OZZY OSBORNE | PROTONES | MOTÖRHEAD | MONKISS
EL MANIFIESTO:
HABLA CALLE 13 JAMES
ENTREVISTA A TIM BOOTH FESTIVALES:
DE AUSTIN A LIMA
INXS
LA REEDICIÓN BUSCANOS EN EL FACEBOOK COMO REVISTA PHANTOM
AÑO 4 | EDICIÓN 29 | MARZO / ABRIL 2011
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REUNIÓN REGIONAL ANUAL IFPI LATIN AMERICA
3 y 4 de mayo, 2011 Lima - Perú
www.unimpro.org wuw.ifpi.org
EDITORIAL
¿A dónde va la industria musical? Estamos viviendo uno de los momentos más complicados de la música grabada y la industria discográfica está en la búsqueda del nuevo modelo de negocios. Hasta hace algunos años parecía que el futuro de la venta de música legal iba a ser por Internet; y se estimaba que la grandísima masa de usuarios que intercambiaban archivos podría pasar a la legalidad una vez hubiera un sistema de fácil uso –efectivamente, en algunos países la venta de descargas es importante, pero en ninguno de los casos ha logrado cubrir el hueco que deja la venta del disco–. Luego se empezó a hablar de transferir música por medio de la red de telefonía celular, y el entusiasmo se apoderó de la industria y se creyó que la suma de descargas vía web y telefonía celular era el modelo que se necesitaba. Hoy vemos que lo que está de moda son los servicios de suscripción que ponen a disposición de los usuarios las inmensas bibliotecas de canciones de la industria. No se venden las canciones, se vende el derecho de usarlas. Sin embargo, el problema de la música no ha terminado. Y quienes más están sufriendo esta crisis son las nuevas propuestas artísticas, porque no es sencillo conseguir compañías que inviertan en su desarrollo a largo plazo. Mientras tanto, los artistas consolidados durante el apogeo de la industria musical tienen una legión de seguidores fieles que consumen sus álbumes o compran boletos para sus conciertos, casi sin intermediarios, y su estrategia pasa por hacer más shows. A los artistas nuevos el panorama se les presenta muy oscuro. En Phantom creemos que la estrategia digital no reemplaza al disco sino que la complementa; y también que la crisis de nuestra industria es una oportunidad. Seguiremos buscando un camino propio, y como siempre esperamos contar con ustedes para recorrerlo juntos. Lalo Ponce | Director
“A dream you dream alone is only a dream. A dream you dream together is reality.”
“Un sueño que sueñas solo es solo un sueño. Un sueño que sueñas con alguien es una realidad.” John Lennon 1940-1980
