die beginnt, als die Studentin 2015 ein nationales Sport fest besucht und mitten im wildesten Trubel auf einmal nicht mehr sehen kann. Die ärztliche Diagnose lautet MS, und für Marine und ihre Familie bricht die Welt zusammen. Vor den Meinungen von Ärzten, Familie, Freunden und ihren eigenen Gedanken flüchtet Marine, zunächst in die Bretagne und dann ans andere Ende der Welt: Sie beschließt, nach Neuseeland, Myanmar und in die Mon golei zu reisen, findet nach langer Suche einen Neurologen, der sie darin unterstützt, und macht sich mit der Unterstützung von 344 Followern wenig später ganz allein auf den Weg.

ROSY erzählt von dieser Reise anhand der Videoclips, die Marine unterwegs aufgenommen hat, und von Gesprächen und Inter views, in denen Marine und ihre Eltern im Rückblick berichten, wie sie die Zeit erlebt haben. In den kleinen, erfrischend direk ten Clips schnauft Marine Berge hinauf, flucht über das Wetter, schwört sich, NIEMALS Anhalter*innen am Weg stehen zu las sen, fängt aber auch ein, wie sie nachts im Zelt bei jedem Fehl gefühl Angst vor einem Schub hat. Im Schweigekloster in Myan mar will sie nach 24 Stunden hinwerfen. Sie bleibt und nimmt als Fazit mit, dass Meditation und Stille Teil ihrer Therapie sein werden. Dabei ist die Reise explizit keine Suche nach „alternati ven“ Heilmethoden, vielmehr ist es Marines Weg, allein mit sich und viel Natur ein Verhältnis zu ihrer Krankheit zu finden, die sie irgendwann anfängt, freundschaftlich „Rosy“ zu nennen. Marine gewinnt unterwegs das Vertrauen zurück, ihr Leben meistern zu können, egal was es ihr in den Weg wirft.

Hendrike

EINE FrAU

Autofiktionale Spurensuche

Eine Frau, die jung verwaist von ihrer Tante aufgezogen wird und einen Neuanfang mit der Liebe zu einem jüdischen Deutschen versucht, kann ihrer Zeit nicht entkommen. So berichtet es uns ihre Tochter in einem persönlichen Film-Essay. Jeanine Meerap fel nimmt ihre eigene Mutter Malou zum Anlass, um sich mit dem auseinanderzusetzen, was Erinnern heißt: Altes und Neues zusammenzusetzen. Sie reist an die Orte, die das Leben ihrer Mutter geprägt haben, sie spricht mit den Menschen vor Ort, und sie versucht, heute zu verstehen, was es damals bedeutete, dort zu sein. Die Spurensuche führt durch pittoreske Städte, von Frankreich, Deutschland über die Niederlande bis nach Argenti nien. Es ist die Lebenslinie einer jüdischen Flucht, aber auch die Geschichte einer Frau, die nach Unabhängigkeit suchte.

Die Schwarz-Weiß-Porträts der schönen jungen Mutter hat Meerapfel immer im Gepäck, sie montiert sie in die Original-Schau plätze und lässt die Menschen, die heute dort leben, damit spie len. Die deutsch-argentinische Filmemacherin Jeanine Meerapfel spricht von Buenos Aires als ihrem Kindheits- und Sehnsuchtsort, aber auch als dem schwierigsten Teil dieser Geschichte. Hier brö ckelte die Liebe der Eltern nach ihrer Flucht aus Deutschland, hier trennten sich bald die Wege der Regisseurin und ihrer Schwester – und hier sucht Meerapfel umso mehr nach Spuren in den Fil men und Fotos, die ihre Mutter ihr vermacht hat. Mit behutsamen Bildern und Worten ertastet und ersucht Meerapfel die Wahrheit. Zwischen Reise- und Familiendokumentarfilm entspinnt sich ein zartes, sehnsuchtsvolles Netz von Autofiktion und Biografie. D Anna Hantelmann  Start am 1.12.2022

When

Deutschland 2021 D 104 min D R: Jeanine Meerapfel D K: Johann Feindt

Vasso Floridi D

Floros Floridis

Real Fiction

mEDUSA

Christliche Terror-Frauen

Eine junge Frau sieht ein Video auf dem Mobiltelefon: eine Mischung aus erotischem Tanz und Charcots Hysterie-Studien. Kurz darauf wird sie von maskierten Vigilantinnen verfolgt. Die Rächerinnen schlagen und treten sie zusammen und beschimpfen sie als Schlampe. Marianna ist eines der christo-faschistischen Mädchen, die sich nachts auf die Suche nach „Sünderinnen“ begeben. Außerdem singt sie in der „Lobpreis“-Band „Michele und die Schätze des Herren“ über die Liebe zu Jesus. Als sie bei einem ihrer nächtlichen Überfälle selbst im Gesicht verletzt wird und daraufhin eine Reihe von Privilegien verliert, geht sie allmäh lich in Distanz zu ihrer Sekte.

