Ampolleta Roja 06 by AmpolletaRoja

FOTOGRAFÍA LATINOAMERICANA | 06

CARTA DEL EDITOR

Revista Ampolleta Roja es una plataforma editorial que busca difundir y acercar los distintos discursos visuales a través de proyectos fotográficos latinoamericanos, que serán exhibidos a toda la comunidad, no sólo fotográfica sino también a la gente del día a día de manera transversal, con un sentido claro de reflexión y profundización en las distintas temáticas tratadas en la revista. Ampolleta Roja busca ser un punto de encuentro entre fotógrafos emergentes y reconocidos para formar y articular redes de apoyo y colaboración. Su editor es Patricio M. Lueiza titulado en Diseño gráfico con una certificación en dirección de arte y un título en fotografía.

OSKAR HUERTA | 104

Irma Bejarle | 92

Márcia Charnizon | 80

Adela Inés González | 68

gABRIEL PARRA | 56

Uriel Montúfar | 42

Jacqueline Staforelli | 30

Lidia Mabel Barán | 18

Felipe Figueroa | 06

AMPO LLETA R O J A

sección DOCUMENTO

Felipe Figueroa

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chile Fotógrafo documentalista

Ruta G 27

Actualmente reside en Santiago de Chile. Titulado de Fotografía Profesional en el Instituto Profesional de Artes y Comunicaciones Arcos. Desde el año 2016 se desempeña como reportero gráfico y fotógrafo documental. Ha colaborado en diferentes medios, agencias y revistas internacionales y nacionales tales como los siguientes: “Getty Images”, “The Wall Street Journal”, “Buzz”, “ELLE Italia Magazine”, “Forbes México”, “Yahoo! News”, “The Telegraph”, “La Tercera”, entre otros, cubriendo una amplia y diversa gama de eventos. Durante los años 2018-2020 formó parte del staff de las revistas de circulación nacional “Sábado”, “Revista Ya” y “Wikén” del diario “El Mercurio” (Chile). Actualmente se desarrolla de manera independiente, manteniendo un constante trabajo fotográfico autoral con principal interés en temas ambientales y sociales. A través de dichos trabajos, ha publicado y contribuido en diferentes medios internacionales y nacionales, tanto digitales como impresos.

San Alfonso, una de las zonas más afectadas por el aluvión causado tras el atípico temporal que afectó a la zona centro-sur del país el pasado fin de semana. El sistema frontal generó deslizamientos de tierra, daños en múltiples viviendas y construcciones de la zona, además de provocar cortes en los suministros de agua potable y eléctricos. El alud que golpeó a la pequeña localidad, ubicada en la comuna de San José de Maipo, dejó a su paso un nivel de destrucción que, según residentes y vecinos afectados, no se veía hace aproximadamente 30 años. Se acusa total abandono por parte de las autoridades, siendo casi nulas las medidas preventivas, seguridad y rescate, entre otras, durante el sistema de mal tiempo. Tras lo ocurrido la ONEMI informó que a nivel país unas 1.500 personas se encuentran aisladas por los cortes de ruta que han provocado estos desplazamientos de tierra, a lo que se suman 139 personas en albergues y 149 damnificadas.

instagram.com/felipejavierfigueroa www.felipejavierfigueroa.com

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Lidia Mabel Barán

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fotógrafa independiente

Desolación del sueño que pudo ser y no fue

Nace en junio de 1982 en el barrio de San Cristóbal, Buenos Aires (Argentina). Estudió Profesorado de Artes Visuales y Danzas Tradicionales en la EMBA, Escuela Municipal de Bellas Artes Carlos Morel (Quilmes, Buenos Aires). Desde sus inicios en la escuela de arte incorporó la fotografía primero como hobby y luego como una forma de comunicar y documentar momentos e historias de la carrera. Actualmente está como estudiante en ArGRa (Asociación de Reporteros Gráficos de la Republica Argentina. Realizó talleres de fotografía documental con Juan Barrientos. Colaboró ANred (Medio alternativo) y continúa hoy en día en Ancap y en el espacio Periódico GatoNegro. Considera a la fotografía como herramienta para comunicar sobre un hecho real que sucede en la sociedad. Desde su mirada mediante imágenes pretende contar el mundo que nos habita. Además de transmitir las emociones pretende lograr transmitir y concientizar sobre temas específicos.

