El universo de Vayadares

El universo de VAYADARES

El universo de VAYADARES

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Ponme como un sello sobre tu corazón, como un sello sobre tu brazo, Porque el amor es tan fuerte como la muerte, y la devoción total, tan exigente como la tumba. sus llamas son un fuego ardiente, la llama de Jah.

CANTAR DE LOS CANTARES 8:6

este libro esta dedicado a daniela, nuestr a gatita

El universo de VAYADARES

PREFACIO / PREFACE

Lo que deja el arte de Vayadares—y de cualquier artista inteligente y sensible– es la sensación de potencialidad. En el caso específico de la obra a la que me refiero hay una sensualidad en potencia.

What the art of Vayadares leaves us –and that of any intelligent and sensitive artista– is the sensation of potentiality. In the specific case of the work to which I refer there is a sensuality in potence.

MANUEL SPRINGER, 1995

SSS

JOSÉ

PREFACIO / PREFACE

Hacer este libro fue un proceso ritualista. El rito de duelo, más que una forma de solamente decir “adios”, es un acto de gratitud. Gracias, gracias, gracias. Gracias, Crispín, por tu humildad, tu humanidad, y tu arte, el mayor testamento de quien eras como artista y persona. Sobre todo, gracias por existir y haber sido parte de mi vida.

El olvido se debe a la falta de rigor y esencia, mientras que la gratitud nos conec ta a nuestros raí ces. La gratitud nos da pa tria y pertenencia, da sentido al incompre hensible sucesio n de datos en este mundo digitalizado que, parado jicamente, en su interminable stream de informacio n, no nos dan continuidad ni cohesio n. La gratitud, por otro lado, nos hace recordar, rememorar, y conmemorar.

De joven, Rodolfo Morales le aconsejo, “Crea tu mundo”. A traves de una rica icono grafía de luchadores enmascarados, novias,

amantes, niños jugando, animales altamente simbolicos, y escenas dome sticas entrela zados con textiles, creo su propio universo cuyos tema subyacentes eran la libertad y el amor. Amor, despues de todo, es la libertad maxima aunque estamos inevitablemente atado a lo amado. Sin embargo, al final las ataduras nos liberan pues permiten que encontramos lo sagrado, digo la maravilla dentro de lo mundano de la cotidianidad y así encontrar nuestro lugar en el corriente del tiempo y raison d´etre. Este libro enton ces era necesario no so lo para puntuar la importancia del arte de Crispín en el torrente del arte mexicano sino tambie n para permi tirme cerrar un capítulo y a la vez mantenerlo abierto siempre. Les deseo a todos tener su testigo de vida, su cómplice, para dejar constancia de su paso. En memoria amorosa de ti, crispín, el singularizado, ofrezco humil demente este libro como testimonio.

making this book was a ritualistic Process

The rite of mourning, more than a means of just saying “good-bye”, is an act of gratitude. Thank you, thank you, thank you. Thank you, Crispin, for your humility, your humanity, and your art., the greatest testament of who you were as an artist and a person. Thank you for being and for being a part of my life. Forgetfulness owes itself to a lack of rigor and essence, whilst gratitude connects us to our roots. Gratitude gives us a homeland and be longing, and gives meaning to the incompre hensible succession of data in this digitalized world that, paradoxically, in its interminable stream of information, does not give us con tinuity or cohesion. Gratitude, on the other hand, makes us remember, rememorate, and commemorate.

As a young man, Rodolfo Morales advised him, “Create your world.” Through a rich ico

nography of masked wrestlers, brides, lovers, children playing, highly symbolic animals, and domestic scenes interlaced with textiles, he created his own universe whose underlying themes were freedom and love. Love, after all, is the ultimate freedom although we are inevitably tied to what is loved. However, at the end of the day, ties liberate us as they allow us to find the sacred, I say the wonder, within the mundanity of daily life, and thus, to find our place in the stream of time and our raison d’etre. This book was thus neces sary not only to punctuate the importance of Crispin´s art in the current of Mexican art, but also to allow me to close a chapter and, at the same time, keep it open always. I wish that everyone has his/her life witness, one´s ac complice, to give faith of one´s passing. In lo ving memory of you, Crispin, the singularized one, I humbly offer this book as a testimony.

Ser artista: un reto pictórico consigo mismo

Convencido de que un pintor sólo es artis ta cuando logra crear un discurso original, Crispín Vayadares convirtió su trayecto ria profesional en un reto pictórico consigo mismo. Era un hombre de arraigo local, alegre y conocedor de las costumbres y el lenguaje popular. Por lo mismo, sus escenas cuentan historias, expresan dichos populares y evocan música y valores compartidos en el imagina rio colectivo de los mexicanos.

Este reto pictórico fue una decisión tan acertada como arriesgada porque su ca rrera se inició en una época de gran dinamis mo y competencia en el arte contemporáneo mexicano, tanto en el ámbito de la produc ción como de la comercialización.

Eran los años ochenta del siglo XX. Una década en la que el arte de los jóvenes se imponía con gran diversidad. En la escena nacional, además de la organización institu cional de eventos periódicos que legitimaban y difundían las nuevas propuestas,1 sobresa lía la presencia de una nueva generación de

galeristas dispuestos a construir un mercado para esas expresiones en las que predomina ban las prácticas pictóricas y que, en nuestro país, se definía como “ la nueva figuración” o “la nueva pintura joven mexicana ”. Impacta da por el predominio de las estéticas posmo dernas que se centraban en el diálogo entre vocabularios artístico-occidentales con imagi narios populares rurales y urbanos, la pintu ra se impuso con narrativas figurativas que remitían a imaginarios nacionales y locales.

En este contexto y con sólo 18 años, Crispín Vayadares se introdujo desde princi pios de la década de los ochenta en un mer cado del arte contemporáneo que empaza ba a destacar en la Ciudad de Oaxaca. Y aun cuando su discurso pictórico se transformó constantemente, la esencia de su poética se mantuvo hasta el final de su vida en noviem bre de 2020: la seducción visual del efecto pictórico simulando la fluidez de la acuarela y al mismo tiempo texturas textiles; la narrati va figurativa trabajada en escenas e inspirada

1 Como los Salones Nacionales de Artes Plásticas y, de especial resonancia, el Encuentro Nacional de Arte Joven que tuvo su primera edición en 1981.

en su imaginario cotidiano; la relevancia de los títulos como pistas para la interpretación de las obras; y la invención de una iconogra fía simbólica que devela el pensamiento y ser del artista.

El efecto textil fue esencial en su identidad creativa. Para lograr la simulación visual de los huipiles y enaguas que visten las mujeres del Istmo, el artista fusionó el color con la manera de aplicar la materia. De esta manera, su efecto pictórico rebasa la bidi mensión sin llegar a convertirse en un relieve contundente. Y al usar este efecto en fondos o campos ornamentales, la materia adquirió una sugerente autonomía con un vocabulario ambivalente entre la abstracción y la figura ción geométrica.

Sus inicios

A diferencia de otros artistas oaxaqueños que, como los muy reconocidos Rufino Ta mayo (1899-1991) y Francisco Toledo (19402019) vivieron durante varios años fuera de México, Crispín Vayadares estuvo la mayoría de su vida en el estado de Oaxaca. Nació en 1962 en San Miguel del Puerto, Pochutla, un lugar de manantiales y cafetales en donde su madre, Antonia Martínez Rosalino, trabaja ba como jornalera en la hacienda cafetalera Rancho Viejo y en la cual, su padre José Vayadares, era el capataz. Y aun cuando fue registrado con el apellido paterno, la rela ción matrimonial entre sus padres nunca se formalizó.

A los pocos meses de su nacimiento, el mayor de sus dos medios hermanos mayores incendió accidentalmente un sembrandío. Para evitar represalias, su madre huyó de San Miguel con sus tres hijos transladándose a Salina Cruz, una importante ciudad portuaria ubicada en el hermoso Istmo de Tehuante pec. Una zona sobresaliente en México por el protagonismo social, económico y cultural de las mujeres de origen zapoteco que la habitan.

Katherine Wong (O KAT), su compañe ra y esposa, cuenta que Crispín siempre fue muy trabajador y responsable de su familia. Para apoyar económicamente a su madre que laboraba lavando y planchando ropa, cuando sólo tenía seis años alternó la escuela con la venta de chicles. Años más tarde, su habilidad como emprendedor lo llevó a co mercializar en el mercado de Salina Cruz pes cados que recogía en los muelles, y nopales y pájaros que recolectaba en el monte. En su pre-adolescencia limpió cisternas de barcos, se encargó de tirar la basura de restaurantes del puerto y, a los 16 años, también conoció el oficio de albañil.

Ajeno en su infancia y preadolecen cia a todo contacto con el arte, la formación estética de Crispín Vayadares se inició en su mirada. El mar, los peces, el cielo, la natura leza, la plancha de carbón de su madre y el impacto visual de esas empoderadas mujeres zapotecas que, con altivez, exhiben la belle za de sus copiosas trenzas y extraordinarios ropajes saturados de abundantes colores,

De niño con su madre

ornamentos florales y patrones geométricos. Elementos, todos ellos, que el artista convir tió en su iconografía personal.

El gusto y la habilidad para dibujar y construir juguetes a partir de deshechos se manifestó también desde su niñez. Con base en lo que le contaba a Kat, sabemos que utilizaba latas de sardinas para construir cochecitos y, con las cajas de cerillos, ensam blaba casas de distintos tamaños. En los años setenta, esa habilidad manual le permitió iniciar su formación como pintor en Juchitán.

En el ámbito artístico, Oaxaca adqui rió una notoria presencia pública cuando Francisco Toledo, al regresar a México, se instaló en Juchitán en donde apoyó a la COCEI y promovió la actividad cultural con la fundación y patrocinio, en 1972, de la Casa de la Cultura Lidxi Guendabiaani de Juchitán. En el contexto nacional, Juchitán destacó en esa década por el activismo de la COCEI (Coalición obrera, campesina, estudiantil del Istmo), una organización de ideología socia lista que se fundó en 1973 en oposición al ré

gimen en el poder del Partido Revolucionario Institucional (PRI). Ese entorno de activismo político y artístico fue el que encontró al em pezar su formación con el maestro acuarelis ta Jorge Ortega, en la segunda mitad de los setenta. Además de participar en la COCEI, su fascinación por los textiles de las mujeres zapotecas se materializó al representarlos con la suave y transparente expresividad de la acuarela. En este tiempo realizó su primer mural en la Casa de la Cultura, una pieza que se perdió en el agitado devenir de Juchitán. Su trayectoria profesional se inició en los años ochenta con un sorprendete éxito comercial. La nueva pintura figurativa dominaba el escenario artístico de la Ciudad de México. Y las expresiones con referencias a imaginarios populares habían adquirido una aceptación que también resonaba en la ciudad de Oaxaca. Como oaxaqueño, la propuesta de Vayadares se inscribía en lo que erróneamente se denominó como la Escuela oaxaqueña de pintura. Un término mercadológico que, además de encasillar la

Mujer con Plancha, Gouache sobre papel, 38 x 56 cm., 1995

Determinado a crear un lenguaje propio, Crispín nunca asimiló su poética a la de algún maestro. Más bien, su exploración se concentró principalmente en el desgloce de la estética de los textiles istmeños

pintura oaxaqueña en estéticas fantásticas y mágicas, detonó la repetición de poéticas vinculadas con el lenguaje de los tres grandes artistas del estado: Tamayo, Toledo y Rodolfo Morales (1925-2001).

Determinado a crear un lenguaje propio, Crispín nunca asimiló su poética a la de algún maestro. Más bien, su exploración se concentró principalmente en el desgloce de la estética de los textiles istmeños.

Su periodo emergente fue un tiem po de logros y confrontaciones. La obsesión por construir una propuesta personal se enfrentó con la potencia de los tres oaxa queños, sobre todo de Toledo a quien había conocido en Juchitán.

Después de un corto periodo en el que la resolución de sus figuras recordaba ciertos volúmentes corporales de Francisco Toledo, su propuesta pictórica se indepen dizó y concretó a través de composiciones repletas de luz y múltiples colores que se distinguían por su resolución en dos planos: un entorno paisajístico con efectos acua relados como fondo y, en el plano frontal, distintas escenas de la cotidianidad laboral de las mujeres del Istmo de Tehuantepec. En toda su obra, desde la más incipiente hasta la realizada en el último año de su vida, la mujer fue siempre la protagonista principal.

En la obra ochentera, las mujeres de latan su origen istmeño con ese espléndido atuendo que caracteriza la vestimenta fe menina en lugares como Juchitán. Peinadas con robustas trenzas, vestidas con el huipil y faldón bordado con flores o elementos

geométricos, y coronadas con el exuberante tocado o resplandor 2, las protagonistas en la obra de Crispín siempre están ocupadas en algún quehacer: descaman pescados, portan alimentos en sus cabezas, parten sandías, cargan iguanas, cocinan tostadas, azuzan el fogón, tocan guitarra, bordan un huipil y le quitan las arrugas con un plancha de carbón como la que usaba la madre de Crispín. Son mujeres que no conocen la identidad feme nina como objeto, trofeo o entretenimiento machista.

Y entre el exuberante entorno de luz que se refracta en suaves y expresivos colo res, la narrativa de la mujer como creadora de vida se percibe en numerosas escenas en las que el agua adquiere también un prota gonismo relevante. Con partos sugeridos a través de cordones que atraviesan la escena sugiriendo su similitud con el cordón umbili cal; pequeños cuerpos de cabeza que salen del vientre; y numerosas tijeras que, para el pintor, significan vida porque son el objeto que corta el cordón umbilical; las pinturas de la etapa inicial, lejos de inscribirse en el este reotipo superficial de la pintura oaxaqueña, se imponen como un sugerente discurso que relaciona a la mujer y al agua como origen de la vida.

Y como en toda su obra, la convivencia entre un mundo ideal y la realidad contem poránea se sugiere no sólo en las actividades femeninas sino, también, a través de la in trusión de objetos de uso cotidiano como el teléfono. Representado sólo con el auricular y un largo cordón que puede estar extendido

2 Tocado de gran tamaño en color blanco, que cubre toda la cabeza a manera de un resplandor.

o enrrollado -decisión que permite compa rarlo con el cordón umbilical-, su presencia se percibe como una recuro para recordar que lo representado, lejos de ser ficción, es una vivencia cotidiana.

En estos años, entre atmósferas re pletas de luz y alegres colores, que sirven de entorno para escenas con mujeres ricamente vestidas que habitan entre ollas decoradas con flores, pájaros y animales marinos, Crispín Vayadares fue promovido por galerías tan importantes como Arte actual mexicano en Monterrey y Arte de Oaxaca en la ciudad del mismo nombre. Y aunque el pintor nunca lo expresó, la presencia constante de ollas, cocos y trenzas que se multiplican en las cabezas femeninas como las de la protec tora Medusa de la mitología griega, sugieren cierta referencia a ritos istmeños con los que la comunidad construye sentido en torno al estado civil de las mujeres.

En este contexto realizó su segundo mural en el espacio público, en el mercado Ignacio Zaragoza de Salina Cruz. Una escena con mujeres tehuanas que lamentablemen te fue borrado en el complicado devenir del mercado. Kat comenta que Crispín fue muy feliz cuando lo realizó porque, aun cuando no recibió remuneración económica, los loca

tarios le proveyeron la comida todos los días que duró la producción.

Inquieto y valiente en la intención de ser artista y no sólo pintor, continuó su ex ploración enfatizando, cada vez más, la pre sencia de elementos simbólicos que referían a la creación y permanencia de la vida. Las mu jeres embarazadas o pariendo a seres adultos de pequeño tamaño y sin sexo, se multiplica ron en sus gouaches al igual que la represen tación neo-surrealista de senos femeninos convertidos en montañas, piedras y cielos. Representados con la areola y pezón en tonos oscuros, la evidente referencia a la mujer embarazada se completaba con imágenes de senos chorreando leche en entornos paisajís ticos. Y entre ellos, el agua como un elemento indispensable para generar y mantener todo tipo de vida, se imponía en las composiciones regando vientres femeninos. En el mundo creado por el artista las mujeres parían de manera natural, sin expresiones de dolor, acostadas en el mar o paradas con las piernas abiertas en la tierra. Invadidas muchas veces por imágenes simbólicas como las tijeras o un pie deforme en referencia a la hinchazón que causa el embarazo, las imágenes integraron la figura de un rostro con cuerpo de gusano que parece hacer referencia a la masculinidad.

Con Rufino Tamayo en la Ciudad de México, 1985

Sintética en su narrativa, esta etapa que abarca hasta los primeros años de la década noventera se caracteriza por una paleta sombría que sirve de entorno a dos tipos de propuestas: collages con referencias a temáticas políticas, y gouaches neosurrea listas centrados en el tema de la leche como alimento. Los collages parecen referirse a temas geopolíticos por el uso de estampas de la República Mexicana, la presencia de águilas -como las del escudo nacional-, y la irrupción en el papel con de estambre que recorren las imágenes como heridas.

Las obras que desarrollan el tema de la leche como alimento son muy diferentes y sobresalen por una interesante ambigüedad que las coloca entre el humor, la irreverencia y algo de espiritualidad. Trabajadas en series con el título de La leche materna y La leche de vaca, las imágenes con fondos acuarelados de gran transparecia representan tazas, vacas, ubres, senos que chorrean y, de nuevo, ese personaje que sólo es rostro con cuerpo de gusano y el enorme pie de dedos redondos muy hinchados. Los cuerpos de los pocos

personajes de estas series son interesantes porque carecen de músculos, configurados sólo con un costillar o un intestino, su estruc tura que recuerda a los juguetes de cartón tradicionales llamados “judas”.