02 | PHANTOM 29 | EDITORIAL
AÑO 4 · EDICIÓN 29 · MARZO / ABRIL 2011
10. CALLE 13 Rock potente 12. BRIGADA DE NEGRO Apuntes sobre Concrete Blonde y Beach House
14. FESTIVALES Crónica de Austin y lo que se cuece en Lima
20. LOS MONKISS De Arequipa 22. LOS PROTONES Un nuevo reto, un nuevo disco
24. INXS
Michael Houtchence habla sobre la reedición
26. JAMES
Tim Booth y el placer de la música
28. SHAKIRA Pop shock
30. OZZY Los secretos del divo
32. MOTÖRHEAD Puro Rock
34. ÚLTIMOS SUICIDAS Música ligera
36. IRON MAIDEN ¿Qué esperamos?
38. FALLEN ANGEL Arte y Espacio
46. BARES
Sargento Pimienta
Director. Lalo Ponce | director@phantom.com.pe Gerente General. Juan Carlos Romero Gerente Comercial. Dora Ipanaqué Gálvez doraipanaque@phantom.com.pe 99 833*3318 Editora. Paola Miglio Rossi | editora@phantom.com.pe Coordinadora. Ketty Cadillo | agenda@phantom.com.pe Colaboradores. Álvaro Díaz, Beto Kanaffo, Jorge Olazo, Juan Carlos Cabrera, Luis Miguel Espejo, Manuel Valencia, Rafo Valdizán, Raúl Cachay, Sergio Rebaza Fotografía. Archivo Phantom, Alejandra Devescovi, Santiago Barco Dirección de Arte. Juan Ignacio Sarmiento Diseño & Diagramación. Mixmedia² - diseño | mixmedia@speedy.com.pe Publicidad. ventas@phantom.com.pe Lysseth Verano Moya | 98111*8508, María del Valle García | 98106*9074 Impresión. Global Graf S.A.C. Distribución. Distribuidora Zeta Phantom Revista no se responsabiliza por las opiniones de los autores de los artículos firmados. Publicación de Phantom Music Group | Teléfono. (511) 657 4038 | Dirección. Calle Lord Nelson 355, Interior 104 - Miraflores, Lima 18, | Perú Hecho el depósito legal registro Nº 2008 - 06974 | Todos los derechos reservados | Buscanos en el facebook como Revista Phantom. FE DE ERRATAS Los duendes nos hicieron dar más nombres de lo necesario en el número anterior. El video de Mia Mont, Antifantasia, fue dirigido solo por Percy Céspedez (Adammo, Gianmarco y TK). Punto. Las disculpas del caso.
FESTIVALES & CONCIERTOS
LOLLAPALOOZA FESTIVAL www.lollapalooza.cl/es
Por primera vez la franquicia llega a Sudamérica, más exactamente a Santiago de Chile, y son muchos los que están separando espacio desde Lima para ver en dos días a la mayor cantidad de buenas bandas que se hayan podido juntar. Desde los mediáticos The Killers hasta los alucinantes The Flaming Lips, la adorada Cat Powers y una lista interminable de “must see” de todo melómano. Santiago explotará de rock el 2º y 3 de abril y ya estamos alistando maletas.
JORNADAS POP ROCK NUEVAS TENDENCIAS www.myspace.com/platanosonico
Este 26 de marzo se realiza por primera vez, en la Caseta Municipal de Utrera, en Sevilla (España), este festival de música que reúne en un mismo escenario a bandas como Triángulo de Amor Bizarro, Klaus&Kinski, Al Berkowitz Band, Ode on Dreams y Error 6. En suma, lo mejor de la nueva escena rockera de España. Bandas con sonido fuerte y singulares propuestas estéticas que darán de qué hablar.
PRIMAVERA SOUND
www.primaverasound.com A realizarse del 25 al 29 de mayo en Barcelona, España, el Primavera Sound ya tiene confirmado su cartel para este año. Compartirán tarima Animal Collective, Ariel Pink's, Haunted Graffiti, Belle & Sebastian, Emeralds, Fleet Foxes, Games, Julian Lynch, Las Robertas, etc. El bono para entrar todos los días al festival cuesta 150 euros.
ULTRA MUSIC FESTIVAL www.ultramusicfestival.com
Podrían ya ir planificando, pues para el Festival Internacional de Benicàssim se viene con fuerza potente. Desde el 14 hasta el 17 de julio, en el Recinto de Conciertos se celebrará un encuentro de buena música. Para este año las bandas elegidas son The Strokes, Arctic Monkeys, Primal Scream, Portishead y Arcade Fire, entre otros 100 artistas más. Recuerden que son cuatro días de música y ocho de campamento gratuito. El precio de los abonos va de 140 a 170 euros.