En la provincia más rica de la Argentina, el 29 de octubre del 2020 la policía desalojó violentamente a 2500 familias que habitaban en un predio de tierras en Guernica, Buenos Aires que hace más de treinta años está desocupado. Las víctimas de este atropello: familias argentinas que producto de la crisis del Covid 19 ya no pudieron afrontar el alquiler de sus viviendas. La falta de trabajo y la inflación golpea a las trabajadoras y los trabajadores. Las protestas en contra de las medidas represivas se dan desde los grupos progresistas de nuestro país, sin embargo, luego del desalojo en el que fueron incendiadas las precarias construcciones junto a las pertenencias de estas familias, hoy miles de argentinos no poseen un lugar en donde dormir. A 5 meses del desalojo la situación de calle de varias familias continua, el hacinamiento en casas de amigos y parientes solidarios continua, los malabares y deudas eternas para pagar los alquileres continua.

ARGENTINA

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Jacqueline Staforelli

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CHILE FotógrafA DOCUMENTAL

Fotógrafa titulada del Instituto Arcos, posee además estudios de cine y ha participado en varias instancias de talleres y workshops con destacados fotógrafos. Desde el 2012 ha expuesto en muestras individuales y colectivas en Santiago y Rancagua, donde también se ha desempeñado como docente. Se ha adjudicado en dos oportunidades becas de creación Fondart, primero para la realización de un proyecto de recopilación de arquitectura vernácula de la Sexta región y recientemente como parte del equipo de Proyecto Teorema, el cual busca generar una reflexión visual a partir del cruce de dos conceptos: el tiempo en su dimensión filosófica y técnica - y lo fotográfico - como fenómeno físico y sociocultural. En su trabajo, principalmente documental, se interesa por las formas de representación del tiempo en la fotografía, su cruce con la memoria y la exploración visual a partir del entorno, lo cotidiano y lo tipológico.

Bajo el pavimento, el oasis Sous les pavés, la plage (bajo el pavimento, la playa), fue una famosa consigna que apareció escrita en los muros parisinos de mayo del 68. Cuenta la leyenda que cuando los estudiantes franceses comenzaron a romper el pavimento en busca de piedras se encontraron con que debajo de este había arena. La playa, ese paraíso utópico, siempre había estado ahí… Para llegar a ella solo había que romper algunos cimientos. Una revuelta es por definición un quiebre. Un rompimiento. Un cambio de dirección… El 18/O, un adormecido Chile despertó del letargo en que lo había sumido la eterna espera de una alegría que nunca llegaría. La falsa representación del país como un oasis dentro de un continente rezagado, rápidamente se cayó a pedazos y devino en un espejismo que, al develarse engaño, nos mostraba los fantasmas del pasado instalando, una vez más, su violenta ‘normalidad’. Pero ya no somos los de antes -nunca somos los de antes- y una revuelta siempre trae consigo transformaciones. O al menos el anhelo colectivo de que estos son posibles, y eso también nos transforma, manteniendo viva la ilusión de encontrar, bajo el pavimento, el oasis. Fotografías realizadas en Rancagua y Santiago de Chile entre octubre del 2019 y febrero del 2020.

