NUMERO 30 - MAI / JUIN 2019 by ISSI Magazine

LES TRENTE GLORIEUSES Période euphorique de l’économie française, les 30 glorieuses ont vu l’émergence de nombreuses tendances et talents. Retour sur ces belles années, de 1945 à 1975.

Visuel non contractuel

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LIQUIDATION N OUV E AU CONCEPT

28 P LACE DU LIO N D â&#x20AC;&#x2122; O R - LILLE - 0 3 2 0 7 4 1 5 48

Édito. LES TRENTE GLORIEUSES C’est Jean Fourastié, célèbre économiste français et auteur prolifique d’une quarantaine d’ouvrages qui a écrit en 1979 «Les Trente glorieuses ou La révolution invisible de 1946 à 1975» pour désigner cette période faste de l’économie française d’après-guerre. Pour déplorer la crise économique et sociale actuelle, on fait souvent référence aux « Trente glorieuses », pointée du doigt comme un dogme. Ce livre peut se résumer à ceci : les gigantesques progrès au cours de cette période n’ont provoqué qu’une insatisfaction généralisée. Le paradoxe est bien qu’on considère aujourd’hui cette époque comme heureuse, ce qui ne fut pas le cas. Il en reste néanmoins une période pendant laquelle s’est vu épanouïr de nombreux talents qui ont marqué l’Histoire. À commencer par Audrey Hepburn, célèbre actrice britannique élevée au rang d’icône des années 50, idolatrée pour son style et son élégance naturelle. Cette femme brillante et rayonnante était engagée dans la cause humanitaire avec UNICEF, et a voué 40 ans de sa vie à défendre les inégalités à travers le monde. Florence Knoll, elle, fut la pionnière du design des années 50. De par ses collaborations ème avec les plus grands designers du XX siècle, elle a révolutionné l’habitat et la décoration contemporaine. A son actif, on retrouve les pièces les plus emblématiques du design : La Tulip Table d’Eero Saarinen, la Diamond Chair d’Harry Bertoia, la Wassily Chair de Marcel Breuer pour ne citer qu’elles. Visionnaire, comme l’était également un peu plus tôt Robert Mallet-Stevens, qui a construit la magnifique Villa Cavrois occupée par cette famille d’industriel jusqu’au décès de Madame Cavrois en 1985. Rachetée par l’État en 2001 puis restaurée par Michel Goutal, la villa retrouve sa magnificence d’antan en 2015, après de longs mois de recherches et de fouilles archéologiques. ème Comme tout un symbole, voici notre 30 numéro - nos 30 glorieux à nous où nous avons passées ces cinq dernières années à vous concocter de belles éditions surprenantes et didactiques. Merci d’être toujours plus nombreux à nous lire et à nous suivre, nous vous réservons de belles surprises à la rentrée.

4 M AI - J U IN

MARCHÉ DES MODES SPÉCIAL MOTHER’S DAY

Roubaix Salle Watremez Le Vestiaire

24 I 25 I 26 mai

SOMMAIRE 10 Fashion Day 2019

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20 Audrey Hepburn Le talent et la grâce

‒

26 Printemps Lille, un air d’aventure

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42 Florence Knoll Pionnière du design des années 50

‒

48 La villa Cavrois Chef d’oeuvre Total Magazine gratuit édité par ISSI STYLE MAG SASU au capital de 1000 € - 88 Avenue Jean Lebas 59100 Roubaix - Tel. 06 47 69 57 69 Président : Thibault Roy - Dépôt légal 02/2016 - ISSI N° 2491- 6579 - Toute reproduction, même partielle, sans autorisation est strictement interdite, sous peine de poursuites. Les annonceurs sont responsables de leur publication. Ne pas jeter sur la voie publique. 6 M AI - J U IN

6–8–10, rue de la Bourse | Lille | www.lepage.fr

NUMÉRO 30 MAI-JUIN 2019

Cover réalisée par Yoann Siloine Luca porte des un bracelet Isabelle Fa et bagues Lepage

CONTRIBUTEURS MERCI AUSSI À …

DIRECTEUR DE PUBLICATION Thibault Roy

M Agency Lila Guéant Nelly Jeremy Dominique Models Luca H Jocelyn Bouraly Villa Cavrois Lepage Benjamin Ferry Alaude Lefebvre Eva Di Battista Centre des Monuments Nationaux

RESPONSABLE PUBLICITÉ Thibault Roy

DIRECTION ARTISTIQUE Anne-B Queneau

RÉDACTEURS

Thibault Roy Victoire Mayor Lucie Tavernier

PHOTOGRAPHE

Yoann Siloine Maxime Dufour Alexis Delespierre

PROCHAIN NUMÉRO 6 Juillet 2019

ISSI STYLE MAG 88 AVENUE JEAN LEBAS 59100 ROUBAIX www.issimag.fr thibault@issimag.fr 06.47.69.57.69

8 M AI - J U IN

L’ÉVÉNEMENT MODE INCONTOURNABLE

Fashion Day PA R L A U RA DE L QUI E P HO TO S A L E X I S D E L ESP I E R R E ème

Mercredi 3 Avril dernier se tenait la 4 édition de la Fashion Day Lille, le plus grand événement mode au nord de Paris. L’occasion d’y découvrir la jeune création et les boutiques de prêt-à-porter de la métropole lilloise. Retour en images sur cette journée résolument mode.

