editorial Luego de varios años en los cuales todas las noticias relacionadas con la industria musical eran de terror, ahora asistimos a una refrescante oleada de buenas nuevas en nuestro país. El despegue de la distribución digital de la música mediante negocios de descargas como I-tunes, servicios de streaming como Sonora o la monetización de los views en YouTube, ya no son conceptos alejados sino que están aterrizados y presentes en el Perú. Sumemos también la saludable estabilidad del formato físico y la inminente apertura de nuevos puntos de venta para discos, acompañando a los nuevos centros comerciales en el interior del país, y de la creciente recaudación de la ejecución pública por parte de las sociedades de gestión colectiva, y tendremos un paisaje alentador que era impensable hace algunos pocos meses. La inminencia de la llegada de nuevos actores en estos diferentes negocios, así como la constante aparición de nuevas formas de explotación de los fonogramas, aunados a la reducción de los costos de grabación hacen que el futuro de la música en nuestro país se vea promisorio. ¿Qué hace falta entonces para empezar a tener nuestra anhelada industria musical? Que aparezcan más compañías dedicadas al negocio integral de la música que involucra la explotación del fonograma, el management y booking de sus artistas. ¿No será el momento preciso para que las multinacionales del disco piensen en volver a Perú? Se fueron cuando el negocio se circunscribía a la venta física de fonogramas pero ahora podrían regresar porque las condiciones del negocio son dramáticamente distintas. O quizá sea también momento de las discográficas indie peruanas… solo el tiempo dirá
“I hit rock bottom, but thank God my bottom wasn´t death” Stevie Ray Vaughan EDITORIAL | PHaNtoM 37 | 1
AÑO 5 · EDICIÓN 37 · JULIO/AGOSTO 2012
14. NoraH JoNeS.
Un breve recorrido por la historia de esta cantante estadounidense y un acercamiento a su estilo musical. En diciembre llega a Lima a dar un esperado concierto. Prepárense.
18. CHoCQUiBtoWN.
Himno a la igualdad, una denuncia o simplemente una declaración de amor.
20. JaSoN MraZ.
Pop bueno, compromiso auténtico y una lista de premios que no tiene cuando acabar.
22. el ViNilo.
Uno de los formatos que más ha perdurado, a pesar de haber sido dado de baja por muchos y durante un buen tiempo. El vinilo sigue girando, para siempre.
26. SiGUr rÓS.
La producción de esta banda es constante. Su nuevo disco, Valtari, es una deliciosa pieza que hay que escuchar con el corazón abierto.
30. la PreNSa.
Nicolás Bello fue a la presentación del nuevo disco de La Prensa, Hasta que choque Chincha con África, y estas son sus conclusiones.
32. de CaMPaMeNto.
Músico y escritor, Rui Pereira fue uno de los invitados al campamento musical organizado por Frends. Acá la crónica.
36. CoBra.
Heavy Metal tradicional en el Perú.
44. reGiNa SPeKtor. Diva y más.
director. Lalo Ponce | director@phantom.com.pe Gerente Comercial. Dora Ipanaqué Gálvez doraipanaque@phantom.com.pe 998333318 editora. Paola Miglio Rossi | Twitter @paolamiglio. Coordinadora. Ketty Cadillo kettycadillo@phantom.com.pe Colaboradores. Álvaro Díaz, Beto Kanaffo, Daniel Ágreda, DJ Burritosound, DJ j, Enrique Palacios, Luis Miguel Espejo, Rosa Bonilla, Rui Pereira y Sergio Rebaza. Fotografía. Archivo Phantom, Claudia Bendezú, Janice Smith Palliser, Mire_A_Mire, Santiago Barco. ilustración. Amadeo Gonzales, Cherman. diseño & diagramación. Killa-design Publicidad. ventas@phantom. com.pe Gabriela Miglio 98111*8508, Dora Ipanaqué 998883318. logística y distribución. José Antonio Bazán impresión. Global Graf S.A.C. distribución. Distribuidora Zeta Phantom MGZ no se responsabiliza por las opiniones de los autores de los artículos firmados. Publicación de Phantom Music Group | Teléfono. (511) 657 4038 | Dirección. Calle Casimiro Ulloa 107 - Miraflores, Lima 18, | Perú Hecho el depósito legal registro Nº 2008 - 06974 | Todos los derechos reservados | Búscanos en el facebook como Revista Phantom.
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XOXOXOXOX | PHaNtoM 31 | 5
POR PRIMERA VEZ EN EL PERÚ
DEL:
AL: PUERTAS 3 (PEATONAL ) Y 4 ( VEHICULAR) AV. EL DERBY
JULIO
20%
DSCTO.
Entradas a la venta en Teleticket y tiendas Saga Falabella *Tiendas Jockey Plaza, San Isidro, Miraflores, San Miguel, Angamos y MegaPlaza
AGOSTO
FESTIVALES Y CONCIERTOS | PHaNtoM 33 | 7
PLAYLIST DJ j www.playlistdelmes.blogspot.com twitter@jarrunategui
PLAYLisT
THE EssENTiAL La colección de Sony Music presenta dos joyitas: uno de los mejores cantautores que ha tenido el planeta, Leonard Cohen y tres discos que reúnen sus temas más importantes; y otra de Stevie Ray Vaughan, capísimo guitarrista, que fue nombrado en 2003 por la revista Rolling Stone como el número 12 de la historia del rock. Indispensables.
1. Jack White - Blunderbuss 2. Patti Smith - Seneca 3. Reza - Love Goes On 4. A Silent Film - Danny, Dakota and the Wishing Well 5. Metric - Breathing Underwater 6. Kids on Bridges - Y Don’t U 7. Citizens! - Monster 8. Silversun Pickups - The Pit 9. Hot Chip - Flutes 10. Allo Darlin’ - Europe 11. Baby Grand - Sylvia Beloved 12. The School - Some Day My Heart Will Beat Again 13. Diamond Rugs - Blue Mountains 14. The Walkmen - Heartbreaker 15. The Brian Jonestown Massacre - Panic in Babylon 16. The Hives - Go Right Ahead 17. Arctic Monkeys - Electricity 18. The Wedding Present - Deer Caught in the Headlights 19. Violens - Watch the Streams 20. Walk the Moon - Anna Sun
discos V, Vicentico (Sony Music 2012). En esta edición estamos variaditos. Vamos primero con uno de los más actuales exponentes del rock en español. El Vicentico de toda la vida acaba de poner a la venta un CD más el DV del show completo que presentó en la Corrientes, Argentina, que además incluye el documental Solo un Momento, grabado en vivo. Qué más. Love, Jason Mraz (Warner Music, 2012). También nos cayó pop del bueno. A propósito incluimos una nota del muchachón, pero queremos reafirmar que este disco se las trae. Es material pegajoso y bien hecho, que no aburre, sencillo y sin muchas pretensiones, pero con harto corazón puesto y honestidad. California 37, Train (Sony Music, 2012). Otro de pop que llega calentito, para los fanáticos, ya que nosotros no pudimos pasar del primer track (cuestión de gustos). Son 11 canciones y bueno, seguro a sus fieles les gusta. Apocalyptic Love, Slash feat. Myles Kennedy & The Conspirators (Icarus Music, 2012). Este es un disco correcto, con solos del guitarrista de antología. Hay una buena colaboración entre ambos músicos, que seguramente varios sabrán reconocer. Ojo con You’re a Lie, ambos se lucen. Sigh no More, Mumford & Sons (Universal Music, 2011). Lo recomendamos una y mil veces. Es exquisito y sí estamos siendo subjetivos. El disco debut de esta banda de folk rock inglesa puede escucharse una y otra vez sin temor a aburrirse. De hecho, a cada paso, se encuentran cosas nuevas y elementos interesantes. Compra fija.
coNciERTos
AIR SUPPLY. Ojo, una cortita, cambió de fecha. El concierto será el 25 de setiembre en el Centro de Convenciones del Hotel María Angola. Anoten. Entradas en de venta en Teleticket. CULTURA PROFÉTICA. Buen roots reaggae de Puerto Rico llega para dar un súper concierto este 26 de julio en Embarcadero 41. Como para anticiparse a las celebraciones de Fiestas Patrias con una fiesta bien peace & love. Si les gusta el género, es obligado. No dejen de ir. Entradas de venta en Tu Entrada.
PEdRo sUÁREZ VÉRTiZ Sony ha reeditado tres discos que ya estaban fuera de circulación: las primeras producciones de Pedro Suárez-Vértiz, querido músico peruano que ha marcado una etapa importante del rock pop nacional. Básico para recordar, tonear y saltar. Tienen el No existen técnicas para olvidar (1993), Póntelo en la lengua (1996) y Degeneración actual (1999). Servidos están, al menos por el momento.
