Seeing the Unseen
Jo, SangMin
O . Y EONGAA K _ 0 8
Gelatin Silver Print, 2012
M . C HEONGO K _ 0 5
Gelatin Silver Print, 2012
F . W ON D AE R I _ 3 8
Gelatin Silver Print, 2012
F . W ON D AE R I _ 4 3
Gelatin Silver Print, 2012
조상민의 사진 _ 무한의 세계를 향하여 평론가
치바 시게오 千葉成夫
19세기 초 사진 기술이 처음 실용화 됐을 때, 사진은‘현실: 눈앞의 실제’ 를 찍는 것이었다. 그리고 200년 가까이 지난 지금, 우리는 카메라가 탑재된 휴대폰으로 언
조상민의『Seeing the Unseen』 시리즈는 바다·산·구름·하늘·숲·나무를 촬영 대상 즉, 회화에서 말하는‘모티브(motive)’ 로 삼고 있다. 자연이 대상이다. 그
제 어디서든 현실 세계를 촬영하고 즉석에서 결과를 확인한다. 더불어 사진을 평가하는 기준은 카메라의 성능, 곧 카메라의 기술적 차이가 돼버렸다. 이렇게 누구나
러나 그는 자연의 외피를 향해 그저 셔터만 누르고 있는 것이 아니다. 눈에 보이는 바다, 산, 구름, 하늘, 숲, 나무가 그대로의 ‘자연’ 이라고는 생각하지 않기 때문이다.
고성능 디지털카메라로 셔터를 누를 수 있지만, 카메라의 렌즈가 향하는 곳은 단지‘현실을 충실히 재현’ 하는 것에 지나지 않고 있다. 이런 사정이라면 사진은 현실
그는 작업노트에서 “자연이란 확실하지 않은 것에 의해 확실해지는 것” 이라는 인식을 분명히 밝히고 있다. 바다, 산, 숲을 보고 전체적으로“아! 자연은 아름다워.” 라고
에 종속될 뿐이다. 단지‘현실:눈앞의 실제를 찍는’ 것이란 단정에 고착될 수 있기 때문이다. 사진가는 필히 이런 고정관념에서 벗어나지 않으면 안 된다. 그리고 전혀
말하는 것은 정확하지 않다.“바다가, 산이, 숲이 아름답다” 거나“바다의, 산의, 숲의 풍경이 아름답다” 고 말해야 할 것이다. 마찬가지로 우리가 바다와 숲의 외각만
반대를 지향하는 것, 이것만이‘작품으로서의 사진’ 을 가능하게 할 것이다. > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > >
볼 때, 조상민은 바다와 숲의 풍경 안에서 진짜‘자연’ 을 보려하고 나아가 그것을 우리의 눈앞에 드러내 준다. 우리가 그의 사진에서 보고 있는 것은 망막 위에 투영 된 이미지이지만, 그의 작가적 시선은 그 이미지를 자연의 풍경으로 환원시킨다. 바다와 숲을 보면서 우리는 진정 무엇을 보고 있는 것인가? 어떤 것이 자연인가? 자 연이란 무엇인가? 라는 질문들은 조상민의 사진과 일체가 된다. > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > >
자연의 본질 중 하나는 ‘경계/끝’ 이 없다는 것, 윤곽을 갖지 않는다는 것, 잡을 수 없다는 것이다. 즉‘확실하지 않은 것’ 이다. 하늘을 보면 잘 알 수 있다. 자연은 광대
그러기위해서 조상민은 어떤 촬영방법을 구사하고 있는가? 구도는 이렇다. 화면의 아래 반은 산과 육지의 실루엣인데 그 세부는 구분하기 어려운 덩어리로 처리되어
(廣大)하고 무변(無邊)-끝이 없는-하다. 그러므로‘자연’ 을 표현하기 위해서는 육지(地)와 하늘(空) 사이의 경계를 갖는 ‘산’ 을 모티브로 하거나, 육지나 하늘과 경계를
있다. 그리고 화면의 위쪽 반은 바다 -혹은 하늘, 구름, 섬으로 작품에 따라 다르지만- 로 대개는 엷은 톤들이다. 위쪽 이미지도 디테일이 명료하지는 않다. 그러므로
갖는 ‘바다’ 를 도입하거나 한다. 이러한 ‘경계’ 즉, 윤곽’ 을 도입하지 않으면 ‘자연’ 을 한정하기란 불가능하기 때문이다. 조상민의 ‘도입(導入)’ 이 독특한 지점이 바로 여
실루엣 부분이 존재한다는 것, 흑과 백의 톤이 대비를 이룬다는 것, 전체 속의 부분을 구분해내는 세부 표현은 최대한 드러내지 않는다는 것, 이 조상민의 작품 특징
기다. 청명한 하늘로 우뚝 솟은 한라산과 바다의 푸른 색감이 표현해주는 제주도의 모습이 뚜렷한 관광 사진과는 전혀 다르다는 것에 있다. 오히려 그의 사진은 즉물
이라고 할 수 있다. > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > >
적으로 인식할 수 있는 아름다움을 넘어 바다와 산 그리고 숲의‘확실하지 않은 것’ 을 궁극적 표현으로 삼아‘자연’ 을 나타내고 있다. 광대무변한 자연을 표현하려면 나름의 전략이 필요하다. 눈에 보이는 것이 전부가 아니며 그것은 수동성을 띄기 때문이다. 누구라도 눈을 뜨면 쾌청한 하늘에 우뚝 솟은 한라산과 제주도의 푸른 바
실루엣의 도입 -이번『Seeing the Unseen』 시리즈에서 이것은 결정적이라고 해도 좋을 것이다 - 은 매우 인상적이다. 전부를 보여주지 않음으로써 이미지의 시
다가‘보이는’것이다. 그것은 앞서 말했듯 망막 위에 비춰지는 이미지에 불과할 뿐 아직‘자연을 보고 있는 것’ 이 아니다. 여기서 사진가는 ‘보이는’ 세계를 넘어서 ‘보
각체계를 다른 차원의 것으로 전환하고 있다. 실루엣의 윤곽을 이루고 있는 것은 자연의 형상들이다. 우리는 그것이 숲이고 산이며 육지라는 것을 모르지 않는다. 전
는’ 세계로 넘어가지 않으면 안 된다. > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > >
부 보이지는 않지만 어느 정도는 보인다. 아니 거의 보이지 않고 부분만 보인다고 해야 더 적절할 것이다. 갑자기 조명이 꺼져 버린 무대가 어둠속에서도 어느 부분 은 빛의 여운을 받고 있다가 눈이 서서히 그것에 익숙해질 무렵, 사물이 어렴풋한 덩어리로 보이기 시작하는 그런 느낌이다. 그러니까 바다?산?구름?하늘?숲?나무라 는 모티브 속에서 ‘자연이 드러나도록 하는 어떤 장치’ 와도 같이 얼마쯤 불가시적(不可視的)인 부분을 두고 있다고 할까. > > > > > > > > > > > > > > > > > > > >
그렇다고 화면이 물과 기름처럼 양분되어 있는 것은 아니다. 조상민의 사진에서 자칫 오해될 수도 있는 그런 부분은, 전체가 흑과 백의 톤으로 구성되어 있고 세부 표현이 억제되어 있기 때문이다. 하지만 양자는 분리이면서 연속이기도 하다. 어떤 의미에서 사진의 위쪽은 또 하나의 실루엣 예비군이라고 할 수 있다.‘애매(曖昧)’ 라든가‘몽롱(朦朧)’ 이라는 단어를 긍정적인 의미에서만 사용한다면, 그의 작품 특성은 거기에 있다고 하겠다. 우리 눈에 명확히 보이는 모두는 물질이다. 단지 사물 에 불과한 것이다. 제주도의 산과 바다도 사물로만 보고 촬영한다면, 사물로서의 풍경에 불과할 뿐 진정한‘자연’은 아닌 것이다. > > > > > > > > > > > > > > > >
왜냐하면 자연이란 공간과 함께 하기 때문이다. 어쩌면 자연은 공간의 다른 이름이라 해도 무방할 것이다. 사물은 하나의 덩어리이지 공간은 아니다. 그 덩어리가 소
뒤쪽 깊은 곳으로부터 앞쪽으로 공간이 흐르듯이 넘쳐 온다. 일반적인 사진이나 그림과는 반대 현상이 일어나고 있는 것이다. 흘러넘치는 공간은 가장 앞쪽의 디테일