MEDUSA von Anita Rocha da Silveira will dem satirisch-poli tischen Horrorfilm in der Nachfolge von Jordan Peeles Filmen GET OUT, US und NOPE einen brasilianisch-feministischen Twist geben. Sie nennt als Einflüsse unter anderem Dario Argento und Brian de Palmas CARRIE. MEDUSA verhandelt wichtige Themen: das Erwachen eines religiösen oder (quasi-religiösen) Faschismus in einst liberalen Demokratien, das Geschlechterverhältnis in die sen Ideologien, die gegenseitige Kontrolle von Frauen, die Gewalt struktur der Schönheitsideale. Die Idee, das alles am Beispiel des Mitglieds einer fanatisch religiösen weiblichen Terror-Gang zu zei gen, funktioniert allerdings nur streckenweise. Der Film zeigt die Kultur der Szene eindrucksvoll und effektiv, lässt dann aber alle Frauen des Films zu feministischen Konvertitinnen werden. Zwar führen Feministinnen im Iran gerade den Aufstand gegen ein reli giös-faschistisches System an, aber das sind nicht die gleichen Frauen, die das System gestützt haben. Als Reaktion auf den Bolsonaro-Faschismus in Brasilien und seine weiblichen Anhän gerinnen ist dieser wütende Film aber schon beeindruckend.

Marianna is a part of a Christian-fascist girl gang who go out looking for “sinners” at night in order to beat them up. After a facial injury during one of her attacks, she distances herself from the sect.

Marilia Moraes

Mari Oliveira, Lara Tremouroux, Joana Medeiros, Felipe Frazão

drop-out cinema

rHINO

Stiernackiger Sünder

Der Regisseur und Aktivist Oleg Sentsov begann schon 2012 mit der Arbeit zu RHINO. Im November 2013 unterbrach er die Dreh arbeiten jedoch für seine Teilnahme an den Euromaidan-Protes ten. Ein paar Monate später wurde Sentsov auf der von Russland annektierten Krim verhaftet; erst nach seiner Freilassung 2019 wurde der Film fertiggestellt und feierte 2021 in Venedig Premiere. Inzwischen kämpft Sentsov bei den ukrainischen Streitkräften. Gegenüber dieser bewegten Entstehungsgeschichte ist RHINO als Film ein recht klassisches Gangsterepos: Der Protagonist mit dem Spitznamen Rhino (sprich: mit dem Kopf durch die Wand) wächst in einem ukrainischen Dorf während der Perestroika auf. Durch Kinderbanden, den alkoholkranken Vater und den militan ten großen Bruder lernt er schnell, was es heißt, ein Mann zu sein: austeilen und einstecken zu können. Weil er in beidem sehr gut ist, wird er bald vom organisierten Verbrechen engagiert und beweist seine Talente als Schuldeneintreiber. So gut wie seine Mitarbeiter findet sich Rhino jedoch nicht in das schnelle Leben aus Autofahrten, Schießereien und Orgien in der Sauna ein; ver geblich sucht er nach Sinn in einer Welt, die nur durch die Instinkte des Überlebens und des Unterwerfens angetrieben zu sein scheint. Die Erzählung wird durch einige experimentelle Pas sagen aufgebrochen: Die anfängliche Tour de force durch Rhinos Kindheit ist vielversprechend und seine prägendste Verlusterfah rung wird in einem rotgefärbten hedonistischen Delirium insze niert. Gleichzeitig verlässt sich RHINO jedoch auf die narrativen Formeln des Genres mit Aufstieg, Verrat und Rachefeldzug, die der Passionsgeschichte des stiernackigen Sünders einiges an Glaubwürdigkeit nehmen. Gerade in der aktuellen Lage ist das Setting der ukrainischen Provinz nach dem Zerfall des sowjeti schen Imperiums spannend. D Yorick Berta  Start am 3.11.2022

SONNE

Kompromisslos und herzlich

Drei Freundinnen machen zusammen Quatsch, haben eine Idee, verkleiden sich und zücken die Handykamera. Zu „Losing My Reli gion“ performen Yesmin (Melina Benli), Bella (Law Wallner) und Nati (Maya Wopienka) im Hijab. Nur eine von ihnen, die Kurdin Yesmin, trägt im echten Leben Kopftuch, und sie gibt die Regie anweisungen. Aber als Bella das Video ins Internet stellt, ohne Yesmin zu fragen, wird aus dem Akt der Freiheit und Selbstver wirklichung zusehends eine Last. Yesmin fühlt sich entfremdet – vom Glauben, der Familie und vor allem von Bella und Nati, die nicht fähig oder willens sind, sich selbst zu reflektieren.

Das preisgekrönte Langspielfilmdebüt SONNE der kurdisch-öster reichischen Regisseurin Kurdwin Ayub, die aus dem Irak stammt, erregte dieses Jahr viel Aufmerksamkeit und wird als „Zäsur im österreichischen Film“ (Diagonale) gehandelt. Zugleich tritt Kurd win stilistisch und konzeptionell unverkennbar in die Fußstapfen Ulrich Seidls, dessen Produktionsfirma für SONNE verantwort lich zeichnet, und mit der sie auch ihren nächsten Film, MOND umsetzen wird. SONNE ist ein brandaktueller, selbstbewusster Film mit einer starken Handschrift. Der Instagram-Stil, also die Bildsprache von Yesmin und ihren Altersgenoss*innen, die sich mit der des Films untrennbar vermischt, wirkt realistisch und ver fremdend zugleich. Mit viel improvisatorischem Wagemut zeigen die Schauspielerinnen, wie dumm und eklig, wie mutig und klug Teenagermädchen sein können. Auch gemessen am Seidl-Oeu vre ist SONNE ein Film, der kompromisslos erzählt und trotzdem herzlich ist, der Stellung bezieht, aber nicht nur Leere hinterlässt.

D Eva Szulkowski

Start am 1.12.2022

Yesmin, Bella, and Nati perform “Losing My Religion” wearing a hijab. Only one of them, Kurdish Yesmin, wears a headscarf in real life, and she gives the directions. But when Bella posts the video online without asking Yesmin, the act of freedom and self-actualization becomes a burden.