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THE BEAT BOX rEsEñAs
Vico c
colaboraciones de ayer y hoy capitol latin, 2011 Vico C tiene más de siete vidas. Ha sobrevivido a las drogas, los accidentes, el fanatismo religioso y a la década de los noventa como un icono del rap y del hip hop, de la música y de la resiliencia. Es por eso que casi no hay artista latinoamericano que se resista a grabar un tema con él. Este disco recoge colaboraciones con Funky (Oye), Tego Calderón (El bueno, el malo, el feo), Jarabe de Palo (Tiempo), Gilberto Santa Rosa (Lo grande que es perdonar), Alejandra Guzmán (Mala hierba), Mala Rodríguez (Vámonos po’ encima), entre otros. Casi contracorriente, Vico C apuesta por el sonido clásico latino urbano propio de finales de los ochenta: sintetizadores, cajas de ritmo y samplers en una propuesta que elimina, deliberada y cuidadosamente, cualquier atisbo de elaboración armónica y de complejidad rítmica. Es casi como escuchar la misma canción una y otra vez, solo que Vico C sí sabe lo que hace (maña y oficio, que le dicen), con su hip hop rústico que a veces liga y a veces no, aunque actualmente sean más sus aciertos que sus patinadas. Y, mientras esperamos que no vuelva a perpetrar bodrios como Me acuerdo, podemos escuchar este disco sin miedo a que nos decepcione. DANIEL ÁGREDA SÁNCHEZ
Veneración del Fuego
reino ermitaño i Hate records – Suecia / ogro records – Perú, 2012 Majestuoso y pesado, dos palabras que vienen inmediatamente a la mente al terminar de escuchar este disco. Son 10 canciones en un poco más de una hora que demuestran que, con cuatro discos, una gira europea y 10 años a cuestas, Reino Ermitaño ha logrado consolidar el sonido y personalidad (importantísimo detalle, tan olvidado en las bandas de hoy en día) de su anterior trabajo y demostrar que siempre se puede ser aún mejor. Es muy difícil destacar algo cuando todo está tan bien hecho, pero tengo que resaltar que los casi 10 minutos de Sangre india, penúltimo tema del disco, son posiblemente los más intensos que ha parido el rock peruano en su historia. El excelente trabajo de los cuatro “ermitaños” es acompañado por música andina, guitarras acústicas y hasta un harpa (imperdible el “duelo” entre la guitarra y los vientos de un aplicadísimo Tavo Castillo). La presentación no podía quedarse atrás: la portada es una verdadera obra de arte (un cuadro de Marcos Coifman, bajista de la banda) con diseño y fotos interiores sobresalientes. Definitivamente es el lanzamiento más importante del año, y no solo de este lado del charco, ya que en menos de dos meses este disco ha recibido excelentes comentarios de la crítica especializada europea. Veneración del Fuego es una demostración más de los gigantescos pasos que está dando una banda que hace 10 años decidió ser grande, mientras inmortalizaba un grito de guerra, escrito con corrector líquido en el baño de un conocido bar local: Reino Emitaño Witch Doom Carajo. ENRIQUE PALACIOS
Vi una eStrella Venir Proyecto de la lama aldaba records, 2011
Interesante híbrido de pop rock gótico con música coral de tintes decimonónicos, consagrado a cantarle una y otra vez al tránsito entre la vida y la muerte. El Proyecto De la Lama presenta Vi una estrella venir, un producto ambicioso y arriesgado que deja un balance más que positivo. Lo mejor del disco, de lejos, es el trabajo con los coros masivos y las composiciones en sí mismas, además de la participación de estrellas de la lírica peruana como Jacqueline Terry, Josefina Brivio y Andrés Veramendi. Del lado instrumental, la fuerza que por momentos cobra la base rítmica (guitarras, bajo y batería a cargo de los hermanos De la Lama) rubrica momentos épicos de gran belleza armónica. Y aunque a veces uno sienta que ciertos pasajes musicales no cuajan del todo, esto no va por el lado técnico sino por lo meramente subjetivo. Siempre quise volar, No volverá, Vi una estrella brillar, De lágrimas y la versión del Kyrie figuran entre lo mejorcito del álbum, que además viene en presentación de lujo. Música y letras de Rafael De la Lama. No será la mata de la originalidad pero la calidad está garantizada, así que queda mucho más que recomendado. DANIEL ÁGREDA SÁNCHEZ
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Escribe Álvaro Díaz Twitter @adiazbedregal Fotos Archivo Phantom
norah jones
y los corazoncitos rotos del mundo
No es casual la historia de Norah Jones confirme que es una pianista y cantante formada en la escuela de música de la North Texas University y que -pese a haber nacido en Brooklyn, New York, tener un padre sitarista, ravi shankar y una madre también inmersa en el medio-, es una intérprete de música de alma, forma y estilo estadounidense, como todos los intérpretes de jazz, soul y blues del mundo. Tampoco es casual ni raro que Norah, nacida en 1979, haya sido estimulada en su familia, dentro de estas tradiciones. No es raro que oyera a Ray Charles, Etta James, Aretha Franklin y la inmensa familia de héroes de estos géneros. Si su abuela era una fan del country, tampoco hay forma de que ese género no sea parte de su alimento. Sí, es inusual que diera el paso de estructurar música suya de la forma en la que lo hace y a ese nivel.
Finalmente, si Norah tuvo un estudio formal de piano en una escuela seria e influencias orientales en la familia, no habría forma de que no quedara impresionada con la música modal y con su pianista más extraordinario, Bill Evans. No había forma de que no tomara de él la simplicidad, el poder de lo exacto en la música, las virtudes del silencio y las frases largas como el tiempo.
Quien quiera una manera rápida y directa para oír y entender a Norah Jones, próxima a llegar a Lima (diciembre) y con disco nuevo, solo debe escuchar la versión del hit ‘colors’ que Amos Lee hace con ella en el piano eléctrico. En menos de tres minutos se muestra su esencia…. lograr estilo con delicadeza y, en todo lo posible, sin que se le sienta.
Norah usa el apellido de su madre porque permaneció con ella luego del divorcio de sus padres. Hay evidencia larga de que es una mujer pequeña que tiene mucho talento para tocar el piano, un oído y afinación privilegiados y gran versatilidad para los géneros. Es alguien que sabe lo que está haciendo. Suena parecido a los cantantes que viven combinados sus tradiciones, pero todo, como en una delicada cocina, ha sido traducido a un código suave y delicado. Producciones Después de grabar versiones preliminares de sus temas (First Sessions), Norah debutó con Come Away With Me en 2002, disco con el que ganó cinco premios Grammy en 2003 (incluidos Mejor Artista Nuevo, Mejor Álbum del Año y Mejor Cantante Pop). En 2004, Feels Like Home se inclinó más al country. Además de ganar tres premios Grammy ese año, colaboró en el último álbum de Ray Charles con la canción Here We Go Again. Es una forma típica de apadrinar a nuevos artistas y esta no fue la excepción; Norah se hizo mucho más famosa apareciendo con él y cantando por todo el mundo. Y en esta elección Charles, como casi siempre, hizo lo correcto. En el 2007 llegó un disco más distendido (ella confirma que lo escribió durante giras y lo grabó en el estudio de su propia casa sin que la disquera lo supiera) y más denso que sus trabajos anteriores: Not Too Late. Norah seguía siendo una estrella y era reconocida en decenas de países. El disco tuvo el primer lugar en los rankings de más de 20 de ellos. Ese mismo año debutó como actriz en el drama romántico My Blueberry Nights, maravillosa película que arruga el corazón, dirigida NORAH JONES | PHaNtoM 37 | 15
por Wong Kar Wai en la que participaron también Jude Law, David Straithairn, Rachel Weisz y Natalie Portman. Sí, es versátil no solo entre géneros musicales. Su cuarto álbum (2009), The Fall, fue más experimental y elaborado que los anteriores, en gran parte por el espacio que ella dio a los colaboradores en la grabación (músicos de la banda de Beck, Al Green, Tom Waits, Johnny Cash, Joe Strummer y Elvis Costello). En 2010 apareció Featuring, compilación de 20 temas, que incluye las colaboraciones que hizo con Foo Fighters, Willie Nelson, Belle & Sebastian, Ray Charles, Ryan Adams, Dolly Parton y muchos más. Es interesante escucharla en diferentes contextos, porque ella es todos y ninguno a la vez. little Broken Hearts En junio de 2009, junto con Brian Burton (conocido como Danger Mouse), se encerró cinco días en un estudio en Los Ángeles para trabajar un proyecto secreto. Ninguno estuvo completamente satisfecho. Durante los siguientes dos años siguieron su carrera por separado hasta que en el verano de 2011 volvieron a juntarse para terminar lo que hoy es Little Broken Hearts, la quinta placa de esta magnífica cantante y compositora. ¿El secreto? Al parecer, la ruptura de Norah Jones con su novio estimuló el caudal creativo que ha marcado la diferencia entre sus discos anteriores y esta buena entrega. la portada Durante la grabación en el estudio de Danger Mouse, Norah miraba los pósters del fotógrafo y director Russ Meyer que estaban allí. Quedó prendada de uno en particular, que estaba colgado sobre el sofá en el que solía descansar entre las sesiones; el de la película Mudhoney. Ese póster la inspiró a hacer la portada de Little Broken Hearts. “Quiero verme como ella”, confesó. Muppets En junio de este año ha surgido un producto derivado de este disco: el Teatro de los corazoncitos rotos (Theater of Little Broken Hearts), un show de proyecciones, títeres y marionetas producido por la compañía de títeres The Cosmic Bicycle, y cuya banda sonora es el álbum de Norah. Local: Clockworks Puppet Theater en Brooklyn, barrio original de Norah. lima Según su página web oficial, el tour mundial que está haciendo incluye Sudamérica, y entre los destinos previstos están Bogotá, Lima, Santiago de Chile, Buenos Aires, Montevideo, Porto Alegre, Sao Paulo y Río. La fecha en Lima es el 2 de diciembre en el Centro de Convenciones María Angola. Ojalá sepamos apreciar la visita de esta cantante y pianista, de calidad y reconocimiento mundial. Si alguna vez, por error, los peruanos se pararon de su asiento y dejaron con menos público a grandes artistas, esto no debe repetirse. Lo más probable es que Norah, pequeña y dulce como siempre, nos atrape en el universo de sus canciones y nos las regale todas, envueltas en papel de regalo vintage y lazos de tela reciclada de sus más finos vestidos. 16 | PHaNtoM 37 | NORAH JONES
BARETO | PHaNtoM 36 | 17
cHoc QuiB toWn Música del Pacífico Hace ya más de una década que Gloria “Goyo” Martínez y su hermano Miguel “Slow” Martínez salieron del barrio de San Pedro en Condoto, zona ubicada en Quibdó, Chocó, en plena costa del Pacífico colombiano. En esta tierra de afrodescendientes crecieron recorriendo calles sin asfaltar para llegar a la escuela y respiraron necesidad y pobreza a pesar de la riqueza natural que los rodeaba. Goyo y Slow se fueron a Cali para que Goyo pudiera empezar sus estudios de psicología en la universidad y conocieron a Carlos “Tostao” Valencia (hoy esposo de Goyo), un paisano que regresaba de vivir en Bogotá. “Llegué a Cali a los 15 años. Desde que nos conocimos supe que haríamos canciones juntos y así ha sido”, nos dice Goyo. Fue en Cali que los tres formaron ChocQuibTown, conjunción de Chocó, Quibdó y centro de ciudad, una declaración de principios que desde el inicio tiene que ver con la reivindicación de los orígenes, de la raza, de la tierra de donde uno viene, o como dice la canción que los dio a conocer en casi todos los circuitos de música del mundo, todo lo que encierra De donde vengo yo, tema incluido en el disco Oro. Fue con esta placa que ganaron en 2010 un Grammy Latino a Mejor Canción Alternativa y estuvieron nominados a un Grammy gringo en la categoría Mejor Álbum Rock Latino, Alternativo o Urbano.