Sumamante importante en estas series, es la introducción de los fondos con patrones lineales que remiten a la geometría de las espigas.

Aun cuando lo aborda con muy pocas obras y no lo desarrolla nunca más, el erotis mo es un tema que también aparece en al gunas piezas de este período. Sin referencias explícitas, el falo está sugerido por un plátano que interactúa discretamente con cuerpos femeninos.

En 1992, el encuentra con la mujer que fue su compañera, esposa y madre de su única hija, transformó en unos años su poé tica iluminando la paleta y desarrollando una narrativa de escenas vinculadas con la vida en familia. El enamoramiento fue tan breve como rotundo. Pintora, nacida en Kingston, Jamaica, y residente desde los cinco años en Florida, USA, Katherine Wong (O KAT) creció

izquierda: En la exposición Crispín Vayadares en Galería de Arte Actual Mexicano, Monterrey, 1990-

derecha: 24 de mayo 1993, día del su boda civil con Katherine Wong.

en Miami, estudió artes plásticas en la pres tigiada Universidad Brown en Providence, Rhode Island y, en 1991 obtuvo la Beca Arnold para estudiar arte precolombino en México. Después de viajar por varios lugares de la República, se instaló temporalmente en la Ciudad de Oaxaca en donde conoció a Crispín Vayadares. Tras compartir algún tiempo en Miami, contrajeron matrimonio en 1993 en Oaxaca.

Ahora con 31 años, continuó su trayectoria fortaleciendo una poética que ya se había anunciado en algunos gouaches: la seducción y confusión retinal del efecto textil pictórico. Una característica que lo distinguió en el escenario de la pintura contemporánea de México.

El artista joven

En 1994, la serie Los verdosos , si bien conti núa con esa poética de pocas figuras de alto contenido simbólico, sobresale por el cambio

de narrativa, el contraste cromático entre las figuras y las atmósferas, y el protagonismo de fondos resueltos a partir de patrones geomé tricos que, con luminosos cromatismos, refieren a estructuras vegetales.

Trabajadas como si fueran una fór mula a interpretar a partir del título, sus com posiciones incluyen torsos femeninos, rostros masculinos sobre un esqueleto que recuerda la artesanía en cartón, y distintos alimentos como chiles, aguacates, cebollas de rabo y huevos estrellados cocinados en un sartén. Sin abandonar las tijeras, su iconografía y su narrativa adquieren un humorismo sobrio en el que, por ejemplo, una niña precoz tiene el enorme pie de embarazada, y los recién casa dos son una pareja con el hombre de cabeza y la mujer con un sarten de huevos fritos sobre la cabeza. Como nunca lo expresó, es imposi ble afirmar que los huevos hayan sido símbolo del origen de la vida como en toda la historia del arte; sin embargo, al pertenecer a compo sicione vinculadas con parejas, la vinculación con el origen de la vida humana es inmediata. Otras de las aproximaciones humorísticas es

la serie sobre los Chimuelos y, en el contexto erótico y reproductor de vida, la relación de frutas y verduras partidas -ahuacates, chi les- con la vagina es discreta pero evidente.

Los años noventa son claves para entender la obra de Vayadares. Por un lado se percibe a un artista que explora un len guaje simbólico constituido con narrativas figurativas sintéticas de volúmenes rotun dos; por el otro, se encuentra un artista que equilibra sus exploraciones pictóricas con colores vibrantes, seres fantásticos, repre sentaciones de tradiciones y artesanías de Oaxaca. Así, Crispín Vayadares desarrolló una propuesta en la que, si bien las narrati vas se basaban en sus escenas caracterís ticas con varias mujeres de gruesas trenzas vestidas con huipiles juchitecos y ocupadas en quehaceres cotidianos, los fondos de sus composiciones se distinguían por la alter nancia de distintos patrones geométricos. Trabajadas con numerosos colores de tonos intensos, las pinturas noventeras contienen un movimiento vertiginoso que se enfatiza

por la presencia de fractales que saturan las imágenes. Las tijeras, los cocos partidos, las ollas y los ornamentos florales se mantie nen otorgando a sus pinturas la identidad poética ya conocida.

Un factor interesante en estas pinturas, es la introducción de vestimentas urbanas ajenas a los trajes tradicionales. En la serie Interiores , además de represen tar distintas escenas que conviven en un entorno, las mujeres ya usan faldas cortas abajo del huipil y sus piernas se imponen con tacones altos.

El artista en su madurez

En la transición del siglo XX al XXI, Crispín Vayadares define su propuesta pictórica dividiendo la composición en dos planos: atrás, como fondo, una poética centrada en patrones con efectos pictóricos de colores sutiles y transparentes que remiten a visua

con Plancha, Gouache sobre papel, 38 x 56 cm., 1995

Mujer

lidades textiles; en el frente, mujeres, niños, hombres y juguetes -camiones, patinetas, aviones- resueltos con volúmenes y tonos sumamente toscos. Sin hacerlo evidente, en las representaciones femeninas explo ra el retrato al convertir a Kat y a su hija Daniela en el centro de la composición. Atento siempre a las vestimenta de sus personajes, decora su ropa con diseños abstractos alejándose de los estereotipos oaxaqueños y evidenciando su pertenen cia a las estéticas posmodernas. Ya sea en animales de juguete o en la representación de pantuflas con cara de animales, el kitsch postmoderno, aun cuando muy discreto, es parte de su universo creativo.

A partir de 1999, el reconocimiento institucional se convirtió en una constan te que le llevó a trabajar por series que generalmente se convertían en exposicio nes. Entre ellas, El canto alegre de la vida en 1999, Juegos y malabares en el 2000 y El telar de los colores en 2001. Esta última, una exposición en la que el pintor inició una

figuración femenina menos tosca, vestida otra vez con referencias istmeñas y coloca da frente a fondos que se apropiaron de la visualidad de los diseños geométricos de los huipiles. En esta serie, además de pre sentar animales de juguete, las composicio nes, en textura, figuras y color, se volvieron exageradamente saturadas.

Con el dominio del efecto pictó rico de visualidad textil, Crispín Vayadares realizó algunas piezas que se concentraron únicamente en la representación de flores y patrones geométricos. Oscilantes entre la abstracción, la figuración y el relieve, estas piezas sobresalen por apropiarse de los contrastes de luz y oscuridad caracteríticos de los bordados del Istmo de Tehuantepec. En 2006 su obra adquiere una intensa pictoricidad basada en la satura ción de la materia, el color y los patrones geométricos. En sus narrativas, las recupe ración de iconografías de épocas anteriores alterna con nuevas temáticas que sobre salen por el protagonismo del diseño textil.

Mujer con Plancha, Gouache sobre papel, 38 x 56 cm., 1995

Es un año coyuntural porque es cuando le diagnostican la enfermedad degenerativa que terminará con su vida en 2020.

La intensidad que adquirió su pin tura a partir de entonces es sobresaliente. Resueltas en campos bien diferenciados de distintos patrones geométricos y florales, sus composiciones configuran tanto univer sos únicamente vegetales como mundos híbridos en los que habita un enorme gato de identidad dual, a veces se comporta como felino y otras como humano. En am bas composiciones el artista hace referen cias a textos bíblicos. De paraíso perdido … a paraíso recobrado es una serie realizada en 2007 en la que exalta la naturaleza convir tiéndola en un híbrido entre el efecto textil y la exuberancia vegetal. Depués del diluvio, una serie realizada en 2008, sorprende por la elección de un animal como protagonista. Se trata de un extraño felino de expresión irreverente y burlona, que mira de manera desafiante al espectador mientras habita en un entorno repleto de flores y patrones geométricos. En esta serie incorpora nueva mente escenas que representan platillos tradicionales que cocina el enorme gato, como tacos y tostadas colocadas en un gran comal o en las típicas ollas que represen taba en otras épocas. El entorno es ficticio aún cuando parece referir a las cocinas de humo que se utilizan en distintas partes de la República 3. En esta serie no hay refe rencia a figuras humanas, todos son anima les como pájaros y armadillos que apenas se descubren entre los ornamentos. Tam bién de nuevo aparecen los múltiples senos que chorrean gotas de leche como parte corpórea de este gran felino. Son obras en las que el enorme gato confronta al mundo real mirándolo con sorna. Son obras que creó durante los primeros síntomas de una enfermedad amenazante.

Con este universo carente de

figuras humanas, Crispín pintó un lienzo monumental que se exhibe en el Centro de Rehabilitación y Educación Especial (CREE) en la Ciudad de Oaxaca. Colocada de ma nera permanente en el lobby, la pieza es la única presencia en el espacio púbico que queda de las tres que realizó el artista. La primera en la Casa de la Cultura de Juchi tán en los años setenta y la segunda en el Mercado Ignacio Zaragoza en Salina Cruz. La pieza del CREE recupera la iconografía típica del artista: un traje de tehuana, el teléfono, la plancha de carbón y alimentos crudos y cocinados. Congruente con la poé tica desafiante que caracteriza a los gatos, uno de ellos porta el tocado o resplandor del vestido de lujo de la mujer istmeña. Kat siempre ha pensado que Crispín eligió al gato por el proverbio de que tiene siete vidas. Antes de conocer su diagnós tico, el artista se había salvado de varios accidentes. Estaba seguro que vencería a esta enfermedad también.

El último trayecto

A partir de los primeros años de la segunda década del siglo XXI, Crispín Vaya dares transforma una vez más su narrativa manteniendo siempre los efectos pictóri cos de visualidad textil que lo identifican. La agresividad que expresaba el gato en su mundo ficticio, es sustituida por temáticas que se centran directa o indirectamente en el amor de pareja y la vida familiar.

Sin abandonar por completo la referencia a vestimentas tradicionales del Istmo, el pintor incorpora imaginarios urbanos conectados con la moda contem poránea, la cultura visual de la lucha libre y la música romántica popular a la que dedicó varias series. En 2011, Esta tarde vi llover en

3 Se le llama cocina de humo a un espacio pequeño y bien ventilado, construido afuera de las casas, en el que se cocina con leña.

referencia a la canción del famoso compo sitor Armando Manzanero; en 2012 le tocó a la conocida canción de Pedro Infante Amorcito corazón; en 2013 parafraseó como Las paisanas llegaron ya el cha cha chá Los marcianos de Tito Rodríguez; el bolero de Álvaro Carrillo Sabor a mí fue la inspiración de la serie del mismo título en 2018; y, como si intuyera su partida, en 2019 dedicó la serie al vals y canción Dios nunca muere

En esta última década, la mujer fue una protagonista contundente. Entre 2013 y 2014, dos exitosos proyectos le permitieron vincular la tradición y la contemporaneidad: Novias Fashion y Shopping Girl respectiva mente. Trabajadas en formatos verticales de distintos tamaños, estas obras concen tran la representación en mujeres jóvenes. Las novias, excepcionales por la delicadeza de los blancos encajes que visten, llaman la atención porque se encuentran en interio res con ventanas y plantas que se ditin guen por la transparecia de su pictoricidad. Diferentes por la diversidad de sus vestidos, en los que hay referencias tanto al textil istmeño como a la moda actual, las altivas

mujeres de Shopping Girl están rodeadas de bolsas, alhajas, botellas de cosméticos y zapatos de tacón. En las dos series, las mujeres comparten ese peinado de trenzas que vuelan sobre la cabeza que diseñó el pintor en sus primeros tiempos. Sólo que en la contemporaneidad las trenzas son más cortas.

Discreto en su enfermedad -cuen ta Kat que no muchos de sus amigos más cercanos conocían el deterioro de su salud-, el artista creó alrededor de 2015 un alter ego, que convirtió su retrato en un rostro tosco de robustas mejillas, enmascara do a la manera de los protagonistas de la lucha libre. Cubierto con diseños florales y abstractos, el luchador compartió muchas veces la imagen con juguetes y niñas en bicicleta. Interesado en que sobresalieran las figuras, redujo notablemente su núme ro permitiendo la inmediata lectura visual tanto del fondo de efecto textil como de los retratos reintepretados de su hija, de su mujer y de sí mismo. En cuanto a su paleta, el predominio de tonos oscuros y poca luz es una característica en estas piezas.

Mujer con Plancha, Gouache sobre papel, 38 x 56 cm., 1995

A partir de 2015 su narrativa cambió de nuevo. La sobriedad se transformó en una saturación explosiva de diseños florales y geométricos, y el color volvió a iluminarse y expandirse en múltiples tonos. Sin tra bajar específicamente en series concretas, Crispín Vayadares dividió su creación en dos temáticas generales: Oaxaca y el amor de pareja. Esta primera está representa da a través de bellas mujeres rodeadas de referencias contemporáneas a la gastrono mía oaxaqueña, entre ellas, el mezcal con gusano de maguey. De nuevo, son mujeres que portan el huipil y la enagua juchiteca. Sin embargo, no son ficticias sino que per tenecen a un mundo en el que la tradición es parte de la contemporaneidad. Y segundo, el amor de pareja: un tema que develó a un hombre enamorado que trataba de recuperar, en imágenes, las vivencias y emociones que constituyeron su vida adulta. Representado como un fuer te y alegre luchador de cuerpo completo, Crispín Vayadares recorrió el encuentro, la boda, la fiesta y el amor convertido en ve neración. Además de sus conocidos efectos textiles, introdujo una nueva retícula en la que destaca un pequeño rectángulo al

centro que siempre es de color negro y que, por su protagonismo, permite paradójica mente diferenciar los distintos patrones ornamentales. Trabajados desde entonces en campos de mayores dimensiones, los modelos geométricos y florales invadieron poco a poco, como cascadas, casi la totali dad de las imágenes. Y aunque su cuerpo se deterioraba cada vez más, la alegría y el humor se enfatizó en los títulos y escenas de estas obras amorosas.

En sus pinturas y con el rostro siempre cubierto o protegido por una mascara de atractivos diseños geométricos y/o florales, el artista, en su alter ego, fue un Niño Feliz jugando con una patineta y un hombre alegre tocando saxofón en honor a Stravinsky. Trabajadas como paisajes planos en las que se narra una historia con varios personajes -De quién es la novia, Robando a la Güera, Las amigas de los no vios-, sus obras, a partir de 2018, concentran en el centro de la imagen el protagonismo de la imagen. Integradas ya sólo con un personaje femenino o con una pareja de amantes que enredan sus cuerpos como si estuvieran levitando para mantener la composición central, sus pinturas adquieren

Niños del CRIT recibiendo clases de pintura en el taller, 2011.

Postmoderno, oaxaqueño e internacional, Crispín Vayadares sobresalió en el contexto artístico de México con una propuesta original de efectos pictóricos de visualidad textil, que se convirtió en un fascinante entorno para compartir, a través de escenas y personajes, ese imaginario cotidiano que osciló entre la ficción y la realidad de sus deseos cumplidos.

composiciones que recuerdan a las vírgenes virreinales. Y así, en el centro de la repre sentación, Crispín convierte la fisonomía de su mujer en una Madre moderna porque porta una bolsa actual; en parte, en una Ama de casa porque está en compañía del luchador y de una pequeña niña; en nume rosas novias y en diferente ecenas de pareja que, al inscribirse en atmósferas cubiertas de hoja de oro, no pueden evitar recordar el famoso Beso que pintara entre 1907 y 1908 el austriaco Gustav Klimt (1862-1918).

En 2019 la cultura y el devenir oa xaqueño regresa a su pintura. Las compo siciones se abren para dar cabida a escenas en las que, además de la pareja, también se pueden ver entornos y alegrías domésticas. La Cocina oaxaqueña, el Sabadito alegre y el Desayuno oaxaqueño son algunas de las pinturas que, entre salsas, aguacates, tosta das, cervezas, mezcal y mariscos, develan el placer que siempre sintió al compartir con Kat la gastronomía de su estado natal.

A Crispín lo recuerdan como una persona alegre, solidaria y muy cariñosa. Características que se comprueban en una pintura emblemática que realizó en 2019, a dos años del terremoto que tanto dañó a su estado y que tiene por título Después del terremoto. Se trata de una escena dividida en tres planos. En el inferior, con un fondo que remite a una decoración de mantel, se encuentran camarones que parecen bailar sobre un sartén, un cangrejo, un aguacate, una botella de mezcal y el típico coco abierto que tanto pintó Crispín en otras épocas. En

medio, al frente de la retícula de pequeños rectángulos negros y entre flores, una figura figura femenina sobre una hamaca escu cha la canción que canta un luchador con el acompañamiento de su guitarra, y hasta arriba, en un plano muy estrecho, se une el mar con el cielo y numerosas nubes. Este tipo de paisaje simbólico se convirtió en una característica de su última etapa creativa. Pintor apasionado y obsesivo hasta el viernes 6 de noviembre de 2020, Crispín Vayadares, además de haber incursionado en la gráfica, también expandió su pintura en la intervención de objetos y cajas. Es muy simbólico que los elementos elegidos hayan sido utensilios tradicionales de cocina como sartenes, comales y ollas de peltre. En su obra, el alimento tuvo un significado especial, desde la leche que escurría de esos sugerentes senos autónomos, hasta la representación constante de sólo algunos alimentos y platillos como tacos y tostadas. Montados en una varilla de fierro, los coma les son especialmente interesantes porque remiten a objetos sagrados que enfatizan el valor que tuvo para el pintor el amor de pareja.

