BAUHAUS 4° PERÍODO
Materia Cultura del Diseño Docente Claudía Aguilera Integrantes Wilber Salguero Marcela Díaz Karina Hernández
PÁGINA
CONTENIDO
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Lilly Reich (1885 - 1947)
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Ludwing Mies Van der (1886 - 1969)
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Hinnerk Scheper (1897 - 1957)
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Lászlo Moholy-Nagy (1895 - 1946)
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Oskar Shlemmer (1888 - 1943)
6
Günta Stölzl (1897 - 1983)
Lilly Reich (1885 - 1947) Lilly Reich nació en Berlín, y comenzó su carrera profesional como diseñadora de moda, experiencia que le sirvió para conocer texturas y materiales y aplicarlos –más adelante- en el diseño de arquitectura, mobiliario y decoración de interiores. Como arquitecta fue autodidacta, como muchas mujeres de su época. En 1908 trabajó en Viena, en el estudio del arquitecto secesionista Josef Hoffmann, donde diseñó varias sillas, como la Kubus, la Cabinet, la Koller o la Broncia. En 1914 abrió su propio estudio obteniendo rápidamente una magnífica reputación profesional hasta convertirse en la primera mujer directora de la Deutsche Werkbund, planificando muchas de las exposiciones que presentaron al público los ideales modernos del momento. Durante esta época, conoció a Mies Van der Rohe y muy pronto se trasladó a Berlín con él, convirtiéndose en su compañera personal y
profesional durante 13 años. Colaboró con Mies en el diseño del Pabellón de Barcelona y de la Casa Tugendhat, a partir de las cuales surgieron los diseños de las sillas Barcelona y Brno. Durante el tiempo en el que Mies dirigió la Bauhaus, Lilly Reich participó como profesora de interiorismo, decoración, perspectiva y geometría descriptiva, hasta finales de 1930.Tanto Alfred Arndt como ella daban mucha importancia al diseño de muebles estandarizados, a precios asequibles y a veces desmontables. Sus talleres fueron cerrados poco más tarde por los nazis por sus "indiscutibles señas de desviación respecto a la cultura patriótica". Como arquitecta de interiores creó algunos de los espacios más bellos y de mayor calidad de la historia de la arquitectura del siglo XX. En 1938, antes de la Segunda Guerra Mundial, Mies emigró a los Estados Unidos donde construye rascacielos. Sin embargo, Reich permaneció en Alemania hasta su fallecimiento en 1947.
Ludwing Mies Van der (1886 - 1969)
Arquitecto alemán. En 1900 empezó a trabajar en el taller de su padre, que era cantero, y en 1905 se trasladó a Berlín para colaborar en el estudio de Bruno Paul y, de 1908 a 1911, en el de P. Behrens, donde conoció a Walter Gropius y Le Corbusier, que son, junto con él mismo y el estadounidense Frank Lloyd Wright, los mayores arquitectos del siglo XX. Inicialmente se orientó hacia la arquitectura neoclásica, pero un viaje a los Países Bajos en 1912 le llevó a cambiar sus intereses, a raíz del descubrimiento de la obra de H. P. Berlage. Tras el paréntesis de la Primera Guerra Mundial, se adhirió a diversos movimientos de vanguardia (Novembergruppe, De Stijl) y empezó a realizar proyectos revolucionarios, como el destinado a un edificio de oficinas de la Friedrichstrasse de Berlín, constituido por dos torres de veinte pisos unidas por un núcleo central para escaleras y ascensores.