Argentina 19/03. Pink Martini + Tryo + Kevin. Lawn Tennis Club, Buenos Aires 26/03. Ozzy Osbourne. Estadio Racing Club, Buenos Aires 01/ 04. Armandinho. Teatro Gran Rex, Buenos Aires 30/03. U2 360º Tour. Estadio Único de La Plata, Buenos Aires 02/04. U2 360º Tour. Estadio Único de La Plata, Buenos Aires 04/04. Roxette. Luna Park, Buenos Aires 08/04. Elvis Costello & The Imposters. Luna Park, Buenos Aires 08/04. Chicha Libre. Aniceto Club, Buenos Aires 12/04. Motorhead. Luna Park, Buenos Aires 07/05. Alan Parsons. Teatro Gran Rex, Buenos Aires 19/05. Motley Crue. Estadio Cubierto Malvinas Argentinas, Buenos Aires
Brasil 30/03. Ozzy Osbourne. Gin.Do Gigantinho, Porto Alegre 02/04. Ozzy Osbourne. Arena Anhembi, São Paulo 05/04. Elvis Costello. Credicard Hall, São Paulo 07/04. Ozzy Osbourne. Citibank Hall, Río de Janeiro 09/04. U2 360º Tour. Estadio Morumbi, São Paulo 10/04. U2 360º Tour. Estadio Morumbi, São Paulo 12/04. Roxette. Credicard Hall, São Paulo 16/04. Roxette. Citibank Hall, Río de Janeiro
Chile 19/03. Olodum. Teatro Caupolican, Santiago 25/03. U2º 360 Tour. Estadio Nacional, Santiago 28/03. Ozzy Osbourne. Movistar Arena, Santiago 09/04. Roxette. Movistar Arena, Santiago 10/04. Iron Maiden. Estadio Nacional, Santiago 10/04. Elvis Costello. Movistar Arena, Santiago 15/04. Miranda. Teatro Caupolican, Santiago Ultra Music Festival - Miami | Foto Archivo
Colombia 20/03. Iron Maiden. CEC Centro de Eventos y Conciertos, Bogotá 16/04. Ozzy Osbourne. Parque Simón Bolivar, Bogotá
04 | PHANTOM 29 | FESTIVALES & CONCIERTOS
THE BEAT BOX
Clapton
Snuggle Bunnies
Posiblemente quiso responderse a la pregunta “¿qué me define?” Posiblemente ya tenía la respuesta lista desde hacía décadas. Y definitivamente la lección que este maestro quiere regalarle al mundo es el retorno al origen…
Elika, el proyecto de electrónica de avanzada de Evagelia Maravelias y Brian Wenchebach, ofreció un concierto en Lima en agosto de 2010. Muchísimos cometimos el error de no ir. A primera vista, esta banda nos hace imaginar que Madonna, en un descanso de su interminable trabajo, quiso sentarse solo a rocanrolear sin demasiada preocupación y prefirió que la música a su alrededor tuviera sonidos que hicieran imaginar más que bailar, y que quisiera montar sobre las secuencias de música palabras que no fueran historias, sino solo imágenes que ella evocara, más y más. Esta banda es la prueba de que Madonna podría tener ese momento de creatividad y juego, y de que una hermosísima voz de mujer influenciada por ella, podría trabajar en un entorno electrónico y de colores y tiempos dulces, casi sin concesiones para nosotros, tal y como ella y él quisieron imaginarlo.
Eric Clapton Reprise, 2010
¿Qué es Clapton? Una colección de favourite tunes no basta para describirlo en pocas líneas. Este álbum magistral nos lleva de paseo hacia los orígenes del propio artista con una selección de blues vintage que lleva en su ADN desde hace décadas. Amigos y espíritus pueblan el espacio entre sus dedos y las cuerdas de su guitarra. Clapton se encuentra con las voces de Sheryl Crow, Steve Winwood, y J.J. Cale (el célebre autor de Cocaine), la guitarra de Doyle Bramhall II, el piano de Allen Toussaint, la trompeta de Wynton Marsalis, y las baterías de Jeremy Stacey y Jim Keltner. Es como asistir a un elegante festín en el que se degusta pausadamente lo mejor que un veterano ha reservado para sí mismo: Travellin’ Alone, River Runs Deep y Everything Will Be Alright de J. J. Cale, How Deep Is the Ocean de Irving Berlin, My Very Good Friend the Milkman y When Somebody Thinks You’re Wonderful que tan bien interpretaba Fats Waller, Run Back to Your Side del propio Clapton, Autumn Leaves, etcétera. Un discazo que da ganas de escuchar, re-escuchar, conversarlo y matizarlo. LUIS MIGUEL ESPEJO
Elika Automatic, 2011
Este espacio de libertad permite que el disco tenga algunos temas que son solo interludios y humores intermedios entre las canciones que Maravelias canta con arreglos de voces por momentos notables. No hay en el disco miedo a explorar, pero sí una razonada, y a veces tímida, medida del caos. Como para mantener los ambientes e imágenes que se quieren transmitir. Es un disco para que el oyente ponga más colores en la pintura que la propia banda. Aun así, cuatro temas serían la completa banda sonora de una chica que está sola en casa interpretando aquel regalo, mensaje o frase que recibió o que escuchó, y que la tendrá pensando el resto de la semana o mes. ¿Acaso no es ese el pasatiempo eterno de la mujer? ¿Acaso no se vería más linda si la imaginamos contemplativa oyendo estas canciones? ÁLVARO DÍAZ
Going Back
Clinging to a Scheme
Inglés como Eric Clapton. Casi de la misma edad, aunque de otra generación y cada uno con caminos diferentes. Así como Clapton en su Clapton, Phil Collins hace una reflexión sobre su propia historia de formación como músico, pero la ofrece como un tributo a los maestros del sonido motown: Going Back.
