ATLAS
HISTORIA DEL
ARTE
COLOM B IA
DE
INSTITUTO TECNOLÓGICO DE METROPOLITANO - ITM
2016
Docente | JONATHAN CHAPARRO Alumnos: AGUDELO PÉREZ LUIS JAVIER ALVAREZ ALZATE YOHAN STEVEN ALVAREZ TORRES HAMILTO ATENCIA ALVIS MANUEL DARÍO BAENAS GOMEZ ROBER WILLIAM CARDONA CARDONA STEPHANI CORTES VILLEGAS EDWIN ALBEIRO DIAZ CASTILLO EDWIN FERNANDO FERNANDEZ VELASQUEZ SEBASTIAN GALLEGO CEBALLOS OMAR DANIEL GONZALEZ GUERRA SARA MATEUS MOLINA CRISTIAN CAMILO MORENO MORALES LAURA ESTEFANÍA OSPINA RUIZ LIZETH YULIANA RIVERA VELEZ DIEGO ALEJANDRO SUAREZ PIEDRAHITA MARIA ALEJANDRA VALENCIA GOMEZ DANIEL VARGAS ARBOLEDA SARA
Este ATLAS fue armado con los diferentes ejercicios escritos desarrollados a lo largo del segundo semestre de 2016 para la asignatura Historia del Arte de Colombia, impartida por el docente Jonathan Chaparrro en el ITM
Siglo XIX
La institucionalidad en la escena artística en Colombia siempre ha sido tardía, teniendo en cuenta que apenas en 1886 se oficializó la Escuela Nacional de Bellas Artes. Pero es notable rescatar varias señales para introducir en el territorio nacional una mirada intelectual del arte europeo a mediados de 1840. Todo con el fin de acercar al país a aquel modelo civilizado que poseían las ciudades de élite en el viejo continente. Lentamente, a partir de los viajes que realizaban los personajes de la elite y objetos que traían consigo tales como libros, obras de arte por encargo de los artistas nacionales, se fue configurando un pensamiento un poco más estético contrario a la poca y precaria producción artística que había hasta entonces en Colombia. Primeramente, haremos un compilado cronológico de los momentos más cruciales en el ámbito artístico del siglo XIX, partiendo inicialmente con el desarrollo del Retrato como representación documental, no solamente de los personajes más relevantes de la época, sino el retrato que poseían los paisajes que estaban
plagados de momentos anecdóticos y costumbres, paisajes que narraban escenas de guerra por parte de José María Espinosa, cuyas representaciones artísticas muestran las precarias ejecuciones que los artistas elaboraban con el fin de narrar solamente las experiencias coloniales tanto políticas como sociales, sin ningún interés formal o estético. En la segunda parte abordaremos lo que fue La comisión corográfica, liderada por el geógrafo e ingeniero militar Agustín Codazzi y que junto con sus principales colaboradores: Manuel Ancizar, Carmelo Fernández, Henry Price y Manuel María Paz harán un recorrido cartográfico en la década de 1850 que por medio de las acuarelas y bocetos, suscitaron un momento artístico que si bien, solo vio la luz a finales del siglo, será importante para el devenir artístico del país ya que mostrará por medio de paisajes panorámicos, de narraciones tradicionales y estudios de fauna y flora, una Colombia que en gran parte no había sido mostrada y habitada. La comisión corográfica es resultado de una
búsqueda de identidad que si bien no responde a una nacionalismo, da fe de una necesidad de por lo menos conocer el territorio sus límites y cómo culturalmente se desarrollan los poblados que componen la nación. El desarrollo y evolución del país desde los entes legislativos, conlleva a que se genere toda una nueva articulación social, esto marcará mucho más las diferencias entre clases sociales, bajo este contexto surgirá la academia en el país, pues el arte tomará el papel de elemento satisfactor para las clases más pudientes. Una de las premisas bajo la cual se fundan la academia, es lograr dignificar el artista, dándose una separación entre artistas y artesanos, dentro de la academia asumirá un papel muy importante Alberto Urdaneta que se desempeñará cómo director de la Escuela Nacional de Bellas Artes . También es de sumo importancia mirar cómo los artistas que lograron estudiar en el exterior traen nuevos elementos que no solo enriquecen su producción, sino que también le abren nuevos horizontes a las academias pues muchos de ellos se desempeñarán cómo docentes. Ya en el ámbito de la fotografía miraremos cómo los cambios sociales y la evolución de las academias, logran institucionalizar una disciplina que llega al país a mediados del siglo XIX, con el daguerrotipo, dándose una evolución y asimilación demasiado lenta. Aquí miraremos la importancia de personajes cómo Gonzalo escobar y la influencia de lugares icónicos cómo el teatro González Mejía y el estudio de fotografías Rodriguez.
PINTURA SIGLO XIX
Por: Edwin Cortes Villegas Estefania Morales Diego Alejandro Rivera Daniel Valencia Gomez Stephanie Cardona
Atlas de História de Colombia - Pintura siglo XIX
José Celestino Mutis. pintura por Pablo Antonio Garcia del Campo 1801
Simon Bolivar. pintura de pedro Jose Figueroa 1820
INTRODUCCIÓN
tenido el propósito de trastocar lo esencial. No habiendo sufrido cambio apreciable la cultura, las artes no se renovaron, sino que siguieron las fórmulas iniciadas durante el virreinato.”
La producción artística realizada en Colombia, específicamente en la primera mitad del siglo XIX sufrió un atraso considerable en comparación con los movimientos europeos que emergieron en esta época. Temas reiterativos como el retrato y el paisaje, junto a características específicas como la pobreza pictórica (la falta de detalle, tristes ejercicios de perspectiva, etc.,) fueron elementos imprescindibles para comprender el desarrollo artístico de la nación. Este “estilo” que podría considerarse primitivo, es el resultado un conjunto de procesos sociales y económicos, como lo fue la expedición botánica y la independencia de la república. “La independencia del país, alcanzada en 1819, acontecimiento político y jurídico derivado de un movimiento parcial y de unos éxitos militares encadenados en toda América, apenas significó cambio social ni cultural alguno, […] pues la revolución independentista nunca había
RETRATO Este tipo de representación ha sido de gran importancia a lo largo de la historia del arte en Colombia, particularmente en la primera mitad del siglo XIX se registra una abundante producción. Se pueden identificar en la mayoría de estas pinturas, una serie de modelos estilísticos como son la incapacidad de percepción de las formas, las Simon Bolivar. pintura de pedro Jose Figueroa 1820 proporciones humanas, y utilización de la perspectiva de manera fiel a la realidad; estas representaciones son transformadas e interpretadas dando lugar a una ingenuidad técnica y a su vez a cierta originalidad en torno a la pintura. la mayoría de los pintores pertenecientes a este periodo eran empíricos, sin embargo, algunos como Pablo García Del
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Batalla de los ejidos de pasto. Pintada por Pedro de José figueroa
La muerte de sucre. Pintura de Pedro josé figueroa
Campo tenían educación en producción pictórica, en este caso en particular, el artista hizo parte de la escuela de dibujo fundada por José Celestino Mutis antes de realizar la expedición botánica.
resaltar que este estilo pictórico cumplía con una función documental, los personajes representados eran en su mayoría líderes políticos o figuras importantes relacionadas a momentos históricos específicos de triunfos, batallas, revoluciones o cargos de reconocimiento social. En este caso vemos un cuadro de Simón Bolívar no solo como un personaje destacado sino también como símbolo de libertad, imagen que fue representada por varios artistas en grandes cantidades durante la primera mitad del siglo.
Esta primera pintura del artista Pablo Antonio García del Campo, un retrato de José Celestino Mutis, ejemplifica los temas tratados hasta ahora; en este hay varias características que son pertinentes mencionar: los fondos planos, con ninguna intención de crear un espacio reconocible y la ubicación del personaje en el eje central de la composición es una característica reiterativa en el arte de esta época. PAISAJES DE GUERRA Referente a esta imagen de Simón Bolívar, atribuida a Pedro José Figueroa, podemos evidenciar en su composición formal las particularidades estéticas de carácter ingenuo; la proporción, el color y la expresión del personaje representado, reflejan un tinte caricaturesco. En cuanto a un problema historiográfico cabe
Pensar la pintura como registro de la memoria, podría considerarse atrevido si se tomara como una prueba fiel y digna de la historia, sin embargo, sabemos que la pintura realizada en Colombia en el siglo XIX tuvo temas, estilos y características particulares, una de ellas representaba los paisajes de batallas. Los artistas que producían este tipo de obra debían abstraer los hechos y teatralizar una escena tras
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Sor Inés de Masustegui del Santísimo Sacramento. Pintura Anónima 1780
Reyerta Popular. Pintura de Ramón Torres Méndez 1878
escuchar los testimonios y recuerdos de quienes las vivieron; particularmente José María Espinosa, artista sobresaliente de la época, adquiere una gran experiencia en la ejecución de paisajes, ya que este se sumó la vivencia misma de la guerra haciendo parte las filas patriotas cerca a sus 16 años de edad, suceso que, es realmente importante si se quiere analizar su propuesta pictórica. En la pintura de “La Batalla de los ejidos de pasto” podemos observar personajes como el soldado que dispara en dirección al bosque, nariño en el centro y diferentes mujeres que apoyaban a los soldados en las guerras, conocidas como voluntarias o las “juanas”. Cabe mencionar ciertos problemas con el uso de la perspectiva. “Los retratos de próceres y las escenas bélicas fueron concebidas posteriormente a las guerras de Independencia y ejecutadas a base de recuerdos, testimonios de sobrevivientes y como homenaje a los héroes triunfantes. Las representaciones de batallas a partir de los años treinta del siglo xix adquieren gran demanda y son tal vez las obras más novedosas entre los
temas desarrollados con el surgimiento de la república. “ La pintura como pieza documental, tiene una relevancia para la época y es proclive de análisis, para esto la obra de Pedro José Figueroa titulada “la muerte de sucre” es quizá uno de los ejemplos más pertinentes, en ella se representa una escena titular para un contexto social en el que se avivaron las batallas, en la escena es notorio el disparo certero en la frente de sucre donde nos muestra la emboscada que le hacen al soldado y estadista, donde es dado de baja, se ve también el uso del simbolismo en la obra, con figuras como el jaguar, animal de gran carga espiritual para la zona y relacionado con quien pudiese ser el cazador o logrado cumplir el asesinato. Anónimo El autor anónimo fue bastante común en el arte del siglo XIX y sus etapas anteriores, conquista y colonia, esta característica se debe
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sólo una de las pertenecientes a la serie en la que se dieron a conocer. Pictóricamente se puede hacer énfasis en la pobre insinuación de perspectiva, los colores son muy planos y solo se alcanza a percibir un intento de aplicación de luces y sombras. Los elementos y la disposición presentes en la representación son reiterativos en toda la serie, sin embargo, se eligió esta en particular ya que posee una carga simbólica aún más fuerte que las demás, al ser la única religiosa representada con unos ladrillos como apoyo para su cabeza. Esto se presume que fue con el objetivo de evidenciar una penitencia realizada por Sor Inés estando en vida.
Episodio de mercado. Pintura de Ramón Torres Méndez 1809 - 1885
fundamentalmente a la percepción de la figura del artista que estaba más asociada a lo que podríamos llamar hoy como artesano. Las producciones realizadas en este periodo consistían en retratos, paisajes, la representación de escenas cotidianas, además del uso de la técnica de la talla en madera para la creación de diferentes imágenes de culto popular religiosa, las cuales en su gran mayoría eran realizadas por encargo y por artistas sin una educación referente al arte, cabe resaltar que la falta de academias y por ende el empirismo de muchos creadores de la época no les permitía por mérito propio la denominación de artista. Con la pintura “Sor Inés De Masutegui Del Santísimo Sacramento” se hace referencia a lo anónimo (ya que se presume que las obras fueron realizadas por Victorino García Romero, sin embargo, la única firmada es esta) y a su vez a ciertas características que fueron bastante peculiares para la época. El retratar un muerto posee incluso hoy en día, una connotación simbólica fuera de los estándares y esta obra es
EL PAISAJE Y RETRATO DE LA VIDA COTIDIANA las obras de Ramón Torres Méndez son caracterizadas por la gracia de sus personajes, las vidas cotidianas en Colombia (en su mayoría Bogotá), los tonos pastel sutil y personajes en curiosas escenas, estas son algunos de los motivos por los cuales es reconocido no solo a nivel nacional sino también en Europa. Una de las obras que dan a pie este reconocimiento es “reyerta popular” en la cual se destacan muchas de las características de las cuales hacía uso el artista a la hora de ejecutar su obra. En este escenario dos mujeres se pelean en la calle mientras son observadas por dos hombres y un joven que grita despavorido. Los detalles del tirón de pelo entre las dos mujeres, la vestimenta rasgada dejando a la vista el pecho de la chica de la izquierda, el detalle de los sombreros en el suelo, y la risa burlona de los dos personajes de la derecha (soldados) nos llevan a un contexto rural y agreste del entonces y nos permiten pensar en el porqué de esta disputa. “En este período dominó un arte ingenuo,
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alejado de cualquier principio académico, con temáticas que exaltaban a los próceres y la vida íntima y cotidiana, plasmada en los cuadros de costumbres. Ramón Torres Méndez, pintor autodidacta, es el representante más destacado de la pintura costumbrista, además de sus trabajos de miniaturista, campo donde descolló por la excelencia en su oficio.” Para Méndez estos detalles eran su gran regocijo, no todas sus obras se centran en la parte accidentada de esa cotidianidad, también muestra los trabajos y pequeñas escenas de lugares dejados de lado. El contexto de la producción artística de comienzos de siglo XIX hasta más de la mitad de este, se ve marcada por disputas territoriales, ideológicas y partidistas, con intereses claramente económicos, donde la sociedad se balanceaba en una lucha desde diferentes puntos que tienen como meta clara generar una idea de nación, es en este momento donde comienza una nueva etapa en la cultura que repercute en la práctica artística, el momento de la comisión corográfica y su influencia en las técnicas y estilos de representación, además de la instauración de academias que representaran un desarrollo en la metodología a la hora de realizar piezas artísticas, y una nueva valoración de la posición y visualización de la figura del artista.
CITAS Y REFERENCIAS BIBLIOGRAFÍCAS. 1/ Arte en Colombia. Francisco Gil Tovar. pag 87. Editores, Colombia S.A Bogotá - Colombia. tercera edición, junio 2002 2/ La independencia en el arte y el arte en la independencia. Yobenj Aucardo Chicangana Bayona. pag 52. Ministerio de educación nacional. colección bicentenario. 3/ Comienzos de la enseñanza académica de las artes
plásticas en Colombia. Sofía Stella Arango Restrepo. pag 154. Revista, HISTORIA Y SOCIEDAD, No. 21, Medellín, Colombia, Julio-Diciembre 2011. Arango Restrepo, Sofía Stella. Comienzos de la enseñanza académica de las artes plásticas en Colombia. Revista, HISTORIA Y SOCIEDAD, No. 21, Medellín, Colombia, Julio-Diciembre 2011. Chicangana Bayona, Yobenj Aucardo.La independencia en el arte y el arte en la independencia. Yobenj Aucardo Chicangana Bayona. Ministerio de educación nacional. Colección bicentenario. Gil Tovar, Francisco. Arte en Colombia. Editores, Colombia S.A Bogotá - Colombia. tercera edición, junio 2002
La Comisiรณn Corogrรกfica
Por: Viviana Salazar Luis Agudelo Sebastian fernandez Cristian Camilo Mateus Hamilton Alvarez
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21 de enero de 1850. Era la mañana, y los primeros rayos del sol derramaban copiosa luz sobre Bogotá y la extensa planicie que demora al frente de la ciudad andina. Leves vapores se alzaban desde el pie de la cordillera inmediata, escalando lentamente las majestuosas cimas de Monserrate y Guadalupe...El ambiente puro, ligero y perfumado con los innumerables olores de los arbustos de la ladera y de los rosales y campánulas que crecen silvestres a orillas de los vallados y alamedas, producía en todo mi sér una impresión indefinible de bienestar, sintiéndome vivir desde el fácil movimiento del pulmón... Manuel Ancizar (1953).
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Línea de tiempo con las expediciones y la participación de los distintos personajes. Imagen 1
La comisión corográfica fue un proyecto llevado a cabo en el territorio neogranadino, entre los años 1850 y 1859, dicha empresa se presenta tras la necesidad de reconocer el territorio, así lo pensaban en un inicio Francisco José de Caldas y Francisco de Paula Santander. Gracias a una ley, auspiciada por Tomás Cipriano Mosquera y José Hilario López, se logra poner en marcha dicha comisión en 1850. El grupo es liderado por el geógrafo e ingeniero militar Agustín Codazzi, y contará con la participación de colaboradores cómo: Manuel Ancízar, Santiago Pérez, José Jerónimo Triana, Carmelo Fernández, Henry Price y Manuel María Paz. Es pertinente tener presente que el grupo se conforma no solo con la intención de realizar un trabajo cartográfico, sino que también busca compilar información de carácter, social, cultural y científico. (La participación de los expedicionarios no es permanente y se da en diversos momentos de la Comisión ver imagen 1) Con la muerte de Codazzi el presidente
Mariano Ospina Rodríguez, encarga a Manuel María Paz y Manuel Ponce de León la recolección de todos los trabajos para ser impresos, pero esto solo fue posible hasta 1889 fecha en la cual se publica finalmente el material de la comisión. En esta primera parte es importante mencionar la influencia por parte de La expedición botánica liderada por José Celestino Mutìs, también hay que tener presente el cambio de las dinámicas sociales y políticas del momento, pues por una parte el ideal de geografìa instaurado desde mucho tiempo atrás, solo contemplaba lo que se refería al territorio y el estudio científico de fauna y flora, con fines netamente mercantilistas. Las expediciones que anteriormente se realizaron en el territorio nacional fueron impulsadas por España con la intención de documentar la riqueza natural que poseían, para esto era importante la conformación de grupos que tuvieran por una parte estudiosos de la materia y por otra artistas que documentaron gráficamente los descubrimientos, éste es el porqué de la
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Provincia de Tunja Carmelo Fernández. Imagen 2
relevancia del dibujo en dichas expediciones, además de ser un instrumento pedagógico también proporcionaba rapidéz y era de fácil acceso a los abruptos terrenos por los que debían transitar. En el momento que se proponía establecer la comisión, la nación era un estado del radicalismo que legitimaba junto con el federalismo la diversidad regional y la heterogeneidad cultural, por esto la necesidad de plasmar en las representaciones hechos históricos y costumbristas. El acercamiento y estudio de las comunidades, las narraciones y las tradiciones, hicieron posible por una parte la identificación de las nuevas realidades del país y por otra dar la preeminencia que antes no se tenía a los estudios relacionados al hombre como ser social y cultural, el propósito de los gobernadores era entonces, aplicar los métodos de la ciencia para estudiar asuntos sociales y culturales y así conocer los problemas de las élites locales. Los ilustradores Fernández, Price y Paz se
. Campamento comisión coreográfica provincia de soto. Carmelo fernández. Imagen 3
comprometieron a dibujar los tipos característicos de la población de cada provincia, los monumentos, paisajes notables, curiosidades naturales, las plantas, flores y los mapas corográficos, sólo cuando se trataba de estos últimos debían seguir las indicaciones de codazzi. A diferencia de las expediciones científicas como la Expedición botánica que cada artista debía representar con rigurosidad cada planta con las indicaciones exactas del botánico, los artistas de la comisión tenían total libertad de sus representaciones incluso su estilo, la única condición era facilitar la visibilidad del territorio y las comunidades. Carmelo Fernández (venezuela) Nació en San José de Guama el 30 de junio de 1809 y murió en caracas el 9 de febrero de 1887. fue el sobrino de José Antonio Páez presidente de venezuela en los periodos de 1831 a 1835 y 1839 a 1843. Carmelo en su infancia viaja a Caracas y es matriculado en una escuela particular de primeras letras e inscrito en una
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Tejedoras y mercaderes de sombrero de bucaramanga. Carmelo Fernández. Imagen 4
Figuras de orfebrería fabricadas en oro. Henry Price. Imagen 5
academia de dibujo, también asiste al taller de pintura del capitán Francés Lessabe y en 1823 con tan solo 14 años viaja a Nueva York y posteriormente a Washington para continuar sus estudios con el maestro Mariano Velázquez De La Cadena, y a su vez recibía clases de dibujo con el Italiano Pinistre.
comisión corográfica para que se encargue de las ilustraciones, dicha labor solo será ejercida entre finales de 1850 y mediados de 1851. Al inicio de su trabajo solo consiste en ilustrar las descripciones que Manuel Ancizar, pero para la segunda excursión cómo expedicionario de campo, su labor era representar lo que veía y enfrentarse a las inclemencias del paisaje neoGranadino, lo cual determinaría su salida.
Cuatro años después regresa a Venezuela para iniciar su carrera militar y en el servicio realiza varios dibujos topográficos, también fue encargado de levantar una carta geográfica del territorio colombiano, en el año de 1833 se incorpora a la cátedra de dibujo de la Academia Militar de Matemáticas de Caracas y aquí conoce al naturalista y geógrafo Italiano Agustín Codazzi quien lo invita a participar en el levantamiento del atlas físico y político de venezuela entre 1833 y 1840. Tras la caída del poder de Páez, Fernández se ven obligados a emigrar de Venezuela a causa de las persecuciones políticas y así es cómo se establece en Bogotá, en donde se reencontrará con Codazzi, el cual lo nombra miembro de la
La representación de la naturaleza americana era una dualidad, por un lado mostraba la riqueza y la diversidad de la región pero por otra parte los europeos la relacionaban directamente con el poco desarrollo y la falta de civilización, para Carmelo fernández representan la vegetación era sumamente importante, pues así logra caracterizar el paisaje y darle mayor identidad a la región representada y por esto en sus obras se logran ver paisaje en los que se detallan los colores de los árboles y las plantas, y a su vez se logra percibir las diversas especies de vegetación que adornaban el paisaje. (ver Imagen 3)
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Provincia de Antioquia. Henry Price. Imagen 6
Vista del río grande y chico. Henry Price. Imagen 7
Uno de los objetivos de la comisión fue representar la cultura y las tradiciones de las diversas poblaciones del territorio nacional. Carmelo Fernández en este aspecto estaba marcadamente influenciado por los trabajos del expedicionario Alexander Von Humboldt, el cual realizaba representaciones en las cuales se agrupara la mayor cantidad de contenido y así dar fe de las características de cada región visitada, es por esto que en las acuarelas de Fernandez vemos una gran reunión de elementos y logra representar aspectos tales cómo, indumentarias típicas, labores cotidianas y en cierto modo las razas que conforman la población cabe resaltar que para la época el tema del mestizaje había dejado de ser un tema vedado y para la comisión era importante mostrar cómo en la nación se estaba conformando una nueva raza, pues hipócritamente se consideraban a los indígenas cómo los legítimos dueños del territorio que anteriormente españa había colonizado, pero que para las consideraciones de los aburguesados los indígenas no eran una raza que garantizarán el progreso de la nación por
ende tendrían que desaparecer en el proceso de mestizaje con los europeos. Henry Price (Londres) Nació en Londres el 5 de mayo de 1819 y falleció en Brooklyn el 12 de diciembre de 1863, fue un gran paisajista que se destacó cómo acuarelista y músico, estudió pintura y violín en la escuela de bellas artes en Londres, en 1847 fue uno de los fundadores de la sociedad filarmónica de Bogotá y de su escuela de música. A principios de 1850 Price enseña música, perspectiva y dibujo paisajístico en el colegio del espíritu santo, esto lo hará hasta el año de 1852, fecha en la cual Codazzi lo invitara a participar de la comisión, sus labores cómo ilustrador solo durarán hasta 1853 pues las inclemencias de los viajes causaron una merma en su salud que lo llevaron a dimitir . En su labor cómo expedicionario, prestó especial atención a las población indígena y a los artefactos de interés arqueológico extraídos por los guaqueros, por esto dejó un grupo de
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labores de extracción oro del río. Manuel maría Paz. Imagen 8
laguna de guatavita. Manuel maría Paz. Imagen 9
magníficas acuarelas que representan objetos de este género, entre ellas «Diosa de oro sacada de una guaca o sepultura de los indios, cerca de Viera»; «Múcura de los indios»; «Ídolos de los indios», y «Antigüedades de loza: brasero, jarro o vasija para ofrendas», (ver imagen 5). Se tienen registros de acuarelas en las provincias de Soto, Vélez, Bogotá y Popayán, aunque se cree que fueron pinturas encargadas, elaboradas en base a bocetos y apuntes ajenos ya que en muchos de estos lugares Price no estuvo.
mostrar las vestimentas, las razas y las labores propias de cada población (ver Imagen 6). Un aspecto que diferencia el trabajo de Price de los demás artistas dentro de la comisión, es la forma en la que percibía y representa la vegetación y la naturaleza, pues para la época el concepto que tenía europeo acerca de la naturaleza no era más que un sinónimo de atraso y de falta de civilización, por esto en sus láminas vemos que con la vegetación no se logra caracterizar especies de plantas, ni mucho menos paisajes habitables, para Price todo lugar que tuviera demasiada vegetación era un lugar inhóspitos y selvático. (ver imagen 7)
En su viaje plasmó toda la población del río Magdalena, sus pinturas refleja el gentilicio y las costumbres que veía, en este aspecto su trabajo es muy similar al de Carmelo Fernández pues se logra condensar mucha información en cada acuarela, tanto así que los personajes que se representan no tienen una función dentro de las narrativas de sus láminas, la función de cada personaje es mostrar las características de cada región y para esto mezcla personas notables con campesinos y si es el caso con indios, todos dentro de una misma imagen, y con esto logra
Manuel María paz (Colombia) Militar, cartógrafo, dibujante y fotógrafo, de los tres dibujantes que pasaron por la comisión fue él quien elabora una cantidad mayor de láminas de la expedición corográfica (122 Láminas en total). Existe una constante en sus representaciones a lo largo de su recorrido por el sur, norte y oriente del país Neogranadino,
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Provincia del chocó. Manuel maría Paz. Imagen 10
Jeroglíficos natagaimas de la Piedra de Aipe Manuel maría Paz. Imagen 11
sus láminas eran una síntesis exhaustiva de las costumbres, paisajes y diversidad étnica, la gran difusión de láminas que representaban a los indígenas atribuyen y dan fe de la gran diversidad etnográfica que mostraba la comisión. La inclusión de Manuel María Paz fue a petición inicial del General Codazzi, ya que había solicitado ser el sucesor voluntario en el acto creativo de las láminas pictóricas del Ingles Henry Price. Era sin duda un aficionado del dibujo, incluso sus quehacer artístico estaba validado por las clases que había tomado con el maestro Ramón Torres Méndez el cuál posteriormente fue postulado para tomar el lugar de H. Price, pero solo fue una simple sugerencia. Su recorrido durante el territorio Neogranadino es el más amplio en cuanto al tiempo que estuvo en la comisión y el recorrido por casi todas las regiones.
perenigraje. En su elaboración formal que planteaba con los personajes, genera dos aspectos a destacar, el primero era la desproporción anatómica que conservaban los personajes, debido a que tenía que mostrarlos en posturas que manifestaban las diferentes costumbres en su síntesis pictórica, y el Segundo, ponía alrededor o a los lados posteriores de los paisajes, personajes autóctonos que servían para darle escala y proporción (ver imagen 8 y 11). Sin duda María Paz a lo largo de sus acuarelas daba premisas de que no era un hábil dibujante, sin embargo no dejo de ser muy enfático en divulgar los trajes típicos de cada región (ver imagen 10),
Sus acuarelas son caracterizadas por vistas panorámicas de los lugares, y por dar en su pincelada poco interés para enfatizar en el detalle sobre la flora que tenían las grandes llanuras y montañas recorridas en su
las costumbres que caracterizaban cada población y su habilidad como cartógrafo fue enaltecida para hacer una gran reconstrucción de los mapas (esté era sin duda el mayor interés de Codazzi en todo su recorrido). M.Paz de alguna manera no tenía la virtud del dibujo tal cual como sus 2 antecesores, está presión por mostrar acuarelas con gran factura, lo llevo pidiera una Cámara Fotográfica a su amigo el
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General Mosquera, cuya solicitud es encomendada desde Nueva york. Varias Láminas tienen como base el daguerrotipo, con el fin de tener una representación fiel del lugar a pintar, y algunas de ellas muestran rasgos diferentes en la gestualidad característicos del mismo M. Paz, partiendo de que algunas de sus láminas estaban retocadas posteriormente por el francés León Ambroise Gottlieb, esto sin duda genera una multidisciplinaridad en cuanto al uso en conjunto de varias técnicas y usos que se le dan a la representación como lo son en este caso el Daguerrotipo y las acuarelas que son retocadas, creando un hibrido en la creación artística desde mediados del siglo XIX
Bibliografía: [1] ANCIZAR, Manuel. “Peregrinación del Alpha. Editorial Echavarría, Bogotá 1853. [2, 3] RESTREPO.F, Olga.“La expedición botánica y la comisión corográfica: Una mirada comparativa. Revista Senderos Vol 5. Biblioteca Nacional de Colombia. Bogotá 1993. Biblioteca Nacional De Colombia: Exposiciones Virtuales, La Comisión Corográfica: aporte interdisciplinario para el mundo, Bogotá, Colombia 2008
ACADEMIA
Por: Sara Vargas, Sara Gonzรกlez, Johan ร lvarez, Omar Gallego Manuel Atencia.
