Memory Works
GUÍA DE GALERÍA
José Manuel Fors (nacido en 1956, La Habana, Cuba). Parasol, 2003. Técnica mixta, tiras fotográficas de color sobre varillas de parasol. Regalo del Dr. y la Sra. Irwin R. Berman; 2008:11.3
Trabajos sobre la memoria
La investigadora de comunicación Marita Sturken define las “tecnologías de la memoria” como herramientas que pueden activar los flujos de la memoria y fomentar la creación de contranarrativas, así como también la conmemoración. Escribiendo sobre la memoria cultural, Sturken explica cómo la memoria es constantemente negociada y reformulada por los objetos, imágenes y diversas representaciones de los relatos históricos y eventos contemporáneos. Como Sturken afirma, “Estas son tecnologías de la memoria y no recipientes de la memoria en los que ésta reside pasivamente, sino objetos a través de los cuales los recuerdos se comparten, se producen y adquieren un significado”. Las tecnologías de la memoria pueden incluir trabajos de arte públicos, películas, carteles, monumentos conmemorativos, fotografías, cintas, “y aun los propios cuerpos”, ya que estos objetos y lugares no solamente evocan recuerdos, sino que también pueden crear recuerdos nuevos.
Explorando el concepto de tecnologías de la memoria, esta exposición examina los trabajos de arte que cuestionan las múltiples maneras en que la memoria funciona y las herramientas que incitan al recuerdo, la reflexión y el diálogo. Los artistas de la exposición adoptan y comparten sus propias herramientas para mejorar la memoria, interrogarla y cuestionar las maneras en que recordamos y experimentamos nuestros recuerdos.
José Manuel Fors explica: “Mi primera exposición personal se tituló Acumulaciones ; desde entonces tengo una marcada tendencia a acumular cosas...La acumulación de documentos y objetos no siempre puede tener un vínculo directo con mi memoria familiar, pero sí es un trabajo íntimo que se va expandiendo”.
Reflexionando sobre el papel de la memoria, otra artista de la exposición, Georgina Reskala, comenta: “Un momento está vivo cada vez que hablamos sobre este y lo recordamos. Y cada vez que hablamos sobre este, lo transformamos. Cada vez que reproduzco una imagen, imito la narración de historias y la creación de recuerdos mientras tomo un momento del tiempo, lo copio, le doy una forma nueva, lo transformo o lo borro. Estoy interesada en el poder de la narrativa y en cómo esta le da forma a nuestra historia personal, así como también a nuestra memoria colectiva”.
Esta exposición fue curada por la Dra. Adriana Miramontes Olivas, Curadora de Programas Académicos y Arte Latinoamericano y Caribeño.
Picton (nacido en 1960, Londres, Inglaterra).
Parasol
José Manuel Fors (nacido en 1956, La Habana, Cuba)
José Manuel Fors (nacido en 1956, La Habana, Cuba). Parasol, 2003. Técnica mixta, tiras fotográficas de color sobre varillas de parasol. Regalo del Dr. y la Sra. Irwin R. Berman; 2008:11.3
José Manuel Fors recopila y clasifica meticulosamente la información a través de una selección de papel, fotografías, hojas y otros objetos encontrados para delinear el trabajo fragmentario de la memoria. En Parasol, Fors deconstruye un parasol, haciéndolo no solamente inútil sino vulnerable. Originalmente un objeto flexible producido para protegerse de la lluvia y el sol, aquí el parasol se vuelve plano y frágil. Abierto y expuesto, el parasol muestra una amalgama de imágenes. A través de esta acumulación, composición, recontextualización y reutilización, Fors cuestiona el paso del tiempo y nuestra incapacidad para ver minuciosamente tanto el presente como el pasado.
Fors fue entrenado como pintor, pero pronto comenzó a experimentar con la fotografía. Su padre tenía un laboratorio fotográfico en casa y, gracias a su amistad con Rogelio López Marín, quedó fascinado con este medio. Hablando sobre su trabajo, Fors explica, “comencé enamorado de la fotografía, pero a la vez sentía que no podía ser fotógrafo. Tenía que hacer una obra. Empiezo a incorporar objetos a esas fotografías y manipulaciones de todo tipo—con tinta, le agregaba superposición de textos, y se fue enriqueciendo”.
