RICHARD MEIER - TADAO ANDO

A RQ U IT EC T U RA ENERO 2015

SIN FROTERAS Vol.

2

REVISTA DE ARQUITECTURA

RI C H A RD M E I E R & T A D AO AN D O BIOGRAFÍAS CREACIONES EMBLEMÁTICAS INFLUENCIA DE SUS DISEÑOS EN LA ARQUITECTURA

CTURA

ARQUITECTURA SIN FRONTERAS

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SUMARIO 2 4

Biografía Richard Meier

Influencias de Richard Meier en la Arquitectura y Creaciones Emblemáticas

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Biografía Tadao Ando

Influencias de Tadao Ando en la Arquitectura y Creaciones Emblemáticas

SUMARIO

EDITORES Ramos, Jorgina - Sanoja, Mayeri

DIRECTOR PROF. Estela Aguilar

Tadao no habla inglés y tampoco usa el correo electrónico y, claro, sigue dibujando a lápiz, pero sabe trabajar en equipo.

Y él asegura que ese compromiso demostrado por el conjunto mexicano le ayudó a vencer esa barrera.

Cuando una obra se construye fuera de su país natal, el arquitecto originario de Osaka, intenta que en el diseño no solo prevalezcan sus ideas, sino también elementos particulares de cada país. Tadao Ando forjo su carrera con estudios adquiridos de forma autodidacta y a sus 71

años tiene la obsesión de seguir aprendiendo.

En cuanto a Richard meier, sugun manifiesta el mismo, Le Corbusier ha ejercido una gran influencia sobre él, al igual que Frank Lloyd Wright. Pero también otros arquitectos han sido una referencia para su trabajo. No obstante, considera que la arquitectura es una disciplina que se encuentra en un contínuo flujo, por lo que van cambiando con el paso de los años los arquitectos que marcan estilos y que influencian a los demás.

Richard Meier “la luz ha sido siempre una fuente de éxtasis e inspiración”

Nacimiento: 12 de Octubre de 1934

Richard Meier Richard Meier es un arquitecto estadounidense de Origen judío. Nació en Newark, en el estado de Nueva Jersey. Estudió arquitectura en la Universidad Cornell, trabajó en varios despachos de arquitectos, entre ellos los De Skidmore, Owings and Merrill y Marcel Breuer, hasta que en 1963 abrió su propio estudio Meier desarrolló en los 20 años siguientes Arquitectura inspirada en el periodo Heroico de ese movimiento moderno. A Veces tuvo que soportar burlas y Críticas mientras se fueron dando los Momentos clave del avance del posmodernismo, movimiento que era visto como un regreso nostálgico, pues sostenía formas “superadas”. Sin embargo, Meier siguió fiel a sus conceptos y sus obras consolidaron un estilo previsible quizás, pero muy personal.

Las obras de Meier crearon un nuevo vocabulario arquitectónico, tienen características que las hacen inconfundibles, más allá de su función y tamaño. Su arquitectura refleja un gusto exquisito y reflexivo por la geometría plana, por la definición de los espacios mediante ca-

pas y zonas, y por los efectos de luz y sombra.

Todo ello permite a Meier trazar sus edificios y villas en espacios claros e inteligibles. Como él mismo declaró acerca de su estética: “la mía es una preocupación por la luz y el espacio; y no un espacio abstracto, sino uno en donde el orden y la definición estén vinculados con la luz, con la escala humana en la cultura de la arquitectura…”

Una entrevista de Meier el pasado 2005 acerca de qué es ser un gran arquitecto en el siglo XXI.

 ¿Qué lo convirtió en arquitecto?

Decidí, cuando tenía unos 14 años, que eso era lo que quería hacer. Probablemente no sabía qué significaba, pero dije ‘quiero ser arquitecto’. Ya para esa época yo hacía modelos y pintaba, y me pareció algo que disfrutaría haciendo.  ¿Qué diferencia a la arquitectura de la construcción?

Si es una obra de arte, es arquitectura.  ¿Qué hace de un edificio una obra de arte?