Atlas de História de Colombia - Academia
Alberto Urdaneta (atribuido) (1845-1887) /Arboleda (seudónimo) / In Justitia Libertas (Ricardo Gaitán Obeso); 1885. Litografía sobre papel.
El arte colombiano de la segunda parte del siglo XIX tiene una serie de características que coinciden con las del resto del continente como el predomino del arte figurativo, académico y la complacencia con la situación social imperante, a pesar de que la aparición de la academia en Colombia haya sido la más tardía. El contexto político de esta época fue la Regeneración, la cual permitió el surgimiento de la academia como una institución que iba a responder a los intereses y los nuevos gustos de las clases altas de la sociedad. La Regeneración fue liderada por Rafael Núñez y Miguel Antonio Caro, surgió tras la preocupación de cambiar la estructura política y social de Colombia, ya que se buscaba eliminar del gobierno a los Liberales Radicales, esta época fue antecedida por la constitución de 1863, con la que se dio paso a los Estados Unidos de Colombia, la cual se abolió en el año 1886 con la aparición de la nueva constitución, que dio paso un Estado Centralista que administraría lo social y lo económico, estableciendo así las tres grandes ramas del poder que se conocen como: legislativa, ejecutiva y judicial. En 1986 se
funda en Bogotá la Academia de Bellas Artes, que implicaba un cambio de mentalidad en la sociedad, que desarrollaba una estructura simbólica [Presente y futuro] que lo representara en el imaginario de la población. Iniciando con el retrato y paisaje como temáticas principales, luego se interesaría en el cuadro de género con narraciones familiares, asuntos históricos y religiosos. El arte colombiano se apoyó en enseñanzas académicas y busco una expresión diferente gracias a la iniciativa que fue dictada por Alberto Urdaneta 1 (1845-1887) quien sería el primer director de la Escuela. “Alberto Urdaneta, fue un hijo de ricos terratenientes de la Sabana de Bogotá. Se educó con los clérigos de la Compañía de Jesús. En 1876 fue fundador de El Mochuelo, un pasquín que divulgaba las ideas de la guerrilla conservadora en contra de la ideología del entonces presidente Aquileo Parra. En 1881, fundó el Papel Periódico Ilustrado, la primera publicación seriada que incluyó imágenes xilográficas para acompañar textos que reseñaban los principales hechos de la vida nacional. Estas ilustraciones se hicieron
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aspectos: -Planteamiento a la institucionalidad e industrialización de las artes y su oficio [Artesano/ Artista. -La estructura pedagógica basada en otras academias, varias de ellas fueron: La escuela de Bellas Artes de Paris, la academia de San Fernando de Madrid y la de San Carlos en ciudad de México. Sin embargo, la escuela de bellas artes se encontró con una dificultad en la enseñanza de la escultura, ya que era un arte poco conocido y no había métodos ni materiales para su enseñanza.
a partir de fotografías realizadas por artistas residentes en Bogotá –como Julio Racines y Demetrio Paredes– y de algunos de los dibujos contenidos en los tres álbumes que preserva la Biblioteca Nacional, que sirvieron como base para ejecutar magníficos grabados, muchos de ellos ejecutados por el grabador Antonio Rodríguez (…) Otra notable hazaña de Urdaneta fue la creación en 1886 de la Primera Exposición Anual de Bellas Artes. La fundación de este salón permitió abrir el camino hacia la consolidación de espacios culturales donde los aspectos sociales e intelectuales se conjugaban a favor del desarrollo de las bellas artes en Colombia2”. Urdaneta narro otra forma de evaluar el arte, está no solo cumplía una función estética, sino informática. Un lenguaje más directo con la sociedad. En la ilustración podemos observar el academismo (Rostros) pero un cambio en el componente de la imagen, es caricaturesco. El proyecto de enseñanza de la academia en Colombia se basó principalmente en dos
Las esculturas eran escasas y consistían en tallas de madera, en su mayoría de imágenes religiosas del periodo colonial traídas de Europa. La escultura llegó por medio de la academia, gracias al maestro Marco Tobón Mejía quien logro un trabajo influenciado por Europa, especialmente francés. Se implementó el uso de desnudos en la pintura y también se trabajó con y sin modelos, un recurso didáctico que fue polémico e incluso criticado por el Ministro de Instrucción Pública de turno, hasta que el uso de estos fue autorizado en 19043. Un ejemplo de esto es el pintor y retratista Epifanio Garay con su obra la mujer del levita de los montes de Efraím considerado el único desnudo femenino de la pintura colombiana en el siglo XIX4 , si bien fue una obra polémica por falta de moral y provocadora se puede evidenciar su estudio y dominio de perspectiva, composición, proporción del cuerpo, la técnica del claro oscuro y color. Garay también tuvo un acercamiento con el teatro, este componente también aparece en su composición y hace que tenga ese aire teatral y exagerado, pictóricamente se evidencia sus influencias europeas, fue alumno de William Bouguereau cuando viajo a Paris donde hizo sus estudios en la Academia Julien5. Cuando la Escuela inició en el claustro San Bartolomé, tuvo la presencia de varios formadores en diferentes disciplinas, varios de ellos extranjeros, como: el pintor mexicano
Atlas de História de Colombia - Academia
Felipe Santiago Gutiérrez (Creador de la Escuela Gutiérrez en 1874, que más tarde en 1886 sería convertida en la Escuela de Bellas Artes), el español Antonio García (colaborador en el Papel Periódico Ilustrado y profesor de grabado) y el escultor italiano César Sighinolfi (en clases de escultura). Otros formadores fueron el mismo Alberto Urdaneta (en las clases de dibujo y aguadas), el médico Daniel Coronado (anatomía artística) y el arquitecto Mariano Santamaría (arquitectura). Con el tiempo también se abriría una escuela de música a cargo de Jorge W. Price, hijo de Henry Price, un pintor londinense que llegó a Colombia en 1841 y que hizo parte de la Comisión Corográfica. Pintores como Pantaleón Mendoza, Epifanio garay, Ricardo Acevedo Bernal y Francisco Antonio cano fueron exponentes académicos importadores de las escuelas europeas con tratamientos pictóricos de detalle y pulimiento. Siendo Garay, Acevedo Bernal, y sobre todo Andrés de Santamaría quienes se vieron influenciados por el academicismo francés. En éstos dos retratos de mujeres, se puede evidenciar la influencia que tuvo la obra del pintor estadounidense William Merritt Chase (derecha) en la de Ricardo Acevedo Bernal (izquierda), después de su viaje a Nueva York. Se refleja tanto en la composición, la técnica y el estilo marcado por una pincelada ligera, con fondos desenfocados y acentuando el brillo de las telas frecuentes en la moda de la época. Izquierda: Rosa Biester de Acevedo de Ricardo Acevedo Bernal. Óleo sobre lienzo, 177cm x 60.5 cm, 1903. Museo Nacional de Colombia. Imagen tomada de Colarte.com. Derecha: Portrait Of Miss Frances de William Merritt Chase. Óleo sobre lienzo, 152.4 cm x 91.4 cm, 1905. Colección Privada. Imagen tomada de Wikiart.org. Durante todo el proceso de instauración de la academia en el país, una de las temáticas más empírica, como lo fue la pintura costumbrista
pasó a ser completamente académica. A finales del año 1886 se inauguró la primera exposición de la Escuela Nacional de Bellas Artes, con 1.200 obras de Colección pública y privada. Esta muestra, buscó reivindicar el arte colonial, en el cual resaltó el trabajo de los pintores Antonio Acero de la Cruz (1599 – 1669), los Figueroa y Gregorio Vásquez de Acre y Ceballos (1638 – 1711). VIAJES E INFLUENCIAS DIRECTAS DE LOS ARTISTAS MÁS IMPORTANTES DE LA EPOCA: - El viaje de Francisco A. Cano a Francia en 1889 y su curso en la escuela de Bellas Artes de Claude Monet. - Los estudios de pintura de Ricardo Moros Urbina en Francia, Italia y España en 18891, - La estadía de Ricardo Acevedo Bernal en Nueva York, donde fue discípulo del americano William Chase y el sueco Nohrmann. Allí Acevedo conoció las nuevas corrientes de la pintura moderna de los años 1890 - 1895. - El viaje de Ricardo Gómez Campuzano a España mediante una beca creada por el Gobierno Español para estudiantes latinoamericanos. Ricardo también estudió en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando en Madrid, con José Moreno Carbonero, Manuel Benedito, Julio Romero de Torres, Fernando Sotomayor y Rafael Domenec. - El viaje de Epifanio garay en 1874 a los Estados Unidos y su estudio de canto en la Academia Musical de Nueva York. - El viaje de Santiago Martínez Delgado a Chicago, donde estudió por cinco años en la Academia de Bellas Artes de esa ciudad en el año 1926. - Y el viaje de José Rodríguez Acevedo entre los años 1926 y 1928 a España donde ingresó a la Escuela de San Fernando de Madrid a estudiar pintura.
Atlas de História de Colombia - Academia
BILBIOGRAFIA 1.Radionacional.co. “Escuela de Bellas Artes de la ciudad de Santa Fe”. Consultado el 8 de agosto de 2016. Disponible en: http://www.radionacional.co/detalle�hitos/esc uela�de�bellas�artes�de�la�ciudad�de�s anta�fe 2 Bibliotecanacional.gov.co. “Los dibujos de Alberto Urdaneta (1870�1887)”. Consultado el 8 de agosto de 2016. Disponible en: http://www.bibliotecanacional.gov.co/content/l os�dibujos�de�alberto�urdaneta�1870� 1887 3. Radionacional.co. “Escuela de Bellas Artes de la ciudad de Santa Fe”. Consultado el 8 de agosto de 2016. Disponible en: http://www.radionacional.co/detalle�hitos/esc uela�de�bellas�artes�de�la�ciudad�de�s anta�fe 4. Banrepcultural.org. “Garay, Epifanio”. Consultado el 18 de agosto de 2016. Disponible e n : www.banrepcultural.org/blaavirtual/biografias/ garaepif.htm 5. 5 Garay, MUSEO NACIONAL Bogotá, Colombia – 1979. La mujer del levita de los montes de los montes de Efraím Epifanio Garay Caicedo. Óleo sobre tela, 139 x 198.5cm, 1899. Museo Nacional de Colombia.
Fotografía colombiana en la primera mitad del siglo XX
Por: Edwin Díaz Lizeth Ospina Alejandra Suárez
Atlas de História de Colombia - Fotografía colombiana en la primera mitad del siglo XX
Indias de primera comunión. Fotografía Rodríguez. Medellín, 1936. 13 x 18 cm
Tras la modernización, Medellín dejó de lado gran parte del patrimonio para convertirse en lo que se designaría una ciudad de progreso. En este sentido, el estudio de Fotografía Rodríguez no era ajeno a esta realidad, ya que ellos buscaban fotografiar los cambios que se daban en la ciudad tanto en lo cultural como en lo económico, político, y religioso. 1936 año del cual se tiene registro de esta fotografía „‟Indias de primera comunión‟‟ perteneciente al estudio de Fotografía Rodríguez. Mismo periodo en el que se encontraba el gobierno colombiano bajo el liberalismo del presidente Alfonso López Pumarejo denominado la revolución en marcha ya que se plantearon ideas para modernizar la economía, la sociedad y el estado. En este retrato, cuya composición se encuentra de manera horizontal, notamos que se hace énfasis en la primera comunión de un grupo de indígenas, donde se hace una connotación de � carácter espiritual proveniente de las mojas, que implica en términos históricos un
establecimiento de una doctrina hegemónica para la constitución de la sociedad en un discurso homogéneo. En donde las minorías aceptan la fe de la religión católica para occidentalizar su cultura y ser consideradas como parte de la “civilización”. No sabemos con exactitud si este grupo de indígenas era perteneciente a una comunidad en específica. Sin embargo se podría tratar de alguno de los grupos que provenían de distintas regiones y tribus del Urabá antioqueño en el que también estaba los emberáes chamí y los chamí. Lo que tenemos entendido de ellos es que sus rituales no eran regidos hacia un Dios impuesto por la creencia del Vaticano, sus ceremonias no constaban específicamente con una primera comunión sino más bien eran encaminados hacia lo que ellos creían una vida más allá de la muerte: La reencarnación, enterraban a sus muertos en lugares particularmente altos para así tener fe de su acercamiento al cielo. Esta creencia fue arrebatada de gran parte de estas comunidades haciéndoles replantear su idea de la muerte con la idea de que después de esta se
Atlas de História de Colombia - Fotografía colombiana en la primera mitad del siglo XX
Película “Bajo el cielo antioqueño”. Daniel Mesa. 1925
llaga a un cielo, un infierno o un purgatorio; lugar donde las almas medianamente impuras se purifican para así tener un lugar en el tan aclamado reino de los cielos. La mirada del fotógrafo aquí aparece como la de un etnógrafo. Busca retrataruna tradición al mismo tiempo que intenta darle una explicación por medio de una descripción visual e histórica. Bajo el cielo antioqueño es una película colombiana escrita y producida en el año de 1925 por el comerciante antioqueño Gonzalo Mejía, y dirigida por el dramaturgo Arturo Acevedo Vallarino. El Fotograma seleccionado en la imagen es de autoría del fotógrafo Daniel Mesa. La película se considera como el primer largometraje conservado en Colombia. Y es uno de los más importantes referentes cinematográficos de la época. El film cuenta la historia de una pareja de enamorados que huyen idílicamente al campo en búsqueda de un lugar en donde puedan ser felices. Alejados de los principios patriarcales de la sociedad escenificados por el padre de la novia que se empeña ferozmente en hacerlos cumplir. Cabe
destacar que esta película fue restaurada por el Fondo para la conservación y restauración del patrimonio cultural colombiano, en un término de veinte años. Otro dato curioso, es que los actores que hacen parte de esta cinta, fueron en su mayoría, parte de la alta sociedad personajes. antioqueña de la época. La película además, fue actuaciones no son equiparables a las de estrenada en el teatro Junín, el día 4 de profesionales dramáticos. Ante este agosto de 1925. Paradójicamente, la señalamiento, el film es una suerte de fotografía que aparece a continuación es aventura actoral provista de improvisación una muestra del recinto donde fue e intuición para la caracterización de los exhibida por primera vez. Gonzalo Escovar (1872-1914, Medellín) en el año 1897 compra un taller fotográfico de sus anteriores colegas con la ayuda de su padre obteniendo así uno de los patrimonios más importantes de Colombia en el siglo XIX. Escovar junto con Carlos E. Restrepo fundó la Sociedad de Mejoras Públicas de Medellín
Atlas de História de Colombia - Fotografía colombiana en la primera mitad del siglo XX
Teatro Gonzales Mejía. Gonzalo Escovar. Copia Fotográfica. 1923
donde fue presidente de esta misma, y fue encargado del desarrollo de proyectos para transformar la ciudad. En su tiempo en Teatro Junín fue considerado entre los cuatro más grandes del mundo con una capacidad para cuatro mil personas, con tapetes, terciopelos, palcos; donde no sólo era un espacio para tener la oportunidad de contemplar en cine (donde se abrió todo campo del progreso mediante otras culturas, como el cine por supuesto, también bandas sonoras de otros países, cantantes, etc...) sino también se utilizaba para reuniones políticas, conciertos o cualquier tipo de evento social de carácter político. Su arquitectura fue pensada para ello. Su arquitecto Belga Agustín Goovaerts y el ingeniero Ernesto Claudi al ser extranjeros, traían un avance significativo al desarrollo urbanístico de la ciudad; así que el teatro tuvo influencias totalmente europeas, donde la fachada es libre de ornamentos clásicos, y donde prima el arco, un elemento muy usado por Goovaerts. Cabe traer a memoria, que en el año 1972 fue demolido este emblemático teatro el cual fue reemplazado por el edificio coltejer (símbolo del desarrollo textil
de la ciudad, ya que este edificio tiene forma de aguja) desapareciendo el patrimonio cultural, dando paso al progreso. Las tres piezas seleccionadas, fueron creadas en las primeras décadas del siglo xx. Especialmente en el periodo histórico comprendido entre el fin de la hegemonía conservadora, y el inicio de la hegemonía liberal. Viendo un poco ya los trabajos y entrando en detalles específicos, vemos que un rasgo característico que podemos reconocer en cada una de las imágenes, es el carácter jerárquico de las clases sociales de la época. Evidentes tanto en la intención fotográfica de retratar una conducta social colonizadora (como en el caso de las niñas indígenas retratadas por el estudio Rodríguez), como también en la intención de visibilizar la panorámica de los espacios de esparcimiento de la elite antioqueña, (como en el caso del teatro Junín y el del auto utilizado en el largometraje “bajo el cielo antioqueño”). En los tres casos, este primer señalamiento muestra ciertas coincidencias en un sentido antropológico.
Atlas de História de Colombia - Fotografía colombiana en la primera mitad del siglo XX
Pero también, da pie para analizar el carácter simbólico de la fotografía, teniendo en cuenta que la identidad del individuo en una imagen, no solamente es un aspecto histórico constatable, sino que también implica cierto grado de “ficción”. Y que esta ficción depende no solo del acto, gesto o expresión realizada por los personajes fotografiados, sino también del espacio donde sucede esta acción. Los fotógrafos de la época nos hacen evidente esta reflexión, mostrándonosla desde tres planos interpretativos. Es decir, ya sea por medio de un escenario histórico-real como el caso del teatro Junín, de uno real-imaginario como el del fotograma de la película, y de uno ritualceremonial como el de la primera comunión de las indígenas. Este cambio de miradas de la representación fotográfica, constituye uno de los primeros planteamientos y reflexiones de la modernidad en lo que tiene que ver con el desarrollo de la fotografía en el país. De aquí en adelante se van a visibilizar en Colombia, elementos muy variados de representación fotográfica que repercutirán también en el campo fílmico de manera considerable. CIBERGRAFÍA -White Vélez, Mercedes Lucía (1994). Agustín Goovaerts y la arquitectura en Medellín. Recuperado de www.bibliotecadigital.udea.edu.co - Londoño Vélez, Santiago (credencial historia. No 75). Pioneros de la fotografía en Antioquia. Recuperado de www.banrepcultural.org - Pineda Camacho, Roberto (credencial historia. No 146). Estado y pueblos indígenas en el siglo XIX. Recuperado de www.banrepcultural.org. - Revista semana (cultura 1994). Medellín Indígena. Recuperado de www.semana.com
Historia del arte colombiano: Primera mitad del siglo XX.
Alejandra Suarez Piedrahita Lizeth Yuliana Ospina Ruiz
INTRODUCCIÓN El
carácter
grandes explotadores agricultores y formal
manifestaciones
pictóricas
primera
del
mitad
de
las de
siglo
XX
mineros.
la
El interés por formular nuevas maneras
en
de representar mostraba un abrupto
Colombia, está determinada por una
contraste
serie de variantes predominantes que
fundamentada en el campesino y el
denotan una fuerte influencia dentro del
aborigen frente al recurrente uso de las
contexto histórico y socio-político de la
técnicas y corrientes del pensamiento
época.
que estaban generando movimiento en
Se
prioriza
en
la
necesidad
de
entre
una
identidad
el arte europeo.
entendimiento del orden social de un
El
país que encuentra en la carencia de
aspectos un poco más identitarios
una
mediante la apropiación del muralismo
identidad
cultural
propia
un
arte
momento que sería propicio para el
mexicano,
desarrollo
exploración
y
manifestaciones
la
diversificación pictóricas,
de este
nacional
donde de
caracterismos
del
logra
se
encontrar
permite
una
rasgos
más
orden
social
encuentro formal con el desarrollo de
funcionando en un sentido de crítica
las piezas estaría delimitado en un
socio-económica y legitimación de la
estricto sentido por la influencia del
tradición campesina y obrera del país.
academicismo
Europeo
que
evidenciaba el estancamiento artístico del país.
El hecho de evocar los ambientes cotidianos y populares de la época generan
una
nueva
experiencia
El artista colombiano debía enfrentarse
estética, en la que se representa la
a
orden
realidad a partir de lo que se está
económico y social, la principal mirada
observando, siendo la obra reflejo del
de este estaba fundamentada en el
contexto histórico de sí misma.
diversas
posturas
de
partidismo político y la visión del campesino en un país que pasaba de los
pequeños
cultivadores
a
los
El momento social
que se vivencia
permite entrar en una severa crítica a la doble moral y las posturas radicalmente
conservadoras de la política y la tradición religiosa nacional. Las
posibilidades
de
la
época
permitieron que el arte colombiano más allá de encontrarse con una corriente o estilo
estético,
visualizara
la
construcción de su realidad a partir de la percepción propia del artista, quien a través de la manifestación pictórica urgía en la necesidad de romper con las
delimitaciones
propias
de
la
idiosincrasia territorial y las cada vez más
evidentes
problemáticas
nacionales. La intencionalidad del orden al que decidimos adjudicarnos corresponde a la cronología que data los siguientes momentos pictóricos que abarcó esta primera mitad de siglo, pasando desde la influencia Europea hasta lo que se vio
como
nacionalista.
un
encaminamiento
CONTEXTO HISTÓRICO DE OBRAS
las tonalidades oscuras y aparece un
Y ARTISTAS COLOMBIANOS.
punto focal lumínico que estimula la mirada del espectador.
Confidencias, Francisco Cano
Marco Tobón Mejía (Santa rosa de
Travesía, Marco Tobón Mejía
osos, 1816- 1933) se muda en 1896 a El Piropo, Coriolano Leudo.
Medellín para ingresar al taller del maestro Francisco Antonio Cano. El
Francisco Antonio Cano (1865-1935) pintor colombiano nacido en Yarumal Antioquia, recibe clases de pintura por Ángel
María
Palomino
y
aprende
técnicas de dibujo por parte de Horacio Marino Rodríguez, posteriormente tiene la oportunidad de viajar a Europa donde
artista suspende sus estudios durante la guerra de los mil días; en ese momento
Cano
viaja
a
parís
y
posteriormente cuando él regresa de su viaje
en
1902
Tobón
accede
nuevamente a su taller, en esta fecha es cuando realiza la obra
asiste a cursos en una academia artística en París, finalmente regresa a Colombia,
lugar
donde
aplica
y
repercute sus nuevos conocimientos académicos.
“Confidencias”
pintura
creada para la época de 1901 da cuenta de la habilidad técnica del artista en relación al problema de la luz, es una obra de carácter intimista puesto que en ella vemos una representación de asuntos de la vida familiar, estos personajes
con
estrecha
Confidencias. Pintado por Francisco Antonio Cano Cardona 46 x 62 cm. Óleo sobre tela 1901
cercanía
establecen un diálogo alrededor de la
“Travesía”.
escena nocturna; prevalece un uso de
hace parte de un estudio pictórico ya
Posiblemente esta obra
que existe otra obra fechada en el
Coriolano Leudo nació en Santafé de
mismo año, esta pieza junto a “Pastora”
Bogotá en el año 1866, estudió en la
son reproducciones de otras originales
escuela de Bellas Artes y gracias a esto
traídas desde el extranjero. El original
ganó diferentes concursos que lograron
de esta se conoce como “Travesías” de
darle algo de reconocimiento. Así como
E. Adán. En esta obra su pincelada aún
se hizo acreedor de diferentes premios,
es mesurada y detallada, pero plana e
expuso en diferentes lugares del mundo
impersonal. Con el paso de los años la
y viajó a Europa en varias ocasiones.
técnica
adquiriendo
Es quizá por eso que esta pieza en
expresividad en el tratamiento del color
particular maneje una pincelada que en
como se observa por ejemplo en su
algunos sectores podría considerarse
obra “Marina”. Hubo un momento en el
impresionista, no solo por la solución
que
pictórica, sino también por el uso de
de
Tobón
va
colores vivos, dando más relevancia a la situación que a la técnica.
Travesía. Pintado por Marco Tobón Mejía. 39x60 cm 1902 Óleo sobre lienzo.
Tobón se vio obligado a abandonar su labor como colorista a causa de un
El Piropo. Pintado por Coriolano Leudo, 1924. Óleo sobre lienzo.
problema de daltonismo. Debido a ello
El artista se especializó en dibujo
Cano le recomienda entregarse por
(académico), pintura y caricatura; a
completo
pesar de estar influenciado por una
ilustración.
a
la
escultura
y
a
la
gran variedad de movimientos, el artista se conservó firme con su postura de
arte
de
mujer en la pintura está relacionada
producción de esta pintura, Colombia
más al estudio anatómico, incluso su
se encontraba todavía conservador y
reconocimiento como ciudadana no es
como
estaba
concebido hasta la reforma de 1945,
interesado en resaltar los momentos
tiempo después de la realización de
cotidianos de la época.
estas obras.
El
académico.
se
En
obvia,
artista
año
Coriolano
marcado
Es posible evidenciar una tendencia
caricatura,
hacia el costumbrismo, esta orientación
elemento que se puede identificar en
temática se caracteriza por representar
los rostros de los dos hombres situados
escenas cotidianas o comunes las
en
cuales
profundamente
lado
ya
el
estaba por
izquierdo
la
del
cuadro;
es
se
distancian
de
las
importante resaltar que en la mayoría
composiciones con asuntos históricos o
de sus pinturas las mujeres toman una
religiosos (entiéndase el retrato en
importancia particular, a diferencia de la
ambas categorías) los cuales, para la
caricatura donde retrata hombres y más
época, eran prioridad. Es pertinente
específicamente figuras importantes de
mencionar que los autores de estas
la época.
obras tuvieron cercanía a la producción
RELACIÓN PICTÓRICA O TEMÁTICA.
artística
europea
especialmente
en
parís, lugar donde se desarrolló el En las tres obras podemos encontrar
impresionismo,
una
aplicaba
característica
representación
de
particular, la
mujer
la
desde
movimiento algunos
que
principios
costumbristas.
diferentes perspectivas en términos de su posición histórica, política, social y se genera, en la primera década del siglo XX un interés por retratar a la mujer en su ámbito doméstico.
Colombia siempre ha sufrido un atraso en la producción artística, cuando apareció la academia en el siglo XIX se dio un avance considerable en la manera de percibir características como
Es común encontrar representaciones
la luz, la perspectiva, etc., lo que
femeninas a través de la historia del
generaba expectativas respecto a la
arte, en el contexto colombiano no fue
producción de un nuevo siglo. Los
un tema común, pues la posición de la
diferentes viajes realizados por artistas
estas ilustraciones quisimos rescatar de
de la época a Europa insinuaban un
manera simbólica cómo va surgiendo el
cambio en la manera de representar,
empoderamiento de la mujer, tomando
sin
que
atributos o características que siempre.
participaron de este proceso, siguieron
Habían estado delegadas únicamente
fieles a la academia y al formalismo
para el género masculino.
embargo,
los
pintores
Esto se evidencia cuando se analizan las tres piezas en relación a un problema plástico; los tres pintores
EL
POBRE
PESCADOR,
MARCO
TOBÓN MEJÍA
manejaron una pincelada relativamente suave y en cuanto al color vemos que
LA PROCESIÓN, DÉBORA ARANGO
en todas las composiciones priman las
LAS TRES GRACIAS, LUIS ALBERTO
tonalidades
ACUÑA.
cálidas,
generando
contrastes y armonías alrededor del cuadro. Se denotan ciertas diferencias en “Confidencias”, el estudio de la luz
Marco Tobón Mejía nacido en 1933,
realizado por Cano en esta pintura se
Débora Arango nacida en 1907 y Luis
aleja un poco del manejo dado en las
Alberto Acuña en 1904, todos ellos con
otras dos pinturas, sin embargo, se
pocos
vuelven a unir bajo el concepto de lo
pertenecientes a un mismo país, en el
cotidiano y la mujer, siendo todavía
desarrollo de este escrito abordaremos
fieles a la representación mimética con
respectivamente las obras El pobre
características académicas.
pescador, la procesión, las tres gracias.