Suena la primera canción de este disco y una voz dulce nos dice que le basta, que esta banda es ideal para oírla en esos momentos de la vida en los que necesitamos pensar en cosas o seres humanos. Llenar cualquier vacío con motivos y texturas que la música de las radios locales simplemente no nos da.
Esa propia historia puede remontarse hasta su época escolar, cuando practicaba muchos de los temas de este álbum con su banda escolar. Entre los homenajeados están Norman Whitfield, Stevie Wonder, el trío Holland-Dozier-Holland, Gerry Goffin, Carole King, Curtis Mayfield, Syreeta Wright y Clarence Paul, entre otros.
Probablemente de eso, entre otras cosas, se trata la música independiente, que desde los ochenta, por su imparable creatividad, se volvió la fuente de la que tomaban nuevos éxitos y verdadera vanguardia los grandes sellos musicales. Probablemente también necesitamos música común de las radios para sentir, cuando oímos a bandas como este conjunto sueco (que nos visitó en octubre de 2006), que la música suave, etérea y de avanzada, que experimenta con mil colores y velocidades, puede danos uno o más de los viajes que necesitamos hacer en el auto, a pie, a lugares lejanos o solo mirando el cielo en nuestra casa. Radio Dept. hace en este disco texturas más diversas que las de sus dos anteriores trabajos, Lesser Matters (2003) y Pet Grieff (2006), y casi siempre acierta.
Phil Collins Atlantic, 2010
Para que esta selección sea más apetitosa bastan unos cuantos títulos: Girl (Why You Wanna Make Me Blue), Uptight, Papa Was a Rolling Stone, In My Lonely Room, Take Me in Your Arms (Rock Me a Little While), Blame It on the Sun, Jimmy Mack, Going to a Go-Go, Talkin about My Baby y el homónimo Going Back. También vale la pena constatar que este inglés ha sabido conservar su voz porque algunas de estas 18 pistas son verdaderamente exigentes, como para organizar una buena fiesta con temática de oldies. LUIS MIGUEL ESPEJO
06 | PHANTOM 29 | THE BEAT BOX
The Radio Dept. Automatic, 2010
Es también admirable que Automatic empiece a editar música independiente de tanta calidad y libertad, y que ponga este disco entre nosotros dándonos un privilegio que pocos países tienen: cada vez más opciones, y varias de ellas tan libres como todos queremos ser. ÁLVARO DÍAZ
NO TE LA PIERDAS...
SWEET Y JOURNEY JUNTOS Y EN VIVO No podían pasar de largo, dejar a la Lima conciertera de lado y ser parte del histórico capítulo musical que vivimos en estos momentos. Dos de las mejores bandas de inicios de los ochenta aterrizan en abril para regalarnos un épico concierto en el que interpretarán sus mejores éxitos y las nuevas propuestas que demuestra su evolución. Sweet y Journey prometen arrancarnos lágrimas y suspiros llenos de nostalgia. La primera, banda británica representante del glam rock de los setenta, y que tras la muerte de varios de sus integrantes evolucionó hasta convertirse en dos bandas: la versión gringa liderada por el bajista original, Steve Priest; y la británica con Andy Scott. La que llega es la de Inglaterra con temas como Ballroom blitz y Love Is Like Oxigen. Para completar este poderoso festival del recuerdo, los estadounidenses de Journey llegan a cantar Don´t Stop Believin con todo el corazón y Open Arms. La cita es el 2 de abril en el Jockey Club del Perú (Av. El Derby s/n, Surco). Vayan separando su ticket.
