Momentáneo

¿El final de los tiempos?

La noche de este domingo se registró uno de los fenómenos astronómicos más esperados del año: la llamada luna de sangre.

Es una luna brillante y grande, encapsulada en un eclipse lunar total, una combinación que sucede por primera vez en 30 años.

La superluna, que se ve una vez cada año, luce un 14% más grande y un 30% más brillante en el cielo.

Este eclipse es el cuarto y el final de las lunas de sangre, una frase que se ha hecho popular para describir los cuatro eclipses lunares que hemos visto en el 2014 y el 2015. Científicamente, esto es conocido como una tétrada lunar.

No habrá otro eclipse de superluna hasta el 2033.

El eclipse de una luna de sangre es para los

astrónomos y observadores de estrellas un evento para celebrar.

“Es una hermosa vista en el cielo de la noche”, dijo Mark Hammergren, astrónomo del Planetario Adler de Chicago. “Es una forma de conectarnos con el universo en general. Nos da la idea de que hay algo más grande que solo lo que estamos preocupados en nuestra vida cotidiana”.

Para algunos ministros cristianos, el cuarto eclipse y el final en una tétrada –cuatro eclipses lunares totales consecutivos, cada uno separado por seis meses lunares– cumple la profecía bíblica del apocalipsis. (Los primeros tres de la serie tuvieron lugar el 15 de abril del 2014, el 8 de octubre del 2014, y el 4 de abril del 2015).

Astronomía / 2A

La luna Roja

El clima: Maxima 24 c (75 F)

http://www.taringa.net/posts/Alineacion-planetaria-y-el-fin-del-mundo.html

Alineación De Planetas 2015 EN VIVO: Desfile De Planetas Anuncia Fin Del Mundo

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Este sábado 10 de octubre, los planetas Venus, Marte, Júpiter, Mercurio y Saturno se podrán ver perfectamente alineados con la Luna, un espectáculo que ocurre anualmente y el desfile planetario podrá ser apreciado del 8 al 26 del décimo mes.

De acuerdo a Space.com, el ‘desfile’ planetario mantendrá un calendario preciso durante todo el mes de octubre, iniciando la mañana del 8 de octubre.

El espectáculo inicia con una Luna creciente y a su izquierda, en la parte inferior, un deslumbrante Venus, junto a Régulo, la estrella más brillante de Leo. En la mañana del 9 de octubre, la Luna formará un triángulo isósceles junto con Marte y Júpiter. Este día también Venus entrará en conjunción con Régulo, pasando por debajo de esta, pareciendo casi 230 veces más brillante que la estrella azulada.

Desde principios de la semana, varias publicaciones de internet han destacado el fenómeno astronómico que inició este martes como un nuevo indicio del “fin del mundo”. Lo cierto es que no hay nada más alejado de la realidad.

De acuerdo con el experto, no sólo los planetas más cercanos al Sol se alinean, sino que en todo el Sistema Solar el orden de los planetas cambia cada dos o tres años. Pero ninguna de estas

alineaciones afecta al planeta Tierra, debido a la fuerza gravitatoria de los planetas.

“En 1984 estuvieron todos los planetas alineados en un ángulo de 90 grados. Fue un caso excepcional”, explicó Flores al diario mexicano.

Así que ya lo sabes, no hay nada que temer, no te pierdas este excepcional fenómeno que podrá verse todas las madrugadas hasta el próximo 20 de octubre Calendario de Octubre 11 de octubre : De madrugada se podrá observar una Luna creciente muy delgada semejante a una ‘leve sonrisa’ en el cielo y, por encima de ella, hacia la izquierda, será visible Mercurio.

15 de octubre Mercurio podrá ser visto a simple vista durante las tres últimas semanas de octubre. Desde el 8 de octubre, se podrá apreciar claramente 45 minutos antes del amanecer, cerca del horizonte. El planeta triplicará su brillo durante la próxima semana.

16 de octubre : Muy pronto Saturno se perderá en el resplandor del sol, probablemente a finales de este mes. Pero antes de que eso ocurra, brillará en el crepúsculo cada noche.

17 de octubre: Júpiter y Marte formarán un ‘planeta doble’ de alto contraste en el cielo

oriental durante más de 3 horas antes de la salida del Sol. Esa mañana estarán separados por menos de la anchura aparente de la Luna.

Marte aparecerá en la parte superior izquierda de Júpiter.

25 de octubre: Venus mantendrá una conjunción muy cercana con Júpiter. A principios de mes Venus aparecía primero en el firmamento, pero después de esta fecha será Júpiter el que lo haga.

Desfile De Planetas En Octubre 2015 Se Podrá Ver En Todo El Mundo A medida que el mes avance, la trayectoria de Júpiter al acercarse a Marte y Venus creará varias conjunciones que los astrónomos califican de “magníficas”. La primera conjunción tendrá lugar la mañana del 9 de octubre, cuando una delgada luna creciente se una formando un triángulo con Marte y Júpiter. Esa misma madrugada, se podrá ver en todo el mundo a Venus mientras atraviesa por encima del trío, destaca El Salvador.

“La conjunción de planetas tiene que ver con los ciclos planetarios. Cada astro tiene un periodo de órbita en torno al Sol. Visto desde la Tierra, los periodos cambian ligeramente por el eje terrestre, por lo que en ocasiones los tiempos coinciden. Por ejemplo, cuando columpia-

mos dos niños, uno a una velocidad rápida y el otro lento, en ocasiones concordarán en la parte baja, aunque su periodo sea diferente”, explicó Daniel Flores, investigador del Instituto de Astronomía de la UNAM a Milenio Diario.

Desfile De Planetas 2015: ¿Será El Fin Del Mundo?

Desde principios de la semana, varias publicaciones de internet han destacado el fenómeno astronómico que inició este martes como un nuevo indicio del “fin del mundo”. Lo cierto es que no hay nada más alejado de la realidad.

De acuerdo con el experto, no sólo los planetas más cercanos al Sol se alinean, sino que en todo el Sistema Solar el orden de los planetas cambia cada dos o tres años. Pero ninguna de estas alineaciones afecta al planeta Tierra, debido a la fuerza gravitatoria de los planetas.

“En 1984 estuvieron todos los planetas alineados en un ángulo de 90 grados. Fue un caso excepcional”, explicó Flores al diario mexicano.

Así que ya lo sabes, no hay nada que temer, no te pierdas este excepcional fenómeno que podrá verse todas las madrugadas hasta el próximo 20 de octubre.

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Lunes 26 / Octubre 2015, Cuiidad Juárez, Chih.

Seccion A

Astronomía

Los astronautas que viajen a Marte podrían pasar tres años en el espacio profundo, donde la radiación es alta y por tanto mayores son los riesgos de padecer cáncer, perder densidad ósea y sufrir problemas inmunológicos. (Foto referencial: AFP)

La NASA reveló proyecto para llegar a marte antes del 2030

La NASA reveló en un informe cuáles son los pasos que se deben seguir antes de que los humanos puedan llegar a Marte y, aunque aseguraron que estos problemas tienen solución, no pusieron fecha para una misión al planeta rojo.

Los astronautas que viajen a Marte podrían pasar tres años en el espacio profundo, donde la radiación es alta y por tanto mayores son los riesgos de padecer cáncer, perder densidad ósea y sufrir problemas inmunológicos, según el documento.

“Vivir y trabajar en el espacio requiere aceptar riesgos y el viaje vale ese riesgo”, señaló el texto, calificando Marte de “un objetivo alcanzable” y “la próxima frontera tangible para la expansión de la presencia humana”.

Pero algunos expertos consideraron que el informe de 36 páginas, que no incluye presupuesto ni calendario, es débil en detalles importantes.

La publicación del texto ocurre antes de una audiencia ante el Congreso sobre el presupuesto para la exploración extraterrestre y un encuentro internacional de la industria espacial en Jerusalén la semana próxima.

John Rummel, científico del instituto SETI, dijo que el documento contiene “curiosas deficiencias” e hizo notar que solo menciona los términos “comida” y “aire” una vez, sin dar más detalles sobre cómo harán los astronautas para cultivar alimentos en el espacio para sobrevivir.

También ignora “el importante asunto del riesgo de contaminación” si resulta que Marte alberga pequeñas formas de vida o si los humanos las llevan allí por accidente, dijo Rummel.

“Si no se tiene bastante cuidado, la contaminación proveniente de la Tierra puede interpretarse erróneamente como vida marciana”, comentó.

Más cerca que nunca El administrador de la NASA, Charles Bolden, indicó en un comunicado que la agencia espacial estadounidense está “más cerca que ningún otro momento de la historia de enviar astronautas estadounidenses a Marte”.

“Estamos deseosos de seguir discutiendo los detalles de nuestro plan con los miembros del Congreso, así como con nuestros socios comerciales e internacionales, muchos de los cuales asistirán al Congreso Internacional de Astronáutica la semana próxima”, añadió

Bolden, que también fue astronauta.

El plan se divide en tres etapas, la primera de las cuales ya está en camino con experimentos sobre la salud y el comportamiento humanos y sistemas para cultivar comida y reciclar agua a bordo de la Estación Espacial Internacional.

La segunda fase, llamada “Campo de prueba”, comienza en 2018 con el primer lanzamiento de la nueva cápsula espacial Orión sobre el cohete más poderoso que se habrá construido hasta entonces, conocido como el Space Launch System (SLS).

Luego, la agencia planea practicar otras misiones en el área entre la Luna y la Tierra, o en torno a la órbita de la Luna.

“La Nasa aprenderá a conducir operaciones complejas en un ambiente de espacio profundo que permitirá a las tripulaciones volver a la Tierra en cuestión de días”, aseguró el informe.

La tercera fase involucra vivir y trabajar en la superficie de Marte y en tránsito en naves espaciales “que sustentarán la vida humana durante años, haciendo solo mantenimientos de rutina”.

La NASA no dio fechas precisas ni detalles para esta fase, aunque un gráfico menciona “misiones humanas a Marte hacia 2030”.

Las inversiones descritas en cada una de las tres fases “son asequibles dentro del actual presupuesto de la Nasa”, afirma el documento.

Pero, a medida que busca ir más lejos, la agencia reconoce que los problemas se volverán más complejos: “Las futuras misiones enfrentarán desafíos cada vez más difíciles, asociados al transporte, a trabajar en el espacio y a mantenerse saludable”.

Investigadores de la NASA ya confirmaron rastros de agua congelada Marte

Tras la presentación este lunes de los últimos hallazgos de la agencia espacial estadounidense, NASA, en relación a la presencia de corrientes de agua en Marte, fueron muchos quienes hicieron la asociación con la posibilidad de que exista vida en el planeta rojo.