11 M AI - J U IN

Au carrefour de l’Europe, l’Eurométropole de Lille est un terrain fertile pour la création. Les plus grandes marques et acteurs de la mode se sont réunies à la Fashion Day pour mettre en lumière tous les talents, fédérant ainsi les acteurs mode des Hauts-de-France. Des enseignes prestigieuses, marque de luxe et fournisseurs haut de gamme étaient présents à la Fashion Day. Printemps Lille, Série Noire, ByRuc, L‘Esthète, Maje, mais aussi BMW, Cafés Méo, Veuve Clicquot, jeunes créateurs, ou le célèbre vide-dressing de Violette Sauvage, tous ont répondu présents pour ce rendez-vous devenu incontournable à Lille Grand Palais.

/ Mise en scène par Public Address et Christina Chrasto, célèbre ème chorégraphe lilloise, la 4 édition de la Fashion Day a tenu toutes ses promesses. Une heure de show, 16 mannequins, 7 musiciens ... Plus qu’un défilé de mode, la Fashion Day est avant tout un grand spectacle auquel plus de 3500 personnes ont pu assister le mercredi 3 Avril dernier. Un succès rendu possible par tous les partenaires participants à l’événement, fidèles depuis 2015. Pas moins de 39 enseignes différentes ont pu défiler cette année pour présenter leurs collections printemps-été 2019. J-Why, qui a participé à The Voice, accompagné de ses musiciens ont mis l’ambiance tout au long de la soirée.

Carla porte une robe MAJE

La Fashion Day propulse la jeune création sur la scène internationale et redonne ses lettres de noblesse à la région Hauts-de-France jadis berceau mondial du textile. Devenue le rendez-vous mode incontournable au Nord de Paris, la Fashion Day 2019 a vu les choses en grand pour surprendre ses visiteurs. Sa quatrième édition, qui s’est tenue à Lille Grand Palais le mercredi 3 avril dernier avec un tout nouveau format ouvert à tous en journée, a su séduire ses participants. Les portes de la Fashion Day ont ouvert cette année à 11h. Tout au long de la journée, les fashionistas ont pu découvrir des boutiques, des espaces créateurs et assister au défilé des collections printemps-été du Printemps Lille. Violette Sauvage était également partenaire cette année et a pu proposer un grand vide-dressing aux visiteurs. Concours et casting de mannequins organisé par l’agence Exception Model Management étaient également au programme de cette Fashion Day 2019. À partir de 19h s’est déroulée la soirée privée accessible sur invitation des partenaires. L’occasion pour les invités de découvrir 39 enseignes différentes, boutiques

et créateurs confondus, lors d’un grand show mis en scène par Public Address. Lille et sa métropole profitent d’un terrain extrêmement créatif. En 2004 Lille avait été désignée Capitale Européenne de la Culture. Depuis, cette formidable énergie créative a donné naissance à Lille3000, un programme culturel pour s’ouvrir au monde et aux autres cultures. En 2019, Lille3000 poursuit son aventure sur le thème l’Eldorado, « ce pays fabuleux, regorgeant d’or, auquel rêvaient les conquistadores espagnols ». C’est donc sans hésitation que les équipes de la Fashion Day ont décidé de proposer une édition 2019 autour de la thématique Gold. « Nous n’avions pas d’événement autour de la mode à Lille, tous les créateurs et les boutiques de la région n’avaient pas de visibilité, les échanges avec le grand public manquaient. C’est pourquoi je me suis lancé en créant un événement permettant à tous les acteurs de la mode de se retrouver au même endroit pour donner un spectacle digne des plus grands. La Mode n’est pas qu’à Paris, elle est aussi à Lille ! » explique Thibault ème Roy, créateur de la Fashion Day. Pari réussi ! Cette 4 édition a réuni plus de 3500 spectateurs.

Jérémy porte une silhouette SERIENOIRE

Plus de 7000m étaient dédiés à la mode et la beauté, mercredi 3 avril dernier à Lille Grand Palais. Partenaire historique de l’événement, Veuve Cliquot nous a encore ébloui par son bar à champagne. De part et d’autre étaient installés des showrooms de boutiques et créateurs, sur lesquels nos invités ont pu découvrir et acheter leurs pièces coup de coeur. Maisons de Mode, partenaire associé de longue date, présentait 10 de ses créateurs Mode et Lifestyle, dont Sophie Masson et sa porcelaine, Uma Oath, Oh Suzy ou encore Chlore, cette marque swimwear en pleine expansion. D’autres créateurs indépendants étaient parfois venus de Paris et de Belgique pour présenter leurs collections : Gaelle Boulven, Orphée, Esquisse Paris et Makey ont fait le

déplacement. D’autres créateurs locaux ont également participé à la fête : Refab Market, Saori, Le Prisme Bowtie, Madame K, Art de Vivre et notre coup de coeur Sither & Ambroise pour ne citer qu’eux. À leur côté, nous retrouvions des enseignes de la métropole incontournables, telles que Sophie Doucet, Ullys et Colmar. Nous accueillons également pour la première fois Anthony Garçon, boutique de costume pour Homme récemment installé à Lille, Wattitud qui propose des vélos électriques incroyables ainsi que Cybex, enseigne internationale de puériculture. Car la Fashion Day c’est aussi ça : promouvoir la région à travers ses acteurs économiques locaux ! Alors, on se retrouve l’année prochaine ? Restez connectés...