Mezcla de Sonido latino y urBano, MúSica cuya raíz eStá en el Folclore del PacíFico coloMBiano. toQueS de Funky, HiP HoP y PianoS SalSeroS. Melodía y letra Que Puede Ser un HiMno a la igualdad, una denuncia o SiMPleMente una declaración de aMor. FuSión Que exPlota. MúSica con Sentido, Para PenSar y Bailar, eSo y MáS eS cHocQuiBtoWn.
Entrevista de Ketty Cadillo Twitter @kettycadillo Fotos: Archivo Phantom
El Grammy cambió varias cosas en la carrera de ChocQuibTown. “Nos dio mucha motivación y cambió el cómo la gente nos mira y escucha”, aclara Goyo. En noviembre de 2010, estos hijos del Chocó, regresaron a su pueblo llevando el megáfono ganado: fue una fiesta popular, eran los ídolos de vuelta a casa y en el fondo, también, era una reivindicación ganada mediante la música de los afrocolombianos y los pobladores de la zona del Pacífico. “Ese día la gente estaba feliz y si bien nosotros estábamos ahí para compartir con ellos, no pude dejar de pensar que cómo era posible que una estatuilla les pudiera dar tanta felicidad...me dije: aquí hay mucha necesidad”, recuerda. esto es lo que hay Goyo es la líder vocal, Slow es el beatmaker, Mc y cantante, y Tostao rapea, canta y, sobre todo, pone como él mismo ha dicho, “la gozadera y la locura” en el escenario. Acostumbrados a componer juntos y repartirse el trabajo, Goyo explica que para ellos es “fácil componer de tres. Claro, la idea siempre nace, por lo general, de uno. A partir de ahí los demás vamos añadiendo elementos. Eso hace que el proceso creativo sea más interesante”. En la brega de manera profesional desde el año 2000, son muchos los logros que ha alcanzado ChocQuibTown en más de una década de trabajo. No solo tiene tres discos y un EP: Somos Pacífico (2007), El Bombo EP (2008), Oro (2009) y Eso es lo que hay (2011); sino que para su más reciente álbum logró firmar con la casa disquera Sony Music y empezó a difundir su música por América Latina y la propia Colombia. ChocQuibTown ha dado conciertos en casi toda Europa, Estados Unidos y Australia. Su nombre ha sido parte del cartel de los más importantes festivales de world music, pero solo hace algunos meses fueron a tocar por primera vez a Santa Marta en Colombia. “Con Esto es lo hay queremos llegar a nuestros países vecinos. En estos momentos Colombia y América Latina son nuestra prioridad. En nuestro país queremos hacer una gira por toda la zona de Pacífico”. Un camino que comenzó el año pasado cuando cantaron junto a Diego Torres y la brasileña Ivete Sangalo la canción oficial de la Copa América, Creo en América.
eso es lo que hay sony Music, 2011 Cuando una banda es buena, termina por trascender el género musical bajo el cual nació. Es el caso de Chocquibtown, grupo colombiano que se origina bajo el paraguas del hip hop, allá por el año 2000, y que ha sabido incorporar el folclor colombiano, el son, la cumbia y el rock. Pero, a diferencia de otros, su propuesta musical no va divorciada del discurso lírico, por lo que suena como un combo sólido antes que como un puñado de raperos improvisando sobre pistas musicales aleatorias. Esto los coloca más cerca de Orishas que de Calle 13, por poner un par de ejemplos. Eso es lo que hay cumple con los términos de referencia de la actual movida urbana latinoamericana: letras socialmente comprometidas, música apta para el vacilón y la reflexión, invitados de primera línea (Luis Enrique, Tego Calderón, etc.) y actitud desenfadada; esto último, requisito indispensable para sonar honestamente contestatarios a pesar del éxito y de la fama. Así, si se agrega el talento musical de sus integrantes (algo usualmente escaso entre raperos y reguetoneros) garantiza la calidad de temas como Calentura, Hasta el techo y Lindo cielo. La edición que llega a nuestro país incluye, a manera de bonus tracks, éxitos de sus discos anteriores, como Somos Pacífico y De donde vengo yo. Daniel Argueda Sanchez ChocQuibTown está hecho para pensar, bailar y por qué no, reírnos de nosotros mismos. En plena promoción de Hasta el techo, el tercer corte de Esto es lo que hay -primero fue Esta es tu canción y luego Calentura, junto a Tego Calderón y Zully Murillo-, ha decidido tocar este año lo menos posible en otros continentes, para centrarse en el suyo, aunque dentro de su agenda ya tienen marcada, durante julio, una gira por Inglaterra y Estados Unidos. ChocQuibTown ha logrado lo que quizá es su mejor recompensa, un sentimiento de pertenencia con la gente que lo sigue y apoya. “Es bonito saber que las personas que escuchan nuestra música se sienten identificadas, que nos manden mensajes con cosas buenas y también quejas...eso nos motiva”, declara Goyo. Quizá ello se deba a que todos venimos de alguna parte y al fin de cuentas, tal como lo dices una de sus canciones más conocidas, al menos en este pedazo de tierra, todos Somos Pacífico/ estamos unidos/ Nos une la región/ La pinta / la raza y el don del sabor.
Magia del Pacífico Goyo y Slow crecieron en Quibdó escuchando a su madre -cantante aficionada-, los discos de su papá -quien tiene una gran colección- y festejando las visitas del tío Jairo Varela, fundador del grupo Niche. Por la tanto, se podría decir, que hacer música era toda una consecuencia lógica, aunque Goyo, además, logró terminar sus estudios de psicología. Tostao, por su parte, antes de llegar a Cali ya había pasado por algunas experiencias musicales y de vida en Bogotá. “Es triste mirar atrás y pensar que para hacer algo tuvimos que salir de nuestra tierra, porque ahí no hay nada”, dice Goyo en un tono que mezcla la nostalgia y la indignación, tan presentes en los versos de sus canciones, en sus letras que buscan la reivindicación y el respeto para una raza, para un pueblo y también claro, para el amor. CHOC QUIB TOWN | PHaNtoM 37 | 19
MR. JASON de la a a la z
un tanQue PoP, MuSicalMente iMPecaBle, Matizado con eleMentoS del BlueS y del Soul, de loS eStándareS y del VodeVil eStadounidenSeS de la década de 1940, del rock y HaSta del latinjazz. en reSuMen, y nunca Mejor dicHo, un coMPendio de MúSica deSde la a a la z.
