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CONTENIDO
Objeto ................................................................. 4 Huellas de vida ....................................................5 Retrato y narrativa ...............................................7 Alicia en el pais de las maravillas.......................8 Impasible ................................................................11 El orden de la perfeccion ....................................12,13 Cotidianidad intimista .........................................14 Dia a dia ..................................................................15 Autoretrato .............................................................23 Sensaciones ............................................................24 Arte conceptual ....................................................25 Un bocado ..............................................................26
Natalia Bohorquez Edicion 2020
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OBJETO
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sto consiste en tomar un objeto de la vida diaria y reubicarlo en un ambiente distinto al cual verdaderamente pertenece, de esta forma se pierde el sentido utilitario del objeto y ayuda al artista a expresar lo que quiere. Logrando que el espectador tome un punto de vista diferente de este objeto, lo que siempre ve, dándole un nuevo significado a esa cosa, a la vida.
José María Rodríguez Madoz, o Chema Madoz, nació en Madrid en 1958. En sus primeros años de juventud estudió Historia del Arte en la Universidad Complutense de Madrid, pero un día, con la excusa de un viaje próximo que tenía planeado, se compró una Olympus y empezó a estudiar fotografía paralelamente en el Centro de Enseñanza La Imagen.Chema comenzó su carrera como artista fotográfico y en muy poco tiempo desarrolló un estilo que le dio a cada una de sus obras un sello único y personal.Empieza por una idea imaginada y bocetada en uno de sus cuadernos. Esos dibujos le dan una aproximación de cómo será la apariencia final y le permiten comprobar si funcionarían. En su estudio de Galapagar tiene un mundo lleno de objetos que fue guardando a lo largo de los años, donde selecciona los necesarios para construir esa idea.Trabaja de dos maneras: parte de un objeto seleccionado especialmente, o bien él mismo se dispone a construirlo a partir de otros en un proceso lento pero continuo.
Un objeto intervenido propone una provocación a que la gente se despegue de su rutina y vea la vida de una manera diferente, rechazando lo establecido. Cualquier objeto puede ser utilizado para crear algo que nos haga pensar que hay existe mucho mas de lo que ya nos presentan en la realidad. Para hacernos pensar de una forma distinta creando un interés de la gente a este mundo del arte.
https://clubdefotografia.net/chema-madoz/ https://prezi.com/p/zy-nv1wfvhdl/objetosintervenidos/
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HUELLAS DE VIDA
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RETRATO Y NARRATIVA
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n protagonista: Necesitas un elemento protagonista. Puede ser una persona, un animal o un objeto. Los humanos en general llaman más la atención del espectador. La presencia de personas, directa o indirectamente, es clave en una historia. El personaje refleja emociones claramente identificable (risa, confusión, placer, miedo etc.). No es necesario incluir personas en la foto, a veces basta solo un detalle humano. Es importante definir bien tus personajes. En el caso que la persona aparezca en la fotografía debes buscar bien a tus modelos y y no dejar detalles a la suerte. Una referencia física: Un lugar donde ocurre la historia. Por ejemplo, una ciudad, una calle o una casa. Eso ayudará al espectador a recrear la historia. Una referencia temporal: La fotografía debe tener un contexto temporal explicito o implícito (año, horario etc.). Un contexto emocional: Define bien la emoción que quieres transmitir con tu fotografía. En una imagen puede haber varias emociones pero una emoción tiene que dominar.
http://aavi.net/blog/2016/04/15/lafotografia-narrativa-el-arte-de-contar-historias/ https://oscarenfotos.com/2015/04/05/ gregory-crewdson/
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Gregory Crewdson (nacido el 26 de septiembre de 1962) es un fotógrafo estadounidense famoso por sus imágenes surrealistas y de elaborada escenificación que muestran hogares y vecindarios norteamericanos. Las imágenes creadas por Gregory Crewdson son únicas: la intensidad de sus colores, los reflejos y frecuentemente, aquella calima que provoca una atmósfera a veces de ensueño, otras de pesadilla. La presentación de las fotografías de Gregory Crewdson es tan monumental como el tamaño de sus escenas. Para crearlas, el autor requiere de una producción compleja, un amplio equipo de trabajo y, frecuentemente, desembolsos desorbitados. Son imágenes diseñadas para ser colgadas en los muros de un museo, o galería, o como parte del acervo de alguna colección particular. Antes de ser creadas, las fotografías de Crewdson ya tienen un comprador que estará dispuesto a desembolsar entre sesenta y ochenta mil dólares por cada una.
