"Exhale-Inhale"

JAVIER GARCERÁ EXHALE - INHALE

Centro d’Arte Piana dei Colli Villa Alliata Cardillo, Palermo

Aprile 2013

L'insider del paesaggio

La ricerca estetica, formale ed esistenziale di Javier Garcerá sceglie come luogo di indagine ed epifania il paesaggio. La problematica che l'artista pone al centro della sua produzione è il rapporto tra paesaggio e insider attivo o outsider passivo.

Un tema che ha segnato dal XIX secolo la relazione uomo-natura sullo sfondo della dicotomia natura-cultura. È proprio questa dicotomia che l'opera di Garcerá mette in discussione attraverso processi di elaborazione della visione che partono da una suggestione estetica per trasformarsi in input emotivo: un suggerimento che l'artista offre e che aspira a toccare la parte più intima del fruitore per rendere più attiva la sua comprensione del mondo e del suo essere nel mondo.

L'indagine parte dal rapporto con la natura, che l'artista percepisce come infinita, mai completamente comprensibile all'uomo. Immagine che subito rimanda alla matrice romantica del paesaggio, rappresentato come luogo del sublime: “timore sacro, oscurità e maestà, vastità e magnificenza” 1, sono gli aggettivi che Cosgrove utilizza per descrivere la presenza di un'immensità inconoscibile, dell'arcano nella natura e della sua rappresentazione.

Effettivamente l'esperienza di un paesaggio sublime, spiega Edmund Burke, sposta le emozioni associate alla visione dall'oggetto osservato al soggetto senziente. Secondo Burke2 l'esperienza 5

del sublime può essere vissuta da tutti tramite l'uso dei cinque sensi. Proprio su quest'aspetto si instaura un'interessante corrispondenza con l'opera dell’artista spagnolo che sottolinea come il principale obiettivo delle sue opere sia “svuotare lo spettatore della capacità di parola”: tentare di eliminare le mediazioni intellettuali per farsi trasportare all'interno dello spazio pittorico che, proprio per questa sua qualità avvolgente, perde la sua posizione meramente frontale.

Un processo di fruizione che non avviene mai immediatamente ma dopo un tempo di osservazione, o meglio di comunione con l'opera. Le grandi dimensioni delle tele di Garcerá trasformano il quadro in installazione e, per enfatizzare questa sensazione di espansione ambientale, l'artista gioca con le luci che diventano parte integrante dell'opera poiché hanno la funzione di diffondere l'attenzione attorno al quadro. La luce accentua la teatralità nella presentazione dell'opera e ne garantisce vitalità o, come precisa l'artista, “l'impossibilità della staticità di visione”.

Risulta evidente nelle sue opere la tensione verso un’unità di visione che sia al contempo individualista e universale, un processo esperienziale che l’artista ottiene tramite la stratificazione dell'osservazione e che consente prospettive su scale variabili. L'attenzione simultanea al macro e al micro mondo è un elemento costante che rimanda a un altro aspetto della storia del paesaggio occidentale: il rapporto arte-scienza.

Un tema cruciale nel XIX secolo, accanto al paesaggio sublime, è quello dello sviluppo delle scienze borghesi che hanno come oggetto di studio la natura e l'analisi delle sue forme. Geologia, botanica, mineralogia - seppure scienze ancora intrise d'escatologia religiosa3 - aprivano nuove prospettive su mondi fino ad allora sconosciuti consentendo quindi quella pluralità della visione che ritroviamo nell'opera di Garcerá. Per scrittori come von Humboldt e Goethe, interpreti delle urgenze conoscitive del tempo, il progetto di penetrare l'ordine della natura doveva avere un'impostazione di tipo “olistico”: una comprensione totale della struttura e dell'ordine dell'universo; risultava dunque più che ovvio attingere sia all'arte che alla scienza per esplorare la configurazione del mondo naturale e tentarne una descrizione fisica. È proprio questa fisicità che si respira in La Menor Distancia, opera del 2012. Un tappeto di feltro nero abitato da un paesaggio mediterraneo dipinto in argento smaltato dove può riconoscervisi al contempo tanto una scogliera che si affaccia sul mare come il proliferare di frattali, il fondale del mare o un paesaggio astronomico. Macro e micro convivono, si tratta di una visione cangiante, in continuo movimento e perciò inafferrabile: infinita.

Se il potere di appropriazione visiva individuale del mondo esterno è oggi disponibile a chiunque mediante il sempre più facile accesso alla riproducibilità dell'immagine, l'unica alternativa valida resta, secondo Garcerá, non “vedere il paesaggio” ma “sperimentarlo fisicamente”. “Togliti le scarpe”, suggerisce l'artista, prendendo in prestito le parole di Kafka, “per entrare dentro l'opera come in una dimora”.

In Si el ojo nunca duerme, serie datata 2011-12, Garcerá raggiunge il perfetto equilibrio tra soggetto e oggetto di visione. Dipinge paesaggi rossi su tele 6

rosse: utilizzando un agglutinante crea un gioco di contrasti tra superfici opache e lucide. É difficile distinguere le sagome positive da quelle negative, entrambe sono valide, le visioni sono tutte possibili e qui la luce gioca un ruolo centrale: illumina un paesaggio piuttosto che un altro in base al punto di osservazione.

La seta è una superficie riflettente che risponde al dialogo con il fruitore e la luce soffusa sollecita un incontro intimo con l'opera e un tempo soggettivo d'ascolto. La scelta dei tessuti risulta determinante nel lavoro di Garcerá a partire dal 2011, diventa il primo passo per la costruzione dell'opera. Lo stimolo per questo nuovo approccio all'uso dei materiali si sviluppa in India dove l'artista alimenta il suo interesse per il sapere orientale e dove ha iniziato a immaginare e selezionare le prime sete per questa serie.

La ricerca spirituale sta alla base di tutto il suo lavoro e stabilisce, come ho evidenziato all'inizio di quest'excursus, un nesso profondo tra dimensione estetica ed esistenziale, tra essere nel mondo e la sua rappresentazione o comunicazione agli altri.