Hojarasca: Cubo, Plato
José Manuel Fors (nacido en 1956, La Habana, Cuba)
José Manuel Fors (nacido en 1956, La Habana, Cuba). Hojarasca: Cubo, Plato, 2002 Impresión en gelatina de plata entonada, papel, cuerda, café, plato de cerámica roto, hojas secas, plexiglás y caja.. Regalo de Linda e Irwin Berman, en memoria de Linda; 2016:48.17
En 1982, José Manuel Fors creó Hojarasca (vista arriba, derecha) en su casa y estudio de arte en Cuba. Hablando sobre la fotografía, Fors señaló que originalmente solo fue creada como un objeto de estudio para fotografiarse y que no fue pensada como una instalación. Como él explica, “no tenía entonces la conciencia de haber realizado un ambiente”. Aunque desconocía su potencial como instalación artística, Fors era consciente de lo efímero del trabajo de arte, un tema que había captado su atención por mucho tiempo.
En Hojarasca: Cubo, Plato, Fors mantiene su interés por la transitoriedad, la manipulación del espacio y el compromiso con la noción de un “fuera de sitio”. Un término acuñado por el artista Robert Smithson, los “fuera de sitio” son los objetos o situaciones encontradas al aire libre y considerados como “obras de arte” por elección del artista. El ensamblaje seleccionado por Fors de hojas, sillas, libros y platos actúa así como un mapa que apunta hacia otro lugar, fuera del espacio de la galería.
En Hojarasca: Cubo, Platón, Fors no ocupa todo el piso de la galería como en las instalaciones anteriores como Hojarasca, sino que contiene las hojas dentro de una caja para comentar la superposición de significados y el paso del tiempo. Fors crea un palimpsesto para generar nuevas ideas y ensambla una tecnología de la memoria para activar el pasado y el presente de maneras inesperadas.
Diario
Shon Schooler (nació en N/A)
Shon Schooler (nació en N/A). Diario, 1998. Libro de artista; 6 hojas en blanco y 17 hojas laminadas de especímenes de pétalos de flores, edición 1/1. Universidad de Oregón, Biblioteca de Diseño, Libros de artistas; N7433.4.S366 J68 1998
Shon Schooler es coautor de varios libros de artista, incluyendo Los viajeros, (1994-1995), Diez razones para salvar a un pez ahogándose (1996) y El sueño de la niñez (1997). En Diario, el artista presenta diecisiete hojas laminadas de especímenes de pétalos de flores. Bellamente intactas en algunos casos y arrancadas en otros, cada hoja registra un récord detallado de su historia y su vida cuando se encontró con cambios climáticos y organismos vivos.
Las tecnologías de la memoria de Schooler no solamente recuerdan el paso del tiempo, sino que también se enfocan en destrezas valiosas como la observación y el respeto por el medio ambiente. La escala pequeña de la obra de arte invita a una experiencia íntima con esta y estimula la reflexión sobre la vida, nuestros alrededores y nuestras interacciones con los seres y entidades humanos y no humanos.
Desvanecimiento
Elsa Mora (nacida en 1971, Holguín, Cuba)
(detail)
Elsa Mora (nacida en 1971, Holguín, Cuba). Desvanecimiento, 2018. Papel y pegamento. Compra del museo con fondos del Fondo de Dotaciones Ballinger; 2019:3.1
La obra de Elsa Mora disecciona las nociones de duelo y bienestar. Ella cree en el poder terapéutico del arte y ha dedicado sus energías artísticas a canalizar la estabilidad psicológica y emocional. Explorando la condición humana, su obra examina las maneras innumerables en que funciona el cerebro.
La madre de Mora tiene un trastorno bipolar, su hermana fue diagnosticada con esquizofrenia paranoide y su hijo vive con autismo, por lo que crear intrincadas obras con sus manos provee a la artista una sensación de conforte y una oportunidad para explorar la depresión, la memoria y el delirio. De acuerdo con Mora, el papel “se convirtió en una metáfora de la mente y su maleabilidad”.
En Desvanecimiento, Mora se enfoca en los diversos estados de la conciencia, el olvido, la presencia y la pérdida. Como afirma la artista, “La gradación de colores es una representación visual de ese estado de aparecer y desaparecer, sentir y no sentir”. La gran cantidad de círculos hechos a mano en Desvanecimiento es también un comentario sobre la atención, paciencia y diligencia, y sirve para cuestionar cómo los valores se transforman constantemente y cómo la vida y la memoria no solamente siempre están cambiando, sino que son evanescentes.