Österreich 2022 D 87 min D R: Kurdwin Ayub D B: Kurdwin Ayub D K: Enzo Brandner D S: Roland Stöttinger D D: Melina Benli, Law Wallner, Maya Wopi enka D V: Neue Visionen

Polen/Ukraine/Deutschland

D 101 min D R: Oleg Sentsov D B: Oleg Sentsov D K: Bogumil Godfrejów D S: Karolina Maciejewska D M: Andrey Ponomaryov D D: Serhii Filimonov, Yevhen Chernykov, Yevhen Grygoriev, Alina Zevakova D V: Ma.Ja.De.

Rhino grows up in a Ukrainian village during Perestroika. Because he can give as good as he gets, he soon gets involved with organized criminals.

DIE GOLDENEN JAHrE

Wohin geht die Reise?

DIE GOLDENEN JAHRE erzählt gefällig von den Herausforderun gen einer langen Ehe, schmuggelt dabei aber nebenher ein paar erfrischende Sichtweisen auf altbekannte Probleme ein. Noch ein letzter Blick über den verlassenen Schreibtisch, dann ist ein ganzes Arbeitsleben zu Ende. Auf die Frage der Kollegin, was er mit seiner freien Zeit jetzt vorhabe, antwortet Peter: Erstmal Aus schlafen. Doch bereits am ersten Morgen drückt ihm seine Frau Alice den Staubsauger in die Hand „Wir teilen uns den Haushalt jetzt 50/50.“ Sie freut sich schon auf neue gemeinsame Aben teuer und Unternehmungen und ganz besonders auf die Mittel meer-Kreuzfahrt, die die Kinder den beiden zu Peters 65stem geschenkt haben. An Bord wird dann schnell deutlich, wie sehr die Vorstellungen beider sich voneinander wegentwickelt haben. Peter, der die Reise am liebsten gleich umgetauscht hätte, ver bringt die meiste Zeit auf dem Laufband und mit seinem besten Freund, dem frisch verwitweten Heinz, den er zu Alices Ärger auf die Reise eingeladen hat. Alice findet sich mit ihren Sehnsüch ten allein in der Borddisco wieder und denkt immer wieder an Magalie, ihre beste Freundin, die Ehefrau von Heinz. Kurz vor ihrem Tod hat die ihr ein Geheimnis anvertraut: Eine langjährige Affäre mit einem Franzosen. In Marseille hat Alice dann genug. Sie kehrt nicht an Bord zurück und macht sich auf die Suche nach „Claude“. Mit seinen bunten Farben und den hübschen, gutsitu ierten Menschen sieht DIE GOLDENEN JAHRE nach Komödie aus, ist aber nicht auf Lacher hin gebaut, sondern nimmt die Personen und ihre Probleme ernst. Getrennt voneinander wird Alice und Peter klar, wie sie sich ihre „goldenen Jahre“ eigentlich vorstellen, und auch, dass sich dabei wenig Überschneidungspunkte finden lassen. Das Drehbuch stammt von Petra Volpe (Regie: DIE GÖTT LICHE ORDNUNG, 2017). D Toni Ohms  Start am 17.11.2022

SErVUS PAPA, SEE YOU IN HELL

Kommunenkinder

Die 14-jährige Jeanne wächst in einer Kommune auf. Hier stehen freie Natur, freie Kunst und freie Liebe auf dem Programm. Ganz so locker geht es aber doch nicht zu, denn eigentlich bestimmt Otto. Zweierbeziehungen lehnt er ab. Wer sich doch verliebt, fliegt. Auch von der Elternfixierung hält er nichts. Die schaffen in den Stadtkommunen Geld ran, verkaufen in Frankfurt, in Amster dam oder München in Anzügen Wertpapiere, während die nackte Oberliga mit den Kindern im Trommelkreis tanzt. Eigentlich fühlt Jeanne sich hier wohl. Sie malt und hängt mit ihrem besten Freund Otis ab, von dem sie sich immer mit einem lässigen „see you in hell“ verabschiedet. Bis sie sich in den wenig älteren Jean verliebt und Otto eingreift und übergriffig wird. Aber Jeanne ist mehr Revoluzzerin als die Erwachsenen, und sie begehrt gegen Otto auf. Das Drehbuch zu SERVUS PAPA basiert auf den Erinne rungen von Jeanne Tremsal, die selbst in der AAO-Kommune von Otto Mühl aufwuchs. Auch wenn der Nachname nie genannt wird, ist der Film-Otto schnell als das umstrittene Kommunen-Ober haupt zu erkennen. Der ehemalige Wehrmachtssoldat und Akti onskünstler Mühl schuf in den 1970er Jahren auf dem Friedrichs hof in Österreich eine Gegenwelt zum verachteten Establishment, die Ableger in ganz Europa nach sich zog. Als immer mehr Kommunard*innen aufgrund Mühls autoritären Auswüchsen die Gemeinschaft verließen, folgten bald Anzeigen wegen sexuellen Übergriffen auf Minderjährige. Mühl landete schließlich im Knast. Regisseur Christopher Roth und Jeanne Tremsal, die ihre eigene Mutter im Film spielt, inszenieren mit einer feinen Besetzung, u.a. mit Clemens Schick als Otto und Jana McKinnon als Jeanne eher eine Kommunen-Parabel als ein Biopic. D Clarissa Lempp  Start am 24.11.2022

Schweiz 2022 D 92 min D R: Barbara Kulcsar D B: Petra Volpe D K: Tobias Dengler D S: Wolfgang Weigl D M: Carsten Meyer D D: Esther Gemsch, Stefan Kurt, Isabelle Barth, Martin Vischer, Ueli Jäggi D V: Alamode Filmverleih

DIE GOLDENE JAHRE shows the challenges of a long marriage in a pleasant way, but it incidentally sneaks in some refreshing perspectives on familiar problems.