L'approfondimento della filosofia buddista nelle sue varie declinazioni costituisce un humus che, metabolizzato e rielaborato, ritroviamo in molte delle sue ricerche pittoriche: «nel buddismo uno dei primi atti del Dharma è quello di impegnarsi a vegliare, partecipando ad un rito chiamato Cerimonia del rifugio. Rifugiarsi vuol dire trovare un santuario spirituale sicuro, un posto dove il cuore e la mente possono ripararsi e riposare»4 . È questo l'invito che pone Garcerá: rifugiarsi nelle sue opere per recuperare quel tempo di cui la velocissima società contemporanea ci ha privato e, nell'atto lento e ripetuto del vedere, riscoprire la non riproducibilità della visione. Il titolo di quest'ultima serie “Se l'occhio non dorme mai” è un'esortazione alla

fruizione attiva dell'opera come insider del paesaggio e non più come spettatore.

Su questa stessa linea di ricerca si muove la serie che realizza tra il 2012 e il 2013: La menor distancia, di cui abbiamo già analizzato un'opera e su cui voglio tornare solo per aggiungere un elemento descrittivo: l'audio, che scandisce il ritmo di fruizione dell'installazione5. Il sottofondo sonoro immaginato dall'artista è il suo espiro: exhale-inhale/ inspira-espira, memoria della pratica yogi in India e titolo della personale presentata a Palermo nel marzo 2012.

Il respiro del singolo, rielaborato digitalmente, diventa respiro del mondo, soffio naturale del paesaggio roccioso dipinto su sfondo nero. In quest'opera l'audio è componente fondamentale poiché consente di percepire l'emozione della fusione tra macro e micro, tra individuo e universo.

Accanto alle tele in feltro nero - dove Garcerá dipinge panoramiche in argento smaltato di diverso formato: orizzontale, verticale o grandi tondi di memoria rinascimentale - si aprono finestre di paesaggi cangianti su sete bicolori. Qui è la materia a raccontarsi.

In quest'altra fase della serie La menor distancia l'artista pratica, attraverso un minuzioso lavoro di sfilacciatura, delle micro-ferite sulla tela che, graffiata da sottili punte d'ago, assume una doppia nuance cromatica, disegnando, per cancellazione, paesaggi cangianti nella forma e nel colore. Così uno stesso quadro può rappresentare un tramonto rossastro o un sottobosco verde muschio, tutto dipende da chi lo osserva e dalla intensità e posizione della luce che lo illumina.

Infine la grande installazione di questa stessa serie - otto metri per due - elaborata appositamente per la mostra palermitana: un tappeto volante sos7

peso a venticinque cm dal pavimento e illuminato da una luce dall'alto che scorre fluida sulla seta rossa rendendola vivida. Si tratta di un intreccio di fili di seta che formano piccoli tasselli di stoffa lucida, memoria della pittura divisionista, dei pixel ma anche un omaggio alle tessere musive della Cappella Palatina, come spiega l'artista: “la ricchezza di informazione visiva che ho raccolto mesi prima durante la mia visita alla Cappella Palatina di Palermo mi ha spinto insistentemente verso quest'ultima opera”6 .

I tasselli si intrecciano fitti ma, tra un incrocio e l'altro, si intravede il bagliore della tela dorata su cui si stende la trama di fili intrecciata a mano. Il tempo che Javier Garcerá reclama per la lettura delle sue opere è lo stesso che dedica alla sua creazione: un tempo dilatato dove potersi rincontrare. La superficie luminosa che crea appare cangiante e viva come un tappeto d'acqua dove le geografie del mondo si ricompongono nell'immagine riflessa. La visione che ci offre è dunque uno specchio nel quale scorgiamo la nostra presenza: diventando parte dell'opera recuperiamo il senso di appartenenza all'ambientecosmo.

Giulia Ingarao

COSGROVE, Denis. Realtà sociali e paesaggio simbolico, Edizioni Unicopli, Milano 1990, p. 210.

2 APPLETON, Jay.The Experience of Landscape, J. Wiley & Sons, London 1975, p.28.

3 Cfr. COSGROVE, Realtà sociali …, p.218.

4 DAS, Surya Lama, Gli otto gradini. La saggezza tibetana per il mondo occidentale, Mondadori, Milano 2000, p.55.

5 http:// vimeo.com/75586444 6 Intervista con l’artista, Palermo aprile 2013.

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Javier Garcerá = Exhale/Inhale ¿Es el mismo tiempo el de los cuerpos no bañados por la luz que el de los cuerpos por ella aligerados?

María Zambrano

En la vorágine de nuestro día a día parece que no quede tiempo para el silencio, para detenernos, para observar lo que vivimos y elegir contemplar y contemplarnos. A los principiantes en el yoga nos piden que procuremos dejar “la mente en blanco“, que nos fijemos en “el aquí y el ahora” e intentemos despojarnos de pensamientos pasados y futuros que nos ensombrecen ese instante que, sin darnos cuenta, desaparece sin ser vivido. Es un primer paso. Si en algún momento fuésemos capaces de conseguir esa abstracción, esa fijación en nuestro propio cuerpo, posiblemente comenzaríamos a conocernos de una manera más sincera, más justa. Detenernos en nuestra respiración, escuchar atentamente cómo se quejan nuestros músculos -como gritan- haría posible que nos olvidásemos de nosotros mismos y diésemos comienzo a una nueva experiencia de lo real.

Javier Garcerá trabaja en un continuo conocimiento de sí mismo, en una búsqueda reconfortante que parece haber dado sus frutos; no es algo definitivo, pero da la sensación de que, a diferencia de muchos, ha descubierto el camino por el que seguir andando. Ya no le asusta el silencio, no le aburre, no admite que las distracciones que a la mayoría nos rodean le roben un solo instante; necesita cada vez menos la compañía de un libro o una canción de fondo, y una conversación banal la sufre como una pérdida irremediable porque la vida le parece corta.