La Fania All Stars Ya faltan poco para uno de los conciertos más soneros que Lima haya presenciado. Llega la La Fania All Stars por primera vez y se presenta el 19 de marzo en el Estadio San Marcos (Av. Venezuela s/n). La orquesta trae lo bueno: al director Johnny Pacheco; a Cheo Feliciano, Ismael Miranda y Adalberto Santiago en voces; a Bobby Valentín en el bajo; y a Larry Harlow y Papo en los teclados. Como artistas invitados estarán Richie Ray y Bobby Cruz La fiesta promete durar harto.
Queremos a Chayanne No podemos negar que tiene su hinchada, y que su concierto promete ser una bomba de baile y movimiento. El boricua ha sabido ganarse el respeto de muchos con sus años de chamba, acertados movimientos y maduro encanto. Este 14 de abril se moverán hasta los cimientos del Jockey Club del Perú (Av. EL Derby s/n, Surco) y estaremos ahí para comprobarlo. La cita es a las 20:00 horas.
Jane's Addiction en Lima No trae Lollapalooza pero viene la banda, así que algo nos cae. Los estadounidenses darán un potente concierto con Perry Farrell a la cabeza el 5 de abril en la Explanada del Estadio Monumental (Av. Javier Prado Este s/n, Ate-Vitarte). Bien ahí.
DE COLECCIÓN
Canciones para un Paraíso Alejando Sanz Warner Music, 2010
Alejandro Sanz presenta este discazo que consiste en la grabación de todo el concierto realizado en el Palacio de los Deportes de Madrid durante los días 5 y 6 de mayo del año pasado. Lo mejor de ambas presentaciones reunidas en una doble placa, en la que se registra la participación y duetos celebrados con la Mala Rodríguez, Antonio Carmona y Joaquín Sabina. Hay del recuerdo, nuevas y bonus track. Esta es una pieza que los fanáticos del gran músico y guitarrista deben de tener. Dejemos de lado los prejuicios contra la canción romántica hispana, y comencemos a reconocer que lo bueno no es solo lo “caleta”, y llega en todo formato y género. No nos hace menos melómanos ni conocedores.
Michael
Michael Jackson Sony Music, 2010 La historia se ha encargado de demostrar, que a pesar de todos los escándalos protagonizados y a su criticada forma de vida, Michael Jackson fue el rey del pop. Su habilidad para reinventarse y crear música constantemente le concedieron el título. Su poderío en escena, su facilidad de movimientos y espíritu libre perecían inagotables. Y prueba de que su huella queda es esta placa lanzada luego de su muerte: nueve piezas inéditas que han sido completadas por los productores acreditados, con música y tracks vocales originales. La pieza que faltaba para completar la colección. De eso no queda duda, al menos por el momento.
Pucusana
Gabriel Alegría y el Afro Peruvian Sextet Sapo Negro Records, 2010 La música peruana no deja de evolucionar y contantemente aparecen propuestas de creadores que se empeñan en darle nuevos bríos con interesante propuestas de fusión Este el caso de Gabriel Alegría y el Afro Peruvian, que en esta oportunidad lanzan Pucusana, un disco que cuenta además con la participación de Russell Ferrante y Arturo O´Farril. Dos temas ya se han hecho conocidos en Norteamérica, Piso 19 y Puerto Pimentel. Y es que acá se reúnen músicos de primera. Están Gabriel Alegría (trompeta y flugel), Laura Andrea Leguía (saxofones y voz), Freddy “Huevito” Lobatón (percusión peruana, zapateo y voz), Hugo Alcázar (batería), Yuri Juárez (guitarra y voz), John Benitez (contrabajo y voz) y Ramón de Bruyn (contrabajo).