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Uriel Montúfar

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Perú fotógrafo y Abogado ambientalista Puneño, Abogado ambientalista y apasionado de la fotografía, de nacimiento quechua y crianza aymara, busca a través de la fotografía revalorar la cosmovisión de los pueblos originarios y crear conciencia del destino que corre la Pachamama. Becado en el “Programa de Especialización de Fotografía de la Dirección Desconcentrada de Cultura de Cusco”, becado por la CRESPIAL – UNESCO, en el taller de “Metodologías participativas para el registro del Patrimonio Cultural Inmaterial”, además participo en el “Laboratorio de experimentación fotográfica” del Centro de la Imagen – Lima, cuenta con variedad de reconocimientos, destacan: Primer lugar Concurso Regional Fotografía (Taller Fotografía Cusco, 2019), Finalista concurso “Espacio Tiempo”, UPAO (Trujillo, 2019), Primer lugar ConcursoIbercocinas, (Secretaria Iberoamericana, México, 2019), Segundo lugar Concurso “Candelaria” (Ministerio Relaciones Exteriores, 2018), Primer Finalista Bienal de Fotografía, (Cusco, 2017), Ganador concurso ShapingForests (ONU Environment, 2016), Mención Honrosa Proyectos Fotográficos Salvaguarda del Patrimonio Cultural Inmaterial (UNESCO, 2015). Cuenta con dos muestras bipersonales: “Kusikuy” (David Arias, Puno, 2017) y “Génesis de la Pachamama” (Víctor Neira, Puno, 2018), además de numerosas muestras colectivas nacionales e internacionales, también participó en la Clausura de los juegos Panamericanos Lima 2019 con su serie el “Retrato del Perú”, y su obra forma parte de las colecciones

permanentes de arte de la UNESCO – Perú, del Centro Cultural Peruano Norteamericano sede Puno y del Taller de Fotografía del Cusco. Así mismo es director del Colectivo HatunÑakaj, y director del “Apthapi Fotográfico”, primer festival de fotografía en el sur del Perú en el año 2020.

Willka Nina (fuego sagrado) El fuego nace de las entrañas de la Pachamama, también viene del cielo, es por eso queen el mundo andino desde tiempos inmemoriales se le reconoce como sagrado, pues esuna fuerza poderosa,con determinadas propiedades para hacer el bien y el mal, le llamamos Willka Nina. Cuando Willka Nina se descontrola representa el caos y puede destruirlo todo, pero cuando secontrola esta energía representa el orden, da vida, la reproduce, da riqueza y por todo eso es un elemento esencial en la ritualidad andina. En el preludio de las fiestas se danza al compás del bombo, el fuego y la luna, en los agradecimientos a la Pachamamase pone la ofrenda en el fuego, se recibe el sol alrededor del fuego y se sahúma con fuego y humo los bienes y los ajayus (espíritus) de los antepasados. Willka Nina es una mirada a la ritualidad ligada al fuego, realizada en diferentes fechas y festividades en el altiplano peruano.

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sección AUTOR

gABRIEL PARRA

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chile fotógrafo independiente Gabriel Parra, músico y fotógrafo de San Pedro de la Paz, región del Biobío. Egresado de la carrera de Fotografía de la escuela ALPES y licenciado en cine de la Universidad Academia de Humanismo Cristiano. Su obra es un relato que toma fragmentos del documental y la experimentación fotográfica, en las que prevalece una mirada muy personal, refiriéndose constantemente a los espacios que él mismo habita, en una especie de autobiografía en base a la foto. Actualmente radicado en San Pedro de la Paz.

Permíteme vivir la oscuridad Permíteme vivir la oscuridad, establece una estrechavinculaciónentre el autor, los placeres nocturnos, el hedonismoy la fiesta inagotable. Bajo un lente melancólico y sombrío, apela ala exacerbación del espíritu, a los excesos del alma,y alcobijo en la extrañeza desprejuiciada, que ofrecen los corazones disidentes, fugitivos de la normatividad. La juerga, ceremonia y ritual de los rezagados, trasciende en las noches perpetuas, mientras los límites de lo ilícitose diluyen, frente al agotamiento de una obligatoria realidad. Un documento de fotografía experimental análoga, desarrollado entre el 2018 y 2019, que apela a la relación entre la cámara fotográfica y la existencia misma, la cual inexorablemente, se extingue frente a nuestros

ojos y se desvanece en una especie de neblina inconsistente, para nunca más volver, así como la vida que no cesa de engendrar, para aniquilar así lo que engendra. Extensos períodos de exposición e imágenes nebulosas, invitan a reflexionar respecto a la realidad que construimos a diario, y a su validez espiritual y emocional, haciendo alusión al mundo onírico, que constantemente obviamos e invalidamos frente a la cotidianidad. “La fotografía reproduce al infinito lo que únicamente ha tenido lugar una sola vez: la fotografía repite mecánicamente lo que nunca más podrá repetirse existencialmente”. Roland Barthes