Maravillosa y corta, aunque no le tiene miedo a la muerte, también ha superado eso.

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Esta aceptación sin sufrimiento de la fugacidad intrínseca a la vida, de ese vaivén incontrolable donde todo se escapa, le hace adoptar una actitud ética -incluso política- de asentimiento hacia esa pérdida y de modestia respecto al mundo; es consecuencia de ello su interés por vivir el momento, un momento calmo, sin la angustia existencial surgida de la certeza barroca de que todo lo humano está destinado a desaparecer. Esta falta de expectativas -en el mejor de los sentidos- hace que desaparezcan frustraciones que derivan de la práctica de proyectar nuestros anhelos e inquietudes y que, más que nada, nos hace ser enemigos de nosotros mismos. Hace unos días, pensando sobre esto, leí un cuento que me recordó a Javier y a alguna de nuestras conversaciones sobre el inmenso poder de la mente a la hora de fabricar sueños y de cómo los sueños no tienen en cuenta el presente, negándole su posición de privilegio1.

El Paracelso2 de Borges rezaba para que Dios le enviara un discípulo, proyectaba esa idea día y noche, hasta que un desconocido tocó a su puerta. El recién llegado, para disipar sus dudas, le rogó una prueba de que su maestría era real: hacer desaparecer una rosa. Paracelso le insistió en que no se anticipara y le pidió confianza -“Sé que hay un camino“- le dijo- quería que su discípulo no cayese en el error de limitarse a la apariencia impuesta por la magia de sus ojos. No lo consiguió y ninguno de los dos colmó sus expectativas: el discípulo se sintió defraudado y el maestro volvió a quedarse solo.

En su quehacer artístico Javier Garcerá también funciona “sin expectativas”, antepone la intuición a la planificación, deja que el tiempo haga su labor y aprende en un proceso de creación que le resulta reconfortante y enigmático. En muchas ocasiones trabaja con sus manos, de una manera paciente, serena, en contacto con el material, disfrutando al detenerse como el artesano hindú que confecciona el ropaje de seda para una ceremonia. Esta manera de hacer propia del artista como maestro de oficio, como artesano, cada vez le interesa más y el descubrimiento de las telas ha supuesto un afianzamiento en este sentido; además, ha visto en sus características un vehículo idóneo para dar a conocer sus intenciones, es como si hubiese encontrado con ellas la manera de formalizar lo real, lo cambiante, de cosificar un lugar donde detener la mirada y hallarse protegido.

Con estos tejidos que interviene -pintándolos, deshilachándolos, erosionándolos- sigue planteando al espectador algo que se ha convertido en primacía desde hace algunos años: estimular una actitud puramente contemplativa. En palabras de Chillida: “La experiencia se orienta hacia el conocimiento. La percepción hacia el conocer. Creo que la obra concebida a priori nace muerta. En arte todo se puede aprender y nada o casi nada se puede enseñar 3”. En este caso, los discursos eruditos también se formularán a posteriori y cada cual podrá volver a revestirse con su traje de crítico, historiador, antropólogo o galerista y utilizar sus herramientas, pero sólo una vez que haya finalizado este primer ejercicio que se propone: intensificar la percepción. “Le invito a que no se distraiga, a que busque la verdad“ -advirtió Tàpies a una periodista que le peguntaba el significado de su obra- “se pueden dar equivalencias, pistas, pero explicaciones intelectuales exactas no, porque irían contra la misma idea del arte. Cuanta más desnudez de palabras, mejor. No hay que 10

limitar o dirigir la atención del espectador4“ . Como recompensa, se hallará esa morada temporal de la que hablaba María Zambrano y que Javier ha hecho suya.

Lo mismo sucede en su día a día, Garcerá reivindica la mirada, una mirada atenta y desprovista de convencionalismos sociales y culturales; se interesa por la naturaleza del ser humano y por la trascendencia del hombre hacia la realidad originaria, hacia el fondo sagrado y misterioso de la vida y de las cosas5 . Cree que las respuestas de la mayoría de las preguntas del individuo provienen de su interior y sólo desde lo más íntimo pueden producirse cambios relevantes en todas las parcelas de nuestro existir. Del interior hacia el exterior, pero no al contrario.

Permanecer en esta postura vital y llevar a cabo su trabajo en una sociedad repleta de estímulos mediáticos no debe resultarle siempre fácil, y aunque se refugia en la soledad de su taller, en silencio, sin el ruido de la palabra, es consciente de la sociedad en la que vive. Las nuevas tecnologías intentan desaforadamente llamar la atención con sus cantos de sirena a modo de obscena multiplicación de imágenes. La publicidad comercial interrumpe de una manera constante nuestra cotidianeidad, convirtiéndose en el discurso dominante en muchos aspectos de la vida. El arte tampoco está ajeno a este gusto por lo mediático, por esto a él le complace que sus obras no puedan reproducirse, y lo que comenzó siendo un aspecto negativo por la decepción que para él mismo suponía verlas impresas, se convirtió en algo especial, en un plus del que prefiere no desprenderse. Fotografiar las últimas obras de Javier no tiene ningún sentido porque se transforman en otra a cada paso, van recordándonos la certidumbre de que en todo lo que aparece, siempre hay una parte velada, ocultada6 y lo que

creemos poseer de una manera fiel, lo perdemos con la misma facilidad con la que la hicimos nuestra. Esta última consideración me hizo volver a la “sombra misteriosa” y la “magia de la sombra” de la que hablaba Tanizaki “A medida que la visión perpendicular va dando paso a la visión lateral, la superficie se pone a emitir una suave y misteriosa radiación. Lo que hasta entonces sólo tenía un reflejo atenuado, como adormecido, justo cuando pasas a su lado se ilumina súbitamente con una llamarada y te preguntas, atónito, cómo se ha podido condensar tanta luz en un lugar tan oscuro7“. Entre las lecturas que me acompañaron en mi estancia en Palermo junto a Javier, estuvo este Elogio de la sombra. Cuando lo vio, preguntó ¿quién se está leyendo esto? -yo sonreí- me dí cuenta de que no preguntó por ningún libro más de los que allí había.