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PA R V I C TOI R E M A YOR

À contre-courant des canons de son époque, Audrey Hepburn fut - et continue d’ être - une référence en matière d’allure androgyne, d’ élégance innée, de grâce affolante. Et si l’on a parfois l’ impression de tout savoir sur celle qui fut l’une des muses d’Hubert de Givenchy, elle était la personnification exacte du talent et de la grâce, une véritable icône de mode. Portrait.

audrey hepburn LE TALENT ET LA GRÂCE Audrey Kathleen Ruston, plus connue sous le nom d’Audrey Hepburn (1929 – 1993) est une actrice anglaise et une icône du cinéma. Résistante à onze ans seulement, elle s’est engagée par la suite auprès de l’Unicef. Fille de la baronne Ella Van Heemstra et de Joseph Victor Anthony Ruston, Audrey nait le 4 mai 1929 à Ixelles, en Belgique. En 1935, suite à de fréquentes disputes, son père quitte le domicile familial sans un mot et Audrey est envoyée en Angleterre dans un pensionnat où elle reçoit une éducation stricte. En 1939, lorsque la guerre est déclarée, la baronne Van Heemstra fait revenir sa fille aux Pays-Bas pour lui éviter les bombardements. Elle change son nom en Edda pour éviter de révéler ses origines britanniques. Pendant la guerre, Audrey suit des cours de danse classique au conservatoire d’Arnhem et se consacre au spectacle. Elle lit beaucoup et parle couramment anglais, néerlandais, français, espagnol et italien. Dès ses 11 ans, elle prend part à la résistance, d’abord en portant des messages puis en levant des fonds avec des spectacles.

Audrey Hepburn à Rome pendant le tournage de Guerre et Paix en juin 1955, photographiée par Norman Parkinson. L’actrice porte une robe Givenchy.

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P O R T R A I T • AUDREY HEPBURN

Icône des années 50 — La beauté d’une femme n’est pas dans les vêtements qu’elle porte, la figure qu’elle affiche ou la manière dont elle se coiffe les cheveux. La beauté d’une femme se voit dans ses yeux car ils sont la porte de son coeur, l’endroit où réside son amour. — Audrey Hepburn était une actrice britannique, mannequin, danseuse et humanitaire. Elle a été classée comme la 3ème plus grande légende féminine du cinéma à l’âge d’or du cinéma à Hollywood. Audrey Hepburn a reçu plusieurs nominations aux Oscars, Golden Globe et BAFTA après avoir joué dans de nombreux films à succès. Hepburn a remporté un nombre record de 3 BAFTA Awards dans la catégorie Meilleure actrice britannique. BAFTA lui a décerné le Lifetime Achievement Award en reconnaissance de sa carrière au cinéma et reste l’une des 12 meilleures personnes à avoir remporté des prix Academy, Emmy, Grammy et Tony. Hepburn était réputée pour ses choix distingués en matière de mode et son look typique, ainsi que pour sa gentillesse qui lui a valu d’être décrite par le journaliste Mark Tungate comme une marque reconnaissable. Hepburn était associée à un style minimaliste qui portait généralement des vêtements à la silhouette simple qui mettaient en valeur son corps mince. Elle adorait les couleurs monochromes et les accessoires occasionnels, bien que ses bijoux préférés fussent les perles. Elle a popularisé le legging noir uni à la fin des années 1950. Elle aimait se vêtir « d’un pantalon noir slim, de ballerines plates et d’un jersey noir raffiné», qui était l’un de ses styles distinctifs à côté de la petite robe noire, soulignant que ce style était nouveau à l’époque où les femmes portaient plus souvent des jupes et des talons hauts. En 1954, le photographe de mode Cecil Beaten a déclaré dans Vogue que Hepburn était «l’incarnation publique de notre nouvel idéal féminin». Reconnue comme une icône du cinéma et de la mode, son look classique Holly Golight tiré de Breakfast at Tiffany (1961) est l’une des photos les plus emblématiques du «Vieux Hollywood». Dans la scène d’ouverture de Breakfast at Tiffany, Audrey portait la petite robe noire emblématique de Givenchy. Audrey est devenue très