Escribe Daniel Ágreda Twitter @danielagreda Fotos Archivo Phantom
Siempre, antes de escribir una reseña o una crítica musical, uno se hace las mismas preguntas: ¿cuál es el aporte de este artista, tanto a nivel musical como en cualquier otro aspecto? ¿Qué elementos musicales ha recogido, sistematizado o perfeccionado? ¿Cuál es su relevancia artística, política o histórica? Algunas respuestas parecen obvias, pero no todas soportan un análisis técnico, porque no en todo los casos el entusiasmo que un artista despierta entre el respetable va de la mano con su calidad o con su real importancia en más de un área. (Personalmente, me resisto a hablar de los artistas de moda cuando no valen la pena). Ahora es el turno de Jason Mraz, un músico de talento indiscutible y ojo magnífico para colocarse en la cresta de la ola pop contemporánea, equilibrando formas, contenidos y rollos relacionados con la conciencia social, con las dosis exactas de azúcar para engatusar a los fanáticos sin empalagar a sus críticos.
eSPerando el coHete (del éxito)
Jason Mraz nació en Virginia, el 23 de junio de 1977. De ascendencia checa, estudió teatro musical en la American Musical and Dramatic Academy (Nueva York) antes de mudarse a California. Al principio su música estuvo influenciada por géneros como el reggae, el pop, el rock, el folk y el hip hop, aunque poco a poco fue incorporando nuevas propuestas a su sonido. En el inicio de su carrera publicó más de una docena de EP y cintas de audio, distribuidas entre amigos y familiares, y que poco a poco fueron llegando a manos de un público más amplio. La evolución del cantautor pop y folk hacia propuestas más ambiciosas y cuajadas quedó registrada en el álbum en vivo Live at Java Joe’s (2001), un recital íntimo editado posteriormente en formato CD+DVD bajo el nombre de Jason Mraz: Live & Acoustic 2001. De esta época datan varios de los éxitos que serían editados en su primer álbum oficial. Este recorrido previo, que se remonta a mediados de la década de 1990, y la presencia de músicos como Noel “Toca” Rivera (percusiones y segunda voz) y Ian Sheridan (bajo), hicieron de Waiting for My Rocket to Come (2002) un álbum redondísimo por donde se le escuche. Desde las composiciones hasta los arreglos, pasando por las letras, llenas de sentido del humor; todo estaba en su sitio. El disco se convirtió en una seguidilla de hits de éxito respetable (incluso varios de ellos rankearon entre los primeros lugares del Billboard) como You and I Both, The Reme-
dy (I Won’t Worry), Curbside Prophet, Sleep All Day, Too Much Food, Absolutely Zero, No Stopping Us y Tonight, Not Again.
de la a a la z
Tal fue el éxito del álbum y su calidad musical, que Jason Mraz lanzó un disco en concierto titulado Tonight, Not Again: Jason Mraz Live at the Eagles Ballroom, con una súper banda y nuevos arreglos que acercaron a las canciones al latinjazz y al estándar estadounidense. Mraz, tal vez para no ir contra la esencia de sus inicios y con el fin de recoger nuevas lecciones aprendidas, continuó editando casi compulsivamente varios EP en estudio y en concierto, con material inédito que luego formaría parte de Mr. A–Z (2005), álbum producido por Steve Lillywhite. Si bien no obtuvo el éxito de su predecesor, demostró las intenciones especulativas de Mraz con relación a su música: desde balada italiana (Life Is Wonderful, Bella Luna) hasta fragmentos de ópera (Please Don’t Tell Her), música electrónica (Wordplay, Geek in the Pink) y algunos otros de difícil catalogación (O. Lover). Mraz, a la sazón, estaba involucrado en cuanta campaña social podía: protección de animales, vegetarianismo, derechos de la comunidad LGBTI, medio ambiente, derechos del niño, escuelas musicales gratuitas y un largo etcétera. En 2010 fue nombrado Humanitario del Año por la SIMA. Pero dos años antes, lanzaría el álbum con el que tocó la cima del éxito y hasta un poco más allá.
cantar, Bailar y “Pedir PreStado”
En We Sing. We Dance. We Steal Things (2008) pidió “prestadas” las armonías de clásicos de casi todos los géneros: I’m Yours es un respetuoso calco de Somewhere Over the Rainbow, Butterfly es I Will Survive a la cara y temas como Only Human, Love for a Child, Make It Mine, If It Kills Me y la mismísima Butterfly podrían presentarse como una tesis de doctorado sobre estructuras de composición propias de Michael Jackson y Marvin Gaye. Sin embargo, más allá de todas las referencias más o menos obvias según el entrenamiento de quien las escuche, existía una intencionalidad artística. Con todo, sumando la habilidad de Mraz para revisar, corregir y aumentar a los clásicos y los niveles de perfección interpretativa que iba alcanzando su grupo, el álbum se convirtió en uno de los mejores lanzamientos de la década y elevó a Mraz a la categoría de ídolo. En los conciertos, la historia corría acorde con lo producido en el estudio, y fue así que en 2009 editó Jason Mraz’s Beautiful
Mess - Live on Earth, lanzamiento que reinventaba algunos temas e incluía canciones inéditas y covers bastante bien elaborados, como el All Night Long de Lionel Richie. We Sing. We Dance. We Steal Things contó con la participación de más de cien músicos de sesión y con la producción de Martin Terefe (entre otros: Bisons, Craig Davis, Alex Cuba Band, KT Tunstall y Martha Wainwright), y fue editado en diversas presentaciones, entre ellas vinilo y una edición de lujo con dos CD y un DVD que incluía un formidable recital. Se convirtió, además, en su disco más vendido y mejor rankeado. En 2010, Mraz ganó dos Grammy en las categorías Mejor Interpretación Vocal Pop Masculina por Make It Mine y Mejor Colaboración Pop por Lucky.
cuatro letraS
Este año, apenas hace un par de meses, editó Love Is a Four Letter Word, no sin antes lanzar la consabida seguidilla de EP en estudio y en concierto. La expectativa era altísima cuando apareció I Won’t Give Up, primer sencillo del álbum, una balada ortodoxa que recoge varios elementos típicos de la música de Mraz. Pero además traía un agregado; y es que si bien todos sabían que Jason era un excelente cantante, la interpretación dramática del sencillo hizo que por primera vez su voz estuviese en primer plano. El tema fue calificado como una “joya pop con coros góspel”, y Mraz tuvo el camino allanado para su nuevo disco a tal punto que la fecha del lanzamiento fue adelantada. Siendo objetivos, Love Is a Four Letter Word no es un desborde artístico como lo fuera We Sing. We Dance. We Steal Things, sí es un muy buen disco en cuanto a lo musical, con temas de características poco convencionales como 5/6 y Be Honest. Y, aunque algunos fanáticos han resentido el exceso de optimismo en las letras, Jason simplemente responde que “es un disco de canciones de amor pero visto no solo con el filtro del romanticismo; también trata de la compasión y la empatía y el amor por el mundo natural”. Love is… está fresco todavía, aunque el debut en el número 2 en los Billboards, tanto de Estados Unidos como del Reino Unido, no es nada desdeñable. Lo bueno es que, gracias a Jason Mraz, el pop mantiene la esperanza de contar con artistas musicalmente talentosos y con llegada a un público masivo. Esperemos que su presencia determine la llegada de otros como él en un futuro no muy lejano. JASON MARZ | PHaNtoM 37 | 21
Escribe Rosa Bonilla Twitter @boniglia Archivo Phantom
Vinilo eterno Que siga girando la induStria MuSical, Que noS dijo en loS noVenta Que el cd era el ForMato del Futuro, caMBió de Parecer y, deSde Hace algunoS añoS, Viene deSarrollando reedicioneS en diScoS de Vinilo de gran calidad. con PreSentacioneS y PortadaS de lujo, entre otroS atriButoS altaMente ValoradoS, el PúBlico Ha Sido reconQuiStado Por eSte MaraVilloSo ForMato. aSí laS coSaS, 2011 Fue el Mejor año Para el diSco de Vinilo en loS últiMaS doS décadaS: Se Vendieron 3.9 MilloneS, caSi 37% MáS Que en 2010, Según el últiMo nielSen coMPany & BillBoard’S 2011 MuSic induStry rePort. ¿Fue la industria la que impulsó el regreso del vinilo? ¿Fue el Mp3, que al desplazar de alguna manera al CD, nos dejó como único formato musical tangible al disco de 12 pulgadas? ¿Fue la calidez del sonido analógico sobre el digital? ¿Por qué no solo el under local sino discografías completas como las de Abba, los Rolling Stones o Joaquín Sabina se han reeditado en este formato? Buscando encontrar respuesta a algunas de estas interrogantes, preguntamos a los que más saben: a los melómanos, audiófilos y coleccionistas más reconocidos de la escena local. Todos aplauden el renacimiento del vinilo, pero también tienen particulares puntos de vista y experiencias sobre el formato.
