LA VISION FOTOGRÁFICA
CAPÍTULOS 6,7 Y 8 KONOVALOVA KATERYNA
Resumen de los capítulos. El autor nos comienza comentando que deberiamos de saber componer nuestra fotografía una vez que ya hayamos comprendido el mundo y lo compara con otro arte que es la música. Comienza hablar sobre que nuestra manera de narrar lo que queremos, es importante, ya que nosotros mismos podemos estropear la narración. Sigue insistiendo también en la idea de la visión, con la cual debemos mirar este mundo. Momeñe quiere que nosotros elijamos color o blanco y negro.Haba del color como una nueva manera de ver el blanco y negro. Terminando sus capítulos el nos quiere mostrar que esto no es un curso de tecnica fotográfica, sino es el aprender a ver el mundo, sobre como funciona nuestro cerebro al mirar por la cámara. Habla de cómo funciona este mundo fotográfico y nos ayuda a quitarnos los miedos y tirar adelante con nuestras ideas. No para de hablar de la importancia de un tema presente en nuestro proyecto, insiste en que hacemos fotografías porque no podemos expresar lo que queremos expresar de otra manera, mirada es lo que quiere que encontremos en resumidas cuentas.
AUTORES.
Robert Capa. (1913-1954) Robert Capa es el seudónimo de Erno Andrei Friedmann y es considerado el más famoso corresponsal gráfico de guerra del siglo XX.En 1929 conoce a Eva Besnyo, su primer contacto con la fotografía.En 1931 estuvo exiliado de la Hungría fascistapor su relación con grupos de tendencia izquierdista, estudió periodismo en Alemania y trabajó para la agenciaDephot. Viajó a París, donde conoce al fotógrafoDavid Seymourquien le consigue un trabajo como reportero gráfico en la revistaRegardspara cubrir las movilizaciones del Frente Popular.En 1936, junto con su compañeraGerda Taro, inventó la figura deRobertCapa, fascinante periodista estadounidense y bajo este seudónimo presentó la primera exposición de sus trabajos, que alcanzaron precios exorbitantes. Aunque la ficción no tardó en ser descubierta, decidió conservar ese nombre.Al estallar laGuerra Civil Españolaen julio de 1936,Capase traslada a España con su novia para cubrir los principales acontecimientos de la contienda española. Implicado en la lucha antifascista y con la causa de la República, estuvo presente, desde ese lado, en los principales frentes de combate, desde los inicios en el frente de Madrid hasta la retirada final en Cataluña.Siempre en primera línea, es mundialmente famosa su fotografíaMuerte de un Milicianotomada en Cerro Muriano, en el frente deCórdoba, el 5 de septiembre de 1936. Reproducida en la mayoría de los libros sobre la Guerra Civil, su autenticidad ha sido puesta en cuestión actualmente por diversos expertos.
Durante la retirada del ejército republicano en la batalla de Brunete, en julio de 1937Gerda Taromuere al frenar el coche en cuyo estribo viajaba alcaer y ser arrollada por el tanque que el conductor intentó evitar.El prestigio internacional le llegó sobre todo a partir de sus reportajes sobre la guerra civil española y sobre la Segunda Guerra Mundial para la revistaLife, al captar con su cámara episodios bélicos como los bombardeos japoneses sobre China, las campañas del norte de África y el desembarco de Normandía.En 1946 se nacionaliza estadounidense.En 1947, conHenri Cartier-Bresson,RodgeryDavidSeymour, fundóMagnum Photos, la primera agencia cooperativa de fotógrafos independientes. En 1954 decidió cubrir la guerra de Indochina paraLife, que luchaba por independizarse de Francia, y en ella murió destrozado por la explosión de una mina que pisó inadvertidamente
Larry Burrows. (1926-1971)Fue un fotoperiodista inglés conocido por sus fotografías de la guerra de Vietnam.Ganó tres veces el Premio Medalla de Oro Robert Capa y fue nombrado fotógrafo del año en 1967 por la National Press Photographers Association.
Abandonó la escuela con 16 años y comenzó su carrera periodística dentro del departamentoartístico del Daily Express. Empezó a trabajar para la revista Life en 1942 imprimiendo fotografías entre ellas algunas de Robert Capa. En 1945 empezó a realizar retratos, entre los que destacan los de Ernest Hemingway o Winston Churchill.Burrowsllegó a ser fotógrafo y cubrió la guerra de Vietnam desde 1962 hasta su muerte en 1971, cuando su helicóptero, que acompañaba a las fuerzas de Vietnam del Sur invadiendo Laos, cayó, muriendo junto a él los periodistasHenri Huet,Ken PotteryKeisaburo Shimamoto.Fue de los primeros fotógrafos en pasarse a la fotografía en color, tenía un alto sentido compositivo y destacaba en el tratamiento que hacía del color, introdujo puntos de vista nunca aplicado anteriormente en la fotografía de conflictos, llegando a diseñar sus propios soportes para colgar las Leica y Nikon fuera de las cabinas de los helicópteros llegando a solicitar a los altos mandos la retirada de las puertas de los helicópterospara conseguir imágenes impactantes.Su libropóstumoVietnamganó el premioNadar.Una de sus colecciones más famosas fue publicada en la revista Life en 1965 y se titulóOne Ride With Yankee Papa 13.
John Gutmann. (1905-1998) Fue un pintor y fotógrafo americano que supo capturar el modo de vida americano.
Nacido en una familia judía, se adhirió a la corriente cultural que emergió de laI Guerra Mundialen la que se idealizaba América en revistas y novelas populares como una tierra de llanuras infinitas, altos rascacielos, indios pintados,gansters y negros tocando jazz y estudió pintura con el renombrado expresionistaOtto Muller.Con la llegada de los nazis al poder huyó a los Estados Unidos, a San Francisco,con una cámara que había comprado unas semanas antes y comenzó a enviar fotografías a varias revistas alemanas, tomando rápidamente interés en el “estilo de vida americano” e intentándolo capturar con su cámara. Le gustaba tomar fotos de cosas ordinarias y les confería un algo especial.Armado con suRolleiflex, realizó impresionantes y expresivas fotografías de los EE UU durante la depresión, la guerra mundial y los años 50 y 60.En la última parte de su vida fue abandonando la fotografía activa para dedicarse más a fondo a la educación.Su archivo completo está en elCenter for Creative Photographyde laUniversidad de Arizonaen Tucson.
Sally Mann. (1951) Es una fotógrafa estadounidense cuyo trabajo ha llamado la atención no solamente por sus cualidades técnicassino también por la controversia creada con algunas de sus fotos en las que se le acusa de pornografía.Estudió fotografía en laPraestegaard Film Schoolen 1971 y en laAegeon School of Fine Artsen 1972graduándose en 1974 en elBenningtonCollege. Después de su graduación trabajó como fotógrafo en Washington y en laLee University.
En los setenta fotografió la construcción deLewis Law Library, consiguiendo su primera exposición en solitario en 1977 en laCorcoranGallery of Artde Washington, con imágenes surrealistas que fueron incluidas posteriormente como parte de su primer libroSecond Sightpublicado en 1984.Su segunda colecciónAt Twelve: Portraits of Young Women, publicada en 1988, crearon controversia.Su trabajo más conocido esImmediate Family,publicado en 1992, que contiene 65 fotografías en blanco y negro de sus tres hijos.Su obra forma parte de colecciones delMuseo Metropolitano de Nueva York,The Museum of Modern Art, New York,The Whitney Museum of American ArtyThe Corcoran Museum of Art,entre otros.En los mediados 90SallyManncomenzó a fotografiar paisajes en negativos de placas de colodiónhúmedo de 8x10”, con la misma vieja cámara fotográfica de 8x10 que había utilizado para sus anteriores retratos.En 2001 recibió de la revistaTimeel premio a la Mejor fotógrafa norteamericana.Su quinto libroWhat Remains,publicado en 2003, se basa en la exposición del mismo nombre en elCorcoran Museumen Washington, y tiene cinco partes diferenciadas que estudian la mortalidad, el declive y la muerte pero que termina con esperanza y amor.En 2005 recibe el premio Lucie. Sus proyectos actuales incluyen una serie de autorretratos, un estudio de los efectos de la distrofia muscular en su marido, retratos de la vida familiar en los últimos 30 años, y un estudio del legado de la esclavitud en Virginia.En 2009, la galeríaGagosianexhibió la serieProud FleshdondeSallymuestra desnudos de su marido en los últimos seis años.