Postmoderno, oaxaqueño e in ternacional, Crispín Vayadares sobresalió en el contexto artístico de México con una propuesta original de efectos pictóricos de visualidad textil, que se convirtió en un fas cinante entorno para compartir, a través de escenas y personajes, ese imaginario coti diano que osciló entre la ficción y la realidad de sus deseos cumplidos.

Los Paisanos Llegaron Ya

Mujer con Plancha Woman with an Iron

Recién casados Newlyweds

Niña precoz Precocious Girl

Robando a la güera Robbing the Fair-Skinned Girl

La noche del agua encantado The Night of the Enchanted Water

que

niños…

Sin título Untitled 1992

Sin título Untitled 1992

Sin título Untitled 1992

Sin título Untitled 1992

Sin título Untitled 1992

Sin título Untitled 1992

buena leche

Sin título, Serie leche materna Untitled, Maternal Milk Series

Sietemesino en proceso Premature Baby in Process

Adolescencia, Leche almendrado, Serie leche materna Adolescence, Almond Milk, Maternal Milk

Atacada por sus hijos, Serie leche materna Attacked by her Children, Maternal Milk Series

Por la madrugada, Serie leche de vaca At Dawn, Cow´s Milk Series 1993

Niño creciendo Growing Boy 1993

Leche para crecer Milk for Growing 1993

Madre rural Rural Mother 1993

Niño, guerra de senos Boy, War of Breasts 1993

Niña, cambio de piel Girl, Change of Skin 1993

Niña con placenta Girl with Placenta 1994

Imágen de una madre primeriza Image of a First-Time Mother

Sobre las olas, Serie leche materna On the Waves, Maternal Milk Series

Un Plato de Verduras donde Hay Amor

A PLATE OF VEGETABLES WHERE THERE IS LOVE SSS

Lo que deja el arte de Vayadares—y de cualquier artista inteligente y sensible– es la sensación de potencialidad. En el caso específico de la obra a la que me refiero hay una sensualidad en potencia.

What the art of Vayadares leaves us –and that of any intelligent and sensitive artista– is the sensation of potentiality. In the specific case of the work to which I refer there is a sensuality in potence.

JOSÉ MANUEL SPRINGER, 1995

SSS

Ama de casa en reposo House wife in Repose 1994

Cerquita del pozo Very Near the Well 1994

Sin

Vendedora de chiles rellenos Vendor of Stuffed Chilis

Verduras para la cena Vegetables for Dinner

Plancha verde, Serie los verdosos Green Iron, The Green Ones Series

Sin título, Serie leche materna Untitled, Maternal Milk Series

Sin título, Serie leche materna Untitled, Maternal Milk Series

Sietemesino en proceso Premature Baby in

m anuel s pringer, 1995

Obra Reciente de Crispín Vayadares

THE RECENT WORK OF CRISPIN VAYADARES

La más reciente obra de Crispín Vayadares tiene como tema la vida doméstica. Los alimentos, utensilios y personajes forman los macrocosmos expresados en sus pintu ras y acuarelas. Las figuras se tejen en torno a los pequeños ejercicios del quehacer diario: el desayuno, la casa, el nacimiento.

La primera pregunta que me vino a la mente al ver la obra fue ¿acaso esta obra llama a mujeres y hombres por igual? Otra interrogante que surgió después fue ¿puede esta obra decir lo que sucede a su alrededor, puede transmitir algo importante para nues tra época?

Después de ver una obra, la abandona mos llevando en mente algo que no teníamos

the most recent work of Crispin Vayadares has as its theme domestic life. Food, utensils, and characters form the macrocosm expressed in his paintings and watercolors. The figures are woven around the small exercises of daily cho res: breakfast, the home, and birth.

The first question that came to mind upon seeing the work was: by chance does the work appeal to men and women equally? Another question that arose afterwards was: can this work speak about what happens in the

antes. No nos llevamos solamente las formas, los colores y la forma de plasmarlos sino algo más importante: la manera en que el artista ve su mun do. Y si podemos ver su mundo también podemos compararlo con el nuestro.

Las formas que usa el artista son los medios por los que expresa su manera de ver. Esto queda confirmado por el hecho de que frecuentemente podemos citar la sensación que nos dejó una obra a pesar de que hayamos olvidado el tema o la compo sición de la obra. Decimos que la obra es placentera. El trabajo de Crispín Vayadares lo es. Pero a mí me interesa saber por qué, si ya me olvidé de los cuadros y sus imágenes, sigo pensando en la sensación.

world around it, can it transmit something im portant for our era?

After seeing a piece of Vayadares, we leave it, taking in mind something that we didn´t have before. We don´t only take the forms, the color, and his way of laying them down on the canvas; but also something of much more importance: the way the artist sees his world. And if we can see his world, we can also compare it with ours.

The forms that the artist uses are the means by which he expresses his way of see

Jose

Si la vida no fuera sensual, sería monótona. Si los sentidos estuvieron bloqueados o mecánicamente adaptados a la percepción de que esto es una cebolla y nada más, el mundo agotaría su sentido en poco tiempo.

Lo que deja el arte de Vayadares—y de cualquier artista inteligente y sensible– es la sensación de potencialidad. En el caso específico de la obra a la que me refiero, hay una sensualidad en potencia. Yo puedo ver verduras, platillos, mesas, utensilios en mi hogar y no estar consciente de su potencial expresivo, pero veo los cuadros de Crispín, las formas de la cebolla, de un plato con huevos rancheros y sentir que hay en ellos algo dife rente. Las olvido y luego—mientras escribo estas líneas– recuerdo sólo la sensación de la sensualidad. He aquí un logro, el artista ha transmitido su forma de ver el mundo, su mundo, y ha transformado el mío al apelar a mi memoria.

La obra de arte puede aumentar la percepción de diferentes potencialidades en la gente. Para algunos las tijeras presen tes en las pinturas pueden ser símbolos de castración, para otros son la independencia, el corte del cordón umbilical que nos ligaba a la madre. Es por ello que me preguntaba si hombres y mujeres ven en la obra la misma potencialidad.

Socialmente el mundo doméstico ha sido considerado el mundo de la mujer. En

ing. This is confirmed by the fact that we can frequently cite the sensation that a work left us despite the fact that we have forgotten the theme or the composition of the work. Let us say that the work causes pleasure. The work of Crispín Vayadares does. But what interests me is to know why is it that, if I´ve forgotten the paintings and its images, I keep thinking about the sensation they cause.

What the art of Vayadares and of any other intelligent and sensitive artist has is the

la imaginación de este artista lo doméstico está asociado con la relación entre hombre y mujer. Sus obras no son las imágenes de alcoba y desnudos del arte académico. Entre verduras y algunos utensilios, se ha creado una atmósfera atractiva para los sentidos el gusto, la vista, el tacto y la fusión de pareja.

Si al ver la obra encontremos algo po sitivo en ella, algo que despierta los sentidos, esto no es el resultado de la temática selec cionada. La gente tiende a confundir el men saje con el tema en el arte. Lo que comunica es la forma de ver no lo visto. Si Vayadares se dedicara a pintar animales y fábulas– cosa común en las artistas mixtecos y zapote cos-también afirmaría el panteísmo sensual de su tema, pero es la manera de tratar el tema lo que otorga esa potencialidad.

Por otro lado, tenemos la pregunta sobre si sensualizar el mundo cotidiano es relevante para nuestra era. Ya el mismo hecho de plantearlo en estas palabras afirma la importancia, pero vayamos un poco más adentro. Si la vida no fuera sensual, sería monótona. Si los sentidos estuvieron blo queados o mecánicamente adaptados a la percepción de que esto es una cebolla y nada

sensation of potentiality. In the specific case of the work to which I refer, there exists a sensua lity in potence. I can see vegetables, dishes, ta bles, utensils in my home and not be conscious of their expressive potential, but I see Crispin´s paintings, the forms of the onions, of a plate of fried eggs, and feel that there is something di fferent in them. I have here a triumph, the artist has transmitted his manner of seeing the world, his world, and he has transformed mine upon appealing to my memory.

más, el mundo agotaría su sentido en poco tiempo.

Necesitamos encontrar nuevos usos a todo lo que nos acompaña diariamente. Esa necesidad es el motor de la imagina ción. En la escala de prioridades de nues tra existencia esa urgencia de no caer en lo monótono no siempre ocupa los primeros lugares. La prueba está en que muchos realizan el mismo trabajo sin variar rutina o que el trabajo doméstico es duro no sólo

A work of art can increase the perception of different potentialities in people. For some, the scissors present in the paintings can be symbols of castration; for others, they represent independence, the cutting of the umbilical cord that tied us to our mothers. It is for this that I ask myself if men and women see in the work the same possibility.

Socially the domestic world has been considered the world of women. In the imagi nation of this artist, the domestic is associated

por la energía que consume sino por ser rutinario. Quizá más necesario que la varia ción sea el darse cuenta que el ser humano está por encima de su circunstancia y por tanto puede modificarla.

A partir de este señalamiento la obra de Vayadares adquiere otra connotación. El artista nos ofrece una potencialidad de cambiar el significado de la experiencia diaria. El artista apunta hacia la sensualidad de la forma cotidiana. Y lo que nos queda

with the relationship between a man and a wo man. His words are not the bedroom and nude images of academic art. Among vegetables and some utensils, an attractive atmosphere for the senses, taste, sight, touch, and the fusión of a couple, has been created.

But on the other hand, we have to ask if sensualizing the everyday world is relevant to our era. Already, the very fact that we plant it in these words affirms its importance; but let us delve a little deeper. If life weren´t sensual, it

Mujer con Plancha, Gouache sobre papel, 38 x 56 cm., 1995

es tan sólo el recuerdo de esa posibilidad de variación. Por tanto, el fondo de la obra estriba en que propone que cambiemos los significados de una circunstancia. El fondo de esa forma de ver el mundo afirma que el hombre puede cambiar lo pequeño y sugiere que también puede modificar lo grande, su entorno doméstico y su entorno social.

La función que puede cumplir el ar tista a través de su arte y de su forma de ver consiste en ofrecernos una opción. Nosotros podemos rechazarla o aceptarla, pero no podemos negar que nos fue otorgada. La

would be positively monotonous. If our senses were blocked or mecanically adapted to the perception that this is an onion and nothing more, the meaning of our world would run out in no time.

We need to find new uses of everything that accompanies us daily. That need is the motor of imagination. In the scale of priorities of our existence, that need of not falling into the monotonous doesn’t always occupy the foremost places. The proof is in the fact that

publicidad ofrece opciones podría decir el publicista, pero habría que ver que la única opción es consumir o no y en ese sentido la opción es muy limitada.

La riqueza de la opción que presenta el artista radica en que se nos ofrece una esperanza, un potencial. La memoria de unas cuantas obras puede ser suficiente para sentirse enriquecido por las opciones que representan.

Todos estamos rodeados por un entor no doméstico. El arte pictórico es pletórico en el número de citas de lo doméstico. El

many realize the same work without varying their routine or that domestic work is hard, not only because of the energy it consumes but also because it is routine. Perhaps what is more necessary than variety is the realization that mankind is above his circumstance, and there fore, he can modify it.

The work of Vayadares acquires another connotation. The artist offers us the potential of changing the meaning of our daily experience. The artist points toward the sensuality of every

Mujer con Plancha, Gouache sobre papel, 38 x 56 cm., 1995

bodegón es un medio que nos habla de las posesiones, las aficiones y las obsesiones de su poseedor. Pero la obras de Vayadares distan de ser presentaciones tradicionales de la propiedad. Su forma de ver los objectos no los ensalza en sus características intrínsecas sino en su capacidad simbólica.

Cuando en el futuro distante alguien vea estas obras, podrá verlas de otra manera. El cambio dependerá de las condiciones en que esa persona viva. Si la vida en el futuro pone más obstáculos para que nuestra men te y visión se concentre en lo real y lo que nos

day form. And what is left to us is the remem brance of that possibility of variation. Therefore, the backbone of the work lies in that it proposes that we change the meaning of a circumstance. This way of seeing the world affirms that man can change what is small and suggests that he can also modify what is great, his domestic and social environs.

The function that the artist fulfills throu gh his art and his manner of seeing consists in offering us an option. We can reject or accept it,

Mujer con Plancha, Gouache sobre papel, 38 x 56 cm., 1995

rodea, lo más seguro es que estas pinturas parezcan irrelevantes e intraducibles. Pero si lo doméstico sigue siendo el eje primordial de nuestro acontecer, si de él dimana nues tra identidad básica (más que de la historia o de la pertenencia a una cultura o región), las obras de Crispín Vayadares habrían transcen dido, ofrecerán opciones y recordarían al que las vea que es posible modificar y destejer un entorno por más impuesto o rutinario que parezca.

El arte como las formas de verlo están en cambio constante. Los usos del

but we cannot deny that it was offered us. The richness of the option that the artist presents ra dicates in that it offers us a hope, a potential. The remembrance of a few works can be sufficient to feel enriched by the options that they represent.

All of us are surrounded by a domestic environment. Pictorial art is plethoric in the number of domestic references. The still life is a means that speaks to us of the possessions, preferences, and obsessions of their owner. But the works of Vayadares differs from the tradi

arte como un referente de identidad están en constante negociación con otras formas visuales de nuestras sociedades. Ya no es posible decir que el discurso del arte ocupa la imaginación o el deseo de ser de hombres y mujeres, sin embargo, sigue siendo un terreno donde las posibilidades de identificación de un individuo con otros son ilimitadas.

La desesperación que nos impone el sistema económico y político resulta de la ausencia de posibilidades o del simulacro de ellas. En el arte de Crispín Vayadares hay un camino, un lugar para lo poético y lo real, el sitio donde se puede afirmar el individuo aún en condiciones duras de sobrevivencia y transformarlas en verde esperanza.

tional representations of property. His way of seeing the objects do not link them with their intrinsic characteristics but to their symbolic capacity.

When in the distant future someone sees these works, he will be able to see them in another light. The change will depend on the conditions in which this person lives. If life in the future places more obstacles for our mind and vision to concentrate on what is real and what surrounds us, it will be most likely that these paintings seem irrelevant and untransla table. But if the domestic keeps on being the primordial axis of our being, if from it emanates our basic identity (more than just history or the belonging to a culture or a region), the works of Crispin Vayadares would have transcended, they will offer up options, and remind those that see them that it is possible to modify and

unravel an environment as imposed or routine that it may seem.

Art and the ways of seeing it are in cons tant change. The use of art as a reference of identity are in constant negotiation with other visual forms of our societies. It is no longer pos sible to say that the discourse of art occupies the imagination or the desire of being of men and women; nevertheless, it continues to be a terrain where the possibilities of identification of an individual with others are limitless.

The desperation that the economic and political system imposes upon us results in the absence of possibilities or the simulation of them. In the art of Crispin Vayadares, there is a road, a place for the poetic and the real, the site where the individual can be affirmed even in the hard conditions of survival and transform them into green hope.

La gente tiende a confundir el mensaje con el tema en el arte. Lo que comunica es la forma de ver no lo visto.

Sietemesino en proceso Premature Baby in Process

Sin título, Serie leche materna Untitled, Maternal Milk Series

Sietemesino en proceso Premature Baby in Process

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Sin título, Serie leche materna Untitled, Maternal Milk Series

Sietemesino en proceso Premature Baby in Process

Sin título, Serie leche materna Untitled, Maternal Milk Series

Sietemesino en proceso Premature Baby in Process

Sin título, Serie leche materna Untitled, Maternal Milk Series

Sietemesino en proceso Premature Baby in Process

el Niño Eterno

THE ETERNAL CHILD SSS

La pintura de Crispín Vayadares es la pintura de Crispín Vayadares. Su telar de colores sólo obedece a su propia determinación. Esa es su valía y quizá también su riesgo: seguir la voz interior. Pero el arte de verdad sólo se logra en tal servidumbre que sólo debe ser personal.

SSS

The painting of Crispin Vayadares is the painting of Crispin Vayadares. His loom of colors only obeys his own determination. That is its worth and perhaps also its risk: to follow the interior voice. For true art only is accomplished in such servitude that should only be personal.

JOSÉ MANUEL SPRINGER, 1995 c

Fernando g álvez de a guinaga, 1999 QQQ

El presente de Vayadares

THE PRESENT OF CRISPIN VAYADARES

El fallecido crítico Robert Valerio señalaba quejosamente y con insistencia el hecho de que las imágenes generadas por los pintores oaxaqueños eran completamente atem porales, es decir, que no existían en ellas ob jetos, paisajes, atuendos o cualquier otro tipo de indicio que las sitúe en el tiempo vital del artista. Creo que uno de los valores desta cables del nuevo grupo de trabajos que nos presenta Crispín Vayadares es, precisamen te, que incorpora una serie de ingredientes a través de los cuales sus cuadros se sitúan en el presente.