ALICIA EN EL PAÍS DE LAS MARAVILLAS
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IMPASIBLE
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on el termino impasible nos referimos a la fotografía que los angloparlantes llaman Deadpan. su estética puede ser distante y fría., de una precisión y claridad impecables. sus descripciones son específicas y dan la impresión de una gran objetividad. se caracterizan por la monumentalidad tanto en la escena como la presentación pues pueden ser impresiones de varios metros. El Deadpan mueve la fotografía fuera de una magnitud sentimental subjetivista, aunque pueda relacionarse con temas emotivos no por ello el vínculo emotivo del fotógrafo es la guía para entender el significado de la imagen. El énfasis es la fotografía como una forma de ver más allá de las limitaciones de la perspectiva individual, una forma de mapear lo invisible desde el punto de vista humano individual de forma muy específica y aparentemente neutral, con una totalidad de la visión. La fotografía impasible tiene una técnica impecable, plena de información visual y presencia imponente. La fotografía de este genero carece de drama visual, suele ser plana tanto en lo formal como en lo narrativo.
https://prezi.com/x0vbigfxmowb/fotografiaartistica-contemporanea/ https://culturafotografica.es/andreas-gursky/
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Andreas Gursky (15 de enero de 1955 en Leipzig) es un fotógrafo alemán conocido fundamentalmente por sus trabajos en gran formato y que trabaja con imágenes en color procesadas digitalmente. Es uno de los fotógrafos más exitosos de la fotografía contemporánea. Andreas Gursky es considerado uno de los fotógrafos más exitosos de la fotografía contemporánea, gracias a sus obras que son un reflejo de lo que provoca el capitalismo y la globalización en el día a día. Tuvo su primera participación en una exposición en el año 1981 con la serie ‘Pförtnerbilder’, fotografías de parejas de guardias de seguridad alemanas. En 1987 tras graduarse de la Academia de Bellas Artes, se dedicó a hacer fotos de paisajes urbanos.Un año más tarde en la Galerie & Johnen Schöttle participó en su primera exposición individual. Desde entonces, fue en ascenso el interés a nivel internacional del mercado del arte, factor que impulsó a Gursky a obtener un éxito comercial. Sus fotografías ya eran algo más que arte, eran un objeto o pieza con valor y que muchos querían.
EL ORDEN DE LA PERFECCIÓN
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COTIDIANIDAD INTIMISTA
urante una buena parte del siglo XX la fotografía de calle fue uno de los géneros favoritos del documentalismo y el neo-documentalismo. En la fotografía contemporánea existe una visión distinta donde no impera el “instante decisivo” de Cartier-Bresson, sino una recuperación de la cotidianidad y lo ordinario así como las yuxtaposiciones y una mirada que busca penetrar en las escenas de la vida del fotógrafo. La fotografía intimista toma prestado y re-direcciona el dialecto de la fotografía vernácula (doméstica) para hacer público lo que acontece en el terreno privado. La fotografía íntima descuida intencionalmente los aspectos técnicos para emular la fotografía vernácula, familiar. El fotógrafo trabaja una intencional falta de pericia y una estética de la instantánea (snap shot) con errores intencionales como vibrados, encuadres defectuosos o problemas en el enfoque. Todo lo anterior se utiliza como medios formales para dar la señal de intimidad entre el fotógrafo y el sujeto.
https://oscarenfotos.com/2012/08/05/ generos-y-subgeneros-en-la-fotografiacontemporanea/ http://fotografica.mx/fotografos/nan-goldin/
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Nan Goldin es una artista estadounidense, renovadora de la fotografía documental y narradora de la escena contracultural de Nueva York de los años 70 y 80. Fotógrafa estadounidense, nació en Washington, D.C., en 1953. Su trabajo puede leerse como retratos sociales, aunque los modelos de estos retratos no son gente desconocida, sino personas allegadas a su vida. Hace fotografía de género, mostrando un interés en la dinámica sexual de las relaciones. Sus temas son la amistad, la homosexualidad y el erotismo. Su obra está influenciada por la fotografía de modas y la cultura de masas. Su obra ha sido sujeto de distintas exposiciones, la primera en 1973 en el Project, Inc., Cambridge, Massachusetts, a las que siguieron otras, destacando la realizada en 1994 en la Neue Natinalgalerie de Berlin. A nivel colectivo, sus obras han formado parte de exposiciones como Love is Blind.