Para ver una Plática de Artista de la UO con Mora, escanea el código QR https://bit.ly/MoraUO
Sin título #0184161
Georgina Reskala (nacida en 1967, Ciudad de México, México)
Georgina Reskala (nacida en 1967, Ciudad de México, México). Sin título #0184161, 2018. Fotografía sobre lino. Regalo de Jane Beebe, PDX Contemporary Art; 2020:43.1
La fotografía sobre lino de Georgina Reskala está raída en varios puntos, renunciando deliberadamente a los métodos y funciones tradicionales de la fotografía para jugar con la forma, el medio y el tema. Practicada cuidadosamente, su metodología no comunica un caos o descuido, sino una atención al detalle y la precisión. Sin embargo, la desintegración de los tejidos, ayudada por la superposición y el desvanecimiento de las imágenes, inhibe la visión y dificulta el entendimiento. Esta incapacidad para “leer” la imagen termina creando una sensación de incomodidad asociada con la retención del conocimiento. Reskala pide a los espectadores que acepten la fragmentación y la pérdida de información, así como también los límites del cuerpo humano como entidad individual y colectiva.
Reskala fue entrenada como fotógrafa, pero ella incorpora el azar y la idea del “accidente”. Reflexionando sobre su práctica artística, Reskala explica: “Comencé a investigar mucho sobre el lenguaje, los recuerdos y los sueños. También comencé a pensar sobre cómo nuestro cerebro elige, a falta de una palabra mejor, algo para recordar y cosas para olvidar. Para mí, mi proceso es algo parecido a recordar y olvidar porque, cada vez que contamos una historia, agregamos cosas y omitimos cosas, y esto cambia todo el tiempo, pero básicamente es lo mismo”.
Berlin 1928-1989
Matthew Picton (nacido en 1960, Londres, Inglaterra)
Matthew Picton (nacido en 1960, Londres, Inglaterra). Berlín 1928-1989; 2015. Papeles de archivo y tableros. Comprado con fondos del Legado de Patricia Noyes Harris; 2016:55.1
Un ensamblaje de mapas, caricaturas, grabados, fuentes literarias, carteles de cine y fotografías instantáneas crea paisajes intrincados que desafían la categorización simple y las narrativas maestras. Por más de una década, Matthew Picton ha cuestionado las nociones de historia, colonización y guerra. Él yuxtapone mapas antiguos y modernos y separa las diferentes capas con alfileres para crear lo que él llama “esculturas”. En este trabajo de arte, Picton se enfoca en Berlín, una de las muchas metrópolis que han captado la atención del artista, para examinar el trauma y la violencia. Otros temas que Picton investiga incluyen los desafíos que las ciudades enfrentan debido a los desastres naturales como terremotos, inundaciones e incendios.
Según Picton, “Hay una cualidad intrínseca en la cartografía que va más allá del documento científico: una belleza de forma y detalle, un registro de tiempos y lugares pasados, algo que vive como un mundo en donde la imaginación puede fluir; lugares para volverlos a visitar, lugares para reimaginarlos, un mundo que se rehace a sí mismo en la imaginación”. Las obras de Picton cuestionan cómo recordamos los sitios con los que interactuamos, las ciudades que marcan los trascursos de nuestras vidas. Sin embargo, mientras deconstruye los mapas, Picton también contribuye a la descolonización del conocimiento, pidiéndonos que desaprendamos las historias recibidas y escribamos otras nuevas.
Para ver una entrevista de la UO con el artista, escanea el código QR https://bit.ly/PictonUO
Extrañándose
Mika Aono (nacida en 1970 en Sendai, Japón)
Mika Aono (nacida en 1970 en Sendai, Japón). Extrañándose, 2016. Aguafuerte de mordida, relieve de bloque de madera, tipografía sobre papel. Regalo de la artista; 2016:14.1
Enfocándose en la población de las personas sin vivienda de Eugene, Mika Aono destaca las áreas de la ciudad donde pueden encontrarse las personas que no tienen un refugio permanente. Su enfoque metodológico desafía las maneras en que vemos y recordamos las ciudades. Su grabado expone una cultura de negligencia, capitalismo brutal y otros males sociales que siguen impregnando nuestra sociedad. Localmente, los reportes recientes indican que desde 2018 el número de personas sin refugio en el Condado Lane aumentó un 72%.