Podemos empezar por mencionar la utilización de una serie de colores chi llantes, tanto en las ropas de los personajes

como en los fondos de los cuadros, tonalidades que el pintor retoma del entorno popular pero sin ideali zarlo, más bien, él prefiere retomar las tonalidades cromáticas que usa el pueblo en sus prendas de vestir; las pigmentaciones que adquieren las casas en los barrios po pulares; la moda callejera de telas corrientes compradas en el mercado y utilizadas por las muchachas para pasear el domingo, los pies de los niños enfundados ya no en huaraches sino en calcetas blancas con franjas de un color al modo de las medias deportivas. Las blusas tradicionales se bordan hoy con hilos fosforescentes y las jícaras se pintan con acrílico, esto es así por más que nos disguste. A Crispín le place pintar lo que ve, no lo que

The deceased art critic, Robert Valerio, criticized and insistently pointed out the fact that the images generated by Oaxacan painters were completely atemporal. That is to say, nothing exists in them--objects, landscapes, attire, or any other type of indication--that places them in the lifetime of the artist. I believe that one of the most outstanding merits of the new group of works that Crispin Vayadares presents us is pre cisely the incorporation of a series of ingredients through which his paintings are set in the present.

We can begin by mentioning his use of a series of gaudy colors in the clothes of the characters as well as in the backgrounds of his paintings, tones that the painter takes from the popular environs, but without idealizing it; rather, he prefers to capture the chroma tic tones which people use in their articles of clothing, the pigments that the houses acquire in popular neighborhoods, the street fashion of cheap clothes bought in the market and used by young girls for Sunday outings, the feet of

podría ser. Así también tienen sitio en su trabajo los objetos de plástico, el tubo de la pasta de dientes, el biberón de bebé, los ju guetes de peluche, los excusados, un cepillo, en fin, un catálogo de objetos cotidianos que nos rodean y que, sin embargo, los colegas de Crispín han preferido borrar de las telas, inclinándose por los seres fantásticos, una fauna en peligro de extinción y un mundo idílico que no vemos por ningún lado en este territorio oaxaqueño tan afectado por la miseria, la importación de cultura chatarra y la enajenación mediática.

the children no longer sheathed in traditional leather sandals, but instead in white socks with sporty bands of color. Traditional blouses today are bordered with phosphorescent threads and gourd- cups are painted with acrylics; that’s the way it is, for as much as we dislike it, it pleases Crispin to paint what he sees, not what could be. Thus, plastics also have their place in his work, the tube of tooth paste, the baby bottle, the stuffed animals, the toilets, a brush, a catalo gue of quotidian objects that surround us and,

Al abordar las cualidades formales de los cuadros, cabe destacar los juegos espa ciales que se dan en estas pinturas gracias a la singular conformación de los fondos; por un lado, el que sean monocromos los hace parecer planos, pero al ser constituidos por un tapiz de formas geométricas, estos fondos adquieren profundidades repentinas, pers pectivas insospechadas, y los personajes que, en primera instancia, parecen flotar frente a ellos, tras una contemplación más cuidadosa, resultan arados sobre una de esas formas que antes nos parecían parte del fondo.

nevertheless, the colleagues of Crispin have preferred to blot from their canvases, inclining toward fantastic beings, fauna in danger of ex tinction, and an idyllic world which we don’t see in any part of this Oaxacan territory, so affected by misery, the importation of junk culture, and media distraction.

Delving now into the formal qualities of the works, it is worth pointing out the spatial games that are given in these paintings, thanks to the singular structure of the backgrounds; on

Sin título, Serie leche materna Untitled, Maternal Milk Series 1993

Sietemesino en proceso Premature Baby in Process

Sin título, Serie leche materna Untitled, Maternal Milk Series

Es el caso de Sorpresa en el que vemos en primer plano una gran cabeza de muñe ca, situada justo en el centro del círculo que corresponde a la última casilla de ese juego que llamamos avión en México y rayuela en Argentina, y que en este cuadro se hunde en perspectiva en la composición para que al fondo veamos la figura de un niño, todavía con el cuerpo en movimiento por el impulso al lanzar la cabeza de la muñeca, mientras que casi al frente, vemos a una niña mirán donos con un gesto desolador. La escena es insuperable, tanto por las cualidades expre sivas de elementos como la niña o la cabeza de la muñeca, como por la tensión que surge entre todos los objetos y los personajes,

one hand, the monochromism make the back grounds appear flat, but upon being constituted by a tapestry of geometric forms, these grounds acquire sudden depths, unsuspected perspec tives; and the characters which at first appear to float in front of them, after a more careful scrutiny, turn out to be standing on one of the shapes that we originally thought a part of the background.

This is the case of Suprise in which we see close-up a big doll’s head, placed just in the center of the circle that belongs to the last “square” of the game we know as avión in Mexico, rayuela in Argentina and hop-scotch in English, and that in this painting sinks in perspective in the composition, so that in the background, we see the figure of a boy with his body still in motion from the impulse of just ha ving hurled the head of the doll. And returning almost to the front, we see a girl with a desolate

entre la composición y el estado anímico que se busca transmitir, entre el dibujo y los tonos elegidos para darle cuerpo.

Veremos cómo los juegos y los juguetes se han convertido en el eje temá tico de este pintor, y además de los moti vos vivénciales implícitos (Crispín es padre de una pequeña), pienso que el artista ha descubierto en los juguetes una serie de elementos que, si bien pertenecen a la rea lidad, generan dentro de ella imágenes que parecen quebrar la lógica, del mismo modo que los juegos abren en el espacio cotidia no un territorio de libertad que tiene firmes correspondencias con el trabajo de quien se mueve en el mundo del arte.

gesture looking at us. The tension of the scene is unsurpassable, as much for the expressive qualities of the elements such as the girl or the doll’s head as for the tension that surges among all the objects and characters, between the composition and the mind state that is sought to be transmitted, between the drawing and the elected tones to give it body.

We will see how games and toys have convened into the thematic axis of this painter, as well as into his living motifs (Crispin is father of a little girl). I think that the artist has disco vered in toys a series of elements that although they belong to reality, generate within them images that seek to break logic, at the same time that the games open in the quotidian spa ce a territory of freedom that has firm corres pondence with the work of he who moves in the world of art.

Sin título, Serie leche materna Untitled, Maternal Milk Series

Sietemesino en proceso Premature Baby in Process

Sin título, Serie leche materna Untitled, Maternal Milk Series

Sietemesino en proceso Premature Baby in Process

Te Regalo Flores que Nunca MarchitaránSe

Dentro de las artes plásticas, Crispín Vayadares ha elegido un camino poco transitado: alternar el figurativismo y la abstracción en estilos sutilmente vinculados por un proyecto pictórico personalísimo.

Within the plastic arts of Oaxaca, Crispin Vayadares has chosen a road barely transited: to alternate figurative and abstract art in styles subtly linked by a very personal pictorial project.

JORGE PECH CASANOVA, 2005

SSS

Sin título, Serie leche materna Untitled, Maternal Milk Series

Sietemesino en proceso Premature Baby in Process

Sin título, Serie leche materna Untitled, Maternal Milk Series

Sin título, Serie leche materna Untitled, Maternal Milk Series

Sietemesino en proceso Premature Baby in Process

Sietemesino en proceso Premature Baby in Process

J orge pech casanova, 2005 QQQ

Reminiscencias flotantes

REMINISCENCES IN FLOTATION

Cuando Claude Monet pintó su Estanque de nenúfares, entre 1917 y 1920, su preocu pación por preservar en lienzos la impresión de un momento privilegiado por la contemplación, había encaminado desde hace tiempo la representación pictórica por los rumbos de la abstracción.

Cézanne y Matisse habían, desde principios del siglo XX, llevado las técnicas impresionistas al extremo para dar origen al cubismo y a movimientos de vanguardia como el fauvismo, en el cual los pintores se volcaron al color como elemento esencial de la pintura.

La obra reciente de Crispín Vayada res participa de sutiles reminiscencias tanto

When Claude Monet painted his Pond of water lilies, between 1917 and 1920, his concern to preserve on canvas the impression of a mo ment privileged by contemplation, had already pointed, for some time, his pictorial representa tion in the direction of abstraction.

From the beginning of the XX century, Cezanne and Matisse had taken impressionist techniques to the extreme, which in turn gave origin to cubism and the vanguard movement,

del Monet de los Nenúfares como de la explosividad de colores fauve. Su temática, en apariencia trivial, es la puerta de entrada a una arriesgada propuesta experimental. Y resulta cu rioso que estos cuadros surjan exactamente cien años después de que los atrevimientos fauvistas causaran escándalo y reprobación en el Paris de 1905.

Vayadares incorpora en estas obras, realizadas en 2005, los motivos ornamenta les del huipil tradicional que las mujeres aún lucen en el Istmo de Tehuantepec. Guiado por el ejemplo de los nenúfares de Monet, el pintor oaxaqueño ha puesto las grandes flores bordados a flotar dentro del espacio del cuadro, un estanque de espesa superficie

such as Fauvism, in which painters turned to color as the essential element of painting.

In the recent work of Crispin Vayadares (San Miguel del Puerto, Pochutla, 1962) we may find both the subtle reminiscences of Monet’s Pond of Water Lilies and explosive Fauve colors. Their thematic, apparently trivial, is the entrance door to a daring experimental proposal. And it is curious that these paintings arise exactly one hundred years after the fauvist audacities

en la que fluyen elementos característicos de la obra anterior de este artista.

El planteamiento de estos cuadros – con su ruptura de la bidimensionalidad con su insistencia en yuxtaponer dos estilos compositivos distintos y acaso excluyentes, con su desdén por el efecto agradable-, sor prende al espectador y lo mantiene inquieto frente al despliegue de inconformidad que el pintor sostiene a la vista. Así, el experimento del pintor lo lleva a transgredir las reglas de la

caused scandal and reprehension in the Paris of 1905.

In these works from 2005, Vayadares incorporates the ornamental motifs of traditio nal tunics that women still wear in the Isthmus of Tehuantepec. Influenced by the example of Monet’s lilies, the Oaxacan painter has pla ced large embroidered flowers, floating inside the space of the painting, a pond with a thick surface in which characteristic elements of the previous works of this artist flow.

pintura al construir, dentro del propio cuadro, nichos en los cuales inscribe más elementos pictóricos.

Dentro de la plástica oaxaqueña, Crispín Vayadares ha elegido un camino poco transitado: alternar el figurativismo y la abstracción en estilos sutilmente vinculados por un proyecto pictórico personalísimo. El resultado es un tránsito con marcados cam bios de dirección que, por la proveniencia unívoca de los elementos iconográficos em

The position of these paintings – with their rupture of bi-dimensionality, and with their insistence in juxtaposing two different styles, and perhaps with a disdain for a pleasant effect – surprise the spectator and keep him/her rest less in face of the unfolding discordance that the painter sustains in view. Thus, the painter’s experiment brings him to transgress the rules of painting when building, within the painting itself, niches in which he inscribes more pictorial elements.

Sin título, Serie leche materna Untitled, Maternal Milk Series 1993

Sietemesino en proceso Premature Baby in Process

Sin título, Serie leche materna Untitled, Maternal Milk Series

pleados, no resulta violento, sino testimonia una progresión: las nostalgias abstractas que, ahora, conviven con figuras florales y diseños textiles, los cuales a su vez son reconfigurados con los zigzagueantes patrones colorísticos que Vayadares había configurado durante la etapa anterior de su quehacer plástico.

Quizás el rasgo que más llama la atención, en esta nueva serie pictórica de Crispín Vayadares titulada Huipiles, es la transformación del cuadro de dos dimensio nes en un soporte con profundidad literal, de modo que el plano se adentra en sí mismo y conduce a la formación de un nicho, de una cavidad cúbica en la cual se introduce la pintura para generar un nuevo espacio y un

plano que presenta una divergencia dentro de la misma pieza.

Nos será fácil que estas obras complazcan al espectador habituando a la bidimensionalidad de cierta pintura local, sin embargo, es necesario observar con aten ción la nueva dirección en que el artista se mueve: puede ser la entrada a un interesante ámbito imaginativo, en que todo afán por agradar será al fin desestimado y quedará la pura propuesta plástica. Estamos ante un arriesgado proyecto estilístico que, de entrada, ya no se preocupa por el fácil enfo que de complacer al espectador, sino que lo reta a desentrañar una perspectiva pictórica singular.

Within the plastic arts of Oaxaca, Crispin Vayadares has chosen a road barely transited: the alternation of figurative and abstract art styles subtly linked by a very personal pictorial project. The result is a movement with abrupt changes of direction, that--due to the particular origin of iconographic elements used--is not violent, but rather testifies to progression. The nostalgias of the infantile world opened way to an exercise of abstract patterns cohabiting with floral figures and textile designs, which in turn are reconfigured with the zigzagging colorist models that Vayadares had configured during the previous stage of his plastic works.

Perhaps the most striking feature in this new pictorial series of Crispin Vayadares titled Huipiles is the transformation of two- dimensio

nal paintings into one with literal depth, so that the plane goes into itself and drives the painting to generate a new space and a new plane that presents a divergence within the same segment.

It won’t be easy that these works please the spectator habituated to bi-dimensiona lity of a certain local painting; however, it is necessary to observe with attention the new direction in which the artist is moving: it can be the entrance to an interesting and imaginative environment in which all desire to please will be finally dismissed and the pure plastic proposal remains. We are before a daring stylistic project that, from the beginning, is no longer concerned about the undemanding focus of pleasing the spectator, but instead, it challenges them to figure out a singular pictorial perspective.

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Vidas Gatunas

CAT LIVES SSS

J orge pech casanova, 2005 QQQ

No todos los gatos son pardos

En 1939, mientras el mundo entero se afligía por la inmi nencia de la Segunda Guerra Mundial, el poeta T. S. Eliot, céle- bre por su pesimismo, sorprendió a los lectores con el giro más desconcertante de su carrera: desechó los temas lúgu- bres tan usuales en su poética, se dirigió a sus nietos y les dedicó su Libro de gatos prácticos del viejo Zarigüeya, un conjunto de poemas definidos por la astucia y la vena picaresca, llenos de humor y juegos verbales. El poder evocativo y la capacidad de materializar criaturas gatunas tan capri chosas como categóricas, hizo que el libro fuese adoptado como un clásico desde su aparición, por niños y adultos, pues

In 1939, while the entire world was afflicted by the imminence of World War II, the poet T.S. Eliot, famous for his pessi- mism, surprised his readers with the most disconcerting turn in his career: he did away with the lugubrious the mes so common in his poetry, and turned his attention to his grandchildren and dedicated to them his Old Possum ́s Book of Practical Cats, a collection of poems defined by their cunning and their picaresque vein, full of humor and verbal plays. The book ́s evocative power

Darles nombre a los gatos es difícil tarea, no se logra en un rato ni en un día cualquiera.*

Setenta años después de que esos ga tos prácticos se desperezaran en los poemas de Eliot, y cuando la amenaza de otra inmen sa guerra asedia a los habitantes de la comu nidad global, Crispín Vayadares sorprende con un giro de su pintura por el cual los gatos re sultan protagonistas de una serie de cuadros en que el artista apuesta su capital estético en una serie burlesca, hedonista y retadora. La más disparatada y práctica estirpe gatuna campea en una treintena de cuadros

and its capacity to materialize catlike creatures as capricious as well as categorical, made the book an instant classic for children as well as for adults, for

The naming of cats is a difficult matter, It isn ́t just one of your holiday games...

Seventy years after these practical cats stretched themselves out in Eliot ́s poems, and when the menace of another immense war

de la muestra “Hasta que la luna ya no sea”. Entre esos felinos que satisfacen su gula y sus aficiones deportivas con desparpajo, el pintor distribuye cinco obras que se sitúan en otro extremo de la fauna y del simbolismo: aves de porte altivo en actitudes solemnes o apa sio- nadas, contrastantes con el desenfado y la malicia con la cual los personajes gatunos se pasean por un muy particular universo, cuya coloración asume una arriesgada gama

threatens the inhabitants of the global commu nity, Crispin Vayadares surprises us with a turn in his pain- tings in which cats turn out to be the protagonists in a series of oils in which the artist bets his aesthetic capital in a bur- lesque, hedonist, and challenging series.

The most absurd and practical feline stock stands out in some thirty canvases in the show “Until the Moon is No Mo- re”. Among these felines that satisfy their gluttony and their nervy inclination for sport, the painter distribu

de azules, rosas y amarillos de vocación elec trizante.

El efecto sensorial que estos cuadros generan (debido a la profusión de patrones similares a los textiles), se parece mu- cho al que se logra acariciando a contrapelo a un felino: menudean chispas, movimientos levantiscos y, sobre todo, el descubrimien to de que lo aparentemente dócil es capaz de una rebeldía encrespada. Las pinceladas

tes five works situated at the other extreme of fauna and symbolism: birds of haughty bearing in solemn or passionate attitu- des, contrasting with the confidence and the malice with which his feline characters stroll in a very particular universe, whose coloration assumes a very risky range of blues, pinks, and yellows of an electrif ying vocation.

The sensorial effect that these paintings generate (due to the profusion of patrons simi lar to textiles) seems like that which is achieved

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Pocos trabajos en la pintura oaxaqueña se vuelcan con tal denuedo a la celebración del sabor como las dotaciones de tacos y otros manjares con que Crispín Vayadares provee a sus gatos irreverentes, deportistas y lenguaraces

untuosas que van delineando una trama tejida con estridencias tanto como con óleo, sostienen el carácter caprichoso de la fauna que habita esto lienzos rebeldes a la do mesticación, al “efecto agradable” tan caro a cierta pintura.

El gozo de la cocina popular también suma su persuasión a las peculiaridades pic tóricas y temáticas de los cuadros que con junta la exposición “Hasta que la luna ya no sea”. Pocos trabajos en la pintura oaxaqueña se vuelcan con tal denue-do a la celebración del sabor como las dotaciones de tacos y

by caressing against the grain of a cat: sparks, turbulent movements, and, above all, the dis covery that what is apparently docile is capable of hair-standing rebellion, happen frequently. The unctuous brush strokes that outline a weft woven stridently in oil, sustains the capricious character of the fauna that inhabit these linens that rebel against domestication as well as “the agreeable effect” so costly to a certain kind of painting.