Desde hace años se ha sabido que en el pasado hubo grandes cantidades de agua corriente

en Marte y también se conocía de la existencia de agua congelada bajo su superficie.

La importancia de este último descubrimiento, le dice a BBC Mundo Mary Beth Wilhelm, investigadora del Centro Arnes de la NASA en Moffett Field, California, es que “es la primera vez que hay evidencia directa de la existencia de agua líquida en la superficie de Marte”.

Wilhelm añade que todavía no se sabe de dónde procede el agua, aunque indica que lo más probable es que sea de la atmósfera.

Anteriormente este año, la NASA informó que casi la mitad del hemisferio norte de Marte fue en el pasado un océano, con una profundidad mayor de 1,6km.

Otro aspecto novedoso del anucio de este lunes es que es posible que las corrientes de agua salada se den en la actualidad, no como algo del pasado. ¿Hay vida en el planeta rojo?

Con poquísimas excepciones, el agua es necesaria para la vida tal como la conocemos.

Sin embargo, los investigadores piden prudencia. El hecho de que haya agua congelada, corriente o ambas, no implica directamente que haya vida en Marte.

“Es muy difícil determinar la respuesta a esa pregunta”, indica Mary Beth Wilhelm.

“El primer paso para averiguar si hay o hubo vida en Marte es determinar lo habitable que es el entorno, lo extremas que son las condiciones en el planeta.

“El agua corriente es un ingrediente esencial para la vida, es un requisito para la habitabilidad. Determinar la presencia de agua líquida es un paso para establecer que la superficie de Marte es un lugar que puede ser habitado”, precisa la experta de la NASA. Por su parte, Joe Michalski, investigador sobre Marte del Museo de Historia Natural de Londres, en Reino Unido, señala que el anuncio es un avance fascinante, en especial por lo que significa en cuanto a la posibilidad de que haya microbios vivos en el planeta.

“Gracias al estudio de los extremófilos en la Tierra –microorganismos que viven en condiciones extremas- sabemos que algunos seres vivos no sólo sobreviven sino que prosperan en condiciones muy áridas, muy salinas o en cualquier caso extremas en comparación con lo que es habitable para un ser humano.

“De hecho, en la Tierra, allá donde encontramos agua, hallamos vida. Por eso el descubrimiento del agua en Marte durante los últimos 20 años es tan emocionante”, sost-

iene. Futuros estudios Mary Beth Wilhelm, de la NASA, insiste en que estos son primeros pasos que requieren mucha más investigación.

“Tenemos un robot en el planeta (Curiosity) y mandaremos otro en 2020 para buscar señales de vida”, dice, además de continuar con el trabajo de investigación que se desarrolla desde los laboratorios en tierra.

“Nos queda determinar cuánta agua hay y su origen, que todavía es un misterio. Esos serán nuestros siguientes pasos”, agrega.

También se habla de la posibilidad de enviar una misión tripulada al planeta rojo.

“Es algo en lo que estamos trabajando, es uno de los objetivos. Esperamos que nuestro descubrimiento actual lo haga más posible.

Encontrar agua en la superficie de Marte hará más fácil que se pueda sobrevivir en el planeta y lo hará más barato”.

Esterilizar las sondas Una consecuencia interesante de los recientes hallazgos es que las agencias espaciales tendrán que pensarse bien dónde mandarán sus futuras sondas y robots.

Las normas aceptadas internacionalmente establecen que las misiones tienen que ser precavidas a la hora de ir a lugares de Marte donde sea posible que haya agua líquida.

Peter Grindrod, experto de la agencia espacial de Reino Unido, le dijo a la BBC:

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Astronomia

La vida en la Tierra surgido hace 4.100 millones de años

Patricia se acerca a las costas del Pacífico mexicano como el más poderoso desde que se tiene registro. (AFP)

Huracán Patricia amenaza el Pacífico mexicano Los astronautas que viajen a Marte podrían pasar tres años en el espacio profundo, donde la radiación es alta y por tanto mayores son los riesgos de padecer cáncer, perder densidad ósea y sufrir problemas inmunológicos. (Foto referencial: AFP)

Un antiguo circón desenterrado en Australia Occidental podría contener evidencia de que la vida apareció en la Tierra hace 4.100 millones de años, o unos 300 millones de años antes de lo pensado, según un equipo de investigadores estadounidenses.

Científicos de la Universidad de Stanford y la Universidad de California recientemente recogieron unos circones de millones de años en Jack Hills, Australia, incluyendo uno que creen contiene un depósito de carbono de 4.100 millones de años, aproximadamente. Este hallazgo podría ser de ayuda para determinar cuándo apareció la vida en la Tierra.

Los circones crecen en el magma, a menudo incorporando otros minerales en sus estructuras cristalinas de silicio, oxígeno y circonio. Asimismo, proporcionan una mirada sobre el primer capítulo de la historia de la Tierra.

“Estos son más o menos nuestras únicas muestras físicas de lo que estaba pasando en la Tierra hace más 4 mil millones de años”, dice Elizabeth Bell, autora principal del estudio, publicado en la revista “Proceedings of the National Academy of Sciences”.

Bell y su equipo buscaban en Jack Hills

circones con inclusiones de minerales, como carbono, diamantes y grafito. La presencia de estos minerales no es una prueba absoluta de que existía biología en la Tierra cuando el circón se formó, pero proporciona la oportunidad de buscar señales químicas de vida. Finalmente, los investigadores encontraron rastros de grafito en un circón de 4.100 millones de años.

Según los autores, existen varios procesos no biológicos que podrían explicar el grafito en el circón, pero proponen también la idea de que el grafito comenzó como materia orgánica de los sedimentos que consiguieron arrastrarse en el manto de la Tierra durante la colisión de las placas tectónicas. A medida que los sedimentos se fundían para formar el magma, las temperaturas y presiones elevadas transformaron el carbono en grafito, que finalmente encontró su camino en un cristal de circón.

Cabe resaltar que los científicos han usado fósiles para afirmar que la historia de la vida en la Tierra comenzó unos 3.800 millones de años atrás, en la forma de criaturas monocelulares.

Se cree que los humanos aparecieron apenas unos 200.000 años atrás.

El huracán Patricia amenaza con consecuencias “potencialmente catastróficas” la costa oeste de México, donde se espera que toque tierra en algún momento de la tarde o noche del viernes, informó el Centro Nacional de Huracanes de Estados Unidos, con sede en Miami, Florida.

La Secretaría de Gobernación mexicana ya declaró “emergencia extraordinaria” en varias localidades de los estados de Colima, Nayarit y Jalisco ante la inminente llegada de la tormenta.

Con vientos máximos sostenidos de hasta 325 km/h, Patricia alcanzó a última hora del jueves la categoría 5 –la máxima de la escala Saffir-Simpson– y se desplaza a unos 18 km/h hacia la costa mexicana.

“Es muy probable que este huracán sea el más intenso que haya existido en la parte del Pacífico de nuestro país, desde que se tiene registro”, dijo el director de la Comisión Nacional del Agua de México, Roberto Ramírez de la Parra.

“Sus vientos son lo suficientemente fuertes como para levantar un avión y mantenerlo en el aire”, destacó la portavoz de la Organización Meteorológica Mundial (OMM), Claire Nullis.

Lea también: Así se forman los huracanes El más intenso Según el Centro Nacional de Huracanes de EE.UU. “algunas fluctuaciones” en la intensidad del huracán son posibles, por lo que no descartó que Patricia pueda debilitarse al momento de tocar tierra.

Las autoridades mexicanas ya preparan albergues para atender a la población y las clases han sido suspendidas en varios estados.

El diario El Universal informó que en la zona costera que se prevé sea afectada se inició la evacuación de unas 50.000 personas.

Además, se aconsejó a los turistas que no viajen a la zona. El centro turístico de Puerto Vallarta, situado en Jalisco, puede ser directamente golpeado por la tormenta.

Lea también: ¿Es posible realmente controlar el clima?

“Más vale prevenir” Algunos establecimientos siguieron los consejos de las autoridades y ya cesaron sus actividades.

“Mejor estar seguros que lamentarse. Los huracanes son impredecibles”, le dijo a la agencia AFP Enrique Esparza, director de una tienda de muebles en Manzanillo.

En esta localidad se pudo ver a residentes comprando provisiones de emergencia en los supermercados.

Image copyright AFP Image caption Miles de personas fueron evacuadas.

Se prevé que Patricia produzca entre 15 a 30 centímetros de lluvia en los estados de Jalisco, Colima, Michoacán y Guerrero, lo que puede causar inundaciones y deslaves, advirtió el centro estadounidense.

También se teme que pueda haber desbordamientos en la costa, acompañadas de “grandes y destructivas olas”.

La comisión de aguas alertó que los ríos se pueden desbordar y las carreteras se pueden ver

Cómo el huracán Patricia se convirtió en una tormenta “monstruosa”

Su transformación ha sido calificada de “histórica”: en menos de 10 horas el huracán Patricia pasó de ser una tormenta tropical a un monstruoso huracán de categoría 5, la máxima categoría en la escala de Saffir-Simpson.

“Esto es una proeza extraordinaria” afirma el Centro Nacional de Huracanes (CNH) de Estados Unidos. “En la era de satélites, sólo Linda, en 1997, se intensificó a este ritmo”, agrega.

Así es la trayectoria del huracán Patricia Según el CNH, el huracán que se dirige hacia la costa del Pacífico mexicano con vientos de hasta 325 kilómetros, es el huracán más fuerte que se ha registrado en el Pacífico y Atlántico.

Patricia se desplaza hacia la costa mexicana a una velocidad de unos 17 km/h y se espera que toque tierra el viernes en la tarde o noche, con vientos y lluvias potencialmente destructivos.

Se proyecta que el sistema llegue al estado de Jalisco, en una zona que incluye el centro turístico de Puerto Vallarta. Pero las autoridades mexicanas establecieron una alerta de huracán en Jalisco, Colima y Nayarit.

Lea: Huracán Patricia amenaza el Pacífico mexicano con “consecuencias potencialmente catastróficas” Evolución La evolución de Patricia, de tormenta tropical a huracán categoría 5 en cuestión de horas, ha sorprendido a los expertos.

El jueves en la madrugada la Unidad de Protección Civil del estado de Guerrero, en el Pacífico mexicano, identificó a Patricia como tormenta tropical.

Dos horas más tarde el sistema evolucionó a huracán categoría 1 y fue ubicado a unos 400 kilómetros de la costa central del Pacífico, entre los estados de Guerrero y Michoacán.