Rineke Djikstra. (1959) Es una fotógrafa holandesa que desde principios de los noventa se ha dedicado a inmortalizar con su cámara a individuos que viven situación de cambio, de trasformación de su identidad.Se formó en laRietveld Academiede Ámsterdam desde 1981 hasta 1986.Su primera exposición individual tuvo lugar en la Galería De Moor en Amsterdam en 1984.Estuvo trabajando como retratista formal hasta principios de los 90 en los que comenzó a desarrollar su propio estilo.Un año clave en la trayectoria artística deDijkstrafue 1991, cuando realizó un autorretrato en una piscina. El estado emocional que la artista reflejó en esa obra le sirvió de orientación a la hora de enfocar su carrera creativa.Entre 1992 y 1996 lleva a cabo una serie de retratos realizados en lasplayas de Estados Unidos, Polonia, Inglaterra, Ucrania y Croacia y por la cual consigue un reconocimiento por parte de la crítica internacional. Realizadas con una simple cámara técnica de formato 4×5 pulgadas, a veces con luz de flash añadida a la natural, sus obras no son nada complejas en cuanto a los aspectos técnicos, pero sí en su contenido, al buscar respuestas sobre la identidad y sobre las relaciones familiares y culturales en la sociedad contemporánea.Rineke Dijkstraforma parte ya del selecto grupo de los creadores del siglo XXI cuyas obras son consideradas un icono del arte de nuestro tiempo.El trabajo deDijkstraes paradigmático de una nueva manera de interrogar la realidad en busca de respuestas contemporáneas sobre la identidad, las relaciones familiares y culturales, la naturaleza y el lenguaje.
Situaciones de calma y estados de extraña armonía en los personajes, descolocan al espectador, que siente cierta incomodidad ante una imagen que inquieta por su fragilidad o por la intemporalidad que interpreta.Ha recibido los siguientes premios:Kodak Award Nederland(1987),ArtEncouragement Award Amstelveen(1993),WernerMantz Award(1994), yCitibank Private Bank Photography Prize(1998)
William Eggleston. 1939) Es un fotógrafo americano muy conocido por lograr el reconocimiento de la fotografía en color como modo de expresión digno de exponerse en las galerías de arte.William Eggleston capta la realidad como al pasar, ver sus fotos se asemeja a mirar a fotos de un niño, pero ésta es sólo la primera impresión. Cuando vemos bastantes fotos comenzamos a darnos cuenta que es un artista real, puro, que arroja fuera de borda todas las directivas de composición y de uso cromático y captura la vida; la vida sin presencia tangente de seres vivientes, se concentra en los objetos, la ropa, las construcciones, los adornos y en el entorno de los humanos.Así es que podemos calificar sus fotografías de banales o de extraordinarias; más allá de un impresionismo, más acá de lo puro, sustancial y piezas de la realidad.Tras una infancia con intereses hacia el dibujo, el piano y la electrónica, comienza a interesarse en la fotografía (en blanco y negro) en 1962 al descubrir los trabajos de Robert Frank, Walker Evans y Cartier-Bresson y su libroEl momento decisivo. En 1966 ya se inclina por el color y a partir de ahí comienza a transformarse en el padre de la fotografía color.
Entre 1973 y 1974 estuvo enseñando enHarvard y descubrió el proceso conocido comoDye-transfera través de un anuncio de laboratorios fotográficos, quedando impresionado por la saturación de colores y la calidad de las tintas.En 1979 realizó una exposición en el M0MA compuesta de 75 fotografías que causó escándalo.Un ejemplo de su concepción de la fotografía se puede encontrar en su obraThe democraticforesten la que podemos encontrarnos objetos muy diversos: neumáticos viejos, acondicionadores de aire desechados, máquinas expendedoras de Coca Cola,carteles rotos, postes de electricidad, barricadas en las calles, señales de tráfico, parquímetros y palmeras.En 1998 recibió el premio internacional de laFundación Hasselblady en 2004 recibió el premioPHotoEspañaBaumeet Mercier. En agosto de 2005 se estrenó una película documental llamadaWilliam Eggleston in the Real World.
Adam Bartos. (1953) Es un fotógrafo estadounidense que comenzó a utilizar la fotografía en color para documentar el paisaje urbano contemporáneo a través de imágenes perfectas y tranquilas, buscando la composición adecuada, incluso en los rincones más inesperados. Seha centrado mucho en su Nueva York natal y ha publicado una serie de fotografías monumentales de arquitectura moderna de Estados Unidos.Adam Bartosha estado fotografiando desde que era un adolescente.
A principios de los 70 asistió a la escuela de cine de laUniversidad de Nueva Yorky comenzó a trabajar con fotografía en color. Tuvo como mentor aEvelyn Hofer, conocida por sus composiciones de color serenas y meticulosas.Influenciado porWilliam Egglestony los anterioresTimoty O'SullivanyCarleton Watkins,Bartosse centra en el paisaje contemporáneo.Con unas imágenes en las que el tiempo parece haberse detenido, prestándoles un aura de dislocación temporal.Adam Bartos es conocido por sus imágenes de colores intensos y saturados que representan escenas ordinarias que exudan una calma tranquila y con frecuencia un tinte de melancolía.Su obra se encuentra en las colecciones delJ. Paul Getty Museumen Los Angeles,Museum of Fine Artsde Houston,Museum of Modern Artde Nueva York,Whitney Museum of American Artde Nueva York ySan Francisco Museum of Modern Art, entre otros. En 2013, fue finalista delPrix Pictet, un premio mundial en la fotografía y sostenibilidad, por su serieYard Sales.
Nick Waplington. (1970) Es un artista y fotógrafo inglés quereside en Nueva York. Nick Waplingtones el mayor de tres hijosy viajó mucho durante su infancia mientras su padre trabajaba como científico en la industria nuclear. Estudió arte enWest Sussex Collegeof Art & DesignenWorthing,Trent Polytechicen Nottingham y en elRoyal College ofArtde Londres.En1984, mientras visitaba regularmente a su abuelo enBroxtoweEstateen Nottingham, comenzó a fotografiar su entorno inmediato.
Amigos y vecinos de su familia se convirtieron en su tema predilecto. Continuó con este trabajo de manera intermitente durante los siguientes 15 años y produjo con él dos libros: Living RoomyWeddings, Parties, Anythingy numerosas exposiciones.Su libroOther Edens,1994,se centró en preocupaciones medioambientales y, a pesar de que se concibió y trabajó al mismo tiempo queLiving Room, fue visto como un cambio importante en su estilo y contenido.Otros de sus ensayos sonSafety in Numbersen 1997, un estudio sombrío de la cultura de la droga éxtasis a mediados de la década de los 90yThe Indecisive Mementoen 1999un viaje por el mundo donde el viaje en sí es la obra de arte.Su siguiente obra publicada fueTruth or Consequencesen 2001un juego pictórico basado en la historia de la fotografía utilizando la ciudad de Nuevo México, como telón de fondo. En esta obra se inspiró en las normas de los programas de televisión de la década de los 50.Learn how to die the easy wayen 2002 fue su contribución a una exposición colectiva en laBienal de Veneciade 2001, expresando el anhelo de la libertad artística y comercial que la web todavía puede exponer y una celebración de la razón dislocada detrás de los pensamientos convencionales y los medios de comunicación.EnYou Love Lifeen 2005utilizó imágenes tomadas en un período de 20 años para la construcción de una narrativa autobiográfica.Realizó la novela gráficaTerry Painteren colaboración conMiguel Calderónen 2003. Este y otros proyectos conCalderóncomoThe Garden of Delights Suburbanse han expuesto en Europa y EEUUEn 2007, laWhitechapel Art Galleryde Londres mostró su presentaciónSynethesiaen diapositivas de fotos cogidas deInternet.
También publicó una serie de diez libros de imágenes recogidas llamadoYou Are Only What You See, con un catálogo separado de fotos originales del propioWaplingtonllamadoDoble Dactylen 2008.Durante 2008 y 2009 trabajó en un importante proyecto de libro con el diseñador de modaAlexander McQueendenominadoWorking Processque justo se completó en el momentode la muerte del diseñador en 2010.En 2011 publicó el libroSurf Rioty comenzó a auto publicarsus libros en tiradas de 100 ejemplares:Lackadaisical,Extrapolations.Waplingtonparticipó en el colectivoThis Place, fundado porFrédéric Brenner, al que contribuyó con el libroSettlement,un estudio de los colonos judíos que viven en Cisjordania, con retratos y paisaje tomadas con una cámara de gran formato.
Les Krims. (1942) Es un fotógrafo americano conocido por sus cuidadosamente montadas fotografías fabricadas, llamadas ficciones, varias series candid, sus lado satírico y su humor negro. Krims estudió en laHigh Schoolsecundaria de Stuyvesant en Nueva York. Estudió arte enThe Cooper Union for the Advancement of Science and Arty en elPratt Institute.Durante más de 40 años ha enseñado fotografía, en elRochesterInstitute of Technologyy en elBuffalo State College.Robert Delpireexpuso por primera vez su obra en Francia en1974.Es un autor controvertidoy objeto de numerosas críticas por parte de feministas e izquierdistas.Sus trabajos están presentesen numerosas colecciones públicas:European Centre of Photography, en Paris,Tokyo Metropolitan Museum,Georges Pompidoude Paris,San Francisco Museum of Modern Art,Boston Museum of Fine Art.