The joy of popular cooking also adds its persuasion to the pictorial and thematic pecu liarities of the paintings that compose the exhi bition “Until the Moon is No More”. Few works in

otros manjares con que Crispín Vayadares provee a sus gatos irreverentes, deportistas y lenguaraces.

El pintor, nacido en la región de Po chutla en 1962, está aún lejos de la edad en que el poeta Eliot desechó sus lúgubres ob sesiones para revelarse como jugador gozo so. Contra toda previsión, Crispín Vayadares –en compañía de felinos tan prácticos como extravagantes y aves de esbelta envergadu ra– se embebe de espíritu lúdico para per severar en la bús- queda de un estilo cuya vocación elude expectativas ornamentales.

Oaxacan painting capsize with such bravery the celebration of taste, such as the endowment of tacos and other delicacies with which Crispin Vayadares provides his irreverent, sporty, and out-spoken cats.

The painter, born in the region of Po chutla in 1962, is still far from the age in which Eliot did away with his lugu- brious obsessions to reveal himself as a joyous player. Against all forecast, Crispin Vayadares – in company of such practical as well as extravagant felines and svelte birds –soaks up a playful spirit in order to persevere in the quest of a style whose vocation eludes ornamental expectations.

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Cantar de los Cantares

CANTAR DE LOS CANTARES

SSS

2012-2014

Me has robado el corazón, hermana mía, novia mía, con tan solo una mirada de esos ojos tuyos, me has robado el corazón, con tan solo un colgante de tu collar.

SSS

You have captured my heart, my sister, my bride. You have captured my heart with one glance of your eyes, With one pendant of your necklace.

CANTAR DE LOS CANTARES 4:9 (2012– 2014)

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El Pizarrón de Vayadares

VAYADARES ’ BLACKBOARD SSS

kat, 2015 QQQ

El Pizarrón de Vayadares

VAYADARES´S BLACKBOOARD

En esta nueva serie, Vayada res ha canjeado sus fondos coloridos para gris ahumado, un color reminiscente de los pizarro nes victorianos, recordándonos los garabatos y letras y números laboriosamente trazados por niños sentados en bancos escolares de madera. La campana del recreo suena, y los niños con agudos gritos de deleite, se derra man de sus aulas, para jugar pelota, rayuela, o para mecer en sus brazos una muñeca de trapos o un viejo, pero bien amado, osito de peluche.

La luminosidad y los colores de la inocencia brillan en contraste con un fon do lúgubre. ¿Estaba el artista consciente o inconscientemente haciendo referencia a nuestros tiempos? ¿Estaba desafiando- con

In this new series Vayadares has tra ded in his brightly colored backgrounds for smoky gray, a color reminiscent of Victorian blackboards, reminding us of the doodles and alphabet letters and numbers painstakingly traced out by children sitting on wooden school benches. The recess bell rings, and the children with shrill cries of delight spill out of their class rooms to play ball, hop scotch, or to cradle a rag doll or an old, but well-loved, teddy bear.

The brightness and colors of the inno cence of childhood shine out against a grim background. Was the artist unconsciously or consciously referencing our times? Is he def

gozo artístico- el siniestro y frío pa norama de ser absolutamente serio?

Como un niño riéndose puede borrar momentáneamente las líneas de preo cupación de la frente de su padre, borrar la penumbra puede ser tan fácil como limpiar la pizarra.

¿Quién, si no el virtuoso, posee la virtud? El exuberante e implacable maravilla de un ojo no hastiado. Ya desde hace mucho la técnica de Vayadares se ha inclinado de lante de la expresión artística, fluyéndose tan lisamente y sin esfuerzo como la pirueta de una patinadora del hielo; así, el espectador se ve obligado a pensar en la facilidad en que cualquier cosa pudiera ser borrado o recons truido en el pizarrón de la vida. Y por esto, estamos endeudados.

ying—with artistic joy—the grim and cold out look of being absolutely serious? As a laughing child wipes away momentarily the lines of worry from a preoccupied parent, erasing gloom can be as easy as wiping a chalkboard clean.

Who but a virtuoso manifests virtue? The ebullient and implacable wonder of an un jaded eye. Vayadares´s technique has long ago kowtowed down to artistic expression, flowing as smoothly and effortlessly as an ice skater´s pirouette; thus, the spectator is obliged to think of the ease with which anything can be erased or reconstructed on the drawing board of life. And for this, we are indebted.

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Travesuras

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kat, 2015

siempre las flores

ALWAYS FLOWERS

En nuestros ritos de pasaje -nacimientos, el alcanzar la mayoría de edad, bodas, y funerales-siempre presentes están las flores. Testigos de los ápices de vida que alivian la monotonía de levantarse, comer, defecar, trabajar, dormir. Repite. Repite. Repite. Repite. Repite.

La brevedad y el esplendor de su paso nos recuerda: el. tiempo. no. perdo na. A nadie. El momento. Este momen to. Que implosiona en algún punto en la memoria, una supernova cuya gravedad succiona todo en su derredor; y regre

semos -no nos queda más-vez tras vez a estos puntos que ocupan nuestro ser, sin que nadie se diera cuenta de su enorme masa comprimi da.

Las flores irrumpen en el mundo con tanta impetuosidad y voluntad que causan pausa. Detienen el paso, roban suspiros. ¡Nos llenan de esperanza! La belleza es su propia justificación de ser. La belleza es la razón de ser. ¿Cómo hacer de cada breve momento un momento de belleza y verdad? ¿Cómo hacemos infini to lo finito? Pregunta a las flores.

In our rites of passage- birth, the coming of age, weddings, and funeralsalways present are flowers. Witnesses of the apexes of life that alíviate the monotony of waking up, eating, defecating, working, sleeping. Repeat. Repeat. Repeat. Repeat. Repeat.

The brevity and splendor of their passing reminds us: time. does not. forgi ve. Anyone. The momento. This momento. That implodes in some point in our me mory, a supernova whose gravity suctions everything around it; and we return -we

have no other choice- time after time to these points that occupy our being, without anyone ever being aware of their enormous compressed mass.

Flowers burst into the world with such impestuosity and will that they cause us to pause. They stop us mid-step and steal sighs. They fill us with hope! Beauty is its own justification of being. Beauty is the reason of being. How do we make each brief momento a momento of beauty and truth? How do we make infite the finite? Go ask the flowers.

El Sello

kat, 2018

sabor a ti

Pasarán más de mil años, mucho más Yo no sé si tenga amor la eternidad Pero tal como agua En la boca llevarás Sabor a mí. SSS

Existe un amor cuyo único fin es incinerar el ego. La semiótica se pierde y el sentimiento fluye liquido como la sopa primordial que al guna vez cubrió la superficie de la Tierra. Va yadares aborda dos temas del amor: aman tes candentes cuyos cuerpos fusionados son bañados por el clímax y la relación entre una ma- dre y su recién nacido. En realidad, Va yadares trata un solo tema: no existe “el otro” en el amor. En vista de un mundo tan divisi vo, quizás sea un tema para nuestra época, donde “tú y yo”, donde las definiciones que nos separan y, sí, a veces, nos humillan, o hasta nos deshumaniza, no existen. Canta la balada popular de Álvaro Carillo:

Si negaras mi presencia en tu vivir Bastaría con abrazarte y conversar Tanta vida yo te di que por fuerzas tienes ya Sabor a mí.

Llama la atención el colorido del artista: rosas carnosas, azules líquidos, amarillos que acarician como la luz limonada del sol, y ver des fecundos. Todos representan diferentes matices del mismo sentimiento. En algunos cuadros el azul tejido con blanco nos recuerda la leche materna que nutre y sostiene. En otros nos trae a la mente fluidos corporales propios de la pasión -sin ningún sentido mórbido- cuya consecuen- cia es liberación y ablución. Esta plasma marina del cual estamos hechos todos nos unifica más allá de cualquier definición. No sorprende entonces que de estos líquidos brotan flores y pájaros cantando dulce- mente. La rosa implica lo carnal y la sangre. El amor cambia hasta nuestra visión----todo -no importa cuán gris- está bañado en un resplandor color lima. Entre agua y sol, por supuesto, la

Tanto tiempo disfrutamos de este amor Nuestras almas se acercaron tanto así Que yo guardo tu sabor, pero tu llevas también Sabor a mí.

No pretendo ser tu dueño, No soy nada, no tengo vanidad. De mi vida doy lo bueno. Soy tan pobre, ¿Qué otra cosa puedo dar?

— alvaro carrillo

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Sietemesino

proceso Premature

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retratos

PORTRAITS

El retrato es uno de los centros de la obra de Vayadares, pero es un re- trato que es deconstruido. Esto se ve claramente en sus collages, rostros dominan el marco, pero estas caras también están en el proceso de des- composición.

Estas caras están siendo alcanzadas, devora das, por objetos externos a sí mismos. Están siendo asimiladas en otra realidad, uno que no está basado en su individualidad como caras. Pero en una realidad para la cual sus caras proveen la materia prima. Las más caras que cubren y a la vez devoran estas caras evocan imágenes tan diversas como las másca- ras tradicionales, como también las máscaras de los luchadores.

El propósito de estas máscaras no es ocultar, pero disolver la identidad de los que las lle van. El fondo les atrae como el destino final de estas ca- ras. EL fondo es la realidad que las abrumarán e incorporarán. Hay, entonces, en el arte de Vayadares una dialéctica de di solución del ser. Una disolución que presenta sus propios misterios, su propia belleza que transciende el individuo.

Portraiture is one of the centers of Vayadares’ work, but it is a portraiture that is deconstruc ted. This is clearly seen in his collages, faces dominate the frame, but these faces are also in the process of decomposition.

These are faces that are being over taken, devoured, by objects external to them selves. They are being assimilated into another reality, one that is not based on their individua lity as faces. But into a reality for which their faces provide only the raw material. The masks that both cover and devour these faces evoke images as diverse as traditional masks, as well as the masks of luchadores.

The purpose of these masks is not to conceal, but to dissolve the identity of those who wear them. The background beckons as the ultimate destination of these faces. The background is the reality that will overwhelm and incorporate them. There is, then, in Vaya dares’ art a dialectic of dissolution of the self. A dissolution that presents its own mysteries, its own beauty that transcends the individual.

Sin título, Serie leche materna Untitled, Maternal Milk Series 1993

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obras intervenidas

SSS

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Mostró un estilo pictórico muy desafiante que no se conformaba con lo que se estaba haciendo en este momento otros artistas de su propia generación, de generaciones anteriores, inclusive algunos más jóvenes. Creo que es una pintura que tiene que revaluarse en su justa proporción, la que hizo Crispín Vayadares; y pues tener un espacio no sólo en la memoria sino no en las historias escritas, las historias ilustradas, y por supuesto, ahora en los museos del estado de Oaxaca y en los museos mexicanos en general. Creo que finalmente el maestro Crispín Vayadares para su fortunio y para lo nuestro es una artista del futuro.

SSS

He showed a particularly challenging pictorial style that did not conform to what other artists of his own generation, of previous generations, and even younger ones were doing at that time.

I believe that the painting Crispín Vayadares made, must be reassessed in its proper proportion, and therefore have a space not only in our memory, but in the stories written and illustrated, and of course in the museums of the state of Oaxaca and Mexico in general. I think that Crispín Vayadares, for his fortune and for ours too, is an artist of the future.

JORGE PECH CASANOVA, 2021

kat, 2018

dirge

ENDECHA

Atrás, vuelve atrás, o Tiempo, en tu vuelo. Hazme un niño otra vez, solo por esta noche. Madre, regresa de esta playa sin eco Tómame otra vez en tu corazón como antes; Besa de mi frente las líneas del cuidado, Acaricia los hilos plateados de mi pelo; Sobre mis sueños guarda tu vigilia amorosa;

SSS

Hacia el atardecer, cuando la noche está a punto de caer, los lucidos rayos del sol nos recuerdan los del amanecer. Sus luces tenues y de intensos colores a la vez nos acarician y abrazan, unas de la prome sa del porvenir y otras del profundo dormir de la noche. El tiempo es traicionero. Así, el regresar a los brazos maternos se vuelve un anhelo y una necesidad visceral. Es el camino a casa donde las líneas entre vida y muerte se borran en la penumbra de un sol ya can sado de brillar. ¡En tus brazos -oh madre mía, oh amor mío- conocí lo que es estar en casa, conocí el descanso sin cuidado!

Vayadares se enfoca en la devoción exclusiva de madre-hijo cuando la mujer lle ga a ser madre y el centro del universo de la

¡Méceme hasta dormir, madre, méceme hasta dormir!

— Elizabeth Akers Allen

casa. La madre no solo es la dadora de vida sino también la perpetuadora de ella---la que cuida, protege y nutre, sobre todo, la que cobija con amor. Hacia el fin buscamos los principios. Vayadares no lo busca con me lancolía sino con gozo. Las líneas del amor romántico se borran con el amor materno. ¿Acaso no es éste el primer amor romántico, el que sacude nuestro ser por primera vez y nos deja rapto y absorto, inconscientes del mundo alrededor?

Su madre le amarraba en su es palda con su rebozo camino a los cafetales, meciéndolo al compás de sus pasos, acos tándolo en el pasto fresco y sombreado a salvo del calor penetrante del día. Y al caer el atardecer, de regreso al pueblo, el ritmo de los pasos de su madre más buscados y lentos bajo el peso adicional del café recién cosechado, cuál endecha. Dum. Dum. Dum. Duuuuum. Fecundidad, decaimiento—¿en el proceso incomprehensible e interminable existe alguna diferencia? ¿Entre resignación y esperanza? Me resigno a mi única esperanza.

La obra de Vayadares es, sin em bargo, una canción ensordecedora y lírica a la vida. ¡Al niño eterno! ¡Permítame acurrucar me una vez más en el abrazo eterno, pene trar el húmido y oscuro lugar de tu matriz, para luego disolver, o Madre Tierra!

Backward, turn backward, O Time, in your flight, Make me a child again just for tonight! Mother, come back from the echoless shore, Take me again to your heart as of yore; Kiss from my forehead the furrows of care, Smooth the few silver threads out of my hair; Over my slumbers your loving watch keep;

— Rock me to sleep, mother, – rock me to sleep!

— Elizabeth Akers Allen SSS

Towards the evening, when night is about to fall, the lucid rays of the sun remind us of those of dawn. Their lights, both tenuous and of intense colors, caress and embrace us; some with the promise of the future, and others with profound nocturnal sleep. Time is treacherous. Thus, returning to mater nal arms becomes a longing and a visceral necessity. It is the road back home where the lines between life and death are erased in the twilight of a sun now tired of shining. In your arms – oh mother of mine, oh love of mine- I knew what it was to be at home, I knew worriless rest.

Vayadares focuses on the exclusi ve mother-child devotion, when a woman becomes a mother and the center of the universe of a home. A mother is not only a life-giver, but also the perpetuator of it – the one who cares for, protects, nourishes, and above all, the one who blankets with love.

Towards the end, we look for our beginnings. Vayadares does not look for them with me lancholy, but joy. The lines of romantic love fuse with those of maternal love. Isn´t this last one, after all, the first romantic love, the one that shakes our being for the first time and leaves us rapt and absorbed, uncons cious of the world around us?

His mother secured him to her back with a shawl on the way to the coffee fields, rocking him to the beat of her steps, laying him down in the cool and shaded grass safe from the penetrating heat of the sun. And at the fall of dusk, returning to the village, the rhythm of his mother´s steps, more carefu lly chosen and slower under the additional weight of the recently harvested coffee, like a dirge. Dum. Dum. Dum. Duuuuum. Fecundity, decay…in the incomprehensible and never-ending process, does there exist a difference? Between resignation and hope? I resign myself to my only hope.

The work of Vayadares is a deafening and lyrical song to life. To the eternal child! Allow me to curl up one more time in your eternal embrace, to penetrate the humid and dark place of your womb, and then dissolve, oh Mother Earth!

kat, 2019 QQQ

dios nunca muere

GOD NEVER DIES

El fin es solo el comienzo. Ascendiendo de las ascuas y las cenizas ardientes, el ave mí tica no sólo representa la resurrección, un desafío contra los ciclos naturales de la muerte y el decaimiento, sino también un desafío a los altibajos de la vida moderna: es un elevarse de nuestras propias cenizas, un yo “No me doy por vencido”, como canta la balada popular.

La vida exude de los lienzos de Vaya dares, o por la vitalidad del color que utilizó, o por la temática que él escogió pintar por serie. Varios de sus obras aluden al ave fénix, pues en ellas contemplamos pájaros mul ti-coloridos contra un tapete de puro fuego. El fuego no hace alusión a la muerte o a la

When Claude Monet painted his Pond of water lilies, between 1917 and 1920, his concern to preserve on canvas the impression of a mo ment privileged by contemplation, had already pointed, for some time, his pictorial representa tion in the direction of abstraction.