célèbre avec le couturier français Hubert de Givenchy après leur rencontre sur les plateaux de son film Sabrina en 1953. Elle est également devenue le visage du premier parfum de Givenchy, L’Interdit en 1957. L’influence de Hepburn en tant qu’icône de style s’est poursuivie plusieurs décennies après les plus hauts sommets de sa carrière d’actrice dans les années 1950 et 1960. Après sa mort en 1993, elle devint de plus en plus admirée et les magazines décrivaient fréquemment «comment avoir le look Hepburn» et constituaient une source d’inspiration pour les créateurs de mode. En 2004, Audrey Hepburn a été nommée «la plus belle femme de tous les temps» et «la plus belle femme du XXe siècle» dans les sondages d’Evian et de QVC respectivement. Et en 2015, elle a été élue «la Britannique la plus stylée de tous les temps» dans un sondage commandé par Samsung. Audrey a travaillé pour l’UNICEF pendant 38 ans et a reçu la Médaille présidentielle de la liberté pour son travail en tant qu’Ambassadrice de bonne volonté de l’ONU. Elle a beaucoup voyagé dans le monde pour aider les familles démunies et a promu sa cause sans relâche. Audrey Hepburn se rendit plusieurs fois sur le terrain, que ce soit pour un projet de vaccination contre la polio en Turquie, des programmes de formation professionnelle pour femmes au Venezuela, des projets pour les enfants vivant et travaillant dans la rue en Equateur, des projets d’alimentation en eau potable au Guatemala et au Honduras ou d’alphabétisation au moyen de la radio en El Salvador. Elle visita des écoles au Bangladesh, des projets pour enfants démunis en Thaïlande, des programmes d’alimentation pour les enfants du Vietnam ou des camps pour enfants déplacés au Soudan. «Le maquillage ne peut que vous rendre jolie à l’extérieur, mais cela n’aide en rien que vous soyez laide à l’intérieur. À moins que tu ne manges le maquillage », a déclaré Hepburn. Une grande dame qui marquera l’Histoire à tout jamais.

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PAR T H I B A ULT R OY

Nichée au coeur du Vieux-Lille au 39 rue Basse, LESTHETE est devenu la boutique incontourable des hommes branchés. Un univers streetwear et rock que l’enseigne cultive depuis maintenant 4 ans, en proposant aux lillois ce qu’ il se fait de mieux dans les designers tendances du moment.

LESTHETE prescripteur de mode masculine Messieurs, si vous ne connaissez pas encore LESTHETE à Lille, c’est une grossière erreur ( ou alors vous vivez terré dans votre appartement ). C’est LA boutique incontournable de la métropole lilloise pour le vestiaire masculin branché. Depuis maintenant 4 ans se dresse au milieu de la rue Basse ce concept store de designers d’avant garde, prescripteur de mode sur la métropole. Ils collaborent étroitement avec les plus belles marques : OFF-WHITE, Balenciaga, Givenchy, Kenzo, Dsquared2, Amiri, Rhude, Saint Laurent, Alexander Mcqueen, Stone Island, Burberry, Giuseppe Zanotti, Moschino et bien d’autres.

Réputés pour leurs collections menswear streetwear, ils proposent les pièces les plus convoitées telles que la Triple S de Balenciaga, les sneakers Royaums, et les dernières collections du célèbre designer Virgil Abloh pour OFF-WHITE. Dans un univers à la fois rock et street, venez découvrir la collection printemps-été 2019 des plus beaux labels mondiaux. Ici, on prône la culture du détail et des belles matières, en adéquation avec le nom de la boutique. Nul doute que vous serez vous aussi très vite un adepte de cette boutique phare de la métropole, temple du beau et du luxe pour hommes branchés.

LESTHETE - 39 RUE BASSE, 59000 LILLE tél : 03 20 40 15 15 - www.lesthetestore.com l e sthetestore

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PHOTOGRAPHIE RETOUCHÉE

OUVERT DU LUNDI AU SAMEDI DE 9H30 À 20H PRINTEMPS LILLE, 39-45 RUE NATIONALE - Tél. 03 20 63 62 00

Merci à l’Office du Tourisme de Tenerife pour la réalisation de ces photos.

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FLORENCE KNOLL pionnière du design des années 50 PAR T H I B A ULT R OY

Première femme à recevoir, en 1961, la médaille d’or du design industriel décernée par l’Institut américain d’architecture, Florence Knoll Bassett s’est éteinte à l’ âge de 101 ans, le 25 janvier, à Coral Gables, en Floride. Cette femme brillante, architecte et décoratrice hors pair, a contribué à l’expansion du design américain, dès la seconde moitié du XXe siècle. 42 M AI - J U IN

P O R T R A I T • FLORENCE KNOLL

— Je ne suis pas designer. J’ai juste fait les patates qui vont avec la viande… — Propos de Florence Knoll à George W. Bush lorsqu’il lui remettait la National Medal of Arts.