A mediodía, hora local, el Servicio Meteorológico Nacional de México, informó que la tormenta se había intensificado a categoría 4 y que se desplazaba a 28 km/h, con vientos de hasta 215 km/h, “una velocidad mucho mayor de los ciclones de estas mismas características”, informó.

El organismo proyectó que en las siguientes dos horas Patricia se fortalecería a categoría 5 y la proyección se cumplió cuando el huracán se encontraba a 360 km de la costa de Colima y Jalisco.

Según el Centro Nacional de Huracanes de EE.UU. esta evolución del sistema de pasar de categoría 1 a 5 en menos de 10 horas es “extraordinaria”.

“El ritmo de intensificación de la tormenta en un día es poco menos que histórica”, afirma el CNH.

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Lunes 26 / Octubre 2015, Cuiidad Juárez, Chih.

Literatura

Seccion B

Literatura a partir del rock El banquete de los pordioseros

Anime 2015 - anime id - rodolfo_popoca@hotmail.com - http://www.lja.mx/2015/10/literatura-a-partir-del-rock-el-banquete-de-los-pordioseros/

Hace algunos Banquetes, no recuerdo exactamente cuántos, pero sin pretenderlo entré al tema del periodismo y la literatura en el rock, pero ese no era el menú para aquel Banquete, así que lo dejé a un lado, pero con la espinita ahí, recordándome constantemente que tenía ese pendientito qué atender, así que ahora te pongo a la mesa el tema de las plumas mejor calificadas y más versadas, a los críticos más punzantes en el amplio horizonte del rock hecho en casa, no digo rock nacional, porque eso implica un compromiso mayor, del que, por supuesto, me encantaría ocuparme en alguna otra ocasión, así que dejo este otro pendiente en el tintero y nos ocupamos en esta ocasión de recordar algunas de las plumas más influyentes dentro del periodismo cultural y la literatura, concretamente en el tema del rock.

Cuando todavía no hemos llegado a los 20 años de edad, no tenemos muy claro de qué se trata el asunto, para quienes nos gusta el rock, y más que eso, entendemos el rock como un artículo de fe, esta música es algo así como un carnet de identidad, es como tus signos vitales y es algo tan propio como nuestras huellas dactilares, pero nada más, nos sentimos identificados con este lenguaje musical y ya, no pasa nada, pero el mismo interés en el rock te va llevando hacia diferentes lugares, la necesidad de estar informado, de mantenerte al día, cosa no tan fácil en los primeros años 80, nos lleva, a los que tenemos ese interés, a buscar fuentes de información, y así se van descubriendo, poco a poco, revistas, periódicos, y todo tipo de publicaciones que de alguna manera ayuden a entender mejor lo que escuchamos o nos ubiquen con precisión en el contexto de tal o cual grabación y poco a poco nos vamos enterando que dentro del periodismo y de la literatura, hay verdaderos profesionales y que son una indispensable fuente de información para quienes gustamos del rock.

Allá por 1978 o 79, yo con mis 15 o 16 años, empezaba a adentrarme más en este inagotable mundo del rock, cada vez que escuchaba un

nuevo disco o leía algún de tal o cual agrupación, sentía una necesidad inaplicable por conocer más. Compraba la revista Conecte y la leía con una ferocidad ejemplar, leía artículos de grupos que jamás en mi vida había escuchado como Tygers of Phangan y otros que yo no conocía, eran grupos ya consagrados como Jethro Tull, Rush, Cactus, o Allman Brothers Band, pero para mí eran nuevos y los estaba descubriendo. Recuerdo los artículos de José Luis Pluma y sus críticas a algunas bandas locales de aquella época, o sus reseñas de conciertos, algunos comentarios punzantes y fuertes lo que sin duda le ganó algunas enemistades, no sé realmente si su pluma era objetiva o tendenciosa, no lo sé en realidad, pero sí sé que por aquellas críticas, tuve la oportunidad de acercarme a varios grupos legendarios que, sin embargo, para mí, a mis 15 años de edad eran desconocidos.

Digamos que la revista Conecte, conocida sin duda por todos los roqueros de mi generación, fue mi primer acercamiento al periodismo elaborado a partir del rock, después vino la lectura de algunos escritores especializados en la materia, recuerdo haber leído, todavía en la adolescencia, Las Jiras de Federico Arana en un libro editado por la SEP en la serie de Lecturas Mexicanas, una colección extraordinaria y verdaderamente alternativa de la literatura en México, me hice de una buena cantidad de volúmenes de esa misma colección.

En alguna de esas frecuentes visitas a librerías de textos usados que tanto disfrutaba, me encontré con Huaraches de ante azul, también de Federico Arana, una colección de cuatro volúmenes imprescindibles para quien tenga algún interés en el rock mexicano, me los devoré como si de caramelos se tratara.

Un poco después conocí a dos de los que considero más importantes, Víctor Roura y José Agustín, la lectura de los ensayos, novelas y cuentos de estas dos hábiles plumas impactaron fuertemente en mi ánimo, de

Roura recuerdo un par de títulos que leí hace más de…,no sé hace cuánto, pero su recuerdo es fresco, de hecho creo que volveré a leer Polvos de la Urbe, inspirado en el roquero Diego Iturrigaray, quien como Rockdrigo, también murió en el terremoto del 85, verdadero periodismo cultural. También de Roura tengo presente aquel libro llamado Y los vecinos tocando.

José Agustín ha sido un referente en mi vida, es llevar el rock a la literatura, obras como La tumba, Final en laguna, El rock de la cárcel, La nueva música clásica, El rey se acerca a su templo, Cerca del fuego, y no sé cuántos títulos más han sido parte de mi vida. Tuve

oportunidad de conocerlo y de charlar con él un par de veces, lo vi en un ciclo de conferencias organizado por la UAA allá por 1986 llamado Latín, caldera de idiomas, con sede en el Museo Aguascalientes, él habló sobre el lenguaje coloquial en la literatura, muy apropiado sin duda para su perfil. Después lo entrevisté en una presentación que tuvo en una feria del libro hace ya muchos años en donde se presentó cuentos cortos y poesía libre dentro de un concierto de Real de Catorce.

Finalmente, Juan Villoro me enseñó, me dio cátedra con su libro Tiempo transcurrido, de que era posible hacer literatura a partir del rock.

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Literatura

Seccion B

El diseño editorial mexicano

http://www.caxton.edu.ar/?section=wc

William Caxton

http://www.deconstrucciondelorgano.com/2014/10/la-literatura-en-mexico.html

El siglo XX se inicia con un gran atraso editorial respecto de los logros alcanzados a mediados del siglo XIX. De los prósperos talleres que habían existido en el siglo XIX sobrevivían con muy baja producción los de la Viuda de Bouret, que tenía su casa central en Francia y editaba básicamente literatura, y los de Herrero Hermanos, que realizaba libros de texto.

En los libros del México de 1900 se pueden apreciar las características visuales del Art Nouveau. Esta línea estilística llega hasta los años veinte aunque con la revolución mexicana se da un giro en el tratamiento gráfico de las publicaciones. Las proclamas y panfletos políticos, hechos en linotipo y con premura, tienen una apariencia general desaseada y una pobre composición, debido entre otras cosas al desabastecimiento de fuentes tipográficas.

Entre 1913 y 1914 surgen dos editoriales, que estuvieron precedidas por sus librerías: Porrúa Hermanos y Andrés Botas e Hijo, después Ediciones Botas. Porrúa Hermanos, desde su fundación estuvo localizada en el centro de la capital mexicana; su labor editorial comenzó en 1904 con la aparición de los Boletines Bibliográficos aunque sus primeros títulos son de 1913 en la colección Obras de América. Esta editorial es especialmente conocida por su colección Sepan cuántos… que se inició en los años 50.

La empresa editorial de Botas editó alrededor de tres mil títulos. Las portadas de esta editorial son en las que mejor se nota la influencia de los lenguajes de las vanguardias europeas en el diseño mexicano, desde tratamientos cubistas o Deco hasta composiciones expresionistas.

Habría que esperar hasta 1916 para que Agustín Loera y Chávez y Julio Torri comenzaran a publicar los libros que formarían el catálogo de la Editorial Cultura. Entre las obras editadas por esta casa cabe mencionar las de artes populares e iglesias mexicanas o Oaxaca y Taxco, ilustradas y diseñadas por Francisco Díaz de León. El tratamiento gráfico en estas portadas recuerda el del Arts and Crafts. Los Talleres Gráficos de la Nación se fundaron durante el gobierno de Venustiano Carranza (1917-1920) y fueron uno de los mayores impresores de esa época.

También en el ámbito gubernamental se debe mencionar la publicación y distribución masiva de textos clásicos desarrollada por José Vasconcelos entre 1921 y 1924. Esto permitió el florecimiento de diversas ediciones como por ejemplo El Maestro. Revista de Cultura Nacional (1921-1923), que resultó ser un muestrario de distintas manifestaciones gráficas desde Arts and Crafts hasta Deco. Otro caso fueron los dos tomos de Lecturas clásicas para niños, obra de gran formato y caja de proporciones clásicas con ornamentación estilo Art Deco, a cargo de Montenegro y Fernández Ledesma. Este libro se inscribe

en una modalidad del diseño editorial que comienza a tener auge en la década de los veinte y treinta: el libro ilustrado, donde podemos ver el desarrollo de la obra gráfica de distintos artistas mexicanos.

De manera simultánea a la SEP, la imprenta de la Secretaría de Relaciones Exteriores, a cargo de Genaro Estrada, editó desde 1925 las Monografías Bibliográficas Mexicanas.

Años 1926-1950 Fondo de Cultura Económica, la editorial más importante de hispanoamérica, se fundó en 1934 por Daniel Cosío Villegas. Un elemento a destacar fue que desde sus inicios esta casa tomó en cuenta el aprovisionamiento de familias tipográficas y la mayoría de sus primeras portadas se resolvieron con letras o viñetas simples. Entre los libros memorables por el cuidado y belleza con el que fue hecho cabe mencionar la Bibliografía mexicana del siglo XVI, de Joaquín García Icazbalceta, que es hoy la principal fuente para el estudio de las publicaciones de ese periodo.

También en 1934 se fundó el Palacio de Bellas Artes y el Instituto de Bellas Artes, entre cuyas actividades figuraban las de carácter editorial.

Habrá que esperar, sin embargo, la llegada del exiliado español Miguel Prieto para ver el esplendor de las ediciones del instituto.