Es un hecho constatado que se siente cada vez más cerca de oriente que de occidente, sin que ello le haya supuesto el abrazo de ningún tipo de creencia religiosa o mística ortodoxa. Es transcendental “entendiendo que lo transcendente está en lo inmanente y, frente al más allá, apuesta por el más acá 8“ y considera que el cosmos lo conformamos todos y todas las cosas; un cosmos próximo con el que hemos de ser generosos. Esto me hace recordar nuestra visita al claustro medieval de Basílica de la Magione, un remanso de paz el centro histórico de la ciudad que todavía conserva las huellas de los bombardeos de la Segunda Guerra Mundial. Rompió su silencio sólo para hacerme ver, en la fortaleza de un olivo, la generosidad de la naturaleza hacia el hombre y la relación tan estrecha que nos une. “Yo me veo en unos años rodeado de árboles, viviendo tranquilamente, como un gato”- me dijo. En un primer momento me extrañó, yo más bien lo había recreado en un studiolo, tipo al de Federico de Medici, con inmensos ventanales con vistas la campiña romana; de pron11

to caí, ¡Claro, la Zambrano! Era la figura del gato la que estaba presente durante la contemplación pero fuera del cuadro, era el gato el guardián de la armonía… promesa de quietud por la pintura.

Maria Jesús Martínez Silvente

KUNDERA, Milan. La identidad, Tusquets, Barcelona, 1998, pág. 13.

2 “La rosa de Paracelso” en BORGES, Jorge Luis. La memoria de Shakespeare, Madrid, Alianza, 1997, págs. 49-60.

3 CHILLIDA, Eduardo. Aromas, Edouard Weiss, París, 2000, pág. 15.

4 RIGALT, Carmen. “Nunca he conseguido hacer un cuadro de una sola pincelada“, El Mundo, nº 135, 1998.

5 MICHERON, Cécile: “Introducción al pensamiento estetico de María Zambrano: Algunos lugares de la pintura”. LOGOS. Anales del Seminario de Metafísica, Madrid, nº. 36, 2003, pág. 217 6 Ibidem 7 TANIZAKI, Junichiro. El elogio de la sombra, Siruela, Madrid, 1994 (primera edición en español) (1933), pág. 53.

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RIGALT, op. cit.

EXHALE - INHALE

The landscape’s insider The aesthetic, formal and existential quest of Javier Garcerá finds in the landscape its elective locus of enquiry and epiphany. The core problematic of the artist’s production is the relationship between the landscape, the active insider and the passive outsider. This is a theme that has marked the relation between man and nature since the 19th century, on the background of the nature-culture dichotomy.

It is exactly this dichotomy that Garcerá’s work questions through a process of elaboration of the viewing experience, which starts with an aesthetic suggestion in order to become emotional input: a proposition offered by the artist, which aspires to touch the most intimate part of the viewer and make her understanding of the world—and her being in the world—more active.

The inquiry begins from the relationship with nature, which the artist perceives as infinite and never fully comprehensible by man. This image immediately reminds us of the Romantic character of the landscape as site of the sublime: “Sacred fear, obscurity and majesty, vastness and magnificence”1 is how Cosgrove describes the presence of an unknowable immensity, of the arcane within nature and of its representation.

Edmund Burke2 explains how, in fact, the experience of a sublime landscape shifts the emotions associated with vision from the observed object to the sentient subject.

According to Burke, everyone can live the experience of the sublime through the five senses. In this respect there is an interesting correspondence with the work of the Spanish artist, which underlines how the principal aim of his work is “the emptying of the viewer’s ability to speak”: an attempt to get rid of intellectual mediations in order to move inside the pictorial space, which thanks to this enveloping quality loses its mere frontal position.

This process of consumption of the work of art does not happen immediately, but after a certain time observing— 31

or better—communing with it. The large size of Garcerá’s canvases transforms the painting into an installation. In order to emphasise this feeling of spatial widening, the artist plays with light, which becomes an integral part of the work given its aim of diffusing attention around the painting. Light accentuates the theatricality of the work’s presentation and guarantees its vitality, or as the artist himself points out, “the impossibility of a static vision”.

Evident in Garcerá’s work is a tension towards a unitary vision that is at the same individualistic and universal, an experiential process that the artist obtains thanks to a stratified observation, and that affords perspectives at variable scales. The simultaneous attention to the macro and the micro is a recurring element in Garcerá, which recalls another aspect of the history of the western landscape: the relationship between art and science.

Alongside that of the sublime landscape, a core theme during the 19th century is the development of the bourgeois sciences, which have as their purpose the study of nature and the analysis of its forms. Sciences like geology, botany and mineralogy, although still marked by a religious eschatology3 , opened new perspectives on worlds until then unknown, thus allowing the plurality of vision that we find in Garcerá’s work. For authors like von Humboldt and Goethe, who interpreted the urge for knowledge typical of the time, the project of penetrating nature’s order required an holistic approach: a complete understanding of the structure and order of the universe. Given this, it was only natural to draw both on the arts and the sciences to explore the natural world’s configuration and attempt its physical description.

It is this physicality that transpires in La Menor Distancia, a work of 2012: a carpet of black felt populated by a Mediterranean landscape painted in silver enamel, where the viewer may recognise at the same time a cliff that overlooks the sea and a series of proliferating fractals, the bottom of the sea or an astronomic landscape. Macro and micro coexist in a changing vi-

sion, constantly moving and thus unfathomable: infinite.

If the individual’s power of visually appropriating the external world is today available to anyone via the increasingly easy access to image reproducibility, the only valid alternative for Garcerá is not “seeing the landscape” but “experiencing it physically”.

“Take off your shoes”, suggests the artist, borrowing Kafka’s words, “and go inside the work as in a home”.