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Adela Inés González

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méxico FotógrafA y diseñadora gráfica

Es Licenciada en Diseño Gráfico egresada de la Universidad de Monterrey (UdeM); cuenta con más de cuarenta exposiciones colectivas en los principales museos y espacios culturales de México en los estados de Nuevo León, Coahuila y en la CDMX, y en países como Italia, Estados Unidos y Cuba. Ha realizado dos exposiciones individuales en Nuevo León. El 2020 ganó el primer lugar en la “Exposición Anual” de la Asociación de la Plástica de Garza García, así como el segundo lugar el 2019 y el tercer lugar el 2018. Su trabajo se ha expuesto en Aguafuerte Galería de Arte en la capital de México y en el catálogo junto a grandes artistas nacionales e internacionales de este gran espacio cultural. Ha sido seleccionada en dos ocasiones a nivel estatal en convocatorias del Consejo para la Cultura y las Artes de Nuevo León como representante de “Imágenes Emergentes de Nuevo León”, y en “REVISIÓN 2020:

Fotógrafos de Nuevo León”. También fue seleccionada para la “IV Muestra Iberoamericana de Arte Miniatura y Pequeño Formato”. Realizó el seminario “Summer Design Seminar” sobre estudio especializado de comunicación visual impartido en The Art Institute of Dallas con cuatro certificados como estudiante destacado, contando con la acreditación de “Advanced Academic Training of Texas”. Bex Revista de Fotografía Latinoamericana seleccionó seis de sus fotografías para la impresión de un foto-libro, también incluyó una de sus fotografías en su anuario 2020. Así mismo, su trabajo artístico lo han recomendado en las redes sociales de Fotógrafas Latinoamericanas (LATAM), Fotógrafas en el Mundo con sede en Mar del Plata en Buenos Aires Argentina, así como en Fotógrafas del Norte. Actualmente se desempeña como artista plástica multidisciplinaria enfocada en la fotografía experimental.

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restauraCIÓN ¿Has sentido alguna vez la impotencia de no sentirte escuchado? ¿Has sentido frustración por no tener los argumentos y conceptos necesarios para defender tus derechos? ¿Te has cansado de sentir que no te escuchan y entonces experimentas una necesidad de gritar? Yo sí... Soy Adela Inés González, hago fotografía experimental. Mis temas en el arte son la angustia, la tensión continua entre la vida y la muerte. Entiendo que son temas inquietantes y que no son fáciles de enfrentar, sin embargo pertenecen a la condición humana. Las fotografías las realizo en la noche. Cuando el sol se oculta mi casa se convierte en un cuarto obscuro en donde yo puedo experimentar con la luz artificial. La iluminación que utilizo es la que tengo a la mano, la lámpara de escritorio o la lámpara de la sala, no utilizo lámparas profesionales. Mi relación con el azúcar viene de la infancia, mis padres distribuían dulces y el olor de las golosinas formó parte de mis memorias. Durante ese tiempo sufrí de angustia ligada al exceso de trabajo de mi familia. Como resultado de estas experiencias, trato de incorporar mi pasado en la técnica que utilizo.

Preparo una pasta de azúcar para crear esculturas de bajo relieve, con objetos de mi infancia y mi propio cuerpo, después coloco una luz debajo y así registro, a través de la cámara, lo que emerge del diálogo entre el azúcar, la luz y el objeto. Busco transformar mi angustia en motor de conciliación y memoria. Mi obsesión por el arte fotográfico empezó a finales del año 2018, fue entonces que encontré una técnica y formas estéticas diferentes para expresarme, conectando con el momento histórico y civilizatorio que vivimos. Mientras estudiaba arte contemporáneo comprendí que se necesita ser valiente, quitarse prejuicios, miedo, vergüenza; en otras palabras, quedar desnuda espiritualmente para plasmarlo. Estoy convencida de que se necesita humildad para aceptar que la vulnerabilidad y la fragilidad son parte de la condición humana, entonces ¿Por qué querer esconderla o maquillarla? Estos conceptos han permitido que mi relación con el arte sea más auténtica. Este proceso no ha sido fácil, la fotografía contemporánea tiene una estética basada en la inquietud, en el horror, en lo abismal de lo real. El alimento nutre al cuerpo, el arte nutre al espíritu…