멸하면 사물의 존재성도 사라진다. 사물은 무한 속의 작은 유한에 불과하며, 유한이 소멸하면 그 곳(덩어리가 있던 자리)을 무한 즉, 자연이 채운다. 조상민은 자연의
이 명확한 나무까지 오고 나서도 또 바라보고 있는 ‘내가 있는 곳’ 까지 육박해 온다. 이 작품 앞에 서있는 나는 그렇게 작품의 공간속으로 빨려 들어가는 것이다. 이러
그러함을 잘 알고 있기에 바다, 산, 구름, 숲, 나무가 품고 있는 자연을 표출하려 한다. 그러므로 애매하며 몽롱한 것은 필연이다. 명쾌하며 명확한 것은 덩어리일 뿐
한 감정을 달리 표현하자면 끝간데 없는 자연을 몸소 체험하는 실감이라고 할까. 한 장의 사진작품을 보고 있을 뿐인데 나의‘視-봄’ 은‘본다’ 라는 한정에서 벗어나
그것으로는‘자연’ 을 표현할 수가 없는 것이다. > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > >
고 있는 것이다. 따라서 바다, 섬, 육지의 작품에서 나의‘視’ 는 바다 저편으로, 섬 저편으로 사라져간다.‘空’ 이라고도‘虛’ 라고도 할 수 없는 애매하며 몽롱한 광활함 을 향해 가는 것이다. > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > >
조상민의 작품을 두고 이런 생각에 잠길 즈음, 갑자기 바다도 섬도 산도 구름도 등장하지 않는 ‘숲’ 만의 사진과 대면한다. 그리고 이 매력적인 숲 사진은 또 다르다는 것을 깨닫게 된다. 그의 숲 사진은 대부분 숲 경계 밖에서 숲 쪽을 향해 셔터가 눌러진 것이 아니라 숲 한가운데서 촬영된 것들이다. 주목할 것은 나무사이로 살짝살
‘視’ 가‘自然’ 을 체험한다는 것은 그런 것이다. 자연은 가시적인 것이 아니다. 광활함을 본질로 하는 자연은 이미지로만 보여지는 것이 아니기 때문이다. 따라서‘시
짝 보이는 하늘의 표현방법이다. 일반적인 촬영이라면 숲의 여백을 하늘로 채울 텐데 조상민의 것은 그렇지가 않다. 그것은 지극히 애매하고 몽롱하게 표현되어 있
각(視角)’ 이란‘자연이라는 광활함’ 을 보이지 않는 것으로서만 자신 속에 간직할 수 있는 것이다. 그것은 시각에 의해서만이 가능하다. 보이지 않는 것을 수용할 수
다. 마치 스튜디오에 숲을 가져와, 현실적으로는 불가능하겠지만, 숲의 배경에 회색의 거대한 천을 드리우고 촬영한 듯하다. 조상민의 사진은 ‘톤’ 의 느낌을 통해 그러
있는 능력, 거기에 사진만이 할 수 있는 -그리고 회화만이 할 수 있는- 가능성이 있는 것이다.‘눈’ 은 현실세계를 보기위해서만 존재하는 것이 아니다. > > > > > >
한 효과를 내고 있다. > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > >
역설적으로 이 작품들은 앞쪽의 나무 부분이 실루엣임에도 불구하고 디테일이 가장 잘 나타나 있다. 숲 안으로 들어갈수록 나무는 부드러워지면서 디테일은 불분명해 진다. 톤은 옅지만 분명히 실루엣임에 틀림없다. 그것을 자각했을 때 앞부분은 이제 실루엣이 아님을 알게 된다. 가까운 것은 잘 보이고 멀리 있을수록 몽롱해져 잘 보이지 않는 것이 일반적이나 그의 작품은 배경에 하늘이 없는 관계로 뒤쪽의 나무와 배경이 서로 자연스럽게 융화되어 있다. 그러면서 어떤 현상이 일어나는가? > >
Photographs by Jo Sang Min : Pursuing a Boundless World Chiba Shigeo
Since the technique called photography was put to practical use in the 19th century, “photography” has been “capturing
Jo Sang Min’s Seeing the Unseen series uses sea, mountains, clouds, the sky, forests and trees as subjects, or “motives,”
reality.” Almost 200 years later, as many handheld phones now have built-in cameras, we can photograph the real world
as expressed in the genre of painting. Except for the element of “fire,” his works deal with nature, including the elements
before us anytime and anywhere, with ease, and can see the results instantly. Such photographs, however, are “just
of “earth, water and wind.” But as we can see from his works, his is not just aiming and shooting at nature. That is because
photographs,” and instead of focusing on who took the picture, Mr. A or Mr. B, we now are concerned with camera
he believes that the sea, mountains, sky and clouds, forest and trees are not just the “nature” that is visible to our eyes. He
performance, or with technical differences between cameras. Today anyone can press the shutter of a high-end digital
clearly states, “Nature is something that becomes certain through uncertain things.” It is not accurate to look at the sea,
camera, but the camera is always aimed towards faithfully representing “reality.” As long as this situation continues,
mountains or forest and say, “Ah, nature is beautiful.” One must say, “The sea is beautiful,” “The mountain is beautiful”, or
photography will be dependent on reality. That is to say, “capturing the reality” has become a fixed idea. Hence, the
“The landscape of sea, mountain and forest is beautiful.” While we generally tend to see the exterior of sea and forest, Jo
photographer must overcome this sort of fixed notion. Ultimately, only pursuing the complete opposite of such fixed ideas
tries to look at “nature” from within the landscapes of sea and forest, and furthermore tries to express nature so it becomes