Deutschland 2022 D 116 min D R: Christopher Roth D B: Jeanne Tremsal, Christopher Roth D K: Lydia Richter D S: Christoph Bargfrede, Christopher Roth D M: Cosimo Flohr D D: Jana McKinnon, Clemens Schick, Leo Altaras, Julia Hummer, Ina Paule Klink D V: Port-au-Prince

The screenplay of SERVUS PAPA is based on the memories of Jeanne Tremsal, who grew up in the AAO commune of Otto Mühl.

IrrLICHt

João Pedro Rodrigues wollte zunächst Ornithologe werden, wech selte dann aber zum Film. In seinen Arbeiten, die auch schon im Centre Pompidou zu sehen waren, vermischt er Genres, Fiktio nales und Dokumentarisches und erzählt von Mythen, (schwu lem) Begehren, Kunst und Natur. Sei jüngster Film IRRLICHT ist eine „wunderbar wilde und perfekt choreografierte Mischung aus Musical, Folklore und queerer Erweckungsgeschichte im Zeichen des Umweltschutzes.“ Im Jahr 2069 erinnert sich der ehrwürdige Regent Alfredo auf dem Sterbebett an seine ausschweifende Jugend als Feuerwehr-Azubi.  Start am 8.12.2022

tENOr

Antoine (Rapper MB14 alias Mohamed Belkhir) arbeitet ohne große Ambitionen auf ein Diplom in Buchhaltung hin. Seine wahre Leidenschaft lebt er bei Rap-Battles mit seinen Freund*innen im Viertel aus. Als Lieferant bringt er eines Tages eine Portion Sushi in die Pariser Oper. Dort kommt es zur schicksalshaften Begegnung: Antoine gerät mitten in eine Gesangsprobe hin ein und rappt, um einem herablassend auftretenden Studenten seine Kunst entgegenzusetzen. Seine Tenorstimme beeindruckt Madame Loyseau, die beschließt, Antoine zu fördern.

 Start am 3.11.2022

Frankreich 2022 D 100 min D R: Claude Zidi Jr. D D: MB14, Michèle Laroque, Mohammed Belkhir, Guillaume Duhesme

NEPtUNE FrOSt

Ein afrofuturistisches queeres Sci-Fi-Musical: In den Hügeln von Burundi bildet eine Gruppe entkommener Coltan-Bergleute ein antikolonialistisches Hacker-Kollektiv. Von einer Elektro schrott-Müllhalde aus versuchen sie, das autoritäre Regime zu stürzen, das die natürlichen Ressourcen und die Menschen der Region ausbeutet. Als eine intersexuelle Ausreißerin und ein entkommener Bergarbeiter durch kosmische Kräfte zueinander finden, löst ihre Verbindung Störungen im größeren übermensch lichen Kreislauf aus …

 Start am 24.11.2022

Portugal/Frankreich 2022 D 67 min D R: João Pedro Rodrigues D D: Mauro Costa, André Cabral, Margarida Vila-Nova, Miguel Loureiro, Joel Branco, Oceano Cruz USA/Ruanda 2021 D 105 min D R: Anisia Uzeyman, Saul Williams D D: Cheryl Isheja, Elvis Ngabo, Bertrand Ninteretse, Eliane Umuhire, Rebecca Muciyo, Trésor Niyongabo

POPPY FIELD

In seinem Job bei der Gendarmerie, einer Art militärischer Polizei, hat Weichheit keinen Platz und Cristi verbirgt vor den Kollegen, dass er schwul ist. Doch an diesem Abend wird seine Einheit in ein Kino gerufen, in dem christliche Konservative gegen einen „unmoralischen“ lesbischen Film protestieren, und ein Bekannter erkennt Cristi aus den Clubs wieder… Der etablierte Theaterregis seur Eugen Jebeleanu hat für seinen Debütfilm ein Kammerspiel effektiv mit den Mitteln des Kinos umgesetzt. So entsteht ein gro ßes Drama aus kleinen Momenten.

Start am 24.11.2022

Rumänien 2020 D 81 min D R: Eugen Jebeleanu D D: Conrad Mericoffer, Alexandru Potocean, Radouan Leflahi, Cendana Trifan, Ionut Nicolae, Alex Câlin, Rolando Matsangos, George Piştereanu

LAND OF DrEAmS

Der Film öffnet ein Portal in eine poetische Wüsten-Zwischen welt: Die iranische Amerikanerin Simin befragt im Auftrag der Zensusbehörde befragt als „Traumfängerin“ Menschen nach ihren Träumen. Warum, das weiß sie selbst nicht genau, doch sie ist fasziniert von dem, was ihr die Leute erzählen. Nach getaner Arbeit wird sie zur Gestaltwandlerin, verkleidet sich und erzählt die Träume auf Farsi, ihrer Muttersprache, in die Kamera. Ein Koffer voller Fotografien ist alles, was sie selbst noch mit ihrer eigenen Vergangenheit verbindet.