El proyecto más reciente deKrimses unawebdonde vende copiasde inyección de tinta (Epson 4800) de una selección amplia de sus fotografías antiguas.Ha publicado numerosos trabajos:The Little People ofAmerica(1971),TheDeerslayers(1972),The Incredible Case Of The Stack O'Wheat Murders(1972),Making Chicken Soup(1972),Fictocryptokrimsographs(1975), con fotografía realizadas con una Polaroid SX-70.
Mitch Epstein (1952) Es un fotógrafo estadounidense que con sus obras a gran tamaño y con sus saturados colores, consigue fusionar los términos opuesto del foto-conceptualismo y la llamada fotografía documental.Mitchell Epsteinse graduó de laAcademia Williston, donde estudió con el artista e impresorBarry Moser. A principios de la década de los 70, estudió en elUnion Collegede Nueva York,Rhode Island School of Designen Rhode Island y en laCooper Unionde Nueva York, donde fue alumno de fotógrafoGarry Winogrand.A mediados de los 70, abandonó sus estudios académicos y comenzó a viajar, embarcándose en una exploración fotográfica de los Estados Unidos, de la que 10 fotografías formaron parte de la exposición en grupo en 1977 en laLight Galleryen Nueva York.En 1978 viajó a la India con su futura esposa, la directoraMira Nair, donde realizó labores de productor, escenógrafo y director de fotografía en varias películas, comoSalaam Bombay!yIndia Cabaret. Su libro In Pursuit of Indiaes una recopilación de sus fotografías de la India de este período.
De 1992 a 1995,Epsteinfotografió en Vietnam, exponiendo este trabajo enWooster Gardensde Nueva York,y publicando el libro tituladoVietnam: A Book of Changes.Habiendo vivido y viajado fuera de los Estados Unidos durante más de una década,Epsteincomenzó a pasar más tiempo en su hogar adoptivo de Ciudad Nueva York. Su serie de 1999The Cityinvestiga la relación entre la vida pública y privada en Nueva York.En 1999, volvió a su ciudad natal de Holyoke, Massachusetts, para documentar la desaparición de las dos empresas de su padre: una tienda de muebles al por menor y una pequeña inmobiliaria. El proyecto resultante, con fotografías de gran formato, videos, material de archivo, entrevistas y escritos, dio lugar al libroFamily Business, que ganó el premioKrazna-Krausal mejor libro del año en 2004. Ese mismo año su obra fue expuesta en el festivalRencontres d'Arles.De 2004 a 2009,Epsteinha investigado la producción y el consumo de energía en los Estados Unidos, fotografiando en y alrededor de varios centros de producción de energía. Esta serie y posterior libro, con la colaboración de su segunda esposa, la escritoraSusan Bell, tituladaAmerican Power, cuestiona el significado y el maquillaje de la política de producción de energía norteamericana. Las impresiones a gran tamaño de esta serie han sido expuestas en todo el mundo y ganó elPrix Pictet2011 por esta serie.También fue galardonado con elPremio de Berlínde 2008 enArtes y Letraspor laAcademia Americana de Berlín, lo que le llevó a una residencia de 6 meses en Berlín. Las fotografías que hizo allí de significativos lugares históricos fueron publicadas en el libroBerlinen 2011. Anteriormente también había conseguido unaBeca Guggenheimen 2003.
En su último trabajoNew York Arbordesarrolla una nueva línea, realizando una serie de fotografías de los árboles más significativos que habitan en la ciudad de Nueva York. Con cámara de placas y película de blanco y negro, compone escenas impresionantes con estos árboles centenarios.Sus fotografías se encuentran en numerosas colecciones de importantes museos, como elMuseum of ModernArtde Nueva York,Whitney Museum of American Art,The J. Paul Getty Museumen Los Ángeles,San Francisco Museumof Modern Arty elTate Modernen Londres. También ha trabajado como director, director de fotografía y en diseño de producción en varias películas comoDad,Salaam Bombay!yMississippi Masala.Sus más recientes exposiciones individuales han sido en laFondation Henri Cartier-Bressonen París (2011),Kunstmuseumde Bonn (2011),Musée de l'Elyséede Lausana (2011) yOpen Eye Galleryde Liverpool (2011).
Kenneth Josephson. ((1932)Es un fotógrafo estadounidense que ha sido muy influyente conceptualmente desde la década de los 60, utilizando su trabajo para llamar la atención sobre el acto físico de la fotografía, como por ejemplo utilizando técnicas como capas en las fotografías con el fin de determinar los grados tanto de veracidad como la ilusión dentro del medio.Kenneth Josephsoncompletó su educación primaria en Detroit. En 1953, después de haber sido enviado en Alemania por el ejército de Estados Unidos fue entrenado en la fotolitografía y fotografía aérea de reconocimiento. En 1957 obtuvo una licenciatura enBellas Artesen elRochesterInstitute of Technology, con sede en Nueva York.
En 1960 obtuvo un master en elInstitute of Design of the Illinois Institute of Technology.Y posteriormente, trabajó en laSchool of the Art Institute of Chicagodesde 1960 hasta 1997, cuando se retiró, habiendo educado a 2 generaciones de fotógrafos. En 1963 cofundó con otros treinta fotógrafos notables laSociety for Photographic Education.Sus obras en los años 60 y 70 se centran en la fotografía conceptual, y lo colocaron en la vanguardia de dicha fotografía. En 1972 fue galardonado con la becaGuggenheim Fellowshipy en 1975 y en 1979 fue galardonado con la becaNEApor elNational Endowment for the Arts.Muchas de sus colecciones se encuentran en museos como elContemporary Artde Chicago,Smithsonian Institutionen Washington,National Museum of American Art, Foograficka Maseeten Estocolmo,Corcoran Gallery of Arten Washington, D.C. y laBibliothèque Nationalde París. Ha expuesto en Austria, Reino Unido, Alemania, Países Bajos, Suecia, Suiza y Francia
Nicholas Nixon. (1947) Es un fotógrafo estadounidense que cree en el papel crítico del arte y lo utiliza como relato que pueda ser comprendido, compartido y recordado. Escoge temas que destacan por su normalidad, que están siendo vistos por el artista, que pertenecen a su experiencia privada y que comparten con nosotros.Nicholas Nixonse licenció enLiteratura americanaen 1969. Tras realizar sus estudios de postgrado en Fotografía por laNew Mexico State University, compaginó sus clases como profesor de fotografía en elMassachusetts College of Art de Bostoncon su labor como fotógrafo.
Nixoncomenzó a trabajar con cámaras de gran formato. Mientras que la mayoría de los fotógrafos profesionales abandonaron estas cámaras en favor de la película de 35mm con cámaras más portátiles,Nixonprefirió este formato porque permite impresiones que se hacen directamente de los negativos de 8x10 pulgadas, conservando la claridad y la integridad de la imagen.Su interés por el retrato y la fotografía de carácter social se ha plasmado en conocidas series comoThe Brown sisters(1999-2012) oPeople with AIDSen 1991.Se dedicó inicialmente al paisaje urbano, pasando poco a poco al interés por las personas que lo habitaban. A finales de los años noventa,Nixondocumentó los cambios en el panorama urbano de Boston durante el proyecto de desarrollo vialBig Dig.Desde 1975,Nixonrealiza todos los años una fotografía de su mujerBebey sus cuñadasMimi, LaurieyHeather. Las cuatro mujeres aparecen retratadas siempre en el mismo orden, mirando al objetivo. Esta serie, llamadaThe Brown sisters, está compuesta por más de 33 fotografías realizadas en gelatina de plata, en formato 50,5 x 60,5 cm.Desde 1976, año en el que tuvo lugar su primeraexposición individual en elMoMAde Nueva York su obra ha sido expuesta en numerosas galerías y museos: elArt Institute of Chicago(1985),Museum of Fine Artsde Boston (1988),Museum of Modern Artde Nueva York (1988),Victoria and Albert Museumde Londres (1989),San Diego Art Museum(1991),Musée d ́Art Modernede París (1995),National Gallery of Artde Washington (2005), elSaint Louis Art Museum(2007), ...
La fotografía deNixonforma parte de algunas de las más prestigiosas colecciones de todo el mundo como la delMoMAde Nueva York, laNational Galleryde Washington, elMuseum of Fine Artsde Houston, elFogg Art Museumde Cambridge o laMaisonEuropéennede la Photographiede París.