will make “photographs as works of art” possible.
truly visible. What we see is an image projected upon our retinas, but his perspective turns images into landscapes. As
we look at the sea and the forest, what are we truly seeing? Where is “nature?” What is “nature?” We may say that Jo’s
photographs are these very questions.
The essential characteristics of “nature (earth, water, fire, wind)” are that it has no “boundary/end,” there is no outline, and
To this end, what kind of photographic methodology does Jo Sang Min use? The typical compositions are as follows: The
it cannot be grasped. In other words, it is “something uncertain.” This is evident when we look at the sky. As in the saying
lower half of the picture-plane is silhouettes of mountains and land, forming a lump in which it is difficult to make out the
“vast and boundless,” nature is characterized by its endlessness. Therefore, in order to express nature the photographer
details. The upper half of the picture is sea (or sky, or clouds, or islands), and although it differs according to the work, it is
takes “mountains,” which draw a border between earth and sky, as a motive; or introduces the “sea,” which sets
usually covered with a light tone. The upper image also does not show clear details. In other words, first, there is always
boundaries between land and sky, into his works. Without introducing such “borders” or “contours,” it is impossible to set
a part with a silhouette; second, there is a contrast between the light and dark tones; and third, expressions of details
limits to nature. But what is peculiar about his “introductions” is that they are quite different from tourist photographs, with
throughout the picture-plane are as restrained as possible. These are the main characteristics of his works.
towering Mt. Halla against the background of the clear blue sky, or Jeju Island surrounded by the brilliant blue ocean. On
the contrary, he tries to reveal “nature” by pursuing the ultimate expression of sea, mountains and forests as “something
The introduction of silhouettes—in this series a decisive factor—is very impressive. It is not showing the whole, but is
uncertain,” transcending superficial beauty. To express the vast and boundless nature, a certain strategy is required. There
making something show by not showing it. By not revealing, Jo attempts to convert the visual structure of the image into
is more to it than meets the eye. “What is seen” is merely “seeing passively.” Anyone can “see” the towering Mt. Halla
something of a different dimension. Forming the outline of the silhouette are the trees of a forest. Of course it is evident
against the clear sky and the blue ocean of Jeju Island if they open their eyes. But as I mentioned earlier, these are only
that they are forests, mountains and land. Not all can be seen, but some parts are visible--actually, only a small part. It is like
images projected on people’s retinas, and they are not seeing “nature” yet. The photographer must transcend the “visible”
when the lights go off in the theater: the front half of the stage is still dark while the upper half is touched by soft light, and
world and go on to the “seeing” world.
then as our eyes get used to the dark it begins to look like a faint mass. So perhaps we can say that in presenting motives
such as sea, mountains, clouds, sky, forest and trees, he is using a certain level of invisibility, like some kind of device to
reveal “nature.”