DESIGNER RÉVOLUTIONNAIRE DU MOBILIER MODERNE L’architecte-designer américaine Florence Knoll Bassett (née Schust) est née en 1917 à Saginaw, dans le Michigan. Orpheline dans son enfance, elle a fait ses études à la Kingswood School for Girls, qui fait partie de la communauté d’écoles de Cranbrook, cofondée par l’architecte finlandais Eliel Saarinen et l’éditeur de Detroit George Booth. Saarinen a personnellement encouragé Florence à fréquenter la Cranbrook Academy of Art, où elle s’est concentrée sur l’architecture jusqu’en 1939, avant de partir étudier à la Columbia University School of Architecture de New York et à l’Architectural Association de Londres. En 1940, elle étudie avec Ludwig Mies van der Rohe à l’Institut Armor (aujourd’hui l’Institut de technologie de l’Illinois) et travaille pour les architectes Marcel Breuer et Walter Gropius. L’année suivante, elle s’installe à New York et travaille pour la société de design d’intérieur Harrison & Abramovitz, par laquelle elle rencontre le fabricant et détaillant de meubles modernes Hans Knoll (1914-1955). Knoll la recruta à la tête de l’unité de planification de Knoll et, en 1946, elle l’épousa. La même année, la société change de nom et devient Knoll Associates. Chez Knoll, elle était une championne influente des designers et architectes Bauhaus établis, ainsi que de nouveaux talents tels que Harry Bertoia. En tant que designer et architecte à part entière, elle a conçu des tables, des chaises, des canapés et des solutions de rangement. Elle était un fervent défenseur de l’ergonomie dans l’aménagement de l’espace intérieur et de l’intégration totale du mobilier, de l’architecture, de l’art, du graphisme et des textiles. En 1951, la société a été renommée Knoll International et a étendu ses activités à l’étranger. À la mort de son mari, Hans, en 1955, elle assume la présidence de la société. Trois ans plus tard, elle épouse le banquier Henry Hood Bassett. Knoll Bassett a occupé le poste de directrice du design chez Knoll jusqu’à sa retraite en 1965. En 2002, elle a reçu une médaille nationale des arts et, en 2004, elle a fait don de ses archives de conception à la Smithsonian Archives of American Art, à Washington, DC. Décédée le 25 janvier dernier à 101 ans, elle a marqué l’Histoire du design et du mobilier. Aujourd’hui encore, ses meubles très tendances ne cessent d’être convoités. Parmi les plus célèbres, on retrouve la table Saarinen. Pilier de la collection Pedestal, la table d’Eero Saarinen est, associée à une série de chaises Tulip du même designeur, certainement la pièce cultissime de Knoll. Sur son sculptural piétement le plateau de marbre circulaire fait sensation. Déclinée en plusieurs tailles, de la table Kingsize au bout de canapé, elle s’intègre à merveille dans nos intérieurs. Héritier de cet art de voir et de concevoir impulsé par Florence Knoll, Demetrio Apolloni a choisi de le raviver, et d’y ajouter la notion d’« esprit maison » très vivace en France et en Europe où Knoll vient de racheter l’éditeur danois Muuto.

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P O R T R A I T • FLORENCE KNOLL

LA TULIP TABLE D’EERO SAARINEN POUR KNOLL INT. Elle est clairement un best-seller du design des années 50. Intemporelle car résolument contemporaine, la table Tulipe (Tulip Table) a été dessinée par le designer américain Eero Saarinen pour Knoll International, en 1956. La table ronde Tulipe d’Eero Saarinen fait partie de la Collection Pedestral, une série d’assise et de table à un pied. Créée entre 1955 et 1957, cette collection a pour dessin de libérer l’espace sous la table et sous la chaise. Une liberté de mouvement est ainsi suggérée. Aussi, la forme faisant référence à une tulipe, adoucit et embellit l’intérieur. La silhouette de la collection est reconnaissable, et de fait, Pedestral est considérée parmi les classiques du design. L’architecte et designer finnois Eero Saarinen, fils de l’architecte Eliel Saarinen, est né en 1910. En 1923, sa famille a émigré aux USA. En 1929-1930, Eero Saarinen a étudié la sculpture à l’Académie de la Grande Chaumière avant d’étudier l’architecture à Yale, dans le New Haven jusqu’en 1934. Une bourse de Yale lui a permis de voyager à nouveau en Europe mais il retourna aux Etats-Unis en 1936 pour travailler au bureau d’architecture de son père. Tandis que Charles Eames a continué de travailler sur des meubles en contreplaqué moulé, Eero Saarinen a choisi plus tard d’autres matériaux. Pour Knoll International, il a conçu un grand nombre de meubles, dont le fauteuil « sauterelle » de 1946-1947, avec des accoudoirs pliés en bois laminé. En 1947-1948, Eero Saarinen a conçu la collection « Womb » (« utérus »), qui était supposée, comme son nom le suggère, être confortable et donner un sentiment de sécurité, comme pour un fœtus dans l’utérus. En 1951, il a conçu la collection Saarinen pour Knoll, elle est constituée de plusieurs chaises de bureau, c’est une des premières gammes en mobilier de bureau design. Le chef d’œuvre architectural d’Eero Saarinen est la signature TWA-Terminal à l’aéroport JF Kennedy à New-York (1956-1962). Entre 1958 et 1963, l’aéroport international Dulles à Washington dessiné par Eero Saarinen avant sa mort en 1961, était en cours de construction. Il fut l’un des fervents ouvriers de la renommée de Knoll International à travers le monde, dépassant les carcans du design de l’époque. Visionnaire, Knoll édite aujourd’hui encore exclusivement ses pièces. Il a repoussé les limites des matériaux et de l’esthétisme pour obtenir des formes et des silhouettes qui n’avaient jamais été vues auparavant.