Durante este período publicó la revista G, en colaboración con Hans Richter, y se relacionó con algunos de los artistas más avanzados del momento, como Tristán Tzara o El Lissitzki. A partir de 1926 llevó ya a cabo obras de cierta envergadura, como la casa Wold en Guben, toda de ladrillo, y la casa Hermann Lange en Krefeld. Por las mismas fechas levantó el monumento a Karl Liebknecht y Rosa Luxemburg (destruido por los nazis), un simple muro de ladrillo con dos paneles en voladizo. A raíz de estos y algunos otros proyectos, se convirtió en un arquitecto de prestigio y empezó a recibir encargos oficiales, el primero de ellos un complejo experimental de viviendas para la Exposición de Stuttgart de 1927, el Weissenhof Siedlung, para el que pidió ayuda a los principales arquitectos europeos. La consagración de Mies van der Rohe se produjo en 1929, cuando realizó el pabellón de Alemania para la Exposición Internacional de Barcelona, considerado por muchos su obra maestra y una de las obras arquitectónicas más influyentes del siglo XX. Su enorme simplicidad y la continuidad de los espacios, que parecen no tener principio ni fin, son sus cualidades más admiradas.
En la misma línea realizó posteriormente algunas otras obras, caracterizadas siempre, como era connatural en él, por un uso avanzado de los nuevos materiales de construcción (cemento armado, acero y vidrio) y una gran simplicidad, que lleva a dejar las estructuras desnudas y a dotarlas de formas casi lineales en las que se cifra la creación de belleza. Tras dirigir la Bauhaus de 1930 a 1933, la evolución de los acontecimientos en Alemania le obligó a emigrar a Estados Unidos, donde fue nombrado director de la facultad de arquitectura del Illinois Technology Institute de Chicago (1938), para el que proyectó un nuevo campus que, una vez finalizado, extendió su fama por todo Estados Unidos. En lo sucesivo le llovieron los encargos y trabajó fundamentalmente en la capital de Illinois, donde recogió y llevó a sus últimas consecuencias los postulados de la escuela de Chicago. En 1958-1959 puso broche de oro a su carrera con el famosísimo Seagram Building de Nueva York, del que se dice que es el rascacielos más hermoso en vidrio ahumado y aluminio, y la Neue Nationalgalerie de Berlín (1962-1968), con un pesado techo de acero que se apoya en pocas y delgadas columnas, con lo que adquieren todo el protagonismo las paredes de vidrio. Con esta obra, Mies van der Rohe se mantuvo en la línea de oponer el horizontalismo de sus obras arquitectónicas europeas al verticalismo predominante en las estadounidenses.
Hinnerk Scheper (1897 - 1957)
(Nacido en 1897 en Wulfen (Osnabrücky fallecido en Berlín en 1957) Pintor y pedagogo alemán, vinculado a la Bauhaus. Dentro del amplio abanico de materias artísticas impartidas en esta prestigiosa institución docente alemana, el pintor dirigió su taller de pintura mural, uno de los más importantes dentro de la Bauhaus. Se inició en la artesanía para posteriormente examinarse para obtener el título de pintor oficial. En 1918 participó en el último curso que se dictó en la escuela de Artes y Oficios y Academia de Arte de Düsseldorf. Scheper abandonó la institución interesado por el proyecto pedagógico innovador que surgió con la creación de la Bauhaus en 1919. La creación de ésta se debió a la fusión en una sola entidad de las antiguas escuelas de Arte y de Artes y Oficios dirigida por el arquitecto Walter Gropius. Se ocupó él mismo de seleccionar al personal docente, y así reunió a los más destacados arquitectos,
pintores y escultores alemanes de su generación, entre los que destacan Paul Klee, Vasily Kandinsky, Johannes Itten u Oscar Schlemmer. En 1919 se matriculó en el taller de pintura mural dirigido en aquellos momentos por Schlemmer. Durante su formación en la Bauhaus recibió enseñanza, entre otros, de Itten y Kandinsky. Finalizó sus estudios en 1922, tras aprobar el examen de maestro pintor convocado por la Cámara de Artesanos de Weimar. Hasta su incorporación como director del taller de pintura mural en 1925, se dedicó libremente a realizaciones, tanto pictóricas como intervenciones, Así, el artista alemán trabajó como decorador, diseñador y se encargó del aspecto decorativo y la pintura de fachadas de diversas edificaciones de Weimar, como es el caso del Museo del Castillo de esta localidad. Su experiencia en esta disciplina se observa en otras realizaciones de la época, como fue su trabajo realizado para el Museo Folkwang de Essen. Scheper una vez finalizado su proceso formativo, paso a ser parte del personal docente de la Bauhaus Así, En 1925 fue llamado por Gropius, y fue nombrado director del taller de pintura mural, cargo que desempeñó hasta 1933, año en el que las fuerzas
nacionalsocialistas (véase nacionalsocialismo) prohibieron la escuela. Precisamente ese año la institución abandonó Weimar para trasladarse a Dessau, donde inauguró unas completas instalaciones diseñadas por el propio Gropius que incluían tanto aulas y talleres como residencias para estudiantes (colectivas) y profesores (individuales). Gropius pidió a Scheper que organizase la decoración interior de la nueva sede, en la que la configuración cromática, profundamente estudiada por el maestro alemán, primaba la preparación de las superficies y la forma de aplicar el color, consiguiendo un efecto interactivo entre pintura y arquitectura coherente con los propósito de juntar todas las artes en una, que era la directriz de la Bauhaus.