But that does not mean that the top and bottom are divided like oil and water. It is a feeling achieved by composing
While reflecting on Jo’s work, I suddenly realized that his charming photographs of only “forest,” in which sea, islands,
the overall picture-plane with light and dark tones, and refraining from expressing details. The two are separated, but
mountains and clouds do not appear, are different from the others. Most of the photographs are taken not from the outside
continuous at the same time. In a certain sense, the upper area of the photograph is another silhouette reserve. If we could
of the forest, with the forest as target, but are taken from a point inside the forest. And characteristic of such works is how
use words like “obscure” or “vague” in a positive sense, I would say these are the characteristics of his works. Everything
the “sky” is expressed, as only glimpses of it can be seen through the tops of the trees. If it were general photography, we
that can be seen clearly through our eyes is merely material, just individual objects. Mt. Halla and the sea of Jeju Island are
would assume that the side beyond the forest was the sky; however, that is not the case. The photographs are expressed
also nothing but “landscapes as objects,” and as long as we are looking at them or photographing them that way, they are
in an extremely obscure way. If we overcome the fixed idea that the other side of the forest is sky, we can imagine that
not “nature.”
the photographer brought the “forest” to his studio and used a gigantic grey cloth for the background. Of course this is
impossible in reality, but Jo uses tonal expressions to give a similar effect.
That is because “nature” goes together with “space.” Perhaps “nature” is another world for “space.” An “object” is a
lump, but not space. When the lump becomes extinct, that is the end of the object. An object is a small limited entity within
Consequently, in these works the small details of the trees in the foreground can be best identified, even though they are
the infinite vastness of space, and when it dies, only infinite space, that is “nature,” will retake its place.
silhouettes. But as we advance deeper into the forest, the trees become softer and the details become unclear. So the
tones are light, but they are definitely silhouettes. When I realized this, I finally saw that the foreground was no longer a
As Jo Sang Min knows such ways of “nature,” he tries to express the “nature” held by the oceans, mountains, clouds, trees
silhouette. Though it is common for closer objects to be more visible, and objects more far away to be less clear, Jo’s works
and forests. Thus, inevitably he must rely not on the lucid and clear, but on the obscure and vague. The lucid and clear are
show a very natural harmony between the distant trees and the background, as there is no sky in the background. Thus
mere lumps, and cannot be used to express the “vastness of nature.”
what phenomenon takes place in this case?
The space flows out from back to front. A phenomenon opposite from general photographs or paintings is taking place in
Jo’s works. Moreover, the space seems to overflow from the tree and the foreground, going into clearest detail where I am
standing. To put it in another way, as I stand before the work, I begin to be sucked into the space of the photograph. In other
words, I am actually feeling boundless nature with my body. I am only looking at a single photograph, but my “vision” is
definitely deviating from the boundary of “seeing.”
Hence, in his works depicting the sea, islands and land, my “vision” disappears beyond the ocean and the islands. They
vanish towards an obscure, vague and vast place, which can be called neither “space” nor “emptiness.”
For “vision” to experience “nature” is something like this. “Nature” is not something one can see. This is because “nature,”
which has vastness as its essence, is not something that can be seen as an image. “Sense of sight” can confine the “vastness
called nature” inside itself as something invisible, and this is only possible through the “sense of sight.” There is the
capacity of accommodating the invisible—something only possible by photography (and painting). The “eyes” do not exist
solely to see the world of reality.
F . TAEAN _ 0 1 , 0 2 , 0 3 , 0 4
Gelatin Silver Print, 2012
M . C HEONGO K _ 3 5
Gelatin Silver Print, 2012
M . C HEONGO K _ 0 6
Gelatin Silver Print, 2012
O . Y EONGAA K _ 0 7
Gelatin Silver Print, 2012
M . P Y EONG C HANG _ 3 1
Gelatin Silver Print, 2012
F . W ON D AE R I _ 3 6
Gelatin Silver Print, 2012
S . NONG S O _ 1 5
Gelatin Silver Print, 2012
S . B I Y ANG _ 1 9
Gelatin Silver Print, 2012
R . S O Y ANG _ 1 4
Gelatin Silver Print, 2012
C . EONGA L _ 1 8
Gelatin Silver Print, 2012
I . B Y U NG D AE _ 0 9
Gelatin Silver Print, 2012
I . GEO J E _ 1 0
Gelatin Silver Print, 2012
O . D A R ANG S H _ 2 0
Gelatin Silver Print, 2012
I . B Y U NG D AE _ 1 7
Gelatin Silver Print, 2012
I . GEO J E _ 1 1
Gelatin Silver Print, 2012
I.KEUMO _ 48
Gelatin Silver Print, 2012
I . GEO J E _ 2 6
Gelatin Silver Print, 2012
I . GEO J E _ 2 5
Gelatin Silver Print, 2012
조상민 - 심안으로 보는 자연 박영택 경기대교수, 미술평론
풍경은 대기 속에서, 시간과 빛의 번짐과 소멸 속에서 수시로 뒤척인다. 따라서 풍경은 한시도 고정되어 있지 않고 무한한 변화의 과정 안에서 순환을 거듭한다. 조상
따라서 그가 찍은 것은 특정한 자연대상이 아니라 실상 그 자연을 감싸고 있는 대기감과 시간, 빛, 공기의 무게 등이다. 그러한 것들로 인해 착색 된 자연이자 그 힘
민은 그 변화의 한 복판에서 고즈넉이 시간의 고리와 윤회의 섭리에 순응하는 자연을 응시한다. 아니 한 순간의 자연이 영원처럼 고정된 지점을 포획한다. 그는 그만
에 의해 새롭게 변형된 자연의 실루엣이다. 공간은 비어있는 것이 아니라 눈으로 볼 수 없는 것들로 가득 채워져 있다. 공기와 바람, 안개와 습기, 빛과 기온 등이 산
의 서정적인‘순간’ 을 만들어낸다. > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > >
과 물, 나무와 풀을 가리고 덮고 지우고 누르는가 하면 그것들을 또 다른 영성적인 존재로 치환한다. 작가는 생명체인 자연이 대기의 변화와 빛의 변모에 따라 미묘 하게, 신비스럽게 모습을 바꾸며 생성적으로 활성화되어가는 추이를 섬세하게 따라가 본다. 세계는 그렇게 운동태(運動態)고 생성중이며 활기찬 기운에 의해 스멀거 린다. 그러니 그는 보이는 것에서 보이지 않는 것을 보여준다. 예술은 보이지 않는 것에 보이는 존재를 부여해 주는 것이며 보이지 않는 것을 보이게 만드는 일이다.