El trabajo de los artistas-diseñadores en México Durante este periodo el diseño estuvo generalmente realizado por artistas de muy diversos orígenes y formaciones, y la diferencia principal entre sus trabajos artísticos y los de diseño fueron los soportes utilizados, impresos en su gran mayoría, así como la intención comunicativa de esas obras. Por otro lado, sus trabajos se desarrollaron tanto en el frente artístico como de diseño por lo que es posible inferir la relación mutua entre un área y otra. Asimismo, en la mayoría de los casos sus trabajos lograron una continuidad temporal y tuvieron una fuerte incidencia en la cultura nacional de esa época.

Dos antecesores o el diseño de corte popular A la labor gráfica realizada por la Academia de San Carlos, máxima entidad de formación artística en los inicios del siglo XX, le correspondería una tradición de corte popular, desarrollada sobretodo en los talleres de impresores y editores.

José Guadalupe Posada, quien nació en Aguascalientes en 1852 y murió en la ciudad de México en 1913. Realizó grabados en varias técnicas pero son especialmente famosas sus xilografías. También fue discípulo y heredero del taller de Trinidad Pedroso, y trabajó durante mucho tiempo para el taller de Antonio Vanegas. Arroyo Colaboró en varios periódicos: y fue fundador de los otros.

Los mexicanos: Roberto Montenegro Nervo (1886-1968) realizó estudios en Madrid, París y México. Fue colaborador de distintas

revistas mexicanas como la Revista Moderna de México y otras extranjeras. Se relacionó con pintores y escritores del movimiento moderno en Europa. En su obra se percibe la influencia de las vanguardias europeas especialmente del Art Nouveau. En 1920 regresó a México para integrarse al proyecto vasconcelista. Entre sus ilustraciones cabe mencionar las que realizó junto con el entonces joven Gabriel Fernández Ledesma para la colección Lecturas clásicas para niños (1924-25).

Francisco Díaz de León (1897-1975), creció entre los menesteres editoriales. Estudió en la Academia Nacional de San Carlos y en 1924 realizó los primeros linóleos que se hicieron en México y en 1928 introdujo el papel japonés al país. En 1937 logró que la Secretaría de Educación Pública aprobara su proyecto para la fundación de la Escuela de Artes del Libro. 61.

Entre sus trabajos como ilustrador y tipógrafo cabe mencionar los realizados para Ilustre Familia, impreso en los Talleres Gráficos de la Nación, o los aguafuertes para Viajes al siglo XIX, de Enrique Fernández Ledesma.

Gabriel Fernández Ledesma (1900-1982), por su parte, estudió en la Academia Nacional de Bellas Artes. Fue colaborador de varias revistas, así como de los libros de su hermano Enrique. En 1929 se integró al Grupo Revolucionario de Pintores ¡30-30! y posteriormente a la LEAR. En 1926 fundó Forma, la primera revista de artes plásticas de México. Fue director de la Biblioteca Nacional entre 1929 y 1935; Apoyó el rescate y estudio de la cultura popular. Su obra es abundante y de excelente calidad.

Fernández Ledesma y Díaz de León se conocieron en Aguascalientes, siendo casi niños. Fundaron y dirigieron la Sala de Arte de la SEP en 1930, en la que organizaron una serie de exposiciones de amplio espectro y para las cuales desarrollaron diversos carteles y catálogos.

Leopoldo Méndez (1902-1969) estudió en la Academia de San Carlos. Participó como ilustrador para la revista estridentista al mismo tiempo hizo sus primeros carteles de contenido social.. Participó en la fundación del grupo Lucha Intelectual Proletaria y de la Liga de Escritores y Artistas Revolucionarios. En 1932 es nombrado jefe de la sección de dibujo de la SEP. Ante la radicalización política de la LEAR, Méndez decidió fundar el Taller de Gráfica Popular, en 1937.

Finalmente, Francisco Monterde Fernández (1921-1951) estudió dibujo y pintura en la escuela Nacional de Artes Plásticas. Trabajó junto con Julio Prieto y fue director de la Imprenta Universitaria, donde entre 1943 y 1945 ilustró varios tomos de la Biblioteca del Estudiante Universitario.

Caxton llevó la primera imprenta a Inglaterra y fue el primer impresor del país Las obras más importantes que imprimió fue : La muerte de Arturo, Thomas Malory y Los cuentos de Canterbury Fue el primer minorista Inglés de los libros impresos Editó unas 100 publicaciones, entre las que había libros de historia y geografía, vidas de santos y fábulas Autor de los prólogos y los epílogos de muchas de las obras que editó, uno de los más conocidos es el prólogo al poema épico en prosa “Le Morte d’Arthur” por Thomas Malory.

Fue impresor de la Colección de historias de Troya, ca. 1474, el primer texto en lengua inglesa que pasaba por los tórculos.

El primer texto impreso en suelo inglés, una indulgencia distribuida desde la susodicha abadía.

Caxton editó cerca de un centenar de títulos, entre los que figuran veinte traducciones de importantes obras escritas en francés y en holandés Imprimió en Flandes el primer libro en inglés de la historia en el año 1472 Su rol de impresor y difusor convirtió a William Caxton en el personaje que unificó el idioma inglés.

El escriba e iluminador Facundo, dibujó figuras esquemáticas que representaban la tragedia final dentro de un espacio caliente y sofocante, creado por medio de bandas horizontales planes de color puro. El color es denso, brillante y limpio. El amarillo cromo, el azul cobalto, el ocre rojo y el verde intenso se juntaron en vibrantes contrastes.

Facundo diseño la primera página del Beato de Fernando y Sancha, como una enorme A (alfa, la primera letra del alfabeto griego) y la última página como una enorme O iluminada (omega, la última letra del alfabeto griego). ¿Cuáles son algunas contribuciones en los libros diseñados por los celtas?

EI dibujo céltico es abstracto y sumamente complejo, los diseños geométricos lineales se entrelazan, tuercen y llenan el espacio con densas texturas visuales, en las que se yuxtaponen los colores puros y vivos. Esta tradición artesanal de los celtas, consistente en intrincados y muy abstractos diseños decorativos, se aplicó al diseño de libros en el scriptorium monastico, con lo que surgió un nuevo concepto e imagen del libro.

Los adornos se utilizaron en tres formas: se crearon marcos o bordes ornamentales para enmarcar retratos de los apóstoles y otras ilustraciones de página entera. Para decorarse con diseño de letras iniciales adornadas que eligieron las paginas capitulares de cada evangelio y otros pasajes importantes. Páginas completas del dibujo decorativo llamadas páginas de alfombra en el manuscrito.

Tipografía es el término para la impresión mediante el uso de piezas de metal independientes, movibles y reutilizables, cada una de las cuales tiene la forma de una letra realzada en la parte superior.

MOMENTANEO

Lunes 26 / Octubre 2015, Cuiidad Juárez, Chih.

Seccion B

Casa de la Literatura Peruana realizará el coloquio “Poesía & Rock en el Perú de los 80” 22 de Julio del 2014 - 13:38 | Lima La Casa de la Literatura Peruana será escenario del coloquio “Poesía & Rock en el Perú de los 80”, que se desarrollará los días jueves 24, viernes 25 y sábado 26 de julio en su auditorio principal.

El evento tiene como objetivo reflexionar sobre las mutuas influencias entre estas dos manifestaciones culturales y pensar, desde esta experiencia, la tradición lírica peruana.

Los poetas Róger Santiváñez y Sandro Chiri Jaime son los coordinadores del evento, que es concebido como un espacio propicio para la reflexión sobre este fenómeno urbano-cultural, así como para mostrar la producción poética y ensayística de algunos protagonistas de esta experiencia frente al devenir de la cultura urbana del Perú.

La actividad es apenas una muestra de este proceso y no pretende constituirse ni como única ni como paradigmática.

El coloquio “Poesía & Rock en el Perú de

los 80” presentará, en sus dos primeros días, tres mesas de exposiciones y tres recitales poéticos, y se cerrará el sábado 26 de julio a las 6:30 p.m. con el concierto de dos bandas emblemáticas de aquellos años: Del Pueblo y Voz Propia.

Entre los participantes estarán los poetas Mariela Dreyfus, Dalmacia Ruiz Rosas, Giancarla Di Laura, Patricia del Valle, Fabiola Bazo, José Antonio Mazzotti, Domingo de Ramos, Eduardo Chirinos, Raúl Mendizábal, Manuel Liendo, Enrique Sánchez Hernani, Carlos Torres Rotondo, Frido Martin y Alejandro Susti.

El coloquio “Poesía & Rock en el Perú de los 80” se realizará jueves 24, viernes 25 y sábado 26 en la Casa de la Literatura Peruana (Jr. Áncash 207, Centro Histórico de Lima).

El ingreso es libre.

PROGRAMA: Jueves 24 Inauguración: 6:00 pm

http://www.balmacedartejoven.cl/2013/11/literatura-y-musica-se-unen-en-nuevo-concurso-cuento-derock/

Milagros Saldarriaga Feijóo, directora de la Casa de la Literatura Peruana, y Sandro Chiri Jaime, Jefe del Equipo de Investigación de la Casa de la Literatura Peruana.

Presentación del Coloquio: Róger Santiváñez Mesa 1: de 6:15 a 7:00 pm - Giancarla Di Laura: “Música-barrio & la Poesía de los 80” - Manuel Liendo: “Tubular Bells, erótica distancia” - José Antonio Mazzotti: “Resonancias rockeras en la obra de Raúl Mendizábal” Mesa 2: de 7:00 a 7:40 pm.

- Róger Santiváñez: “Flor de rock, flor de humo. Un recuento del rock & roll en la poesía peruana” - Raúl Mendizábal: “No solo rocanrol” Recital de Poesía: De 7:45 a 8:30 pm.

Recital 1: Raúl Mendizábal, Eduardo Chirinos, José Antonio Mazzotti, Domingo de Ramos Viernes 25

Mesa 3: De 6:00 a 7:15 pm.

- Carlos Torres Rotondo: “Rock & Poesía en el Perú de los 80” - Alejandro Susti: “Una experiencia, algunas letras y un testimonio rockero” - Dalmacia Ruiz-Rosas: “Poesía y rock subterráneo” - Enrique Sánchez Hernani: “El impacto del rock en la poesía peruana” Recitales de Poesía: De 7:15 a 8:30 pm.

Recital 2: Patricia del Valle, Alejandro Susti, Manuel Liendo, Enrique Sánchez Hernani Recital 3: Frido Martín, Dalmacia Ruiz-Rosas, Mariela Dreyfus, Róger Santiváñez Sábado 26 De 6:00 a 9:00 pm.