Trabajos
Lászlo Moholy-Nagy (1895 - 1946)
Pintor, escultor, fotógrafo, cineasta, diseñador, tipógrafo, teórico del arte, pero también arquitecto de exposiciones, publicista, escenógrafo, pedagogo infatigable, László Moholy-Nagy (1895-1946) es el artista que encarna por excelencia el espíritu utópico de las vanguardias de los años veinte y treinta. En La Bauhaus se encontraba el versátil y revolucionario húngaro Laszlo Moholy- Nagy (1895-1946), que no fue profesor de fotografía dentro de la escuela, pues ésta no se dictaba como materia, aunque se lo recuerda fundamentalmente por su obra fotográfica. En ella se destacan su toma a ojo de pájaro (puntos de toma altos). Aplicó creativamente técnicas como la doble exposición, el montaje, el fotograma, distorsiones e imágenes negativas. Hay que destacar que su interés por la fotografía era desde la perspectiva del diseño. Son famosos sus fotogramas, fotografías producidas por proyecciones de
luz sobre papel fotográfico al que le interponen objetos tridimensionales de distintas características (opacos, traslucidos y/o trasparentes) sin la intervención de un negativo Moholy-Nagy practicó este tipo de imagen con la intención de objetivar el cuadro y mantenerlo alejado de elementos subjetivo-personales. Aunque no sea siempre el primero en utilizar una técnica o un material, en cada ocasión, y sea cual sea el ámbito, innova radicalmente. En su obra, los hallazgos formales tienen ciertamente un papel plástico autónomo, pero él les confiere una función esencial a sus ojos, que consiste en transformar el ser humano tanto en su modo de vida, su psicología y fisiología como en su intelecto. Moholy-Nagy, que vivió durante un período extremadamente agitado, quería que el hombre dejara de ser un instrumento o una cosa para convertirse, mediante la actividad creadora, en el único productor y constructor de su existencia. En este sentido, el artista seguía el espíritu utópico de su tiempo: su voluntad de desarrollar al máximo las capacidades físicas y la conceptualización humana en una síntesis funcional del cuerpo y el espíritu explica su búsqueda incesante de nuevas formas plásticas. Para Moholy significa crear nuevas relaciones en el hombre y entre el hombre y su entorno. Uno de los polos fundamentales hacia el que se
orientan sus exploraciones desde 1922 hasta su muerte es la visión, también estima que, puesto que el ojo está limitado en su percepción, ciertas técnicas, sobre todo la fotografía y el cine, pueden engendrar nuevas concepciones del espacio, del movimiento, del tiempo, de la luz, y ampliar así el campo de nuestra experiencia. Para él, el objetivo de tales medios artificiales no consiste en corregir o suplir las debilidades de la óptica humana, sino por el contrario, en elaborar una nueva visión capaz de "dar forma" a la vida. Al contemplar sus obras, hay que imaginar pues de fondo esa conjunción constante, que tiene una fuerte presencia tanto en sus fotografías como en sus fotogramas.