 Start am 3.11.2022

tHE mIDDLE mAN

Der Norweger Bent Hamer (KITCHEN STORIES, O’HORTEN) ist bekannt für seine lakonischen Komödien voller eigenbrötlerischer Charaktere. Hauptfigur seines neuen Films, der in einem kleinen Ort im industriellen Nordosten Amerikas spielt, ist der schweig same, leicht depressiv wirkende Frank (Pål Sverre Hagen). Frank wurde von der ortsansässigen „Commission“ dazu auserkoren, den neu geschaffenen Job des „Middle Man“ zu übernehmen und den Betroffenen von Unglücksfällen, von denen es im Ort eine erstaun liche Menge gibt, die schlechten Nachrichten zu überbringen.

EIN trIUmPH

Étienne (Kad Merad), ein Schauspieler mit einst großen Ambitio nen, aber seit langem ohne Erfolg, soll ein Theaterstück mit den Insassen der lokalen Haftanstalt auf die Beine stellen. Er hält die Männer, die sich für den Theaterworkshop anmelden, zunächst für hoffnungslos unbegabt. Doch als die erste Vorstellung bes ser verläuft als gedacht, kommt ihm eine Idee: Er will mit seiner Truppe „Warten auf Godot“ von Samuel Beckett aufführen, auf einer richtigen Bühne, wenn auch nur ein einziges Mal. Sechs Monate Probezeit verlangt er dafür von den Behörden.  Start am 15.12.2022

Originaltitel: Un triomphe D Frankreich 2020 D 105 min D R: Emmanuel Cour col D D: Kad Merad, David Ayala, Lamine Cissokho

NEtFLIX Im KINO

Kurz vor dem TV-Start bringt Netflix einige Filme aus dem Pro gramm auch ins Kino. Im November sind das Alejandro G. Iñárritus BARDO – DIE ERFUNDENE CHRONIK EINER HANDVOLL WAHRHEI TEN (17.11.) über die Existenzkrise eines Journalisten und Filmema chers, Sally El Hosainis DIE SCHWIMMERINNEN (10.11), der von zwei geflüchteten Sportlerinnen aus Syrien erzählt, GUILLERMO DEL TOROS PINOCCHIO (24.11.) – eine düstere Puppentrick-Ver sion des Stoffs –, Noah Baumbachs New Yorker Familiendrama WEISSES RAUSCHEN (8.12.) und DER DENKWÜRDIGE FALL DES MR. POE (22.12.) von Scott Cooper, in dem Edgar Allen Poe einen Mord aufklärt.

Originaltitel: The Middle Man D Kanada/Deutschland/Dänemark 2021 D 95 min D R: Bent Hamer D D: Pål Sverre Hagen, Tuva Novotny, Paul Gross, Don McKellar, Kenneth Welsh

USA/Deutschland/Katar 2021 D 103 min D R: Shoja Azari, Shirin Neshat D D: Sheila Vand, Matt Dillon, William Moseley, Isabella Rossellini, Christopher McDonald, Joaquim De Almeida

Bardo

Der kleine nick erzählt vom Glück

Zauberhaft gezeichnet

DER KLEINE NICK ERZÄHLT VOM GLÜCK ist ganz zauberhaft im Stil von Sempé gezeichnet und animiert. Teils in ganz zarten Strichzeichnungen, wie sie auch die Bücher vom kleinen Nick illustrieren, teils in warmen Aquarellen, die an die Cartoons von Sempé oder seine Cover-Illustrationen für das Magazin „The New Yorker“ erinnern. Der Film erzählt elegant verschachtelt, wie „Der kleine Nick“ im Jahr 1955 von zwei Freunden, dem Zeichner Jean-Jacques Sempé und dem Comicautor René Goscinny (u.a. Autor von „Lucky Luke“ und „Asterix und Obelix“) in einem Pariser Café erfunden wurde. Sie geben dem kleinen Jungen, den Sempé entworfen hat, ganz normale Eltern, ein kleines Einfamilienhaus in den Vororten und eine Gruppe von Freunden und denken sich immer neue Abenteuer für ihn aus. Sobald Sempé zeichnet oder Goscinny schreibt, erwachen die Figuren zum Leben, und ver schmitzt erzählt der Film einige der bekannten Geschichten vom kleinen Nick und seiner Bande. Zwischendrin erfährt man Einiges aus dem Leben von Goscinny und Sempé, so zum Beispiel, dass Goscinny in Argentinien aufwuchs und zunächst versuchte, als

Comiczeichner in New York Fuß zu fassen, bevor er an seinen Geburtsort Frankreich zurückkehrte. Sempé erzählt dem klei nen Nick, der auf seinem Schreibtisch sitzt und Fragen stellt, von seiner lieblosen Jugend: Nach einer Kindheit, wie er sie für den kleinen Nick gezeichnet hat, hat er sich immer gesehnt. Im schnell erzählten DER KLEINE NICK ERZÄHLT VOM GLÜCK fließen die Zeit- und Erzählebenen virtuos ineinander, und wie bei den Cartoons von Sempé gibt es in den Bildern immer wieder lustige Details zu entdecken. Damit ist der Film nicht unbedingt für sehr junge Zuschauer*innen geeignet, aber von 10 bis 100 ist in die sem charmanten Film für alle etwas dabei. D Hendrike Bake ¢ Start am 1.12.2022

Termine unTer www.indiekino.de

In the animated film, little Nick meets his two creators, the illustrator JeanJacques Sempé and author René Goscinny, who tell him their story.