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Márcia Charnizon

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brasil fotógrafa independiente

Márcia Charnizon es brasileña, nació en Belo Horizonte, comenzó a fotografiar en 1983 y desde entonces tiene la fotografía como oficio y forma de expresión. Le interesa la identidad como construcción social y cómo esto dialoga con los problemas y tensiones de la vida contemporánea. Temas como - la fotografía, la memoria y el reencuadre de los afectos, las burbujas sociales y la mutación del signo “burbuja” de Covid 19 y la generación dos centennials y su relación con las redes sociales, son preocupaciones presentes en sus últimos proyectos personales. En fotografía comercial, su carrera está marcada por varias portadas de CD y trabajos con artistas brasileños en los campos de la música y el teatro, y tiene un rol especial en el campo

Sopa de letras Antes de la agresión física e incluso del feminicidio, existe una violencia oculta: la violencia en el lenguaje. Entendiendo que un acto violento es un acto de destitución de protagonismo, esta obra busca romper el silencio, reuniendo a mujeres, mayores de 50 años, que como protagonistas de sus historias, se desnudan, cada una a su manera, y muestran sus marcas de frases violentas que formaron parte de sus trayectorias. Cada una de las fotografías es el capítulo de una historia, en muchas de las cuales se reconocen otras mujeres, con discursos sexistas, racistas y misóginos, que son detonantes de violencia en nuestras relaciones sociales. Este trabajo trata sobre el poder de la palabra, los discursos de violencia contra las mujeres que son normalizados por el patriarcado, en una sociedad atravesada por la colonialidad del poder, con su sistema de privilegios y procesos de opresión, y donde se dan varias dinámicas de narrativas violentas. ni siquiera reconocidas como tal. Somos sujetos de la palabra y estamos constituidos por el lenguaje. Como en una luz roja en un laboratorio fotográfico, en el que se revelan las imágenes latentes, lo que no se ve a simple vista, aparece en los cuerpos desnudos, en este juego de sopa de letras.

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“Essa sua liberdade incomoda demais” “Tu libertad me molesta demasiado”

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“Não gosto de fechar negócio com mulheres” “No me gusta cerrar negocios con mujeres”

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“Chama a dona da casa” “Llama a la ama de casa”

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“Namoro ou estudo, as duas coisas não podem” “Tener novio o estudiar, las dos cosas no se puede”

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“Você nunca vai ser feliz sem um homem” “Tú nunca serás feliz sin un hombre”

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“Mulher independente demais assusta o homem“ “Mujer demasiado independiente asusta al hombre”

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“Separada, com três filhos, quem vai te querer?” “Separada, con tres hijos, quién te va a querer?”

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“Voz feminina não tem credibilidade na publicidade” “La voz femenina no tiene credibilidad en la publicidad”

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“Você podia ir para enfeitar a reunião” “Tú podrías venir para adornar la reunión”

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“Você é muito machona” “Sos muy marimacho”

Irma Bejarle

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méxico Fotógrafa independiente