El papel de la mujer no solo en las artes sino en la sociedad a través de todo el siglo XX fue bastante influyente. De cierto
modo
el
género
femenino
siempre había estado implícitamente relacionado con el quehacer artístico desde su posición como modelo; con
años
de
diferencia
y
detalle, y cierta falta de estilo que se conocería
posteriormente,
reconociendo en esta pieza su gusto por las escenas cotidianas. Débora
Arango,
es
una
de
las
representantes del arte colombiano, en cuya obra se manifiestan cambios estéticos, El pobre pescador.
transgresividad
y
fuerza,
sobre todo en sus desnudos, hasta tal punto de ser buscada por el obispo de
“el pobre pescador”, para comenzar
Medellín para reconvenirla y aclararle
esta obra pictórica resulta difícil de
que Pedro Nel Gómez sí los podía
rastrear
términos
pintar porque era hombre, siendo este
conceptuales, ya que no se encuentra
solo un ejemplo de las miles de
demasiada información documentada,
situaciones que tuvo que vivir Débora
sin embargo podemos reconocer que
por
no es una pieza destacada del artista,
Indulgencias, conocida también como
el cual es referenciado como uno de los
El Obispo o La Procesión fechada en
grandes y más importantes exponentes
1941, donde se ven a clérigos y fieles
del
la
en acciones comunes para la época y
oportunidad de pasar por Cuba en su
su cultura, como besar la mano del
viaje a Europa, llevando sus obras a
religioso, Arango pintaba la vida, las
conocer a nivel internacional.
pasiones, deseos, en formas que en
La mayor parte de su acervo se
ocasionas
encuentra en el museo nacional de
significados por la misma sociedad, La
Bogotá y en Francia, en menor medida
procesión es una acuarela de gran
en el Museo de Antioquia donde
formato, que permite ver las uniones
encontramos la obra el pobre pescador
del papel, unas tonalidades vivas y una
de la que se presume fue realizada en
narrativa de un hecho real como el
años anteriores al Salón de otoño, en él
arrepiento de una mujer que cree un
se puede observar poca mesura en el
rendición de los pecados. Viaja a
arte
o
analizar
colombiano
en
que
tuvo
mostrar
eran
en
pinturas
más
como
cargadas
de
México a estudiar Bellas artes y a España para analizar las obras de Goya.
Luis Alberto Acuña. Las tres gracias, 1937.
Reconocemos
la
obra
como
una
apropiación o mejor con una fuerte relación a la mitología europea y
Débora Arango. La Procesión, 1941.
referenciamos esta idea, a su viaje a Luis Alberto Acuña fue un pintor,
este territorio para la realización de sus
escultor
estudios en bellas artes en París,
y
ensayista
el
cual,
ha
cultivado tendencias o estilos pictóricos
donde
si así se nos permitiera nombrar tales
volúmenes,
como el cubismo, la pintura histórica,
composiciones
los
simétricas las cuales podemos observar
temas
expresionismo
americanistas, y
el
el
costumbrismo.
Ahora bien de todas las obras que realizó detallaremos una en especial esta es titulada "las tres gracias" obra realizada en 1937.
encontró
su
la
estilo
en
redondez, en
equilibrio
los la y
en la obra titulada las tres gracias. Si seguimos analizando la composición de esta obra es equilibrada por las masas que la componen en el espacio, sus figuras son cuerpos voluptuosos dándole valor a la mujer, esta pieza es tan particular frente a las demás por la cantidad
de
personajes
que
la
conforman donde hay cuatro mujeres
desnudas
en
un
campo
natural
acompañadas estas de un pequeño que puede simbolizar A cupido.
RELACIÓN PICTÓRICA O TEMÁTICA. Es así como podemos observar que estos tres artistas lograron nutrir sus estudios
mediantes
las
academias
extranjeras, lo cual influyo en sus creaciones y en el ser reconocidos como grandes artistas colombianos. LA DANZA DEL CAFÉ, PEDRO NEL
La
GÓMEZ
impresionista de Andrés de Santa
CONCIERTO CAMPESTRE, ANDRÉS
primera
obra
del
movimiento
María se dio a conocer un 1874. En 1894 regresa a Colombia a dictar una
DE SANTA MARÍA.
catedra al lado de un selecto grupo de Andrés de Santa María, nació en
docentes, donde mostros la experiencia
Bogotá el 16 de diciembre 1860 y,
adquirida en Europa.
murió en Bruselas, Bélgica, el 29 de abril de 1945. Andrés de Santa María comienza a vivir en Europa a muy temprana edad con su familia, se instalan un tiempo en Paris,
la
cuna
del
impresionismo.
Según el historiador Eduardo Serrano conoce
a
varios
artistas
de
Pedro Nel Gómez, nació en Anorí, Antioquia el 04 de julio de 1899 y, murió en Medellín, el 06 de junio de 1984.
esta
corriente. Entre quienes mencionan a
Pedro
Nel,
fue
pintor,
escultor,
Eduard Manet y Claude Monet.
muralista, urbanista y arquitecto. Este realizó sus primeros estudios en el campo artístico en la Academia de
Bellas Artes en Medellín. En 1924 viajó a Europa a continuar con sus estudios de pintura en Francia y Holanda. En 1930 al regresar a Colombia, Pedro Nel recibió
la propuesta de dirigir La
Escuela de Bellas Artes de Medellín. En 1934 expuso 114 obras en el Salón Central del Capitolio, en Bogotá. También
fundó
Arquitectura
de
la
facultad
la
de
Universidad
Nacional, en 1946. Y fue el primero en implementar el muralismo al fresco en Colombia, con indicios de ser un arte monumental
y
Pedro Nel Gómez. La danza del café, Mural al fresco, 1937.
popular,
de
gran
significado social.
Esta obra de Pedro Nel Gómez, es uno de los murales al fresco ubicados actualmente en el Museo De Antioquia, en la ciudad de Medellín, lo que antes se conocía como el Palacio Municipal.
En el año 1956, el artista viajó a Europa
Donde un conjunto de 11 murales, hace
específicamente Francia, Holanda e
parte de su primer ciclo de la obra
Italia. Allí realizó acuarelas y en su
mural de Pedro Nel. El contexto socio-
regreso, realizó el mural Historia del
político de Colombia en 1937, año en el
desarrollo económico e industrial del
que se realiza esta obra La danza del
Departamento de Antioquia, hecho para
café, es una época envestida por
el Banco Popular del Parque de Berrio
algunos
(Después allí se instalará una estación
importantes accidentes ferroviarios en
del Metro de Medellín; este el mural
el país, los cuales causaron conmoción
pasará de estar en un lugar privado a
por el elevado número de muertes, en
estar en un espacio público).
ese entonces también la clase media
desastres
naturales
e
marcha en apoyo a la ley 10 de 1934, que aprobaría cesantías, prestaciones sociales y pensiones. También se sufre crisis económica y se cierra la Bolsa de Bogotá y se impiden las importaciones.
Y un hecho más de esta época que podría relacionarse con la temática de esta obra sería que, Don Manuel Mejía es elegido gerente de la Federación Nacional de Cafeteros, lo cual ayuda a promover el café colombiano, tras firmar el Pacto Mundial del Café.
En la obra de Andrés de Santa María podemos observar como el artista extrae a partir de una experiencia estética,
y
representa
realidad a partir de
una lo
nueva
que está
observado. Es decir, una distorsión del
En esta obra, La danza del café,
objeto y una análisis minucioso de la
podemos notar que son las mujeres
proyección de la luz (Color es más
quienes se encargan de la recolección
intenso). La mimesis del objeto
y los hombres de contar el producto. Podemos observar que la posición de los personajes se asemeja bastante a una escena de danza, por la posición de las manos; sin embargo, las únicas personas que parecen estar danzando son aquellas que están recolectando el café, las otras adoptan una postura normal, rígida.
Aproximadamente en los años 1897 Santa María hizo notable su inclinación por el paisaje y los temas al aire libre. Observamos
en
esta
obra
unas
características del impresionismo. “Los impresionistas intentaban reproducir la impresión más inmediata posible, que partía
del
objeto.
Al
situar
una
<<impresión>> tal, como sentimiento subjetivo, en el centro de su pintura, subrayaban
el
aspecto
de
la
individualidad, que es una característica general de las sociedades modernas.” 1 Todo es un conjunto de manchas que sin
pertenecer
claramente
a
una
realidad corresponde a un impacto emocional donde podemos contemplar; la intensidad, la velocidad y el cambio de la luz, podríamos decir que esta Andrés de Santa María. Concierto campestre, Óleo sobre tela ,1934.
danza se ejecuta en las horas del
muestran tres personajes, uno de ellos
atardecer.
podría ser un campesino el cual está
RELACIÓN PICTÓRICA O TEMÁTICA.
tocando la guitarra a dos mujeres.
Ambos artistas coincidieron en titular las obras como la de danza de aquella experiencia. La de Pedro Nel, la danza del café y la de Andrés de Santa María, concierto campestre.
En estas dos
obras podemos ver la exaltación del movimiento, a pesar de que la de Pedro Nel logra ser más figurativa y la de Santa María, considera cierto nivel de abstracción.
Ambas
puedes
ser
ambientes cotidianos y populares de la época.
Ciertamente
son
técnicas
bastante diferentes, una al óleo y la otra un mural al fresco, pero estas dos logran generar un ambiente y una sensación de musicalidad, ya se a partir de sus colores (Concierto Campestre) o de la disposición de los personajes en el cuadro (La danza de café). Los personajes que aparecen en la obra de danza del café, representan la clase social baja, haciendo alusión a uno de los trabajos más importantes para la economía del país, que sería la cultivación, que aun actualmente sigue siendo emblema colombiano. Por lo contrario del concierto campestre, nos
_____________________________ 1.
GRIMME, Karin. Impresionismo: TASCHEN, editor, WOLF, Norbert, 2004, pp. 10
Chaumire1.
Regresa
por
un
corto
tiempo a Colombia y en 1936 viajó con una beca del gobierno a estudiar pintura mural en México donde tuvo una estrecha relación con el pintor David Alfaro Siqueiros2, quien influye su ideología de arte revolucionario que luego traería a Colombia en su regreso. Su
pintura
se
nutre
de
varias
influencias a raíz de sus viajes, demostrando una estética cercana al surrealismo, que probablemente pudo haber llegado a su obra por su estadía en
Diálogo. Ignacio Gómez Jaramillo (1910-1970) Óleo sobre tela, 79.5 cm x 63 cm, 1937. Museo de Antioquia, Medellín. Reg. 1257.
las
academias
españolas.
El
espíritu onírico que se revela
en
Diálogos (1937) refleja la poética del surrealismo en la composición y del
DIALOGO, IGNACIO GÓMEZ JARAMILLO LA PROCESIÓN, DÉBORA ARANGO
muralismo los colores ocres y fuertes característicos de la pintura mural mexicana. Los personajes sentados
Ignacio Gómez Jaramillo (1910 -
en una posición diagonal el uno del
1970) fue un pintor medellinense con
otro, demuestran un
formación artística en la Escuela de
imperfecto cercano al expresionismo,
Bellas Artes de Medellín. En 1929
mucho más acentuados en sus obras
viaja a
posteriores en las que aborda temas
España e ingresa al Real
Círculo Artístico de Barcelona, pasó
más
también por la
posición crítica apoyando ideologías
Academia de San
Fernando de Madrid. En 1932 viaja a estudiar en la Académie de la Grande
1
del
ámbito
estilo formal
social,
en
una
MARTÍNEZ, M. C. (2015). Biografías: Gómez Jaramillo, Ignacio. Subgerencia Cultural del Banco de la República. Consultado el 29 de agosto de 2016. Disponible en: http://www.banrepcultural.org/blaavirtual/biografias/gomeigna. htm 2 SUÁREZ SEGURA. S. J. (2016). Una Crónica Divergente el Arte Moderno en Colombia: del Americanismo a la Integración Plástica. Revista Credencial. Consultado el 30 de agosto de 2016. Disponible en: http://www.revistacredencial.com/credencial/historia/temas/un a-cronica-divergente-del-arte-moderno-en-colombia-delamericanismo-la-integracion
revolucionarias.
de lo que parece ser un riachuelo
El caballo blanco que galopea en el
por la ausencia de corriente en la
fondo, es un elemento que brinda a
textura de la superficie, también se
la composición un carácter poético.
observan dos ramas, una seca y otra
El azul verdoso de las montañas en
tierna que aluden a la dualidad de la
el fondo, transmite la sensación de
vida y la muerte o el bienestar y el
una brisa fuerte justo antes de una
malestar,
tormenta.
con
En
la
parte
inferior
el
que relato
podría
relacionarse
de
composición
la
derecha, frente a un cilindro de color
general de la pintura confirmada por
blanco, se puede observar la orilla
el
título
de
la
obra.
La Procesión. Débora Arango. Acuarela 120x 133cm, 1941. Museo de Antioquia.
Esta obra fue creada en el año de 1941 por la artista Débora Arango (1907 2005). Quien nació en la ciudad de Medellín,
reconocida
políticas
a
modo
de
manifestación. Débora fue alumna de Eladio Vélez en el Instituto de Bellas
habilidad con la acuarela y por ser la
Artes de Medellín, quien le transmitió
primera mujer en pintar desnudos en
influencia
Colombia. Este último reconocimiento
Gómez, de ellos adquirió la dinámica de
desató
la forma, el colorido y el movimiento.
críticas
su
temáticas
gran
fuertes
por
además de abordar en su producción
y
rechazo
del
maestro
Pedro
Nel
hacia su obra, ya que el desnudo era
La escena principal de esta obra se
considerado inmoral para la fecha,
desarrolla entre dos personajes que
coinciden con vestimenta de colores cálidos,
en
gama
este
de
rojo,
simbólicamente
alude
caso
en
color
que
a el
pecado
original, a la pasión, a la lujuria; a l darle a ambos el mismo color los coloca en
igualdad de condiciones,
ambos pecadores, pero solo uno de ellos de rodillas, para Débora esta situación está cargada de doble moral y
la
considera
Evidentemente
ridícula.
son
los
protagonistas de la escena al e s t a r e n p r i m e r p l a n o . El rostro de la mujer que besa el anillo del arzobispo
refleja
pecado
y
arrepentimiento, las miradas de los seminaristas dirigidas al gesto de la mujer tienen un halo de santidad y develan interés por su arrepentimiento3
3
SCHUSTER, S. (2016). Arte y violencia: la obra de Débora Arango como lugar de memoria 2016. Universidad Católica de Eichstätt-Ingolstadt, Alemania. Consultado el 30 de agosto de 2016. Disponible en: http://www.colombianistas.org/Portals/0/Revista/REC-3738/7.REC_37-38_SvenSchuster.pdf
DOS SUCESORES DEL MURAISMO COLOMBIANO Y SU RELACIÓN PICTÓRICA O TEMÁTICA. Débora Arango e Ignacio Gómez
interrumpió
Jaramillo fueron contemporáneos, su
academicismo europeo en su obra
formación académica inicialmente fue
para nutrirse del muralismo mexicano
similar con la influencia del Maestro
y así convertirse en uno de los
Pedro
muralistas importantes del siglo XX
Nel
Gómez,
fundador
del
la
influencia
del
Instituto de Bellas Artes de Medellín.
en el país.
Ambos artistas estaban influenciados
En el caso de Débora Arango, su
por
por
formación en Bellas Artes desde el
cuenta del estilo que predominaba en
año 1933 hasta 1935 y la directa
la enseñanza en dicha escuela. Sin
influencia al estudiar con el Maestro
embargo, el posterior viaje de Gómez
Pedro
a
particular,
el
muralismo
Europa,
mexicano,
además
de
su
Nel
Ospina hace
en
que
su
su
taller
obra
se
formación en arquitectura y su paso
enfoque en temas más locales y
por varias academias de artes en
cotidianos de la cultura antioqueña.
España y Francia, permitió que su
Su obra tiene un enfoque más claro
obra en este periodo tuviese un
entorno
enfoque más técnico y formal, ligado
asumió el arte como mecanismo de
a las estéticas que predominaban en
denuncia y revolución social, como
las academias europeas en los años
era
treinta. Sus composiciones refieren
comprometidos con las tendencias
formalmente
americanistas de mitad del siglo XX,
al
post- impresionismo
a
la
crítica
característico
social
de
los
pues
artistas
de Cezzane y Gauguin. Según su
en
forma y composición, éstas develan
esteticistas y decorativas de algunos
ciertos rasgos del surrealismo, no
artistas anteriores.
obstante,
hacia
A comparación de Ignacio Gómez,
mediados del siglo XX, este estilo
quien tomó ésta temática desde la
cobró fuerza en España con Salvador
influencia
del
Dalí, lo cual
no sería una mera
ideologías
revolucionarias
coincidencia. Pero con su regreso a
artistas e
intelectuales mexicanos,
Colombia y siguiente viaje a México,
dicha influencia se acentuó a su
posteriormente,
rechazo
de
las
muralismo
actitudes
y
las
de
los
regreso
en
1937.
Como
consecuencia de esto, varios de los
ambos
murales que le fueron encargados
importantes en el arte moderno en el
para decorar el edificio del Capitolio
país.
Nacional y el Teatro Colón, fueron considerados inadecuados y cubiertos con cal hasta que fueron restaurados por estudiantes de la Escuela de Bellas Artes, en 19594. Podemos afirmar que la diferencia en la
obra
de
influenciados aprendido
estos por
desde
dos el
la
artistas
muralismo
academia
en
Colombia y su influencia extranjera; Débora Arango se aferró a los temas locales, a una expresión más cruda de la realidad y la creación de un estilo propio, mientras que Ignacio Gómez, aprendió
técnicas de
composición
que lo acercaron a un estilo formal académico, aportando el componente purista,
aunque
ambos
terminaron
recurriendo a la crítica social desde su propia perspectiva
estética en
relación al contexto de su formación. También a partir del análisis de la estética identificar
de
sus el
obras inicio
podemos de
un
expresionismo colombiano por parte de Débora Arango y la influencia del surrealismo y el arte abstracto en la 4
obra de Ignacio Gómez, logrando
MARTÍNEZ, M. C. (2015). Biografías: Gómez Jaramillo, Ignacio. Subgerencia Cultural del Banco de la República. Consultado el 29 de agosto de 2016. Disponible en: http://www.banrepcultural.org/blaavirtual/biografias/gomeigna. htm
ser
precursores y figuras
LA
DIOSA
BACHUÉ,
CARLOS
CORREA CAMPESINO, HORACIO LONGAS
Composición está en función de una estructura totémica. Tenemos
pues
en
la
pintura
la
representación de un relato propio de la extinta cultura Muisca, en la cual se relata cómo la diosa emerge de la laguna de guaque con su hijo en los hombros para poblar la tierra. Por esto en la obra podemos observar, de abajo hacia arriba motivos tales como: un grupo de sapos, la mujer con una serpiente alrededor de su cintura, el niño en hombros de la mujer con un pez entre sus manos y un conjunto de aves de rapiña que coronan la pintura. La obra maneja una paleta de color saturada,
La Diosa Bachué Carlos Correa (1949).
valiéndose
de
colores
contrastes y de gradaciones tonales de
La Diosa Bachué es una obra realizada
blancos, amarillos y ocres. Correa en la
por el Antioqueño Carlos Correa en el
obra
año
una
representar el color del mestizaje, color
composición vertical con dimensiones
propio de una raza en búsqueda de
de 2 metros de alto por 86 centímetros
identidad, es así cómo el tema de la
de ancho, dicha
identidad será el
de
1949,
esta
tiene
muestra
una
intención
por
Detonante no solo de esta obra sino también de un estilo pictórico que buscará diferenciarse del clasicismo, el neoclasicismo y los ismos de las vanguardias europeas, por esto el artista se aleja del cuidado de las proporciones humanas, las luces son colocadas de forma intuitiva, y la profundidad es solo perceptible en las pocas diagonales que se pueden ver, además de que la pincelada denota un carácter fuerte. El contexto histórico en el que se ejecuta la obra, es un periodo difícil para Carlos Correa puesto que él era
Campesino. Horacio Longas (1950).
filosofías
“Campesino” de Horacio Longas, es
socialistas. El país estaba dividido y
una obra realizada a mediados de 1950
enfrentado,
donde él artística comienza a ejercer
perseguido
por este
sus
momento
será
reconocido, como el periodo de “La violencia”
en
el
cual
el
partido
con
mayor
fuerza
su
producción
pictórica.
conservador estaba en el poder, bajo el
Las dimensiones de la obra son 56
mandato de Mariano Ospina Pérez. A
centímetros de alto por 42 centímetros
esto hay que sumarle la censura que
de ancho. “Campesino”, puede asumir
recibió el artista por parte de la Iglesia a
el papel de síntesis en cuanto a las
raíz de su obra la Anunciación (1941).
demás obras de Longas, ya que tienen como eje principal, retratar las vivencias y costumbres del habitante rural que recorre las montañas de Antioquia. Longas hace un breve análisis de un inconsciente colectivo que muestra un
estilo
de
vida
arraigado
a
las
fondo, mostrándonos una tierra ya
costumbres y vivencias cotidianas en
habitada
y
su planteamiento formal. La carencia de
pictórico
y su
rostro y manos, su postura a mitad de
artística nunca cambiaron. Su temática
la
en casi todos los cuadros que realizó
espalda,
fatigada,
sola
vislumbra y
una
cansada
figura por
el
laborioso trabajo en el campo.
la obra que van desde la indumentaria tales como son la ruana, el sombrero, la camisa blanca y el pantalón café, y de
principal
Su
estilo
inspiración
sobre los pobladores de la zonas rurales
Todos los elementos que acompañan
desgastada.
del
Antioquia,
país,
puntualmente
sirvieron
para
en
replantear
nuestra mirada sobre las labores que cotidianamente se realizan en estos sitios.
fondo las montañas que forman un
Longas no se puede desligar de este
cañón entre ellas, refuerzan sin duda el
contenido social que es un eje de
estereotipo y la imagen de aquel
productividad para aquella época, “Los
agricultor y minero que coloquialmente
artistas
se ha dado a conocer por su fuerza y
necesidad de estar al día, porque dicha
vigor para trabajar.
necesidad conlleva a una noción del
Su obra plantea una paleta de colores de baja intensidad y contrastes en zonas muy puntuales para enfatizar la luz cenital que ofrece el campo abierto. Los verdes opacos, tonalidades ocres y rojos pastosos, muestran la virtud de su dibujo junto a la velocidad del pincel un
Colombianos
no
tienen
la
tiempo que lisa y llanamente no se da en Colombia. RELACIÓN PICTÓRICA O TEMÁTICA. El proceso interno del arte Colombiano carece de todas las intenciones; es lento y está lleno de retornos y de morosas y profundas detenciones”[1]
tanto despreocupado por la forma, las
Aunque los trabajos de Carlos Correa
grandes zonas de color, que van desde
(1912 -1985) y Horacio Longas (1898 -
lo más claro a lo más oscuro.
1981) se dan en un periodo de tiempo
siempre
tratando
de
resaltar
medianamente similar, sus estilos son La proporción de la figura y su corte a mitad del muslo, agudizan el plano de
muy diferentes, por lo menos es lo que se puede evidenciar en las dos obras
seleccionadas, con Correa vemos un
Para
estilo moderno, con una pincelada
identidad
mucho más gestual y expresiva. Si bien
precolombinas y las historias de los
el
las
hombres oriundos del país, quienes son
influencias extranjeras, es evidente el
los que día a día dan las soluciones a
peso de la corriente expresionista y el
los problemas que abruman a la nación,
esquematismo pre cubista que se utiliza
así se refería Correa en una entrevista “
en la composición de la obra.
Un
artista
busca
alejarse
de
Lo opuesto se ve en el trabajo de Longas pues su trabajo es mucho más clásico desde sus aspectos formales, mostrándonos un trabajo costumbrista. Para analizar su obra es preciso tener en cuenta que estas son producidas con
témperas,
esto
disminuye
la
Correa
la
está
arte
que
conocimiento
respuesta
por
en
culturas
se de
las
apoye las
en
la
el
fuentes
arqueológicas y del paisaje, que es el gigantesco escenario donde trabaja, sufre y espera el hombre colombiano, un arte que tenga en cuenta los valores históricos y raciales, que señale e interprete los problemas del país ”[2].
pastosidad y la textura que un acrílico o
Por
un óleo puede otorgar para darle más
profundo
fuerza al arraigo Antioqueño.
agricultor y los habitantes rurales del
Otra de las diferencias evidentes en las obras, es el manejo del color, pues como
se
mencionó
anteriormente
Correa satura mucho más su paleta, mientras
que
Longas
se
vale
de
gradaciones tonales mucho más tenues
bien
en
cuanto
a
parte
Longas
análisis
visual
enfatiza
un
sobre
el
territorio Colombiano, abrumados por la soledad del campo. Se vale de planos medios y generales, para mostrarnos los actos cotidianos que suceden a mediados del siglo XX, creando así una postura silenciosa pues su obra carecía de difusión.
generando una paleta terrosa. Si
su
técnica
encontramos marcadas diferencia, no es así en la temática, pues los dos abordan el concepto de la identidad y lo desarrollan cada uno a su manera.
La producción de los dos artistas, es relevante en el desarrollo de la pintura Colombiana en la medida en que aportaron diversos elementos en la búsqueda de un estilo propio, que se
pudiera
diferenciar
de
los
estilos
extranjeros y si bien esto no se logró y el auge de la búsqueda de dicho estilo no duró mucho tiempo, queda toda una producción que da fe de un momento histórico del país, y nos acerca a una cosmovisión en la cual la utopía de la identidad desde las artes plásticas eran un motor que incita a trabajar fuera de los cánones establecidos, en una época en la cual la confusión social y política eran un síntoma generalizado.
Dispusimos así las imágenes en este Collage, para simbolizar la diversidad de
temas
que
paralelamente
se
EJERCICIOS EXPERIMENTALES.
sucedieron en la primera mitad del siglo
A partir de una visión crítica sobre el
XX.
desarrollo del arte en la primera mitad del siglo XX se hizo una construcción diversificada estudiantes plástico
por
parte
mediante y
un
de
los
Collage digital siglo XX.
ejercicio
posteriormente
una
argumentación de la misma.
Collage
Se realiza un collage digital para mostrar un paralelo entre Europa y Colombia a principios del siglo XX en el ámbito artístico, tomando la obra de Andrés de Santa María, “Niño vestido de Usamos la imagen de un ferrocarril, de una iglesia, de una pieza arqueológica, de unos campesinos, de Frida Kahlo, unos murales de Pedro Nel Gómez y un mapamundi estilizado junto con el símbolo de un cinematógrafo, para dar a entender la influencia que implicó la modernidad en el desarrollo plástico e histórico del país.
verde”
(1913)
sobre
el
mapa
Europeo, enfatizando en su influencia impresionista que se dio en el contexto Europeo y la obra de Ignacio Gómez Jaramillo, “Espalda” (1940) mostrando el protagonismo de la mujer en la escena pictórica y el rostro de Jorge Eliécer
Gaitán
resaltando
a
nivel
general la influencia social y política a mediados del siglo.
Natural que posee el metal respecto al
personajes
entorno de donde se ubica la obra, para
partido. De este modo, la política no
la unión de la pieza recurre a la
debe inferir en la producción artística, el
soldadura lo cual si se quiere, le
arte no está a merced de la sociedad,
permite un acabado más limpio. Su
sino para crear otros diálogos, expresar
forma de geometrizar es mucho más
nuevas cosas e implementar nuevos
regular pues toda su pieza está dotada de líneas paralelas.
del
mismo
Análisis, o en otros casos exponer realidades depender
Ilustración.
importantes
realizamos, imágenes
sociales, de
estos.
se en
más
no
para
La
obra
que
de
dos
compone las
cuales
está
representado los colores: azul (Partido Conservador), rojo (Partido Liberal) y dorado (dinero), y también aparece la silla como signo de poder.