In Si el ojo nunca duerme, a series from 2011-12, Garcerá reaches the perfect balance between subject and object of vision. He paints red landscapes on red canvases; making use of an agglutinant he creates a play of contrasts of opaque and shiny surfaces. It is thus difficult to distinguish the positive silhouettes from the negative ones, both are valid, all interpretations are possible and light plays a key role: it illuminates one landscape as opposed to another depending on the point of observation.

Silk is a reflecting surface that responds to the dialogue with the viewer; the suffused light urges an intimate encounter with the painting and a subjective listening time.

The choice of cloth becomes central to Garcerá’s work from 2011 onwards, being the first step in the construction of a piece. The stimulus for this new approach to the use of materials originates in India, where the artist fosters his interest in oriental knowledge and where he began imagining and selecting the first silks for this series.

As I have mentioned at the beginning of this text, a spiritual quest is at the root of all his works and establishes a deep link between the aesthetic and existential dimension, between being in the world and its representation and communication to others.

The study of various Buddhist traditions is a common ground that we find, appropriated and re-elaborated, in many of his pictorial endeavours: “According to Buddhism, one of the first acts of Dharma is committing to keep vigil by taking part in a rite called Ceremony of the refuge. To take refuge means finding a safe spiritual sanctuary, a place where heart and mind can find shelter and rest”4 . This is Garcerá’s enticement: to take refuge in his works and recuperate the time we 32

have been defrauded of by the hyper-velocity of contemporary society, and in the slow and repeated act of viewing, rediscover the non-reproducibility of the vision.

The title of this last series, ‘If the eye never sleeps’, is an exhortation to the active consumption of the painting as an insider of the landscape, not as a spectator.

The series that Garcerá has created between 2012 ad 2013, La menor distancia, runs along similar lines.

I have already analysed one work from this series and here I want to go back to it only to add a descriptive element: the audio5, which gives rhythm to the perception of the installation. The acoustic background imagined by the artist is his own breathing: exhale and inhale, memory of his yogi practice in India and title of the solo exhibition held in Palermo in March 2012.

The individual’s breathing, digitally re-elaborated, becomes the breathing of the whole world, natural breath of the rocky landscape painted on the dark background.

The audio is a fundamental component in this work because it allows perceiving the emotion of the merging between micro and macro, individual and universe.

Alongside the paintings in black felt, on which Garcerá depicts silver enamelled panoramic views of different shapes: horizontal, vertical, or widely spherical ones with a Renaissance feeling, we find windows of changing landscapes on bicolored silks. Here materiality narrates itself.

In this other phase of the La menor distancia series, the artist cuts a number of microscopic wounds on the canvas by meticulously unravelling it. Scratched by thin needles, the canvas thus takes on a double chromatic nuance and delineates, via a process of erasure, landscapes that fluctuate in shape and colour. The same painting can therefore represent a reddish dusk or a wood’s green mossy undergrowth; it all depends on who is observing it and on the intensity and position of the light that shines on it.

Lastly, we find the largest installation of this series (eight meters by two), elaborated specifically for the Palermo exhibition: a flying carpet suspended twenty-five centimetres from the ground and illuminated from above with a light that runs fluidly on the red silk, turning it alive. This work consists of a mesh of silk threads that

create small tiles of shiny cloth, reminiscent of Divisionism, like pixels, but also a homage to the mosaic tiles of Palermo’s Palatine Chapel, as the artist himself explains: “The richness of visual information that I collected for months during my visits to the Palatine Chapel pushed me incessantly towards this latest piece” . Although the tiles intersect tightly, in-between the criss-crossing one is able to glimpse the brilliance of the golden canvas on which the pattern of threads is hand-woven.

The time that Javier Garcerá demands for the interpretation of his works is the same one that he devotes to their creation: an expanded time in which to meet. The shiny surface he creates appears ever changing and alive like a carpet of water on which the world’s geographies recompose themselves in the reflected image. The vision he offers us is therefore a mirror in which we glimpse our own presence: by becoming part of the painting we recuperate the sense of belonging to the landscape-cosmos.

Giulia Ingarao

Javier Garcerá = Exhale Inhale

Is time the same for bodies not bathed in light as for those lightened by it?

María Zambrano

In the whirlwind of our day-to-day lives, it seems as though we have no time for silence, to stop, to observe what we live and choose to contemplate, and contemplate ourselves. As yoga novices we are asked to keep our “minds blank,” to focus on the “here and now.”

We are to try to clear away past and future thoughts that cast a shadow over that moment, which, unbeknownst to us, disappears without being lived. This is a first step. If in some moment we were to be capable of attaining that abstraction, that connection to our own body, we could possibly start to know ourselves more honestly, more fairly. Stopping ourselves in our breathing, listening attentively to how our muscles groan–or scream–would make it possible for us to forget about ourselves, and initiate a new experience of what is real.

Javier Garcerá works toward a continuous knowledge of himself. I always have the feeling that he is in another stage, looking back over a process that he has already moved past; with this, I do not mean that his search is finished, but rather that he has discovered the path to continue down. Silence does not frighten or bore him, and the distractions surrounding most of us cannot steal even one moment away from him. He has less and less need for the company of a book, or a song in the background. He suffers through banal conversations as if they were irreparable wastes, because life is short to him. Marvelous and short, even though he is not afraid of death. He has also overcome that.

COSGROVE, Denis. Realtà sociali e paesaggio simbolico, Edizioni Unicopli, Milano 1990, p. 210.

2 APPLETON, Jay. The Experience of Landscape, J. Wiley & Sons, London 1975, p.28.

3 Cfr. COSGROVE, Realtà sociali …, p.218.

4 DAS, Surya Lama, Gli otto gradini. La saggezza tibetana per il mondo occidentale, Mondadori, Milano 2000, p.55.

5 http:// vimeo.com/75586444 5 Intervista con l’artista, Palermo aprile 2013.