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DÍA A DÍA
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AUTORETRATO
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l autorretrato implica la creación de una imagen cuyo sujeto es el propio artista que realiza la obra de arte. Lo mismo puede ser una escultura, que una pintura o una fotografía. “Históricamente el autorretrato […] se ha entendido como una representación de las emociones, una actualización externa de los sentimientos internos, un penetrante autoanálisis y una auto contemplación que otorgan inmortalidad al artista.” Sin embargo, un autorretrato es mucho más que una representación visual mimética del artista. Realmente es una narrativa abierta a la interpretación del observador donde el artista propone su propia autorrevelación, autopreservación y en última instancia auto creación. Es decir, estamos viendo la invención que hace de sí mismo el autor. Aunque podría parecer que estamos viendo su imagen, más bien contemplamos una suerte de “doble” inventado por el artista. Sin embargo, a pesar de que este doble pueda ser una fantasía, una proyección de lo que el autor desea ser o incluso una teatralización, el autorretrato siempre “delata las verdades más profundas de su creador.”.
https://oscarenfotos.com/2012/08/05/ g eneros-y-subg eneros-en-la-fotog rafiacontemporanea/ http://fotografica.mx/fotografos/nan-goldin/
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Cindy Sherman nació en 1954 en, New Jersey. De 1972 a 1975 estudió Arte en la Universidad Estatal de Nueva York en Búfalo. Sus primeras fotografías eran en blanco y negro de tendencia conceptual; más tarde, empezó a crear imágenes en color, de mayor tamaño que el natural y de un gran dramatismo. La crítica considera que la artista toma nuestra memoria visual colectiva como punto de partida al crear sus obras en cuya mayoría utiliza su propio cuerpo disfrazado y con peluca para dar vida a la situación que va al fotografiar. La crítica considera que la artista toma nuestra memoria visual colectiva como punto de partida al crear sus obras en cuya mayoría utiliza su propio cuerpo disfrazado y con peluca para dar vida a la situación que va al fotografiar. Al emplear recursos provenientes de los medios masivos de comunicación tales como viejas películas, teatro, televisión y revistas, crea imágenes de mujeres estereotípicas explorando la identidad femenina a través de sus fotografías. En ellas sus protagonistas son desde heroínas de películas de los cincuenta y sesenta, personajes femeninos históricos y de la historia del arte o muñecas grotescas con prótesis cuyos cuerpos parecen estar dislocados y en descomposición. Igualmente ha producido fotos de modas en las que caricaturiza el ideal de belleza femenina socialmente aceptado.
SENSACIONES
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ARTE CONCEPTUAL
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a aparición del arte conceptual a finales de los años 60 dotó a la fotografía de un nuevo sentido que trascendía su capacidad de inmortalizar identidades, lugares y momentos. Las imágenes planas y mudas dieron paso a una fotografía conceptual cargada de significado, que utiliza la creatividad para representar ideas y emociones abstractas, como el amor, la nostalgia, la soledad o el paso del tiempo, con el objetivo de provocar la reacción del espectador. Uno de los principales rasgos de la fotografía conceptual es el hecho de que los artistas mediten las escenas y las preparen con detalle antes de capturarlas para acentuar el mensaje que desean transmitir. En ocasiones, incluso, introducen en las composiciones elementos fantásticos y exagerados, o recurren a la edición digital para incluir efectos a posteriori que pueden sorprender a quienes las contemplan. La fotografía conceptual nos habla a través de las imágenes. Cada instantánea que captura encierra un poderoso mensaje capaz de transmitir las ideas más abstractas de nuestro pensamiento. Esta disciplina artística ha adquirido importancia con los años y hoy es una de las categorías del reconocido certamen Sony World Photography Awards.
h t t p s : / / w w w. i b e r d r o l a . c o m / c u l t u r a / fotografia-conceptual https://proyectoidis.org/sophie-calle/
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Sophie Calle, (Francia, 1953). El principal objeto de su obra es la intimidad y de modo particular la suya propia, para ello utiliza gran diversidad de medios de registro como libros, fotografías, vídeos, películas o performances. Sophie Calle ha redefinido a través de la investigación personal los términos y parámetros de sujeto / objeto, lo público frente a lo privado, y el papel conceptual que juega su propia persona. En sus proyectos conceptuales, Calle misma se sumerge en exámenes de voyeurismo, la intimidad y la identidad. En el proceso de investigación en secreto, reconstruyendo o documentando las vidas de extraños, Calle manipula las situaciones y las personas. Así, en el acto de invitar a un extraño dormir con ella en Venecia, o trabajar como camarera de piso del hotel para observar subrepticiamente los invitados, Calle condiciona y refunde su propia identidad. Los documentos o “pruebas” que se derivan de estos proyectos conceptuales se presentan como fotografías, instalaciones foto-texto, video y libros de trabajo.
UN BOCADO
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