La calidad del espacio, la idea que tiene adentro, la forma en que se relaciona con su entorno, la utilización y cómo la gente lo vive.  ¿Cree que sus obras pasarán la prueba del tiempo?

Creo que construimos para un largo tiempo. No creo que un edificio sea desechable, ni tampoco la arquitectura. Construyo pensando en al menos 50 ó 100 años hacia adelante.  ¿Cómo es ser un gran arquitecto en la sociedad estadounidense de hoy?

Eso cambia. Depende de dónde estés y de lo que estás haciendo. Para mí es muy emocionante porque en Nueva York existe un interés renovado: la gente aprecia la buena arquitectura y responde a ella. Pero no ha sido siempre así.  Acaba de terminar un proyecto en Nueva York (165 Charles Street) y tiene otro en Miami. ¿Cómo se diferencia pensar un diseño para esas dos ciudades en términos de la identidad de cada una?

Nueva York no tiene identidad en términos arquitectónicos. Hay de todo, desde el siglo XIX hasta el XXI. Es una ciudad muy diversa. Miami también cargaba una historia cultural muy rica en los 30 y 40 y luego cambió. Por eso la arquitectura contemporánea y moderna es muy apreciada allá.

Creo que esa situación se está empezando a dar en Nueva York.  ¿Hay alguna de sus obras que sea la que más le guste?

No creo que se pueda decir que algo es mejor, aunque tal vez algunas obras son más influyentes que otras. Entre lo más importante estaría la iglesia en Roma (la Iglesia del Jubileo) y el Getty Center (en Los Ángeles). Pero son muy diferentes entre sí. No podría decir cuál es más importante de las dos.



Y algún edificio que usted no haya hecho que sea su favorito…

Hay muchos grandes arquitectos en el mundo, así como hay muchos grandes edificios, pero no creo que tenga un favorito. Me gusta mucho el trabajo de Le Corbusier así como el de Frank Lloyd Wright. Ha habido grandes arquitectos en el pasado y ahora sigue habiendo muchos muy buenos en todas partes.  Hay un importante proyecto en Praga, la ECM City Tower. ¿Cómo es construir en el siglo XXI en una ciudad famosa por sus edificios históricos?

La zona donde está el proyecto es alejada del maravilloso centro histórico de la ciudad. Es prácticamente un suburbio que está en desarrollo.

Así que creo que lo que estamos haciendo habla más del presente y del futuro de la ciudad, de su expansión fuera del centro histórico.  ¿Qué prefiere: construir espacios privados o públicos?

Incluso hubo un tiempo en que dejé de hacer edificios privados, porque pensé que debíamos enfocarnos en espacios públicos. Pero pienso que son diferentes. Retomé los proyectos privados, pero por encima de todo son los públicos los que más me interesan.  En las relaciones con sus clientes, ¿tiene libertad absoluta?

Nunca hay libertad absoluta. Cada cliente trae un lote, un programa y un presupuesto. El trabajo del arquitecto está en hacer que todo esto trabaje en conjunto y que el resultado sea el mejor diseño posible.  ¿Qué piensa de la propuesta de Donald Trump de prácticamente reconstruir las Torres Gemelas?

No creo que esa sea una respuesta válida para reconstruir el centro (de Nueva York). Nunca lo he pensado.  A usted nunca le gustaron las Torres…

No se trata de que no me gusten, es solo que nunca las vi como una gran obra de arquitectura.

Eran un símbolo maravilloso de la silueta de Nueva York, y las extrañamos. Pero reconstruirlas no es la respuesta. Más que los edificios que queden, creo que lo importante es el espacio público que se genere en esa zona.  Su oficina presentó un proyecto para la Zona Cero. ¿Qué opina de los anuncios que el diseño ganador, de Daniel Libeskind, deberán ser reformados?

Lo que está pasando es una pesadilla y el problema es que no hay nadie a cargo, el proyecto no tiene director. Distinta gente se involucra en distintas etapas y todos tienen intereses diferentes. Hasta que eso no se solucione, de ahí no saldrá ninguna arquitectura con sentido.  ¿Que opina de la propuesta de Libeskind?