Jeff Wall. (1946) Es un fotógrafo canadiense cuyo primer acto creativo consiste en "no fotografiar nada", aunque si experimentarlo, atestiguarlo. Posteriormente busca la manera de que la experiencia en torno al tema halle la forma de convertirse en una imagen.Con 15 años su padre, mostrando confianza en sus capacidades artísticas, acondicionó un pequeño cobertizo en la parte trasera de casa para poder utilizarlo de estudio.Fue su primerestudio y sigue siendo su favorito.Empezó a experimentar con todo lo nuevo que encontraba a su alrededor, lo conceptual y el minimalismo. Además, la colección de cámaras que tenía su padre siempre llamó su atención. Al principio hacía dibujos de fotografías del libroThe Americans, deRobert Frank. Más tarde empezó a usar la cámara de fotos.Wallestudiohistoria del arte en laUniversity of British Columbia, inmerso en la experimental escena artística de Vancouver, aprendió de forma autodidacta fotografía, viéndola como la mejor herramienta para expresar sus ideas conceptuales. Realizó también unmasteren Arte enla misma universidad en 1970 yposteriormente, un curso de postgrado en elCourtauld Institute, en laUniversidad de Londres.
En 1974 comenzó a dar clases enNova Scotia College of Art and Designen Halifax, enseñando posteriormente en laSimon Fraser University, Vancouver, y luego en laUniversity of British Columbia. También comenzó a hacer exposiciones en grupo.Su primera exposición en solitario fue en laNova Gallery, Vancouver, en 1978. Después expuso en elInstitute of Contemporary Artsen Londres en 1984, y elMuseum of Contemporary Art, Chicago en1995, elJeu de Paume, Paris, elHelsinki Museum of Contemporary Arty laWhitechapel Art Gallery, Londres, entre otros.En 2002,Wallrecibió el premio internacional de laFundación Hasselbladen fotografía. En lo que va del nuevo milenio el artista ha tenido exposiciones en laTate Modern, en Londres; en elMuseo de Arte Modernode Nueva York, elInstituto de Chicago, elMuseo de Artede San Francisco y elDeutsche Guggenheim, en Berlín.Su obra ha ayudado a definir el llamadofotoconceptualismo. Sus fotografías son a menudo cuidadosamente planificadas como una escena en una película, con pleno control de todos los detalles. Sus composiciones se encuentran siempre bien pensadas, o prestadas,a partir de clásicos pintores comoÉdouard Manet..Los temas tratados en sus fotografías son sociales y políticos, tales como la violencia urbana, racismo, pobreza, así como conflictos de género y de clase.
Andrés Serrano. (1950) Es un fotógrafo estadounidense que se ha convertido en uno de los más notoriosa través de sus fotografías de cadáveres,además de su polémico trabajo "Piss Christ", una fotografía de un crucifijo sumergido en un vaso con la orina del propio artista.
De raíce hondureñas y afro-cubanas fue educado como católico. Estudió en el Museo Brooklyn y vive y trabaja en Nueva York. Su trabajo ha sido expuesto en lugares tan variados y prestigiosos como la Catedral de Saint John de Nueva York, el Barbican Arts Centre de Londres y en la Colección Lambert Avignon.La obra de Serrano como fotógrafo suele ser en forma de ampliaciones de 0.5 por 0.8 m, producidas con técnicas fotográficas convencionales y sin manipulación digital. Ha tratado un vasto conjunto de temáticas incluyendo retratos de miembros delKu Klux Klan, fotos de cadáveres, e imágenes de víctimas quemadas.Muchas de las fotografías de Serrano contienen fluidoscorporales, tales como sangre, a veces del ciclo menstrual, semen o leche materna. Dentro deesta serie hay numerosos trabajos de objetos sumergidos en estos fluidos. El más famoso de ellos esPiss Christen 1987un crucifijo de plástico inmerso de un vaso de orina. Esta fotografía causó una gran polémica la primera vez que fue expuesta, además fue denunciada por dos senadores estadounidenses.Serranose convirtió en una figura atacada por producir arte ofensivo, mientras que otros lo defendieron en nombre de lalibertad artística.La obra "Blood and Semen III" se usó como portada del discoLoadde la banda deheavy metalMetallica, mientras que la obra "Piss and Blood" se usó enReLoad.
Sophie Calle. (1953) Es una artista, escritora y fotógrafa francesa cuya obra tiene como principal objeto la intimidad y de modo particular la suya propia, utilizando para ello una gran diversidad de medios de registro como libros, fotografías, vídeos, películas o performances.
Su obra está vinculada a las corrientes conceptuales surgidas a partir de los años sesenta, reflexiona sobre el papel del azar en el terreno de la creación artística. Su trabajo describe con frecuencia la vulnerabilidad humana y examina la identidad y la intimidad. Es conocida por su capacidad de detective, de seguir a extraños e investigar sus vidas privadas. Su trabajo a veces incluye paneles de texto de su propia escritura.Es hija del prestigioso oncólogoRobert Calle. A través de la amistad de su padre con artistas comoMartial Raysse,Arman, yChristian Boltanski, recibe inspiración e influencia para decidirse ella misma por una carrera artística. Después de viajar por buena parte del mundo regresó a París en 1979.Ha realizado numerosas e impactantes series:1979:Les Dourmeurs (Los durmientes).Pidió a algunas personas, 28 durmientes,que le proporcionaran algunas horas de su sueño, que fueran a dormir a su lecho y se dejaran fotografiar, y respondieran a algunas preguntas con un contacto neutro y distante. Además de hacer fotos todas las horas, ella observaba a sus invitados.1980:El Bronx. Tras invitarla a un espacio de arte llamadoFashionModaporque querían que les enseñaraLes Dourmeurs, se dio cuenta de que no la entenderían, Así que, por vez primera, pensó en abordar una obra con la intención de que fuera una obra de arte. Preguntó y fotografió,cuál sería el sitio que jamás olvidarían si algún día pudieran dejar elBronx.1980:Suite Vénitienne. Tras su vuelta a Francia seguía a desconocidos y que fueran ellos quienes decidieran a donde ir. Hay gente a la que siguió un año entero,y un día siguió a un hombre hasta Venecia...1981:La Filature(La sombra).ElCentro Pompidoule invitó a una muestra colectiva llamada Autorretratos, y pensó que la mejor manera sería que su madre contratara a un detective privado, que le siguiera y le fotografiara a escondidas.
1983:L ́Hotel.Trabajó como limpiadora en un hotel para poder sacar fotos de los cuartos desordenados de los clientes.1983:L’Homme au carnet.Christian Caujollevio la muestraL’Hotely le invitó a realizar un proyecto paraLibérationen el que se incluyera imagen y texto.Sophiese encontró una agenda extraviada que devolvió anónimamente, pero se puso en contacto con las personas apuntadas en la agenda para que le hablaran de la persona que la perdió. El propietario de la agenda se encontró con la exposición a la vuelta de un viaje y se enfadó tanto que no paró hasta conseguir que se publicara en un periódico una fotografía deSophiedesnuda.1986:Les Aveugles(Los ciegos).Este trabajo lo realizó en Francia y Australia. Se encontró con un grupo de ciegos enla calle y uno le decía a sus amigos: 'Ayer vi una película preciosa'.Empleó dos años en terminar esta obra donde les preguntaba qué es la belleza.1988:Autobiographical Stories(Historias autobiográficas).De joven estuvo trabajando un mes en un striptease en Pigalle. Cuando viajaba por Estados Unidos, también lo pensó pero no lo hizo por vergüenza. Diez años después pensó que era una vergüenza sentir vergüenza y volvió a hacerlo.1990:Les Tombes(Las tumbas).Las tumbas son una de sus obsesiones personales.1992:Autobiographical Tales. The Husband.Ella tuvo un marido pero no había ninguna garantía de que fuera a quedarse.1992:No sex last night(No hubo sexo anoche).Película codirigida porSophie CalleyGreg Shepharden la que realizan la ficción de sus dos personajes reales, en un viaje cruzando Estados Unidos.1992:Leviatán.Paul Austerconvierte aSophie Calleen un personaje,Maria Turner,más de su historia, utilizando ritos propios de ella y otros inventados por él mismo.
1997:Double Game(Doble juego).Calledecidió crear su propia mezcla de realidad y ficción, siguiendo las rutinas queAusterinventó paraMaría, como la 'Dieta cromática'.1998:Gotham Handbook(Manual de Nueva York).Sophiepidió aAusterque le escribiera el guión para su vida durante un año, pero éste se limitó a darle una serie de'Personal Instructions': sonreír, hablar con desconocidos, dar limosna a los mendigos y a los vagabundos, intentando obtener una sensación de seguridad, atender un ciertoespacio con cariño, humanizando el espacio público.Sophie Callellegó a vivir en una cabina telefónica, que acondicionó de la forma más acogedora posible.2002:Callese instala en lo alto de laTorre Eiffel, durante la noche de la luz de París, para que una interminable fila de personas le cuente cuentos para que no se duerma.Desde 2005 Sophie Calle ha enseñado como profesora de cine y fotografía enEuropean Graduate SchoolenSaas-Fee, Suiza.Ha dadoconferenciasen laUniversidad de California, San Diegoen el Departamento de Artes Visuales.También ha enseñado enMills CollegeenOakland,California.En 2011, su obraTrue Storiesse instaló en la históricacasa de 1850en eledificio PontalbaenJackson Square,en elbarrio francésdeNueva Orleans, Louisiana,como parte delProspect 2 Contemporary Art Festival.La casa, un museo histórico que se maneja como parte delMuseo del Estado de Luisiana, está amueblada con muebles históricos como lo era a mediados del siglo XIX.La artista insertó sus propios objetos históricos personales y ephemera, con un breve texto narrativo explicativo, en las escenas, lo que afecta la idea de que ella había ocupado la casa poco antes de la llegada de los espectadores.