Originaltitel: Le Petit Nicolas – Qu’est-ce qu’on attend pour être heureux?

D Frankreich 2022 D R: Amandine Fredon, Benjamin Massoubre D V: Leonine

Nachtwald

Die Teenager Paul und Max suchen im nahen Wald nach einer geheimnisvollen Höhle. Pauls Vater, der unter ungeklärten Umständen verschwand, hatte diese entdeckt, doch aufgrund seiner psychischen Erkrankung nahm ihn niemand im Ort ernst. Anhand der rätselhaften Aufzeichnungen seines Vaters will sich Paul in den Sommerferien nun selbst auf die Suche nach der sagenhaften Höhle machen … Regisseur André Hörmann, der u. a. am Orgelfelsen drehte, setzt auf mal idyllisch, mal bedrohlich wirkende Naturaufnahmen und einen Hauch Fantasy.

¢ Start am 24.11.2022

Der räuber Hotzenplotz

Nach dem Kinderbuch von Ottfried Preußler erzählt DER RÄUBER

HOTZENPLOTZ die Geschichte, wie der Großmutter eines Tages die geliebte Kaffeemühle geklaut wurde. Für Kasperl und seinen besten Freund Seppl ist der Fall sofort klar: Das war der Räuber Hotzenplotz, und weil der Wachtmeister Dimpfelmoser zu nichts zu gebrauchen ist, machen sie sich selbst auf die Suche nach dem Räuber. Dabei geraten Sie in die Fänge des bösen Zauberers Petersilius Zwackelmann und treffen dort die Fee Amaryllis.

am 8.12.2022

MaMa Muh und die groSSe weite welt

Mama Muh ist eine ungewöhnliche Kuh, die Abenteuer liebt. Ihr Freund Krähe dagegen fühlt sich ganz wohl auf dem heimi schen Bauernhof. Als eine Storch-Dame auf dem Weg von Afrika bei Mama Muh Station macht und ihren Reisen erzählt, beginnt Mama Muh von der großen weiten Welt zu träumen. Umsonst ver sucht Krähe, ihr das schöne Zuhause schmackhaft zu machen. Es hilft nichts, Mama Muh muss sich natürlich auf den Weg machen, und Krähe kommt mit.

¢ Start am 3.11.2022

BlueBack

Abby und ihre Mutter Dora leben in einem einfachen Bauernhaus an der westaustralischen Küste, und ihr Leben ist vom Rhythmus des Meeres bestimmt. Doras Lösung für alle Probleme ist „Let’s get wet“ – „Lass uns baden gehen“. Eines Tages freundet sich Abby beim Tauchen mit einem großen „Blue Groper“ (Riesenlipp fisch) an, den sie Blueback nennt. Als sie begreift, dass die Koral lenriffe und mit ihnen Blueback in Gefahr sind, beginnt sie, ihre Mutter, eine radikale Umweltaktivistin, besser zu verstehen, und beginnt ebenfalls, sich zu angagieren.

¢ Start am 29.12.2022

Deutschland 2022 D 106 min, FSK: 0 D R: Michael Krummenacher

D D: Nicholas Ofczarek, Hans Marquardt, Benedikt Jenke, August Diehl, Christiane Paul, Olli Dittrich, Luna Wedler

Australien 2022 D 102 min, FSK: 6 D R: Robert Connolly D D: Mia Wasikowska, Radha Mitchell, Ilsa Fogg, Eric Bana

Deutschland 2021 D 90 min, FSK: 6 D R: André Hörmann

D D: Levi Eisenblätter, Marc Limpach, Jonas Oeßel

Schweden 2022 D 65 min, FSK: 0 D R: Christian Ryltenius Tomas Tivemark

AFrIKAmErA – AKtUELLES

KINO AUS AFrIKA

Unter der Überschrift „Urban Africa, Urban Movies“ widmet sich das Berliner AFRIKAMERA Festival seit 2020 dem urbanen Afrika und seiner Repräsentation im afrikanischen Kino. Ein besonderer Schwerpunkt liegt in diesem Jahr auf dem Aspekt „Migration & Diaspora“. Den europäischen Sichtweisen, die den politischen und künstlerischen Diskurs dominieren, stellt das Festival afrika nische Perspektiven entgegen: „Die Frage nach der „kulturellen Identität“, die Auseinandersetzung mit dem Verhältnis zwischen dem „Eigenen“ und dem „Fremden“ wird im aktuellen Kino aus Afrika nicht mehr nur aus der Perspektive der Einwandernden, sondern aus Sicht der aus der Diaspora nach Afrika Zurückkeh renden behandelt und so neu austariert.“

Das Festival eröffnet mit Adolf El Assals Tragikomödie SAWAH (Ägypten/Luxemburg/Belgien). Der Film schildert die Odyssee des jungen ägyptischen DJs Samir, dessen Flugzeug auf der Reise zu einem DJ-Festival von Kairo nach Brüssel streikbedingt in Luxemburg landet. Dann geht auch noch sein Gepäck mitsamt Pass und Musikaufnahmen verloren, und man hält ihn für einen Geflüchteten. José Miguel Ribeiros mythischer Animationsfilm NAYOLA (Portugal/Belgien/Frankreich/Niederlande) erzählt die Geschichte des angolanischen Bürgerkriegs in Form eines Dreigenerationenporträts, Ismael El Irakis ZANKA CONTACT (Marokko/Frankreich/Belgien) ist eine wilde Hommage an die Rock’n’Roll- Szene Casablancas der 1970er Jahre und den ita lienischen Western, und das Kurzfilmprogramm AFRIKAMERA SHORTS – LAUGH IS POSSIBLE zeigt Komödien aus Nigeria, Kenia, Ägypten und der Demokratischen Republik Kongo.