08 | PHANTOM 29 | DE COLECCIÓN
Entrevista Sergio Rebaza | Fotos Archivo
Con la honestidad que caracteriza a la banda puertorriqueña, René Pérez, el visitante, respondió a nuestro cuestionario a pocos días de su presentación en Lima, el 31 de marzo en el Urban Music Fest. Las suyas son declaraciones que impactan como balas. ¿Cómo ha cambiado la banda desde su primera presentación en Perú en 2006? Ha cambiado mucho en poco tiempo. Llevamos cinco años de carrera y creo que ha cambiado tanto como los discos. Eso no quiere decir que haya estado mal al principio, sino que ha madurado más a nivel musical y como espectáculo. ¿Qué podemos esperar entonces de esta presentación en Lima? Mucha energía, un concierto con bastante peso. Nuestra propuesta es bien rockera, y tiene mucho de la energía de los sesentas; no como el rock de ahora, que siento que no pasan grandes cosas. Eso quiere decir que vamos a ir al tope, un rap mezclado con toda esta música en vivo y con show súper maduro. Que entren los que quieran tiene un tinte combativo, algo que también se nota en la producción anterior. Pero se combate con armas como la unidad y el sentido latinoamericano. La carátula del disco –compuesta por bombas caseras hechas con herramientas como los sentimientos y la sangre latina, por ejemplo– pretende activar a la gente para hacer cosas o para entender el mundo de alguna manera. Encuentro que este es un disco honesto, musicalmente súper maduro, muy creativo y con variedad de funciones musicales. Las letras son narrativas y muy ricas. Pero sobre todo es muy rockero. ¿Se pensó como una continuación del anterior, Los de atrás vienen conmigo, como producciones hermanas? No es que sean tan hermanos o continuaciones. El disco pasado tiene mucho del primero, pero este es más real y más maduro. Hasta mi voz como rapero es diferente. Latinoamérica es un tema recurrente, con ideas cargadas de hermandad y unidad. ¿Qué tanto tiene que ver esto con haber trabajado en el disco anterior con Rubén Blades? Conocíamos a Rubén desde antes. Su influencia está en mí desde que yo era pequeño. Igual que Mercedes Sosa y la nueva trova, así como en mi hermano están presentes Los Cadillacs. Es sentimiento latinoamericano es algo que se veía venir y que iba a llegar en cualquier momento. Quizá sucedió más rápido de lo que mucha gente pensó. Juntarnos con Blades y con el resto de colaboradores nos abrió más ese panorama. En sus discos suelen invitar a músicos de distintos países, como Susana Baca en esta última producción. ¿Cómo es que escogen a estos colaboradores?
Las colaboraciones funcionan porque fluyen y se integran de una manera natural. Queríamos a Susana porque tiene una voz preciosa y representa mucho para el tema latinoamericano. No podía faltar. En sus temas suelen llamar con nombre y apellido a muchas empresas y transnacionales con las que no comulgan. ¿Esto les ha traído algún tipo de problema que lamenten? Nunca lamentamos nada de lo que hacemos. Siento que la banda ha crecido bien rápido y mucho, y lleva un mensaje a jóvenes y adultos. A nivel estratégico hemos sabido mantener el balance entre discos. En ese sentido, tenemos que celebrar que somos un grupo que navega contra la corriente y que está al lado de los que están a favor de ella. Sí nos han vetado en algún lugar, pero es casi invisible; lo notamos y tenemos que trabajar el triple, pero hoy está Internet y las redes sociales, y todo el mundo se entera de todo. Si algo caracteriza a la banda musicalmente es su eclecticismo. Toman del tango, de la bossa nova, del rap, del metal. ¿Hay algún género que quisieran explorar? Muchos. Eso se sabe cuando hacemos música nueva. Ahora no estamos trabajando nada, aunque tenemos algunas ideas, algunas letras, pero estamos enfocados en Entren los que quieran, y en sus videos. Hace dos años presentaron un documental de su viaje por Latinoamérica y sé que te has dedicado al video y producción. ¿Hay algún proyecto visual a futuro? Me gusta el cine y por eso nos hemos juntado con gente como Diego Luna, que dirigió el video de El Baile de los Pobres. Hay posibilidades de escribir un guión o participar en una película, o trabajarla con más gente. Puede ser parte de la propuesta siempre y cuando me haga feliz. Pero por ahora estoy en la música por completo, y siento que estoy colaborando en algo, aportando al arte de algún modo. ¿Con qué agrupación o banda no te subirías al escenario? No pues, imagínate, no te voy a decir eso –risas–. Mejor pregúntame con qué presidente me subiría… Con ninguno. En abril son las elecciones en el Perú. ¿Qué le dirías al electo presidente? Que no se olvide que es un empleado público y que trabaja para el pueblo.