사진에 있어 중요한 것은 대상을 어떻게 보고 느끼는가이다. 그는 전통적인 촬영과 인화과정을 고수하면서도 회화적 앵글과 흑백의 섬세한 화면을 통해 이른바‘동양 적인 감수성’ 이라 칭할만한 분위기를 건져 올린다. 자연으로 인해 형성된 미적 경험일 것이다. 그 경험의 근원에는 동양인의 자연관과 심미관이 오롯이 자리하고 있 다. 결국 그는 그 인식소를 가지고 자연을 바라보고 느낀다. 납작한 흑백사진 속에는 산과 나무, 숲과 바다가 적막하게 놓여있다. 흑백의 농도 차이에 의해 화면 안에 는 몇 겹의 공간이 만들어지고 그것이 마치 수묵화가 보여주는 먹의 유현한 농담변화와 유사하다. 그것은 멋지고 미묘한 흑색과 회색의 단색조로 전개된 평면이다. 사진의 미덕인 명료성과 인증의 힘으로서의 이미지보다는 인화지 위에 빛이 스며들어 밀착된 흔적, 자취들이 어렴풋이 형상을 보여주다가 사라지고 드러내다가 감춘 다. 이 희미함은 사물의 외곽선을 다보여주지 않아서 대상을 그리면서도 열어놓는 자유로움의 세계를 허용한다. 그리고 이 자유로움은 사물의 외곽선을 다소 흐리게 하고 대상의 형상을 분명치 않게 하는 모호한 서정의 시적 기능을 갖는다. 그로인해 대상에 대한 개념이 아니라 의미를 열어놓고 개인의 감수성을 만들어내는 자유로 움이 숨 쉰다. 이처럼 그의 사진구성은, 구도감각은 시적 감수성에 봉사한다. 이 사진은 미묘한 흑색과 회색의 단색조로 전개된 납작한 평면이다. 이미지는 있기도 하 고 없기도 하다. 그것은 분명 자연의 구체적인 상을 안기면서도 미묘한 흑백의 덩어리고 입자로 부서지는 빛의 가루이자 가득한 습기로 홍건하기도 하다. 화면 안쪽 으로 점차 엷어지고 사라지는, 희박해져가는 산 능선들, 구름으로 인해 텅 비어 버린 중심부와 그 위로 이어지는 산세, 그리고 실제 산과 물위에 비치는 산 그림자 등 이 한 화면에서 한 쌍으로 존재한다. 문득 실제와 허상의 위계가 사라진다. 아니 그 모두가 공존하는 풍경이다. > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > >
조상민의 풍경사진은 고요함, 잔잔함, 안개와 구름 효과로 인해 동양 산수화의 여운을 느끼게 한다. 특히 모든 색을 포용하고 있는 먹색 같기도 하고 또는 언어로 형
서양의 원근법은 고정된 한눈의 관점에서 사물을 보는 양 가시적 공간을 구성한다. 서양의 회화적 구도는 자아와 세계를 서로 분명한 구획을 가진 고정된 실체들의
용화하기 어려운 색채의 번짐과 깊고 아득하고 서늘한 분위기로 인해 더욱 그렇다. 작가는 카메라의 눈이 보지 못하는 형태, 보이지 않는 색을 포착하고자 하는 것
관계로서 파악한다. 그러나 동양화에서는 고정된 하나의 관점이란 존재하지 않는다. 모든 것은 변화, 혼융상태에 있다. 자연의 형태란 다만 고정된, 물리적인 실체뿐
같다. 아니 자연스레 그런 실루엣, 색이 드러났을 것이다. 그것은 결국 망막에 의해 포착한 것이 아니라 마음이 보고 접한 것이다. 한국인으로서 생득적으로 체득된
만 아니라 비물질적인 특질도 지녔다고 믿었기 때문이다. 사실 세계는 고정되어 있지 않다. 세계는 정지태가 아니라 운동태며 존재가 아니라 생성이며 고정이 아니라
마음과 시선이 프레이밍 한 이 풍경 사진은 결국 한국적인 정서로 짙게 문질러져 있다. > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > >
떨림과 흔들림이란 것이 동양인들이 깨달은 공간, 세계였다. 서구인들의 경우 인간이 세계를 고정시킬 때 그 결과물은 개념적 언어이거나 또는 원근법에 의해 프레임 안으로 걸려들거나 카메라 뷰파인더 속의 사각형 속에 갇힌 이미지일 뿐이다. 우주의 끊임없는 변화의 장으로 부터(객체로서의) 실체가 분리되고(주체로서의)실체 또
“바다와 숲의 풍경에 있어서 불필요한 형태나 디테일을 생략하고, 사물의 덩어리와 톤의 변화에 의한 ‘풍경과 실루엣’ 을 통해 자연을 표현하려 하였다. 흑과 백의 콘
한 사상되는 것이다. 반면 동양인들은 모든 것은 실재이면서 동시에 끝없는 변화의 과정 속에서 존재한다고 본 것이다. 그래서 동양의 그림은‘자연의 신적인 변화를
트라스트와 아웃라인으로 표현된 풍경은 때로는 명확한 형태와 톤으로 보이거나 때로는 어두운 실루엣이나 옅은 톤으로 보이기도 한다. 나에게 있어서 자연이란 이
꿰뚫고 그 오묘함을 헤아려 보여’ 주고자 한다. 그러니까 그것은 단순한 물리적 재현이 아닌 정신적 재현인 셈이다. 이처럼 동양화에서 중요한 것은 물리적 현상의 재
렇게 확실하지 않은 것_들에 의해서 확실해지는 것_이라고 생각한다. ”(작가노트) > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > >
현이 아니라, 현상의 경험이었다. 산수화는 구체적 사물과의 관계에 존재하는 공간을 제시한다. 그것은 기가 감도는 분위기 속에 여러 자연의 사물들을 종속시킴으로 서, 자연의 숭고미를 강조함으로서 어떤 종교적인 황홀경(초월성)을 만들어 내려는 의도이다. 오랜 예비적 경험과 명상을 통해 풍경의 숨결(氣)과 율동(韻)과 상호조응
풍경은 이내 사라질 듯 하기도 하고 서서히 살아 오르는 것도 같다. 산은 살아있는 생명체가 되어 부풀어 오른다. 숨 쉬는 대기와 차오르고 흩어지기를 반복하는 기
(相)으로 마음이 가득하게 될 때 화가는 통일된 질서를 만들면서 그것을 표현한다. 이때 붓의 동작은 자연의 율동에 대응하고, 그려지는 그림은 우주에 울려 퍼지는