RADIACIÓN

Nació en Tijuana, B.C. en 1997. Es egresada desde el 2019 de la licenciatura en Artes Plásticas de la UABC, Facultad de Artes Campus Tijuana. En el 2018 estudió en el Instituto de Fotografía Del Noroeste y posteriormente participó en las XXIX y XXVIII Exhibiciones fotográficas de Alumnos. En el 2019 realizó un internado académico en el Koffler Centre of the Arts en Toronto, Canadá y trabajó para la plataforma Koffler Digital. Durante su estancia en Toronto fue tallerista y panelista para el Distrito Escolar de Toronto durante el marco de festividades del Mes de Historia Latinoamericana. En el 2020 presentó su tesis de titulación, Radiación: una introducción a la fotografía UV la cual fue aprobada con mención honorífica, misma que presentó en el 7mo Encuentro Estatal de Jóvenes Investigadores organizado por la UABC y CONACYT. Tiene una trayectoria binacional de exhibiciones colectivas en Tijuana y San Diego, y su trabajo ha sido exhibido en línea en el IMAC (Instituto Municipal de Arte y Cultura), el CECUT (Centro Cultural Tijuana) y publicado por el Aerogramme Center for Arts and Culture. Actualmente es parte de la generación 2020-21 del programa de formación internacional para artistas visuales, Proyecto Imaginario Latinoamérica, y es tallerista en OPEN estudio de arte en Tijuana.

Radiación (2019-21) es un proyecto que consta de la experimentación del retrato con la técnica de fotografía monocromática UV, con el propósito de exponer el daño imperceptible que el Sol causa sobre la piel, a manera de analogía con el daño que este mismo ocasiona sobre la Tierra. Los ojos cerrados en cada retrato enfatizan la superficie de la piel como lugar para la metáfora; aluden a una paz total, sin embargo representan una negación o ignorancia ante agentes exógenos que interactúan con el organismo sin que nos demos cuenta. El cambio climático es un fenómeno que pensamos ajeno o distante a nosotros, puesto que sus repercusiones no son visibles a simple vista, ni tampoco parecen alarmantes hasta que tomamos consciencia de que el calentamiento global también presenta una amenaza para nuestra salud, tanto como para el entorno. La obra es fruto del quehacer artístico cuando se relaciona con la ciencia para poder expresar una preocupación ligada con el futuro que le depara al hogar que habitamos, sea éste la piel o la Tierra. En cuanto a la técnica, la foto UV se puede considerar un “escaneo” en blanco y negro de la piel, para el estudio dermatológico relacionado con la efectividad de los bloqueadores solares, la absorción epidermal de drogas y la detección temprana de cáncer.

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Para realizar este tipo de fotografía, se necesita una cámara full spectrum e iluminación UV-A para detectar el fenómeno de reflectancia de la melanina en las áreas de la piel afectadas por la sobreexposición Solar, lo cual se traduce en el retrato como áreas blancas irregulares. Con esta técnica, se aprovecha un tipo de imagen utilitaria desde la estética, para exponer el vínculo entre el medio ambiente y nuestro organismo; el contraste de melanina como síntoma de una sobreexposición a la radiación UV, metáfora del quebrantamiento de nuestro escudo protector o bien, el terreno que habitamos -- el entorno y la piel. Parte de la obrafue exhibida por primera vez en noviembre del 2019 en la exposición, Concerning of Two, en The Front Gallery en San Diego, bajo el título, Topographies. Sin embargo, la pieza principal, bajo el título de Radiación, fue exhibida en Clínica de Producción X como videoinstalación en la Sala de Arte Álvaro Blan-

carte, en diciembre del 2019. Para dicha pieza, se seleccionaron cuatro retratos donde se observara más claro el daño en la piel, o en otras palabras, donde se apreciara un mayor contraste entre los tonos blancos y negros en la cara, y cuyo revelado digital en UV fuera drásticamente distinto al retrato convencional del individuo. Lo anterior, para crear un video conformado por yuxtaposiciones graduales del retrato normal hacia el retrato UV y que la luz del proyector que se utilizó aludiera a la luz del Sol “quemando” cada retrato en un transcurso de tiempo, o bien, “revelando” aquello que es imperceptible, que yace bajo la superficie de la piel. Durante el 2020, la obra formó parte de la publicación en línea, “Walking on a Line” del Aerogramme Center for Arts and Culture, se exhibió en las redes sociales del IMAC Instituto Municipal de Arte y Cultura, y fue exhibida como cápsula de Contigo en la Distancia en el CECUT Centro Cultural Tijuana.