Los límites que deben existir en el arte son los que el mismo artista imponga. El arte no debe depender de factores que el mismo artista no adjudique. En este sentido, consideramos que una de las problemáticas de la época, fue la imposición de la política sobre el arte mismo. El hecho de que se controlaran los artistas que podían pertenecer o no a una academia solo por su ideología política, o el hecho de que un Artista conservador
solo
pudiese
retratar
El arte está subyugado a la moral católica. Al juicio crítico y vetado de la Iglesia que controló en gran parte la producción de desnudos y cuadros considerados
inadecuados
sociedad de entonces.
para
la
-Reyes, Cárdenas Catalina : cambios en la vida femenina durante la primera mitad del siglo xx. Recuperado de: CYBERGRAFÍA. http://www.banrepcultural.org/node/732 -Reacondicionamiento
crítico
-
El
71
género del desnudo en la obra de una mujer, Banco de La
república,
http://www.banrepcultural.org/node/453
-Barrio, Holguin Jenny: Confidencias F.A Cano. Recuperado de :
47, recuperado jueves 25 de agosto
http://es.slideshare.net/holguinovich86/r
2015.
esea-obra-confidencias-francisco-
--Londoño, Vélez Santiago El pintor
antonio-cano
Francisco Antonio Cano: nacimiento de la academia en Colombia. Recuperado
-Caballero, Rubiano Germán:
de:
Mejía Marco Recuperado de :
Tobón
http://www.banrepcultural.org/blaavirtua http://www.banrepcultural.org/node/329 66
-Cabrales,
Alvarado
Antonio:
Los
derechos políticos de las mujeres en Colombia. Recuperado de: http://www.eluniversal.com.co/consultori o/civil-y-comercial/los-derechospol%C3%ADticos-de-las-mujeres-encolombia
l/biografias/tobomarc.htm
OBRAS SEGUNDA PARTE SIGLO XX
formales de la misma. Es un momento del trabajo donde se tiene en cuenta la
PINTURA – ESCULTURA
capacidad de captar a primera vista la mayor cantidad de información posible, donde la persona que observa las piezas
INTRODUCCIÓN Se realiza un ejercicio de observación, análisis, descripción y reinterpretación de
artísticas es capaz de identificar los elementos formales.
obras pictóricas del Artista Alejandro
La segunda parte de este ejercicio
Obregón, del Artista Alemán Guillermo
consta de un análisis más profundo,
Wiedemann, colombianos,
y
los
escultores
donde se realiza una investigación a la
Eduardo
Ramírez
obra sobre su contexto social, su
de
significancia en el momento, en la época
Villamizar y Edgar Negret. Como factor común en los trabajos presentados a continuación veremos un primer análisis en cuanto a lo formal, los aspectos
primeramente
visibles,
las
cualidades técnicas de las obras, tales como, técnica pictórica, paleta de colores usada, formas, figuraciones etc.
en la que se realizó, teniendo en cuenta la relación obra – título, el año, y la temática
e
interés
del
artista
en
específico. Por último, según todos los datos compilados de la obra y de los elementos identificados en ella, se da paso
a
la
realización
de
una
reinterpretación de esta, ya sea de
Esta primera parte del ejercicio realizado,
manera pictórica, escultórica, fotográfica,
se fundamenta en el análisis pre-
etc. Tratando de no ignorar el hilo
iconográfico, que corresponde a una
temático
observación que nos va a arrojar los
reinterpretación corresponda a ciertos
primeros datos de la obra, lo meramente
aspectos formales.
visible, que suscita a los aspectos
de
la
obra,
o
que
la
Como contexto de las obras presentadas
La situación del obrero queda en
a continuación, planteamos los hechos
desventaja ante la oleada de violencia
más importantes e influyentes del siglo
tanto por el gobierno como los grupos
XX, y más aún en la segunda mitad, que
armados ilegales. El arte del siglo XX
es donde se determinan los cambios por
descubrió la realidad tras las apariencias
los avances de la tecnología, la ciencia y
y se puso en contacto con ella. Obregón,
la medicina. El reconocimiento del papel
por ejemplo, realizó numerosas obras
de la mujer en la sociedad en los países
relacionadas con la violencia del país,
occidentales y el fin de la esclavitud; pero
desde el óleo de 1948, Masacre 10 de
también se da una crisis por causas de
abril, hasta el díptico al acrílico de 1982,
las guerras mundiales, el aumento del
Muerte a la bestia humana y Victoria de
desempleo
En
la paz, ejecutado después del asesinato
consecuencia, se genera desigualdad en
de Gloria Lara, pasando por el óleo de
cuanto al desarrollo social, que afectaría
1962, Violencia, del que Marta Traba
la calidad de vida de distintos países del
dijera:
mundo.
Colombia
Violencia procede de esta circunstancia:
evidencia una enorme situación de
de que Obregón la pintó porque ya le era
desventaja tanto en la parte económica
inaplazable y necesario hacerlo. Manuel
como del estado. Se inaugura este
Atencia y Omar gallego, realizan una
período con la Guerra de los mil días,
reinterpretación de esta obra, retoman
Colombia pierde a Panamá, se da la
aspectos simbólicos como la tierra y el
primera
por
huevo, para partir del hilo conceptual de
acontecimientos
la obra, generar un nuevo dialogo con
importantes de este periodo. Ningún
materiales no pictóricos, que susciten
siglo como el XX generó tantos cambios
esa misma fuerza y no pierda relación
y acontecimientos en la vida colombiana.
con la obra original.
El
mencionar
y
siglo
la
XX
revolución algunos
pobreza.
en
industrial,
«La
sinceridad
terrible
de
También vamos a notar una mayor gestualidad en este periodo, que se puede evidenciar en el trabajo de Guillermo
Widemann,
abstracción
apareció
donde
tras
un
la largo
período de depuración y de síntesis desde 1958. Luego se da paso a un interés en las acuarelas llenas de transparencias sensibles, de colores que aportan fuerza a sus obras, es allí donde Diego Rivera y Stephanie Cardona, fundamentan la reinterpretación de una acuarela de Widemann, en el color, los tonos contrastantes y la composición. Luego
nos
escultura
encontraremos
colombiana,
con
donde
la Luis
Agudelo y Hamilton Álvarez, analizan la obra escultórica de Negret, Villamizar y Rojas. Análisis que arroja como principal factor de producción, las formas de geometrización de los artistas, lo cual dará pie a la reinterpretación realizada.
ALEJANDRO OBREGÓN Obregón recreó la realidad en la mayoría de
sus
cuadros,
transformó
armónicamente el paisaje, modificó la figura humana, siempre en función de la pintura como tal, y empleó el color para manifestar sus emociones. En cuanto a la impronta mágica, es indudable que buena parte de la pintura de Obregón alcanza la representación de lo "real maravilloso" de lo que habló Alejo Carpentier para referirse al ámbito de creación
que
tiene
el
artista
Pintor nacido en Barcelona (España) en
latinoamericano.
1920 - Cartagena de Indias (Colombia)
Los principales temas de la pintura de
en 1992.
Obregón son: Los retratos de familiares y
Recién llegado de Europa en 1944, hizo
amigos, además de varios autorretratos
su presentación en el arte colombiano en
desde el muy cézanniano del pintor
el V Salón Nacional, con los óleos
sentado que sostiene un pincel (1943)
Naturaleza muerta, Retrato del pintor y
hasta Dédalo (1985), pasando por los
Niña con jarro. Desde entonces su
Blas de Lezo (1977-1978), los animales
nombre estuvo siempre en primer plano
(en una fauna interminable que incluye
y sus obras siguen exhibiéndose con
desde
gran éxito comercial. La pintura de
barracudas,
Obregón
pasando por chivos e iguanas), las flores
se
caracteriza
por
expresionismo y la impronta mágica.
el
cóndores
y
mojarras
toros y
hasta
camarones,
carnívoras y nocturnas, las escenas de
violencia y, sobre todo, los paisajes (con
(1955), Greguerías y camaleón (1957).
claras alusiones al mar, a las playas, a
El tercer período, 1958-1965, es el de la
las tempestades, a los eclipses y,
madurez plena. Durante estos años
especialmente, a los vientos). Estos
Obregón no solamente fue el pintor más
temas son recurrentes y por lo tanto no
influyente del país, el más admirado y
tienen
cronológica.
galardonado, ganó en 1962 y 1966, el
Como bien dijo el artista, más que
primer premio de Pintura en el Salón
motivos específicos sus cuadros aluden
Nacional, con los óleos Violencia e Ícaro
a «drama, catástrofe, registro de vida,
y las avispas. Obregón realizó también
reportaje y un poco de todo.
diversos murales. El más sobresaliente
La carrera artística de Obregón se puede
es el mural de la Biblioteca Luis Ángel
dividir
El
Arango (1959), Bogotá. El mural de la
primero, 1942-1946, es de formación, su
Biblioteca es una obra rica y diversa. Del
producción oscila entre un naturalismo
decenio de los ochenta son: La galerna,
con
del
una
en
ordenación
cuatro
recuerdos
expresionismo
períodos.
académicos forzado.
El
y
un
Centro
de
Convenciones
de
segundo,
Cartagena, Amanecer en los Andes, de
1947-1957, es de definición estilística y
la sede de las Naciones Unidas de Nueva
primera madurez con recuerdos del
York y el que exorna el Salón Elíptico del
cubismo. Aquí ya aparecen algunos
Capitolio Nacional de Bogotá.
de sus motivos característicos, así como algunas de sus obras maestras: Puertas y el espacio (1951), Bodegón en amarillo http://www.colombia.com/biografias/arte/sdi/ Colombia biografías. Alejandro Obregón. Consultado el 05 de Noviembre del 2016, disponible en:
109786/alejandro-obregon
REINTERPRETACION DE LA OBRA DE OBREGÓN POR: Daniel Valencia Gómez
Alejandro Obregón, Huesos de mis bestias: la barracuda. Acrílico sobre madera. 1966
Apropiación en ramas, sobre papel iris azul y pétalos de flor rosa.
El primer enfrentamiento con la pieza fue
Obregón denominó no solo a esta, sino a
confuso, los colores y la forma hacen
una serie de piezas con características
referencia a algo real (mímesis) sin
similares “mis bestias”, en estas se obvia
embargo, se puede observar un proceso
un amplio estudio del color. Referente a
de
está
los peces, ninguno de los realizado es
fundamentado principalmente en las
tan complejo como “barracuda” y esto se
vivencias personales del artista. Una
debe a que el artista generó una
pincelada marcada que remite al centro
trasparencia en la cual se puede
de la pintura, hacen que el “pescado” sea
observar levemente el interior del pez, lo
mucho más llamativo y los contrastes de
que la hace más compleja no solo
color utilizados entre la figura principal y
técnica sino también en el proceso de
el fondo generan un protagonismo.
interpretación, ya que los elementos no
abstracción,
el
cual
son totalmente afines a la realidad,
Partir de figuras básicas (abstracciones) genera una referencia a objetos o partes reales.
A
la
hora
de
realizar
la
reinterpretación tuvimos en cuenta esta característica
particular,
así
que
elegimos ramas para intentar armar la figura del pescado y que pareciera una figura esquelética. El fondo azul se usó para acentuar la característica acuática del pez y los pétalos de flor rosa, para generar una referencia directa con el color más significativo de la figura principal. Quisimos realizar en su totalidad algo se acercara más de manera conceptual que de manera formal, por eso es quizá que la gran mayoría de elementos no corresponden con el color, sin embargo, para el tiempo de realización (en el que tuvimos que buscar los materiales y hacer una investigación no solo de la obra sino también del artista) creemos que fue un acercamiento válido.
RE-INTERPRETACIÓN
DE
LA
PINTURA “VIOLENCIA” OBREGÓN. Por: Manuel Atencia Omar Gallego
Violencia 155 x 188 cm Óleo sobre tela 1962
Omar Gallego / Manuel Atencia Reinterpretación “Violencia” Mixta (vaso, huevo y tierra) 2016
Violencia es una pintura al óleo del año
barbarie de la guerra. El cuadro expone el
1962, en ella se resume el horror y la
cuerpo muerto de una mujer en estado de
embarazo, mutilada. aproximadamente
El cuerpo ocupa
la
la
aproximan a la pieza. El valor simbólico
composición del cuadro, que junto con la
de la tierra, hace alusión a lugares
otra mitad evoca la tierra y el cielo.
específicos
Las formas curvas del vientre y el pecho
barbaries. Por último, enterrado en la
hacen
ambiente
tierra ubicamos un huevo, símbolo de
montañoso, la textura y el color en la
vida y fertilidad, que en este caso, como
pintura le dan la apariencia de crudeza. La
en la obra de Obregón, es la vida que ya
opacidad y penumbra que muestra el
no surgirá. La muerte corta el nacimiento
cuadro, dan peso a la fuerte sensación de
de una vida, así como la tierra no dará
una real soledad. Violencia, guarda una
vida al huevo enterrado.
gran cantidad de símbolos, que en el
Si bien el resultado final de la re-
contexto violento de la época en que fue
interpretación no es del todo fiel a la obra
pintada por el maestro Obregón.
original en cuanto a tamaño, forma y
Al re-interpretar esta pieza de Obregón
materiales, consideramos que logramos
valoramos y dimos simbología a los
una pieza desde lo conceptual, hace
elementos con los que conformamos la
referencia
obra. Para empezar, utilizamos como
ocurridos en la época, con pocos, pero
recurso
su
contundentes elementos de gran peso
significación literal que es la capacidad
simbólico, que permiten una relación con
para contener, esto señalando el país
la obra original.
referencia
un
mitad
a
vaso
un
de
sus texturas y tonalidades que se
asignándole
que contiene y sufre dichos procesos violentos, refiriéndonos a un territorio especifico;
en
segunda
instancia
consideramos la utilización de tierra por
donde
a
los
ocurrieron
mismos
las
hechos
REINTERPRETACION DE LA OBRA DE OBREGON POR: Sara González, Sara Vargas ambiente, son segmentos de color en tonos fríos. Aparece dos figuras no fieles a la realidad, en estas se sugiere un toro, un balsa y una estructura aparentemente sólida y oscura, que vendría siendo la representación del rio Magdalena. El toro tiene una expresión de sufrimiento, y el rio, de sombra o silueta siniestra que lo agobia, la balsa y el rio forman la una forma similar a la de un toro. “No es ya, como en la vieja fórmula, la Alejandro Obregón.
naturaleza
Ganado ahogándose en el Magdalena
temperamentos: Es la expresión de un
Óleo sobre lienzo 1955
vista
a
través
de
temperamento con los elementos que la naturaleza pueda poner a su servicio”
Esta obra se compone en un formato
Obregón
rectangular alargado hacia lo vertical,
Obregón vincula en su obra la violencia y
tiene un fondo no correspondiente a un
la naturaleza, estas no se pueden
paisaje sin que, este no genera ninguna
desprender. Es la naturaleza que le
insinuación de temporalidad, espacio o
brinda una confrontación. Es decir, Obregón abstrae esa experiencia. No le
interesa una reproducción visual y
Esta obra está hecha de tierra y agua
fidedigna de esta, sino la pureza que le
dando la connotación misma de la obra
puede trasmitir el espacio (Violencia /
original Ganado ahogándose en el
Naturaleza).
Magdalena de Obregón. Además, de conservar los tonos fríos que esta
REINTREPRETACIÓN
presenta. Nosotras quisimos mostrar la silueta del toro como la sombra. Esas cualidades y atributos
desconocidos
o
poco
abordados, como Jung lo menciono, “Nadie se ilumina fantaseando figuras de luz,
sino
oscuridad”
haciendo
consiente
su
amistad fue decisiva para que el pintor se
GUILLERMO WIEDEMANN
decidiera por Colombia. Poco se sabe de su producción europea. Desde la muestra de 1940 en la Biblioteca Nacional, hasta 1956, su pintura giró en torno al tema del paisaje tropical y de la figura en el paisaje. Durante estos quince años, Wiedemann realizó numerosas exposiciones y poco a poco fue cimentando su prestigio en el país. Se nacionalizó colombiano en 1946. La
abstracción
en
la
pintura
de
Wiedemann apareció en 1958. El artista no dejó, sin embargo, de aludir a impresiones del mundo real, de la selva Pintor alemán (Múnich, 1905 - Key Biscayne, 1969). Estudió en la Escuela de Bellas Artes de su ciudad natal, con los
profesores
Habermann
Hugo
y
Adolf
Freiherr
von
Shinnerer;
posteriormente en Berlín, estuvo cerca de Max Liebermann y de algunos de los expresionistas del grupo El Puente. Viena, Budapest y varias ciudades italianas. Por esos años se interesó en la fotografía artística y se relacionó con el e
ingeniero
Otto
construcciones y de su gente anónima, por lo menos al principio. Particularmente en las acuarelas llenas de transparencias sensibles, de lampos y vibraciones, se siente la luz y la humedad de estas tierras calurosas y feraces. El color fue el elemento fundamental de
En el decenio de los treinta viajó a París,
fotógrafo
y de la presencia misteriosa de sus
Moll,
colombiano de origen alemán. En 1939, cuando Wiedemann, por la inminencia de la Guerra Mundial, decidió exiliarse, esa
estas composiciones; las manchas de color, en ocasiones puras, en otras moduladas,
de
variadísimos
tonos,
constituyeron la substancia de esta obra, en la que la línea pintada o raspada contribuyó a organizar el cuadro. La desaparición total de la figura, que
permitía
a
Wiedemann
ordenar
fácilmente sus composiciones en sentido vertical, hizo más variada la organización de sus cuadros, los cuales, por otra parte, terminaron con la antinomia forma y fondo. El espacio, muchas veces transparente,
con
algunos
núcleos
luminosos, cedió el terreno a una superficie
coloreada
henchida
de
sensibilidad. Colombia
biografías.
Wiedemann.
Consultado
Noviembre
del
2016,
Guillermo el
05
de
disponible
en:
http://www.colombia.com/biografias/arte/ sdi/109786/guillermo-wiedemann
REINTERPRETACION
DE LA OBRA
DE WIEDEMANN
Por: Diego Alejandro Rivera Vélez Stephanie Cardona Cardona
paisaje indeterminado que nos guía a través de lo puramente visual.
Guillermo Wiedemann/ Sin título /Acuarela sobre papel /57 x 78 cm /1961
Esta acuarela de Guillermo Wiedemann hace parte de su época abstracta, la cual
Reinterpretación: Composición Objetual / Objetos sobre papel y dibujo al carboncillo /Alejandro Rivera/ Stephanie Cardona. 2016
apareció luego de un periodo de depuración y síntesis en relación a la forma a partir de
A la hora del ejercicio de reinterpretación y
1958; el color fue el elemento fundamental
partiendo
de esta serie de composiciones, las líneas,
compositivo
las
difusas,
composición igualmente abstracta que se
continuas y marcadas, aparecen como
vinculaba a la obra original por medio de la
piezas significantes que se integran en el
paleta de colores utilizada, igualmente se
cuadro generando ritmos y una atmosfera
emplearon estrategias compositivas que
de
dan
formas
bruma
y
y
las
manchas,
movimiento.
En
esta
ritmo
de
este el
y
análisis
resultado
dinamismo
formal fue
a
la
y
una
obra,
composición no logramos reconocer figuras
contrastando un poco su atmosfera sutil
que nos hablen de un contexto o de un tema
llena de transparencias con una atmosfera
específico, sin embargo, encontramos un
de rigidez llena de texturas adquiriendo un carácter de collage o de relieve casi
escultĂłrico por medio de los materiales utilizados. En esta pieza se reconoce el objeto Ăştil sin embargo estos mismos se descontextualizan y se descartan de sus funcionalidades
generando
igualmente
contrastes con la obra reinterpretada.
EINERPRETACIÓN A LAS OBRAS DE NEGRET, VILLAMIZAR Y ROJAS. POR: Luis Javier Agudelo. Hamilton Alvarez Torres
A la hora de abordar y relacionar el trabajo de los tres artistas, para construir una pieza que marque las diferencias, vimos que los tres maestros abordan dos elementos
formales
dentro
de
su
producción, una de ellas es el manejo del metal y la otro la geometrización de las piezas. Si bien estos elementos formales son el común denominador en la obra de los tres artistas, es evidente cómo cada uno de ellos da un manejo particular en comparación a sus colegas.
En las obras de Negret, se ve que el manejo
del
metal
es
mucho
más
industrial por los colores que usa, también
se
vale
de
ensambles
renunciando a la soldadura, pues dichos ensambles
serán
elementos
fundamentales es sus piezas. En cuanto a la geometrización las obras son mucho más
ornamentales
y
se
vale
de
modulaciones y serialidad de piezas que conforman la obra final. Con Villamizar se ve el respeto por la naturaleza del propio metal pues este se trabaja de manera cruda al mantener y
Perdurar el color natural que posee el
Para la composición de la obra, partimos
metal respecto al entorno de donde se
de las tres formas de geometrización que
ubica la obra, para la unión de la pieza
plantean los artistas. En la base se
recurre a la soldadura lo cual si se quiere,
colocan tres láminas plásticas que se
le permite un acabado más limpio. Su
doblan
forma de geometrizar es mucho más
ornamental, y al igual que Negret son
regular pues toda su pieza está dotada
piezas serializadas que se replican. Con
de líneas paralelas.
las llaves allen se busca plantear el
para
general
un
elemento
esquematismo estructural que se ve en Por último con Rojas vemos que se
el trabajo de Carlos Rojas y que se aleja
podría hablar de una mixtura en cuanto
del volumen. Y el cono amarillo busca
al trabajo del metal, pues se vale tanto de
asemejar el trabajo con el volumen de las
soldadura cómo la de ensambles. La
obras de Villamizar, quizás en este punto
diferencia con respecto a Negret y
se queda corto pues a falta de mayor
Villamizar se da en el abandono total del
cantidad de pliegues no se logra general
volumen,
una
el paralelismo de las obras del maestro,
geometrización en la que resalta solo la
esto hace que el cono sea mucho más
estructura de la pieza creando volumen a
ornamental semejante al trabajo de
través del vacío.
Negret.
esto
genera
Atlas de Historia de Colombia – Ejercicio museo de Antioquia
A modo de autocrítica Durante el recorrido del curso por las diferentes etapas en la historia del arte en Colombia hemos utilizado diferentes plataformas para compartir, enviar y recibir la información, como el uso de la red social Facebook, de YouTube para la visualización de videos referentes al arte y el uso imprescindible de la lectura de textos, sea de forma virtual o analógica, todo lo anterior partiendo de la premisa de una clase horizontal en la cual los miembros del grupo “HISTORIA DEL ARTE EN COLOMBIA” podríamos ser entes activos en la construcción de conocimientos, una posibilidad que nos brinda la web 2.0; Estas posibilidades de horizontalidad en el modelo educativo son desaprovechadas la gran parte del tiempo quizá por nuestro complejo paternalista o de sumisión al ojo del pantocrátor que no nos permite sentarnos al mismo nivel del orador ubicado en la parte frontal (docente, maestro) autorelajandonos al nivel de simples receptores inactivos, o quizá esta autorelejación sea simple falta de interés en el curso, lo cual sería igual o más grave que lo anterior. Estas aptitudes de sumisión, falta de determinación y pasividad están más emparentados con modelos de la época colonial lo cual pone en duda esas actitudes de “libre expresión” que nos hace llamarnos miembros activos de arte contemporáneo. INTRODUCCIÓN En el trabajo de las entrevistas a artistas colombianos es importante resaltar el proceso para la consecución de ellas, pues la búsqueda en bases de datos, artistas pertenecientes a galerías o sus páginas web abrió la visión de lo que es el arte contemporáneo en nuestro país, sacándonos de ese escaso y repetitivo manojo de referentes artísticos, lo cual deja también la siguiente pregunta ¿qué tanto conocimiento tenemos de los artistas en nuestro país?, llegar a este interrogante creemos que fue el objetivo y el logro de este trabajo. Es importante mencionar la variedad de artistas que hacen parte de las entrevistas, pues tenemos algunos que han producido a nivel nacional y otros que han realizado sus propuestas en otros países, lo que nos permite a través de sus obras entender una heterogeneidad del contexto colombiano. El recorrido por la sala de arte colombiano del siglo XX y XXI evidencia a través de los trabajos de la sustitución de las obras una monotonía tanto del estilo, formato y artistas; en la sala prima la pintura en gran parte expresionista o abstracto, una constante es el formato “cuadro” lo que genera una monotonía en la exposición, la escultura se destacan por piezas más cercanas al minimalismo, lo cual habla del auge de este estilo en los artistas de fines del siglo XX en Colombia. La sala se queda corta en cuanto a lo que es el performance, video arte, fotografía, además no da una clara mirada al siglo XXI en el arte en Colombia, pues pocas obras o casi que ninguna son de esta época lo que nos lleva a reflexionar sobre el aporte y lo poco que se tiene en cuenta a los artistas emergentes en esta sala.
Atlas de Historia de Colombia – Ejercicio museo de Antioquia
EJERCICIO MUSEO ANTIOQUIA Cambio de obras
Por: Hamilton Álvarez Torres
Atlas de Historia de Colombia – Ejercicio museo de Antioquia
Eladio Vélez: Pintor Antioqueño que nace en Itagüí, en el año de 1897 y falleció a mediados del año 1967, a sus 16 años ingresa en la escuela de bellas artes de Medellín para realizar sus estudios en modelado, dibujo y pintura. En sus inicios trabajó cómo caricaturista e ilustrador de prensa y de semanarios. Desde 1927 hasta 1931 viaja por varias partes de europa con el fin de continuar con sus estudios académicos, un par de años después de su regreso, es nombrado director de la escuela de bellas artes de Medellín, este cargo lo desempeñará hasta el año de 1942.
Fue uno de los artistas Antioqueños más sobresaliente, al igual que su amigo y compañero de proyectos Pedro Nel Gómez. Sus obras dotadas de un gran realismo, representan las costumbres, la vida cotidiana, al igual que los paisajes de Antioquia, su trabajo tiene un gran respeto por el manejo del color y su pincelada es precisa y cuidadosa, esto con el fin de lograr la mayor fidelidad con la realidad, su temática se alejado totalmente de cuestiones políticas, sus obra solo responden a necesidades estéticas.
Atlas de Historia de Colombia – Ejercicio museo de Antioquia
Obras a remover o reubicar:
Mujer con piel. Eladio Vélez, 1927. Eladio Vélez, 1929
Es un retrato de una mujer, la cual lleva puesto un abrigo de piel de color blanco, la obra está trabajado de forma figurativa y en la cual el fondo no representa ninguna espacialidad o lugar, solo es un fondo de color café con gradaciones tonales. Dentro de la pieza podemos ver que hay una intención de trabajar y manipular la luz, pues esta encuentra su foco en la parte superior derecho, haciendo que el lado izquierdo de la obra sea un poco más oscuro, el mayor foco de atención de la pintura es el mismo rostro de la mujer y en este nos encontramos que la mirada de la mujer se direcciona al lado derecho. también es de notar que el manejo del
Autorretrato,
color es muy armonioso pues no hay cambios tonales muy bruscos.
Autorretrato, Eladio Vélez, 1929 En esta pieza observamos un autorretrato de medio cuerpo, el cual tiene cierto aire al autorretrato de velázquez visto en la obra de las “meninas”. En la obra predominan los colores oscuros y el fondo da cuenta de un lugar, pues se puede observar fragmentos de pinturas puestas en una pared y un recipiente que se ubica a las espaldas del personaje.
Atlas de Historia de Colombia – Ejercicio museo de Antioquia
pintor que influirá en su producción pictórica. En 1934 ya en colombia es el fundador de la escuela de bellas artes de Cali, sus obras en cuanto a temática integran, cuestiones políticas y sociales de su tiempo Triste Indígena, Jesus Maria Espinosa: En la obra aparecen tres personajes con ascendencias indígenas, acompañados de un perro de color oscuro, el fondo refiere a una zona
montañosa y por medio de diagonales percibimos la sutil profundidad, pues la pintura responde a un esquematismo parcialmente plano, la paleta maneja colores muy variados, aunque resaltan los colores ocres, el foco de atención lo marca el color rojo, puesto que en la zona en la cual está aplicado rompe drásticamente y nos muestra el niño que está oculto en brazos de su madre.
Obras para agregar: Jesus Maria Espinosa: Nació en Cúcuta el 10 de agosto de 1908 y falleció el 14 de julio de 1995 en Cali. De joven ingresa a la escuela nacional de bellas artes, y en el año de 1929 se gana una beca que otorga el gobierno de la república, por medio de la cual viaja a parís para continuar con sus estudios, allí conoció a André Derain
"SIMPOSIO en Silvia Cauca”
Atlas de Historia de Colombia – Ejercicio museo de Antioquia
La obra es de pinceladas poco retocadas, y no se centra en mostrar detalles, se pueden percibir intuitivamente dos grupos grandes de personas en una montaña, la obra hace referencia a la reunión que hacen los indios después de regresar del mercado para discutir y hacer cuentas de las ganancias,
Justificación del cambio. Antes que nada me gustaría mencionar que el cambio no responde a un juicio de valor, en el cual considere que una obra sea mejor que la otra, pues el cambio de obras responde más que todo a consideración espaciales y de cuestiones temáticas. Haciendo el recorrido pude notar primero, que en la sala del siglo xx hay una pared con tres obras de Eladio Vélez y enfrente de esta, unas obras con tendencias más indigenista y que en ciertos aspectos técnicos dan cuenta de una exploración que está mucho más ligada con influencias vanguardista, también en toda la sala se puede notar cómo el costumbrismo es un elemento que desaparece, dando paso a cuestiones mucho más subjetivas o que están ligadas a cuestiones conceptuales o a relatos míticos, ya sean propios o extranjeros.