Hamish Fulton. (1946) Es un artista y fotógrafo inglés, considerado como uno de los principales Land artist británicos. Comenzó a andar por el mundo a principios de los años 70. Sus caminatas forman partede su propio concepto artístico. Ha recorrido numerosos lugares de nuestro planeta que compagina con la elaboración de imágenes fotográficas, cuadernos de viaje y exposiciones.Estudióesculturaen la Escuela de San Martín de Arte deLondres, se formóen los centros de: Hammersmith College of Art, St. Martin’s School of Art, Royal College of Art.En su formación artística comenzó como escultor y, posteriormente, se vinculó a la tradición del land art y del arte post-conceptual. Basando su trabajo en paseos largos que duran de un día a varias semanas, Fulton grabó su experiencia física y emocional del paisajemediante la fotografía en blancoy negro con unacámara de 35 mm, que luego presentó una sola fotografía o una secuencia de fotografías, por lo general imprimen a gran escala y en una gama de tonos ricos, a menudo junto con leyendas impresas.Estos textos describena veces cuestiones prosaicas, como la longitud, la duración o la fecha de la caminata o las condiciones climáticas bajo las cuales se realizó la caminata, en otros casos una secuencia de palabras evoca un estado de ánimo poético particular, a la caminata.Si bien su obra se ha relacionado tanto con el arte conceptual y el land art, Fulton se consideraba heredero de las tradiciones británicas de la pintura del paisaje. Su trabajo fue quizás el más ampliamente difundido en sus libros.
EnEspañatambién ha realizado grandes caminatasconRichard Longque fue compañero y también alumnoSt. Martin ́s School of ArtdeLondres. Juntos recorrieron la Península Ibérica de costa a costa dos veces, en 1989 y 1990. Fulton mira el paisaje , no lo modifica, escribe, fotografía y dibuja Rio luna rio,El caminoy Siete caminatas cortasson los libros en España más próximos a la idea de libro de artista que al catálogo. En Río Luna Río recuerda su caminata extremeña, una caminata circular de veintiún días en Extremadura, desde y hacia el río Guadiana, enBadajozvía Guadalupe realizadaen 2008; en El camino se repasan sus caminatas cortas por la Península Ibérica.La Fundación Ortega Muñoz deBadajozpresentó una exposición que contenía las rutas que ha realizado Fulton desde 1979-2008 por la Península Ibérica. También enLanzarotese inauguró la exposición en lafundación Cesar Manriqueel 20 de enero de2005, Su experiencia personal de caminar, sus creaciones. con fotografías, instalaciones, textos, y ediciones de libros, el artista muestra sus viajes y caminatas por distintos lugares (México, Nepal, Australia, India, España...). Su obra es conocida y expuesta en museos de todo el mundo, como las exposicionesindividuales realizadas en laBawag Foundationde Viena el Museo Serralves de Oporto, en laTate Britainde Londres y la Haus Konstriktivde Zurich. Hamish Fulton se trasladó a Lanzarote en febrero de 2004, donde permaneció 10 días.Realizó siete jornadas de caminata en las que su único medio de contacto con el territorio insular fue el de su propia locomoción. Hamish Fulton desde Punta Mujeres.Comenzó a caminar el 10 de febrero y, durante los seis días siguientes, se movió a pie por el norte de la Isla. Las caminatas se iniciaban a las 7 de la mañana y acababan al atardecer.
Esta experiencia de caminar porLanzarotesurgió el proyecto Siete jornadas a pie caminando por carreteras, veredas y senderos, que se expone en la muestra junto a otros proyectos de Fulton realizados en España.
Katy Grannan. (1969) Es una fotógrafa estadounidense que también ha realizado un largometraje llamado The Nine.Grannan obtuvo su título de Humanidades de laUniversidad de Pennsylvaniay su MFA en Fotografía de laEscuela de Arte de la Universidad de Yaleen 1999.El trabajo de Grannan ha aparecido enThe New York Times Magazine, se incluyó en laBienal Whitney2004y está en colecciones públicas, incluyendoel Museo Metropolitano de Arte, elSolomon R. Guggenheim Museumy elWhitney Museum of American Art.En 2012, el trabajo de Grannan apareció en la exposiciónThe Sun y otras estrellas: Katy Grannan y Charlie Whiteen el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles.También recientemente reaizóun retrato del Sr. PresidenteBarack Obamapara el New York Times.Su preferencia por fotografiar extraños comenzó cuando todavía estaba en la Escuela de Arte de Yale, pusoanuncios en periódicos pidiendo "personas para retratos".En su serie "Dream America", los voluntarios a veces posaban desnudos y a menudo optaban por posar en lotes vacíos o habitaciones con techos bajos.En otro trabajo, Grannan fotografió a las personas en sus hogares y se centró en la forma en que sus entornos,muebles o aspectos de la vida privada, forjandoel carácter de las personas.Este trabajo culminó en la monografía "The Model American".
Para su serie Boulevard, fotografiaba extraños en Los Ángeles y San Francisco contra las paredes blancas como telón de fondo.Cada fotografía es el resultado de una colaboración sobre el terreno, realizada con la participación voluntaria de sus sujetos, a quienes compensa por su tiempo.Además se hizo amiga de varios de los sujetos e hizo una pieza de video llamada "The Believers" con ello. Grannan está influenciadapor el trabajo de fotógrafos comoDiane ArbusyNan Goldin.Su película, The Nine, es un retrato de larga duración de una pequeña comunidad de outliers que viven en una calle deteriorada en una parte marginada de California.
Joel-Peter Witkin. (1939) Es un fotógrafo americano cuyas imágenes de la condición humana son muy llamativas. Durante más de veinte años ha mantenido su interés en la espiritualidad y en cómo afecta al mundo físico en el que vivimos. Encuentra belleza dentro de lo grotesco y persigue esta visión compleja a través de la gente apartada por la sociedad: Hermafroditas, enanos, lisiados, andróginos, reses muertas, gente discapacitada, fetichistas, etc.Trabajó como fotógrafo de guerra entre 1961 y 1964 en la Guerra de Vietnam.En 1967 decidió trabajar como fotógrafofreelancey se convirtió en el fotógrafo oficial deCity Walls Inc.Estudió después escultura en laCooper School Of Fine Artsde Brooklyn donde consiguió un título en arte en 1974.LaUniversidad de Columbiale concedióuna beca y terminó sus estudios en laUniversidad de Nuevo Méxicoen Albuquerque donde consiguió sumasteren Bellas Artes.
Según el propioWitkinsu particular visión y sensibilidad provienen de un episodio que presenció siendo pequeño, un accidente automovilístico en el que una niña resultó decapitada. También cita las dificultades en su familia como una influencia. La naturaleza transgresora de su arte ha consternado a la opinión pública en repetidas ocasiones y ha provocado que lo acusen de explotador y que haya sido marginado como artista en diversas ocasiones.Su acercamiento al proceso físico de la fotografía es altamente intuitivo e incluye manchar o rayar el negativo y una técnica de impresión con las manos. Esta experimentación comenzó despuésde ver unambrotipodel siglo XIX de una mujer y su amante, quien había sido arrancado.Su fascinación con el físico de la gente ha inspirado trabajos que enfrentan nuestro sentido de la normalidad y de la decencia, mientras que constantemente pone en cuestión las enseñanzas impuestas por el cristianismo.Joel-Peter Witkinnos deja mirar en su mundo recreado, que es espantoso y fascinador, ya que él intenta desmontar nuestras nociones preconcebidas sobre sexualidad y belleza física. Con sus imágenes, ganamos una mayor comprensión sobre la diferencia y tolerancia humanas.