Concierto de Rock: - “Visión general del rock peruano: presentación del concierto”, por Fabiola Bazo Bandas: - Del Pueblo - Voz Propia

El rock como expresión cultural es el leitmotiv del nuevo certamen literario al que convocan Balmaceda Arte Joven (BAJ) y Fundación Minera Escondida (FME). “Cuentos de Rock” se denomina esta instancia en la que podrán participar con sus relatos jóvenes de 14 a 25 años, nacidos o residentes en la Región de Antofagasta. El Sello Indiana ML, la Revista Fauna y la Biblioteca Regional de Antofagasta son también parte de esta iniciativa que premiará con estímulos en dinero a los ganadores y la publicación de los mejores relatos.

Los cuentos deben aludir de manera explícita o implícita, directa o indirectamente, a todo lo que el imaginario del mundo y cultura rock comprende, comenzando por la música, pero pudiendo ir más allá de la expresión musical misma. Dos categorías definieron los organizadores para participar: jóvenes de 14 a 17 años y 18 a 25 años. En cada rango sólo se puede participar con un relato. En la primera, se pueden presentar cuentos de entre 3 y 6 páginas, en hoja tamaño carta, letra Times New Roman tamaño 12, a doble espacio.

En la segunda categoría, se deben presentar cuentos de entre 6 y 12 páginas, en hoja

tamaño carta, letra Times New Roman tamaño 12, a doble espacio. Cada categoría será reconocida con un premio de $300 mil en efectivo, entregándose igualmente distinciones a los segundos y terceros lugares, además de menciones honrosas. Cabe destacar que junto a la edición impresa de los cuentos ganadores, el libro será publicado por Indiana ML en formato e-book.

Las narraciones que participen deberán ser inéditas, lo que implica que no deben haber sido dadas a conocer previamente, ni a través del papel ni mediante soportes digitales o audiovisuales. El plazo de la convocatoria se extenderá entre el lunes 7 de octubre y el lunes 9 de diciembre de 2013. Los cuentos deben entregarse en quintuplicado de forma impresa (anillados o corcheteados), en el Edificio Comunitario y Espacio Cultural Fundación Minera Escondida (Av. O’Higgins 1280, Antofagasta).

Cabe consignar que este proyecto es cofinanciado por el FNDR 2% de Cultura Región de Antofagasta, como parte del proyecto “Balmaceda en Terreno”. Los resultados del concurso serán entregados a principios de enero de 2014.

Momentáneo

Arte Pop (Pop Art)

http://www.arteespana.com/artepop.htm

El Arte Pop fue un movimiento que surge a finales de la década de 1950 en Inglaterra y Estados Unidos como reacción artística ante el Expresionismo Abstracto, al que consideraban vacío y elitista. Se caracteriza por el empleo de imágenes y temas tomados de la sociedad de consumo y de la comunicación de masas y los aplican al arte.

El Arte Pop utiliza imágenes conocidas con un sentido diferente para lograr una postura estética o alcanzar una postura crítica de la sociedad de consumo. Como su propio nombre indica “Arte Popular”, toma del pueblo los intereses y la temática.

El Pop es el resultado de un estilo de vida, la manifestación plástica de una cultura caracterizada por la tecnología, la democracia, la moda y el consumo, donde los objetos dejan de ser únicos para producirse en serie. Se sirve de los objetos industriales, de los car-

Andy Warhol

Lunes 26 / Octubre 2015, Ciudad Juárez, Chih.

http://noticiaaldia.com/2015/08/se-cumplen-87-anos-del-nacimientode-andy-warhol-en-el-futuro-todo-el-mundo-sera-famoso-durante15-minutos/

C1

Arte

teles, de los artículos de consumo comercial.

Describía lo que hasta entonces había sido consideradoindigno para el arte: la publicidad, las ilustraciones de revistas, los muebles de serie, los vestidos, las latas de conservas, los “hot-dogs”, botellas de coca-cola, etc.

Esto se lleva al arte, surgiendo un estilo desnudo y mecanizado, de series reproducidas que enlaza directamente con el mundo de la publicidad.

El tamaño de las obras será cada vez más espectacular, se amplían los motivos y pasan a primer plano o se multiplican a lo largo de la superficie pictórica. La expresividad queda desplazada a un segundo plano, siendo un estilo impersonal que retrata su contemporaneidad con sutil conformismo.

El Arte Pop fue apreciado y aprobado por el público gracias a sus formas fáciles y divertidas y a sus contenidos, que podían ser captados sin dificultad. Al espectador le gustaba reconocer objetos corrientes en los cuadros porque así se ahorraban el esfuerzo que representaba la interpretación de las obras del expresionismo abstracto, pero no comprendieron su carga de ironía y de ambigüedad.

El Ate Pop (Pop Art) eleva los objetos de la vida diaria moderna a obras de arte y, con la frialdad del distanciamiento, pone su mirada en la atracción estética de los vulgares artículos de consumo.

http://www.arteespana.com/artepop.htm

Arte Moderno

http://www.historiayarte.net/a-arte-moderno.html

https://es.wikipedia.org/wiki/Andy_Warhol

Uno de los aportes más populares de Warhol fue su declaración: «En el futuro todo el mundo será famoso durante 15 minutos».

Esta frase de cierta manera vaticinó el actual poder de los medios de comunicación y el apogeo de la prensa amarilla y de los reality shows.

Fue personaje polémico durante su vida —algunos críticos calificaban sus obras como pretenciosas o bromas pesadas— y desde su muerte en 1987 e s ob je to d e nume ro sa s e xp osi c i o ne s ret rospectivas, análisis, libros y documentales, además de ser recreado en obras de ficción como la película I Shot Andy Warhol (Mary Harron, 1996). Al margen de la fama y de la polémica, está considerado como uno de los artistas más influyentes del siglo XX debido asu revolucionaria obra.

Su primera exposición individual fue en la galería californiana Ferusel.4 5 Era el 9 de julio de 1962 y marcó el debut del movimiento pop art en la costa oeste.6 Cuatro meses más tarde, entre el 6 y 24 de noviembre, inauguró su primera exposición en Nueva York. Exactamente en la galería Stable, propiedad de Eleanor Ward.

Allí incluyó El díptico de Marilyn, 100 latas de sopa, 100 botellas de cola y 100 billetes de dólar. Y fue allí donde conoció a John Giorno, con quién después coincidiría en la primera película warholiana: Sueño (1963).

En esa época empezó a pintar sus famosos dibujos de la sopa Campbell y de las botellas de Coca-Cola, a los que consideraba tan iconos estadounidenses como Marilyn Monroe, Troy Donahue o Elizabeth Taylor. También fundó su estudio The Factory, por donde pasaron artistas, escritores, modelos, músicos y celebrities underground del momento. El taller, decorado con hojas de papel de aluminio color plata, estaba inicialmente en la calle 47. Después se mudaría a Broadway. Su obra empezó a ser muy conocida y desató ciertas polémicas sobre el papel del artista y la finalidad del arte.

Sección C

http://www.mirartegaleria.com/2015/03/paisajes-urbanos-pintura-impresionista.html

Impresionismo

http://www.arteespana.com/impresionismo.htm

El Impresionismo es un movimiento pictórico francés de finales del siglo XIX que apareció como reacción contra el arte académico. El movimiento impresionista se considera el punto de partida del arte contemporáneo. Por extensión, el término también se aplicó a un determinado estilo musical de principios del siglo XX. El impresionismo en pintura partió del desacuerdo con los temas clásicos y c o n l a s e n corsetadas fórmulas artísticas preconizadas por la Academia Francesa de Bellas Artes. La Academia fijaba los modelos a seguir y patrocinaba las exposiciones oficiales del Salón parisino. Los impresionistas, en cambio, escogieron la pintura al aire libre y los temas de la vida cotidiana.

Su primer objetivo fue conseguir una representación del mundo espontánea y directa, y para ello se centraron en los efectos que produce la luz natural sobre los objetos.

Las figuras principales del movimiento fueron: Edgar Degas, Claude Monet, Berthe Morisot, Camille Pisarro, Auguste Renoir y Alfred Sisley.

Los impresionistas se preocuparon más por captar la incidencia de la luz sobre el objeto que por la exacta representación de sus formas, debido a que la luz tiende a difuminar los contornos y refleja los colores de los objetos circundantes en las zonas de penumbra.

Los pintores académicos definían las formas mediante una gradación tonal, utilizando el negro y el marrón para las sombras.

Los impresionistas eliminaron los detalles minuciosos y tan sólo sugirieron las formas, empleando para ello los colores primarios — cian, magenta y amarillo— y los complementarios —naranja, verde y violeta—. directamente sobre el lienzo pinceladas de color cortas y yuxtapuestas, que mezcladas por la retina del observador desde una distancia óptima aumentaban la luminosidad mediante el contraste de un color primario (como el magenta) con su complementario (verde).

El Impresionismo es un movimiento pictórico que surge en Francia a finales del S. XIX en contra de las fórmulas artísticas impuestas por la Academia Francesa de Bellas Artes, que fijaba los modelos a seguir y patrocinaba las exposiciones oficiales en el Salón parisino.

El objetivo de los impresionstas era conseguir una representación del mundo espontánea y directa.

Los impresionistas eliminaron los detalles minuciosos y tan sólo sugirieron las formas, empleando para ello los colores primarios (azul, rojo y amarillo) y los complementarios (naranja, verde y violeta). Consiguieron ofrecer una ilusión de la realidad aplicando directamente sobre el lienzo pinceladas de color cortas y yuxtapuestas.

Así, la primera exposición impresionista tuvo lugar el 15 de Abril de 1874 en el Salón del fotógrafo Nadar. Las figuras principales fueron Eduard Manet, Degas, Claude Monet.

El periodo que va desde la segunda guerra mundial hasta mediados de los años setenta del siglo XX es el más prolífico de toda la historia del arte.

Durante esos años, multitud de tendencias y movimientos más o menos estructurados se fueron sucediendo vertiginosamente.

La mayoría de esas manifestaciones artísticas tienen un carácter internacional, aunque en algunos se dan diferencias significativas de forma local.

La postura innovadora de los artistas de este periodo produjo una apertura de las delimitaciones o fronteras del ámbito artístico que condujo a la desaparición de los rasgos inherentes a lo propiamente artístico.

El arte moderno puso de manifiesto que la deformación de los objetos que se representaban no era involuntaria, sino deliberada, artística, buscada con el fin de satisfacer cierta concepción poética de las cosas.

El sacrificio de la razón, este irracionalismo es lo que el arte moderno ha hecho valer por encima de las normas tradicionales.

Se define por tanto al arte moderno como irracionalismo en su forma más amplia.