From the beginning of the XX century, Cezanne and Matisse had taken impressionist techniques to the extreme, which in turn gave origin to cubism and the vanguard movement,

destrucción, más bien se hace refe rencia a la tempestuosa, candente, y conmovedora canción de la vida, y su voluntarioso y continúo resurgimiento. Otras aves vemos contra un mar de azules plácidos, como si el ardor de su renacimien to consumiera toda falta, y llegara, por fin, la serenidad, la paz, y sobre todo, la ablución. Si escuchamos atentamente, po demos escuchar esta canción. Escuche las cadencias de color y textura, con sus liricos delicadamente trazados. A veces es un sonido estruendoso. A veces es una melodía melancólica que apenitas acaricia nuestra piel. Es el sonido de la canción de vida, el Cantar de los Cantares, que hace que nues tra carne y nuestra alma vibran como jamás

such as Fauvism, in which painters turned to color as the essential element of painting.

In the recent work of Crispin Vayadares (San Miguel del Puerto, Pochutla, 1962) we may find both the subtle reminiscences of Monet’s Pond of Water Lilies and explosive Fauve colors. Their thematic, apparently trivial, is the entrance door to a daring experimental proposal. And it is curious that these paintings arise exactly one hundred years after the fauvist audacities

lo han hecho antes. Es el triunfo del Amor sobre la Muerte. Al final de cuentas, si Dios nunca muere, tampoco nosotros. Descendiente de las Cascadas Má gicas, Vayadares empezó su camino en San Miguel del Puerto como hijo de las nubes, hijo de los manantiales, hijo de la neblina que gotea, hasta llegar al puerto de Salina Cruz con sus olas aventadas por el Viento Norte, salpicado por barcos pesqueros de dónde de niño traía pescado; cuando su hermano ma yor, jugando con cerillos quemó un campo de sembradíos. Siendo que la venganza al estilo antiguo es feroz y mordaz, nuestro pin tor- apenas seis meses de edad- y su familia literalmente huían para sus vidas.

the children no longer sheathed in tra ditional leather sandals, but instead in white socks with sporty bands of color. Traditional blouses today are bordered with phosphores cent threads and gourd- cups are painted with acrylics; that’s the way it is, for as much as we dislike it, it pleases Crispin to paint what he sees, not what could be. Thus, plastics also have their place in his work, the tube of tooth paste, the baby bottle, the stuffed animals, the toilets, a brush, a catalogue of quotidian objects that

De niño gozaba de libertad absolu ta. El ir y venir, ir y venir, ir y venir como las olas del mar. Siempre el contador de histo rias consumado, nos contó que de niño su compañerito y él, al pasar por un parque, no pudieron resistir la deliciosa tentación de jugar al sube-baja. Sube y baja, sube y baja, sube y baja. Pronto olvidaron sus cajas de chicles junto a las chanclas. Sube y baja. Sube y baja. Sube y baja. ¡Duro y más duro! Risas. El mundo se difumina con la velocidad del paso. El tiempo se detiene. Sube, baja, sube, baja, sube, baja. Risas tornan en llanto. Se habían quedado sin chicles y sin chanclas. También nos platicó que cuando les iba bien, se juntaban su “dinerito” y compra

surround us and, nevertheless, the colleagues of Crispin have preferred to blot from their can vases, inclining toward fantastic beings, fauna in danger of extinction, and an idyllic world which we don’t see in any part of this Oaxacan terri tory, so affected by misery, the importation of junk culture, and media distraction.

Delving now into the formal qualities of the works, it is worth pointing out the spatial ga mes that are given in these paintings, thanks to the singular structure of the backgrounds; on

ban bolsas de comida: frijol, arroz, y a vecesa veces- un chile relleno. Extendiendo sus bolsitas sobre el pasto, comían sus manjares felices de la vida. Veinte años después, supo que esto se llama “picnic”.

En el mercado, las tehuanas y mu jeres huaves vociferaban sus mercancías— camarones, queso fresco, totopos, pescado seco —hermosamente ataviadas con telas de colores vibrantes. Él se abría paso entre las enaguas estampadas de caderas anchas que se balanceaban de aquí para allá al son del frufrú áspero, que hacían tal música que aún décadas después el artista aún lo escuchaba con claridad. De regreso a casa navegaba entre una marea de flores centellantes y

the children no longer sheathed in tra ditional leather sandals, but instead in white socks with sporty bands of color. Traditional blouses today are bordered with phosphores cent threads and gourd- cups are painted with acrylics; that’s the way it is, for as much as we dislike it, it pleases Crispin to paint what he sees, not what could be. Thus, plastics also have their place in his work, the tube of tooth paste, the baby bottle, the stuffed animals, the toilets, a brush, a catalogue of quotidian objects that

animales fantásticos, llevado por el ímpe tu de las caderas, nadando en puro color, textura, y bordados. El morir ahogado era todo menos gris. Renacía al abrir paso a la brillantez del ardiente sol porteño. Su madre lo esperaba con tortillas calientes de mano, envueltas en servilletas que ella misma había bordado –un arco iris de colores y puntadas. Su formación artística había empezado --tan sólo tenía que abrir bien los ojos.

La visión artística transforma nuestro mundo. Por eso, Vayadares no es un simple pintor sino un tejedor de sueños. Teje colores con sus espátulas y pinceles complacientes, pero también teje memoria, añoranzas, y sobre todo, amores , raspados y

surround us and, nevertheless, the colleagues of Crispin have preferred to blot from their can vases, inclining toward fantastic beings, fauna in danger of extinction, and an idyllic world which we don’t see in any part of this Oaxacan terri tory, so affected by misery, the importation of junk culture, and media distraction.

Delving now into the formal qualities of the works, it is worth pointing out the spatial ga mes that are given in these paintings, thanks to the singular structure of the backgrounds; on

embetunadas-como aquellos pastelitos que vendía. Estos sueños/memorias de anima les fantásticos y de flores de color y textura mareadoras, están tejidos en cada uno de sus telas. Y lo hacía con tal maestría que su visión llega a ser nuestra visión. Ya no nos queda más remedio que resurgir de nues tras propias “cenizas”, cantando a la vida esta canción visceral que nace del intestino más profundo de nuestro ser.

Vayadares llevó el motivo del textil a una nueva dimensión: sus telas mismas se han transformado en tapetes en donde flo res, fondos, y personajes son tejidos en óleo. Color y textura entonces llegan a ser elemen tos sublimes de memoria y visión, pero cuyos

origines jamás son abandonados. Que nunca nos olvide: La semilla, aunque muere, rena ce. Vayadares vive en nuestros corazones, en nuestros sueños, porque mediante sus telas nos hace surcar el universo encendido de la añoranza.

No me llores, no, no me llores, no,  Porque si lloras yo peno,  En cambio si tú me cantas  o siempre vivo, y nunca muero.

— La Martiniana, canción istmeña popular KAT, 2019

the children no longer sheathed in tra ditional leather sandals, but instead in white socks with sporty bands of color. Traditional blouses today are bordered with phosphores cent threads and gourd- cups are painted with acrylics; that’s the way it is, for as much as we dislike it, it pleases Crispin to paint what he sees, not what could be. Thus, plastics also have their place in his work, the tube of tooth paste, the baby bottle, the stuffed animals, the toilets, a brush, a catalogue of quotidian objects that

surround us and, nevertheless, the colleagues of Crispin have preferred to blot from their can vases, inclining toward fantastic beings, fauna in danger of extinction, and an idyllic world which we don’t see in any part of this Oaxacan terri tory, so affected by misery, the importation of junk culture, and media distraction.

Delving now into the formal qualities of the works, it is worth pointing out the spatial ga mes that are given in these paintings, thanks to the singular structure of the backgrounds; on

CATÁLOGO

catalogue

27 Mujer con Plancha woman with an i ron 1994 · Gouache sobre papel 39 x 56 cm

43 La noche del agua encantado t he n i G ht o F the enchanted water 1990 · Gouache sobre papel 51 x 70 cm

31 ¿De quién es la novia? w hose b ride i s s he? 2017 · Óleo sobre tela 40 x 100 cm.

44 Dejad que los niños… let t he children …. 1992 · Collage 56 x 38 cm.

32 Niña precoz Precocious Girl 1994 · Gouache sobre papel 60 x 80 cm.

33 Recién casados n ewlyweds 1994 · Gouache sobre papel 50 x 70 cm.

35 Robando a la güera r obbin G the Fair-s kinned Girl 2017 · Óleo sobre tela 65 x 85 cm.

42

El marinero y su mujer t he s ailor and his w i Fe 1987 · Gouache sobre papel 56 x 38 cm.

43 Sin título u ntitled 1991 · Gouache sobre papel 49 x 66 cm.

45 Sin título u ntitled 1992 · Gouache sobre papel 35 x 80 cm.

46 Sin título u ntitled 1992 · Collage 28 x 35 cm.

46 Sin título u ntitled 1992 · Collage 28 x 35 cm.

46 Sin título u ntitled 1992 · Collage 28 x 35 cm.

47 Sin título u ntitled 1992 · Collage 28 x 35 cm.

47 Sin título u ntitled 1992 · Collage 28 x 35 cm.

58 Leche para crecer m ilk For Growin G 1993 · Gouache sobre papel 50 x 70 cm.

47 Sin título u ntitled 1992 · Collage 28 x 35 cm.

59 Pie creciente Growin G Foot 1993 · Mixta 80 x 60 cm

48 Sin título, Serie leche materna u ntitled, m aternal m ilk s eries 1993 · Gouache sobre papel 60 x 80 cm.

49

Sietemesino en proceso

Premature b aby in Process 1993 · Gouache sobre papel 80 x 60 cm.

50

Adolescencia, Leche almendrado, Serie leche materna a dolescence, a lmond m ilk, m aternal m ilk s eries 1993 · Gouache sobre papel 60 x 80 cm.

54 Leche de Vaca cow´s m ilk 1993 · Gouache sobre papel 50 x 70 cm.

55

Atacada por sus hijos, Serie leche materna attacked by her children, m aternal m ilk s eries 1993 · Mixta 60 x 80 cm.

56

Por la madrugada, Serie leche de vaca at dawn, cow´s m ilk s eries 1993 · Mixta sobre papel 50 x 70 cm.

58

Niño creciendo Growin G b oy 1993 · Mixta 50 x 70 cm.

60 Madre rural r ural m other 1993 · Mixta 50 x 70 cm.

60 Niño, guerra de senos b oy, war o F b reasts 1993 · Mixta 50 x 70 cm.

61 Niña con placenta Girl with Placenta 1994 · Mixta 50 x 70 cm.

61 Niña, cambio de piel Girl, chan G e o F s kin 1993 · Mixta 50 x 70 cm.

62 Imágen de una madre primeriza i maG e o F a First-t ime m other 1993 · Mixta 60 x 80 cm.

63 Sobre las olas, Serie leche materna o n the waves, m aternal m ilk s eries 1993 · Gouache sobre papel 60 x 80 cm

68 Ama de casa en reposo h ouse wi Fe in r eP ose 1994 · Gouache sobre papel 28 x 37 cm.

68 Cerquita del pozo v ery n ear the w ell 1994 · Gouache sobre papel 50 x 70 cm.

69 Vendedora de chiles rellenos v endor o F s tu FFed chilis 1994 · Gouache sobre papel 28 x 37 cm.

69 Sin título u ntitled 1994 · Gouache sobre papel 28 x 37 cm.

70 Sin título u ntitled 1994 · Gouache sobre papel 28 x 37 cm.

71 Verduras para la cena v eG etables For d inner 1994 · Gouache sobre papel 50 x 70 cm.

72

Plancha verde, Serie los verdosos Green i ron, t he Green o nes s eries 1994 · Gouache sobre papel 50 x 59 cm

74

La cocinera negrita t he b lack cook 1994 · Gouache sobre papel 28 x 37 cm.

76 Desierto y calabaza d esert and Pum P kin 1994 · Gouache sobre papel 50 x 70 cm.

76 Rastrojo, Serie los verdosos s tover, t he Green o nes s eries 1994 · Gouache sobre papel 60 x 80 cm.

77 Campesina country woman 1994 · Gouache sobre papel 60 x 80 cm.

77 El otoño, Serie los verdosos t he Fall, t he Green o nes s eries 1994 · Gouache sobre papel 60 x 80 cm.

81 Después del caldito de camerón, Serie los chimuelos aF ter the shrimP s ouP the toothless o nes series 1995 · Gouache sobre papel 56 x 76 cm.

86 La Chupa-coco woman s uckin G a coconut F rom a s traw 1995 · Gouache sobre papel 56 x 76 cm.

83 Después de un caldo de pescado, Serie los chimuelos aF ter a Fish s ou P t he toothless o nes s eries 1995 · Gouache sobre papel 56 x 76 cm.

88 Chicatanas y guajalote q ueen a nts and t urkey 1995 · Gouache sobre papel 56 x 76 cm.

90 Mujer pescada Fished woman 1995 · Gouache sobre papel 56 x 76 cm.

91 Chile relleno de.... chile s tu-FFed with .... 1995 · Gouache sobre papel 56 x 76 cm.

92 Chimuela encebollada toothless woman with o nions 1995 · Gouache sobre papel 56 x 76 cm.

94 Guajalota rosa Pink t urkey 1995 · Gouache sobre papel 39 x 56 cm.

95 Marisquería s ea Food r es-taurant 1995 · Gouache sobre papel 56 x 76 cm.

96 Monas c aricatures 1997 · Gouache sobre papel 30 x 51 cm.

97 Las cotorras t he Parrots 1997 · Gouache sobre papel 30 x 51 cm.

98 Personajes de mar s easide characters 1997 · Gouache sobre papel 30 x 39 cm.

100 Atolera, Serie Interiores atole v endor, i nteriors s eries 1997 · Gouache sobre amate papel 52 x 59 cm.

108 Retrato de Dany y Sally

Portrait o F danny and s ally 1999 · Óleo sobre tela 40 x 60 cm.

109 Sorpresa sur P rise 1999 · Óleo sobre tela 70 x 90 cm

110

Avión y carro Plane and c ar 2002 · Collage 51 x 59 cm.

112 El pelón y su hermanito t he b aldy and his b rother 2000 · Óleo sobre tela 80 x 90 cm.

113 Sin título u ntitled 2002 · Mixta 51 x 59 cm.

114 Niña con perro Girl with a d o G 2002 · Collage 51 x 59 cm.

115 Maestra de danza dance t eacher 2002 · Gouache sobre amate 31 x 30 cm. 116 *** *** **** · ***** *** x *** cm. 117 *** *** **** · ***** *** x *** cm.

122 Mujeres bailando women dancin G 2004 · Óleo sobre tela 65 x 85 cm.

123 Mujeres a pie women on Foot 2004 · Óleo sobre tela 85 x 65 cm.

124 Mujeres caminando women walkin G 2004 · Óleo sobre tela 65 x 85 cm.

126 Huipil juchiteca t raditional b louse From Juchitan 2004 · Óleo sobre tela 65 x 85 cm.

128 El estanque t he Pond 2005 · Óleo sobre tela 100 x 140 cm.

130 Xilografia woodcut 2005 · Óleo sobre tela 65 x 85 cm.

134 Flores volcánicas volcanic Flowers 2005 · Óleo sobre tela sobre madera con hoja de oro de imitación 65 x 85 cm.

135 Huipil bordado embroidered h ui P il 2005 · Óleo sobre tela sobre madera 90 x 80 cm.

136 Sin titulo u ntitled 2006 · Óleo sobre tela sobre madera con hoja de oro de imitación 80 x 90 cm

138 Jardines de Getsemaní

t he Gardens o F Gethsemane 2005 · Óleo sobre tela 28 x 37 cm.

159 Vida, agua de sandía l i Fe, watermelonade 2008 · Óleo sobre tela 120 x 120 cm.

145 Diálogo en el jardín d ialo G ue in the Garden 2008 · Óleo sobre tela 120 x 120 cm.

158 Empanadas Doña Katy d oña k aty´s em Panadas 2008 · Óleo sobre tela 100 x 140 cm.

148 Memelas Toñita m emelas toñita 2009 · Óleo sobre tela ** x ** cm.

150 Tacos fritos Fried tacos 2009 · Óleo sobre tela 100 x 140 cm.

156 No habrá más lloro t here w ill b e n o m ore t ears 2010 · Óleo sobre tela 300 x 600 cm.

152 Mi niña m y Girl 2011 · Óleo sobre tela 120 x 120 cm.

153 Volador Flyin G 2011 · Óleo sobre tela 120 x 120 cm.

154 Pájaro feliz h a PP y b ird 2011 · Óleo sobre tela 40 x 100 cm.

155 Correcaminos r oadrunner 2011 · Óleo sobre tela 40 x 100 cm.

155 Volveré i w ill r eturn 2011 · Óleo sobre tela 100 x 140 cm.

164 Juego en el recreo r ecess Play 2012 · Óleo sobre tela 60 x 150 cm.

184 La novia del Místico t he m ystic´s Girl Friend 2015 · Óleo sobre tela 120 x 200 cm.

166 Novia fashion I Fashion b ride i 2013 · Óleo sobre tela 100 x 140 cm.

187 Juego de canicas Game o F m arbles 2015 · Óleo sobre tela 40 x 90 cm.

168 Novia IV Érase una vez b ride iv o nce uP on a t ime 2013 · Óleo sobre tela 120 x 120 cm.

169 Mujer sensual s ensual woman 2014 · Óleo sobre tela 37 x 85 cm.

170

Fruto del paraíso Fruit o F Paradise 2014 · Óleo sobre tela 100 x 40 cm.

171 Shopping girl I s ho PP in G Girl i 2014 · Óleo sobre tela 37 x 85 cm

178

Adios chula Good-bye Pretty Girl 2015 · Óleo sobre tela 120 x 200 cm.