Ha sido transformada tantas veces, de tantas maneras, que ya no importa. Es solo otro edificio de oficinas. Y seguramente eso es lo que el administrador del sitio, Larry Silverstein, quiere: un edificio de oficinas muy simple y económico. No quiere una gran pieza de arquitectura, ni le interesa qué pase con el resto de la Zona Cero.  ¿Cómo afecta su trabajo la tecnología?

La tecnología hace posibles cosas que antes no lo eran. Pero la gran arquitectura surge de las grandes ideas. No de la tecnología.  La planeación urbana en lugares como Colombia necesita construcciones a gran escala, baratas, para gente que no tiene dónde vivir. ¿Usted cree que existe la posibilidad de arquitectura en esa escala?

Absolutamente. Y no es un problema de Colombia, en muchas partes pasa lo mismo. Hay que enfocarse en esa situación y deben surgir soluciones innovadoras para poderlas desarrollar.  Pero en esos casos el diseño es en lo último que se piensa…

No se puede olvidar el diseño. Incluso creo que es más importante en esas grandes escalas que en proyectos pequeños.  ¿Qué opina de las ciudades planeadas?

Brasilia (diseñada por Oscar Niemeyer) y Chandigarh (de Le Corbusier, en India,) son absolutamente únicas y no sé de lugares que deseen salir de su zona urbana para crear una totalmente nueva, en la manera en que esas dos ciudades fueron creadas.  Si alguien le propusiera crear una ciudad de ese estilo, ¿lo haría?

Absolutamente, sí.

Reconocimientos 1976

Premio Brunner de Arquitectura, The American Academy of Arts & Letters

1980

Medalla de Honor, del Capítulo Nueva York, The American Institute of Architects

1984

Premio Pritzker de Arquitectura

1989

Real Medalla de Oro, The Royal Institute of British Architects

1992

Commandeur des Arts et des Lettres, honor concedido por el gobierno francés.

1993

Deutscher Architekturepreis Alemán de Arquitectura)

1995

Miembro de The American Academy of Arts and Sciences

1997

Medalla de Oro, The American Institute of Architects

1997

Praemium Imperiale, de Japón

1998

Medalla de Oro, del Capítulo Los Angeles de The American Institute of Architects

2008

Medalla de Oro en Arquitectura, American Academy of Arts and Letters

(Premio

Ha recibido grados honorarios de la Universidad de Nápoles, el Instituto de Tecnología de New Jersey, la Nueva Escuela para Investigación Social, la Universidad de Bucarest y la Universidad del Estado de North Carolina Los reconocimientos de Richard Meier incluyen 30 Premios Nacionales Honorarios de la Asociación Internacional de Arquitectos (National AIA Honor Awards) y más de 50 premios regionales AIA Design Awards.

Uno de los más sensibles e innovadores arquitectos del mundo. Una constante suya: el uso exclusivo del color blanco. “El blanco es un lienzo que se transforma mediante la luz.

Me gusta porque refleja todos los colores que nos rodean”. La arquitectura del Dr. Richard Meier se define a través de la luz. Sus edificios van más allá de la estética. Forman parte activa de la calle en la que se construyen, interactúan con su entorno. Son un ciudadano más. Pero sobre todo, siempre están concebidos para el usuario, dedicados a la persona.

Un admirador suyo, el Arq. José Seur, explica: “Lo que más admiro de Richard Meier es la honestidad de su obra, porque es una armonía increíble entre luz, geometría, estructura, forma... y pureza. Sientes algo muy especial porque crea ambientes que te generan sensaciones de serenidad.”

En las obras de Richard Meier se puede distinguir una constante estética basada en la preferencia por la luz natural, el espacio, la geometría y -por supuesto- el color blanco, conceptos que ha refinado durante cerca de 50 años y ha mantenido aislados de modas y tendencias pasajeras, alcanzando un estilo inconfundible y un nivel artístico reconocido a nivel mundial.

Su arquitectura desciende de los postulados de las corrientes modernas establecidos por personalidades como Le Corbusier, Mies Van der Rohe y Frank Lloyd Wright, además de escuelas como el Constructivismo (Rusia), Bauhaus (Alemania) y el D’Stijl (Holanda).