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ARTISTE, AGENT ET VISIONNAIRE. La société fondée par les deux époux sera indissociable de grands noms du design des Trente Glorieuses côté outre-Atlantique. Florence Knoll aura l’œil pour dénicher les talents et s’offrir leurs lignes et esthétiques uniques. Elle donnera leur chance à quelques uns des designers les plus importants du XXe siècle. Parmi eux : Eero Saarinen, Pierre Jeanneret, Harry Bertoia, Isamu Noguchi, Richard Schultz ou encore Frank Gehry... Avec ces compagnons de prestige, elle imaginera une architecture totale, un design du lieu global. Avant l’ascension de Knoll, les architectes et les «décorateurs d’intérieur» fonctionnaient comme des entités distinctes aux objectifs divergents. Florence Knoll s’est chargée de réunir les deux disciplines en créant au sein de Knoll Associates un service révolutionnaire : le « planning unit », un service unique pour l’époque qui assoira la réputation de l’entreprise Knoll Associates. L’unité de planification avait pour but de répondre aux attentes des clients par un projet global qui allait de l’architecture du lieu, au design des pièces, en passant par les textiles, le graphisme et la publicité. Nombres de sociétés américaines en plein essor dans cet après-guerre surproductif seront séduits et lui accorderont toute leur confiance. Dans les années 50 à 60, Knoll gérera ainsi la transformation des sièges très importants comme CBS, le Seagram and Look à Manhattan ou le siège social de HJ Heinz à Pittsburgh, sans compter les aménagements de propriétés privées aux États-Unis, en Europe, en Asie et en Amérique du Sud.

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PA R L U C IE TAVE RN IE R P HO TO GRAP HI E S A L B I N SAL AÜN & PAUL R E I F EN B E R G

On ne présente plus la Villa Cavrois, devenue après son sauvetage par l’Etat fleuron touristique de la Métropole lilloise. Abandonnée pendant plus d’une décennie, ce véritable château moderne avait subi les outrages du temps et des pilleurs. Pour le restaurer, le centre des monuments nationaux ont effectué une véritable plongée au cœur de ses images d’archives, notamment cellesqui illustraient l’ouvrage-manifeste « Une demeure 1934 », publié par son architecte, Robert Mallet-Stevens. Peu diffusées, elles sont l’unique témoignage parvenu à nous de cette demeure hors norme, telle qu’elle a été conçue.

LA VILLA CAVROIS chef-d’oeuvre total

Le 6 juillet 1932, les invités du mariage de Geneviève Cavrois découvrent la Villa des Cavrois. Quelques années plus tôt, l’envie de se mettre au vert avec ses sept enfants et son personnel de maison a poussé Paul Cavrois, son père adoptif, l’un des industriels du textile qui font les beaux jours de Roubaix depuis la fin du 19ème siècle, à faire l’acquisition de terrains, un peu plus de 3 hectares en tout, à Croix, sur la colline de Beaumont. Avec beaucoup d’ ambition en tête pour sa future demeure, il commence par frapper à la porte de Jacques Gréber qui a le vent en poupe dans le nord de la France. Ensemble, ils ébaucheront les grandes lignes du projet. Mais une rencontre va faire se détourner Paul Cavrois de ces premiers plans très classiques. L’architecte Robert Mallet-Stevens, croisé lors de l’exposition internationale des Arts décoratifs et industriels modernes de 1925 à Paris, va l’entraîner à sa suite dans un autre monde. Jusqu’alors plutôt attaché à la tradition, pas spécialement passionné d’art ou d’avantgarde, Paul Cavrois va pourtant se laisser convaincre

par Mallet-Stevens et lui laisser carte blanche pour réaliser un cadre de vie moderne, aux proportions exceptionnelles : 1 800 m2 de surfaces habitables, avec 6,60 mètres de hauteur sous plafond, un bassin de natation de 27 mètres... Il faut dire que l’architecte a quelques arguments : il a imaginé la Villa de la Vicomtesse et du Vicomte de Noailles à Hyères, a planché sur la maison du couturier Paul Poiret et sur six hôtels particuliers dans l’ouest parisien. Robert Mallet-Stevens fait découvrir à Paul Cavrois le Bauhaus et De Stijl, l’emmène visiter l’hôtel de ville d’Hilversum aux Pays-Bas, qui inspirera les jeux de géométrie et les briques jaunes de la la future Villa Cavrois. Mais surtout, il partage avec lui sa vision d’une nouvelle forme d’habitation, avec ses volumes novateurs et lumineux et ses équipements et matériaux d’avant-garde. « Air, lumière, travail, sports, hygiène, confort, économie », tel était le programme de Mallet-Stevens. Pari réussi pour Paul Cavrois : sa villa se démarque et ne laissera personne indifférent, jusqu’à faire date.

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ÂŠ Centre des monuments nationaux

/ Un ovni architectural dans le nord des industriels. A la Belle Epoque, dans la campagne chic de Roubaix, alors surnommée la « ville aux mille cheminées », les imposantes villas des grandes familles de la bourgeoisie industrielle fleurissent. Mais la tendance au sein de cette élite est alors aux styles anglo-normand ou néo-régionaliste, qui convoquent pierres et briques, colombages et toitures pentues coiffées de tuiles. La Villa Cavrois de Mallet-Stevens, figure montante du style moderne, va rompre radicalement avec cette esthétique. Lorsque la bonne société roubaisienne découvre en 1932 ses volumes imposants, ses jeux de géométrie et de symétrie, ses toits-terrasses, ses larges ouvertures et sa façade de briques jaunes minimaliste, c’est souvent l’incompréhension qui prédomine... La maison des Cavrois est affublée de sobriquets peu flatteurs, « péril jaune » ou « paquebot à la dérive ». Il faudra attendre plusieurs décennies pour qu’elle soit classée Monument Historique et que l’importance de son apport à l’architecture moderne fasse consensus.