180

Un domingo en el parque a sunday in the Park 2015 · Óleo sobre tela 120 x 140 cm.

182 El trabado m uscle m an 2015 · Óleo sobre tela 85 x 37 cm.

186 Los hermanitos t he l ittle b rothers 2015 · Óleo sobre tela 40 x 100 cm.

188 El cachetes y sus amigos chubby cheeks and his Friends 2015 · Óleo sobre tela 80 x 100 cm.

189 Ciclista c yclist 2015 · Mixta 46 x 46 cm.

190 Amigos en la playa Friends on the b each 2015 · Mixta 46 x 46 cm.

191 Niño jugando Playin G b oy 2015 · Óleo sobre tela 25 x 30 cm.

191 Después del recreo aF ter r ecess 2015 · Óleo sobre madera 30 x 45 cm.

192 Enmascarado m asked m an 2015 · Óleo sobre tela 100 x 80 cm.

193 Solo amigos a rrivin G at the b each 2018 · Óleo sobre tela 50 x 70 cm.

197 El gato volador Flyin G c at 2018 · Óleo sobre tela 60 x 150 cm.

196 Adán y Eva a dam and e ve 2017 · Óleo sobre tela 100 x 140 cm.

196 Llegando a la playa a rrivin G at the b each 2018 · Óleo sobre tela 50 x 70 cm.

199 Stravinski s travinski 2017 · Óleo sobre tela 80 x 100 cm

205 Pescado frito Fried Fish 2018 · Óleo sobre tela 90 x 90 cm.

202 Jugando en la arena Playin G in the s and 2017 · Óleo sobre tela 37 x 85 cm.

204 Caldo de camarón s hrim P s ou P 2018 · Óleo sobre tela 90 x 90 cm.

202 En la playa at the b each 2017 · Óleo sobre tela 80 x 100 cm.

203 Las amigas de los novios t he Girl Friends o F the b ride and Groom 2017 · Óleo sobre tela 65 x 85 cm.

172 Mezcal con gusano de maguey m ezcal with m aG uey worm 2017 · Óleo sobre tela 80 x 100 cm.

207

El penúltimo beso t he Penultimate k iss 2017 · Óleo sobre tela 85 x 58.5 cm.

197 Como duele h ow it h urts 2018 · Óleo sobre madera 80 x 90 cm.

200 Jinetito l ittle Jockey 2018 · Óleo sobre tela 120 x 120 cm.

201 El Oaxaca t he oaxacan 2018 · Óleo sobre tela 90 x 90 cm.

198 Niño feliz h a PP y b oy 2018 · Óleo sobre tela sobre madera 120 x 120 cm.

214 Arrullo lullaby 2018 · Óleo sobre tela 50 x 50 cm.

215 Por un beso nada más Just For o ne k iss **** · Óleo sobre tela 50 x 50 cm.

216 Pasión y vida Passion and l i Fe 2018 · Óleo sobre tela 50 x 50 cm.

225 ¡Que difícil es estar vivo! h ow d i FFicult it i s to b e a live! 2018 · Óleo sobre tela 90 x 90 cm.

217 Amor en azul love in b lue 2018 · Óleo sobre tela 50 x 50 cm.

226 Jugando a la mamá Playin G m ommy 2018 · Óleo sobre tela 90 x 90 cm.

219 Los amorosos t he lovin G cou P le 2018 · Óleo sobre tela 50 x 50 cm.

227 Amor de madre a mor de madre 2018 · Óleo sobre tela 90 x 90 cm.

219 Tierno amanecer t ender dawn 2018 · Óleo sobre tela 50 x 50 cm.

228 Pasionaria Passion Flower 2018 · Óleo sobre tela 90 x 90 cm.

220 Los hermanitos t he l ittle b rothers 2018 · Óleo sobre tela 50 x 50 cm.

229 La madre t he m other 2018 · Óleo sobre tela 90 x 90 cm.

221 Niño feliz h a PP y b oy 2018 · Óleo sobre tela 50 x 50 cm.

231 Entre gaviotas a mon G st s eaG ulls 2018 · Óleo sobre tela 90 x 90 cm.

222 Madre moderna m odern m other 218 · Óleo sobre tela 90 x 90 cm.

232 R100 casa2 n ewlyweds 2018 · Óleo sobre tela 90 x 90 cm.

223 Solo amor o nly love 2018 · Óleo sobre tela 90 x 90 cm.

233 Amor eterno e ternal love 2018 · Óleo sobre tela 120 x 120 cm.

224 La espera t he wait 2018 · Óleo sobre tela 90 x 90 cm.

234 La Petrona Petrona 2018 · Óleo sobre tela 120 x 120 cm.

235 Historia de un amor love s tory 2018 · Óleo sobre tela 120 x 120 cm.

246 La cariñosa t he aFFectionate woman 2018 · Encausto 100 x 150 cm.

236 Lágrimas negras b lack t ears 2018 · Óleo sobre tela 120 x 120 cm.

249 Amor de verdad t rue love 2018 · Óleo sobre tela 90 x 120 cm.

237 La petenera Petenera 2018 · Óleo sobre tela 120 x 120 cm.

248 Sabor a mí taste o F m e 2018 · Óleo sobre tela 94 x 185 cm.

238 El siete machos t he s even m achos lotion 2018 · Óleo sobre tela 120 x 120 cm.

248 Amor perdido lost love 2018 · Óleo sobre tela 120 x 200 cm.

239 Naila n aila 2018 · Óleo sobre tela 120 x 120 cm.

250 Celosa Jealous woman 2018 · Óleo sobre tela 150 x 300 cm.

240 Entre candilejas i n the l imeli G ht 2018 · Óleo sobre tela 120 x 120 cm.

252 Menoshiga d owry 2018 · Óleo sobre tela 150 x 300 cm.

241 Amor Añejo o ld love 2018 · Óleo sobre tela 120 x 120 cm.

244 Amor sin palabras love without words 2018 · Óleo sobre tela 120 x 120 cm.

218 Kumbala ********* 2018 · Óleo sobre tela 120 x 120 cm.

254 Hidequel h iddekel 2018 · Óleo sobre tela con hoja de oro y plata de imitación 120 x 200 cm.

256 Te soñé i d reamt you 2018 · Óleo sobre tela con hoja de oro y plata de imitación 150 x 200 cm.

258 Deseo d esire 2018 · Óleo sobre tela con hoja de oro y plata de imitación 150 x 200 cm.

259 Pre-diluvio Pre-d elu G e 2018 · Óleo sobre tela con hoja de oro y plata de imitación 150 x 200 cm.

260 Hueso de mi hueso y carne de mi carne b one o F my b one and Flesh o F my Flesh 2018 · Óleo sobre tela con hoja de oro y plata de imitación 120 x 200 cm.

260 Quo Vadis q uo vadise 2018 · Óleo sobre tela con hoja de oro y plata de imitación 120 x 200 cm.

262 Dios nunca muere God n ever d ies 2018 · Óleo sobre tela 150 x 200 cm.

262 Viniza b reeze 2018 · Óleo sobre tela 150 x 300 cm.

262 Parece que va a llover i t s eems l ike i t ́s Goin G to r ain 2018 · Óleo sobre tela 120 x 200 cm.

266 Anda y ve Go and s ee 2019 · Óleo sobre tela 140 x 100 cm.

267

Bésame mucho k iss m e a lot 2019 · Óleo sobre tela 140 x 100 cm.

268

Desayuno oaxaqueño oaxacan b reak Fast 2019 · Óleo sobre tela 120 x 200 cm.

270 Cocina oaxaqueña oaxacan cookin G 2019 · Óleo sobre tela 120 x 200 cm.

272 Después del terremoto aF ter the e arthquake 2019 · Óleo sobre tela 150 x 200 cm.

273 Sábadito alegre h a PP y l ittle s aturday 2019 · Óleo sobre tela 150 x 200 cm.

274 Esperando waitin G 2020 · Óleo sobre madera 43 x 30 cm.

274 Sin título u ntitled 2020 · Óleo sobre madera 43 x 30 cm.

274 Sin título u ntitled 2020 · Óleo sobre madera 42 x 29 cm.

274 Y volver volver a nd r eturn r eturn 2020 · Óleo sobre madera 40 x 30 cm.

275 Pasión y vida Passion and l i Fe 2020 · Óleo sobre tela 38 x 42 cm.

275 Sin título u ntitled 2020 · Óleo sobre madera 42 x 38 cm.

275 Sin título u ntitled 2020 · Óleo sobre madera 43 x 30 cm.

290 Cilindro c ylinder 2019 · Óleo sobre cilindro de yeso 140 x 43 cm.

279 Niño pobre Poor b oy 2020 · Collage 42 x 29.5 cm.

305 Sin título u ntitled 2019 · Óleo sobre comal de metal 29 cm.

279 Tembloroso s haky 2020 · Collage 59 x 73 cm.

292 Jarra 1 co FFee Pot 1 2019 · Óleo sobre jarra 22 x 22 x 15 cm.

279 Niño consentido sP oiled b oy 2020 · Collage 29.5 x 42 cm.

293 Jarra 2 co FFee Pot 2 2019 · Óleo sobre jarra 22 x 22 x 15 cm.

280 El diabético t he d iabetic 2020 · Collage 42 x 29.5 cm.

294 Jarra 3 co FFee Pot 3 2019 · Óleo sobre jarra 22 x 22 x 15 cm.

281 Marijuano s toner 2020 · Collage 42 x 29.5 cm.

295 Perdóname mi amor por ser tan guapo For G ive m e my love For b ein G s o h andsome 2019 · Óleo sobre comal 97 x 27 cm.

284 Cuboide 1 cuboid 1 2018 · Mixta 140 x 35 x 35 cm.

296 El Primer amor t he First love 2019 · Óleo sobre comal de metal 52 x 29 cm.

286 Cuboide 2 cuboid 2 2018 · Mixta 140 x 35 x 35 cm.

297 Las manos quietas t he s till h ands 2019 · Óleo sobre comal 41 x 27 cm.

288 Cuboide 3 cuboid 3 2018 · Mixta 140 x 35 x 35 cm.

298 Espera un poco wait a l ittle 2019 · Óleo sobre comal de metal 41 x 27 cm.

299 Cuando calienta el sol w hen the s un h eats uP 2019 · Óleo sobre comal 41 x 27 cm.

305 La novia t he b ride 2019 · Óleo sobre comal 27 cm.

303 Sin título u ntitled 2019 · Óleo sobre sartén 46 x 31 cm.

301 Lo que un día fue, no será w hat o ne day was, w ill b e n o m ore 2019 · Óleo sobre comal de metal 77 x 29 cm.

302 Mujer de Juchitán woman F rom Juchitan 2019 · Óleo sobre sartén 35 x 20 cm.

302 La bonita Pretty Girl 2019 · Óleo sobre sartén 39 x 24 cm.

303 Niña que juega Girl that Plays 2019 · Óleo sobre sartén 35 x 18.5 cm.

304 Sin título u ntitled 2019 · Óleo sobre comal de metal 29 cm.

305 Cabalgata r ide 2014 · Óleo sobre comal 43.5 x 38.5 cm.

306 Sin título u ntitled 2019 · Óleo sobre comal de metal 41 x 27 cm.

biografía de juventud

BIOGRAPHY OF HIS YOUTH

Quizás hubiera llegado a ser jornalero en los cafetales, donde trabajaba su mamá, pero Domingo su hermano mayor, en aquel entonces con trece años, jugando con cerillos que mó un sembradío ajeno, y tuvo que salir huyendo…. La ma tanza siendo el único arreglo en San Miguel.Así que, a los seis meses de edad, su familia se mudó a Salina Cruz, al llamarlos Domingo quien ya tenía un trabajito y rentaba un cuartito. Allí su madre Antonia lavaba y planchaba con una plancha vieja de carbón ropa ajena.Un día mientras Crispín se acostaba en su petate, el Norte levantó en piruetas ascendentes el techo de su casa dejando al descubierto el azul imposible del cielo oaxaqueño.

Cuando Crispín tenía unos cinco años, una vecina Ana llevó al italiano Darío González Hidalgo, pesquero elegante que llevaba pantalones blancos con las líneas de planchado bien marcadas, camisa hawaiana, gorra blanca de marinero, y quien contaba anécdotas de sus viajes marinos, su voz enron

Perhaps he would have become a laborer in the coffee plan tations, where his mother worked, but Domingo, his older brother, then thirteen, playing with matches burned down someone else´s crop, had to flee…assassination being the only solution in San Miguel. So, at the age of six months, his family moved to Salina Cruz when Domingo who already had a job and rented a small room, sent for them to come. There his mother Antonia worked washing and ironing clothes with an old carbon iron. One day while he was resting on his straw mat, the North Wind lifted in ascending pirouettes the roof of his house, exposing the imposible blue of the Oaxacan sky.

When Crispin was five, Ana the neighbor took the Italian

quecida por los cigarrillos y los tragos; para conocer a Antonia, y le aconsejó que pusiera su caja de cigarrillos debajo su pier na para que de una vez se quedara hasta la muerte; y así fue. De esta unión nace su hermana Isabel González Martínez. De niño se rentaba los comics de Kaliman por 50 cen tavos. Era como ver películas en su mente. Jugaba canicas y trompo con los amiguitos. Volaba papalotes y dibujaba con un palo en la tierra.Construía carros de latas de sardina y casas con cajas de cerillo, donde también admiraba los paisajes de Jorge Cázares en la parte de atrás.

Además, le gustaba andar en el monte donde reco gía nopales y frutos silvestres y cazaba palomas. Una vez en una hondurita de un riachuelo encontró tantos chacales que parecía que el agua hervía. Con sus amiguitos también iba a la playa donde les enseñó a nadar o iba a los muelles.Sin reloj y sin supervisión, se olvidaba a veces de la escuela de la tarde, donde se ponía a copiar las imágenes de los héroes patrias de los libros de texto en sus cuadernos.Pintó su primera pintura sobre papel cascarón con pintura Vinci.

A los siete años cayó de las ramas tostadas de un guaje, lo cual lo dejó paralizado para un mes.Su madre lo amarró con vendas y lo cubrió con hierbas hasta que pudo volver a caminar. En bici se fue a la barranca y se cortó hondo con un vidrio roto.Dos veces casi se ahogó al ir a nadar en el mar abierto, una vez por un remolino en el agua y otra vez porque

Dario Hidalgo Gonzalez; an elegant fisherman who wore white pants with sharply ironed lines, a Hawaiian shirt, a white sailor´s cap, and who told antedotes of his marine travels, his voice hoarsened by cigarettes and drink; to meet Antonia, and advised her to put his box of cigarettes under her leg so that once and for all he would stay until death, and so it was. From this unión, his sister Isabel Martinez Gonzalez was born.

As a boy he rented out comic books of Kaliman for fifty cents. It was like watching movies in his mind. He played with mar bles and tops with his friends. He flew kites and drew in the dirt with a stick. He constructed cars from sardine cans and houses out of match boxes where he also admired the landscapes of Jorge Cazares on the backside.

Furthermore, he liked to explore in the hills where he gathe red prickly pear cactus pads and wild fruits and hunted wild doves. Once in the deep part of a stream, he found so many crayfish that it seemed as if the wáter was boiling. With his friends, he also went to the beach where he taught them how to swim or he went to the docks. Without a watch or supervisión, he sometimes forgot about the afternoon- shift school where he copied in his notebooks the text book images of the national héroes. He painted his first painting on cardboard with Vinci paints.

At seven he fell from the toasted branches of a river tamarind tree, which left him paralyzed for a month. His mother bound him in bandages and covered him with herbs until he could

lo estaba llevando el corriente.Nadó, nadó, y no dejó de nadar hasta que alcanzó la orilla. Rompió el brazo cuando se cayó de un paraíso. Muchas veces “bailaba la samba” al son de la varita de tamarindo de su mamá, sin embargo, valoraba la indepen dencia, la aventura, la libertad, la inconformidad, y la voluntad humana, aunque había que atenerse a las consecuencias a veces, pues creía que “los golpes de la vida te ponen listo.”

A los veinte años, lo picó una viuda negra en el dedo chiquito del pie; y sintió como el ardor como fuego líquido iba subiendo por la pierna y por todo el cuerpo; pero como de costumbre, no fue al doctor, sino que tomó leche y caminó toda la noche por las calles desiertas de Oaxaca hasta que sentía que la quemazón disminuía. En el 2006, año emble mático de Oaxaca, cuando en el espacio de un mes, perdió su riñón derecho y tuvo una pancreatitis aguda causado por una piedra de su vesícula reventada, este último sucedió en un hotel en Ciudad México donde estaba de viaje para una in auguración suya, se descubrió que tenía el hígado achicharro nado por las toxinas arácnidas. Decían los cuatro especialistas en la Cruz Roja de Polanco que por milagro había sobrevivido. En total tuvo diez hospitalizaciones y ocho operaciones. En 1994, lo asaltaron a punto de pistola en un cajero automático oscuro en la Condesa.Una vez casi se iba a la barranca manejando bajo la lluvia en la carretera serpentina, y en este momento resbalosa, que va al Istmo.Otra vez en ca

walk again. He rode his bicycle into a ravine and got deeply cut by a broken piece of glass. Twice he almost drowned when swimming in open sea, once by a whirlpool, another time by the undertow. But he swam and swam and didn´t stop swimming until he reached the shore. He broke his arm when he fell from a Russian olive tree. Many times he “danced the samba” to the beat of his mother´s tamarind switch; however, he valued independence, adventure, liberty, incon formity, and human will although he had to abide by the consequen ces at times, for he believed that “the hard knocks of life make you clever.”