운들이 산을 감싸고 돌아다닌다. 산 사진은 얼핏 동양화로 재현한 그림을 보는 듯한 착각을 안긴다. 그것은 카메라로‘그린’산수화다. 끝없이 이어지고 야트막하게
화음들을 쫓는 것이 된다. 그러니 산수화는 시각적 인상을 객관적으로 재생하는 것이 아니라, 풍경이 작가의 심리작용에 개입함에 따라 말하자면 안으로부터 풍경을
연결된 한국의 전형적인 산세를 보는 것만 같다. 대부분 안개나 구름에 의해 가려지고 지워진 산의 일부가 어렴풋이 떠오르는 장면이다. 그로인해 산의 윤곽은 내부
창조해 내는 것이고, 이는 사라지는 순간을 포착하여 고착시키고, 기억을 보존하는 것이다. 조상민의 사진은 그러한 산수화의 전략과 매우 유사하다. 그는 고정된 형
를 지운 채 강한 실루엣으로 차오르고 정작 산의 안쪽은 입김 같은 안개들이 지우고 있다. 전통적인 동양화에서 여백은, 운무나 안개 자욱한 풍경은 일부분만 보여주
이나 윤곽선을 지우고 그것을 색채더미로, 실루엣으로 포착한다. 구체성과 세세한 정보가 사라진 대상은 한 순간의 변화 속에서 문득 멈춰 서서 호흡하고 있다. 저 자
기 위한 전략이다. 나머지는 상상하게 한다. 온전히 보여지기 보다는 일부는 가려지고 나머지는 여백, 텅 빈 화면 안에 잠겨있다. 보는 이들은 온전하게, 전일적인 시
연의 오묘한 변화를 흑백 사진 안으로 불러들인다. 그는 생성과 소멸을 거듭하는 자연을 심안으로 보고자 한다. 망막이 아니라 마음으로 보았을 때 보이는 것 너머의
선으로 그림을 바라볼 수 없다. 많은 것을 보여주기 보다는 적게 보여주고 다 보여주기 보다는 일부분만 보여주는 편이다. 보여주는 것보다 상상하게 하는 것이 그
보이지 않는 기운들이 불현듯 사진의 표면위로 가루처럼 부서진다. 그 가루가 모여 실루엣을 만들고 실루엣이 겹치고 흔들리면서 보이는 것과 보이지 않는 것 사이에
대상을 좀 더 잘 보게 하는 일이라고 본 것이다. 꿈꾸게 하고 기억하게 하고 회상과 여운 속에서 사물과 대상을 추려내게 하는 것이다. 망막으로 모든 것을 보고자 하
존재하는 저 자연의 몸을 추억한다. 그 모습이 홀연 황홀하고 신비스럽다. 실제인지 허상인지 좀처럼 가늠되지 않는다. > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > >
는 시(視)욕망을 짐짓 누그려 트리고 망막 이외에 몸이 지닌 다양한 감각기관과 정신적 활력을 통해 상상하고 지각하게 한다. 정신적인 활력을 자극해 실세계를 지각 하고 그림 너머의 세계로 몸과 정신을 유인해주는 것이 다름 아닌 산수화였다. 그림을 보는 관자(觀者)의 상상작용이 일어나고 비로소 그림은 머리속에서 완성된다. 산수화를 보면서 실재하는 자연을 소요하는 체험(정신적 활력)을 맛보게 하는 것이다. 이처럼 관자를 적극적으로 끌어들이고 동참시키며 그의 상상력과 지각작용을 독려하는 것이 산수화라면 이 사진 또한 그런 상상하기, 이른바 마음으로 보기를 적극 독려하는 사진이다. 동양화에서 중요한 것은 물리적 현상의 재현이 아니라,‘현 상의 경험’ 이었다. 단순한 물리적 재현이 아닌 정신적 재현이라는 얘기다. 그것은 눈으로써 사물을 관조하는 것이 아니라 이른바 심안으로서 관조하는 것이다. 정신 적인 활력을 자극해 실세계를 지각하고 그림 너머의 세계로 몸과 정신을 유인해주는 것이 바로 산수화였다. > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > > >
Jo Sang Min : Nature Seen Through the Mind’s Eye Park Young Taek Professor, Kyonggi University; Art Critic
The landscape lies in the atmosphere, always restless in the diffusion and extinction of time and light. The landscape is
Several layers of spaces are made in the picture-plane according to the difference of density in black and white, which
never fixed, and continues to circulate in an infinite process of change. Jo Sang Min calmly gazes at nature, following the
is similar to the subtle changes of light and dark seen in traditional Korean ink paintings. They are planes composed of
rings of time and cycles of life, in the middle of such change. He captures a point where the nature of a single moment is
splendid, delicate monotones of black and grey. Rather than images representing clarity and certification, which are the
fixed like eternity. He creates his own lyrical “moment.”