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This unsuffering acceptance of the fleeting nature of life, of the uncontrollable ups and downs where everything escapes, makes him adopt an ethical–or even political–position of compliance with the loss, and modesty towards the world. He is interested in living in the moment, a calm moment, without that existential anguish born of the Baroque certainty of everything human being doomed to disappear. This lack of expectations (in the best sense) makes the frustrations derived from the projection of our wishes and worries, and that mostly turn us into our own enemies, disappear. A few days ago, when thinking

about this, I read a story that reminded me of Javier. I was reminded of some of our conversations about the immense power of the mind when dreams are created, and how dreams do not take the present into account, denying the present’s privileged position1 . Borges’ Parace2 lsus prayed for God to send him a disciple. He projected the idea, day and night, until a stranger knocked at his door. The recently arrived visitor, to expel his doubts, asked Paracelsus to prove his mastery real by making a rose disappear. Paracelsus insisted that the visitor not rush him, and asked for his trust. “I know there is a way,” he told him, not wanting for his disciple to fall into the trap of limiting himself to the appearance imposed by the magic of his eyes. He was unable to fulfill the request, and neither had their expectations met: the disciple felt disappointed, and the master was once again alone.

intellectual explanations, because they would go against the original idea of the art. The less words, the better. The spectator’s attention should not be limited or directed4” .

As a reward, that temporary dwelling that María Zambrano spoke of, and that Javier has made his own, is found.

In his artistic task, Javier Garcerá also works “without expectations,” putting intuition before planning. He allows for time to do its work, and learns during a creative process that seems at once comforting and enigmatic to him. He often works with his hands, patiently, serenely, in contact with the material, happily pausing like an Indian artisan creating silk robes for a ceremony. This way of working as a master of a trade, an artisan, is more and more relevant to the artist. The discovery of the fabrics has brought about a strengthening in this way; he has also found an ideal vehicle in the fabrics’ characteristics to make his intentions know. It is as if he had found the way to formalize what is real, what is shifting, of objectifying a place to stop the gaze and find oneself protected.

Maintaining this vital attitude, and carrying out his work in a society filled with media stimuli, cannot always be easy for him. Even though he seeks refuge in the solitude of his workshop, in silence, without the sound of words, he is conscious of the society he lives in. New technologies attempt to outrageously call attention with their siren songs, relying on an obscene multiplication of images.

Commercial publicity constantly interrupts our daily lives, becoming the dominant discourse of many aspects of our lives. Art is not removed from this preference for media, and this is why it is pleasing to him that his art cannot be reproduced. What started off as a negative aspect– disappointment upon seeing them printed–became something special, a plus he would rather not be detached from. Taking pictures of Javier’s latest works do not make any sense at all, because with each step, they turn into another work. There is always a veiled, hidden part6 , and what we believe to faithfully possess, we lose as easily as we made it ours. This last consideration made me return to the “mysterious shadow” and the “magic of the shadow” that Tanizaki spoke of: “As perpendicular vision gives way to lateral vision, the surface starts to emit a soft and mysterious radiation. What until then only showed as a soft reflection, muted, as you go by suddenly lights up with a flash, and you ask yourself, stunned, “How has so much light been condensed into such a dark space?7”. In Praise of Shadows was among the readings accompanying me in my stay in Palermo with Javier. When he saw it, he asked “Who is reading this?” and I smiled. I realized that he did not ask about any books that were not there.

When he intervenes on the material–painting it, fraying it, eroding it–he presents the spectator with what has become a priority in recent years: the stimulation of a purely contemplative attitude. In Chillida’s words, “Experience is oriented towards knowledge, perception towards knowledge. I think that a priori artwork is born dead. In art, everything can be learned, and nothing, or almost nothing, can be taught 3”. In this case, erudite discourses are also formulated a posteriori. Each person may operate wearing the critic’s, historian’s, anthropologist’s, or gallery owner’s hat, but only once the first exercise is complete: that of intensifying perception. “I invite you to not be distracted, to search for the truth,” Tàpies warned a journalist asking about the meaning of his work.

“Equivalencies and clues may be given, but not exact 34

The same is true for his day-to-day life: Garcerá recreates the gaze, an attentive gaze bucking social and cultural conventions. He is interested in the nature of human beings, in the transcendence of man towards primordial reality, towards the sacred and mysterious beginnings of life and of things5 . He believes that the answers to most questions facing the individual come from within. It is only from within the most intimate space that important changes can be produced in every area of our existence: From inside to out, but not the other way around.

It is a proven fact that he feels closer and closer to the East than to the West, albeit without the embrace of any orthodox religious belief or mysticism. He is transcendental, “understanding that what is transcendent is in what is immanent, and when facing the great beyond, choosing the great here8” and considering that we and everything make up the cosmos–a close cosmos we must be generous with. This reminds me of our visit to the medieval cloisters of the Basilica of Magione, a peaceful haven in the historic center of a city that still conserves the footprints of the bombings of World War II. He broke his silence only to make me see, in the strength of the olive tree, the generosity of nature towards man and the tight relationship that unites us. “In a few years, I see myself surrounded by trees, living peacefully, like a cat,” he told me. At first, it seemed strange to me; I had thought of him in a studiolo, like Federico de Medici’s, with immense windows boasting views of the Roman countryside. Just then, a moment of clarity: Of course, Zambrano! She was the figure of the cat that was present during the contemplation, but outside of the picture. The cat was the guardian of harmony... a promise of calm from the painting.

María Jesús Martínez Silvente

KUNDERA, Milan. La identidad, Tusquets, Barcelona, 1998, pág. 13.

2 “La rosa de Paracelso” en BORGES, Jorge Luis. La memoria de Shakespeare, Madrid, Alianza, 1997, págs. 49-60.

3 CHILLIDA, Eduardo. Aromas, Edouard Weiss, París, 2000, pág. 15.

4 RIGALT, Carmen. “Nunca he conseguido hacer un cuadro de una sola pincelada“, El Mundo, nº 135, 1998.

5 MICHERON, Cécile: “Introducción al pensamiento estetico de María Zambrano: Algunos lugares de la pintura”. LOGOS. Anales del Seminario de Metafísica, Madrid, nº. 36, 2003, pág. 217 6 Ibidem 7 TANIZAKI, Junichiro. El elogio de la sombra, Siruela, Madrid, 1994 (primera edición en español) (1933), pág. 53.