VINILO ETERNO | PHaNtoM 37 | 23
Pepe Salmón
cada disco es como una parte de la vida de alguien Pepe Salomón es un coleccionista y melómano que ha regalado alegría a mucha gente por medio de un mixtape grabado por él o un disco de vinilo con historia. “En los años noventa, en pleno auge de los discos compactos, los vinilos estaban en refrigeración, nadie los quería, excepto algunos locos como yo que mantuvimos nuestra colección. Ahora, el mayor porcentaje de ventas es de discos de vinilo y hay un público joven mucho más interesado por este formato”, dice Pepe. Muchos de sus discos pertenecieron a personas que han fallecido y que Pepe tuvo la suerte de conocer. Las familias a veces los rematan sin saber el valor que tienen, incluso hay discos que terminan en manos del ropavejero y llegan a la parada o a Quilca valiendo un nuevo sol. Así, existen muchas historias y anécdotas detrás de cada uno. “Cada disco es como una pequeña parte de la vida de alguien”, cuenta. En su búsqueda de tesoros también se ha llevado algunos fiascos. “He encontrado discos muy maltratados, con el surco muy gastado, que se nota han pasado por muchas juergas y pichangas. Hay quienes luego de haber correteado a su artista favorito por un autógrafo dedicado en la portada del LP han terminado malogrado sus discos. Nadie quiere algo que esté a nombre de otro sujeto”.
andrés tapia del río repsychled
Andrés Tapia quizá sea uno de los responsables de la reciente saicomanía limeña. Bajo su sello Repsychled, ha editado y reeditado excelente material de bandas peruanas como Telegraph Avenue, Tarkus, Traffic Sound y, por supuesto, Los Saicos. Nosotros se lo agradecemos. “La gente compra discos de vinilo impulsada por emociones, recuerdos, identificación, diseño, arte, portada, sonido, alguna canción en particular y un sin fin de razones ajenas a la del clásico coleccionista que yo conocía. La utopía que era coleccionar vinilos se ha vuelto algo popular”, cuenta. Para Andrés el vinilo nunca se fue, “solo descansó, pero siempre estuvo ahí”. Por eso ahora se encuentra preparando la primera edición de Repsychled en este formato, que será toda una sorpresa para los seguidores del buen rock peruano. Esperaremos ansiosos.
ricardo Majalil
Flavio egoavil
Para hablar de Internet como un canal cada vez más concurrido para intercambiar recomendaciones, conocer bandas y comprar o vender discos, le tocamos la puerta a Ricardo Majalil, también conocido como Jules Winnfield, creador de la página de Facebook: Vinyl Collectors.
Flavio es ingeniero de software, músico y audiófilo; y en sus ratos libres es capaz de devolverle la vida a cualquier tornamesa que caiga en sus manos. “Mi afición es trabajar tornamesas antiguos de gama alta, difíciles de encontrar en Lima, para restaurarlos y luego modificarlos para hacerlos sonar aún mejor”. Para Flavio -ojo aquí, interesados- un LP es eterno si el tornamesa es de buena calidad y está adecuadamente calibrado.
“Decidí crear Vinyl Collectors para agrupar a gente que tuviera la misma pasión que yo por coleccionar discos de vinilo, para conversar y compartir anécdotas y datos. Dos meses después, además de música se empezó a hablar de temas técnicos, de tornamesas, pastillas, agujas, limpieza de discos, datos de venta de discos, vendedores del extranjero”, narra.
“Un tornamesa malo, con la aguja gastada, daña el disco de inmediato”, advierte. Explica, además, que los hay de varios tipos: de faja (belt drive), de poleas (idler drive) y de motor directo (direct drive). Estos términos refieren al mecanismo usado para mover el plato. “Una creencia equivocada y muy extendida es pensar que un tipo de mecanismo es inferior al otro. Hay tornamesas fantásticos, buenos y mediocres, independientemente del mecanismo usado y de la marca”, concluye.
la vitrina internet
Vinyl Collectors ha cumplido un año y ha logrado trascender el espacio virtual. Pues sus integrantes tienen actualmente reuniones trimestrales donde además de disfrutar hablado de lo que más les gusta, se preparan para seguir creciendo y para ello, están por lanzar un dominio especial. ¡Bravo!
jorge alayza
(el espacio acústico)
Jorge Alayza, es agricultor, melómano y dueño de FyJ Audio, el mejor lugar en Lima para encontrar equipos de audio hi-fi. Su colección personal de vinilos tiene joyas como las ediciones de Mobile Fidelity de “cajas” de los Rolling Stones y los Beatles; o la colección de Led Zeppelin y de los primeros discos de Genesis hasta The Lamb Down on Broadway, bajo el sello Classic Records, y muchos más clásicos del rock de DCC Records. En este punto del artículo yo esperaba hablarles de los sofisticados y costosos equipos de sonido que todo buen audiófilo, como Jorge, debía tener para merecer tal autodenominación. Me equivoqué. “Más que tener equipos sofisticados o tal o cual marca, lo que hace a uno convertirse en audiófilo es la búsqueda por lograr un sonido que sea lo más parecido a un evento real. Conozco muchas personas con equipos muy costosos pero no tienen idea de donde sentarse frente al equipo o cómo ubicar sus parlantes en la habitación”, aclara. El lugar o espacio acústico condiciona más de 60% de lo que se escucha, ya sea para bien o para mal. ¿Cómo hacer una prueba de la calidad de sonido? Quien ha pasado años informándose, escuchando y comparando desde diferentes equipos, sugiere hacer la prueba de la voz humana. “Al escuchar un sistema reproduciendo una voz, uno recurre a la memoria para poder establecer las diferencias con la voz real. Ahí se evalúa el grado de desviación o error del equipo. En base a eso podemos ir cambiando componentes, espacios, etc. Hay que entrenar el oído como un catador entrena su paladar. Es mejor confiar en nuestros oídos que en las especificaciones técnicas, que finalmente se hicieron con fines comerciales”, puntualiza.
el señor tornamesa
daniel Padilla
Para que un disco suene bien Daniel Padilla compró su primer vinilo a los 10 años y tiene actualmente más de mil que escucha en su modernísimo VPI Classic 1. Su colección además la integran más tres mil discos compactos y 300 gigas de música. Es profesor catedrático en la Universidad Católica de Ciencias de la Comunicación y un muy reconocido diseñador, editor e ingeniero de sonido. Para él hay más de mil y un factores para que un disco suene bien. Para evitar una larga respuesta abundante en tecnicismos, nos habla de las más importantes. A tomar nota.
Fuente: The Nielsen Company & Billboard’s 2011 Music Industry report
La calidad de grabación. “De nada sirve que hablemos del formato vinilo, CD, DVD o archivos si la calidad del máster o remáster es deficiente. Algunos vinilos tienen un sonido malo porque su matriz provino de un CD o un sonido comprimido de mala calidad. Pero los mejores son los que se hacen “de corte directo”, es decir, se graban directamente, sin un master tape de por medio. El corte del vinilo cliché (o número de copia 0). Hay que tener en cuenta que la numeración de la impresión mientras más cercana al primero, sonará mejor. El peso del disco. Existen discos de 200 gramos, 180 gramaos, 150 gramos, 120 gramos y flexibles. Si bien hay cierta controversia sobre este punto, que tiene que ver además con la calidad del tornamesa, hablando exclusivamente del disco, para Padilla mejor sonido nos dará un heavyweight, pues genera menos vibración y, en consecuencia, menos distorsión. Velocidad. Lo estandard es hacer girar un disco de 12 pulgadas (Long Play) a 33 1/3 rpm. Pero, el mejor sonido, dice Daniel, se obtiene de un LP que gire a 45 rpm. Hardware. Pastilla, aguja, brazo del tornamesa, plato y peso del tornamesa, toda la amplificación, el cableado. Todo eso influye en la calidad del audio y no hay que perderlo de vista. Ediciones. Si se trata de una edición especial, es obvio que sonará mejor que una regular.
¿cóMo le Fue al Vinilo en PHantoM? Según Juan Carlos Romero, Gerente de las tiendas Phantom, “desde 2008 a la fecha, el incremento del formato ha sido de 173.74%, con 1199 unidades en 2011. El género que más se vende es el rock, y quienes más los compran son hombres mayores de 30 años. El LP más vendido: Dark Side of the Moon de Pink Floyd”.
La naturaleza del vinilo. El sonido análogo es generoso y amable, el digital es exacto pero más frío VINILO ETERNO | PHaNtoM 37 | 25
Sigur róS eS una Banda iSlandeSa de rock, Que Se caracteriza Por uSar texturaS eléctricaS y acúSticaS (conSiderada SHoegazing) Para oBtener un Sonido etéreo, conStruido en gran Parte Por la Voz de Su cantante jón Þór BirgiSSon, jonSi. aunQue en 2010 anunció un deScanSo indeFinido (jonSi y loS deMáS, MientraS, traBajaron en Solitario), Hoy entregan Valtari. un caMino BreVe Pero claro Por el uniVerSo de Su MúSica, intenSa, iMaginatiVa y genial. Sigur róS eS la Banda Que QuiereS oír Para Salir de ti y del Mundo Por un MoMento. no Hay líMiteS creatiVoS Para eSte gruPo de iSlandeSeS Que Vende MilloneS de coPiaS de SuS diScoS Por el Mundo. taMPoco Para ti. eSte eS un recorrido Por cada track de Su MáS reciente Producción.
26 | PHaNtoM 37 | SIGUR RÓS
Escribe Álvaro Díaz Twitter @adiazbedregal Archivo Phantom
´ 1.ég anda (yo reSPiro) (6:15) Hay un llamado en una escala antigua. Hay gaitas, órganos de tubos y suspiros. Se ve una gigantesca estepa, luego un camino que uno anda al ritmo que marcan fierros suaves, vidrios, pasos y una voz que aparece cantando la idea que te llega al encontrarte en tus propias ilusiones. La estepa se oscurece por un momento pero no hay vacío, sino cargas eléctricas. 2. ekki Múkk (Sin gaViota) (7:44) La oscuridad se rompe con rayos de luz. Llega una voz que no quiere nunca darte palabras sino sonido y con su sonido un color, un humor. El humor (que te captura) se une a esa voz cuando queda sola, y se remarca con pasos y pulsos que te hacen de nuevo imaginarte allí. Tienes esa sensación de tensión, que da paso a instantes en los que crees más bien que esto es posible, que es recuperable. Una voz sola puede iluminar, pero 10 veces más centellar si se marca junto a pulsos fuertes, como el sonido de un gigantesco reloj de péndulo que llama a andar en una zona gris. Empiezas a dar pasos.