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OSKAR HUERTA

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chile Fotógrafo publicitario Nacido en Valparaíso, vive y trabaja en Ovalle desde hace 12 años (1977). Licenciado en Fotografía Publicitaria en el instituto Incacea/Ciartes, donde recibe formación de destacados académicos. Jorge Gronemeyer, Gastón Salas y Alonso Yañez, ente otros (Viña del Mar 2002 / 2004). Seleccionado en residencias y talleres con Claudi Carrera (España), Eunice Adorno (Mexico), Luis Gonzales Palma (Guatemala), Fernando Montiel Klint (México), Carla Moller (Chile), Pio Figueiroa (Brasil), Bertrand Meunier (Francia), Daniel Sosa (Uruguay), Juan Manuel Castro Prieto (España) y Leo Simmoes (España). Ha participado en diversas exposiciones colectivas, desde el año 2004 en Valparaíso, Viña del Mar, La Serena , Coquimbo, Concepción, Santiago, Los Vilos y Durango (España), exponiendo, entre otros lugares, en el Parque Cultural ex Cárcel, como parte de las actividades del Festival Internacional de Fotografía de Valparaíso 2013 con exposición Utopía Colectiva (Valparaíso) y el 2014 con exposición de Brigadas Fotográficas, en el proyecto Reconstrucción del Álbum Familiar con las familias damnificadas por el incendio en los cerros de la ciudad , en el Centro Cultural Iglesia Santa Inez, con obra Habitat (La Serena, Agosto 2013), en el Centro Cultural Palace, con obra Ciudad Fisura (Coquimbo, Agosto 2014), en Casa de las Artes, con obra Memoria Sensorial (Coquimbo, Febrero 2013), en Centro Cultural Casa 916 con obra Memoria Sensorial (Concepción , Noviembre 2014, Fondart Ventanilla Abierta), en la Corporación Cultural de Las Condes con motivo de la exposición Reconstrucción del Álbum

Familiar (Santiago, Marzo 2015), en el Begira Photo Festival, en la exposición colectiva El Árbol (Durango, España, 2016) y en el centro cultural municipal de Los Vilos, en la exposición colectiva “Geopolítica de la Transhumancia” con motivo del mes de la fotografía (Los Vilos, Agosto 2017). En el año 2018 se adjudica el Fondart Regional / Creación Artística y realiza la obra Zonas de Sacrificio, trabajo fotográfico documental contemporáneo donde trata los conflictos socioambientales mas emblemáticos de la región de Coquimbo. Esta obra se transforma en su 1º exposición individual y expone en una 1º etapa en las ciudades de Ovalle, Monte Patria y Coquimbo. Este mismo año hace labores de fotógrafo, editor y diseñador del libro La Memoria Invisible, Memoria popular de la población Media Hacienda de Ovalle, un proyecto Gobierno Regional Editorial que es presentado, entre otros lugares en la Feria del libro de Ovalle , versión 2019. El año 2018, como parte del colectivo de Fotógrafos Independientes de la región de Coquimbo (Firc) y trabajando con el editor Miguel Ángel Felipe Fidalgo (Ediciones La Visita) construye y edita la colección de fanzines La Flota, proyecto que consta de 9 ediciones que crean en conjunto Ediciones La Visita y Firc. El año 2019 realiza su 2º exposición individual con la obra QuiDam, transeúnte anónimo, obra financiada por FONCREA2019, de la Municipalidad de Ovalle. En agosto del 2020 publica el fotolibro biográfico UMBRA con la editorial de fotografía nacional contemporánea Ediciones La Visita.

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umbra ...nos dijeron que nuestros dioses vivirían más que nosotros y nos mintieron.

Nick Cave

Umbra es un recorrido por el dolor, ese dolor personal que también se transforma en el dolor de todos. Es también un vuelo rasante por la fragilidad humana, por la crisis y la violencia, pero también es una mirada a la nostalgia de la infancia y a esos cuerpos que se rompen para no volver a sanar jamás. Es la historia propia que se cruza inevitablemente con la historia de los otros, de los desconocidos. Umbra es la resistencia al olvido que raspa en cada recodo de este río que fluye arrastrando piedras que golpean al que quiera atravesar hasta la otra orilla. Las fotografías fueron hechas entre los años 2016 y 2020.

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13 | 04 | 2021