Esta influencia se reforzó al comenzar a trabajar en proyectos a gran escala como el “Atheneum” y el “High Museum of Art”, donde se observa un trato especial a los espacios interrelacionados, el uso de segmentos espaciales y los niveles elevados; también utiliza elementos como puentes y rampas, con los cuales logra una continuidad espacial fluida y constante. Un hecho que resalta es que, no importando el tamaño de la obra, Meier logra mantenerse fiel a la propuesta que marcó desde sus primeros trabajos como Smith House: el blanco como color omnipresente, la preferencia por la luz natural (reforzada por el uso de materiales como el cristal) y la geometría.

Richard Meier se desenvolvió profesionalmente durante la parte más activa de la postmodernidad, por lo que en su influencia también se logran percibir algunos postulados del Minimalismo y el Deconstructivismo.

Creaciones Embrematicas CASA SMITH

COSTRUIDO : 1965-1967 La casa Smith está situada en un lote de 6070 m2 con vistas hacia el estrecho de Long Island y en ella se logran apreciar los conceptos claros que maneja Richard Meier.

Esta casa está revestida en madera pintada de blanco, y posee un vocabulario moderno y un carácter minimalista, pero Meier logra darle una sensación de confort, de luminosidad y de amplitud apartado completamente de los paradigmas funcionalistas de los inicios del movimiento moderno. La Casa Smith, cuenta con una espacialidad única y deslumbrante. Contiene un puente de acceso, una fachada cerrada por el lado de la entrada y una abierta frente al agua, y una sala de techo alto y un generoso ventanal.

La organización espacial de la casa se basa en la separación de los espacios privados y los espacios públicos. El área privada está localizada cerca de la entrada frente al terreno, los arboles y la vía cercana. Una serie de espacios de servicio como guardarropas y depósitos son los articu-ladores entre las zonas y al mismo tiempo las separan. Los espacios privados están distribuidos en tres niveles detrás de una fachada casi cerrada que cuenta con unas cuantas ventanas colocadas para beneficiar la entrada de luz y las visuales. Los espacios públicos o sociales están en la parte opuesta del acceso, en la parte de la casa que tiene vista al mar. Esta zona social está distribuida en tres niveles y está enmarcada por grandes ventanales. El concepto de transparencia se ve intensificado por el paisaje y la vista al mar.

ATENEO DE NEW HARMONY COSTRUIDO : 1979 La arquitectura de Richard Meier evolucionó de gran forma con el diseño del Ateneo de New Harmony, ya que con esta obra se empezaron a identificar mucho más claramente el lenguaje y los conceptos arquitectónicos que caracterizarían su estilo al momento de diseñar edificios de carácter público.

El proyecto se encuentra aislado y elevado del nivel del suelo para prevenir cualquier inundación debido a la cercanía del rio Wabash. El ateneo cuenta con un lenguaje moderno pero con un estilo náutico y una prominente rampa de acceso como si fuese un muelle. Desde el punto de vista del concepto del espacio arquitectónico interior se plantea un movimiento continuo con la rampa como elemento importante y definitivo. Los espacios se definen por dos retículas giradas 5 grados entre sí. La estética del edificio está concebida por el revestimiento de paneles de porcelana esmaltada dividida en cuadrículas. Sobre la retícula ortogonal que actúa como base del volumen del Ateneo, se acomodan las necesidades del programa. En primer piso son tres zonas, de las cuales predomina el auditorio cerrado ubicado del lado contrario a las mejores visuales.

Las otras dos zonas se ajustan a las visuales y al eje de circulación del acceso. Una rampa colocada al lado del auditorio enfatiza la horizontalidad de una de las zonas. Esta misma rampa, en su segundo tramo, se acomoda a un eje girado que define, al prolongarse, la Aproximación al edificio desde el rio y desde el pueblo New Harmony. El eje girado se transforma en un plano o pantalla que organiza el espacio interior y la escalera. Con el Ateneo de New Harmony, Meier logra una espacialidad que se relaciona perfectamente con el exterior, con giros en su planta que permiten generar distintas perspectivas dando sensación de dina- mismo y permitiendo la entrada de luz natural.