Esto es uno de los primeros elementos en los que creo que por lo menos dos de las tres obras de velez, contrastan con los elementos expuestos en su entorno. Aquí no menciono la obra “la planchadora” pues en cierto modo resalta de sus otras dos obras acompañantes, pues tiene algo que la acerca al trabajo de Edward Hopper, y esto hace que la obra de fe de una evolución pictórica mucho más cercana a la época en la cual la obra es ejecutada. Otro de los factores por los cuales considero el cambio, es también que en la sala del siglo XX hay una obra de Vélez (Escultor Marco A Tobón Mejía, Eladio Vélez, 1931), pero esta vez totalmente sola, esto me lleva a pensar que si la obra no es discriminada por su periodo, no veo por qué las otras dos obras no pueden acompañar a esta, pues en cuestiones museológicas se vería mejor.
La selección de las obras de Jesus Maria Espinosa cómo reemplazantes, responden a dos cuestiones puntuales, en primera instancia, en la sala solo hay dos obras que representan el indigenismo, y para haber sido un periodo de exploración marcado por elementos criollos me parece pertinente mostrar mucho más de esto, además se puede ver que las dos obras escogidas abordan elementos técnicos que no solo pasan por el realismo, este es el segundo elemento que influye en mi
Atlas de Historia de Colombia – Ejercicio museo de Antioquia
elección, pues las obras de Vélez aunque son muy bien trabajadas técnicamente, se quedan solo en una representación clásica, lo contrario ocurre con las otras dos obras, en ellas se ven un trabajo de pinceladas mucho más intuitivo, esto hace visible las influencias vanguardistas. Por lo anterior considero que las obras seleccionadas entablaran un mejor dialogo con el entorno.
Atlas de Historia de Colombia – Ejercicio museo de Antioquia
EJERCICIO MUSEO DE ANTIOQUIA Cambio de obras
Por: Alejandra Suárez Fernando Botero Angulo (Medellín, Colombia, 1932) Pintor y escultor colombiano. Fernando Botero
Atlas de Historia de Colombia – Ejercicio museo de Antioquia
se graduó en 1950 en el Liceo de la
corpulentas,
Universidad de Antioquia, sita en su
obesas.
ciudad natal. Posteriormente viajó a España para estudiar a los grandes maestros de la pintura española (en especial a Goya y Velásquez). Sus
primeras
obras
de
incluso
claramente
En la década de 1980 Fernando Botero se convirtió en uno de los artistas vivos más cotizados del mundo, y algunas esculturas suyas
retratos,
realizadas en bronce, mármol y resina
paisajes y escenas costumbristas
fundida (Mujer a caballo, Perro, La
están realizadas con una pincelada
corrida, etc.) pasaron a ser parte
muy suelta, que se irá empastando
integrante del paisaje urbano de
progresivamente, al tiempo que tanto
muchas ciudades.
la perspectiva como las figuras se hacen arbitrarias.
Jaime Franco
A principios de los años sesenta
Lo que propone Franco tiene un tono
Fernando Botero se estableció en
muy distinto a lo tradicional. Es un
Nueva York, donde sus pinturas le
trabajo cambiante, despojado de esa
granjearon una notable popularidad en
condición de intocable que suelen
el mercado artístico estadounidense.
tener las obras regulares. El hecho de
Entre sus obras más conocidas cabe
poder
destacar La alcoba nupcial, Mona Lisa
barreras entre el muro y el público,
a los doce años y El quite. Su traslado
saber que el material es barro común
a París coincidió con sus primeros
y que después desaparece, acerca
trabajos escultóricos, que compartían
mucho más al observador simple, a
las características de su obra pictórica.
veces
modificarla,
temeroso
que
del
no
haya
arte.
Franco tiene una mezcla de formación El
estilo
de
Botero,
plenamente
curiosa. Nació en Cali, pero se
figurativo, se caracteriza en lo plástico
trasladó
por cierto aire naïf y en lo temático por
ingeniería en la Universidad de los
la representación de personas y
Andes. Después de un par de años
animales
siempre
como
figuras
a
Bogotá
para
estudiar
Atlas de Historia de Colombia – Ejercicio museo de Antioquia
decidió saltar a París donde se matriculó en una escuela de arte. Trabajó en fotografía, luces, sombras y
pintura.
El artista plástico planea la obra frente al
computador:
calculando
dimensiones, proporciones, viendo el diseño y pensando los cuadros. Una vez esta etapa se consolida, pasa a ensuciarse las manos, literalmente. Aunque
ha
tradicionales,
trabajado desde
materiales
hace
algún
Fernando Botero Angulo
tiempo explora texturas y elementos
Monalisa Niña, 1961
distintos.
Monalisa niña, de 1961, es una obra de Fernando Botero, pintada en la
En las obras de Jaime Franco hay un
técnica óleo sobre lienzo, de 126 cm
acercamiento a la arquitectura, a unas
x 130 cm. “La obra pertenece al último
construcciones que fueron planeadas,
período
pero jamás ejecutadas, trabajadas
formación de Botero, marcado por la
sobre planos que nunca tomaron
experimentación
forma. El creador pinta estructuras
las proporciones y la composición. En
que no existen, que vuelan, como si
ella
fueran
pasado
expresiva y las proporciones de la
antiquísimo mezclados con visiones
figura que son distintas a las de su
del futuro. A veces roza una sensación
obra
de ciencia ficción, o de pasado
las obras de este período muestran la
perdido.
capacidad del artista para apropiarse
edificios
de
un
del
cabe
largo con
destacar
posterior.
proceso el la
En
de
color,
pincelada
general
de imágenes icónicas, cuestionando dogmas acerca de lo que debía ser la pintura en un medio como el de la
Atlas de Historia de Colombia – Ejercicio museo de Antioquia
Nueva York de los sesentas. Al igual
disco circular que gira sobre un eje
que otros artistas latinoamericanos,
libre y demuestra la rotación del globo
no
terrestre.
aceptó
sumisamente
los dictámenes heredados de
la
La edición original conservada en la
historia del arte occidental sino que
Biblioteca
empezó
incluye los 60 dibujos de los cuerpos
a
matizarlos con
preocupaciones propias de contexto”,
reseñó
el
Museo
Ambrosiana
de
Milán,
su
geométricos que Leonardo DaVinci
de
realizó como ilustraciones del texto.
Antioquia.
La imagen que se ha tomado como
La obra representa uno de los
referente
periodos de creación de Botero que
corresponde al icosidodecaedro, una
resulta interesante por el alto grado de
esfera
experimentación que tuvo, con el que
pentágonos y triángulos de la cual se
buscó y halló el estilo que lo consolidó
extrae un fragmento para hacerlo girar
internacionalmente.
en el espacio como un giróscopo. Al
para realizada
GIROSCOPO a
partir
de
igual que en anteriores oportunidades las imágenes se superponen unas sobre otras en intervenciones hechas con barro (extraído en este caso de la región de Apulo en Cundinamarca). La imagen final queda apenas visible luego de aplicar finas capas del barro de manera sucesiva hasta casi hacer desaparecer la última intervención. Jaime Franco Giroscopio 2014 Esta obra tuvo como referente inicial el Giróscopo o Giroscopio: (De giro y scopio).1. m. Fís. Aparato ideado por Foucault en 1852, consistente en un
Análisis
Atlas de Historia de Colombia – Ejercicio museo de Antioquia
En un principio se me hizo muy
presencia allí, ya que eran obras
complejo llegar a dicha conclusión,
especialmente influidas por lo que es
pues a mi parecer las obras expuestas
el arte abstracto.
en las salas (siglo XX y XXI) jugaban muy bien con el espacio, tiempo y
Al descartar esta escultura, más adelante encontré la Monalisa niña de
técnica…
Fernando Botero, dónde decidí que La construcción y organización del
está no debería estar expuesta allí,
espacio, hacen de una visita muy
puesto que el artista a pesar de que
amena
el
apenas emprendía su camino a lo que
espectador, pues la intención de ésta
ahora conocemos como su trabajo
curaduría a mi juicio, es de acercarse
volumétrico ya estaba siendo aplicado
al el público, que éste se cuestione e
y me parece pertinente que esta obra
intervenga a partir de sus muchos o
sea ubicada donde está su obra
pocos
permanente.
y
comprensible
conocimientos
para
dentro
del
campo de las artes visuales, sin ser distante a lo que realmente
se
Como reemplazo tuve en cuenta la pintura de Jaime Franco titulada
propone allí.
Giroscopio. La cual a partir de Primero me detuve a analizar una obra
elementos formales entraría a hacer
escultórica que se encuentra expuesta
un
en toda una esquina, al salir del
concepto impuesto en este sector, ya
recorrido de una sala anterior, ésta
que esta obra entraría a participar allí
fácilmente
de
como una secuencia de las que están
tropiezo o incluso podría pasarse por
a su alrededor. Me explicare a partir
alto,
de la visivilación de la sala en la
podría
pero
características
en
ser
motivo
cuanto
formales
a de
las esta
sección cumplía muy bien con su
mejor
complemento
con
siguiente secuencia de imágenes.
el
Atlas de Historia de Colombia â&#x20AC;&#x201C; Ejercicio museo de Antioquia
Atlas de Historia de Colombia â&#x20AC;&#x201C; Ejercicio museo de Antioquia
CibergrafĂa http://www.jetset.com.co/edicion-impresa/temas-revista-jetset/articulo/jaime-francoartista/103125 http://www.elmundo.com/portal/pagina.general.impresion.php?idx=273540 http://www.biografiasyvidas.com/biografia/b/botero.htm http://www.jaimefrancog.com/giroscopo
Atlas de Historia de Colombia – Ejercicio museo de Antioquia
EJERCICIO MUSEO ANTIOQUIA Cambio de obras
PoDaniel Valencia Gómez
Atlas de Historia de Colombia – Ejercicio museo de Antioquia
que se venía llevando en el país por
PINTURA A RETIRAR
esas épocas. Álvaro Marín viene de una familia con un gran legado artístico, entre ellos el compositor Carlos Vieco Ortiz o el escultor embargo,
Jorge
Marín
Vieco,
sin
este
artista
superó
las
adversidades y se convirtió en uno de los precursores del arte abstracto en Colombia.
Su
obra fue
tema
de
polémica en su tiempo, ya que su producción se basa en hacer cuadrados de diferentes colores y tamaños, por ende, se solía mencionar que su obra era facilista y que incluso podía ser elaborada por infantes. A Álvaro nunca le afectaron estas críticas de manera profunda ya que él era consciente de que su proceso creativo era complejo y los resultados era acordes a lo que esperaba. Con una filosofía parecida a la que seguían los pintores del color field “campos de color” este artista ejecuta su obra, por encima de lo figurativo lo que busca Álvaro es crear sensaciones a partir de los colores, alejándose de esa corriente formalista
PINTURA A AGREGAR Norman Mejía era conocido como el gurú del arte colombiano por su carácter espiritual. Este pintor hacía parte de una corriente neo figurativa que iba en contraposición de lo figurativo de principio de siglo. Aunque se pueden distinguir figuras en su pintura, no son más que formas físicas, ya que el cuerpo se distorsiona de una manera convulsionada formando pinturas viscerales, que pretendían reflejar la angustia que sentía el artista por la violencia que afrontaba el país en dicha época, involucrando de manera más directa al público. Norman no pretendía vender ninguna de sus obras ya que todos hacían parte de él, así que muy pocas veces fueron exhibidas, sin embargo, cualquiera que lo deseara podía acudir a su lugar de
Atlas de Historia de Colombia – Ejercicio museo de Antioquia
sin
embargo,
por
suficientemente
La horrible Autor: Norman Técnica: Óleo Dimensiones: 204 Año de creación: 1965
Álvaro Óleo Sin 1946
Marín lienzo título
sobre
residencia y echar un vistazo a su obra, si es que podía abrirse camino entre todas
las
pinturas
que
tenía
acumuladas. Muere en el año 2012 dejando una importante herencia para el país. Esta pieza es de gran formato, posee una
gama
aproximadamente
cromática cuatro
de colores,
contiene figuras amorfas y posee un contenido conceptual bastante fuerte,
si
sola
es
diciente.
mujer
castigadora Mejía sobre tela x 147 cm
JUSTIFICACION El motivo por el cual decidí sustituir la pieza de Álvaro Marín fue por su relación pictórica con el resto de las piezas que estaban distribuidas en esa sección de la sala. Su pieza tiene un carácter geométrico el cual se exhibe en otro lugar de la sala destinado para este tipo de producción. En esta sección se encuentran obras con una
Atlas de Historia de Colombia – Ejercicio museo de Antioquia
para
su
exhibición.
pincelada bastante suelta, se podrían catalogar incluso bajo una influencia expresionista, aquí es donde entra la decisión de incluir la Mujer Castigadora, ya que cumple con las características necesarias para generar una relación con las demás piezas que están alrededor. Otra de las características principales fue el hecho de que en la primera pintura no hay un sujeto que protagonice la misma, motivo en el que difería con las demás en las que había un sujeto u objeto principal. El espacio expositivo para la obra de norman sería el mismo donde está ubicada la pieza a reemplazar a pesar de tener unas dimensiones mucho mayores, ya que el espacio es acorde
correcta
conservación
y
Atlas de Historia de Colombia â&#x20AC;&#x201C; Ejercicio museo de Antioquia
EJERCICIO MUSEO ANTIOQUIA Cambio de obras
Por: Edwin Cortes Villegas
Atlas de Historia de Colombia – Ejercicio museo de Antioquia
En esta parte de la exposición se encuentra una selección de piezas de carácter fotográfico documental, dibujo, y montaje fotográfico. Jorge Obando, fotógrafo de Medellín, realizó fotografía durante toda su vida, casi siempre en el terreno del retrato, durante un largo período hizo reportería gráfica de la vida social de Medellín para el periódico El Colombiano. Pero, además, se especializó en fotografías panorámicas, -Francisco Antonio Zea. Sin información. -Gabriel Carvajal Pérez, fotógrafo de Medellín, estudios de bachillerato en la Universidad de Antioquia, estudios y trabajos en el montaje sistemas telefónicos, se dedicó a tomar escenas del paisaje y acontecimientos típicos, fue uno de los pocos fotógrafos que obtuvo publicación en revistas extranjeras (españolas, estadounidenses, argentinas) -Fajardo Vélez. Relacionado con arquitectura. Sin información extra. Esta sala la usaría para exponer algunas piezas de videoarte, diferentes autores en diferentes épocas. Tales como: -Gilles Charalambos, estudios universitarios en Música, Comunicación (Especialización en Televisión) y de postgrado en Historia del Arte y Literatura. Trabaja desde los setenta en artes electrónicas, música y videoarte, también ha realizado piezas en instalaciones, performancias, radioarte, televisión y textos. Desde 1989 es profesor de la Universidad Nacional de Colombia. - Raúl Marroquín, Video Artista colombiano que migra muy temprana edad a Holanda, allí desarrolla su obra basada en el video, las tecnologías de
comunicación, y los “nuevos medios”. Pionero y referente en Europa y el mundo del video arte y video performance. - Ana Claudia Múnera, Maestra en Artes Plásticas, Universidad Nacional de Colombia, Seccional Medellín. (1990), docente Universidad Nacional de Colombia, (Medellín). Su obra que parte desde el video se destaca por la relación directa del material que utiliza para implantar o anidar sus imágenes en movimiento, (video-escultura). - Alejandra Rincón Navarro, Maestra en Artes Plásticas. Universidad de los Andes en Bogotá, artista emergente que usa como formato de creación el video, ha participado en plataformas como ARTE CAMARA 2007 – 2010, en el marco de la feria de arte ARTBO, y festivales internacionales como Festival Oodaaq d’images poétiques 2012 Rennes France.
Descripción
de
obras.
Excluidas.
Francisco Antonio Zea. Proyección 1982. Lápiz sobre papel.
Atlas de Historia de Colombia – Ejercicio museo de Antioquia
Francisco Antonio Zea vemos la representación de un lugar del cual no tenemos un antecedente o referencia. El aspecto más relevante de este nicho expositivo es la captura de la ciudad por medio de la máquina o caja mágica, (cámara fotográfica), con aspectos documentales desde la imagen.
Fajardo Vélez. Edificio colteger, planos originales. 1969. Tinta sobre papel.
Gabriel Carvajal. Industrialización, urbanismo y tecnologia en Antioquia. 1967. Fotografía en blanco y negro. Insertar.
Jorge Obando. Inauguración del estadio Atanasio Girardot. 1953. Reproducción litográfica sobre papel. -En esta sala encontramos piezas fotográficas, litográficas, y de dibujo, en ellas se observan representaciones arquitectónicas o de paisaje citadino, en las obras de Obando, Carvajal, y Vélez vemos una referencia directa a la ciudad de Medellín en sus primeras etapas de industrialización y desarrollo citadino, por el contario en la pieza de
Ana Claudia Múnera. Colchón. 1995 video-escultura. 70 cm alto. 50/50 cm
Atlas de Historia de Colombia – Ejercicio museo de Antioquia
http://www.bibliotecanacional.gov.co/co ntent/pioneros-videoarte GILLES CHARALAMBOS Mínimos Semánticos 1977 https://youtu.be/4ftQZaoQBJI Alejandra Rincón Navarro Caer 2014 Esta sala el planteo como un nicho expositivo de video, este soporte de creación ha sido manipulado en diferentes formas, no solo en su forma de pantalla como tal sino también como elemento escultórico, performatico o instalativo; con la obra de Ana Claudia Múnera y sus video esculturas se rompe con la idea de Pantalla-video. En esta selección de obras encontramos diferentes temporalidades, Marroquín uno de los primeros en el uso del video, pasando por Gilles Charalambos hasta autores más contemporáneos como Alejandra Rincón Navarro. Justificaciones. En primer lugar decidí sacar las piezas fotográficas por su carácter documental, el uso de la cámara en
estas piezas no es de carácter artístico como tal, También lo hice por su mirada en particular a la ciudad de Medellín, es importante reconocer estas piezas como documentos históricos y de contextos pero no veo en ellos el valor de objeto artístico. Escojo remplazar la fotografía documental por el video arte viendo la fuerza que tuvo en sus primeras etapas y el poder narrativo que lleva en sí, veo la necesidad de tener un nicho de estos en esta sala del museo, pues hay una carencia total de este tipo de piezas, lo que genera un bache en la formas de producción artística en Colombia, dándole prioridad al otro tipo de representaciones. No solo creo que hay un déficit en esta sala solo con el video sino también con el performance, que entendiendo su carácter efímero en su primer momento el registro visual es lo que queda de ese acto, lo cual esta sala no evidencia. Creo que la pertinencia de este nicho expositivo dentro de la sala en general es poder mostrar otro tipo de formatos a la hora de crear arte, veo este nicho no como una exposición de video que este permanente sino que cada tres meses pueda modificarse su contenido, pues hay gran cantidad de propuestas de este tipo, lo cual genera un dialogo con el resto de la exposición de la sala, pues aunque son formatos diferentes pertenecen a similares contextos e inquietudes.
Atlas de Historia de Colombia – Ejercicio museo de Antioquia
EJERCICIO MUSEO ANTIOQUIA Cambio de obras
Por: Laura Estefanía Moreno M
Atlas de Historia de Colombia – Ejercicio museo de Antioquia
Marta Elena Vélez “caballero Teniendo en cuenta que la sala de exposición permanente del siglo XXXXI del Museo de Antioquia, muestra la transición de tiempo y la diversidad de técnicas entre el arte moderno y el contemporáneo cambiaría la obra de Marta Elena Vélez titulada “caballero” y la cambiaría por “Verlaine y Rimbaud pecando” obra del artista Álvaro Barrios creada a través del dibujo, la cual valoro por formar parte de la tercera bienal de arte Coltejer –Medellín Colombia 1972, en su catálogo Eduardo serrano escribió: Barrios se hizo presente con un dibujo tridimensional, hábil. Onírico, y nostálgico que plantea el absurdo de poéticas pero relevantes asociaciones. En la sala encontramos, fotografías, acuarelas, pintura al óleo, acrílico,
Verlaine y Rimbaud pecando Álvaro Barrios escultura, grabado, instalación y dibujo, entre ellos algunos retratos realizados por Oscar Murillo, los cuales dialogarían con la obra que seleccionamos de Barrios gracias a su técnica, por otra parte nos permitiría la posibilidad de incrementar el acervo del museo, dando pie a artistas más emergentes y contemporáneos como Hernán Marín o Cesar del Valle quien ya ha participado de las exposiciones temporales del museo, solo por nombrar algunos que han llevado el dibujo a un excelente desarrollo técnico y una carga conceptual que los libra de la simple representación al igual que las obras de Barrios.
Atlas de Historia de Colombia â&#x20AC;&#x201C; Ejercicio museo de Antioquia
EJERCICIO MUSEO ANTIOQUIA Cambio de obras
Por: Ewdin Diax
Atlas de Historia de Colombia – Ejercicio museo de Antioquia
Luis Fernando Peláez es un escultor
instalaciones que exponen diversos
antioqueño nacido en Jericó en el año
materiales entre los que se encuentran
de 1945. Inició su formación académica
llantas
en el programa de arquitectura de la
fluorescentes y plásticos utilizados.
Universidad Pontificia Bolivariana de
Creando
Medellín y actualmente es un artista
contemporáneas acerca del reciclaje y
reconocido
la estética trash.
dentro
del
panorama
de
automóviles,
narrativas
lámparas
abstractas
y
internacional.
Estos experimentos escultóricos sirven
Dentro de su repertorio de obras, se
también para cuestionar el espacio
incluyen algunas que hacen parte del
expositivo donde circulan los proyectos
espacio público de Medellín, como las
artísticos. A veces haciendo alusión al
esculturas que componen el parque de
carácter universal de la historia del arte
las luces y otras que hacen parte de
para abstraer fenómenos culturales y
colecciones como una instalación que
políticos locales.
se exhibe actualmente en el Museo de
sentido dentro del escenario de la
Antioquia.
filosofía y los estudios humanísticos o
Su trabajo gira en torno al territorio.
religiosos.
Y darles un nuevo
Abordando temas como la ausencia, el adentro y el afuera y la condición humana
ligada
al
desplazamiento.
Utiliza materiales como la madera y la resina.
Pero
también
pone
OBRA A INCLUIR DENTRO DEL MUSEO DE ANTIOQUIA
en
exhibición canoas, sillas y algunas casas a escala reducida dentro de sus proyectos. Danilo Dueñas es una artista plástico caleño, nacido en el año de 1956. Inicialmente su trabajo explora la escultura desde el punto de vista de un recolector de objetos. La mayoría de sus intervenciones artísticas suelen ser
El monte Tabor, 2015. Galeria Thomas Shulte. Berlín.
Atlas de Historia de Colombia – Ejercicio museo de Antioquia
La pieza es una larga carpa o toldo para carros instalada en la galería, la cual se compone de dimensiones variables. Contiene un pequeño armario en la esquina
lateral,
una
alfombra,
un
telescopio, una lupa y un sartén. Descriptivamente la pieza hace alusión al Monte Tabor, una mítica y actual colina situada en Israel y que hace parte
de
los
escritos
bíblicos.
De la serie lluvia.
Históricamente en este sitio se llevó a
La obra es una instalación compuesta
cabo la transfiguración de Jesucristo
por dos piezas. Una es una canoa de
frente a los discípulos.
aproximadamente seis metros de largo
Teniendo en cuenta este concepto, la
que recorre toda la zona horizontal de
pieza está emplazada a una altura
la sala y la otra es una silla que se
considerable del piso, y ocupa casi toda
encuentra al pie de una de las
la ubicación de la sala en forma
columnas que soportan el espacio de
horizontal. Creando tensiones entre los
exhibición.
conceptos de cada uno de los objetos
Ambas piezas están intervenidas con
que se encuentran arriba del toldo y que
resina industrial. Ya que mediante la
pueden verse a simple vista en la sala.
aplicación de esta la silla que esta de
OBRA A QUITAR DE LA SALA DEL
espaldas a la sala se encuentra
MUSEO DE ANTIOQUIA
cubierta en su totalidad por este material, impregnando la pieza de una transparencia permanente. Al igual que en la canoa donde la resina reposa en el fondo de este medio de transporte y en la mitad emplazada, un pequeño fragmento de madera que representa
Atlas de Historia de Colombia – Ejercicio museo de Antioquia
simbólica y figurativamente el de una
condicionan
pequeña casa.
valoración de la pieza.
Las piezas ocupan todo el espacio de la
A demás la pieza hacía falta ahí porque
sala donde se ubican. Instalándose de
en su aspecto formal y museológico,
forma
rompe con la monotonía de las piezas
independiente
y
con
una
iluminación particular.
el
significado
y
la
que constituyen el acervo de la sala. Es una instalación atrevida y audaz en
Decidí sacar la obra de Peláez porque
términos
considero que museológicamente no
plantearle
aporta
reflexivo
preguntas acerca del significado de una
entorno al arte contemporáneo, a la
obra de arte y en definitiva de las
instalación y a la escultura actual. Ya
propuestas artísticas de los creadores
que partiendo del hecho de que
colombianos.
históricamente
No está de más mencionar que toda la
mucho
contenido
se
ha
retratado
la
expositivos al
espectador
los
país,
museológico está compuesta en su
derivados de la guerra, este tipo de
mayoría de pintura de tipo abstracto y
obra cae en la retórica política del arte
experimental.
colombiano de toda la segunda mitad
podría encajar muy bien con la pieza
del siglo XX y parte de este.
Monte Tabor. Ya que permitiría una
En su defecto escogí la obra de Danilo
lectura
Dueñas porque considero que en un
dentro de ambos campos artísticos.
contexto mucho más internacional, esta
Sin embargo y debido a su complejidad
pieza dialoga muy bien con el arte
técnica haría falta una serie de ajustes
actual europeo, en especial el alemán.
al montaje de exhibición de la pieza, ya
Abordando situaciones que acontecen
que no solo su tamaño interfiere en la
dentro
la
apropiación del espacio donde estaría
instalación contemporánea, sin caer en
la anterior pieza. Sino que también
esteticismos ni corrientes conceptuales
debería
de tipo político, que de cierta manera
espacios para que la gente transite por
de
las
del
narrativas
de
Una
integradora
adecuarse
ese
muchas
sala
internos
compone
podría
violencia, el desplazamiento forzado y problemas
que
que
discurso
tendencia
de
una
que
contenidos
serie
de
la sala sin necesidad de cambiar de
Atlas de Historia de Colombia – Ejercicio museo de Antioquia
forma radical las demás piezas que acompañarían
la
instalación.
Finalmente considero que la pieza de Danilo
Dueñas
daría
una
buena
impresión al carácter internacional del arte
colombiano.
plantearía
Y
principalmente
innumerables
preguntas
sobre el oficio artístico y la historia del arte actual en nuestro país.
Atlas de Historia de Colombia – Ejercicio museo de Antioquia
MAPA DE LA SALA
LUGAR DE EXHIBICIÓN
ENTRADA LATERAL
P A R E D
OBRAS PICTÓRIC AS
P A R E D
O B R A S P I C T Ó R I C A S
O B R A S P I C T Ó R I C A S
Atlas de Historia de Colombia – Ejercicio museo de Antioquia
EJERCICIO MUSEO ANTIOQUIA Cambio de obras
Por: Luis Agudelo Pérez
Atlas de Historia de Colombia – Ejercicio museo de Antioquia
Durante el recorrido previo durante las salas de arte del siglo XX y XXI en el Museo de Antioquia., se hizo dos recorridos lineales consecutivos alrededor de las dos salas, parar realizar dicho recorrido, se realizó un balance general al final, a partir de varias premisas que se tuvieron en cuenta antes de abordarlas y analizarlas, bajo el conocimiento previo que hemos adquirido durante la carrera y la clase de arte colombiano. Debía tener en cuenta que obras eran más relevantes por su contenido formal, la importancia del contexto y el aporte que tuvo el artista en su tiempo de producción y finalmente por medio un análisis solamente visual, que obras encajaban o no en un hilo conductor temático, tales como la representación de la mujer, movimientos artísticos o temáticas sociales y políticas.