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R E P O R T A G E • LA VILLA CAVROIS

/ Nouveau luxe. Avec ses volumes dépouillés et son absence d’ornements, la Villa Cavrois s’inscrit résolument dans la modernité. « Le vrai luxe, c’est vivre dans un cadre lumineux, gai, largement aéré, bien chauffé, avec le moins de gestes inutiles et le minimum de serviteurs » affirme ainsi Pierre Vago. Mais dans les pièces destinées à recevoir, comme le hall-salon ou le fumoir, la richesse des matériaux, et notamment les plaquages de marbre, bois précieux et parquet mosaïque Noël, démontrent l’aisance financière de la famille Cavrois.

L’IMPORTANCE DE L’ÉCLAIRAGE Système de chauffage central et de ventilation naturelle, réseaux d’eau et d’électricité, évacuation des ordures ménagères, insonorisation et acoustique, haut-parleurs à TSF, horloges synchronisées : Robert Mallet-Stevens a mis la technique moderne au cœur de la conception de la Villa et y a convoqué le nec plus ultra des équipements de l’époque. A l’heure de la domotique et de la maison connectée, cela semble être une évidence : au début des années 30, en Europe, c’est une posture résolument avant-gardiste. L’éclairage, très sophistiqué, révèle particulièrement l’importance des équipements dans la démarche de l’architecte. Les boîtes à lumière d’André Salomon rappellent que Mallet-Stevens a conçu des décors de cinéma, et notamment pour le réalisateur d’avant-garde Marcel L’Herbier, aux côtés de Paul Poiret ou Fernand Léger. Dans la salle à manger des parents, l’éclairage indirect, toujours signé Salomon, sublime les volumes et la hauteur sous plafond impressionnante de la pièce en masquant la source lumineuse par une rampe métallique. C’est là que cette technique élaborée et maîtrisée par André Salomon, déployée dans toute la maison, trouve son point d’orgue. Pour Mallet-Stevens, la collaboration avec l’ingénieur éclairagiste est un manifeste dans le manifeste : la technique moderne peut s’associer à l’art. Mais l’architecte n’en dédaigne pas la lumière naturelle, qui inonde de clarté la Villa Cavrois, comme ci-dessus, dans l’escalier.

/ Signé Mallet-Stevens, jusqu’au mobilier. Certes Jean Prouvé a fourni la cabine d’ascenseur de la Villa Cavrois et les frères Martel un bas-relief destiné à la salle à manger des enfants, mais pour le reste, même le mobilier, dessiné par Mallet-Stevens, porte la griffe de l’architecte. Du fumoir à la salle à manger des parents, il est totalement intégré à l’architecture des pièces. Mieux, certaines d’entre-elles sont traitées comme des meubles ! Seules, dans la salle de jeux (ci-contre) des tables et des chaises du designer Marcel Breuer font un clin d’oeil à l’esthétique de l’utile que prône Mallet-Stevens. Aucun autre projet ne lui laissera une telle liberté d’exprimer sa vision esthétique et conceptuelle. Décor, mobilier et architecture ne cessent ainsi de dialoguer.

R E P O R T A G E • LA VILLA CAVROIS

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R E P O R T A G E • LA VILLA CAVROIS

L’AVÈNEMENT DE L’HYGIÉNISME ET DU FONCTIONNEL Avec une salle de bain des parents épurée et immaculée, hommage évident au sport et à l’hygiène, ainsi qu’une cuisine qui fait la part belle aux équipements ménagers, la Villa Cavrois de Robert Mallet-Stevens fait sortir de l’ombre les espaces domestiques, où ils étaient jusqu’alors relégués. Ils préfigurent les changements socio-culturels à venir, qui, déjà à l’œuvre, vont trouver leur apogée après-guerre. La photographie, ici présentée, de la cuisine, est d’ailleurs devenue l’un des symboles de la demeure. Au sol, le carrelage en damier de grès cérame est une référence à Josef Hoffmann, architecte autrichien, cofondateur du Wiener Werkstätte et père du style moderne, une figure importante pour Mallet-Stevens.

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PAR THIBAULT ROY

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A U T O M O B I L E • NOUVEAU MERCEDES GLE