Wolfgang Tillmans. (1968) Es un fotógrafo y artista conceptual alemán cuya obra emplea la investigación sobre los conceptos básicos de la fotografía y la realización de instalaciones. Reivindica lo directo y lo auténtico.En 1987 se trasladó a Hamburgo donde estuvo trabajando de telefonista y comenzó su trabajo investigador empleando la fotocopiadora sobre imágenes fotográficas y poco después empezó a documentarse sobre la subculturarave. Durante estos años estuvo publicando sus fotografías en las revistasi-D,Tempo,SpexyPrinz.En 1990 se trasladó a Inglaterra para estudiar fotografía enColegio de Arte y Diseño Bournemouth & Poole.Desde mediados de los 90, su trabajoprocedente del mundo del diseño y de la publicidad y moda juvenil, adquiere una fuerza que le convierte en uno de los nombres paradigmáticos de una fotografía que tiene a los jóvenes y a sus hábitos y relaciones como tema central. Un trabajo sin prejuicios, muy cercano estéticamente al mundo de la publicidad.Ha sido el primer artista no británico en recibir en el 2000 el premioTurner, y su obra comenzó derivar hacia aspectos más espaciales, paisajísticos y con un creciente interés por la imagen abstracta, por los accidentes de la luz y el papel fotográfico en experimentos de laboratorio que constituirán sus seriesBlushes,Mental PictureyCollider.La muerte de su compañero el pintor alemánJochen Kleinen 1997 a causa del sida hizo que le dedicara una serie de fotografías como su «última comida o la ventana del hospital».En 1998 estuvo como profesor en la escuela de bellas artes de Hamburgo y en 2003 comenzó a ejercer como profesor en laAcademia de Bellas Artesde Frankfurt.
Entre sus exposiciones individuales cabe mencionar las realizadas enPortikus, Frankfurt en1995, Kunstmuseum Wolfsburg, Wolfburgo en1996, Museo de Arte Moderno,Nueva York en 1996, Reina Sofía, Madrid en1998, Deichtorhallen, Hamburgo en2001, Tate Britain, Londres en2003, Galería Andrea Rosen, Nueva York en 2003, Galería Juana de Aizpuru, Madrid en2005, etc.Está representado por las galeríasDaniel Buchholz, Colonia,Andrea Rosen, Nueva Cork, yMaureen Paley/ Interim Art, Londres.En 2002 grabó un documental tituladoLigthpara el grupoPet Shop Boys.En 2009 recibió el premio de cultura de laAsociación Alemana de Fotografía.Su obra, a la vez que capta la inmediatez del momento y del carácter del tema, también examina la dinámica de la representación fotográfica. En sus exposiciones suele colocar las imágenes sin destacar las obtenidas mediante una cámara fotográfica de la procedente de cualquier otro medio de reproducción como por ejemplo una fotocopiadora, dejando a un ladola división tradicional del arte exhibido en una galería de las imágenes e ideas transmitidas a través de otras formas de publicación, dando un peso equivalente a ambas vertientes. Sus grandes instalaciones del suelo al techo muestran imágenes de subculturas y movimientos políticos, así como retratos, paisajes, naturalezas muertas e imaginería abstracta cuyas dimensiones oscilan entre el tamaño de una postal al de un mural. En su página web se pueden ver documentos de sus diversas instalaciones, creadas integradas con el lugar de exposición y que son arte al mostrar arte.
Tomas Ruff. (1958) Es un fotógrafo alemán y uno de los miembros más destacados de la escuela alemana de los años 80.Autor de imágenes de gran formato,muestra espacios aparentemente lejanos al alcance de la vista del espectador. Explora gran amplitud de temas que reflejan la gama de técnicas que emplea: las exposiciones analógicas y digitales tomadas por el artista conviven con las imágenes creadas por el ordenador, fotografías de archivos científicos, de periódicos, de revistas y de Internet. Comenzócon una pequeña cámaraNikoncuando tenía 16 años, inspirándose en las fotografías derevista.Con 19 años entróen laAcademia de Bellas Artesde Dusseldorf.Pronto demostró que su idea de lo fotográfico se desmarcaba de la de otros famosos alumnos de esta escuela. Fue el único de la clase que trabajó con colores y que empezó a hacer retoques digitales cuando los laboratorios no hacían ese tipo de trabajo.En 1988, ya exponía en importantes eventos como elApertode Venecia.De 2000 a 2006 fue profesor en la misma academia en la que estudió, tomando el relevo deJeff Wall.Su relación con la arquitectura se inicia a raíz de sus trabajos con fotografías de viviendas sociales alemanas durante la década de los ochenta. En 1992 comenzó a colaborar con el estudio de arquitectura deHerzog y Meuron, fotografiando sus edificios y estudiando su interacción con el entorno.Sus imágenes arquitectónicasde carácter serial, formato monumental y extrema precisión ya son parte del legado visual de los años ochenta, pero además cultiva otros géneros como el interior, el retrato, el desnudo etc., manipulando por medio de ordenador las escalas de color, el contraste y la definición.
La variedad de su obra puede verse contemplando sus principales series:Interiors(1979-1983), detalles de muebles para que representen la cultura alemana reflejando su ideología y economía.Portraits(1981-1991) compuesta por 60 retratos de fotografías de gente joven a modo de fotos carné o pasaporte con un fondo liso.Houses(1987-1992), las fachadas traseras de las viviendas con las que se cruzaba en su ir y venir diario, revelan lo emocionante de la banalidad. Editadas digitalmente para eliminar algunos elementosStars(1989-1992), desvela su pasión por el espacio y la astronomía desde que a los 14 se compró un pequeño telescopio.Zeitungsfoto(Periódicos)(19901991), recopilación del pasado de Alemania con fotografías de prensa,para señalar que la ficción es una realidad sin la cual no existirían las grandes empresas de información.Substrat(desde 2001), donde reflexiona sobre el mundo de las imágenes de internet.Nudes(desde 1999), parte de la pornografía en la red para hablar de voyerismoy privacidad. También recurre al manga japonés para obtener una base de trabajo.Zycles,representaciones en tres dimensiones de curvas matemáticasCassini,imágenes de Saturno capturadas por la sondaCassiniM.a.r.s.,imágenes de la superficie de Marte captadas por laNASA. Desde el año 2000 su trabajo es representado por la galeríaDavid Zwirner, de Nueva York, donde ha realizado 6 exhibiciones en solitario.Sus últimas exposiciones han sido enHaus der Kunsten Múnich(2012),PhotoEspaña, Madrid,LWL-Landesmuseum für Kunst und Kulturgeschichte,Münster,Centro de Arte Contemporáneode Málaga,Museum of Contemporary Art, Chicago (2011), etc.
Su obra forma parte de las colecciones más importantes del mundo:The Art Institutede Chicago;Dallas Museum of Art; Essl Museum, Klosterneuberg, Austria;Hamburger Bahnhof–Museum für Gegenwart, Berlín;Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington, D.C.;Metropolitan Museum of Art, Nueva York;Moderna Museet,Estocolmo;National Gallery ofVictoria, Melbourne;National Museum of Photography, Copenhague;Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York, etc.
Mark Klett. (1952) Es un investigador, docente y fotógrafo estadounidense interesado en la Intersección de la cultura, el paisaje y el tiempo.Mark Klettestudió geología enSt. Lawrence Universityen Canton, Nueva York, y trabajó como geólogo antes de iniciar su actividad como fotógrafo. Obtuvo unmásteren fotografía en laState University of New Yorken Buffalo.En 1984, publicóSecond View, un vasto proyecto que consistía en volver a fotografiar los escenarios del oeste norteamericano queantes ya habían sido fotografiados por fotógrafos tan conocidos comoTimothy O'Sullivan, entre otros, realizaron en el transcurso de las expediciones encargadas por elGobierno Federaldurante la segunda mitad del siglo XIX. A finales de los años noventaKlettretomó el mismo trabajo, lo que le llevó a publicar la monografíaThird Views, Second Sights, donde se recogen las imágenes realizas en el siglo XIX, las de los años setenta y las del final del siglo XX.
Los bordes fueron recortados por razones estéticas, antes de su inclusión en libros. En sus trabajos más recientes, todavía utiliza a menudo una cámara de 4x5”, pero la técnica digital le permite mezclar las imágenes de otros fotógrafos conlas suyas propias.Es profesor regente deArteen laArizona State University.Klettha recibido becas de laGuggenheim Foundation, National Endowment for the Arts, Buhl FoundationyJapan/US Friendship Commission. Su trabajo ha sido expuesto y publicado a nivel nacional e internacional a lo largo de más de 30 años, y su obra está en más de 80 colecciones de museos y galerías de todo el mundo.
Man Ray. (1890-1976) Fue un artista modernista estadounidense impulsor de los movimientos dadaísta y surrealista en Estados Unidos. Maestro de la fotografía experimental, fue también pintor, cineasta, poeta, ensayista, filósofo y un líder del modernismo americano.Conocido por documentar la vibrante escena cultural francesa. Su vida y su arte fueron siempreprovocadores, atractivos y desafiantes.Fue impulsor de los movimientos dadá y surrealista en losEstados Unidos.Sus inicios en el arte fueron trabajando como grabador en una agencia publicitaria, a la vez que asistía a clases nocturnas en la National Academy of Design.Él se consideraba antes que nada pintor, aunque el reconocimiento internacional le llegó con la fotografía, que elevó a la categoría de arte con imágenes elegantes, enigmáticas y llenas de contenido.Visitó con frecuencia la Galería de Arte de Alfred Stieglitz y acudía asiduamente a las tertulias de los Arensberg.