virtues of photography, traces where light leaked onto the photographic paper and stuck reveal their faint forms, disappear,
and reveal themselves again only to hide once more. Such faintness does not reveal all the contours of the objects, and
Thus, what he captures is not specific objects of nature, but the sense of atmosphere, time, light, the weight of time
therefore allows a world of freedom where the subjects are depicted but left open. And this freedom has an obscure poetic
surrounding nature. His photographs are nature colored by such elements and the silhouette of nature, newly transformed
function that blurs the outlines of objects and obscures their forms. Consequently, the significance, and not the concept of
by its force. The space is not empty, but filled with things that cannot be seen. Air and wind, fog and moisture, light
the subject is opened, and the freedom to create personal sensibility is allowed to breathe. Thus, Jo’s sense of composition
and temperature hide, cover, erase and press the mountain, water, trees and grass, transposing them for other spiritual
works in favor of the poetic sensibility. The photograph is a flat surface covered with subtle black and grey tones.
beings. The photographer delicately follows the fluctuations of nature as a life form in its activation process, as it subtly,
Sometimes there is an image, and sometimes there is not. It definitely holds a concrete image of nature, but at the same
mysteriously shifts its shapes according to the changes of atmosphere and light. The world thus shimmers with its vital
time is a subtle black and white lump, light power breaking into particles, and something saturated by moisture. Ridge lines
energy, always moving and creating. Hence, Jo shows what cannot be seen in what is seen. Art is something that provides
gradually fading and vanishing towards the inside of the picture-plane, the center portion emptied out due to clouds, the
visible existence to the invisible, it is making what is not seen, seen.
mountain landscape connecting above it, the actual mountain and its reflection on the water all exist in pairs in the same
picture-plane. Suddenly, the hierarchy between reality and fiction disappears. Nay, it is a landscape where they all coexist.
One of the vital aspects of photography is how one sees and feels the subject. While maintaining traditional methods of
photography and processing, Jo brings out an atmosphere that may be called “Asian sensibility” through his painterly
Jo Sang Min’s landscape photographs remind us of the lingering feeling of Asian landscape paintings, due to their
angles and delicate picture-planes of black and white. This is no doubt an aesthetic experience formed by nature. At the
tranquility, calmness, and the effects of fog and clouds. This is further enhanced by the colors, which appear as black that
origin of that experience is clearly the Asian’s view of nature and beauty. Ultimately he looks at and feels nature with such
includes all colors, spreading out in tones that cannot easily be described in words, and the deep, distant, cool atmosphere
episteme. Mountains, trees, forests and seas are desolately placed in the flat black and white photographs.
they give.
The photographer seems to be trying to capture shapes and colors the eye of the camera cannot see. Actually, such
This is based on the belief that letting the viewers imagine enables them to see the subject better. The viewers are
silhouettes and colors must have come out naturally. Ultimately they were not captured by the retina, but taken in by the
intended to dream, remember, and sort out the objects and subjects from their recollections and emotions. The desire
heart. So the landscape photographs, framed by the heart and viewpoint acquired innately by this Korean, are inevitably
to see everything through the retina is softened, and the diverse organs of senses and mental vitality are encouraged
influenced deeply by Korean sentiment.
to imagine and perceive. The Korean landscape paintings were made to stimulate such mental vitality, perceive the real
world, and lead viewers’ bodies and spirit to the world beyond the painting. Only when the imagination of the spectator is
“In the landscapes of the sea and forest I omitted unnecessary shapes or details, and tried to express nature through
activated, is the painting completed in the head of the viewer. This is to give the viewer a taste of the experience (mental
‘landscapes and silhouettes’ achieved by object mass and tonal change. The landscapes are expressed with the contrast of
vitality) of roaming through actual nature. Hence, while traditional landscape painting actively brought viewers in and
white and black, and outlines sometimes show clear forms and tones, but sometimes show only dark silhouettes or light
enabled them to participate while encouraging their imaginations and perceptive activities, Jo’s photographs also actively
tones. To me nature is something that becomes certain due to uncertain things.” (Artist’s Notes)
encourage viewers to see through their minds. What was important in Asian traditional painting was not representing
physical phenomena, but “experiencing the phenomena.” In other words, it is not simple physical representation, but
The landscape seems as if it will disappear shortly, or slowly emerge into life. The mountain becomes something living and
mental representation. It is not contemplating objects through the eyes, but contemplating them through the mind’s eye.
swells up. A breathing atmosphere, and a repeatedly gathering and dispersing energy surround and encircle the mountains.