No obstante, podemos decir que el irracionalismo es una condición necesaria del arte, y que está presente en todas las expresiones artísticas de la humanidad, por lo que no puede considerarse como algo característico peculiar del arte moderno.

Pero teniendo en cuenta que el arte moderno es el más artístico, el más puro como arte, “el arte por el arte”, se entiende en qué sentido la definición anterior es cierta; porque debe verse en el arte moderno el más puro, el más absoluto irracionalismo estético que ha conocido la humanidad.

Ninguno de los irracionalismos de los artes anteriores, de carácter místico, popular o tradicional lo era por completo ya que siempre estuvieron ligados a alguna forma de la significación, es decir, al entendimiento.

En el irracionalismo del arte moderno no hay sitio para ninguna clase de significación, se trata de un irracionalismo objetivista.

Esto significa que considera la irracionalidad como una propiedad esencial del objeto y no como un defecto interior de la conciencia. A esta concepción debe el arte moderno su carácter profundamente revolucionario e impopular.

De acuerdo con esta concepción, las representaciones de los místicos tanto como las de los locos adquieren validez objetiva, se refieren a la misma realidad que las representaciones de los laicos y de los cuerdos; en otras palabras, considera que la falta de significación, o sea la irracionalidad es una cualidad esencial y natural de la realidad que confronta a nuestro entendimiento.

Momentáneo

Sección C C2

Lunes 26 / Octubre 2015, Ciudad Juárez, Chih.

Romanticismo

https://es.wikipedia.org/wiki/Romanticismo

El Romanticismo es un movimiento cultural originado en Alemania y en el Reino Unido a finales del siglo xviii como una reacción revolucionaria contra el racionalismo de la Ilustración y el Neoclasicismo, confiriendo prioridad a los sentimientos. Su c a r a c t e r í s t i c a f u n damental es la ruptura con la tradición clasicista basada en un conjunto de reglas estereotipadas. La libertad auténtica es su búsqueda constante, por eso es que su rasgo revolucionario es incuestionable.

Debido a que el Romanticismo es una manera de sentir y concebir la naturaleza, la vida y al hombre mismo que se presenta de manera distinta y particular en cada país donde se desarrolla, incluso dentro de una misma nación, se manifiestan distintas tendencias proyectándose también en todas las artes.

Se desarrolló en la primera mitad del siglo xix, extendiéndose desde Inglaterra y Alemania hasta llegar a otros países. Su vertiente literaria se fragmentaría posteriormente en diversas corrientes, como el parnasianismo, el simbolismo, el decadentismo o el prerrafaelismo, reunidas en la denominación general de posromanticismo, del cual derivó el llamado modernismo hispanoamericano.

Tuvo fundamentales aportes en los campos de la literatura, la pintura y la música.

Posteriormente, una de las corrientes vanguardistas del siglo xx, el surrealismo, llevó al extremo los postulados románticos de la exaltación del yo.

Pintura Barroca

http://www.arteguias.com/pinturabarroca.htm

El siglo de Oro de la pintura en España es el XVII y corresponde el movimiento pleno de la pintura barroca. Se da la circunstancia de que este momento dulce y prolífico de la pintura coincide también con el de la literatura.

En la pintura barroca española hay una serie de elementos comunes que son fruto del momento político y religioso que vive España.

Por un lado se percibe el pesimismo del decaimiento del gran Imperio Español del siglo anterior. Por otro lado, España está a la cabeza del movimiento de la Contrarreforma católica y la sociedad vive en el rigor impuesto en muchas áreas de la vida cotidiana por la Inquisición, por lo que van a predominar los temas religiosos, representados de manera dramática, apoyados por el tenebrismo italiano implantado por Caravaggio, corriente que al final terminaría por ser abandonada.

Los temas profanos y mitológicos, aunque existen, se dan mucho menos que los religiosos (puesto que, además es la Iglesia el principal cliente) y cuando se pintan se hacen sin sensualidad.

En la pintura barroca del siglo XVII existen

http://aldeafuente1996.blogspot.es/1272904860/la-pintura-barroca-europea/

El Romanticismo es un movimiento cultural originado en Alemania y en el Reino Unido a finales del siglo xviii como una reacción revolucionaria contra el racionalismo de la Ilustración y el Neoclasicismo, confiriendo prioridad a los sentimientos. Su característica fundamental es la ruptura con la tradición clasicista basada en un conjunto de reglas estereotipadas. La libertad auténtica es su búsqueda constante, por eso es que su rasgo revolucionario es incuestionable.

Debido a que el Romanticismo es una manera de sentir y concebir la naturaleza, la vida y al hombre mismo que se presenta de manera distinta y particular en cada país donde se desarrolla, incluso dentro de una misma nación, se manifiestan distintas tendencias proyectándose también en todas las artes.

Se desarrolló en la primera mitad del siglo xix, extendiéndose desde Inglaterra y Alemania hasta llegar a otros países. Su vertiente literaria se fragmentaría posteriormente en diversas corrientes, como el parnasianismo, el simbolismo, el decadentismo o el prerrafaelismo, reunidas en la denominación general de posromanticismo, del cual derivó el llamado modernismo hispanoamericano. Tuvo fundamentales aportes en los campos de la literatura, la pintura y la música. Posteriormente, una de las corrientes vanguardistas del siglo xx, el surrealismo, llevó al extremo los postulados románticos de la exaltación del yo. tres escuelas a la que pertenecen la mayoría de los grandes artistas de la época. A la Escuela Valenciana perteneces artistas destacados como Ribalta y José de Ribera el Españoleto.

A la Escuela Madrileña corresponde la figura principal de la pintura barroca que no es otro que Diego Veláquez, además de otras figuras tan relevantes como Claudio Coello y Carreño.

Por su parte, en la Escuela Andaluza se encuentran Murillo, Zurbarán y Valdés Leal, entre otros. El predominio del tenebrismo naturalista d e i n f l u e n c i a i t a l i a n a h a b í a e m pezado tímidamente en El Escorial, y llega a Valencia de la mano de Francisco Ribalta, quien iniciará una escuela particularmente definida tras su establecimiento en esta capital en 1599.

Su producción pictórica es toda una lección del ambiente escurialense con evocaciones de Cambiaso, Zuccaro, Tibaldi, pero en Valencia evoluciona hacia un arte de profundo sentimiento religioso motivado por la contemplación de los cuadros de Sebastiano del Piombo que tenía la familia Vich, como se observa en el Encuentro del Nazareno con su madre. Uno de sus mejores logros naturalistas es San Francisco abrazado al crucificado, en el que una luz dirigida contribuye al arrobo místico y fervorosa entrega del franciscano; y el prodigioso Retablo de la Cartuja de Portacoeli, realizado entre 1625-28, del que llama la atención la monumental apostura de los modelos naturalistas, destacando el San Bruno por su intensidad expresiva.

http://arteyliteraturaromanticismo.blogspot.mx/

Cubismo.

Pintura y escultura cubista http://www.arteespana.com/cubismo.htm

Los orígenes del Cubismo giran en torno a 1907, fecha en la que Picasso concluye Las Señoritas de Avignon, que será el punto de partida.

George Braque junto con Picasso son los inspiradores del movimiento y algunos de los principales maestros son Juan Gris, Fernand Leger, Jean Metzinger y Albert Gleizes, pero con anterioridad, Cézanne ya habría marcado el camino.

Cézanne recibió la influencia del Impresionismo y reaccionó contra él. Rechazó la impresión en favor de una comprensión más profunda de la realidad. Su fórmula era la forma-color. Él cree que la naturaleza no se dibuja, sino que se manifiesta a través del color. Cuanto más color se precisa más aparece el dibujo de los objetos, pero aparece en la forma. Por eso, la pintura de Cézanne no es una pintura dibujada, sino una pintura de volúmenes, de formas. Y una vez creadas, hay que relacionarlas entre sí, surgiendo aquí el problema de los planos, que lo impulsa a mirar los objetos desde varios puntos de vista.

Estas lecciones fueron asumidas por el cubismo que hará un replanteamiento de la obra de a r t e , de las formas, de la perspectiva, el m o v imiento, el volumen, el espacio, el color, etc.

http://www.arteespana.com/cubismo.htm

Crea un nuevo lenguaje pictórico y estético que implica una nueva relación entre el espectador y la obra de arte. El espectador ya no puede contemplarla sin más, sino que tiene que reconstruirla en su mente para poder comprenderla.

El Cubismo es un arte mental, se desliga completamente de la interpretación o semejanza con la naturaleza, la obra de arte tiene valor en sí misma, como medio de expresión de ideas.

La desvinculación con la naturaleza se consigue a través de la descomposición de la figura en sus partes mínimas, en planos, que serán estudiados en sí mismos y no en la visión global de volumen. Así un objeto puede ser visto desde diferentes puntos de vista, rompiendo con la perspectiva convencional y con la línea de contorno. Desaparecerán las gradaciones de luz y sombra y no se utilizarán los colores de la realidad, apareciendo en las representaciones el blanco y negro. Las formas geométricas invaden las composiciones. Las formas que se observan en la naturaleza se traducirán al lienzo de forma simplificada, en cubos, cilindros, esferas. Nunca cruzaron el umbral de lo abstracto, la forma siempre fue respetada.

Los principales temas serán los retratos y las naturalezas muertas urbanas.

Momentáneo

Lunes 26 / Octubre 2015, Ciudad Juárez, Chih.

Diseño Gráfico

Sección D D1

El Diseño Gráfico ABC http://www.definicionabc.com/comunicacion/diseno-grafico.php

El diseño gráfico es una actividad que se propone comunicar valores/mensajes de forma visual, su origen tiene que ver más que nada con la sociedad industrial y la necesidad de resolver problemas comunicativos, ya sean de difusión (propaganda/publicidad), funcionales (señalética), culturales (libros, revistas), etc. En el mundo moderno, vale hacer énfasis en que el diseño gráfico constituye en realidad toda una profesión, cuyos fundamentos radican en la concepción y puesta en marcha de herramientas visuales de comunicación.

Aunque la tarea primordial de estos nóveles profesionales suele abocarse a la elaboración de mensajes puntuales dirigidos a determinadas comunidades o grupos sociales, el crecimiento actual de las estrategias de propaganda ha dado lugar a que las creaciones de los diseñadores logren difundirse entre todos los estratos de la sociedad.

Por consiguiente, la actividad de quien ejercitan el diseño gráfico se considera hoy como una disciplina de características terciarias.

Así, en ciertas universidades, la carrera de diseñador gráfico se llama Diseño en Co municación Visual, dado que excede ampliamente a la industria gráfica: los mensajes son transmitidos por medios impresos (diarios, revistas), digitales, radioeléctricos (televisión de aire, etc.) y en la asociación de todos estos recursos de comunicación.