1
http://www.banrepcultural.org/blaavirtual/toda slasartes/diccioart/diccioart14b.htm
La obra a desmontar en este caso sería “El piropo” de Coriolano Leudo, sin duda este artista fue de gran renombre en la escena artística a principios del siglo XX, fue profesor de la escuela de bellas artes en Bogotá, Viajo a Europa luego de su paso por México, además en 1922 en el mes de Septiembre, realizó su primera exposición individual en Bogotá en los salones de la Academia de la Lengua y fue uno de los miembros fundadores del 1 Salón Anual de Artistas Colombianos1. En la Obra “el Piropo” la mujer es la protagonista de esta escena pintada en 1924. Teniendo en cuenta el año de su realización, y su paso por Europa, Leudo busca en su obras dar espacio a las características que poseen sus personajes, ya que intentan relatar la lenta transición de la forma de la vida rural hacía una primaria vida citadina, vislumbrando así un reflejo solamente social en sus obras. Desde mi punto de vista, Leudo, quien tuve la posibilidad de interesarse por las grandes influencias del impresionismo, o por otros ismos de la vanguardia, pero siguió siendo fiel a los modelos académicos que no alteraban la figuración clásica, para no chocar así no chocar con la conservadora sociedad de la época y su concepción estética2. Esto sin duda 2 IvoNNE PINI, En busca de lo propio. Inicios de la modernidad en Cuba, México, Uruguay y Colom- bia. 1920-1930. Bogotá: Universidad Nacional de. Colombia. 2000
Atlas de Historia de Colombia – Ejercicio museo de Antioquia
aportaba aún más al “retraso” artístico que Colombia y parte de Latinoamérica “poseían” con respecto a lo que pasaba en la escena de vanguardia Occidental.
Cigüeñas .1920 Marco Tobón Mejía, La obra por la cual deseo suplantar “el piropo” de Leudo, es la obra Cigüeñas del año 1920 Marco Tobón Mejía, un escultor Colombiano, nacido en Santa Rosa de Osos, en Antioquia, en 1876 y muerto en París en 1933, Tobón, fue de los primeros artistas de Colombia que trajo de Europa el lenguaje de modernismo a la escultura de Colombia. Inicio su carrera como dibujante y pintor, pero debido a un problema visual que tenía (Daltonismo) optó por expresarse a través de la escultura. Tobón, al lado de Francisco Antonio Cano, y Enrique Vidal, Fundo e ilustro la revista Lectura y Arte, de la que solamente hubo 12 publicaciones. En 1903 viajó a París, donde paso el resto de su vida,
conoció a Auguste Rodin y se familiarizó con el simbolismo, los nabis y el Art nouveau, tendencias que, junto con el desnudo clásico, definieron su obra.
Atlas de Historia de Colombia â&#x20AC;&#x201C; Ejercicio museo de Antioquia
EJERCICIO MUSEO ANTIOQUIA Cambio de obra
Por: Manuel Atencia
Atlas de Historia de Colombia – Ejercicio museo de Antioquia
ARTISTA
A
RETIRAR:
JEAN
GABRIEL THÉNOT El maestro Thénot nació en Paris, Francia en 1951. Estudió en la Escuela de Bellas Artes de Lorient y en la Escuela Superior de Bellas Artes de Paris. Desde hace más de 30 años vive y trabaja en Medellín, respecto a su obra él explica:
de abstracción, digamos que fueron como unos 20 años. Cuando llegué a Colombia seguí con la abstracción sobre temas de violencia, sin embargo, el paisaje cotidiano me inquietaba mucho, sobre todo porque yo vivo en Conquistadores, un barrio que antes estaba rodeado por una cantidad de vegetación. Este es un sector muy maltratado a nivel urbanístico, pasó de
“Yo vengo de una trayectoria muy
tener casas grandes con antejardines y
abstracta que comenzó con todo un
patios enormes, a ser una zona de
trabajo de la contemplación del paisaje
edificios de seis y doce pisos. Este
que me rodeaba. (…) Ese paisaje de las
cambio
fuerzas del océano, de las olas, me llevó
disminuyó la atmosfera de la vegetación
a la abstracción total, me aparté de la
que
figuración. Tuve un periodo muy grande
naturaleza de mi barrio se ve muy
radical
rodeaba
en la
la zona.
arquitectura Ahora
la
maltratada, simplemente desapareció”.3
3 RESTREPO, SANDRA. La naturaleza de Jean Gabriel Thénot, para el periódico El Mundo. 27 de noviembre de 2012. Consultado el 01 de noviembre de 2016. Disponible en:
http://www.elmundo.com/portal/cultura/cultural/l a_naturaleza_de_jean_gabriel_thenot.php#.WB lfb9LhDIU
Atlas de Historia de Colombia – Ejercicio museo de Antioquia
Fotos: barubaro © 2016
DESCRIPCIÓN DE LA OBRA
ARTISTA A INCLUIR: PEDRO RUIZ
La pieza está compuesta por 26 tablas
Nació en Bogotá en 1957. Realizó
de
rectangular,
estudios en la Escuela Nacional de
dispuestas paralelamente de forma
Bellas Artes de París y Atelier 17 – Taller
vertical en dos filas de 13 tablas. A su
de
vez, está elaborada en acrílico, en
"Desplazamientos" y "Love is in the Air"
colores
tonos
buscan, durante un proceso de múltiples
intermedios. La composición evoca a la
exposiciones transformar su carácter
vegetación
individual y convertirse en instalaciones
madera
de
forma
blanco, tropical
negro en
y un
estilo
abstracto, contundente y fluido.
Grabado.
“Sus
trabajos
y eventos interactivos que aborden de manera más amplia problemas como el
Como menciona anteriormente el artista, esta obra refleja el impacto de lo urbano en la naturaleza y las especies nativas del trópico como palmeras y plantas sin flores como los helechos y musgos. La obra del Maestro Thénot es reflexiva respecto al entorno, de ahí tal reflexión lleva la forma, de una figuración libre a una abstracción fáctica con la que se puede identificar la obra del artista
4 RUIZ, PEDRO. Biografía. Consultado el 01 de noviembre de 2016. Disponible en: http://www.pedroruiz.co/biografia
narcotráfico y el desplazamiento forzado en Colombia”4. En 2010 fue nombrado Caballero en la Orden de las Artes y las Letras de La República Francesa. Algunas de sus obras están incluidas en las colecciones de UNASUR en Quito, en el Museo de Arte Moderno de Bogotá y el Museo de Arte Moderno de Cartagena.
Soldados. Óleo sobre tela. 170 x 111 cm. Fotos: pedroruiz.co © 2007 DESCRIPCIÓN DE LA OBRA
reconocer
su
trabajo
realizado
en
Colombia, quise resaltar las figuras La obra consiste en una serie de tres cuadros al óleo sobre lienzo. En cada cuadro se encuentran pintados tres soldados que visten un camuflado de flores de amapola rojas, portando un fusil y usando botas rojas. Además, cada soldado, pertenece a una raza
nacionales en el periodo entre Siglo XX y XI, que es el objetivo de la sala. No obstante, se pueden encontrar otros artistas extranjeros en la exposición, sin embargo, la obra del Maestro Thénot resulto ser una de las más subjetivas en la línea narrativa de la muestra.
distinta, se puede identificar a uno negro, uno blanco y otro latino.
Por su lado, la obra del Maestro Ruiz, fue seleccionada por ser un artista que
JUSTIFICACIÓN DE SUSTITUCIÓN DE OBRA Los criterios de selección de la obra a retirar, son básicamente el hecho de que el artista es extranjero; sin dejar de
no estaba en sala, y que además trata en su obra un tema trascendental en la historia del país, como lo es la lucha contra el narcotráfico. Aunque en la sala se encuentra otra obra que expone el
Atlas de Historia de Colombia – Ejercicio museo de Antioquia
tema, el Maestro Ruiz, lo hace de una
distribución de espacios entre los tres
manera distinta, con una estética y un
cuadros. A su vez, en relación a la línea
lenguaje visual que permite reconocer
narrativa de la exposición, jugaría un
un
papel importante ya que a este punto del
discurso
simbólico
con
rasgos
poéticos en la composición de la serie.
recorrido se llegan a tratar los problemas político-sociales que ha tenido el país a
Con relación al espacio, la obra a incluir conserva la disposición de políptico en unas dimensiones similares a la obra anterior respecto a la altura y que se puede adaptar a la anchura en la
lo largo de su historia, tales como la guerra, la minería ilegal, la corrupción política y desde luego, el narcotráfico.
Atlas de Historia de Colombia â&#x20AC;&#x201C; Ejercicio museo de Antioquia
EJERCICIO MUSEO ANTIOQUIA Cambio de obras
Por: Omas Gallego Ceballos
Atlas de Historia de Colombia – Ejercicio museo de Antioquia
Buscando tierra / pintura mixta sobre tela / 1992 / Colección Museo de Antioquia Marta Elena Vélez
donde aprendió con él la perspectiva, el volumen, color y desnudo (que para
Marta Elena nace en Medellín en el año
1938.
Hija
del
ese entonces era casi clandestino).
médico
gastroenterólogo Gabriel Vélez Vélez
Fue fundadora del museo de arte
y
Ester Sierra Soto. Parte de su
moderno. Marta Elena construye un
infancia la vivió en la finca de sus
mundo propio en cada una de sus
abuelos en Girardota (Antioquia). En
obras, no ajeno pero si distinto al real
1955 estudia en el instituto de bellas
en el que plasma todo tipo de
artes con el maestro Rafael Sáenz,
individuos que transmiten una gama
Atlas de Historia de Colombia – Ejercicio museo de Antioquia
de sentimientos y situaciones que se
hacia estos personajes se ve venir un
originan en el amor y la vida misma: la
barco moderno con varias figuras
alegría, la soledad, la sensualidad, la
humanas y animales en él, este barco
libertad, el erotismo o el dolor.5
realizado en negro, en la parte
Descripción de la pieza a quitar
superior izquierda se puede apreciar
Es una pintura mixta donde se puede
lo que puede ser una luna o un sol, el
observar
tonalidades
fondo en general es una tela con
amarillas y verdes, a su derecha una
franjas en tonalidades grisáceas sin
serpiente en tonos naranjas y rojos,
ningún interés en el detalle elaborado.
un
ave
en
Ostinato / video-performance / 1985 / fotogramas min 1:35 y min 2:46 José Alejandro Restrepo
contacto personal con pensadores
Nació en Paris, en el año 1959.
como Foucault y Deleuze, Restrepo
Empezó estudiando medicina, pero en
se interesa por sus planteamientos.
1981 se cambia a la Universidad
Conoció el trabajo del video artista Bill
Nacional de Colombia, en Bogotá.
Viola, esto afirma su interés para que
Luego entre 1982 y 1985 continua sus
sea el video arte el medio de sus
estudios en Paris, en esta ciudad
investigaciones. Trabaja en video arte
Restrepo tuvo la oportunidad de tener
desde 1987, y es uno de los pioneros
LAGUADO DEVIA, Isabel Jimena. Publicado el 16 de Febrero 2012. Isabel Jimena Laguado Devia 6a, disponible en:
http://isabeljimenalaguadodevia6a.blogspot.c om.co/2012/02/biografia-marta-elenavelez.html.
5
Atlas de Historia de Colombia – Ejercicio museo de Antioquia
de esta técnica en Colombia. Su
contemporáneo, pienso que podrían
campo de acción en el arte abarca
tener en cuenta otras manifestaciones
videos
video-
estéticas y técnicas que se dieron en
performance y video-instalación, su
ciertas épocas en Colombia. En ese
actividad incluye la investigación y la
sentido es importante destacar el
docencia y su trabajo es de los más
trabajo de los artistas del video, y que
consolidados
sin desmeritar el trabajo pictórico y de
mono-canal,
en
el
arte
contemporáneo nacional.6
tanta importancia para el arte en
Descripción de la pieza a exponer
Colombia
Ostinato 7 es un video que tiene una
Vélez, considero que también en
duración de 3:00 minutos, consiste en
estos
un solo plano enfocado a un elemento,
desarrollando
en este caso un teléfono color beige.
experimentaciones importantes que
El cual suena durante todo el video,
dan cuenta de los procesos artísticos
encontré una relación entre nombre
y conceptuales del arte en el país.
de la obra y la producción en sí, y es
En
precisamente que la palabra ostinato
proponerse el video en un formato
es una técnica de composición que
aproximado al tamaño de la pieza a
consiste
de
reemplazar, es decir que la pantalla
compases con notas que se repiten
que lo proyecte sea de las mismas
exactamente en cada compas, si bien
medidas para crear un equilibrio
el video es estático y auditivamente
visualmente entre la obra y el panel o
repetitivo, tiene una relación directa
pared
con su nombre.
inconveniente para la propuesta sería
Justificación del reemplazo de obra
el dialogo con las otras piezas ya que
en
una
sucesión
El cambio no obedece a un gusto específico, conceptual o de valores temáticos, si bien es una sala de arte
6 Disponible en: http://hemisphericinstitute.org/hemi/es/restrep o-bio
como el de Marta Elena periodos
cuestiones
donde
ya
venían
proyectos
espaciales
reposa.
y
podría
Un
en frente hay pinturas, y en el centro de esta parte de la sala hay una instalación, pero por la importancia y
Video disponible en: http://www.bibliotecanacional.gov.co/content/ pioneros-videoarte
7
Atlas de Historia de Colombia â&#x20AC;&#x201C; Ejercicio museo de Antioquia
aporte a la historia del arte y sus procesos pienso que esta pieza debe tener un lugar considerable en la sala.
Atlas de Historia de Colombia â&#x20AC;&#x201C; Ejercicio museo de Antioquia
EJERCICIO MUSEO ANTIOQUIA Cambio de obras
Por: Stephanie Cardona Cardona
Atlas de Historia de Colombia – Ejercicio museo de Antioquia
Las tres gracias, Alberto acuña. La obra las tres gracias de Alberto acuña expuesta en el museo de arte moderno, en la sala de arte contemporáneo, es realizada en 1937, obra de apariencia clásica incluyendo a las musas de la obra el artista tiene buen alcance pictórico, pero aun que tenga muchos aportes y buena realización la voy a retirar de la sala y pondré la obra de Edith Arbeláez Colombia 1960, porque me parecería bien que esta sala lleve un poco más de instalaciones aunque la primera es una muy buena obra la segunda
Edith Arbeláez Colombia 1960. apuntaría más a lo que el público generalizado y estandarizado elegiría de esta forma atraería un nuevo público a al museo y en especial a la sala. Además esta instalación está catalogada como de las primeras instalaciones en el país y su argumento es constante con respecto a la violencia en la ciudad de Medellín un ejemplo claro es esta obra Colombia 1960.
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Atlas de Historia de Colombia â&#x20AC;&#x201C; Ejercicio museo de Antioquia
EJERCICIO MUSEO ANTIOQUIA Cambio de obras
Por: Lizeth Yuliana Ospina Ruiz
Atlas de Historia de Colombia – Ejercicio museo de Antioquia
Marta Elena Vélez Nació en Medellín Colombia, en 1938. Durante el año 1955, estudia en el
Joaquín Restrepo
instituto de Bellas Artes en Medellín
Nació en Medellín Colombia en 1984.
con el maestro Rafael Sáenz, también
Desde temprana edad, se interesó por
estudió
la Historia del Arte, la Música y la
Artes
Plásticas
en
la
Universidad de Antioquia.
Orfebrería. De allí partió su interés por
Sus obras se han caracterizado por
el trabajo escultórico. Estudió Artes
su variedad técnica y temática donde
Plásticas bajo la dirección de la
la artista considera que el “estilo” es el
expresionista
enemigo de la verdadera creación.
Arango en el año 2000, donde trabajó
Utilizando así diversas técnicas como
las disciplinas de carboncillo, acrílico y
el Tejido, el acrílico sobre tela,
óleo. También realizó sus estudios en
instalaciones, Telones, pinturas sobre
la Universidad de los Andes de Bogotá
damasco, pintura sobre tela, lápiz,
durante cuatro años, con el gran
etcétera.
maestro del Arte Colombiano David
No obstante la obra de Vélez es
Manzur, quien se convertiría en su
unificada,
mentor por siete años.
ya
que aunque utiliza
Colombiana
Débora
diferentes técnicas todas ellas llegan a
Aunque estudió otras técnicas, es
una misma finalidad, es decir, a un
reconocido
mismo concepto. Construyendo así en
escultura. El define su obra como
cada una de sus obras un mundo
creaciones artísticas atemporales, las
propio, pero no diferente a lo real,
cuales tienen toques de misticismo,
donde
y
donde él como artista hace una mirada
situaciones donde el origen es la vida
hacia lo exterior, pero sin olvidar el
misma. Fue fundadora del Museo Arte
ensimismamiento. Donde su obra es
Moderno y de un grupo de artistas de
un
los
experiencias y pensamientos.
transmite
años
Antioqueños
sentimientos
setentas, los
los
cuales
historia en el arte nacional.
Once hicieron
mayormente
conjunto
de
por
la
emociones,
Protagonistas negativos, Marta Elena Vélez. 1981 Instalación (19 serpientes de tela/rellenas/algunas
pintadas
a
mano)
Observación: No encontré fotografías de esta instalación en la web, ni información sobre esta. Esta fotografía es de un pantallazo de un vídeo de mi recorrido por la sala.
En la misma parte donde se encuentra,
Para hacer esta selección me basé en el
(sabemos
soporte de la obra de Marta Vélez, y su
mayormente materiales como la piedra)
relación con otras obras, no hablaré
a
sobre relaciones entre conceptos de
Negativos, que está hecha de tela.
artistas ni de salas, solo hablaré de lo
Reitero que aunque no es una escultura
técnico y de su posición en el espacio de
la obra de Vélez, guarda una relación
exposición. Es algo caótica visualmente,
con Espejos estelares, porque ocupan
y creo que no responde ante las demás,
un
aunque es una instalación visualmente
ambas en el centro de la sala.
se
suele
escultóricas.
relacionar
con
obras
diagonal a ésta, se encuentra ubicada una escultura del artista Hugo Zapata Espejos estelares la cual está hecha de una materialidad o soporte distinto que
comparación
Zapata de
trabaja
Protagonistas
espacio similar. Se
encuentran
Atlas de Historia de Colombia - Entrevista
Ventana. Joaquín Restrepo. Hierro y Bronce Quisiera que esta obra escultórica de
cierta madurez en sus obras como es el
Joaquín Restrepo ocupara el mismo
caso de éste.
lugar de la obra de Marta Vélez. El
Hablando ya de la materialidad, podría
Museo de Antioquia está lleno de artistas
tener mayor relación con las otras obras
que tienen un gran recorrido, pero creo
escultóricas del espacio. Esta obra está
que
la
hecha de Hierro y bronce, un material
oportunidad a artistas emergentes, que
rígido. Donde la exposición tomaría un
han demostrado su trabajo en el interior
giro distinto.
puede
ser
posible
darles
del país como el exterior y que muestran
Atlas de Historia de Colombia - Entrevista
LUIS JAVIER AGUDELO. HAMILTON ALVAREZ TORRES
Verónica Lehner
Órdenes de colocación, 2012
Tema: Escultura.
Buenas tardes Hamilton: La oportunidad de haber entrevistado a la artista colombiana Verónica Lehner es de suma importancia para nosotros
como
estudiantes, ya que su proceso, durante y luego de la universidad nos ayuda a tener una
visión
podemos
más
amplia
abordar
una
sobre
cómo
infinidad
de
conceptos que corresponden a la relación que tenemos con el cuerpo y el espacio, independiente del contexto tanto social, como político. Durante una selección preliminar de artistas colombianos que abordaran la escultura, Verónica Lehner respondió a nuestro correo y aceptó realizar
la
entrevista
planteada hacer:
que
teníamos
Claro, con mucho gusto. ¿Quién es tu profesor de Historia del Arte colombiano? ¿Cuándo sería? La verdad me da igual que sea por skype o audio- quizás por Skype se entienda mejor?
Saludos y quedo
atenta, Verónica. Luego de acordar una cita, decidimos realizarla por medio de la grabación de mensajes instantáneos que permite realizar la aplicación móvil “WhatsApp”, primero porque
el
computador
no
rendía
lo
suficiente bien como para grabar una llamada vía Skype y temíamos de que la entrevista
no
quedará
registrada,
y
segundo la información y las preguntas se hacían más directas y amenas por dicha aplicación. Primeramente realizamos un
Atlas de Historia de Colombia - Entrevista
“El hábito, si no se resiste, se vuelve necesidad.” 2014-2016
UMBRAL 2016
Guión de preguntas que eran directamente
María Fernanda Cardoso. (1963) vive
vinculadas a su trabajo, debido a que
actualmente en Sydney, Australia. Olga Inés Arango vive actualmente en Medellín.
Habíamos hecho un previo análisis de su obra
por
medio
encontrábamos
de por
artículos
que
internet
y
principalmente de su página web.
Lista preliminar de artistas: Verónica Lehner.(1980) vive y trabaja entre Cali y Bogotá.
José Julián Agudelo mora vive actualmente en Medellín
David Peña Lopera vive actualmente en Bogotá. Iván
Argote
(Bogotá,
actualmente en París.
1983)
vive
Atlas de Historia de Colombia - Entrevista
Matías Quintero Sepúlveda (1980) vive
Esteban
actualmente en Bogotá.
Accedió luego cancelo.
Carlos Castro Arias vive y trabaja entre San Diego, Tijuana y Bogotá.
Zapata
ezvanima@gmail.com
Juan David Henao. Accedió
Rafael Gómez barros vive actualmente en
Información de los artistas
Bogotá.
seleccionado: Verónica Lehner Nacida en 1980 en Cali,
Esteban Zapata. (1989) vive actualmente
(http://veronicalehner.info/es/)
en Medellín. Juan David Henao (1987) vive actualmente en Medellín.
2007 - 2009 Weißensee Kunsthochschule
Artistas con los que nos pusimos en contacto:
Verónica Lehner. http://veronicalehner.info/ Accedió
María
EDUCACIÓN:
Maestría en Raumstrategien (Estrategias Espaciales) Berlín, Alemania. 2001-2005 Universidad de los Andes. Pregrado
en
Artes
Plásticas
Bogotá,
Colombia. Fernanda
Cardoso
studio@mariafernandacardoso.c om No respondió Rafael Gómez barro. http://www.gomezbarros.com/contacto No respondió
EXPOSICIONES INDIVIDUALES: 2013Topologías,
Casa
Proartes,
Cali,
Colombia/ 2009 mal dies, mal das, mal hier, mal da, Kunstraum Richard Sorge.
Berlín,
Alemania/
d(es)cubrir/ge(Schichten), Embajada de Colombia en Berlín. Alemania
2006
Atlas de Historia de Colombia - Entrevista
EXPOSICIONES COLECTIVAS ÚLTIMOS
Gallery. Berlín, Alemania/ 2010 échale
SEIS AÑOS:
salsita!, Projektraum Spielraum. Berlín,
20141ra Bienal de Arte Contemporáneo de
Alemania
Órdenes de colocación, 2012
Órdenes de colocación, 2012
Cartagena – BIACI. Cartagena, Colombia/
PREMIOS Y RESIDENCIAS ARTÍSTICAS:
2013 Variaciones Mínimas, Alianza
2013 BLOC – Becas Locales de Creación,
Colombo francesa. Cali, Colombia/ 2013
Proyecto: Variaciones Mínimas. Cali,
Nuevos Nombres, Museo de Arte del Banco
Colombia/
de
2012 Beca del Ministerio de Cultura
La República. Bogotá, Colombia/ 2013
Residencia/Taller, Proyecto: Órdenes de
Artecámara – ArtBo. Bogotá, Colombia/
colocación, Cooperarte. Bogotá, Colombia/
2012 No1. Shifting into Place, Buena Vista
2007 Pilotprojekt-Gropiusstadt, Proyecto:
Building.
Into
Miami, USA
The Rabbit Hole. Berlín, Alemania
2011 Emergente, Casa Entrerríos. Cali, Colombia/ 2010 Dump Art/ Kunst von der Halde,
Wildenbruch
Galerie.
Berlín,
Alemania/ 2010 Site Exploration. Golden Parachutes
EXPERIENCIA PEDAGÓGICA: 2012-2014 Universidad de los Andes, Bogotá, Colombia Prof. Escultura y Espacio Público
Atlas de Historia de Colombia - Entrevista
Variaciones mínimas, 2013
Variaciones mínimas, 2013
2012 Laboratorio: Instalación en Espacio
En muchas de sus obras vemos que
Público Artista invitado, EL
entabla una relación entre objeto, espacio y
PARQUEADERO, Museo del Banco de la
personas, ¿porque esto es importante
República,
Bogotá,
Colombia
2011
Universidad San Buenaventura, Facultad de Arquitectura Prof. Arte y Estética II (Taller de Lenguaje)
dentro de sus obras? ¿Cómo percibe el circuito artístico del ámbito local y qué es lo que más se envidia del ámbito exterior?
y Arte & Estética III (Arte y Contexto)
¿Cómo es la percepción de su obra en un
2011 Instituto Distrital Universitario Bellas
contexto más internacional?
Artes Prof. Escultura Prof. Estrategias Espaciales.
Teniendo en cuenta su estética artística, ¿considera que su obra es un proceso de
Guión de preguntas:
¿Cómo fue su paso por Berlín y que le aportó a su producción escultórica?.
investigación o cree que después de creada está de por si un fin? En cuanto a temáticas ¿qué le interesa?, ¿o las obras son resultado de temas mediáticos, o reflexiones de momentos
Atlas de Historia de Colombia - Entrevista
personales? ¿La escultura posee mucha
respuestas no fueron cerradas ni
más identidad como obra., desde el
puntuales, dicha entrevista se convirtió en
contexto que se plantea o es algo ya más
una charla directa sobre su trabajo y cómo
globalizado?
a partir de sus respuestas se establecen otras preguntas que no estaban en el
Dichas preguntas le fueron enviadas con
guión. Sin embargo, las respuestas que
antelación para que tuviese una idea previa
iba dando con gran
de cómo iba a abordar sus respuestas y
trabajo, estas se relacionaban con las
establecer, no un discurso previamente
preguntas que habíamos establecido
elaborado, sino, de cómo ir a lo largo de la
primeramente en el guión. Sin embargo,
entrevista,
su
para nosotros fue mucho más productiva
trabajo artístico y a su vez le aportará al
que la entrevista tomará este giro, ya que
mismo. Si bien, al inicio de la
las preguntas que habíamos hecho
obtener
reflexiones
de
amplitud de su
inicialmente se esclarecen y se generan otras preguntas que eran pertinentes con las respuestas, así que, la información suministrada por parte de verónica, fue mucho más amplia.
Link de la entrevista:
https://soundcloud.com/agudeloluis/entrevi staveronica-lehner
COLISIONES 15 110cm x 73cm Glicée print, chromed frame 2016
Entrevista con
fuimos
esquemáticos
las preguntas, debido a las
REALIZADO POR: CRISTIAN CAMILO MATEUS MOLINA SEBASTIAN FERNANDEZ VELASQUEZ
Atlas de Historia de Colombia - Entrevista
Buenos Aires Argentina.) Participando en DERROTERO ENTREVISTA A ARTISTA
exposiciones tales como el IV Salón de Arte
CONTEMPORANEO COLOMBIANO
Joven, Bogotá; La Rotonda y la Pinacoteca
TEMA: DIBUJO
Palacio de Bellas Artes, Caldas; Salón Nacional de Artistas Museo Universitario, Salón de Artes Plásticas Zonal
POSIBLE ENTREVISTADOS: José Antonio Suarez (dibujante, ilustrador) Kike Aguilar (artista plástico, dibujante, ilustrador),
Dairon
Molina
(dibujante,
Comfenalco, Sala Eladio Vélez del Palacio de Bellas Artes, Sala de la Cámara de
pintor).
Comercio, Sala de Arte Biblioteca Pública Artista seleccionado: KIKE AGUILAR (Carlos Alberto Aguilar) Artista
plástico,
Piloto, Medellín y Zona de Arte, Buenos Aires Argentina. Laboralmente ha fungido como docente en diversas instituciones es
dibujante,
ilustrador,
Antioqueño.
de mencionar Universidad Cooperativa de Colombia, Fundación Universitaria Bellas Artes
e
IDEARTES.
Actualmente
es
Apartado
docente en la Facultad de Artes del Instituto
En la ciudad de Medellín del año 1976 nace
Tecnológico
Carlos Alberto Aguilar, notable nexo de sus
Universidad de Antioquia en asignaturas de
estudios artes plásticas en la universidad
expresión, dibujo y pintura.
de
KxKx40@yahoo.com.ar
Antioquia
y
Camarografía
en
el
politécnico Jaime Isaza Cadavid cursando variados cursos se desempeña como ilustrador free lance a medida de que expande
su
formación
(diplomado
Mercadeo y Gestión de la Comunicación Publicitaria en la Universidad EAFIT, Medellín-Medios y Tecnologías para la Producción
Pictórica
en
el
Instituto
Universitario Nacional de Artes IUNA,
Metropolitano
y
de
www.flickr.com/photos/kikeaguilar https://soundcloud.com/cristian-camilomateus-58122258/entrevista-1-kikeaguilar-por-cristian-camilo-mateussebastian-fernandez
la
Atlas de Historia de Colombia - Entrevista
REGUNTAS
ABORDAR
EN
LA
ENTREVISTA: (Con previa aprobación del docente
Jonathan
Chaparro
,
expondríamos este documento al artista para
el
momento
de
la
entrevista
presencial, en función de desarrollar y especificar en diversos aspectos el trabajo a partir de la previa notificación a la revisión de sus trabajo. )
6. A propósito de la obra gripe mediática, la cual hace hincapié de la situación social presentada en el periodo de 2009-2010 en el cual el brote de la gripe porcina y la situación de sensibilidad a adquirir este virus es notable en todo Colombia, tomamos en consideración como influye esta actividad preventiva y las reacciones al virus en su obra?