Fotograma
Dedicado principalmente a la pintura, Moholy-Nagy comprende rápidamente la riqueza de este material. Realiza sus primeros fotogramas en Berlín, en 1922. Desde entonces, no dejó de producirlos hasta 1946. Actualmente se cuentan 430 piezas, y esta exposición reúne la colección más importante presentada hasta hoy. A lo largo de estas experiencias, Moholy-Nagy intentará captar la luz bajo los mejores ángulos e intensidades para crear un material plástico por completo. Para ello, abandonará los objetos opacos en favor de objetos transparentes, traslúcidos o diáfanos como el cristal,
el vidrio, ciertos lĂquidos, velos, tamices, a menudo superpuestos para acentuar los efectos de contraste, grano y textura. Liberada gracias a la inmaterialidad de los objetos, la luz es la causa que permite el nacimiento de la obra, pero tambiĂŠn es el efecto producido por dicha obra.
Trabajos
Oskar Shlemmer (1888 - 1943)
(Stuttgart, 1888 - Baden-Baden, 1943) Pintor y escultor alemán. Tras sus estudios en la Academia de Stuttgart, pintó obras influidas por Cézanne y relacionadas con el cubismo. Después de 1920 realizó grandes relieves sobre pared y pinturas, en las que aparece su tema más característico: la figura humana como forma esencial por su rigurosa composición estereométrica (Grupo concéntrico, Las escaleras de la Bauhaus). Destacó también por sus diseños para teatro y ballet (Danza del vidrio, 1929). Tras haber enseñado en la Bauhaus, en la Academia de Breslavia y en la Academia de Berlín, fue apartado de la docencia por el régimen nazi. De la trayectoria artística de Oskar Schlemmer es hoy especialmente recordada su innovadora labor como coreógrafo y diseñador para teatro y ballet. Schlemmer fue maestro en la Bauhaus de 1921 a 1929, y, además de enseñar pintura y escultura, dirigió el taller de
teatro desde 1923. El teatro fue una materia esencial dentro de la formación de la Bauhaus; la representación escenográfica era una buena forma de hacer converger disciplinas y oficios dispares en una tarea común; por otro lado, ocupaba un lugar destacado dentro de los programas de fiesta de la escuela. El montaje más famoso creado por Schlemmer fue el Ballet triádico, estrenado en Stuttgart en 1922, donde se conjugaban en una perfecta simbiosis la danza, la música, el vestuario y la pantomima. En realidad, esta obra era un antiballet. Los danzantes llevaban un vestuario de formas geométricas básicas y el espectáculo no se fundaba en el virtuosismo expresivo del cuerpo humano, sino en la conjugación de elementos plásticos, el espacio y las figuras en movimiento. En Dessau, Schlemmer se sumó a la búsqueda de formas esenciales que por entonces regía el trabajo de la escuela, desarrollándolas en series de danzas como Juego de la construcción, Paseo de las cajas, Danza de la forma o Danza del gesto. Con ellas quería investigar los elementos fundamentales para la creación y configuración teatrales: espacio, forma, color, tono, ritmo, armonía, movimiento y luz.
Los figurines de aquellas coreografías, también diseñados por Schlemmer, conformaban brillantes juegos visuales de elementos básicos, y los danzantes llevaban máscaras que les transformaban en personajes anónimos, en encarnaciones de prototipos genéricos de comportamiento, alejados de cualquier individualidad expresiva. Con ellos Schlemmer legó un repertorio de formas elementales de la representación escenográfica en el que hallaron sus raíces muchos de los renovadores del teatro posterior.