Hay que tener en cuenta que hablamos de una disciplina joven que poseía muy poca bibliografía hasta principios de la década de 1990, produciéndose un boom a partir del siglo XXI, producto de la masividad de las

computadoras personales y de condiciones internacionales más favorables a la utilización de las técnicas de diseño en comunicación visual. Sin dudas, la masificación de Internet ha constituido una bisagra en la breve existencia de esta carrera.

Numerosos estudiantes de Bellas Artes y otras disciplinas conexas han inclinado su foco de actividad y participación a las prodigiosas herramientas de diseño digital, para así acomodar su campo de acción hacia las nuevas tecnologías y, con ello, generar nuevas fuentes de trabajo.

Aunque el diseñador necesitaría tener idea sobre varias actividades relativas, como por ejemplo el dibujo, la fotografía, la geometría, la óptica, la psicología Gestalt, la percepción, la tipografía y la semiología, entre otras numerosas áreas, básicamente debe poder dirigir todo un proceso de diseño en un grupo multidisciplinario. Si trabaja solo, quizá deba practicar por sí mismo todas estas disciplinas, lo cual constituiría sin d u d a s u n e s f u e r z o i n u s u a l . L o s e q u i p o s d e t r a bajos ocurren así entre los propios diseñadores y además en forma conjunta con otros profesionales, como se describe en los grupos editoriales modernos.

Es en esos ámbitos donde se demuestra todo el potencial de estos profesionales del diseño gráfico, quienes no sólo aportan, editan y perfeccionan el material ilustrado de distintas publicaciones tangibles o digitales, sino que además colaboran con el procesamiento de gráficos, tablas y figuras de las notas escritas por los autores y colaboradores.

La Proporción Áurea

http://www.brandemia.org/la-proporcion-aurea-en-el-diseno-de-logotipos

La Proporción Áurea (o Número Áureo, o Divina Proporción, entre otras denominaciones), es una curiosa relación matemática presente en la naturaleza: en las nervaduras de las hojas, en el grosor de las ramas, en el caparazón de moluscos, en las semillas de los girasoles, en los cuernos de las cabras, incluso en el cuerpo humano.

Esta proporción ha fascinado desde hace siglos al ser humano, que lo ha considerado un indicador de la perfección y la estética.

En el Renacimiento, muchísimos artistas y arquitectos compusieron sus trabajos con la intención de aproximarse a la proporción Áurea, convencidos de que esta relación atribuía a las obras un carácter estético especial.

Por ejemplo, el hombre de Vitrubio, dibujado por Leonardo Da Vinci y considerado un ideal de belleza, está proporcionado según el número áureo. Lo mismo se afirma de las proporciones de la Gioconda o del Parthenon, pero estas suposiciones están menos fundamentadas.

Para definir de una forma entendible el número áureo, podemos decir que, suponiendo que tengamos una cuerda recta y la dividamos en dos trozos uno grande y otro pequeño,

https://qerainuma.wordpress.com/tag/nuevo-paradigma/

la proporción resultante de dividir la cuerda completa entre el trozo grande es idéntica a la proporción resultante de dividir el trozo grande entre el pequeño. En ambos casos será 1,618, el número áureo.

Esta relación tiene también que ver con la famosa serie de Fibonacci, donde cada número se obtiene sumando los dos anteriores: 1, 1, 2, 3, 5, 8, 13, 21... La relación entre estos números respeta la Proporción Áurea y su colocación concéntrica, genera la famosa forma de caracola con la que he encabezado el artículo.

El ejemplo más cercano y curioso en el que encontraremos la proporción áurea es en las tarjetas de crédito. Si dividimos el ancho entre el alto de una tarjeta de crédito obtendremos el número áureo: 1,618 .

Esta fascinación y mitificación de la proporción áurea continúa viva en nuestros días, y es precisamente en el diseño de logotipos donde encontramos grandes ejemplos de ello.

Creyendo que la proporción áurea ayudará a crear diseños estéticamente más agradables, muchos creativos han optado por aplicar esta relación a la construcción de sus logotipos.

http://www.definicionabc.com/comunicacion/diseno-grafico.php

La impresion offset

https://www.google.com.mx/?gws_rd=ssl#q=sistema+de+impresion+ offset+historia

¿Cuál es la historia de la imprenta? Son muchos los que conocen el nombre de Gutenberg, pero había impresiones mucho antes de su llegada al mundo. De hecho, los comienzos de la imprenta se atisban en China, sobre el año 593, donde ya se reproducían textos y algunos dibujos con caracteres que previamente habían sido tallados en madera. Esto es lo que comúnmente se conoce por xilografía, y fue inventado por un grupo de monjes budistas que impregnaban la madera tallada para imprimir en papel de tela o en seda.

Mucho después, allá por el siglo XV, Gutenberg decidió que imprimir páginas enteras talladas en madera, como se hacía en su época, no tenía ningún sentido. Entonces creó los tipos móviles, que le permitían utilizar una y otra vez las mismas herramientas para combinarlas y hacer las diferentes páginas. Además, de esta forma se conseguía una impresión mucho más

http://ms21eventos.com/language/es/impresion/

rápida.

Dos siglos y pico después, en 1796, Alois Senefelder inventa la litografía, que se considera la primera impresión en plano. En el siglo XIX, William Church, crea la primera máquina automática para la creación de textos: la componedora. Esta herramienta permitió facilitar en gran medida la creación de los tipos de plomo. Así nace la primera máquina de impresión offset automática, perfeccionada posteriormente por los ingenieros ingleses Edward Cooper y Augustus Applegath.

Para la impresión de grandes tiradas, se desarrolla una rotativa que imprime en bobina continua de papel. Pero el primero que obtendrá una patente por una prensa rotativa es William A. Bullock, cuya máquina servirá para imprimir en papel continuo libros y otras publicaciones de pequeña tirada.

Con la técnica de la litografía llegando a su punto álgido a principios del siglo XX, el ámbito de la impresión llega a su mejor momento con el trabajo en impresión en offset, que es el más utilizado actualmente.

Momentáneo

Sección D

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Serigrafía

http://definicion.de/serigrafia/#ixzz3pBTJeMt4

La combinación entre el vocablo latino serĭcum y el francés graphie derivó en séricigraphie y luego en sérigraphie. El concepto llegó a nuestra lengua como serigrafía, un término que hace referencia a un cierto proceso que permite estampar un tejido mediante el uso de tinta y una malla.

Serigrafía La serigrafía, por lo tanto, es un método de impresión que posibilita reproducir una imagen sobre diferentes tipos de material sin que se pierda calidad pese a las repeticiones del estampado.

La técnica se lleva a cabo con la transferencia de tinta mediante una malla que está tensada en un marco. En aquellas zonas donde no se debe estampar, un barniz bloquea el paso de la tinta.

En el resto del dibujo, se ejerce presión sobre la malla tensada para que imprima la superficie que se desea estampar.

Los historiadores creen que la serigrafía surgió en la Antigua China. A comienzos del siglo XX, la técnica empezó a utilizarse en los Estados Unidos para crear anuncios publicitarios.

Con los años también se popularizó entre los artistas como una nueva forma de expresión.

En la actualidad es posible apelar a la serigrafía para imprimir casi sobre cualquier superficie, desde telas hasta papel pasando por cerámica y metal. La serigrafía permite reproducir obras de arte, crear señales, estampar ropa, producir marquesinas publicitarias, fabricar calcomanías y decorar cristales.

De esta manera, podemos encontrar en la vida cotidiana camisetas, carteles de publicidades, cuadros, anuncios señalizadores, botellas y etiquetas que han sido decorados a partir del uso de las técnicas de serigrafía.

Teoría del color http://www.ecured.cu/index.php/

Es un grupo de reglas básicas en la mezcla de percepción de colores para conseguir el efecto deseado combinando colores de luz o combinando colores reflejados en pigmentos.

En el ámbito práctico del uso del color, el conocimiento que tenemos y hemos adquirido sobre éste hace referencia al color pigmento y proviene de las enseñanzas de la antigua Academia Francesa de Pintura que consideraba como colores primarios (aquellos que por mezcla producirán todos los demás colores) al rojo, el amarillo y el azul.

Al tenor de este conocimiento práctico vemos que en realidad existen dos sistemas de colores primarios: colores primarios luz y colores primarios pigmento.

Mezcla sustractiva de colores

http://www.ecured.cu/index.php/ Los colores (pigmentos) que absorben la luz de los colores aditivos primarios (rojo, a z u l y verde: colores de luz) se llaman c o l o res sustractivos primarios. Son el magenta (que absorbe el verde), el amarillo (que absorbe el azul) y el cyan (azul verdoso, que absorbe el rojo).

Entonces, si se mezclan pigmentos, se trata de una mezcla sustractiva ya que con cada pigmento que se añade lo que hacemos es absorber más partes del espectro; es decir, más colores primarios, y el resultado final será la ausencia de luz: el negro.

Así, el magenta, el cian y el amarillo son colores pigmento, su fusión da el negro. Son los colores utilizados en la imprenta, las tintas y el papel. Su mezcla se llama síntesis sustractiva y es común en todos los sistemas de impresión, pinturas, tintes y colorantes.

Entonces, al hablar de mezclas de colores hay que diferenciar entre mezcla aditiva y mezcla sustractiva. Si se mezclan luces se trata de una mezcla aditiva y el resultado de la combinación total es la luz blanca. Puedes reproducir cualquier sensación de color mezclando diferentes cantidades de luces roja, verde y azul. Por eso se conocen estos colores como primarios aditivos.

En el caso de los pigmentos usados en las pinturas, rotuladores, etcétera se utilizan como colores básicos para realizar las mezclas el amarillo, el magenta y el cian

http://www.staffcreativa.pe/blog/teoria-del-color-disenadores/

http://www.eblenimpresos.com/impresion_serigrafia_3.html

¿Qué es la luz? http://www.ecured.cu/index.php/

Bien podemos entender a la luz como una “forma de radiación electromagnética similar al calor radiante, las ondas de radio o los rayos X” La luz corresponde a oscilaciones extremadamente rápidas de un campo electromagnético, en un rango determinado de frecuencias que pueden ser detectadas por el ojo humano. El espectro lumínico se puede apreciar al pasar un rayo de luz blanca a través de un cristal o prisma y como resultado de la refracción se descompone y esparce en toda su gama. En especial, se destacan los tres colores 1/3 o colores básicos de la luz (se les llama así ya que ocupan 1/3 del espectro lumínico y los restantes 2/3, como resultado de la interacción entre los colores 1/3.