3. Varúð (adVertencia) (6:37) Ya estas dentro de la voz y de las marcas grises, de niebla, de campos abiertos en tu corazón. Montas un caballo y cabalgas la estepa. Vuelve la voz a sugerirte un camino de cautela, primero, y de arrojo, después. La duda desaparece con el unísono de texturas agudas, tan agudas como la voz de un pájaro que vuela ahora a tu lado y te acompaña a conquistar la colina. Entonces escuchas los tambores de un ejército que te sigue y que entendió tu batalla. Cabalgas más rápido, tanto como el pulso de las texturas que cambian a cada golpe, y sigues, y son más fuertes los tambores detrás de ti. El ejército te acompaña y no dejarás el camino, aunque sientas miedo. Recuerdas los cantos de niños. 4. reMBiHnútur (5:05) Las máquinas de una fábrica empiezan a funcionar juntas al lado de un piano que habla. No se opacan. Luego se desvanecen y llegan voces al piano. Un sonido bajo que marca otra vez el pulso. La banda pinta cristales sobre las nubes que cubren la montaña al final del camino. Y en los cristales ves ahora más caminos, sendas que antes no podías imaginar. De nuevo la voz te lee las señales en el camino, te dice las texturas del suelo, y el color de los sueños y de las cosas que verás al subir. Allí arriba están los Cocteau Twins adornados con corazas y cascos de caballeros medievales. Hay tambores rugiendo. Una llave cierra la puerta de esas nubes y quedas dentro. 5. dauðalogn (Muerte de la calma) (6:37) Está el mar y hay monjes cantando en modos medievales mientras el agua corre. Los monjes se acercan más y acompañan el ruego del más joven y valiente de ellos. Él y su coro, con un órgano de tubos, te anuncian que habrá una batalla, pronto. Piden por ti y te arengan. Te hablan al oído. Empiezas a cantar en las nubes y ves la estepa allí, abajo. Sabes que volverás. Sabes que esto es parte de todo.
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6. Varðeldur (6:08) Es un camino lento hacia abajo. Tus pasos son seguidos por pequeños seres que se arrastran por peldaños de una escalera inmensa. Campanas, entres voladores, pedazos de nube, granizo y lluvia leve te hacen sentir que estás, ahora sí, volviendo. Un hada te sigue de lejos. Estás cargado de las texturas de esa fábrica de niebla en la que se podía ver claramente el camino de tu sueño. El hada se ha convertido en un piano. 7. Valtari (aplanadora) (8:19) Tus pasos hacia el mundo dejan a los seres de arriba y al hada. Empiezas a sentir y ver fábricas de todo, ya no de sueños. No has olvidado los sueños, pero ahora están mezclados y se ocultan entre metales y piezas en tu camino. Al subir de la estepa hubo un momento en el que te elevaste y no los viste, pero bajas ahora por ti mismo y notas que la dulzura está escondida entre todo esto. Una vez más hay pulsos suaves, texturas de viento, aves, de animales 28 | PHaNtoM 37 | SIGUR RÓS
pequeños mirándote andar. Sigues y no te aturden ni asustan las campanas que resuenan. Hay una línea de luz clara que marca tus pasos sobre la escalera. Por momentos quedas solo con las campanas. Y su sonido se combina con el eco de las maquinas que has dejado atrás, antes de casi terminar de volver. 8. Fjögur Píanó (cuatro pianos) Has vuelto y sientes otra vez la escala antigua. O la escala que sientes antigua. El piano es ahora todo lo que queda contigo del viaje sobre la estepa, el monte y las nubes. Tu recuerdo es inmenso y suficiente para crear por ti mismo una pintura del recuerdo de un viaje en que te viste solo por seguir la escala. Caminar y encontrar. Volver y recrear. Empiezas a pintar sobre la imagen que el piano dibuja y mientras lo haces el piano se llena de acompañantes más gruesos, más fuertes, que van a su ritmo pero lo convierten en una imagen más, la ultima que ves del viaje y las nubes. Y
Sigur Rós eran en 1997 Jón Þór Birgisson (Jónsi, guitarra y voz), Georg Hólm (Goggi, bajo) y Ágúst Ævar Gunnarsson (batería). En 1999 se incorporó Kjartan Sveinsson (Kjarri, teclado) para grabar Ágætis byrjun. Luego de esta grabación, Ágúst Ævar Gunnarsson dejó la banda y fue sustituido por Orri Páll Dýrason (batería). Más info www. sigur-ros.co.uk
aunque el piano y su luz pueden convertirse para muchos en metal, tú sabes que el sueño esta allí esperando.
KUSKA
William Luna, Pepe Alva y Max Castro regresan con el proyecto Kuska y el video de Valle, grabado en Machu Picchu, Cusco. Recordemos que los cantautores se unieron en 2011 para sacar adelante el primer sencillo llamado Pechito Corazón, con el objetivo de promocionar la música andina. Max Castro ha recorrido el Perú y el extranjero con su voz y su talento; William Luna es un éxito en Sudamérica, Europa y América del Norte; y Pepe Alva ha llegado a los más importantes escenarios con temas como Matarina y Comprometida. Para qué más, tres grandes se juntan y en un escenario privilegiado, y encima se mandan con un súper concierto este 7 de julio en Brisas del Titicaca. Entradas a la venta en Teleticket. Como para ir calentando pa’ 28.
KUSKA | PHaNtoM 37 | 29
todoS HaBlan de
la PrenSa e
s jueves y la puerta de la discoteca Help! está, como cada semana, repleta de gente. Son las diez y media de la noche. Acá afuera, el negocio es de las señoras que, mercadería en mano, ofrecen chicle-cigarrillo-caramelo y cervezas, bien heladas, para ir haciendo los previos. A las once es imposible encontrarse sin perderse entre la multitud. Media hora después, todos están en la cola con entrada en mano para ver a la band, que llega en ese momento para el concierto de presentación de su nuevo disco. “¡Ábrenos! ¡Venimos a tocar!” grita José Dacal, el vocalista. Esta promete ser una buena noche de rocanrol. El ambiente es de gran expectativa, sobre todo entre varios grupos de personas que se encuentran frente al escenario. Medianoche, Los Sayonara, del artista gráfico Cherman, entra para calentar a la gente. La expectativa crece aún más. A la una de la madrugada suenan los primeros acordes de Hasta que Choke Chincha con África. El público revienta. el nueVo diSco “Con este disco decidimos producir y crear un producto realmente nuevo. Es un álbum más variado que el anterior, tiene más matices”, nos comentaba José Dacal días antes. Y es que es imposible no hacer la comparación entre su primera producción titulada Esperar es lo Peor, un EP de seis temas producidos al guerrazo, en apenas un mes, con Hasta que choke Chincha con África, un disco que ha tomado cerca de un año idear y producir. Son nueve temas de estilos tan distintos como un vals, un blues, un huayno y una balada soul, pasados por el filtro de estridentes guitarras eléctricas cargadas de sentimiento. Se trata de un compendio que, en palabras de su creador, “me devuelve a mis raíces. Cuando era chibolo mi abuelo me levantaba a las seis de la mañana y yo lo acompañaba a desayunar. Escuchábamos en Radio Cora, una hora de tangos y una hora de valses”. El rock, cuenta, le llegó a los 14 años, la primera vez que escuchó a los Beatles.