En 1915, expuso por primera vez en la Daniel Gallery de Nueva York y en ese mismo año fundó el grupo Dadáen Nueva York, junto aMarcel DuchampyFrancis Picabia.En 1918 realizó trabajos con aerógrafos sobre papel de fotografía y en 1920 junto a K. Dreier y M. Duchamp, fundó la “Société Anonyme”,compañía desde la que gestionaban todo tipo de actividades de vanguardia (exposiciones, publicaciones, instalaciones, películas, conferencias, etc.).En 1930 se instaló en París y centralizó el Dadá parisino. Sin embargo su obra no obtuvo éxito ydecidió volver a la fotografía.Sus primeras obras experimentales son los “Rayographs”, imágenes fotográficas obtenidas sin cámara, es decir, imágenes abstractas obtenidas con objetos expuestos sobre un papel sensible a la luz y luego revelado. Se convirtió a partir de entonces en el fotógrafo retratista de personas influyentes en el mundo de la cultura.En 1924 el surrealismo se separó del dadá, y él es fue de sus fundadores. Participó en la primera exposición surrealista en la galería Pierre de París en 1925.Realizó así mismo esculturas surrealistas siguiendo el modelo del arte creado por Marcel Duchamp, como “Object to dead be Destroyed” (Objeto para ser destruido) de 1923, a la que él añadió a un metrónomo normal, de 26 cm de altura, la fotografía de un ojo en la aguja.Nueve años después fue abandonado por su pareja, Lee Miller, a consecuencia de lo cual Man Ray sustituyó el ojo de alguien desconocido por el de su ex amante, y cambió el título por el de “Objeto de destrucción”. En 1957 un grupo de estudiantes destruyeron, el metrónomo, pero Ray lo reconstruyó en 1963,titulándoledefinitivamente “Objeto indestructible”, dándole a la obra un giro conceptual. El Museo Reina Sofía, posee una reproducción a escala gigante de la obra que se conserva en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMa).
En 1924 realizó una de sus obras más famosas, “Le Violon d’Ingres” en el que utiliza como modelo a su amante Alice Prin, conocida como Kiki de Montparnasse.En la década de 1930, realizó su serie de solarizaciones: negativos fotográficos expuestos a la luz.Continuapintando con estilo surrealista y publica varios volúmenes de fotografías y rayógrafos.Desde 1936 su obra está presente en la Exposición Arte Fantástico, Dadá y Surrealismo, del Museo de Arte Moderno de Nueva York.Durante la ocupación de París por parte de los nazis, en 1940, escapó a Estados Unidos, instalándose en Hollywood y en Nueva York, regresando a Francia en 1951.En 1946 contrajo matrimonio con Juliette Browner, en una doble ceremonia junto con la pareja formada porMax ErnstyDorothea Tanning.Artista muyprolíficosu producciónelude categorizaciones netas y refleja su ágil y humorística sensibilidad. Además de la pintura y la fotografía, realizó varias películas, objetos, collages, obra gráfica, dibujos, diseño publicitario y de moda En sus últimos años en “la Ciudad de la Luz” se dedicó a escribir su autobiografía que se publicó en 1963 y experimentó con la fotografía en color.En 1968 retrató a Catherine Deneuve para la revista del dominical británico The Sunday Times, sería uno de sus últimos trabajos.En 1973, el Metropolitan Museum de Nueva York le dedicó una retrospectiva a sus trabajos fotográficos.
Annie Leibovitz. Es una fotógrafa estadounidense que fue la primera mujer en exponer su obra en la Galería Nacional de Retratos de Washington D.C y la última en retratar al músico Jhon Lennon, horas antes de que éste fuera asesinadoen 1980.
Es la fotógrafa mejor pagada del mundo y ha trabajado en revistas como Vanity Fair, Rolling Stone y Vogue.Leibovitz estudió Bellas Artesen el Instituto de Arte de San Franciscoy aunque quería ser profesora de arte, pronto empezó a interesarse por la fotografía. Posteriormente trabajo con el fotógrafo Ralph Gibson. En 1970, poco después de regresar de Isrrael, solicitó trabajo en la revista Rolling Stones, que aún era una pequeña publicación que acababa de empezar. Impresionado por el portfolio de Leibovitz el editor Jann Wenner le ofreció un trabajo como fotógrafa.En dos años fue ascendida a Jefe de fotografía, titulo que mantuvo los 10 años siguientes y donde realizó 142 portadas.Su posición en la revista le dió la oportunidad de acompañar a la banda Rolling Stones en su gira internacional en 1975.El 8 de diciembre acudió al apartamento del músico John Lennon para fotografiarlo para Rolling Stone. Horas después fue asesinado por un admirador. Desde 1983, ha trabajado como retratista de la revista estadounidenseVanity Fair, llegando a recibir hasta 2 millones de dólares anuales por ello. En 1988, Leibovitz retrató a diversas celebridades para una campaña publicitaria de la tarjeta de créditoAmerican Express, por la cual ganó el premioClio. Dos años más tarde fundó elEstudio Annie Leibovitzen Nueva York.En 1991 se convirtió en el segundo fotógrafo vivo (y la primera mujer) en exhibir su obra en laGalería Nacional de Retratosde Washington D. C. La muestra, que contó con más de 200 retratos en blanco y negro y en color, fue seguida por la publicación del libroPhotographs: Annie Leibovitz 19701990.En 1993 comenzó a trabajar para la revista de modasVoguey recibió un doctorado honorario por parte delInstituto de Arte de San Francisco, donde ella había estudiado en su juventud.
Desde el año 1995, tiene la misión de retratar a los actores y actrices que aparecen enThe Hollywood issue, una edición queVanity Fairpublica en marzo de cada año con retratos de los actores más destacados de Hollywood.En 1996, fue la fotógrafa oficial de losJuegos Olímpicos de Veranoen Atlanta, Georgia. Una compilación de retratos en blanco y negro de atletas fue publicada en junio de ese año en el libroOlympic portraits.Su próxima publicación fueWomen(1999) que venía acompañada de un ensayo escrito por su pareja,Susan Sontag.En los retratos femeninos de esta colección aparecían juezas, mineras y granjeras, entre otras. 37En el año 2000, fue la encargada de escoger y retratar a cinco mujeres para elCalendario Pirelli.En 2008,Vanity Fairrecopiló sus más destacados retratos de celebridades para la exhibiciónVanity Fair Portraits-Photographs 1913-2008que fue montada en laGalería Nacional de Retratosde Londres.Anniefue una de las que participó en la muestra.Aunque es conocida principalmente por sus retratos de celebridades,Leibovitzha practicado la fotografía documental y de paisajes, contratada por la editorialCondé Nast Publicationsdesde 1993.A pesar de ser la fotógrafa mejor pagada, no escatima medios a la hora de producir sus fotografías ni repara en gastos para su disfrute personal y en los últimos años ha tenido graves problemas financieros y tiene hipotecada su producción fotográfica para los próximos años.
Carleton Watkins. Fue un fotógrafo estadounidense muy conocido en la California del siglo XIX. Es conocido por su serie de fotografías del valle de Yosemite en los 60 que consiguieron del Congreso de los EEUU convertir el valle enParque Nacionaly por sus fotografías estereográficas.Carleton Emmons Watkinsse fue a San Francisco en 1851 durante la fiebre del oro. Su contacto con la fotografía comenzó trabajando como asistente deRobert Vance, en su estudio de retrato de San Francisco, y comenzóa hacer fotografías propias en 1861.Se interesó en la fotografía del paisaje y pronto comenzó a hacer las fotografías de las explotaciones mineras de California y del valle de Yosemite. Experimentó con varias nuevas técnicas fotográficas, y creó su “cámara mamut” de 18x22”, donde utilizaba grandes negativos de placa de cristal. También usó cámaras estereográficas.Se hizo famoso por su serie de fotografías y estereogramas históricos del valle de Yosemite en los 60que motivaron en parte la decisión del Congreso Norteamericano de establecer el valle comoParque Nacionalen 1864.Watkinstambién tomó una gran variedad de imágenes de California y de Oregón en los 70s y posteriormente. También acompañó al pintorWilliam Keithen alguna expedición al oeste.Watkins ganó muchos premios durante su carrera, comenzando en 1865 con un premio por “Mountain Views”en laExposición del Instituto de Mecánicosde San Francisco. En 1867 ganó una medalla por fotografías de paisaje en laExposición Internacionalde París Compró los negativos estereográficos deAlfred A. Hart, fotógrafo oficial delCentral Pacific Railroad,sobre la construcción del ferrocarril y continuó su publicación durante los 70.