IGLESIA DEL JUBILEO COSTRUIDO : 1998 - 2003 Como parte del programa "50 iglesias para Roma 2000" durante la celebración del Jubileo 2000, la Iglesia Católica encargó al arquitecto norteamericano Richard Meier, la iglesia del Jubileo, también conocida como Iglesia de Dios Padre Misericordioso. Previamente, se había convocado a un concurso en el que participaron arquitectos de fama internacional, como Tadao Ando, Frank Gehry, Peter Eisenmann, Santiago Calatrava, Gunter Behnisch y Richard Meier, resultando ganador éste último.

Con esta obra, no sólo se logró incorporar un monumento más al rico patrimonio eclesial de la ciudad de Roma, si no que se revitalizó el anodino barrio de Tor Tre Teste, con más de 35.000 visitantes al año. Su obra se caracteriza por un uso racional de la geometría, la claridad de sus espacios, el soberbio manejo de la luz y el uso del color blanco, como símbolo de pureza ya que es un color que contiene a todos los demás.

La propuesta de Meier para este concurso destacó por su forma distintiva y elegante, el uso de los materiales en relación a las tecnologías de construcción, la presencia de la luz como un elemento que determina el carcácter de la obra y la fuerte connotación del edificio como un lugar para el hombre, "no sólo como lugar cristiano, sino para toda la comunidad mundial". No obstante, el proyecto de Meier incluye claras referencias a la fe cristiana y católica en particular. El complejo se diferencia formalmente de los edificios de su entorno, convirtiéndose en un hito blanco cuya extensa plaza se prepara para recibir a su feligresía.

El proyecto se compone de dos elementos: la iglesia en sí y el centro parroquial, que consta de oficinas, un auditorio y un salón de usos múltiples. Ambos edificios se hallan separados por un plano cóncavo y unidos por la mampara de cristal en la fachada del edificio.

La capilla está compuesta por tres paredes curvas a manera de velas de un barco, ya que simboliza "el barco en el cual navega la gente de Dios". Tres círculos de igual radio constituyen 3 capas que conjuntamente con la pared opuesta constituyen el cuerpo de la nave.

"El conjunto discretamente se refiere a la Trinidad" dice Meier. Tanto en la parte superior como en la fachada principal y la posterior, la iglesia presenta grandes superficies acristaladas, que le garantizan un generoso flujo de luz natural. Los arcos de hormigón están graduados a una altura entre 20 y 30 metros.

El interior de la iglesia es tan impresionante como espectacular es su exterior. La luz baña las paredes curvas del espacio, ofreciendo una experiencia siempre cambiante en el visitante. Un prisma ubicado en la zona del altar utiliza fenestraciones y planos inclinados para lograr una iluminación indirecta, recordando el efecto de la iglesia de Notre Dame du Haut, de Le Corbusier, de la cual Meier se declara admirador. En el expremo opuesto, a la entrada, se ubica el órgano, montado sobre otro prisma en el que el arquitecto descompone superficies y aristas para generar un volumen blanco virtual y transparente, el cual pareciera estar flotando sobre la pared de mármol. La pared opuesta a las velas es recubierta con listones de madera, lo cual otorga calidez al espacio. El mobiliario de formas simples y abstractas, se integra al lenguaje de la iglesia. El altar, hecho en mármol travertino, hace otra vez referencia al barco. El concepto arquitectónico es muy interesante e innovador en el vocabulario de Meier, pero planteaba un reto ingenieril y constructivo. La propuesta del equipo técnico de Meier era crear una estructura metálica revestida con bloques de concreto y luego estucada, pero eso le hubiera dado al edificio una vida útil de máximo 50 años. Por tanto, a sugerencia de Antonio Michetti, consultor técnico del Vicariato, se utilizó una estructura de bloques prefabricados de doble curvatura, ensamblados y unidos luego mediante técnicas de pos tensado, a través de cables horizontales y verticales. La vela externa está compuesta de 78 segmentos, la intermedia de 104 y la interna, que al-

canza los 26 metros de altura, de 176 segmentos. A fin de preservar la blancura del edificio la empresa Italcementi desarrolló un nuevo cemento conteniendo dióxido de titanio, llamado TX Millenium, que garantiza la blancura del concreto a pesar de la polución, lluvia o efectos del tiempo. En el exterior se utilizó este hormigón y vidrio. El interior está revestido de madera y mármol travertino.