crónica de la PreSentación de HaSta Que cHoke cHincHa con áFrica, la MáS reciente Producción de la Banda nacional la PrenSa. 30 | PHaNtoM 37 | LA PrENsA
Hasta que Choke Chincha con África abre con el tema homónimo. Una canción pesada, de ritmos bien marcados que recuerdan a bandas como Rage Against the Machine. “Nosotros partimos del concepto que sale de un poema del periodista Roberto Pettinaco – saxofonista de la banda Sumo – Hasta que choque China con Africa, te seguiré, que tiene que ver con la obsesión. La obsesión, en nuestro caso, de hacer música para siempre”. Pasamos por Jamás y El ángel de Chorrillos. La primera un rock melódico, la segunda, un vals que canta al distrito y sus hitos más representativos. A los que se fueron, un himno a los amigos muertos, “debía ser un huayno que no sé muy bien en qué se convirtió”, bromea José. La grabación contó con la participación de Nicolás Duarte, líder de La Mente. Estos tres temas dan paso a posiblemente el peso pesado del disco. Un cover de Cada Domingo a las Doce, vals de Augusto Polo Campos que José siempre quiso interpretar y que contó con la aprobación del propio artista criollo. Un tema que interpreta con especial cariño. de Vuelta en HelP! José se quita la guitarra y deja a Alejandro Bangelman y Lucho Jiménez ocuparse de todo. La banda la completan Rodrigo Bangelman en el bajo y Jorge Olazo, quien también está en Bareto, en la batería. Cada Domingo a las Doce recuerda al sonido de Los Trece Baladas, por la omnipresencia de la base criolla, matizada con el estruendo combinado de un guitarrista de blues con uno de rock clásico. Es el momento más feeling de la noche. “¿Cómo logras salir del underground?”. José, quien junto con Rodrigo formaba la banda Camarón Jackson, ha pasado los últimos 10 años alejado de la música. “Con el primer EP la meta era volver. Este disco sí tiene como objetivo hacer que al público limeño y, ojalá, al peruano, que le gusta el rocanrol, se entere que hay una banda que hace rock y que es buena. Con un tercero, que ya está en proyecto, planeamos comunicarnos directamente con la gente que ya nos conoce”. Tal vez el único rocanrol en estado puro del disco es La tapa de la Rolling Stone, una canción sobre las ambiciones y sobre las ganas de seguir rocanroleando y al diablo con todo lo demás; el toque Beatle lo pone Soy lo que doy, una melodía más bien alegre, que fluye en una bajada de medios tonos y de ritmos ágiles; y
Escribe Nicolás Bello Twitter @nbello Fotos: Santiago Barco
Drink you away es la única canción en inglés, un hard rock agresivo, una tormenta que precede a la calma. Si pensamos en el final típico de película peruana, seguramente Las luces de tu alma sería la canción de los créditos. Una balada cargada de recuerdos sobre el tiempo perdido y la posibilidad de recuperarlo. “Joaquín Mariátegui, de Bareto, tenía esta canción que nunca terminó de cuajar. Te estoy hablando de la época de Camarón Jackson. Pero cuando grabamos el disco se la pedí prestada y así salió el tema”, cuenta José.
Tal vez sea esa la esencia de La Prensa. Una banda que venía gestándose durante varios años y que ahora busca escapar del anonimato. “Tengo en mi YouTube varios videos donde salen Hugo Chávez, el Ministro de Economía, en fin, varios políticos, hablando de la prensa. Pienso hacer un video mezclándolo con mi música. Porque todos hablan de La Prensa. Y eso es lo que queremos”.
LA PRENSA | PHaNtoM 37 | 31
Frendly caMP Fin de semana en el paraíso Un campamento de músicos y amigos. Un evento de promoción. Un Laboratorio Creativo. La presentación de una nueva banda. Una crónica sobre la experiencia de como hacer buena música y compartirla.
Crónica de Rui Pereira Twitter @ruidopereira
Era sábado… y como nunca, me desperté a las seis de la mañana para llegar a tiempo al primer punto de salida donde estaría el bus que nos llevaría al Frendly Camp. Omar Cosio y Matías Mulanovich, representantes de la marca de audífonos Frends, organizaron este campamento para sus amigos y para los amigos de sus amigos. Es importante, antes de continuar, hacer énfasis en eso, porque en eso consiste su filosofía. Conozco a Omar desde hace varios años y unos meses antes del campamento nos reunimos para planear algunas actividades conjuntas entre su marca y Domingo, laboratorio de creatividad en el que trabajo con mis amigos. Durante uno de los eventos de Domingo, Omar me ofreció la posibilidad de tocar en el Camp y de inmediato mencioné a mi nueva banda Tourista. Omar aceptó confiado y entramos a formar parte de la lista de artistas que se presentaría en Lunahuaná. Habíamos ensayado toda la semana porque se trataba de nuestro primer concierto. Teníamos la presión de hacer un buen show para no parecer muy nuevos en comparación con las demás bandas.
De vuelta al inicio. En el punto de encuentro estaba la primera mancha de pasajeros: aparecieron mis compañeros de banda Sandro y David, I Am Genko, Rafo De La Cuba, Los Conchas Negras, Abandaonada, Pura Vida y otros amigos que se sumaron. La primera parada fue en Domingo, ex Cinematógrafo de Barranco, donde recogimos a la gente del laboratorio, a los chicos de Autobús (que estaban heroicamente despiertos y casi “de boleto” luego de abrir el concierto de Capital Cities en Lima) y a algunos fotógrafos, redactores, videoartistas y al ahijado clown de Patch Adams, que se sumó mágicamente a la comitiva.
Ya durante la ruta abrimos unas chelas, sacamos una guitarra acústica y empezamos con el show grupal, Tourista tocando temas de Kanaku y El Tigre, Los Conchas Negras tocando temas de Amadeo Gonzalez y finalmente Autobús nos deleitó con una versión acústica y muy divertida de El duelo, y digo divertida porque me tocó ir sentado al lado de Luis Enrique Piccini (vocalista de la banda) y mientras él cantaba y hacía los acordes en la guitarra con la mano izquierda, yo rasgueaba la misma guitarra con la mano derecha. Fue increíble sentir la energía grupal que se había generado de inmediato entre los que asistíamos. Y era solo el principio.
Llegamos a Lunahuaná como al medio día, las condiciones eran óptimas, el lugar era maravilloso, naturaleza por todas partes, enormes cerros, un río brillante, huertos de manzana y mucha gente que había llegado por cuenta propia. Las carpas ya estaban ubicadas, el escenario estaba listo, la parrilla encendida y las chelas bien heladas. Era el paraíso.
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y ex integrante de Autobús, y también a Nico Saba de Los Conchas Negras, que apareció con la cara pintada de calavera por una activación que hizo la marca de lentes Sabre durante el campamento. Fue muy emocionante ver a Autobús en un contexto como ese. Abandaonada se preparaba para continuar con la fiesta y de pronto apareció en el escenario Franco Chiesa, que con solo un micrófono armó un tonazo demostrando que en el Perú tenemos un beatbox de primer nivel. Cerró con una versión del festejo Afroperuano El alcatraz. El público se puso eufórico con tremenda sorpresa y el artista se despidió entre interminables aplausos.
Llegamos a Lunahuaná como al medio día, las condiciones eran óptimas, el lugar era maravilloso, naturaleza por todas partes, enormes cerros, un río brillante, huertos de manzana y mucha gente que había viajado por cuenta propia. Las carpas ya estaban ubicadas, el escenario listo, la parrilla encendida y las chelas bien heladas. Definitivamente era el paraíso. Mientras me instalaba pasaban personas volando de cerro a cerro haciendo zipline sobre mi cabeza, algunos asistentes jugaban con una pelota gigante en un enorme círculo y Colectivo Circo Band se preparaba para abrir la serie de conciertos. La banda arrancó con un set totalmente festivo que puso las pilas a todos. Los integrantes hicieron algunas bromas para incentivar al público que terminó en trencito al ritmo de una cumbia bravaza. Luego tuvieron que volver a Lima para presentarse en otro concierto. Fue muy valioso el esfuerzo que hicieron para poder presentarse en el campamento.
I Am Genko cerró la fiesta con un set que empezó tonerazo y bastante electrónico, pero que poco a poco fue mutando para despedir calmadamente a quienes caían con el amanecer. Una selección de canciones que incluían remixes de indie pop, tech house e incluso rocanrol. Así despedimos la noche para dale la bienvenida a una mañana llena de anécdotas. Poco a poco fueron despertando todos los sobrevivientes, el sol iluminaba un hermoso día junto al río. Genko volvió a tomar el control de la cabina para soltar un playlist de canciones para empezar con buen humor.
Era el turno de mi banda… Tourista. La respuesta positiva del público fue inmediata, tocamos un set bastante corto pero muy emocionante, el público empezaba a bailar con nuestra propuesta indie pop y dance rock. Finalmente, pudimos registrar el suceso en video y gracias a eso acabamos de lanzar nuestro primer videoclip con esas imágenes, pueden buscarlo en Vimeo o Youtube como Tourista – Lentes.
Unos se bañaban, otros hacían zipline y algunos se animaron a jugar fútbol. En cierto momento muchos de los asistentes nos sentamos en la zona central del campamento y Nico Saba cogió la guitarra acústica para dar inicio a un set unplugged con una canción de Kanaku y el Tigre y otra propia que acababa de componer. También tocó el cover A Change Is Gonna Come en una versión muy emotiva. Luego llegó la gran violinista Lucía Vivanco, que se unió para empezar a hacer un jamming de violín/guitarra conmigo. La tanda de acústicos terminó con un jamming liderado por Gabriel Mujica y su hang drum, en el que participaron Josué Vilchez, David Acuña y algunos asistentes que atraídos por el ritmo decidieron sumarse con diferentes objetos.
Ya era de noche y Autobús entró al escenario a romperla. Personalmente creo que ha sido uno de sus mejores conciertos. El público quedó súper conectado con la banda que bailó los temas de su más reciente disco durante todo el show. Invitaron al escenario a David Acuña, guitarrista de mi banda
Fue un campamento lleno de música e integración. Un espacio donde la frase “los amigos de mis amigos son mis amigos” se hizo evidente hasta convertirse en una filosofía que trajo mucha felicidad y nuevas amistades.
Luego continuó Pura Vida, una banda de reggae con un estilo muy peculiar que llamó la atención de inmediato, la voz del cantante y los arreglos recogidos de otros géneros, como el rock psicodélico, el hip hop y el jazz, rompieron la lucidez del día para hacer sentir los primeros efectos de la tarde-noche.