Sin embargoWatkinsno era un buen hombre de negocios. Dilapidó las ganancias de su estudio en San Francisco y se endeudó, siendo sus fotografías subastadas, por lo que fueron publicadas sin crédito porI.W. Taber, el nuevo propietario.Watkinstambién tuvo problemas porque sus fotografías eran reimpresas sin supermiso por las compañías del este y porque otros fotógrafos repetían las escenas exactas que él había fotografiado.Watkinsrecomenzó de nuevo a crear un archivo propio con sus “New Series”en las que incluía una variedad de temas y de formatos, relacionada sobre todo con California. Sin embargo, seguía siendo pobre y con su familia vivió una temporada en un furgón abandonado del ferrocarril. Su vista comenzó a fallar.En 1906, el terremoto y el incendio de San Francisco destruyeron su estudio y susnegativos. En 1910Watkinsfue internado en elNapa State Hospital, donde murió seis años más tarde.
Rafael Goldchain.
(1970) Rafael Goldchain es un artista y fotógrafo chileno deorigen judío y ancestros polacos, que envísperas del nacimiento de su primogénito, decidió reconstruir un álbum familiar desde cero para poder proveer a su hijo con gajos de su propia historia y de la cultura judía, ya que se conciencióde que parte de su historia familiar y material había sido destruida junto con los genocidios que se dieron antes de 1945 con la Segunda Guerra Mundial.Percatándose de su propia historia, yde que junto con la salida de Polonia y la fatalidad del Holocausto la identidad familiar había entrado en crisis, comenzó un trabajo y búsqueda exhaustiva por reconstruir y recrear su historia familiar.
Encontró en su búsqueda desde documentos, retazosy algunas fotografías que, complementados con una mezcla entre realidad, leyenda y ficción hicieron posible que Goldchain fuera llenando los huecos con la imaginación.Sus autorretratos de familia hacen posible que el objeto sobreviva al sujeto, y aunque a manera de ficción, se permite recrear un diálogo con el pasado.Su obra consiste en la realización de autorretratos en los que utiliza como recurso el disfraz y la manipulación digital. Son fotos de estudio, de perfil o defrente con fondo abstracto que nos recuerdan al género retratístico. Estos, están inspirados en un cierto número de personas que pertenecieron a su familia. En sus fotografías, adopta la postura e indumentaria tanto de hombres como mujeres que pertenecieron a generaciones pasadas.Gracias a las vestimentas, los accesorios, los tocados, la pose, o las actitudes, podemos ir descifrando la personalidad o gustos de los representados. Para lograr las transformaciones, el artista usa el disfraz, maquillaje, la tonalidad en blanco y negro, y sepia que enmarcan con éxito la nostalgia de estos retratos supuestamente de época, y contrató a genteque le enseñara sobre cómo posar según el estereotipo de mujer.Todo el tiempo se alude al concepto del doble, al otro, pero desde el cuerpo del artista quien nos afirma estar debajo de todo elperformance, de las pelucas, de las miradas, de los disfraces. El “autorretratocomo”, que da nombre a cada imagen, nos reafirma que sus familiares en realidad no están; se están produciendo.Goldchain declaró que durante gran parte de su vida se había sentido sudamericano, pero después de su trabajo de excavación y de reconstrucción virtual, a través de suproyecto fotográfico, terminó por sentirse más cercano a sus orígenes judeo-europeos.
Keith Cottingham. (1965). Es un fotógrafo estadounidense que ha destacado por recrear modelos virtuales que no existen.Keith Cottingham estudió en la Universidad de San Francisco, realizó estudios artísticosde fotografía y además se formo en 3D en la misma universidad. Esto le sirvió para unir la tecnología informática y cambiar el arte de la fotografía. Sus imágenes no reflejan directamente la realidad, sino que derivan del espacio virtual imaginario.En sutrabajo Fictitious Portraits Keith Cottingham se construye a partir de figuras de cera fotografiadas, personajes que no existen. Son retratos inquietantes. La certeza visual que nos ofrece una fotografía se desvanece. Estamos ante una presencia ficticia de clones virtuales de un ser humano sin referente. No existe un original ni existencia física y tan sólo posee unaexistencia electrónica. Al fin y al cabo no son más que ceros y unos, sin embargo es consumida como imagen real en muchos casos gracias a su apariencia verídica.Son fotos hiperrealistas de un joven puramente imaginario. Cottingham trabaja sobre las inquietudes sociales que pueden generar la clonación humana y el pánico que podría generar el encuentro hipotético con un doble exacto de nosotros mismos.La identidad vulnerada y el rol del artista como posible creador-manipulador son temas que quedan explícitos en su trabajo, construyendo los rostros de estos personajes desde su autorretrato.El trabajo de Cottingham se ha mostrado en varias exposiciones individuales y grupales en Europa y Estados Unidos.
Yasumasa Morimura. (1951). Es un artista plástico conocido por ser un representante de la fotografía escenificada, así como de la corriente artística conocida comoApropiacionismo,procedimiento mediante el cual el artista seapropia de imágenes clásicas del arte occidental para reinterpretarlas y recrearlas dándoles una nueva significación.Yasumasa Morimuranació en Japón pocos años después del fin de laSegunda Guerra Mundial, acontecimiento que supuso profundos cambios en las relaciones entre Japón y Occidente. Estos cambios influyeron intensamente en su educación y en su posterior obra. Comenzó su formación en Osaka, hasta que en 1975 obtuvo una beca para laKyotoCityUniversity of Art, donde permaneció estudiando diseño hasta 1978.Desde sus primeras creaciones se observa la base dualista de su obra (Oriente frente a Occidente, lo femenino frente a lo masculino, lo propio y lo extranjero, lo tradicional y lo contemporáneo...), así como el eje determinante de toda ella: el concepto de identidad.A mediados de los ochenta incorporó la fotografía a su obra. A través de la cámara,Morimuraanaliza los complejos intercambios culturales entre Oriente y Occidente y denuncia la imposición cultural y económica de Occidentesobre Japón. Asimismo, rechaza otras oposiciones como predeterminadas, poniendo en tela de juicio la identidad sexual, cultural o nacional, denunciando una globalización desequilibrada e impositiva.En 1985,Morimuraexhibió un gran retrato en color deVan Goghinsertándose él mismo en ella.En 1988, fue seleccionado como artista deAperto of Venice Biennaley fue catapultado a la fama.
.A través de la amplia utilización de utilería, vestuario, maquillaje y de la manipulación digital,Morimurase transforma magistralmente a sí mismo en temas reconocibles que jalonan el cañón de la cultura occidental. Sus series incluyen obras basadas en pinturas seminales de artistas comoFrida Kahlo,VelázquezoGoyay sobre las fuentes pictóricas de la historia y los medios de comunicación. Su habilidad para satirizar y al mismo tiempo crear un homenaje de su material de origen es lo que hace la obra deMorimuraespecialmente contundente y eficaz.A pesar de que su obra generalmente la desarrolla en fotografías en color sobre lienzos u otros soportes, también realiza audio/vídeo-instalaciones, e incluso colabora en giras teatrales desde el año 2000. Sin embargo su trabajo siempre ha gozado de aspecto teatral: el propioMorimuraes el actor de su obra. Mediante un elaborado maquillaje y un agudo narcisismo, se transforma en los personajes de los grandes clásicos, dando una nueva identidad a las grandes obras canónicas.Morimuraha expuesto, entre otros, en elMuseum of ContemporaryArt, Chicago (1992),Cartier Foundation for Contemporary Arten Jouy-en-Josas, Francia.(1993),Hara Art Museumen Tokio (1994),Guggenheim Museum(1994),Yokohama Museum of Arten Yokohama(1996),Museum of Contemporary Arten San Diego (2006), y en laArt Gallery of New South Walesen Sídney, Australia (2007)
Conclusiones finales. Está claro que el tema principal de este libro es la visión, la mirada. Tal y como se nombra en el título.Pero para poner en práctica esta visión, antes hay que encontrarla y despues saber utilizarla correctamente sin estropear nuestro arte. Es necesario llenar nuestra cabeza de fotógrafos que nos interesan y apoyarnos en ellos. mas o menos el autor trata estos mismos conceptos o ideas a lo largo de todo el trayecto de nuestra lectura. El libro es realmente bueno, pero se hace un poco pesado teniendo millones de trabajos por hacer y no poder disfrutarlo con paciencia y tranquilidad, pudiendo entrar en cada una de las ideas que nos quiere hacer llegar el autor. Me ha enseñado bastante, no tener dudas si son buenas o no mis fotografías, cada uno de nosotros tenemos nuestras formas de ver el mundo por lo tanto cada uno lo representamos de una u otra manera. Me ha enseñado a informarme, si tengo alguna duda sobre algo y no tener vergúenza a cerca de la fotografía.E En resumidas cuentas, me ha dado un poco de autoestima y valor a la hora de realizar mi trabajo.