At twenty, a black widow stung him on his little toe, and he felt how the ardor like liquid fire went up his leg and throughout his entire body, but as usual, he didn´t go to the doctor, but drank milk and walked the deserted streets of Oaxaca all night until he felt the burning subside. In 2006, emblematic year in Oaxaca, when in the space of a month he lost his right kidney and had severe pancreatitis caused by a stone from his ruptured gall bladder, this last happened in a hotel room in Mexico City where he had been traveling for a art opening of his; it was discovered that his liver had been damaged from the spider toxins. The four specialists at Polanco´s Red Cross said that it was a miracle that he survived. In total, he had ten hospi talizations and eight operations.

In 1994 he was robbed at gun point in a dark ATM in the

mino de Puerto Escondido se le fueron los frenos en el carro que viajaba y el conductor tuvo que chocar contra el cerro al lado donde estaba sentado para detener la marcha.

Siguiendo los pasos de Darío, asistió a la Escuela Técnica Pesquera. Por la tarde se juntaba con unos treinta muchachos para jugar fútbol, no tanto por afición sino porque le gustaba como se llevaban y trataban.Les decía que iba a ser bailarín o artista porque tenía “feeling.”

A los 16 años, quiso conocer a su padre José Valladares. Muchos cerros caminados después, por fin llegó a la entra da del pueblo al anochecer, la oscura pesadez como tinta china derramada bajo los aguacatales, los frutos redondos e hinchados cayendo como bombas orgánicas en derredor. Debido a la reputación de San Miguel, y los avocados que ex plotaban sonando como pasos, sentía miedo; pero su padre, originalmente de Miahuatlán, era de carácter prudente y tran quilo, igual que él, y se llevaba con todos del pueblo.Su padre quien siempre quiso un hijo, habiendo tratado de adoptarlo al nacer, estaba regocijado y querría dejarle sus sembradíos de café; sin embargo, Crispín rehusó.

En el Instituto Tecnológico del Istmo crearon un taller de arte y pusieron a cargo al Mtro. Jorge Ortega.Lo surtieron con papeles, pintura, y pinceles finos. Crispín había escu chado hablar de este lugar.Un buen día llegó a la escuela un muchacho adolescente que limpiaba cisternas en los barcos,

Condesa. Once he almost drove over a cliff driving under the rain on the serpentine, and at this momento slippery, highway to the Isthmus. Another time on his way from Puerto Escondido, the brakes of the car in which he was traveling failed and the driver had to crash against the cliff on the side where he was seated to stop.

Following in the steps of Darío, he attended the Technical Fishing School. In the afternoon he hung out with some thirty boys to play soccer, less due to fondness for the sport, and more due to the fact that he liked the way they got along and treated each other. He told them that he would either be a dancer or an artist because he had “feeling.”

At sixteen he wanted to meet his father José Valladares. Many mountains crossed on foot later, he at last arrived at dusk at the entrance of the village, the weighty darkness spilling out like India ink under the avocado trees, the round and swollen fruit falling like organic bombs around him. Because of San Miguel´s reputation, and the exploding avocados sounding like footsteps he felt afraid; but his father, originally from Miahutlán, had a prudent and tranquil carácter, like him, and got along with everyone from the village. His father who always wanted a son, having tried to adopt him at birth, was overjoyed and wanted to leave Crispin his coffee plantings; however, Crispín refused.

In the Regional Technological Institute of the Ithmus, an art studio was created and Jorge Ortega was put in charge. It was supplied with fine art papers, paint, and brushes. Crispin had heard

pero que querría aprender a pintar acuarela.El Mtro. Jorge le consiguió una credencial para que no tuviera que pagar pasaje. También le regalaba materiales, ropa, y lo invitaba a comer a su casa.Se hicieron grandes amigos y tuvieron mucha afinidad; el joven y el maestro de unos 60 años, felizmente encerrados todo el día pintando.Crispín siempre lo recordaba con mucho cariño.

Después su hermano Domingo le consiguió una ficha para trabajar en Pemex.Pintaba los tubos grandes en lo alto, donde también tomaba la siesta y almorzaba. Tener un plazo en Pemex era muy codiciado, pero la rutina lo mataba.Como de costumbre, le daba su sueldo a su mamá para los gastos de la casa; sin embargo, ella quincena con quincena había enrollado y amarrado los billetes en un paliacate escondido en el fondo de su ropero. Cuando Crispín decidió que iba a seguir su sueño de ser pintor y le pidió un poco de dinero, ella le regresó todo de su contrato de 54 días.

Con eso se fue a vivir a Juchitán en la Casa del Estu diante.Tomaba clases en Casa de Cultura, dirigida po Macario Matus.Matus convocaba a varios jóvenes del 2 a 4 de la tarde para ir al mezcal y la botana y hablar de cultura y política. Aparte de aprender a pintar murales, formó parte del movi miento COCEI.Mientras estaban pintando una pared, la poli cía lo levantó a él y sus compañeros y pasaron la noche en la cárcel.Los vecinos fueron a verlos y a llevarles una abundancia

about this place. One fine day an adolescent boy, who cleaned ship cisterns but who wanted to learn to paint watercolor, arrived at the school. Professor Jorge got him a student ID so that he wouldn´t have to pay bus fare. He also gave him materials, clothes, and invited him to eat at his home. They became great friends with much affini ty; the young boy and his master of some sixty years happily locked away painting all day. Crispin always remembered him with great affection.

After this, his brother Domingo obtained a Pemex contract for him. He painted huge tubes up high, where he also took his siesta and ate lunch. Having a work contract at Pemex was highly sought after, but the routine was killing him. As was his custom, he gave his salary to his mother to cover house expenses; however, she had rolled up and tied up the bills in a red scarf hidden in the back of her wardrobe. When Crispin decided that he was going to follow his dream of being a painter and asked her for a little money, she gave him everything from his 54-day contract.

With this, he moved to Juchitan and lived in the House of Students. He went to the House of Culture, directed by Macario Matus. Matus summoned several young people together to have mezcal and snacks and to talk about culture and politics. Besides learning to paint murals, he became part of the COCEI movement. While painting a wall, the pólice picked him and his companions up

de comida: tortas, totopos, queso, y camarón.Este espíritu de solidaridad le conmovió mucho.En este periodo conoce a Toledo quien influenció su obra.Posteriormente en México y Oaxaca conoce a Tamayo y a Rodolfo Morales.

Su primera exposición individual fue en la Casa de la Cultura de Oaxaca.Solo quedaron dos obras que fueron devueltas por un senador, posteriormente gobernador, que al llegar a casa para colgarlas se dio cuenta de que habían sido pintados sobre el lado atrás de mantas del COCEI.

De Juchitán se fue a vivir a la ciudad de Oaxaca, expo niendo con varias galerías.Aunque se había desilusionado con la política, las semillas ideológicas habían sido sembrados, así que regresó a Salina Cruz con el afán de llevar la cultura al pueblo.Creía que el arte era de y para todos. Sobre una plática en el Café Vito, junto con Heteo Pérez formó el grupo Piedra Cuache. Querrían que se diera un movimiento que impulsara la plástica en Salina Cruz.Hicieron exposiciones de pintura en el parque y enfrente del mercado.También traje ron grupos musicales como marimba y conjuntos. Todo era gratuito.Este movimiento despertó el entusiasmo de com pañeros más jóvenes como Rolando Rojas, Fernando Alonso, Luis Infanzón, y Ariel Duarte, quienes también se sumaron al grupo.Como Crispín ya tenía tiempo yendo a y viviendo en Oaxaca, él los llevó a Oaxaca como grupo y los presenta ba allí con las hermanas Gómez y Nina Mayés, así mismo a

and they spent the night in jail. Their neighbors went to visit them and brought them an abundance of food: sandwiches, totopos, cheese, and dried shrimp. This spirit of solidarity moved him greatly. During this period he also met Toledo who influenced his work. Later on in Mexico and Oaxaca he met Tamayo and Rodolfo Morales. His first individual show was in the House of Culture of Oaxaca. Only two works were left, having been returned by a senator, subsequently governor, that upon arriving at home to hang them, realized that they had been painted on the backside of COCEI propaganda.

From Juchitan he moved to Oaxaca City, showing with various galleries. Although he had been disillusioned by politics, the ideological seeds had been planted, so he returned to Salina Cruz with the desire to bring culture to the people. He believed that art came from and was for everyone. Over coffee at Vito´s Café, he and Heteo Perez formed the group Cuache Stone. They wanted to start a movement that would impulse art in Salina Cruz. They organized painting shows in the central park and in front of the Marketplace. They also brought musical groups such as marimba and other bands. Everything was free. This movement awakened the enthusiasm of younger companions such as Rolando Rojas, Fernando Alonso, Luis Infanzon, and Ariel Duarte, who also joined the group. As Crispin had beeing going to and living in Oaxaca for some time, he brought them there as a group and presented them to the Gómez sisters, Nina Ma yés, as well as Nancy Mayagoitia, and his artist friends in the capital.

Nancy Mayagoitia, y sus amigos pintores en el capital.Conse guía exposiciones de diferentes lugares y su crítico era Julio Ramírez.A nivel personal hizo un mural en la entrada del mercado de Salina Cruz.

En 1990 se va a vivir a Monterrey para pintar para una exposición con la galería de Guillermo Sepúlveda.Casi todas las noches los poetas José Eugenio Sánchez, José Luis Cen dejas, Elizabeth Hernández, Claudia Villareal y el pintor Pablo Candal se reunían en su taller para hablar de poesía y cultura mientras él seguía pintando.Toma muy en serio la producción artística y la búsqueda de una iconografía propia. Da clases a Pablo y a Ivette Olivares.Después de la exposición, se mudó a la Ciudad de México.

En 1992 conoce a Katherine Wong y se fue a Miami.Allí trabajó en un taller en el South Florida Art Center en Lincoln Road y se reconectó con algunos pintores cubanos que se había conocido en Monterrey.Viajó a Washington DC a ver museos y su favorito fue Dumbarton Oaks con su magnífi ca colección de arte prehispánico y jardines.Expuso en Art Miami con el Kimberly Gallery y también ganó el premio de jurado del “42nd All Florida Open” del Museo de Boca Ratón. Se casaron, mudaron de regreso a Oaxaca, tuvieron una hija, y vivieron una cotidianidad feliz, él trabajando su arte y sobrellevando sus enfermedades, hasta su muerte el 6 de noviembre 2020.

He looked for shows in different places and their art critic was Julio Ramirez. On a personal level, he painted a mural at the entrance of the marketplace in Salina Cruz.

In 1990 he went to live in Monterrey to paint for an exhibition with Guillermo Sepúlveda´s gallery. Almost every night the poets José Eugenio Sánchez, José Luis Cendejas, Elizabeth Hernández, Claudia Villareal, and the painter Pablo Candal gathered in his studio to talk about poetry and culture while he continued painting. He took artistic production and the search of his own iconography very seriously. He also gave painting classes to Pablo and Ivette Olivares. After the show, he moved to Mexico City.

In 1992 he met Katherine Wong and traveled to Miami. He worked in a studio in the South Florida Art Center on Lincoln Road and reconnected with some Cuban painters that he had met in Monterrey. He traveled to Washington DC to see museums and his favorite was Dumbarton Oaks with its magnificent collection of Pre-Hispanic art and gardens. He showed in Art Miami with Kim berly Gallery and also won the Juror´s Prize at the “42nd All Florida Open” of the Boca Raton Museum.

They got married, moved back to Oaxaca, had a daughter, and lived a happy daily life, he working at his art and dealing with his illnesses, until his death on November 6th, 2020.

crispin vayadares

QQQ SOLO AND COLLECTIVE EXHIBITIONS

crisPín vayadares (1962-2020) fue un artista quien ha vivió y trabajó en Oaxaca, Monte- rrey, la Ciudad de México, y Miami. Expuso individual y colectivamente al interior del país y el extranjero en más de un centenar de exposiciones a través de una carrera artís- tica de unos 40 años. En 1993 ganó el premio de Jurado del Museo de Boca Ratón en Ft. Lauder dale. Así mismo, gano la medalla de oro del Congreso de la Unión LX en reconoci- miento a su trayectoria y contribución artística a México en el 2008. Ha sido publicado en Vogue México, Casas y Gente, Arte al Día México, La Jornada, y El Financiero. Su obra forma parte de importantes colecciones tanto privadas como públicas. Desarrolló una iconografía personal que incluía niños, enmascarados, novios y amantes, madonas, texti- les istmeños, animales, y la cocina oaxaqueña que navegaban entre lo figurativo y lo abstracto.

ALGUNAS EXPOSICIONES INDIVIDUALES

2021 “Si ti”, Galería Arte de Oaxaca, Oaxaca de Juárez

2020 “Anecdotario coincidente,” Galería Arte de Oaxaca, Oaxaca de Juárez

2019 “Dios nunca muere”, Galería Cuatro Siete, Oaxaca de Juárez.

2018 “Sabor a mí”, Casa de la Cultura Jorge Cuesta, Córdo ba, Veracruz.

2014 “Shopping girl”, Cámara de Diputados de la República, Ciudad de México.

2013 “Novias fashion”, Galería de Arte Crispín Vayadares, Oaxaca de Juárez.

“Una flor en tus cabellos”, Galería Garco, Puebla, Pue bla.

“Las paisanas llegaron ya”, Galería Arte de Oaxaca, Oaxaca de Juárez

2012 “Amorcito corazón”, Cámara de Senadores de la Re pública, México DF.

2011 “El cantar de los cantares”, Centro Cultural Casa LAMM, México DF, y Galería Arte de Oaxaca, Oaxaca de Juárez.

“Esta tarde vi llover”, Galería Casa Colón, Mérida, Yucatán.

2009 “Hasta que la luna ya no sea”, Museo del Palacio, Oa xaca de Juárez.

2008 “La tierra prometida”, Galería Arte Actual Mexicano, San Pedro Garza “La vida eterna”, Cámara de Diputados de la Unión, México. D.F. “Después del diluvio”, Ex – Convento de Santo Do mingo: Museo de Las Culturas, Oaxaca de Juárez.

2007 “De paraíso perdido a paraíso recobrado”, Galería Noel Cayetano, Oaxaca de Juárez, México.

2006 “Sobre las olas”, Museo de los Pintores Oaxaqueños, Oaxaca de Juárez.

2005 “Dos colores, dos aromas” Galería Lourdes Chumace ra, D.F., México

2001 “El telar de los colores”, Galería Estela Shapiro, México. D.F., México.

2000 “Juegos y malabares”, Galería Pacífico, Puerto Vallar ta, Jalisco.

1999 “EL canto alegre de la vida”, Galería Arte Mexicano, Oaxaca, Oax.

1995 “Caras y verduras”, Galería Pacífico, Puerto Vallarta, Jalisco, México.

1990 “Crispín Vayadares: obra reciente”, Galería Arte Ac tual Mexicano, Monterrey, N.L., México.

ALGUNAS EXPOSICIONES COLECTIVAS

2016 “Art Walk ”, Museo de Ventura, Ventura, California, EEUU.

2013 “Presencia de Oaxaca ”, The Arts Hause, Singapur, Malasia; Galería Ta-man Budaya, Indonesia.

2009 “Entre Paréntesis”, Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca.

“Carpeta Gráfica Conmemorativa de Benito Juárez ”, Museo de Arte Contemporáneo Latina Americana (MACLA), La Plata, Argentina.

“Landscapes”, Patricia Ruiz-Healy Fine Arts, San Anto nio, Texas.

2002 “El Poder Solidario de la Consciencia ”, Casa LAMM, México, D.F.

2001 “Propios y Extraños”, Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca. 1997 “Expresiones Plásticas de Oaxaca”, Palacio de la Minería, México, D.F.

1996 “Plástica Oaxaqueña a Finales del SIGLO XXI ”, México D.F.; Casa de Cultura de Quito , Quito, Ecuador; y Cen tro Cultural Borges, Buenos Aires, Argentina.

“Vicio y Virtud ”, Museo de la Ciudad, México, D.F. “Opuestos y Simultáneos”, Casa LAMM, México, D.F. e Instituto Veracruzano de las Culturas, Veracruz, Ver., México.

“

Arte del Continente ”, Galería NAFINSA Securities, Nueva York, N.Y. “Sol y Sombra ”, Lotería Nacional, México, D.F.

“Arte y Alma de Oaxaca ”, Instituto Cultural de México, Washington DC, e Instituto Cultural Mexicano, San Antonio, Texas, USA. ART MIAMI, Kimberly Gallery, Miami, FL, USA.

1993 “ALL FLORIDA OPEN ”, Boca Raton Museum of Art, Boca Raton, FL., USA.

1987 “Pintura Oaxaqueña ”, Museo Carillo Gil, México D,F.

“Exposición Inaugural ” Museo Hermila Castellanos, Comitán, Chiapas, México.

“Encuentro de Pintores de Matamoros", Querétaro, Juchitán” Museo de Arte de Querétaro, Qro., México.

El universo de

VAYADARES

1987-2020

Impreso en enero de 2022 por Repro. Gráfika, S.C.en Santa María del Tule, Oaxaca, México.

Su formación se llevó a cabo en el programa InDesign y se utilizaron las familias tipográficas Versus para Títulos y Fieldwork para cuerpo de texto.

Se tiraron doscientos ejemplares más sobrantes de reposición.