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Siguió Abandaonada, la banda del brasilero Mc Bongo, que cambió el mood de la noche con un increíble set de funk y hip hop. Luego de tanta intensidad musical y festiva, el público pensó que todo terminaría… pero lo que vino superó el pico alcanzado. Entraron Los Conchas Negras con una propuesta de dance rock súper frenética. Nico Saba, Michael Dawson y Josué Vílchez reventaron el escenario a punta de batería guitarra y voz. El público bailó como si fuera la última fiesta del mundo. Vale la pena hacer un paréntesis para contarles que esta banda acaba de lanzar un video de su canción Sinnerman que está buenísimo.
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Escribe Enrique Palacios Fotos Janice Smith Palliser
COBRA
el Veneno del HeaVy Metal callejero ¿es posible imaginar una banda de heavy metal clásico sin la rabia de los setenta, la actitud callejera de los ochenta o la violencia de los noventa? Luis “Nito” Mejía, guitarrista, sabe que no, y es por eso que hace siete años, junto al baterista Manuel Castillo, decidió fundar Cobra, banda que con el pasar de los años se ha constituido como una de las mejores (lamentablemente pocas) representantes del heavy metal tradicional en el Perú.
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“Cada miembro de Cobra está en esto, sobre todo, porque disfruta pertenecer a una banda de rock”, cuenta Nito. Así explica de forma breve la razón por la cual Manuel y él han podido integrarse sin problemas con Diego “Harry” Valdivia (voz), Andrés Rohr (guitarra) y Augusto Morales (bajo). Cobra avanzó paso a paso, pero pisando firme. Esto tuvo como resultado una sorpresa, que vendría desde tierras asiáticas, el sello japonés Deathrash Armageddon editó los dos primeros demos de la banda en un casete llamado Kamikaze Tapes. “Nuestra meta es hacer lo que nos gusta y conseguir una reputación basada en nuestro trabajo”, dice Nito firme. Y es que ese duro trabajo hizo que en 2009 la banda pudiese firmar su primer contrato profesional, el sello fue Austral Holocaust y la tarea fue un Split CD con el grupo colombiano Skull. La gran aceptación de este último trabajo entre los rockeros sudamericanos se vio reflejada en la gira que hicieron Nito y compañía por Colombia y Ecuador en 2010. En 2011 la banda por fin pudo ver plasmado su trabajo en un álbum, con un nombre que refleja perfectamente la agresividad de Cobra: Lethal Strike. letHal Strike “Este disco es, canción tras canción, una avalancha de heavy metal, un festín para cualquier seguidor de los más grandes exponentes del género. “El rocanrol necio, acelerado y rudo puede ser muy efectivo para sacarle la mierda a los oídos. Por eso Judas Priest siempre será nuestra principal influencia, son los más grandes del género. Crearon el estilo y le han dado
muchas formas en distintas etapas, lógicamente tenemos mucho de ellos, nos consideramos fanáticos de su música”, apunta Nito. La presentación es impecable, el arte de portada es, por decirlo de alguna manera, “ochentero”. “La banda desarrolló el concepto y este fue plasmado por Gerardo Arellano, amigo del grupo, en la portada”. Temas como Whitechapel y Scene for Our End son un claro ejemplo de lo que quiere expresar y narrar Cobra. “La primera habla sobre Jack el Destripador, sus pensamientos como asesino y el debate interno que tiene antes de saciar su sed de sangre. Por otro lado, Scene for Our End es una canción de protesta contra la realidad que nos tocó vivir. El sistema simplemente no funciona y las consecuencias ni siquiera las pagamos nosotros directamente, sino personas de lugares en el mundo donde las condiciones para vivir son miserables”, reflexiona el guitarrista. Sin embargo, Cobra no es una banda “politiquera”, como aclara Nito. “No pretende sacar cara por una u otra manera de ver la política, pensamos que todo el sistema está hecho mierda. Nuestras canciones protestan, pero son más que todo un llamado de atención, y si bien criticamos la política, lo hacemos dentro de un contexto más grande”.
Muchos dicen que el heavy metal y el rock en general no debería cantarse en castellano, pero para los Cobra, este no es el motivo por el que sus temas están íntegramente en inglés, “Bien hecho, el rock en castellano es genial. Sin embargo nos hemos formado musicalmente con bandas, en su mayoría, de habla anglosajona. Nos es más fácil y fluido componer usando palabras con ese tipo de terminaciones y flexiones”. “Tocamos vestidos con lo que nos hace sentir más cómodos y con lo que, además, nos ayuda a expresar, como banda, agresividad pura”, dice Nito sobre las púas, cadenas y cueros que se han convertido en un elemento indispensable en las presentaciones de Cobra. Pueden contactarse con Cobra al facebook oficial de la banda: Cobra (Perú).
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lo Por Venir Este año, el rendimiento de la banda en directo dio sus frutos. Hace unos meses Cobra tuvo el honor de abrir el concierto de un referente del metal mundial: Overkill. “Estuvimos muy ansiosos. Representó un reto para nosotros, pero no tuvimos miedo, lo único que sentimos fueron unas ganas increíbles por tocar. Fue un honor y, además, una lección muy importante El público thrasher respondió bien, a ellos les gusta la música agresiva y es justamente lo que les ofrecimos”, recuerda Nito. Por ahora la banda está metida de lleno en la preproducción del nuevo disco, pronto regresará a los escenarios y espera que el disco ya esté grabado para esas fechas. “La idea es que sonemos sólidos, como una roca”, agrega Nito al pensar en todas las horas de ensayo invertidas (y por invertir) para este fin. La última reflexión del fundador de la banda es sobre la vida del músico de rock en un país como el nuestro: “No estamos en un país similar a Suecia, Alemania o Finlandia, acá es muy difícil vivir de la música, a menos que tengas contactos, te apoye una radio, seas bonito o te adaptes a la masa. En resumen, nada que tenga que ver con lo que una banda devastadora de rocanrol con actitud y bolas debe ser. En estos días, para muchas bandas, las sesiones fotográficas y los diseñadores web son más importantes que el ingeniero de sonido. Todo esto está mandando la música popular a la basura progresivamente y este problema ya viene de muchos años atrás. No es nuestra meta como banda poder vivir de la música, sentimos que muchos grupos cambian cuando alcanzan cierto estatus, y sus mejores discos terminan siendo los primeros, luego se pierde el salvajismo”. Velocidad y agudos, rebeldía y agresividad. Cobra nos trae heavy metal puro y duro como ya nadie quiere hacerlo, y es así como nos gusta.
SILVIA ARISPE La música fluye por cada una de las piezas de Silvia Arispe de Sil Joias Urbanas. El sabor de las suaves melodías brasileras se infiltra por los materiales. Y es que su nueva colección de joyas se basa en el capim dourado, especie de paja (Singhnantus sp) que se encuentra en la región del parque nacional del Jalapão, y que brilla como el oro naturalmente. Para complementar, insumos de nuestra tierra: piedras, madera, plata, cuarzos y hasta flores secas. La imaginación y creatividad de esta artista que trabaja bajo las premisas de la moda ética (sí, ética) del reciclaje y el reuso, es infinita, y ha recorrido ya varias ferias importantes de París, Francia. Cada una de sus joyas es una obra de arte que cuenta historias y renueva recuerdos. Que no se les pase, avisados están.
Taller Calle Pallardelle 245, San Isidro Teléfonos: 221-7532 / 99*4055734 Atención previa cita
Julio es el mes de los circos, de las acrobacias, de los payasos. Las opciones son interminables y geniales, pero nos da mucho más gusto cuando salen fuera de lo común y se mandan con una propuesta que además de hacer reír, asusta. El Circo de los Horrores, troupé española, regresa a nuestro país para presentar Manicomio de los Horrores (estuvo en Lima en 2011), espeluznante espectáculo que cautivó a más de uno por su originalidad, fluidez y por haberlos hecho saltar hasta el techo del susto. Dirigido por el premio nacional de circo, Suso Silva, tiene a más de 40 artistas en escena. La puesta va desde el 19 de julio en el Vivero del Jockey Club del Perú. Las entradas se venden en Teleticket. Se auguran buenas e inolvidables pesadillas. Vaya. 40 | PHaNtoM 35 | INSTANTÁNEAS
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XOXOXOXOX | PHaNtoM 31 | 43
Ella tiene el look de las mujeres soviéticas que, allá por la década de los cuarenta, peleaban para reinventarse y subsistir en medio de la represión y la censura. Y, digamos, tampoco es que haya nacido en épocas menos problemáticas: los ochenta vinieron con cambios traumáticos bajo el brazo, empezando por la desaparición de su país, la URSS. Sin embargo, la niña que migró de Moscú hacia Nueva York, heredera indiscutible de la templanza, el talento y la belleza de sus paisanas, supo forjarse una carrera en occidente con su voz, su piano y sus composiciones: desafió las tendencias del mercado y se apoderó de él con su propuesta musical hermética. Regina Spektor acaba de lanzar What We Saw from the Cheap Seats (Sire, Warner Bros, 2012), un nuevo álbum donde se muestra ecléctica, como siempre, y a la vez tantito más relajada en comparación con discos anteriores. Si no la conocen, vale la pena que la escuchen y le echen un vistazo a sus videos. Mientras tanto, los fans seguiremos disfrutando de su belleza y talento. DANIEL ÁGREDA SÁNCHEZ
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regina SPektor