Trabajos
Günta Stölzl (1897 - 1983)
Pintora y tejedora alemana nacida en Múnich en 1897 y fallecida en Küsnacht (Suiza) en 1983. Perteneció a la escuela alemana de la Bauhaus. Empezó como aprendiz en el taller textil de esta institución, del cual fue directora tras su nombramiento como maestra. Su actividad en la Bauhaus fue de los más heterogéneo, desde la dirección del citado taller con la floristería y el cuidado de jardines, o desde la organización de fiestas debido a su interés por la cocina. Es por ello que fue una de las pocas mujeres, junto a Mariane Brandt, que ejercieron la docencia en la institución alemana y alcanzaron una destacada proyección internacional. Hija de un profesor, fue su propio padre quien se cuidó de que recibiese una educación liberal hasta su ingreso en la Universidad en 1913. Al año siguiente abandonó sus estudios para servir como
enfermera durante la Primera Guerra Mundial. Finalizado el conflicto bélico e inaugurada la Bauhaus en 1919 por Walter Gropius, se incorporó a su cuerpo estudiantil. De los doce años que estuvo en la institución, Stölzl se dedicó seis años a su formación y los restantes seis a ejercer la docencia, como era costumbre en la Bauhaus. Hasta su examen como oficial tejedora en 1923, recibió clases de Johannes Itten y de Paul Klee, que simultaneó con su estancia en el taller textil. Con el nombramiento de oficial, y antes de incorporarse al cuerpo docente de la Bauhaus, Stölzl residió en Zúrich, donde organizó los talleres textiles Ontos. Desde octubre de 1925 a septiembre de 1931 fue maestra del taller textil, pasando a ser su directora desde 1927 hasta su definitiva disolución en 1933 por orden del partido nacionalsocialista, que ese año subió al poder (véase nacionalsocialismo). Durante dicho período como directora de taller, contó con la colaboración de Kurt Wanke. Bajo su organización, el taller textil ejecutó sus mejores realizaciones, incluso mejores que en el período en que éste estuvo dirigido por Klee. La obra de Stölzl, tanto la realizada de forma individual como en colaboración con otros artistas, se caracterizó por la aplicación de los principales principios estéticos que formulaba la Bauhaus. Por un lado, la experimentación constante con materiales textiles para
obtener tejidos nuevos que fuesen resistentes, baratos y cuya producción en serie abaratase sus costes encaja de lleno en la política de la Bauhaus de integrar las obras de los artistas en el proceso industrial. Por otro lado, la profunda geometría que plasma en sus composiciones comparte de pleno el gusto por la formas geométricas primarias que se practicó en todos los talleres de la escuela. Paralelamente a su actividad en la Bauhaus, Stölz montó en colaboración con otros socios, generalmente conocidos en la escuela, diversos talleres textiles. El primero lo fundó en 1931 y fue cerrado también por los nazis en 1933. En colaboración con dos alumnos de la Bauhaus, Gertrud Preiswerk y Heinrich-Otto-Hürlimann, la empresa "Tejidos S P H" realizó sus primeras obras para arquitectos. En 1933 fundó "Tejidos SH" que, en 1938, tras su separación de Hürlimann, se convirtió en "Tejeduría manual Flora" y se estableció en Zúrich. En este taller, ubicado en la Florastrasse muniquesa, trabajó solo hasta 1967. Durante esos 36 años utilizó las técnicas de la tejeduría, el tapiz o los gobelinos para realizar piezas que fueron muy apreciadas por los arquitectos más vanguardistas y premiadas en múltiples certámenes artísticos internacionales, a la vez que recibió numerosos encargos para las sedes de instituciones internacionales.
En 1937 recibió el Diploma Conmemorativo de la Exposición Mundial celebrada en París. Trabajó para el Museo Germánico Nacional y colaboró con destacados arquitectos como Hans Fischli, para quien diseñó la decoración de sus proyectos. Hasta su fallecimiento en 1983 Gunta Stölz fue una artista muy activa; participó en la Sociedad de Pintoras, Escultoras y Tejedoras Suizas, y también en la asociación Werkbund.
Trabajos
FUENTES http://www.mcnbiografias.com/app-bio/do/s how?key=scheper-hinnerk https://tallerescuelalaimagen.wordpress.com/ 2013/04/26/nueva-objetividad-el-dada-y-labauhaus-parte-2/ http://www.fundaciotapies.org/site/spip.php? rubrique216 http://www.biografiasyvidas.com/biografia/s /schlemmer.htm http://www.mcnbiografias.com/app-bio/do/s how?key=stolzl-gunta http://carlagrbac.blogspot.com.au/2010/09/ gunta-stolzl.html