as Ya 10
Foto Archivo The Human league
Brigada de Negro Si bien es cierto debo admitir que muero de la envidia por ver como Chile va a tener un Lollapalooza con bandas como The Drums, The National, Jane’s Addiction o The Yeah Yeah Yeahs, por lo menos tendré la posibilidad de ver esa misma semana a dos de mis favoritas de todos los tiempos. En primer lugar, a la banda pionera de música electrónica trazada para la pista de baile, The Human League, liderada por su vocalista Philip Oakey, que viene a presentarnos su nuevo disco Credo (su nueva canción, Night People, suena bastante bien). Oriundos de Sheffield, Inglaterra, los miembros de este grupo alcanzaron la gloria y fama con su single Don’t You Want Me, aunque, valgan verdades, no solo este tema merece el reconocimiento de los que amamos la música electrónica, sino que el álbum Dare! (1981), tercero, está catalogado como uno de los 10 mejores de techno pop que se hayan hecho en la historia de la música. Es un discazo y contiene temas como Love Action (I Believe in Love), The Sound of the Crowd, Open Your Heart y la bellísima Darkness. La banda logró algunos éxitos adicionales con temas como (Keep Feeling) Fascination, The Lebanon, Heart Like a Wheel y Human (canción recomendada para los sacavuelteros: un pata le confiesa a su pareja que le sacó la vuelta y la mujer le responde diciéndole que no se sienta tan mal porque cuando él estuvo lejos, ella también se la sacó, ¡toma!). Es un hecho que The
Human League ha inspirado a decenas de bandas y músicos dentro de la escena pop mundial, y que hasta el día de hoy, luego de 30 años de lanzado el maravilloso Dare!, sigue influenciando la música actual. Basta escuchar bandas como Empire of the Sun, Cut Copy o La Roux para darnos cuenta. Por eso, este concierto no solo es recomendable, evidentemente, para la masa de ochenteros y new wavers que pululan de noche por la ciudad, sino también para los nuevos amantes del electro indie que absorbe mucho de los estilos que sonaron allá en los albores de los ochenta, léase Gary Numan, Depeche Mode, Yazoo, Duran Duran y The Human League. El concierto será el sábado 2 de abril en Scencia de La Molina (Av. La Molina cuadra 11, La Molina), y las entradas están a la venta en Tu Entrada de Plaza Vea y Vivanda. Imperdible, porque, ojo, The Human League toca todo en vivo, sin play back. En segundo lugar, llega una de las bandas más esperadas y reclamadas de los últimos años, James. Originaria de Manchester (qué tal ciudad para parir tanta maravilla, The Smiths, Joy Division, New Order, The Stone Roses, The Chameleons), la lidera el maestro Tim Booth y llega a presentarnos sus dos últimos EPS lanzados en 2010, The Morning After y The Night Before. Hablar de James significa retroceder en el tiempo hasta 1990 (ya que si bien es cierto la banda se formó en 1981, no es sino hasta el
12 | PHANTOM 28 | BRIGADA DE NEGRO 12 | PHANTOM 29 | BRIGADA DE NEGRO
Escribe Beto Kanaffo inicio de los noventa que agarra viada y reconocimiento), cuando lanzó su disco Goldmother, del cual se puede extraer la madchesteriana How Was It for You o la reversión de Come Home. En 1992 sacó una obra maestra denominada Seven (1992). Esta joya de la música británica contiene 11 tracks de los cuales por lo menos seis son temones. A las ya clásicas Born of Frustration y Ring the Bells (en la que el maestro Booth “homenajea” bailando frenéticamente una versión modernizada del movimiento de Ian Curtis en el escenario), debemos contar la bellísima Don’t Wait that Long, la espectacular Seven, y dos bravazas como Sound y Heavens. Para coronar la torta con una frutilla, llegó en 1993 el disco Laid, producido por ese mounstruo denominado Brian Eno, que cuenta con tracks que lamentablemente se han vuelto infaltables hasta en quinceañeros, como Sometimes, Laid y Say Something. Sin embargo, basta escuchar Out to Get You para darnos cuenta que es literalmente un bandón al que nadie, pero nadie, debe dejar de ir a ver. Casi todos los temas que he mencionado vienen siendo parte de los set lists de la banda, por lo menos en los conciertos que ha ofrecido a fines de 2010, así que creo que la fiesta está asegurada. La cita es este miércoles 30 de marzo en la Explanada del Monumental (Av. Javier Prado Este s/n, Ate-Vitarte). Las entradas están a la venta en Tu Entrada de Plaza Vea y Vivanda. Maestro Tim Booth, allá nos vemos.