1. Quien es Kike ( a través de su obra…? (Quien es)) 2. Opinión arte joven (arte actual su percepción y valoración) ¿cree usted que se puede llegar a correr el riego de todos querer pintar lo mismo? 3. En su instancia en el país de
7. Mirando otro de sus trabajos, una seria realizada en 2013, patologías geográficas, ¿se podría tomar gripe mediática como un 8. antecedente y quizá un referente para llevar a cabo la serie anteriormente mencionada, teniendo en cuenta eso de las problemáticas ambientales?
Argentina, cómo definiría la visión internacional del artista Colombiano. 4. Según su vida artística como considera
9. Háblenos un poco de su manifiesto. 10. En uno de los párrafos del manifiesto
usted que es visto el papel de artista
(“La idea de progresar, de avanzar, de
en Colombia?
alcanzar el éxito nos ha llevado a un aniquilamiento progresivo, lo
5. Es notable una postura crítica respecto
primigenio, los sensible y lo natural se
a la política en el avistamiento de su
nos ha perdido… es una idea perversa
trabajo de esta manera es visto este
que nos define a nosotros mismos. Nos
contexto como influyente cual
hemos excluidos de la naturaleza, del
mencionaría como el acontecimiento
cosmos y reconocemos que
de mayor impacto.
necesitamos comprendernos,
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incorporarnos a la idea de un todo que estimule un fluir, una manera de activar las conexiones, los rizomas”). ¿podríamos hablar de cómo estamos perdiendo las raíces, estamos olvidando quienes somos, quizá, así como Pablo Picasso volvió a retomar desde las máscaras africanas, a nosotros nos tocara empezar a relacionarnos con el arte precolombino?, ¿hay algo de ritualidad en sus obras? 11. Mirando uno de los trabajos desarrollados en la actualidad (teoría sobre la génesis 2016) y comparando un poco con su manifiesto, es notable como se convierte en un aspecto relevante la intromisión de políticas internacionales, la imposición de un modelo capitalista que rompe con el equilibrio de sostenibilidad y, en general, como afectan nuestras decisiones a las demás especies. ¿Cómo describiría usted las condiciones sociales, como una herencia o como una consecuencia?, ¿ podríamos hablar del trabajo de Kike como una serie, es decir, las propuestas anteriores van conectando y dando pie para futuras propuestas.
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Gripa mediática Kike Aguilar,Acrílico sobre lienzo.
Candidato único al recuerdo
13x18cm.
Kike Aguilar
2009
Atlas de Historia de Colombia - Entrevista
Aplicación del trabajo como tal:
y trayectoria estableciendo una hoja de ruta la cual notablemente, revindica situaciones
En la experiencia exploramos un campo no
que si bien se ubican en escenarios
tan recurrido como lo es el interaccionar
sociales,
directamente
bien
alrededor de lo que establece el cómo
teníamos consolidad nuestra propuesta del
momentos en la historia, comprendiendo el
ejercicio de la entrevista que radica en la
trabajo como un análisis a su obra y
intervención
trayectoria.
con
y
el
artista,
afectación
si
directa
del
entorno y el contexto social con el artista, siendo así Kike el artista seleccionado iniciamos en una primera mirada de su obra
promueve
una
reflexión
en
Atlas de Historia de Colombia - Entrevista
Cabe señalar la gran importancia del uso y
en algún momento, es así como de esta
la intervención de nuevos materiales,
manera presentamos a Kike como un
haciendo presente un gesto añadiendo
artista que asume un rol político y
nuevas superficies y el uso de lo que atrae
ciudadano.
visualmente
al
espectador
como
herramienta para comunicar o transmitir un mensaje, justificando su actuar Kike en la entrevista desarrolla temas como lo es la visión local e internacional del artista colombiano manifestación
haciendo en
presente
una
territorio
y
reconocimiento. Es así como visualmente presenta un gesto partiendo del uso de una dialéctica, en lo que corresponde la imagen y la letra, si bien en la narrativa que constata la producción de su obra es netamente una postura frente a la sociedad
Atlas de Historia de Colombia - Entrevista
Atlas de Historia de Colombia - Entrevista
Laura EstefanĂa Moreno Morales Edwin Cortes Villegas
Atlas de Historia de Colombia - Entrevista
caucho en silicona alemana y látex. Alonso Zuluaga
Florentine
Craftsman,
restauración,
Talla
en
New
york,
madera
con
Relaciona la vida, la acción y la existencia
enchapado en laminilla de oro. Golden
por medio de su trabajo performático para
Oldies, New York, 2005. Esto es relevante,
él las problemáticas que atañen al ser
pues
humano, globalmente no difieren unas de
técnicas siempre ha desarrollado su obra
otras, esté donde quiera que se halle, más
bajo la luz de la performance, varios artistas
que vivir es vivido y constantemente entra
de su generación realizaron obra dentro de
en situaciones que merecen estudio. ¿Qué
la
hay más amplio que el arte para expresar
mantuvieron esta disciplina como forma de
la vida?
vida.
Para Alonso los conceptos de muerte,
De
violencia, política, cuerpo; son parte de
internacional Alonso Zuluaga es un
aunque
ha
performance
gran
estudiado
pero
trayectoria
diversas
muy
pocos
nacional
e
este eterno presente y así el asombro de cada día como la contemplación nos permite ampliar la mirada desde el mundo del
arte
y
plantear
propuestas
que
Referente para el arte de acción en
conmocionen a los otros desde los afectos
Colombia y Latinoamérica, ha participado
y el sentir.
en la exposición de (Pintura,Greenbery
Zuluaga es una artista del performance, o
Ran Naumann gallery, Nueva York, 2001,
como él lo denomina, arte de acción, su
encuentro de performance internacional,
formación es de Maestro en Artes plásticas
Ex - teresa Arte actual, México DF. 1999,
de la Universidad de Antioquia 1999,
participación en el 37 Salón Nacional de
además tiene estudios en dibujo en el
Artistas, Conferías Bogotá. 1998, invitado
Instituto Universitario Bellas Artes Medellín,
por
Colombia, 1990, estudios de pintura con el
Apexart .Org, New York, para ser jurado
Maestro Roel Vanderkoy, New York. 2003,
internacional de su convocatoria, 2016,
escultura, moldeado y moldes. Técnica
invitado a Buenos Aires, Argentina, Arte
bronce, marmolina y terracota. Florentine
interdisciplinar, escultura en madera para
Crafstman, New York. 2006, moldes de
una acción política. 2014, participación en
Atlas de Historia de Colombia - Entrevista
la
Segunda
Bienal
de
Performance,
experiencias nacionales e internacionales
DEFORMES, Santiago de
como artista, jurado, curador, esta faceta
Chile, 2008), y así una larga lista de
de educador de nuevos creadores en el
participaciones, obras, curadurías, jurado
tema del cuerpo y el espacio y su
en diferentes partes del continente y
permanencia
Colombia.
performance.
También su desempeño como docente en
Entre
instituciones como (Instituto Tecnológico
inicialmente
de Medellín,
perfomancia en Colombia se encuentran:
Facultad
de
Artes,
Universidad
Artes, Medellín, Educación Museo de Arte Moderno, MAMM, Medellín 2012. Taller de escultura y modelado para personas en visual,
Universidad
artistas frente
continuidad
que al
en
la
contemplamos tema
de
la
de
Antioquia, Fundación Universitaria Bellas
discapacidad
los
y
de
Calafia Piña Violeta Ospina Daniel Santiago Marilyn león (investigación en performance)
Antioquia, asesor de integrado y grado,
Alfonso Suarez
Politécnico, Jaime Isaza Cadavid, Medellín,
Ricardo Urrego
Antioquia. Diseño de escenografía para
Úrsula Ochoa
eventos. 2010), dan a entender no solo su
Paula Usuga
recorrido como artista sino como docente siempre ligado a las artes performáticas, un enfoque diferente que lo vincula a procesos de formación de futuras generaciones de
Angela María Chaverra Brand (Directora del Taller Corporal Colectivo Artístico el Cuerpo Habla)
artistas lo que le permite entender de primera mano lo que está sucediendo
Guion entrevista:
dentro de las academias. ¿Qué significa para usted el perfomance? Nuestro
interés
particular
en
Alonso
Zuluaga es justamente esta mezcla entre un
recorrido
de
más
de
20
años,
¿Cuándo decide convertirse en un artista performer?
Atlas de Historia de Colombia - Entrevista
¿Por qué tomar el lenguaje del perfomance para desarrollar su obra, sabiendo que cuenta con conocimientos en otras áreas como la escultura y la restauración? ¿Cómo relaciona estos saberes? ¿Qué
significo
para
usted
links de interés acerca de la obra de Alonso: https://www.youtube.com/watch?v=XX1i_V d2QA0
la
obra
Prolongaciones? ¿Qué cambio observa entre esta obra y ojito de agua?
https://www.youtube.com/watch?v=NMl1F GNdhr4 https://www.youtube.com/watch?v=LfKf0a
¿Qué significan para usted elementos
Ni2O8
como el grito y el tránsito en sus obras (quimera de un sueño latino, ni un paso en
Para nosotros fue satisfactorio los aportes
falso, grito a cielo abierto)?
recibidos tras la entrevista con el artista, ya
¿Qué artistas han influenciado su trabajo?
que nos permitió tener un acercamiento
¿Por qué cree que se deba seguir haciendo
desde su perspectiva frente al lenguaje del
performance en Colombia?
perfomance
¿Qué importancia tiene para usted enseñar
percepciones que aunque subjetivas son
a jóvenes universitarios la relación del
valiosas de análisis.
cuerpo y el espacio? ¿Consideraría usted que el cuerpo es lo más político que tenemos? ¿Por qué? ¿Qué relación encuentra entre el Arte en acción
nacional
internacional?
y
el
panorama
en
la
ciudad
y
otras
Atlas de Historia de Colombia - Entrevista
Manuel Atencia Omar Gallego
Atlas de Historia de Colombia - Entrevista
Listado de artistas que consideramos posibles entrevistados
Los siguientes Artistas fueron el resultado
transformarse en las diferentes etapas de
de un proceso de búsqueda en sitios web
su vida. En un proceso posterior, se
recomendados desde el curso de Historia
Interesa por la botánica, especialmente por
del Arte Colombiano, si bien no todos estos
las plantas en vía de extinción. Ambas
artistas
tienen
búsquedas lo han conducido al empleo de
esta
métodos científicos para hacer el quite a
son
direcciones
conceptuales estéticas
y
diferentes,
selección nos ayudo para encontrar el
una realidad que intenta verificarlo todo.
artista apropiado para la realización y
También es importante señalar que Edwin
desarrollo de la entrevista.
no limita su trabajo a la ejecución técnica:
Andrés Valles, Edwin Monsalve, Diego
introduce el concepto contemporáneo de
Piñeros, Oriana Marín, Laura Trujillo, Juan
tiempo en sus trabajos, y al valorar el
Guillermo Tamayo, Andrea Acosta, Cesar
tiempo
del Valle, Santiago Leal, Ivan Argote,
transformación de la materia, evidenciando
Leonardo Ramos, Kevin Mancera.
con
Artistas
perceptivas y, desde luego, la importancia
con
los
que
establecimos
ello
también nuevas
está
valorando
constantes
la
estético-
contacto.
dada al proceso, obteniendo de esta
Oriana Marín.
manera, según sus palabras, "una especie de
http://orianamarin.hotglue.me
categorías paralelas entre ambas
disciplinas, arte-ciencia, realidad-ficción".
Santiago Leal.
En el desarrollo posterior de su trabajo, el
http://www.santiagoleal.com
tiempo se constituye en el eje conceptual.
Edwin Monsalve.
Para el caso particular de las plantas en vía
https://www.behance.net/edwinmonsalve
de extinción, como ya lo mencioné, se
En sus indagaciones plásticas, Edwin
apoya en los métodos propuestos por la
Monsalve toma como punto de partida los
Expedición Botánica y en los aportes de
fenómenos orgánicos de los insectos,
botánicos locales e internacionales que lo
particularmente mariposas,
por
el
ciclo su
vital
de
las
asesoran en la identificación de dichas
capacidad
de
especies y en la extracción de pigmentos
Atlas de Historia de Colombia - Entrevista
de las plantas, con los que posteriormente
en vía de extinción, a partir de eso generar
dibuja sin fijar, lo que Implica que también
una reflexión.
los
dibujos
presentados
se
van Yo recuerdo muy bien una profesora en la
extinguiendo con el tiempo8.
universidad, Gladys Ramírez decía que los artistas éramos tres cosas: Filósofos,
Entrevista maestro Edwin Monsalve.
comunicadores y humanistas, es decir
Estamos acá con el maestro Edwin
pensar esas tres palabras relaciona lo que
Monsalve, diseñador gráfico y Artista
uno como artista puede realizar, un artista
Plástico de la Universidad de Antioquia, uno no va a cambiar el mundo pero si se ocupa de los artistas contemporáneos que ha de los asuntos del mundo. Los procesos venido figurando en el arte local y nacional. científicos en esta obra está más ligada a la parte estética, pero un interés real científico 1. ¿Cuál es la relación de su obra como tal no lo hay, mi papel está más en el “Expedición-Extinción” (imagen 1) con de ser artista y no científico. la naturaleza?, ¿Tiene alguna relación con
intereses
o
investigaciones
2. ¿Cuáles son sus mayores referentes y qué ha tomado de cada uno de ellos?
científicas?
E.M: Pues mira, evidentemente si tiene que E.M: A lo largo de estos diez años que he ver con la naturaleza, y más como esa venido trabajando como artista han ido desapareciendo sumándose muchos referentes, no podría lentamente. Entonces digamos que todo el decirte puntualmente cada uno de ellos, proyecto lo formulo a partir de esa idea de digamos que cada proyecto (10 proyectos) naturaleza
está
la desaparición, pero además retomando el tienen a su vez una cantidad de influencias proyecto de La Expedición Botánica, del no solamente artísticos, sino también de cual venían a registrar un nuevo mundo y vivencias, de encuentros en algún lugar. querían de narrar gráficamente lo que Entonces, más que referentes yo hablaría descubrían. En este caso yo actúo como un de procesos, procesos que me han explorador, pero para buscar esas plantas enseñado a entender muy bien las lógicas que ellos ilustraron que hoy en día estaban
gramáticas dentro del arte, las lógicas
CONRADO URIBE. Edwin Monsalve: “Prototipos para una naturaleza rehabilitada”. 2014.
Consultado el 09 de octubre de 2016. Disponible en: http://www.galeriaelmuseo.com/archives/7549/
8
Atlas de Historia de Colombia - Entrevista
formales dentro del arte, las lógicas del
con el que uno lo asuma, es decir,
pensamiento.
formalmente
Los nombres que voy a decir pueden que
diferencias entre mi obra y muchos artistas
no tengan una influencia estética dentro de
de mi generación, pero yo creo que si hay
mi
trabajo,
pero
metodológicamente
conceptualmente han
tenido
podrían
haber
muchas
y un compromiso real con la producción
una
estamos en la misma línea de ese
influencia decisiva en todo lo que he podido
compromiso investigativo y de producción
realizar hasta ahora, podría hablarte de
constante, eso sí es muy importante. Yo
Oscar Muñoz, porque me interesa mucho el podría decirte que de mi generación hay dibujo y la forma de acercarse a los
compañeros que se han quedado en el
materiales, a la investigación, lo mismo
proceso, pero esa no es una diferencia,
podría decir de Doris Salcedo por sus
simplemente
se
quedó
pausada
su
procesos completamente claros y de las producción, su capacidad de reflexionar que más me ha enseñado en el sentido de
sobre esos asuntos y de actualizar la obra.
la producción, ¿quién más? Miguel Ángel
Cuando uno inicia en artes, inicia con una
Rojas, digamos más allá de eso me
visión muy poética del arte clásico, barroco,
interesan los procesos deconstructivos de
de este tipo de arte que nos atrae pero que
la pintura llevados por Anselm kiefer, en la
necesariamente tenemos que actualizar, y
escultura me gusta mucho Richard Serra,
es en esa actualización donde se empieza
Anish Kapoor. Entonces como ves son
a decantar la producción artística, y
unas
puntualmente yo creería que es eso lo que
influencias
conceptuales
más
que que
yo
las
llamo
estructurales, puede diferenciar mi obra de otros que se
porque mi obra no se acerca tanto en su
han podido quedar estancados, y es la
forma estética a la de estos referentes, pero capacidad de reinventarse, de actualizar la si en el proceder o la metodología
obra, de hacerla ver con los filtros de la
investigativa que ellos realizan.
contemporaneidad.
3. ¿Qué lo diferencia de otros artistas de 4. En su opinión, ¿Cuál cree que es la su generación?
responsabilidad
E.M: No sé qué nos diferencia, yo creo la contemporáneo producción del arte está en el compromiso
del con
artista
respecto
desarrollo de la historia del país?
al
Atlas de Historia de Colombia - Entrevista
E.M: Yo creo que el ejercicio creativo del artista debe ser desligado de cualquier tipo 5. ¿Considera que el Arte Colombiano es de compromiso, asi hablemos del arte
conceptual?
político, social y todo este tipo arte que
E.M: Yo creo que el Arte ya no está para
empieza a ser encasillado, pero que si nos
clasificarlo
damos cuenta son nombramientos que le
Conceptual. El arte en general es una forma
hacen un grupo de artistas de obras a partir
de pensamiento que genera reflexiones y
entre
Figurativo,
Abstracto,
de la validación que da el tiempo, entonces comunicaciones, y que necesariamente la historia es una recopilación de datos o
todo arte contemporáneo tiene que ser
sucesos en el que han coincidido muchas
conceptual. Porque ser conceptual no es
personas en decir que es un hecho
nada más allá que puntualizar dentro de la
importante, mentiría yo si te digo que tengo
estética, dentro del arte, el desengrosé de
un compromiso con la historia del país, yo
una idea particular, ahí es cuando me
tengo un compromiso conmigo, con mi refiero a ese llamado a ser filósofo, yo creo producción, y se compromiso esta filtrado que conceptualizar es saber filosofar sobre por parámetros del arte contemporáneo,
una idea, si vemos en la historia del Arte, si
porque es mi interés estar ahí, yo creo que
bien hubo un movimiento donde se generó
es el resultado en el tiempo de ese
el pensamiento y la obra no existía más allá
compromiso propio el que va decidiendo si
de lo efímero del pensamiento, de ahí en
hablo o no de una historia del país, es decir
adelante marco claramente lo que debía
todos somos propios de un lugar. Y si uno tener una obra contemporánea, y era un tiene notoriedad en el medio finalmente va
sentido más allá de la estética visual, una
a tener notoriedad el lugar de origen de
reflexión que tocara al otro de alguna forma,
uno, lo que sí puedo decirte es que no
en esa medida Colombia está muy bien en
particularmente todas mis obras parten de
el arte conceptual, y si está bien es porque
una historia propia Colombiana o de
los artistas están reflexionando sobre
Medellín, sino que me ocupo de asuntos asuntos puntuales de una idea, en artes la que teniendo una localización cercana
definimos como concepto. Si filosofamos
también pueden tener repercusiones en
sobre esos conceptos y el resultado es una
otro tipo de lugares o países, buscando esa
obra, bien sea el formato que sea, la técnica
universalidad del arte.
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que sea, estamos trabajando sobre el Arte
conceptuales, investigativos que tenía,
conceptual.
empezaba a mutar esa idea, pero era una cosa que el mismo trabajo me lo iba
6. ¿Cuál es el proceso de creación de pidiendo. De ahí en adelante nunca más sus obras?
tuve que pensar en hacer una obra, sino
E.M: Cuando yo inicie la universidad quería que tuve que pensar como conectar esos generar imágenes, porque creía que el arte puntos que iban saliendo a flote y que ya era representar, de hecho toda mi primera
tenía recopilados en mi memoria, en el
producción tuvo que ver con ese sentir. A
momento que pude canalizarlos empecé a
medida que iba avanzando en el trabajo
ser artista. Porque entendí una forma de
empecé a encontrar conexiones de cosas
producción, y además que he querido
que me gustaban, que coleccionaba, datos
retarme a cambiar el formato, a cambiar la
que me encontraba, y después me di estética para no repetirme. cuenta que son como unas especies de ríos que conducen a un gran río, esa es mi
7. ¿Cuál de sus obras lo representa
forma de creación. Yo parto en primera
mejor? ¿Por qué?
instancia de un hecho particular que queda
E.M: No sabría a ciencia cierta cual me
grabado, y después empiezo a ver cosas
representa mejor, es decir, hay unas obras
por otras partes y empiezo a conectar que han sido mucho más visibles que otras, puntos, es decir, es como poner un velo
hay obras que comercialmente han sido
delante de los ojos de uno y sustraer toda
mucho más efectivas que otras, y hay otras
la realidad paralela, y empezar a ver esos
obras que son las que más me han
hechos que le interesan a uno, y como se
enseñado en el proceso como artista.
repiten en el tiempo. La primera obra que
Entonces les voy a hablar puntualmente de
yo creí haber pensado para realizar que se
las que me han hecho artista, las que
llamó Metamorfosis (imagen 2), finalmente considero que han influenciado o han no termino siendo lo que tenía bocetado en
marcado un punto de no retorno en mi
mi libreta, termino siendo una construcción
producción. La primera de ellas, la llamo mi
temporal, es decir, a medida que iba
Mona Lisa es Metamorfosis, metamorfosis
realizando cada proceso, que iba siendo
me enseño que era producir una obra, (de
consciente de los procesos técnicos, lo que me arrepiento es haberla vendido),
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hoy la veo, y toda la producción que he
y en esa medida no saber lo que se está
hecho hasta hoy en estos diez años la
haciendo es donde yo creo que permanece
puedo ver contenida en esa obra, ha sido
el arte, cuando uno ya sabe el resultado
muy satisfactorio para mí. Podría hablar de
final desde el momento en que se sienta a
Expedición-Extinción, fue un proceso muy realizar
algo,
ahí
ya
no
hay
un
interesante de 4 años, que me enseño a
acontecimiento creativo sino reproductivo,
esperar, y que de alguna forma fue uno de
y siempre estoy buscando más ese acto
los proyectos más visibles porque lo hice
creativo, hasta ahora son esas.
posible gracias a la invitación del Museo de Antioquia en el encuentro internacional de
8. En el caso de Naturaleza y Artificio
Arte en Medellín. Podríamos hablar de Sala (imagen 5) ¿Cuáles son sus estrategias de Rehabilitación (imagen 3), que es la obra para conectar con el público y hacer que del árbol, en este caso marco una escala,
su obra sea comprendida?
es decir, me enseño que podía hacer cosas
E.M: No me interesa tanto que la obra sea
grandes y que había un camino ya trazado
comprendida, de hecho
en ese sentido. Finalmente yo creo que la
Artificio fue una especia de crítica a esa
Naturaleza y
obra con la que me gane la cuarta bienal de forma de acercarse al arte, eran elementos artes
plásticas en
Bogotá,
se
llama
ordinarios que podíamos ver en cualquier
Narcisos (imagen 4), una instalación en lugar, que no tenían un sentido estético, los blanco y negro, fue donde reconocí a
dispuse en un espacio y se podría decir que
Metamorfosis, como había mutado toda
fue mi primera instalación, todo era un acto
esa reflexión de esa primera obra que hice
pictórico en general. Yo quería realmente
estando en el quinto semestre de la
cuestionar al público. No decirle “vea mire
universidad, y verla todavía presente en
que esto es una pintura y esto es una cosa
esta obra, además de una escala humana,
real”, sino exigirle que debe tener un
esta obra tenía diez metros de profundidad, visitante cuando va a una exposición, tres metros y medio de ancho, dos metros
cuando
uno
es
artista
genera
un
treinta de alto, un grado de complejidad
compromiso de pensamiento, y asi como un
muy alto para mí. Yo creo que son las obras medico o un ingeniero estudia tanto para que más me han enseñado, porque me han
poder dar buenos resultados, en el arte
retado a hacer cosas que no sabía a hacer, debe ser exactamente igual, uno tiene que
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exigirle al público, y el público es el que objetivo, el que la ve, el que no le gusta, el debe o no conectarse. En esa medida, yo
que le gusta, es decir, uno no puede
creo que lo mejor es no explicar la obra,
controlar quien la ve o a quien le puede
dejar que la sientan, y con toda seguridad a gustar o no, entonces si hay un público la mitad le va a gustar, a la otra mitad no le
objetivo no lo he pensado en este
va a gustar, esa es la dinámica que permite momento, me interesa la comunidad en el arte, que se puedan generar esos general. diálogos, y yo se que quien se pueda conectar con la obra, dialogar y entenderla
10. ¿Qué aspectos cree que debe tener
se genera una segunda pregunta, cuando
en cuenta un artista joven que quiere
se devuelven a ver si es verdad que una es
dedicarse como artista productor?
natural y la otra pintada, es la pregunta que
E.M: Yo no sé puntualmente que aspectos,
me interesa, la que hace que la persona
pero uno de ellos es el compromiso,
reflexione, es decir, yo se que las personas
creerse su titulo, su carrera. Es decir, ser
cuando salieron de esas exposiciones
artistas es igual de complejo que ser
entendieron cual era el problema de la
ingeniero, científico o medico. El que no lo
naturaleza y como vivíamos con elementos
haga no está asumiendo su papel de ser
que
que
artistas, un artistas va mas allá de
realmente eran artificiales o muchas otras
reproducir, un artista genera pensamiento,
reflexiones.
critica. Lo que yo creo que debe tener es
creíamos
naturales,
Realmente
no
pero fue
una
estrategia comunicativa.
ese
compromiso,
ese
interés,
estar
informado, darse la oportunidad de ir a ver 9. ¿Cree que su obra tiene un público
una exposición que no le gusta, ver cosas
objetivo?
que no le gustan, para que si bien no le
E.M: No sabría decirle si hay un público, es
guste, en definitiva pueda ver de qué se
decir, cuando uno en un proyecto, por
trata, debe tener la capacidad de ver lo
ejemplo de becas de creación, le dicen cual
bueno y lo malo, tomar la decisión de seguir
es el publico objetivo de su obra, eso es tan
el camino que quiera seguir, pero no
relativo que yo creo que no lo deberían
desconociendo todo lo otro que pase
preguntar, es decir, uno genera este tipo de
alrededor, independiente de que le guste o
reflexiones y el público siempre va a ser
no le guste.
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Yo creo que es el compromiso de mantenerse actualizado de la producciรณn de los otros artistas y de creerse su titulo, si uno no se cree artista nadie se va a creer por uno, asumir ese papel como una profesiรณn cualquiera.
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Rober William
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Listado
de
artistas
inicialmente
Medellín, Hugo considera que en este lugar tuvo la oportunidad de obtener su grado
seleccionados:
profesional mediante las enseñanzas de Sebastian Benjarano
Garcés y las prácticas en su estudio. Hoy
Juan Caicedo
posee más de 500.000 mil negativos de
Juan Orrantia
todos sus trabajos.
Javier Mauricio Vanegas Torres Actualmente es director de la CNCCS
Aleida Andrea Martinez
Corporación Nacional de Cine Casa del sol
Espinel & Caicedo
desde allí promueve un trabajo social
Erika Diettes
mediante el montaje de producciones
Paola Rojas
audiovisuales y la enseñanza de fotografía
Hugo Gris
análoga. Artista para ser entrevistado:
Obra: La tristeza de los juguetes.
Hugo Gris
Este proyecto de investigación parte de la experiencia ocurrida en un periodo de su
Nace en Medellín en 1973, es criado por su madre
quien
económicos
le
carente provee
de la
recursos educación
primaria, sus esfuerzos por continuar su educación
le
permite
terminar
la
secundaria, luego inicia estudios de música en bellas Artes, decide abandonar sus estudios para emprender la fotografía análoga como autodidacta, durante sus recorridos
por
diferentes
empleos
colecciona imágenes de los eventos que le sugieren alguna pulsación o simplemente la necesidad de obturar su cámara. Conoce a Fernando Garcés quien posee un taller fotográfico reconocido en la ciudad de
vida en el cual se encontraba trabajando, aparece en partes separas y en diferentes lugares, una muñeca, que le posibilita reflexionar sobre esos niños y niñas ausentes que son personificados por sus juegos, y estos artefactos
tienen la
capacidad de transmitir las experiencias de sus dueños revelando la vulnerabilidad del infante, su fragilidad y exposición al abuso. Luego de llevar la muñeca con él durante varios años, Hugo la emplaza en diferentes espacios arquitectónicos y realiza la toma fotográfica.