Neben dem Filmprogramm gibt es aktuelle Virtual Reality-Filme vom afrikanischen Kontinent und die Theaterperformance „Je demande la route“ der burkinischen Schauspielerin Roukiata Ouédraogo zu sehen, und die Heinrich-Böll-Stiftung bietet eine Veranstaltung zum Thema „Flucht und Migration“ an. Eine Aus wahl der Festivalfilme ist vom 11.-18.11. auch im Indiekino Club zu sehen. afrikamera.de ¢ Festival 8.–13.11. ¢ Online: 11.–18.11.

Neptune Frost

Die 1962 in New York geborene Phyllis Nagy schreibt Theaterstücke und Drehbücher. Ihre Karriere begann sie als writer-in-residence am Royal Court Theatre London bei Stephen Daldry. Am bekanntesten wurde sie mit ihrer Filmadaption von Patricia Highsmiths „Salz und sein Preis“, die Todd Haynes 2014 als CAROL verfilmte. CALL JANE ist ihre zweite Regiearbeit. Patrick Heidmann hat sich mit Phyllis Nagy über CALL JANE unterhalten.

INDIEKINO: Ms. Nagy, man kennt Sie vor allem als Theater- und Drehbuchautorin; für Carol waren Sie für den Oscar nominiert. Wie kommt es, dass Sie nun ausgerechnet bei CALL JANE, Ihrem Kinodebüt als Regisseurin, nicht selbst das Skript verfasst haben?

Phyllis Nagy: Ein Drehbuch zu schreiben und es dann selbst zu verfilmen, ist eine ganz großartige Erfahrung. Bei meinem ers ten Film, der TV-Produktion „Mrs. Harris“, durfte ich die schon machen. Aber es ist auch gar nicht so einfach, ein eigenes Projekt überhaupt auf den Weg zu bringen. Schon gar nicht als Frau. Des wegen habe ich schon vor einer Weile beschlossen, dass ich auch gerne mal jemand anderes Skript inszeniere, wenn ich das Gefühl habe, dass dahinter jemand steht, der für seine Geschichte brennt, und ich mich davon angesprochen fühle. Nur Regie zu führen war bei CALL JANE auch ein Weg, meine kreativen Batte rien wieder aufzuladen.

Sie fanden die Erfahrung erholsam?

Zumindest kostete sie mich nicht so viel Kraft und Energie wie das Schreiben. Das ist nämlich unglaublich anstrengend, und manchmal verfluche ich, dass ich offenkundig das Zeug dazu habe. Denn das bedeutet für mich, dass ich es tun muss. Mich zur Abwechslung mal auf etwas anderes konzentrieren zu können, war also auf jeden Fall inspirierend.

Als Auftragsregisseurin hat man aber natürlich nicht alle Fäden in der Hand. Wie erging es Ihnen damit bei CALL JANE?

Mir war klar, worauf ich mich einlasse. Dass Elizabeth Banks die Hauptrolle spielt, stand beispielsweise schon fest, bevor ich an Bord kam. Doch ich kannte Elizabeth ein bisschen und hatte das Gefühl, dass sie gut in diese Rolle passt. Man kennt sie zwar vor

allem aus komödiantischen Rollen, aber ich habe größten Respekt vor Leuten, die gut in Comedy sind. Und in Elizabeth erkannte ich eine Unbeugsamkeit und einen Mangel an Sentimentalität, die ideal waren für ihre Figur in CALL JANE.

Der Film basiert auf wahren Begebenheiten: In den sechziger Jah ren gab es in Chicago ein Frauen-Netzwerk namens „The Janes“, an das man sich wenden konnte, wenn man eine – damals fast überall in den USA verbotene – Abtreibung brauchte. Wie viel wussten Sie darüber?

Nicht allzu viel. Selbst im Kontext der damaligen Frauenbewe gung ist die Organisation nicht wirklich eine, über die man etwas in amerikanischen Schulbüchern finden würde. Aber je mehr ich mich in die Materie vertieft und das Drehbuch weiterentwickelt habe, desto faszinierter war ich.

Parallel zu CALL JANE feierte in Sundance auch der Dokumen tarfilm THE JANES (in Deutschland zu sehen bei Sky/Wow) Pre miere, wenig später kam Audrey Diwans DAS EREIGNIS in die deutschen Kinos. Warum ist das Thema Abtreibung aktuell auf der Leinwand so präsent?

Zunächst einmal will ich festhalten: Für mich ist das Thema von CALL JANE nicht Abtreibung, sondern es geht um Schwestern schaft, um weiblichen Zusammenhalt, um Frauen, die gemeinsam daran arbeiten, ein Problem aus der Welt zu schaffen. Und davon abgesehen sprechen wir von drei thematisch leicht ähnlichen Fil men in 12 Monaten. Wie viele Filme über weiße Männer in der Mid life-Krise sehen wir jedes Jahr? Da sprechen wir doch auch nicht gleich von einem Trend oder fangen sofort an, sie miteinander zu vergleichen. Nur wenn es mal mehr als eine Geschichte über Frauen, People of Color oder queere Menschen gibt, steht immer gleich die Frage im Raum: Ist da jetzt nicht ein bisschen viel? Dar über ärgere ich mich immer wieder sehr. Ganz unabhängig davon, dass ich DAS EREIGNIS wirklich ausgesprochen gut finde und auch THE JANES mit Interesse geguckt habe. Schon weil mir die Doku gezeigt hat, wie richtig wir bei CALL JANE mit allem lagen.