Les choses ont bien changé sur le marché depuis que Mercedes lançait son premier SUV haut de gamme en 1997. La marque à l’étoile propose désormais 7 SUV dans son catalogue. Trois ans après avoir adopté la dénomination GLE, le tout-terrain allemand se renouvelle en s’accordant esthétiquement sur les derniers modèles de la maison. En termes de design, la face avant n’est pas sans rappeler celle du pickup de la marque, la Mercedes Classe X. Le choix des jantes peut varier de 18 à 22 pouces. Les feux arrière sont, d’une certaine façon, inspirés de la petite sœur compacte, la Mercedes Classe A. NOUVEAUX MOTEURS Le GLE propose un nouveau moteur essence de six cylindres en ligne (GLE 450 4Matic) de 367cv et 500Nm de couple. Il jouit d’un système électrique de 48V et d’un soutient EQ Boost capable d’apporter ponctuellement 22cv et 250Nm supplémentaires. Viendront ensuite s’ajouter des motorisations diesel et même un hybride rechargeable. Toutes les versions du GLE 2019 seront couplées à une boîte automatique 9G-Tronic qui dispose de 9 rapports. UN INTÉRIEUR PLUS CHIC ET TECHNOLOGIQUE L’habitacle du GLE 2019 est complètement remanié et étrenne le concept “tout digital”, avec les deux grands écrans de 12,3’’ (de série) faisant office de bloc d’instrumentation et d’affichage d’infodivertissement. Le dessin des buses d’aération a été corrigé et deux généreuses poignées de maintien font leur apparition de part et d’autre de la console centrale. La nouvelle génération de volant n’a bien entendu pas été oubliée. Pas plus d’ailleurs que le dernier système multimédia MBUX (avec plus de fonctions de connectivité) avec les différents modes d’affiche : Modern Classic, Sport, Progressive et Discret. Le système propose également la réalité augmentée pour la navigation, l’assistant vocal “Hey Mercedes” ou la fonction prédictive, avec des suggestions pour par exemple calibrer votre émission radio favorite.

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R E N C O N T R E • LES SUBLIMEURS

PA R E VA D I B AT T I STA P HO TO S M AX I M E D UF O UR

D’ innombrables heures de pratique d’un art culinaire appris sous l’ égide des plus grands chefs, la sélection des meilleurs produits, un ancrage profond dans notre terroir, un dialogue permanent avec les fruits de la terre et de la mer, voici quelques-unes des pistes suivies par Isma’ il Guerre-Genton qui l’ont mené à l’Empreinte.

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Une cuisine d’humeur et d’auteur dans un écrin nature et brut: tout ici a l’apparence de la simplicité, rien ne l’est. Haute cuisine, démarche responsable, locale, authentique, humaine et bienveillante. L’exigence de perfection, la passion et ce supplément d’âme qui animent Isma’il Guerre-Genton et sa compagne Inès Rodriguez, transpirent dans tous leurs choix, de leur équipe à leurs producteurs de légumes, fruits, herbes, aux fleuristes, décorateurs, artisans du cuir, céramistes dont ils s’entourent. Si Isma’il et Inès ont choisi de proposer le café Méo dans leur oeuvre, ce n’est, au regard de leur univers, définitivement pas un hasard. C’est un coup de coeur pour l’homme et son produit.

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Méo, maison de café nonagénaire profondément lilloise, profondément chti, est aujourd’hui absolument dans l’air du temps. Pierre Sénéchal, son co-gérant, est fier de l’innovation dont Méo a toujours su faire preuve. Tradition et innovation: nouvelles tendances du slowcoffee ou du coldbrew, certes, mais aussi et avant tout, valorisation du produit, de son origine, de ses producteurs, défense de son ancrage local, affirmation de son âme, lui qui torréfie toujours à Lille et à la Madeleine. Méo a même organisé un concours de «Coffee in good spirit», cocktails de café et de spiritueux que n’auraient pas renié les amateurs de bistoulle d’antan. Tous les mois, Méo propose un cru mis à l’honneur, en une opportunité pour le consommateur d’éduquer son goût, d’enrichir sa connaissance du café, domaine aussi vaste que le monde. L’Empreinte aime proposer un café Méo différent selon les saisons, aux arômes réconfortants de noisette en hiver, aux arômes d’agrume en été. Chez ses restaurateurs, Pierre Sénéchal porte une attention permanente à « la tasse », où tous les éléments de préparation du café sont minutieusement passés en revue, entre autres la qualité et la température de l’eau, le moulin, la mouture, la durée d’extraction, l’épaisseur et la couleur de la « crema »… et la manière de le présenter. Pierre Sénéchal sait que son 100 % Sumatra est admirablement servi car, en fin connaisseur de tous les restaurants de la région, il sait que l’Empreinte est une grande maison. La tasse de café, c’est la dernière note olfactive d’un repas, les derniers gestes de l’art du service. A l’issue d’un festin sublime, l’à-peu-près n’est pas envisageable. Servi dans la tasse idoine, accompagné d’une mignardise chocolatée en harmonie avec le café (ces jours-ci, chocolat blanc, gingembre, citron), et d’un charbon. Oui, un charbon de pâte à churros au charbon végétal, mariage de l’enfance aux saveurs espagnoles d’Inès et nordistes d’Ismail. Après un repas à l’Empreinte, le regard et les sens sont transformés sur ce que la terre, le ciel et la mer du Nord nous offrent, sur tout ce que des producteurs vertueux, artisans, boulanger, boucher, brasseur, torréfacteur, nous proposent. La créativité et le travail sont chez nos deux Sublimeurs imprégnés de valeurs d’authenticité, de proximité, de responsabilité, exaltantes valeurs morales. Un repas à l’Empreinte est un festin, une véritable fête des sens au sens étymologique, où tous les éléments sont patiemment cultivés, artistiquement assemblés, amoureusement sublimés. Pour ce partage d’expériences, ces surprises, ces émotions, merci les artistes. Merci de savoir-faire d’un instant éphémère par nature, une expérience mémorable et profonde, merci de faire d’un tiot instant un univers ed’joyeus’té.

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