THE DOUGLAS HOUSE

Liberty Plaza en Santa FE

Museo de Arte Contemporรกneo de Barcelona

Mitikah Office Tower en Coyoacรกn

“La arquitectura solo se considera completa con la intervencion del humano que la comtempla�

Tadao Ando

Tadao Ando

Nació en Osaka, Japón, en 1941. En su juventud fue boxeador amateur, colgando luego los guantes para dedicarse a la arquitectura. Contrario a la mayoría de los arquitectos de hoy en día, Ando no recibió formación en escuelas de arquitectura. En lugar de ello, su aprendizaje fue autodidáctico y proviene de la lectura y de viajes por África, Europa y Estados Unidos, así como de un minucioso estudio de la arquitectura tradicional japonesa en Kioto y Nara. "Cuando vi la luz proveniente del óculo del Panteón en Roma, supe que quería ser arquitecto", dice.

En 1970 se estableció en Osaka con "Tadao Ando Architect & Associates", empresa con la que comenzó su producción, primero de casas y pequeñas construcciones, y luego con edificaciones más importantes. En 1976 recibe un premio de la Asociación Japonesa de Arquitectura por su Casa Azuma, en Osaka.

Es considerado como uno de los líderes del regionalismo crítico, rechaza el empleo indiscriminado de la arquitectura moderna en todas las culturas del mundo. Su obra combina formas y materiales del movimiento moderno con principios estéticos y espaciales tradicionales japoneses, sobre todo en el modo de integrar los edificios en su entorno natural. Una de sus características es el empleo de hormigón liso, con las marcas del encofrado visibles, para crear planos murales tectónicos, que sirven como superficies para captar la luz.

En sus diseños Ando rechaza el materialismo consumista de la sociedad actual, que es visible en muchas obras arquitectónicas. Ello no le impide usar en sus proyectos los materiales característicos de la época actual, aunque empleándolos de forma que aparenten sencillez y proporcionen al mismo tiempo sensaciones positivas, lo que consigue, entre otros recursos, mediante las formas, la luz o el agua.

Para ello se basa generalmente en tramas geométricas que sirven de pauta para el ordenamiento de sus espacios. Por otra parte Ando estudia fórmulas para solucionar o mejorar el caos urbanístico existente en muchas poblaciones japonesas. Este aspecto lo aborda desde una doble vertiente, una de crítica y la otra de sensibilidad y comprensión.

Contrariamente al estilo arquitectónico tradicional japonés, Ando crea espacios interiores cerrados, y no abiertos. Utiliza paredes para definir los límites de estos espacios, y lo hace basándose en criterios humanos, de forma que las personas perciban esos espacios como apropiados y cómodos. Con las paredes rompe también la monotonía habitual de, por ejemplo, los edificios comerciales.

Ando ha recibido numerosos premios y distinciones, como la Medalla de Oro de la Academia Francesa de Arquitectura, y en 1995 el máximo galardón internacional de arquitectura, el premio Pritzker, comparable al premio Nobel. También ha sido invitado por dos prestigiosas universidades norteamericanas a impartir clases, en la Universidad de Columbia como profesor visitante, en la Universidad de Tokio y en la Universidad de Yale como catedrático.

Sus primeros trabajos muestran un estilo postmoderno incipiente aunque claramente adaptado a las costumbres niponas. La presencia de elementos naturales en sus obras le acompañará durante toda su carrera.

Tadao Ando guarda una estrecha relación con la arquitectura tradicional, la cultura y la historia japonesa, lo cual se ve reflejado en todas sus construcciones. También vemos que ha tenido influencias de grandes arquitectos como Le Corbusier y Louis Kahn y como el mismo dice: “Me interesa un diálogo con la arquitectura del pasado pero debe ser filtrado por mi propia visión y experiencia. Estoy en deuda con Le Corbusier o Mies van der Rohe, pero al mismo tiempo tomo lo que ellos hicieron y lo interpreto a mi manera.”