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Guion Para la entrevista: ¿Quién es Hugo Gris? ¿Cómo empezó en el mundo de la
¿Cuál es tu interés al emplazar el muñeco
fotografía?
en los espacios arquitectónicos?
¿Cómo fue su experiencia en estudio de Fernando Garcés?
¿Quién es este personaje en las imágenes finales? ¿Cómo podemos entender tu forma de
¿Cómo te ves inmerso dentro del arte en
producción?
Colombia y el arte internacional?
¿Cómo te ves inmerso dentro del arte en Colombia?
¿La
tristeza
momentos
de de
los
juguetes
reflexión
evoca
ante
el
desplazamiento y la violencia, ¿ Cómo se transforma esta propuesta en generador de esperanza?
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DIEGO ALEJANDRO RIVERA VELEZ DANIEL VALENCIA GOMEZ
Atlas de Historia de Colombia - Entrevista
ENTREVISTA ARTISTA INSTALACION: Posibles opciones: Paulo Licona María Buenaventura Gustavo Toro Matilde Guerrero Juan Fernando Herrán Fredy Alzate Juan David Henao
Artistas con mayor posibilidad de entrevista – investigación: Fredy Alzate: http://fredyalzate.com/exposiciones Es maestro en Artes Plásticas de la Universidad de Antioquia y en el 2006 se graduó con un Magíster en Artes Plásticas y Visuales de la Universidad Nacional de Bogotá. Ha realizado diversas exposiciones individuales en Colombia y ha participado en exposiciones colectivas como Artecámara de la Feria de Arte ARTBO, Bogotá (2010); Corte 50 en el Museo de Arte Moderno de Medellín (2009) y el Segundo Salón de Arte Bidimensional, Bogotá (2005). Su obra se encuentra en colecciones nacionales como la del Banco de la República y la de la Fundación Gilberto Alzate Avendaño (Bogotá) y las del Museo de Antioquia y Museo de Arte Moderno (Medellín). Las contradicciones arquitectónicas de las ciudades latinoamericanas y sus dimensiones 9
Roldán Oscar, Fredy Alzate. Recuperado de: http://43sna.com/artistas/alzate-fredy/
simbólicas son un tema importante de las instalaciones y dibujos de Alzate, donde revela las tensiones de las urbes contemporáneas. Vive y trabaja en Medellín.9 Primera propuesta de Preguntas: 1. ¿Cuáles han sido y son sus principales referentes, tanto teóricos como productores? 2. ¿Cuáles fueron las principales causas que generaron el cambio de lo bidimensional a lo tridimensional (Serie Anegados en su producción artística? 3. Al ser un artista que interviene en el espacio, ¿Cómo plantea la relación de sus obras con el público? 4. ¿Tienen sus obras una intencionalidad específica con un espacio o pueden ser montadas en cualquier espacio expositivo? 5. Cuando se menciona su obra, siempre se hace referencia hacia lo arquitectónico, ¿Cree usted que estas referencias son acertadas? y si es así, ¿Qué es lo que le interesa de los espacios arquitectónicos en relación a lo escultórico? 6. ¿Cree que salir del país (refiriéndose a esto como por ejemplo Residencia en el exterior) es importante para el desarrollo como artista? 7. Al estar relacionadas sus obras con los espacios marginales ¿De qué manera cree que ha beneficiado este tipo de lugares?
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8. ¿Cómo es su relación con el circuito artístico local? ¿Alguna vez ha sido su obra, en relación a la escultura o instalación, causa de debate o polémica? Por ejemplo Lugares en movimiento 9. ¿Considera usted que hay una relación entre su trabajo pictórico y su trabajo escultórico? 10. ¿Cómo proyecta su obra en un futuro cercano?
Juan David Henao (Medellín, 1987) Maestro en artes plásticas de la Fundación Universitaria Bellas Artes; actualmente es docente de esta universidad. Algunas de sus exposiciones más destacadas son: ACADÉMICA 09, Museo de Arte Moderno de Medellín (2009); Taller de construcción, MDE11, Museo de Antioquia (2011); Solo Project, PARC, Museo de Antioquia (2015-2016); Fuste, Galería LOKKUS, Medellín (2015); SETBA JOVE, Fundación Setba, Barcelona (2016); Nuevos talentos en el arte, Cámara de Comercio de Medellín (2016). Ha trabajado por varios años con los ceramistas del Carmen de Viboral, municipio ubicado a una hora de Medellín lugar donde la cerámica es un oficio imprescindible y donde se forjaron las relaciones socioculturales de esta labor. La cerámica y el maíz símbolos recurrentes en Latinoamérica hacen parte de los intereses artísticos en la producción escultórica de Juan David Henao. 1. ¿Cuáles son las principales características que usted considera dentro de su producción artística?
2. ¿Cuál es su posición frente a las nuevas formas de arte y los cambios dentro del mismo campo de la escultura y la instalación? 3. ¿Cuáles son los principales referentes dentro de su formación como artista? 4. ¿Cuál considera usted su principal motivación a la hora de la producir una obra? 5. ¿En qué momento y por qué motivo decide usted decantarse por el arte tridimensional?, es decir por el arte que implica una relación directa con el espacio. 6. Es evidente dentro de su trabajo artístico una relación directa con la naturaleza y las formas de apropiación del hombre de la misma, ¿a qué se debe este interés? 7. ¿Que considera usted lo más impórtate dentro de su obra hasta la fecha? 8. Igualmente ¿Cuál considera usted ha sido su más importante exposición dentro de la ciudad de Medellín? También 9. ¿Cómo cree usted que ha sido la recepción del público frente a su obra? 10. ¿Que considera usted importante dentro de lo que se hace ahora en el campo delas artes en la ciudad?
El proceso de la entrevista con los diferentes problemas que acarreo se logró concretar finalmente dentro del
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ámbito local con uno de los más
tesis,
importantes
precisamente estaba pintando grandes
artistas
de
la
escena
dado
que
durante
época
cultural en la ciudad. Fredy álzate,
formatos
escultor, pintor, dibujante, instalador, y
condiciones del territorio urbano pues que
maestro
la
era lo que yo podía experimentar aquí en la
Universidad de Antioquia fue el artista
ciudad de Medellín , ya en el tiempo
con
digamos de acuerdo a los
el
en
Artes
cual
Plásticas
se llevaron
de
diferentes
intentando
esa
expresar
las
libros que a
diálogos entorno a su obra y al arte
tenido mi proceso, pues ha habido otros
colombiano de los últimos tiempos.
teóricos
que
se
han
vuelto
muy
importantes, cuando hice la maestría en 1. ¿Cuáles han sido y son sus principales referentes, tanto teóricos como productores?
producción artística en la universidad de Bogotá, fue muy importante estudiar toda la filosofía francesa, Deleuze, Watari, Derrida, Didi-Huberman, fueron como unos filósofos
-De acuerdo a diferentes investigaciones
que me facilitaron comprender más la
estos han ido variando, pero teóricos me
posmodernidad y yo en ese momento
intereso bastante digamos en la época de
estaba en una etapa importante de la
formación
Gaston
investigación queriendo activar preguntas
Bachelard, Michel Serres, Italo Calvino, y
más desde el ámbito escultórico, desde el
critica en general sobre artistas que me
arte
interesaron
sobre
contextual, entonces digamos que fueron
expresionismo alemán sobre todo, pues
pues como fundamentales y a nivel formal
digamos que fueron fuentes importantes
desde
para la tesis de pregrado, en esa época
movimiento
dentro de la práctica artística me gusto
escultores británicos, los estudie mucho,
bastante todo el movimiento del neo
Tony Cragg, Richard Wenworth, también
expresionismo alemán , principalmente
algunos artistas povera, me gusto bastante
Anselm Kiefer. La reflexión sobre territorio,
en
paisaje a través de las formas en las que se
integrando como materiales reciclados, de
construía la pintura, pues digamos que
segunda mano, materiales digamos por la
fueron ampliamente revisados durante mi
fuerza de lo natural, entonces, algunos
en
la
en
universidad,
esa
época
contextual,
ese
la
en
práctica de
los
momento,
general
artística, jóvenes
dado
que
un
todo
arte
el
artistas
estaba
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artistas povera que me acompañaron en
termine digamos la carrera con una tesis en
ese proceso también de entender el
pintura, vi que todavía tenía posibilidades,
problema de la escultura, de la materia, el
pero durante cuatro años digamos que le
espacio, durante ese periodo de formación
saque rendimiento a esa tesis, hasta que se
en la maestría que fue entre el 2004 y el
fue como agotando, fueron demasiadas
2006.
pinturas
ya
mencionabas vestigio y
sobre,
la
serie
que
como Anegados, Agua
bueno habían latentes unas
preguntas sobre el objeto el espacio, ya los objetos que tenía en mi taller que eran 2-
referencia para las pinturas, me empezaron
¿Cuáles fueron las principales causas
a inquietar ,cierto, desde sus condiciones
que
lo
materiales, por qué los escogía, porque se
bidimensional a lo tridimensional (Serie
volvían referencias para las pinturas,
Anegados) en su producción artística?
entonces
generaron
el
cambio
de
cuando
me
presente
a
la
maestría quise hacer un cambio total, pues -Bueno, resulta que cuando yo estaba en
primero cambiar de ciudad , irme a otro
mi proceso de formación en la universidad
centro académico, la universidad nacional
de Antioquia, tenía inquietudes por el
de Bogotá y segundo cambiar totalmente
espacio, pues de alguna manera siempre
mi proceso de investigación para la
había trabajado la pintura y, no se tuve una
creación
oportunidad de hacer una pasantía en
propuesta en el ámbito escultórico, fui
España a través de la universidad de
aceptado y durante el proceso fue como
Antioquia,
aprender un poco de la materia, el espacio,
y
desiste
como
de
unos
,
entonces
presente
una
propósitos que tenía como de ser muy
y digamos que fue más como por
contemporáneo, de hacer instalaciones,
necesidad personal.
intervenciones en el espacio, no me salían
3
bien creo y quizás era porque en el
-Al ser un artista que interviene en el espacio, ¿Cómo plantea la relación de sus obras con el público?
momento tenía muchas inquietudes con pintura y cuando regrese de esa pasantía como que me afiance en lo pictórico y
una
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-Bueno, yo me nutro bastante como de
estaba en una residencia en Francia era
signos que encuentro en el espacio urbano
una invitación desarrollar propuestas para
o en el espacio natural me gusta bastante
el contexto que nos permitan intervenir
desarrollar propuestas que tengan escala
haya en el sur, entonces son obras que
uno a uno o que pueden digamos enfrentar
tenían sentido como en ese espacio porque
al espectador una experiencia particular en
fueron a partir de diferentes investigaciones
la relación objeto imagen o situación
como contexto, la instoria y algunas
emplazada con respecto a la experiencia
resonancias formales , obras por ejemplo
que él pueda tener habitando o recorriendo,
como la del premio Luis caballero que se
entonces parto a veces como de unas
llamó Quinta Fachada fue una propuesta
premisas que encuentro en el espacio
para el museo de arquitectura Leopoldo
público
cuando
Rother, precisamente es como una joya de
arquitectura
arquitectura moderna que entonces me
espontanea en periferias urbanas de
interesaba contaminar esa referencia una
Bogotá o de Medellín esas relaciones entre
arquitectura moderna pues que es un reto
la materia las formas constructivas la
fallido que se intentó implementar en
relación hombre territorio pues son como
Latinoamérica y exponer allí un proyecto
muy precarias entonces a veces yo trato de
que
trasladar esas nociones al espacio de
espontanea que nada que ver con la
exhibición
disciplina de la arquitectura o la ingeniería
digamos
de he
espectador
interdependencia realizado
la
y a veces busco que el se
enfrente
como
a
determinadas tensiones.
hablaba
era
una
arquitectura
entonces inmediatamente esta propuesta tenia digamos una necesidad de este recinto para ser exhibido y para tener
4-¿Tienen sus obras una intencionalidad específica con un espacio o pueden ser montadas en cualquier espacio expositivo?
también mayor significante de lo que yo proponía en él, Aluvión también fue una obra que surge a partir del espacio, primero visite los parques biblioteca y revise los espacios
que
tenía
para
hacer
los
emplazamientos, y se cruzó pues con una -Bueno hay muchos proyectos que son
investigación que estaba haciendo en ese
para lugar específico, sobre todo los
momento sobre aluviós de tierras que
escultóricos, pues por ejemplo cuando
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estaban ocurriendo en la ciudad de
pero que a la vez también es el que
Medellín y bueno me pareció interesante en
colapsa, el que termina a veces sepultando
este espejo de agua ,crear o recrear mejor
a la gente en su propia vivienda, entonces
este colapso. Entonces digamos que allí
Aluvión pues como termino, significa pues
también
muy
una corriente de agua tierra pues que se
protagónico respecto al proyecto que
desprende como de la montaña, y bueno
desarrolle, y bueno pues hay otras piezas
fue como un poco lo que me llevo a esta
escultóricas
emplazado
imagen de crear pues como el colapso de
digamos en diferentes museos o galerías
un techo, entonces la montaña se vuelve
y funcionan, diferente entonces digamos
pues por analogía como ese techo que
que no son tan dependientes del contexto
colapsa que se vuelve como una foto fija de
para construir su sentido.
un momento que, hace como un estallido,
fue
como
que
un
se
espacio
han
es una creación de un techo de acuerdo a 5:¿Cómo surgió El proyecto Aluvión y Como fue su proceso e creación y exhibición?
las tipologías de estos sectores en las cuales a veces posan sobre las muchos objetos, piedras, elementos que ayudan a habitar que el viento se lleve pues como las tejas, pero al final también esto expone una imagen como un poco temeraria cierto de
-Bueno este proyecto lo desarrolle para las bolsas de trabajo que tiene la alcaldía de Medellín a través del programa de becas y estímulos a la cultura, fueron las noticias que digamos en principio se volvieron móviles. Calle vieja en Bello en el 2011 si no estoy mal pues fue una tragedia en donde un alud de tierra tomo varias casas en una calle y digamos que en esos meses hubo bastantes digamos tragedias de ese tipo, unas de mayor envergadura que otras, entonces me pareció interesante, pensar el techo cierto, como ese espacio que protege
algo que pareciera a veces simplemente a la vista que va colapsar , entonces fue un juego entre crónicas de situaciones que se vieron en Medellín , también unos intereses escultóricos que venían pues de atrás con respecto a las tipologías de vivienda informal y ya luego pesando en el espacio precisamente en el parque biblioteca de belén pues
se conjugaron las cosas y
desarrolle la propuesta y cuando obtengo pues la beca ya empecé el proceso de ejecución.
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porque allí quedaban latentes también 6-
como
muchos
elementos
que
están
Cuando se menciona su obra, siempre se hace referencia hacia lo arquitectónico, ¿Cree usted que estas referencias son acertadas? y si es así, ¿Qué es lo que le interesa de los espacios arquitectónicos en relación a lo escultórico?
presentes en la experiencia urbana de la ciudad latinoamericana , aunque son ciudades que crecen vertiginosamente donde el sistema no alcanza digamos a cobijar
todos
los
entornos
urbanos
entonces hay unas fronteras entre lo rural y lo urbano, donde entre estos quedan como
–Bueno yo realmente lo que reviso es el
unas tensiones muy particulares, donde la
territorio y las formas en que el hombre
relación hombre territorio se genera por
genera estrategias para sobrellevarlo. Me
unos estados de contingencia , estas casas
interesa es el territorio y las formas de
a veces construidas de maneras precarias
habitarlo cierto, pero sobre todo aquellos
pueden permanecer o caer por efectos de
puntos donde se expresan mejor ciertas
la lluvia, un desastre natural porque están
condiciones de la ciudad latinoamericana,
casi siempre en zonas de alto riesgo que en
entonces
una
principio son pues como áreas de invasión,
arquitectura espontanea en las periferias
entonces es desde allí que me intereso la
de Bogotá, también el uso de la materia
arquitectura como una forma de pensar
muy
o
ciudad pero también de expresar las
de
condiciones urbanas en ciudades como
segunda mano o elementos de demolición
Medellín, Bogotá, Manizales, Ciudad de
entonces me parece muy interesante como
México
la gente a veces se enfrenta a desarrollar o
ciudades como de primer mundo donde
a
tienen otras formas de crecimiento más
cuando
particular
remanentes
construir
yo
porque
encuentro
son
industriales
sus
casas
o
cosas cosas
sin
ningún
conocimiento, simplemente es como una
que
difieren bastante de otras
planificadas.
lógica por tanteo entonces me intereso desde ese momento poner en tensión el pensamiento
proyectual
de
una
arquitectura versus una arquitectura que se desarrolla de forma espontánea, pero
7¿Cree que salir del país (refiriéndose a esto como por ejemplo Residencia en el exterior) es importante para el desarrollo como artista?
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recurrente, los centros educativos pero -Digamos alguien que nunca salga también
también a veces los programas culturales
puede llegar a ser un gran artista y ahora
ofrecen
hay también muchas maneras de acceder
nacionales porque en estos intercambios
al
es que se generan aprendizajes muy
conocimiento,
sin
embargo
la
experiencia a veces si no es tan fácil
a
los
artistas
movilidades
valiosos y complementarios.
obtenerla por canales virtuales o por referencias literarias, entones para mí,
8-
pues en lo personal si fue fundamental,
Al estar relacionadas sus obras con los espacios marginales ¿De qué manera cree que ha beneficiado este tipo de lugares?
digamos en el periodo de pregrado cuando hice esta pasantía, pues eso me hizo más que aprender cosas en Europa para traer aquí,
fue
llegar
acá
y
tener
más
herramientas de contraste me permitió leer mi ciudad diferente, entender más las dinámicas nuestras, porque ya tenía como unas referencias externas, también fue conocer otros modelos de pensamiento académico, conocer otros artistas y eso pues
en
definitiva
crea
crecimiento
digamos en el pensamiento crítico con respecto a la práctica artística, pues más adelante ya por el ejercicio profesional , he podido pues hacer residencia pero también a veces ir a participar de exposiciones colectivas donde me relaciono con otros artistas creo que son diálogos que nutren bastante porque oxigenen digamos, cierto permiten asomar a otros contextos a otros modelos de pensamiento y pues hoy por hoy pues es una de las estrategias más
-Digamos que por un buen periodo de tiempo espacio
si fue una preocupación por el urbano,
previamente
estas
márgenes, ciudades como Medellín o Bogotá las que me inquietaron , pero se han ido trasladando pues como
las
inquietudes a otras cosas, pues ahora me interesa
bastante
la
naturaleza
amenazada, el cambio climático , la explotación del suelo, la minería a cielo abierto , me interesa como las nuevas geografías que se van dando por la explotación humana de la naturaleza y pues si he tenido recurrencia como algunos paisajes o parajes que nos hablan como de un futuro incierto, no tan deseado , entonces a veces la referencia urbana me servía pero también a veces, por ejemplo el último proyecto que tuve que se llamaba
Atlas de Historia de Colombia - Entrevista
Territorios inciertos , una exposición con Gabriel Botero , pues el asunto allí era más
-Pues realmente aquí en Colombia y aquí
que todo la explotación minera, unas
en Medellín la crítica ha sido escasa yo
paradojas que yo encuentro en el territorio
realmente he tenido la fortuna de que
colombiano donde la gente socaba el
algunos teóricos han escrito sobre mi obra
suelo, incluso a sabiendas de que eso va a
pero son criticas de interpretación de la
afectar en un futuro sus viviendas
,
obra pero nunca pues he leído un debate
entonces hay pueblos en Antioquia que se
fuerte, una crítica, a veces así entre líneas
están hundiendo donde la gente explota el
de pronto exaltan unos proyectos más que
subsuelo de donde vienen , entonces estas
otros
paradojas a veces me inquietan y me llevan
desaciertos, pero pues que yo sepa no hay
a intentar expresar en el arte , estos
mucha polémica con estos. Con Lugares en
absurdos, estas relaciones del hombre con
fuga pues aparte de unos colegas que de
la naturaleza que a veces no son como tan
pronto criticaban el hecho de que yo hiciera
compresibles y uno lo toma en el plano
esferas, pero pues la esfera es uno de los
racional pero que desde las estrategias de
códigos de la escultura, para mi si muchos
supervivencia pues son válidas en el
escultores hacían esferas pues no tiene
contexto en el que vivimos
nosotros,
nada de raro seguro que cada uno pues
muchos los
asume esta forma y crea narrativas de todo
referentes que ido asumiendo en el tiempo
tipo, este proyecto Lugares en fuga , tenía
aunque hay recurrencia más de unos que
pues como un origen muy específico y era
de otros.
el desplazamiento intraurbano que se
entonces creo
que
son
valorando
los
aciertos,
los
generó en Medellín a partir de la operación orión que me inquieto bastante el hecho de que 9¿Cómo es su relación con el circuito artístico local? ¿Alguna vez ha sido su obra, en relación a la escultura o instalación, causa de debate o polémica? Por ejemplo Lugares en movimiento.
170
familias
tenía
que
ser
desarraigadas de su lugar y nunca más volver
entonces
digamos
toda
la
configuración material y formal devienen del ámbito urbano de la ciudad de Medellín , que hayan unas esculturas que se asemejan o se parezcan pues es normal
Atlas de Historia de Colombia - Entrevista
porque digamos quien hace algo nuevo en
hice para el salón nacional en el 2013 aquí
el arte hoy por hoy , lo importante es pues
en el jardín botánico , que fue otro proyecto
que de alguna manera a uno lo movilizan
para lugar específico, fue pensado pues
ciertas cosas, y llega a unas estancias
precisamente para ese lugar , previo a eso
formales, pero ni yo soy artista de hacer
dos años tras pues yo había hecho una
esferas , sino que cada proyecto me ha
serie pictórica , donde los cementerios de
llevado a ciertas cosas. Volviendo pues
llantas, esos paisajes residuales que se
como a la primera parte de la pregunta, yo
configuran en las afueras de la ciudad o en
creo que mi relación con el circuito artístico
lugares muy distantes pues me llamaron la
local pues es bueno yo creo que conozco a
atención precisamente por esas nuevas
la mayoría de los colegas de mi generación
geografías que generan los desechos
y también creo que hacia adelante y hacia
urbanos y los desechos humanos ,y dos
atrás también llevo pues como 15 años
años después surge esta posibilidad, esta
dando clase entonces conozco bastantes
invitación de los curadores del salón
personas del gremio, y bueno creo que soy
nacional
una persona que suma también a lo que se
representación
denomina el circuito artístico de Medellín e
tridimensional y algo para lugar específico,
intento ser activo dentro de este proceso.
y ha ocurrido también varias circunstancias
y se me ocurre ya pasar esa bidimensional
a
algo
en donde los procesos escultóricos pasan a lo bidimensional y viceversa.
10¿Considera usted que hay una relación entre su trabajo pictórico y su trabajo escultórico? -¡Mucho! De hecho yo nunca he dejado de pintar,
siempre
incluso
en
algunas
exposiciones vinculo pintura y escultura, y de hecho en la pintura pues siempre investigo, exploro, miro antecedentes que me
permitan
pictóricos
,
por
desarrollar
proyectos
ejemplo
Geografías
desechas que fue una instalación que yo
11 ¿Cómo proyecta su obra en un futuro cercano? -Pues mira es que yo realmente he hecho de todo, hay exposición en las ha habido fotografía, animación, video, lo único que no
he
hecho
es como
performance
entonces yo creo que yo ya hace rato deje de pensarme como pintor escultor , yo creo
Atlas de Historia de Colombia - Entrevista
que ahora entro en muchos casos será, y es simplemente en la categoría de artista, entonces hago práctica artística y cada proyecto me lleva a hacia una cosa o a la otra , que me está interesando ahora que también me está dando mayor proyección hacia
el
panorama
internacional,
la
escultura de gran formato, me interesa bastante seguir desarrollando proyectos para
espacio
público
como
el
que
desarrolle para el metro de Medellín, tengo por ahí pues varios proyectos en tránsito y poco a poco he ido pues ganando un espacio como escultor en Colombia y pues me alegra bastante y de hecho pues como los últimos proyectos pues han ido por esta línea , yo creo que iré haciendo pues lo que requiera cada investigación, pues hay un interés en seguir
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Stephanie ardona Cardona Johan alavrez
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COLECTIVO PARAMÉDICOS
descubre y esconde, como una mandala, y repite insistente: todo parece lo que no es” Reseña- todo lo que no es por Wilson Rojas
CONFORMADO POR John Chaves - Conceptualización - hacker Samuel Rojas - Ingeniería - hacker Andrés Moreno - Colaboración artística Kiran Fernandes - Realización Audiovisual INTRODUCCIÓN TRABAJO DEL COLECTIVO. “Es lo que dice literalmente Esta pipa no es una pipa, como una parodia más de la famosa obra de René Magritte. Orden, objeto transgresor, margen. Con estos tres tópicos, el equipo creador de esta parodia construye seis discursos audiovisuales que conforman uno solo, como un artilugio de seis elementos. La intención que revelan es la de inducirnos a comprender el espacio que nos contiene, a percibir la paradoja de nuestro sentido de la vida que se niega cuando se afirma. El orden genera el caos, lo ordenado produce marginalidad. La tecnología que conlleva a la creación de basura se recicla en aquello que ayuda a negar la validez del paradigma y facilita la existencia de una franja marginal que nos hacer ver llenos de ínfulas, con nuestras precarias cualidades. Ese artilugio que media entre lo normado, frío, preciso, metálico, robotizado, y el referente marginal, delirante, evadido, desafiante, sacrílego, burlón; ese artilugio pipa forjada con los miasmas que deja en el camino la gran maquinaria pero cargado con un espíritu transgresor, funge de paradoja, de acertijo,
ENTREVISTA
1. ¿Cómo se da la conformación del colectivo, quienes lo integran y como son propiciadas las funciones?
Tomamos como referente la obra de Magritte por la relación que existe con el objeto y el sugestivo título. Lo que aparenta ser una pipa es un dispositivo eléctrico extractor de THC conocido como vaporizador. El proyecto se origina a partir de la experiencia personal con el uso de la sustancia y buscando información en internet sobre un método alternativo de consumo en el cual se evite la inhalación de alquitrán producto de la combustión encontramos que existen dispositivos extractores de THC que sirven para este fin y decidimos diseñar y fabricar prototipos con materiales reciclados. Para difundir el proyecto se recurrió al video comercial demostrando el funcionamiento de la máquina y una acción donde aparece un personaje que representa al usuario marginado por la sociedad que condena el consumo de esta sustancia como una acción ilícita.
Atlas de Historia de Colombia - Entrevista
proximidad, ubicados en los pedestales que activaban la reproducción del video cuando alguien se acerca a observar. 2.
Como articulan “esto no es una pipa” de Magritte con el desarrollo conceptual y plástico del colectivo, es decir como interactúa este con el desarrollo del THC.
Somos artistas emergentes buscando figurar en el panorama artístico nacional a través de la producción contante de piezas, la socialización del proyecto y participando en exposiciones que tengan alguna repercusión.
3
¿Qué tipo de aporte o impacto puede causar sus propuestas artísticas en la sociedad colombiana?
La influencia que tiene el proyecto en el público es notoria, ya que aborda el tema de la droga tan presente en el contexto actual, donde el uso generalizado de la sustancia y su prohibición tienen alto impacto en los ámbitos social político ecológico y tecnológico. 4. ¿Cuál fue el proceso y la intención que tuvo el colectivo para el ingreso de artecámara (Artbo).?
En un comienzo la idea fue exhibir los dispositivos sorbe pedestales en forma convencional, pero, notamos que el espectador que no es conocedor del tema necesita infamación adicional a la que ofrece el objeto por sí mismo y decidimos apoyarnos en el video clip para exponer el funcionamiento del vaporizador. Para articular el video y la pieza se recurrió a la interactividad por medio de sensores de
5¿Cuál es la proyección y postura que tiene el colectivo respecto al circuito del arte nacional? El Colectivo Paramédicos se crea en el año 2014 cuando nuestro proyecto “Esto no es una pipa” sale seleccionado para participar en el pabellón arte cámara de la feria internacional ARBO. En el proyecto se involucran varias disciplinas como ingeniería, diseño, video, fotografía y dibujo. Para lo cual se requiere de un equipo de trabajo donde cada integrante cumple una función determinada.