8 RIGALT, op. cit.

1

35

36

Javier Garcerá

Puerto de Sagunto (Valencia), 1967 www.javiergarcera.com info@javiergarcera.com

Exposiciones individuales / Solo exhibitions 2013 Exhale-Inhale, Centro d’Arte Piana dei Colli,

Palermo (Italia) [cat.]

2012 La menor distancia, Galería Isabel Hurley,

Málaga 2011 Si el ojo nunca duerme, Galería Jorge Shirley,

Lisboa (Portugal) 2009 Take off your shoes, Galería Álvaro Alcázar,

Madrid [cat.]

2007 Galería Jorge Shirley, Lisboa (Portugal) 2003 Te hablo de lo cotidiano, Galería María Martín, Madrid 2002 Del espacio heredado, Studio Cannaviello,

Milán (Italia) [cat.]

Immagini associazione culturale, Údine (Italia) 2001 Gallería Nicola Ricci, Pietrasanta (Italia) 1999 A cielo abierto, galería María Martín, Madrid [cat.]

Memoria Inventada, Espai d´art La Llotgeta,

Valencia [cat.]

Galería Oddi Baglioni, Roma (Italia) [cat.]

De la sombra alumbrada, Studio Cannaviello,

Milán (Italia) [cat.]

1998 Galería Espai Lucas, Valencia

Visiones sin centro, Dirección General de

Promoción Cultural, Museos y Bellas Artes de

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1997 Desde las sombras, galería Ferrán Cano,

Barcelona [cat.]

Desde las sombras, Sala Parpalló, Valencia [cat]

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37

Secretos de mi retina o de la intimidad del

bosque, galería Fúcares, Almagro 1996 Percorsi, galería Graziano Vigato, Alessandria (Italia)

Distese di memoria, galería Arx, Turín (Italia) [cat.]

1995 Acciones, Palais des Evêques, Saint-Lizier

(Francia) [cat.]

Acciones, galería 4 Gats, Palma de Mallorca 1994 Accions i Fixacions, Casa de Cultura de Bellre

guard, Valencia

Accions i Fixacions, galería Espai Lucas,

Valencia [cat.]

1993 Centro Cultural de Xabia, Xabia [cat.]

Galería Espai Lucas, Valencia

Santa Maria ad Nives, Rímini (Italia) [cat.]

Exposiciones colectivas / Group exhibitions 2013 On Painting, CAAM, Las Palmas de Gran

Canaria [cat.]

La imagen fantástica, Centre del Carme, Valencia

Arco, programa de artistas destacados, galería

Álvaro Alcázar, Madrid 2012 Artistas de la Colección DKV, Centre del

Carme, Valencia

Arco, galería Álvaro Alcázar, Madrid

22 años de pintura sin distancia, Círculo de

Bellas Artes, Madrid [cat.]

Expo Chicago, galería Álvaro Alcázar.

Pinta, Nueva York, galería Álvaro Alcázar.

2011 Artistas de la Colección DKV, Diputación de Cádiz

Arco, galería Álvaro Alcázar, Madrid 2010 Arco, galería Álvaro Alcázar, Madrid

El Dorado, galería Álvaro Alcázar, Madrid

La memoria fotográfica, Patio de la Infanta,

Zaragoza, [cat.]

2009 La huella fotográfica en la nueva pintura

realista, Centro del Carmen, Valencia [cat.]

Arte Lisboa, galería Jorge Shirley y galería

Álvaro Alcázar, Lisboa (Portugal)

Abstraccion(s), Universidad Politécnica de

Valencia, Valencia [cat.]

Arco, galería Álvaro Alcázar, Madrid

Maco, galería Álvaro Alcázar, México D. F.

(México) 2008 Art-Cologne, galería Álvaro Alcázar, Palma de Mallorca

Arco, galería Álvaro Alcázar, Madrid

Arte Lisboa, galería Jorge Shirley, Lisboa (Portugal)

Arte Santander, galería Jorge Shirley, Lisboa (Portugal) 2007 Arte Santander, galería Jorge Shirley, Lisboa (Portugal)

Foro Sur, galería Jorge Shirley, Lisboa

(Portugal)

Arco, galería Jorge Shirley, Lisboa (Portugal)

Valencia-Art, galería Jorge Shirley, Lisboa

(Portugal) 2006 Stile Libero, Studio Cannaviello, Milán (Italia) [cat.]

Premio Nacional de Pintura Colegio de

Aparejadores y Arquitectos Técnicos del

Principado de Asturias, sala cultural Cajastur

Monte de Piedad, Gijón [cat.]

Valencia-Art, galería Jorge Shirley, Lisboa (Portugal) 2005 Becats Alfons Roig, Sala Parpalló, Valencia 2004 VIII mostra Unión Fenosa, MACUF, A Coruña [cat.]

Arco, galería María Martín, Madrid

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2003 Biennal I Maleri, Estocolmo (Suecia) [cat.]

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Madrid [cat.]

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Generación 2002, itinerante [cat.]

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Velázquez, Madrid [cat.]

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Francia, París (Francia) [cat.]

Artistes de la Casa de Velázquez, Villa Lemot,

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Exempla, espacios alternativos, Carrara, Pietra

Santa, Viareggio y Forte dei Marmi (Italia) [cat.]

No Border, Sta. María delle Croci, Museo de

Rávena, Rávena (Italia) [cat.]

Arco, galería Espai Lucas y Studio Cannaviello,

Madrid [cat.]

Artistas de la Casa de Velázquez, Instituto

Francés, Casablanca (Marruecos) [cat.]

La realitat sota sospita, Casal Solleric, Palma

de Mallorca [cat.]