Ha sido también notable la contribución voluntaria y propositiva de Ando tras calamidades de gran escala. Tras el terremoto de Kōbe en 1995, Ando tuvo un papel importante en el reordenamiento del nuevo frente marítimo de Hyogo. Tras el derribamiento del World Trade Center en Nueva York el 2001, También propuso la creación de un parque circular en la Zona Cero que simbolizara el dolor que significaba el vacío dejado por las Torres Gemelas.

Los rasgos característicos de su arquitectura son las formas simples de concreto natural (hormigón visto), tanto en exterior como en interiores. Aunque por fuera algunas de sus obras son cerradas, sus generosos patios interiores acristalados permiten la percepción del viento y del clima. Sus teorías y pensamientos son una mezcla rica en experiencias y estudios personales. “Cosas como la luz y el aire tienen sólo un significado cuando penetran en una casa en forma de fragmentos del mundo exterior. Las porciones aisladas de luz y aire reproducen la naturaleza entera.”

Creaciones Embrematicas IGLESIA DE LA LUZ

UBICACIÓN: OSAKA CONSTRUCCION : 1989 La iglesia de Luz, Ibaraki - Osaka Japón (1989), diseñada por el arquitecto japonés Tadao Ando, es un edificio donde se conjuga la energía de un espacio simbólico con la luz, fundiéndolos en uno solo.

Este edificio es el reemplazo a una estructura de madera preexistente. Con un presupuesto mínimo, el diseño se ciño a un elemento simple carente de adornos, solo lo básico, suelo, pared, techo y aberturas para la luz y es al magnífico tratamiento de la luz que debe su encanto y su nombre.

Ubicado en una escondida esquina en un tranquilo suburbio residencial en Ibaraki, Osaka, este pequeño conjunto comprende dos modestos edificios, dispuestos en ángulo, orientándose de acuerdo a la trama vial de la urbanización.

El conjunto está compuesto por dos volúmenes (la iglesia y una capilla secundaria) dispuestos en ángulo, coherentes con la trama urbana del entorno. El arribo al conjunto es indirecto, ya que obliga a ingresar por una calle lateral a través de la cual se accede a una pequeña plaza desde donde se distribuyen los accesos a los dos edificios.

Ambos consisten en bloques rectangulares de hormigón. El principal, La iglesia de la Luz, es en una caja de 6 x 6 x 18 atravesada por un muro en un ángulo de 15°, que dinamiza el espacio puesto que, al estar separado de la cobertura permite que la luz se filtre al interior creando la impresión de un techo flotante.

Esta pared diagonal contiene la puerta de acceso acristalada, que se desliza horizontalmente.

En el interior puede observarse la textura áspera del suelo y los bancos. Todo en el diseño es despojado y desnudo para resaltar un muro de fondo con una abertura vertical y

otra horizontal formando una cruz que inunda de luz el espacio. Dichas aberturas fueron diseñadas para que ingrese no sólo la luz sino también el aire, pero posteriormente fueron cerradas debido a las inclemencias climáticas.

El edificio, construido en concreto, ha abandonado todo ornamento para revestirse de la espiritualidad que confiere la luz, haciendo más intensa su calidad de sacro. Incluso las bancas (que fueron hechas con partes de los andamiajes utilizados para construcción de la iglesia y recubiertas de pintura negra), afirman su carácter austero y mínimo.

IGLESIA DEL AGUA

UBICACIÓN: TOMANU, HOKKAIDO – JAPON CONSTRUCCION : 1985 – 1988 Es necesario destacar la capacidad de Ando para absorber diferentes ideologías y plasmarlas en sus proyectos. Vemos que esta cualidad está presente a lo largo de toda su obra, pero se hace especialmente patente en este caso. La relación con la naturaleza se destaca una vez más como principal concepto de la obra.