Gleichzeitig ist aber nun einmal das Thema Abtreibung dieser Tage leider auch in der Tagespolitik wieder so präsent wie seit Jahrzehnten nicht, gerade in den USA. Sind Sie erschrocken, wie relevant die Geschichte von Call Jane plötzlich wieder ist?

Ich bin nicht überrascht, leider. Wer in den zurückliegenden Jah ren genau hingesehen hat, was politisch und gesellschaftlich in den USA und anderswo passiert ist, wird wohl damit gerechnet haben, dass das Recht auf Abtreibung – wie so viele Rechte, die wir uns über die Jahrzehnte mühsam erkämpft haben – wieder in Frage gestellt wird. Roe vs. Wade, die Grundsatzentscheidung des Obersten Gerichtshofs der USA zum Thema Schwangerschafts abbruch, wurde vom ersten Tag nach Inkrafttreten 1973 immer

wieder attackiert. Was mich jetzt wirklich erstaunt hat, war, wie schnell der Supreme Court das Urteil in diesem Jahr aufgehoben und zur Sache der Bundesstaaten gemacht hat. Das ging mit deutlich weniger Widerstand über die Bühne, als ich gehofft hatte.

Sehen Sie Ihren Film dadurch plötzlich in einem neuen Licht?

Sicherlich hat er eine ganz neue Dringlichkeit bekommen. In den USA liegt der Kinostart von CALL JANE unmittelbar vor den Mid term-Wahlen Anfang November. Das könnte natürlich passender nicht sein, um einen kleinen Teil dazu beizutragen, den Fokus auf dieses wichtige Thema zu richten.

Auch wenn Sie vorhin sagten, Abtreibung sei nicht das eigentliche Thema des Films, wird man in CALL JANE Zeuge eines solchen medizinischen Eingriffs, den Sie quasi in Echtzeit zeigen. Warum war Ihnen das wichtig?

Ich fand es essentiell, zu Beginn des Films einmal den komplet ten Vorgang einer solchen Abtreibung zu zeigen, vom Moment der Abholung durch eine der Janes über die Fahrstuhlfahrt und das Warten auf den Arzt bis hin zu den Minuten, die dann der eigentliche Schwangerschaftsabbruch dauert. In anderen Filmen habe ich so etwas immer nur in Bruchteilen gesehen. Dabei ist es so wichtig, dass jede Zuschauerin und jeder Zuschauer wirklich weiß, worum es hier geht und wovon die Rede ist. Entscheidend war es auch, dass es die Abtreibung unserer Protagonistin Joy ist, die nicht problemlos verläuft. Damit musste der Gegensatz etabliert werden dazu, wie unkompliziert das Prozedere auch von statten gehen kann, als die Frauen die Sache später selbst in die Hand nehmen.

So schwierig die erste Abtreibung verläuft, so vergleichsweise undramatisch kommt der Rest des Films daher. Die ganz große Tragödie bleibt aus …

Ganz bewusst. Nicht nur, weil auch die Realität so aussah: Die Janes hatten keine Abtreibung, die komplett schiefging. Son dern auch, weil ich es satthabe, dass es zu den ungeschriebe nen Gesetzen von Filmen dieser Art gehört, dass Frauen immer leiden müssen. Wie schon gesagt: Mir ging es in erster Linie darum, Frauen zu zeigen, die mit viel Geschick zusammenarbei ten und Bemerkenswertes schaffen. Für mich sollte CALL JANE ein Film sein, der Mut macht und eine Erfolgsgeschichte erzählt. Auch weil es mir nicht um radikalen Aktivismus ging, sondern um Arthouse-Mainstream, der ein breites Publikum erreicht, zu dem vielleicht auch Menschen gehören, die mit dem Thema Abtrei bung womöglich Berührungsängste haben. Dass mir nun ernst haft schon Leute vorgeworfen haben, ich würde das Thema nicht ernst nehmen, weil die Geschichte allzu glatt verlaufe, lässt mich einigermaßen verblüfft zurück.

D Das Gespräch führte Patrick Heidmann

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Bildnachweis: Filmbilder/Plakatmotive: Filmverleiher/Filmfestivals

Grafik: Michael Zettler, Nora Wiesner (Zett Media)

Akquise/Marketing: Hendrike Bake, info@indiekino.de Druck: Bonifatius Druck, Paderborn Auflage: 25.000

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Nach der Entführung von Jan Philipp Reemtsma holen seine Frau Ann Kathrin und sein Sohn Johann einen guten Freund der Familie ins Haus, der mit ihnen gemeinsam die Stellung hält. Christian Schneider (Hans Löw) hat eine ruhige Art – und auch sein sagenhaft schö ner, teurer Strickpullover hat eine beruhigende Wirkung. Folgt man den Spuren der Pullover durch den in jedem Detail supersorgfältig inszenierten Film, findet man ein faszinierendes Gesellschaftsbild, das sich allein über die Oberbekleidung erzählt. Ann Kathrin und Christian sind teuer aber zurückhaltend gekleidet, tragen die guten Teile aber auch mehrfach, die Polizeibeamten sind Team Troyer & Sweatshirt, der Polizeichef bevorzugt „smart casual“, und der Anwalt trägt auf jeden Fall immer ein frisches Hemd. Ausstattung: Christian Röhrs

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