1999 Bienal Martínez Guerricabeitia, Sala Parpalló,

Valencia [cat.]

Morbí, Mole Vanvitelliana, Ancona (Italia) [cat.]

Artistas de la Casa de Velázquez, Casa de

Velázquez, Madrid [cat.]

Artistas de la Casa de Velázquez, Instituto de

Francia, París (Francia) [cat.]

40 Pittori Europei, Ancona (Italia) [cat.]

L´Hoggidi overo gl´ingegni moderni non inferiori

à passam, Fundación Longhi, Florencia (Italia) [cat.]

Arte Fiera, Studio Cannaviello, Bolonia (Italia)

Artissima, Galleria Oddi Baglioni, Turín (Italia)

Arco, galería Espai Lucas, Madrid 1998 Becarios de la Academia Española en Roma,

Academia Española, Roma (Italia) [cat.]

Becarios de la Academia Española en Roma,

Academia de Bellas Artes de San Fernando,

Madrid [cat.]

Viaggio in Italia, galería Cervantes, Roma y

Milán (Italia) [cat.]

Bienal de pintura de Oviedo, Museo de Bellas

Artes de Asturias, Oviedo [cat.]

Eventa 4, bienal internacional de arte, Uppsala (Suecia)

Arco, galería Espai Lucas, Madrid 39

1997 Paysage contemporain, Galerie du Caue,

Limoges (Francia) [cat.]

FIAC, galería Ferrán Cano, París (Francia)

Art Chicago, galería Ferrán Cano, Chicago (EEUU) 1996 A Pascual Lucas, galería Espai Lucas, Valencia

Proggeto 2000 per l´Arte Contemporanea,

Fondazione Palazzo Brichesario, Turín (Italia) [cat.]

Project do Lapas, Río de Janeiro (Brasil) [cat.]

1995 Verdad-Ficción, Museo de Arte Contemporáneo

de Villafamés, Castellón

Paesaggio e mutazione, galería Rasponi Arte,

Rávena (Italia)

Titanica: simbologie del contemporaneo,

Galería d’Arte Moderna e Contemporanea di

San Marino, San Marino [cat.]

Tre dinamiche..., Palazzo Ducale, Sabbioneta (Italia)

Oltre il disegno, galería Maria Cilena, Milán (Italia)

Ama l´arte, Castello di Ama, Lechi in Chiati,

Siena (Italia) [cat.]

1994 Del paisaje, galería Espai Lucas, Valencia 1993 El pulso de la tierra, Palau de la Música,

Valencia [cat.]

Colectiva, galería Espai Lucas, Valencia 1992 L´art avui a La Marina, itinerante [cat.]

Jóvenes Pintores (premiados), Liceo Español,

París (Francia) [cat.]

1991 Jóvenes Pintores, Liceo Español, París

(Francia) [cat.]

Becas / Residencies 2009

2008 2000

1999 1998 1997

Understanding Canada, Montreal y Vancouver (Canadá), Gobierno de Canadá Corporation of Yaddo, Nueva York (EEUU) Colegio de España, París (Francia), Ministerio de Cultura Casa de Velázquez, (Madrid) Casa de Velázquez, (Madrid) Academia Española, Roma (Italia), Ministerio

1996

1995

1994

de Asuntos Exteriores Casa de Velázquez, Madrid Instituto Juan Gil Albert, Alicante Beca anual de formación, Milán (Italia), Ministerio de Cultura Fundación Pilar i Joan Miró, Mallorca Alfons Roig, Valencia, Diputación de Valencia Fundación Pilar i Joan Miró, Mallorca Beca anual de formación, Urbino (Italia), Ministerio de Cultura

Premios / Awards 2006 Primer premio del Premio Nacional de Pintura

Colegio de Aparejadores y Arquitectos

Técnicos del Principado de Asturias 2004 Primer premio de la Exposición Internacional

de Valdepeñas

Mención de honor en el Premio ABC de Pintura

Premio-adquisición en el Certamen de Artes

Plásticas de la UNED

Premio-adquisición en la VIII Mostra Unión Fenosa 2003 Premio del Senado de Pintura

Mención de honor en Generaciones 2003 2001 Primer premio del Premio Bancaixa de Pintura 2000 Primer premio del Premio Villa de Pego 1997 Premio Senyera de Pintura 1996 Primer premio del Premio Josep Segrelles

Primer premio de la Bienal de Pintura de Mislata 1995 Primer premio de la Bienal de Pintura de L’Eliana 1992 Premio-adquisición de la Bienal de Pintura de Altea 1991 Premio El Piló

Premio Jóvenes Pintores del Liceo Español de París 1990 Premio Comunidad Valenciana

Premio Vila de Xabia 1988 Primer premio del Certamen de Artes Plásticas

de Alicante

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Si ringrazia / Acknowledgements

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Julio Pardo Attilio Lodetti Alliata Aurelio Ferrante Blanca Montalvo Carlos Miranda Chiara Calcavecchia Enzo Fiammetta Gemma Juliani Giulia Gueci Giusi Diana Javier Morilla Jose Ruiz Mónica Macías Owuso Moses Paola Miceli Paola Nicita Pimpa Rodríguez Rafael Canogar Salvatore Davì Sarah Di Benedetto Serenella Di Marco Simone Lucido Simonetta Trovato Valeria Cerami Virginia Glorioso

Exhale-Inhale Javier Garcerá A cura di / Curators Gulia Ingarao María Jesús Martínez Silvente Audio / Audio Javier Morilla Edizione / Editor Next-Nuove Energie per il Territorio Organizazione / Organization Aurelio Ferrante Comunicazione e allestimento / Press and installation Virginia Glorioso Traduzioni / Translation Giovanni Orlando Amanda Black Promozione / Promotion Valeria Cerami Progectto grafico / Publishing proyect Jose Ruiz Albalá Fotografía / Photography Blanca Montalvo Stampa / Printing Punto Verde ISBN: 978-88-90902-10-9

Facultad de Filosofía y Letras

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