Traditional landscape paintings stimulated mental vitality in order to perceive the real world and attract viewers’ bodies and
The mountain photographs can easily be mistaken for representations made by traditional Asian painting. They are
minds toward the world beyond the painting.
traditional landscapes “painted” with the camera. It seems as if I were looking at the typical features of Korean mountains,
low but endlessly connected. Most of then are partially covered by fog or clouds, while only parts of the mountain emerge
The perspective of the West composes a visible space as if one is looking at an object from the viewpoint of a fixed single
faintly. Consequently, the contours of the mountains are erased within as they rise as strong silhouettes, while the insides
eye. Painterly composition of the West understands the self and the world as relations among fixed entities with clear
are covered by the breath of steam-like mist. In traditional Asian painting, the empty places, including clouds and fog, are
boundaries. In Eastern painting, however, a fixed single perspective does not exist. Everything is in a state of change and
used as a strategy to show only part of the scene.
mixture. This is because they believed that forms of nature included not only fixed, physical substance, but non-material
qualities as well. In fact, the world is not fixed. According to people of the East, the world is not static but in motion; it is not
This enables imagination. Rather than showing everything, parts are concealed and submerged in white, empty spaces on
a being, but creation; it is not fixed but is a vibration shaking space and the world. In the case of Westerners, when humans
the picture-plane. Viewers cannot look at the painting in an all-over manner. Rather than showing a lot, the artist shows
establish a fixed world view, the result is conceptual language, something caught in the frame of linear perspective, or an
only a little, only certain parts.
image confined in the rectangular viewfinder of the camera.
The substance (as an object) is separated from the field of endless change of the universe, and the substance (as a subject)
is sacrificed. On the other hand, Easterners believed that everything is real, but at the same time in the process of endless
change. So paintings of the East try to “penetrate the divine changes of nature and demonstrate the profundity.” Thus, it
is not a simple physical representation, but a mental representation. What was important in traditional Eastern painting
was not the representation of physical phenomena, but experience of the phenomena. Eastern landscape paintings present
a space that exists in relation to concrete objects. The intention of this is to subordinate various objects of nature to an
atmosphere of cosmic energy, emphasizing the sublimity of nature, and thereby creating a certain religious state of rapture
(transcendence). When his mind is filled with the breath (qi) of the landscape, rhythm (un) and mutual correspondence (sang),
achieved through long preparatory experience and meditation, the artist can create and express a unified order. In this
case the brush strokes correspond to the rhythm of nature, and the painting pursues the harmonies sounding throughout
the cosmos. Therefore, traditional landscape painting does not objectively reenact visual impressions, but creates
landscapes from within, so to speak, as the landscape interacts with the artist’s psychological activity. It is to capture and
fix disappearing moments, and to preserve memory. Jo Sang Min’s photographs have a strategy similar to the traditional
landscapes. He erases fixed forms and contours, and captures them as clusters of color or silhouettes. The object that has
lost concreteness and detailed information has stopped to breathe in a moment of change. The photographer summons
the profound change of nature into the black and white photograph. He attempts to see nature, in its repetition of birth and
death, with his mind’s eye. When one sees not with the retina but with the heart, the invisible forces beyond the visible
break apart like powder on the surface of the photograph. The powder gathers to form a silhouette, and the silhouettes
overlap and tremble to recall the body of nature that exists between what can be seen and what cannot. Suddenly, it
appears to be enchanted and mysterious. It is very difficult to tell if it is real or an illusion.
C HEONGO K _ 3 3
Gelatin Silver Print, 2012
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Gelatin Silver Print, 2012
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Gelatin Silver Print, 2012
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Gelatin Silver Print, 2012
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Gelatin Silver Print, 2012
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Gelatin Silver Print, 2012
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Gelatin Silver Print, 2012
조상민 趙相珉
1966 서울출생 1996 니혼(日本)대학 예술학부 사진학과 졸업(B.F.A) 2002 니혼(日本)대학 예술학부 대학원 영상예술학전공 졸업(M.F.A) 2004 니혼(日本)대학 예술학부 대학원 예술학전공 졸업(Ph.D) 현재 서울예술대학교 사진과 초빙교수
개인전 2002 <Seoul Byulgok> 가디언가든 갤러리(일본 도쿄 긴자) 2005 <Time Texture> 갤러리 가이아(한국 서울 인사동) 2013 <Seeing the Unseen> Lee C Gallery(한국 서울 팔판동)
작품소장 2002 리쿠르트 홀딩스(일본 동경)
Jo, Sang M i n
1966 Born in Seoul 1996 B.F.A, Nihon University, Department of Photography 2002 M.F.A, Nihon University, Department of Image Art 2004 Ph.D, Nihon University, Department of Art Present-Visiting Professor(Department of Photography, Seoul Institute of the Arts)
Exhibition( solo) 2002 “Seoul Byulgok” Guardian Gallery(Tokyo, Japan) 2005 “Time Texture” Gallery Gaia(Seoul, Korea) 2013 “Seeing the Unseen” Lee C Gallery(Seoul, Korea)
P ublic Collection 2002 RECRUIT HOLDINGS(Tokyo/Japan)
Seeing the Unseen by Jo SangMin
발행일
2013년 10월 1일
저자
조상민
발행인
이호심
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