Es necesario destacar la capacidad de Ando para absorber diferentes ideologías y plasmarlas en sus proyectos. Vemos que esta cualidad está presente a lo largo de toda su obra, pero se hace especialmente patente en este caso. La relación con la naturaleza se destaca una vez más como principal concepto de la obra. Envueltas en una estética carente de ornamento, muchas de las obras de Tadao Ando basan su riqueza en la relación del edificio con la naturaleza. En ese sentido, la Iglesia sobre el agua, es una de sus más logradas realizaciones en las que utiliza a la naturaleza como elemento involucrado en el diseño. En ella, Ando logra crear un microcosmos en el que combina de manera simple pero magistral conceptos sobre lo profano y lo sacro, lo artificial y lo natural, lo cerrado y lo expuesto,

el vacío y el infinito. El aspecto más notable es que Ando ha sustituido la pared frontal del templo, en la que generalmente se disponen imágenes divinas de determinado significado religioso, con una representación más viva y elocuente de la representación del Creador: la naturaleza misma. De esta forma se provee un escenario vivo, multicolor y siempre cambiante, que va desde las paletas sepias en otoño, los glaucos matices del invierno, las floridas manchas en primavera a los intensos verdes en verano.

La arquitectura de Ando se fundamenta en un claro orden geométrico. La composición de la iglesia sobre el agua se basa en la intersección de dos volúmenes (un prisma de base cuadrada de 15 m de lado y un cubo de 10 m de lado) que comparten una esquina en un area de 5 x 5 m.

El conjunto se separa del hotel por dos brazos en L de 39m y 75m ubicados al este y sur respectivamente, permitiendo al usuario descubrir la iglesia al rodearla e ingresar por el extremo norte.

El estanque al frente de la iglesia es un rectángulo de 45 x 90 m, dividido en cuatro plataformas de 15 m, establece un recinto virtual, una plaza acuática perfectamente visible pero con la que el usuario no puede establecer contacto físico y que comunica la iglesia con la naturaleza. Al mismo tiempo el espacio de la capilla se extiende al exterior, manteniendo un vínculo visual y simbólico con la cruz de metal localizada en medio del estanque. El hecho de trasladar a la cruz fuera del interior de la iglesia de hecho incrementa su impacto visual.

Tras rodear la pared en L, el visitante asciende y desciende unas pequeñas escalinatas que rodean un espacio definido por cuatro cruces, las que definen un cubo virtual entendido como un espacio divino que se dispersa hacia los puntos cardinales. El espacio interior a las cruces es una pequeña placita de techo de vidrio, en la que se hallan dispuestas unas bancas en su perímetro. Las cruces, de 50 cm de espesor están dispuestas de tal manera que sus vértices extremos se

separan por apenas 5 centímetros, aumentando el dramatismo de la composición. En una referencia más etérea a la forma primigenia que les dio origen, las cruces se hallan envueltas por un cubo transparente, una estructura de metal recubierta con cristal laminado.

Al lado de la capilla se ubica un pórtico de concreto de 6.2 m de alto, sosteniendo una viga que se extiende 15.9 m. Este pórtico simbólicamente refuerza la idea de transición de lo profano a lo sacro, mientras que funcionalmente acoge la mampara corrediza que limita entre la capilla y el estanque. De esta forma, cuando el clima lo permite, es posible correr la mampara maximizando la relación íntima de la capilla con su entorno.

Para no interrumpir la continuidad de la superficie acuática, el carril de la mampara se encuentra ligeramente sumergido, siendo imperceptible a la distancia.

En una esquina de la capilla, contigua a la escalera semicircular y discretamente escondidos bajo el cubo de luz se acomodan tres salas de espera así como servicios higiénicos, dispuestos en torno a un espacio cilíndrico de vidrio que recibe iluminación cenital a través de cuatro superficies vidriadas (aquellas que conforman el piso de la plaza de las cruces).

El interior de la capilla es de una impecable sobriedad. Cinco filas de bancas de madera dispuestas en pares a cada lado de la sala, de diseño muy simple.Las paredes de la capilla alojan unas fenestraciones que proveen una fuente lumínica estableciendo una pauta junto a la retícula del concreto visto, típica de las construcciones de Ando.

TEMPLO DEL AGUA

Casa en Monterrey . TADAO ANDO

ARQUITECTURA SIN FRONTERAS