En una conversación, Aono explica: “Cada vez que veía a las personas paradas en la esquina de la calle pidiendo dinero o comida, hice un registro vertiendo ácido nítrico sobre una placa de cobre en el mismo lugar del mapa. El grabado directo del ácido representa los encuentros. Después, imprimí estos en un color rojo apagado que podría evocar algunas heridas o manchas de sangre. Entre más oscura la mancha, es donde vi a más personas necesitando ayuda en el lugar. Por eso se dobla como un mapa viejo. El texto ‘El hogar se extraña aquí’ tiene un doble significado. Su hogar está físicamente desaparecido, y su ‘hogar’ (como familia, calidez, seguridad, etc.) está siendo extrañado por ellos”.
Guantánamo
Ibrahim Miranda (nacido en 1969, Cuba)
Ibrahim Miranda (nacido en 1969, Cuba). Guantánamo, 2001. Acrílico sobre lienzo . Compra del museo; 015:21.6
Guantánamo abrió sus puertas hace veintitrés años después de los atentados del 9/11 contra el World Trade Center en 2001 en Nueva York. Según los reportes recientes, quince hombres todavía están en la prisión y un hombre ha estado detenido allí desde que este se abrió sin haberse presentado cargos. Aunque se estima que cuesta aproximadamente $13 millones de dólares al año por prisionero, actualmente no hay planes para cerrarlo. Esto plantea preguntas sobre la situación futura de sus prisioneros, incluyendo aquellos expuestos a la tortura anteriormente. En la actual administración, el sitio es desafortunadamente utilizado para encarcelar a inmigrantes.
Los mapas son un tema común en la obra de Ibrahim Miranda. Inevitablemente, la naturaleza política de Guantánamo de Miranda provoca preguntas sobre el trauma, las detenciones ilegales, la inacción burocrática y los fracasos del aparato de seguridad gubernamental. El trabajo de arte también plantea preguntas sobre la base naval estadounidense en Cuba, un país aislado por un largo tiempo y sometido a innumerables sanciones por parte de Estados Unidos, y pide a los espectadores que consideren las cuestiones de la ocupación extranjera, las relaciones exteriores y las nociones de justicia cambiantes.
Autorretrato
SHIMA Kuniichi (nacido en 1935-2018, Tokio, Japón)
SHIMA Kuniichi (nacido en 1935-2018, Tokio, Japón). Autorretrato, 1974. Serigrafía; tinta sobre (2) piedras de río. Regalo de la Colección de Grabados Japoneses de Jack y Susy Wadsworth; 012:7.104
Las técnicas de grabado poco convencionales de Kuniichi Shima incluyen estampar 10,000 imágenes en piedras de un río solamente para regresarlas al agua una vez realizada la acción artística. Aquí vemos un autorretrato del artista, suscitando preguntas sobre la identidad y el cambio. A medida que envejecemos, las fotografías nos recuerdan lo que una vez fue. Estas actúan como un memento mori, un recordatorio de nuestra mortalidad, mientras delinean los días pasados y los atributos y las características físicas que han desaparecido o se han transformado.
El autorretrato no solamente sirve para ayudar al individuo, sino también como una herramienta social usada tanto históricamente como en tiempos contemporáneos para recordarles a otros sobre nuestra presencia y, fundamentalmente, como un medio para conectarse entre sí. En Autorretrato, la adopción que Shima hace de las rocas para un retrato evoca paradójicamente un deseo de permanencia y conmemoración, mientras recuerda a los espectadores sobre la transitoriedad de la vida.
Trabajos sobre la memoria
Artist Project Space
February 22, 2025 - June 1, 2025
Sobre el Museo de Arte
Jordan Schnitzer
El Museo de Arte Jordan Schnitzer (JSMA) de la Universidad de Oregón, único museo de arte académico de Oregón acreditado por la Alianza Estadounidense de Museos, presenta exhibiciones interesantes, colecciones significativas de arte histórico y contemporáneo y programas educativos interesantes que apoyan la misión académica de la universidad y los diversos intereses de sus comunidades fuera del campus. Las galerías de las colecciones del JSMA presentan selecciones de arte chino, japonés, coreano, estadounidense, y latinoamericano. Las galerías de exhibiciones especiales muestran obras de la colección y en préstamo, que representan a muchas culturas del mundo pasadas y presentes. El JSMA continúa una larga tradición de vincular las culturas internacionales y ofrece un destino acogedor para el descubrimiento y la educación centrados en la expresión artística que profundiza la apreciación y el entendimiento de la condición humana.