“La luz visible está formada por vibraciones electromagnéticas cuyas longitudes de onda van de unos 350 a unos 750 nanómetros (milmillonésimas de metro). La luz blanca es la suma de todas estas vibraciones cuando sus intensidades son aproximadamente iguales. En toda radiación luminosa se pueden distinguir dos aspectos: uno cuantitativo, su intensidad, y otro cualitativo, su cromaticidad” Las propiedades de la luz siempre han inquietado al hombre. A mediados del si glo XVII es donde encontramos los primeros tratados y teorías sobre su conformación y propiedades. Desde Isaac Newton (1642-1727) hasta Einstein (18791955), con el objeto de explicar el efecto fotoeléctrico, se formularon muchas teorías; éste último sugirió “que la luz, así como otras formas de radiación electromagnéticas, viaja en pequeños haces de energía llamados luz quanta o fotones”.

De ahí que la luz posea una cualidad doble: onda-partícula. Su frecuencia y su longitud le otorgan características de onda, pero su

masa y conformación cuántica marcan un comportamiento como partícula o fotón.

“La luz es emitida por sus fuentes en línea recta, y se difunde en una superficie cada vez mayor a medida que avanza; la luz por unidad de área disminuye según el cuadrado de la distancia.”

De otro modo, también podemos decir que la luz visible (luz blanca) está formada por emisiones electromagnéticas que viajan por el espacio en forma de ondas, ordenadas en menor o mayor grado, de acuerdo a su longitud de onda (expresada en nanómetros) y su frecuencia. Y como luz es igual a energía podemos definir su concepto de la forma siguiente: “Es la energía que es transmitida en forma de ondas a través del espacio, de la cual el espectro lumínico forma parte. Toda la energía electromagnética es la misma a través del espectro, diferenciándose únicamente en su longitud de onda y en su frecuencia.”

En todo el amplio espectro de la energía electromagnética, podemos encontrar ondas muy largas (alcanzando hasta 1 km. de longitud correspondientes a la energía eléctrica) o muy cortas (los rayos gamma y alfa, muy por debajo de la unidad nanómetro). Por supuesto, todas estas emisiones son invisibles para el hombre.

En cuanto al espectro lumínico, sabemos que forma parte del espectro electromagnético, definido por un rango determinado de longitud y frecuencia. Se le define así: “...en el espectro visible es la pequeña fracción de la energía electromagnética a la cual son sensibles los ojos del ser humano y comprende un rango de longitud que va desde 400 a 700 nanómetros (billonésima parte de un metro; el nanómetro es un nuevo término del sistema métrico, aceptado como un “estándar” mundial, a excepción de Burma, Liberia y Estados Unidos...”

¿Qué son los pigmentos? http://www.ecured.cu/index.php/

La capacidad que tienen los objetos para reflejar una determinada emisión de ondas lumínicas se debe a la composición física de su exterior. En este caso hablamos de los pigmentos que componen dichos objetos o cosas. Los pigmentos están presentes en casi toda la materia. Y se definen de la siguiente forma: “Una sustancia de color que es insoluble en el medio donde es esparcida. Un pigmento se distingue de una tinta o una tintura porque estos últimos son solubles en los medios o vehículos con los cuales son mezclados. Son usualmente clasificados o categorizados de acuerdo a su origen, ya sea orgánico (animal, vegetal u orgánico sintético) o inorgánico (mineral o inorgánico sintético)” Los pigmentos eran elaborados en un principio, a partir de plantas y minerales, los cuales eran procesados, moliendo y pulverizando la materia que la conformaban para luego aglutinarla en un medio determinado y manipularla sobre otros objetos o cosas. El aglutinante es el medio donde el pigmento es llevado, ejemplo de ello es el óleo, compuesto por uno o más pigmentos y por un aglutinante hecho a base de aceite.

En su conformación molecular, estos materiales poseen ciertas características que determinan su reacción física ante la luz, reflejando de ella una fracción y absorbiendo la restante energía que incidente, dándonos la impresión cromática que corresponde al pigmento colocado sobre la materia dada.

“Todos los objetos tienen la propiedad de absorber y reflejar ciertas radiaciones electromagnéticas. (...) Casi todos los objetos deben su color a los filtros, pigmentos o pinturas, que absorben determinadas longitudes de onda de la luz blanca y reflejan o transmiten las demás; estas longitudes de onda reflejadas o transmitidas son las que producen la sensación de color, que se conoce como color pigmento.”

Color

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http://www.imujer.com/hogar/2010/06/27/el-significado-de-los-colores-para-tu-hogar

El color es una impresión visual que tiene el sujeto del objeto. En consecuencia, es el resultado de un proceso múltiple donde intervienen distintos elementos, factores y procesos (físicos, biológicos y neuro-psicológicos).

L as diferentes sensaciones de color corresponden a luz que vibra con distintas frecuencias, que van desde aproximadamente 4 × 1014 vibraciones por segundo en la luz roja hasta aproximadamente 7,5 × 1014 vibraciones por segundo en la luz violeta” Partiendo de la luz blanca, de su percepción a través de la vista y de la relación asociativa que realiza el cerebro en función de lo percibido, el fenómeno se desarrolla consecutivamente, siempre y cuando seamos capaces de percibir la reflexión de la luz en la materia. Observemos esta definición amplia del fenómeno: Color, fenómeno físico de la luz o de la visión, asociado con las diferentes longitudes de onda en la zona visible del espectro electromagnético. Como sensación experimentada por los seres humanos y determinados animales, la percepción del color es un proceso neurofisiológico muy complejo. Los métodos utilizados actualmente para la especificación del color se encuadran en la especialidad llamada colorimetría, y consisten en medidas científicas precisas basadas en las longitudes de onda de tres colores primarios.

Al entender lo anterior, se hace necesaria una definición circunscrita de dos elementos: luz y materia (pigmentos).

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Propiedades del color Matiz (Hue) http://www.ecured.cu/index.php/

Tono (hue) o matiz es el atributo que diferencia el color y por la cual designamos los colores: verde, violeta, anaranjado. Es el estado puro del color, sin el blanco o negro agregados, y es un atributo asociado con la longitud de onda dominante en la mezcla de las ondas luminosas.

El Matiz se define como un atributo de color que nos permite distinguir el rojo del azul, y se refiere al recorrido que hace un tono hacia uno u otro lado del circulo cromático, por lo que el verde amarillento y el verde azulado serán matices diferentes del verde. Los 3 colores primarios representan los 3 matices primarios, y mezclando estos podemos obtener los demás matices o colores. Dos colores son complementarios cuando están uno frente a otro en el círculo de matices (círculo cromático).

Saturación o Intensidad http://www.ecured.cu/index.php/

Saturación es la intensidad cromática o pureza de un color Valor es la claridad u oscuridad de un color, está determinado por la cantidad de luz que un color tiene. Valor y luminosidad expresan lo mismo.

También llamada Croma, este concepto representa la pureza o intensidad de un color particular, la viveza o palidez del mismo, y puede relacionarse con el ancho de banda de la luz que estamos visualizando. Los colores puros del espectro están completamente saturados.

Un color intenso es muy vivo. Cuanto más se satura un color, mayor es la impresión de que el objeto se está moviendo.

También puede ser definida por la cantidad de gris que contiene un color: mientras más gris o más neutro es, menos brillante o menos “saturado” es. Igualmente, cualquier cambio hecho a un color puro automáticamente baja su saturación.

Por ejemplo, decimos “un rojo muy saturado” cuando nos referimos a un rojo puro y rico.

Pero cuando nos referimos a los tonos de un color que tiene algún valor de gris, los llamamos menos saturados. La saturación del color se dice que es más baja cuando se le añade su opuesto (llamado complementario) en el círculo cromático.

Para desaturar un color sin que varíe su valor, hay que mezclarlo con un gris de blanco y negro de su mismo valor. Un color intenso como el azul perderá su saturación a medida que se le añada blanco y se convierta en celeste.

Otra forma de desaturar un color, es mezclarlo con su complementario, ya que produce su neutralización. Basándonos en estos conceptos podemos definir un color neutro como aquel en el cual no se percibe con claridad su saturación.

La intensidad de un color está determinada por su carácter de claro o apagado.

Esta propiedad es siempre comparativa, ya que relacionamos la intensidad en comparación con otras cosas. Lo importante es aprender a distinguir las relaciones de intensidad, ya que ésta muchas veces cambia cuando un color está rodeado por otro.

Brillo

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Cantidad de luz emitida por una fuente lumínica o reflejada por una superficie.

Es un término que se usa para describir que tan claro u oscuro parece un color, y se refiere a la cantidad de luz percibida. El brillo se puede definir como la cantidad de “oscuridad” que tiene un color, es decir, representa lo claro u oscuro que es un color respecto de su color patrón.

Es una propiedad importante, ya que va a crear sensaciones espaciales por medio del color. Así, porciones de un mismo color con un fuertes diferencias de valor (contraste de valor) definen porciones diferentes en el espacio, mientras que un cambio gradual en el valor de un color (gradación) da va a dar sensación de contorno, de continuidad de un objeto en el espacio.

El valor es el mayor grado de claridad u oscuridad de un color. Un azul, por ejemplo, mezclado con blanco, da como resultado un azul más claro, es decir, de un valor más alto.

También denominado tono, es distinto al color, ya que se obtiene del agregado de blanco o negro a un color base.

A medida que a un color se le agrega más negro, se intensifica dicha oscuridad y se obtiene un valor más bajo. A medida que a un color se le agrega más blanco se intensifica la claridad del mismo por lo que se obtienen valores más altos. Dos colores diferentes (como el rojo y el azul) pueden llegar a tener el mismo tono, si consideramos el concepto como el mismo grado de claridad u oscuridad con relación a la misma cantidad de blanco o negro que contengan, según cada caso.

Luminosidad http://www.ecured.cu/index.php/

Cantidad de luz reflejada por una superficie en comparación con la reflejada por una superficie blanca en iguales condiciones de iluminación.

Estas propiedades del color han dado lugar a un sistema especial de representación de estos, tal como hemos visto en el apartado anterior, sistema HSV. Para expresar un color en este sistema se parte de los colores puros, y se expresan sus variaciones en estas tres propiedades mediante un tanto por ciento.

Podemos usar estas propiedades en la búsqueda de las gamas y contrastes de colores adecuados para nuestras páginas, siendo posible crear contrastes en el matiz, en la saturación y en el brillo, y es tal vez este último el más efectivo.

http://peluche.blogspot.mx/2010_01_01_peluche_archive.html

https://asiasur.com/contenido/especial/las-11-en-escena/

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