14 | PHANTOM 29 | FESTIVALES
El festival Austin City Limits congregó en octubre de 2010 a más de 60 mil personas durante tres días de buena música, cerveza y paz. Esta es la crónica de uno de los eventos musicales más espectaculares de todo el planeta, del epítome de los festivales, que nos hace pensar… ¿Será este el futuro de lo que con respecto a conciertos le espera al Perú? Raul Cachay A., Enviado especial | Fotos Austin City Limits Music Festival
Existen festivales musicales que parecen diseñados especialmente para fomentar el descontrol. Hay otros en los que la calidad de las bandas y los artistas es lo único que importa. El Austin City Limits de 2010, mejor conocido por sus siglas (ACL), que se realizó en la bellísima ‘ciudad rara’ del estado de Texas, tuvo un poco de todo lo mencionado. Un cartel impecable y una atmósfera cargada de buenas vibraciones que parecía sintonizar a la perfección con una comunidad que ama con intensidad la música. Austin suele ser conocida también como la ‘capital mundial de la música en vivo’, algo que parece exagerado pero que, a juzgar por la fabulosa oferta diaria de recitales que uno encuentra en las decenas de bares y demás ‘venues’ ubicados en el Dowtown, en realidad no lo es. Entre el viernes 8 y el domingo 10 de octubre, más de 130 actos diseminados en ocho escenarios ofrecieron una larga y extenuante fiesta musical que fue apreciada por una multitud que superó las 60 mil personas (las mismas que, además, agotaron todos los boletos casi cinco meses antes del inicio del festival). Bajo un sol magnífico (tratándose de otoño, claro), grupos y solistas como LCD Soundsystem, Flaming Lips, Spoon, The Black Keys, M.I.A., The National, The Strokes y un larguísimo etcétera –en el que incluimos a viejos saurios como The Eagles o recientes inquilinos del mainstream como los británicos de Muse—entregaron lo mejor de sus repertorios a una audiencia que debe estar entre las más ‘cultas’ y respetuosas del planeta. Aunque en realidad el clima que se vivió durante esos días fue el de un gigantesco picnic o, más bien, de un multitudinario happening hippie repleto de banderas, disfraces, océanos de cerveza, mensajes ‘verdes’ (Austin es una de las ciudades con mayor conciencia ecológica de los Estados Unidos) y muchas ganas de pasarla bien. El viernes, las mayores expectativas estuvieron concentradas en las dos bandas encargadas de cerrar la noche, que volvían a Austin después de una larga temporada en la que sus miembros decidieron perseguir proyectos personales. Entre Phish y los Strokes optamos por los segundos. No nos equivocamos: los neoyorquinos entregaron
un recital apasionante. Ese mismo día, Sonic Youth, Spoon, The Black Keys, Beach House y The Mountain Goats supieron redondear rotundos triunfos en sus respectivas presentaciones. Las más intensas actuaciones del sábado fueron las que ofrecieron LCD Soundystem y M.I.A. Los primeros hicieron que el atardecer del Zilker Park mutara en una monstruosa rave, mientras que la segunda despabiló a todos los presentes con un concierto sumamente confrontacional, ruidoso y sexual. Menciones honrosas para el DJ cabeza de ratón Deadmau5, los Monsters of Folk, el garage punk de los Black Lips (fanáticos de los peruanísimos Saicos, por cierto, como nos lo comentó tras el concierto Ian Saint Pé, guitarrista de la banda, quien alguna vez tuvo una novia peruana y es adicto al ‘arroz con mariscos’ (sic) ), The XX, Gogol Bordello y The Gaslight Anthem. ¿Muse? Para otra ocasión, quizá. Finalmente, el domingo fue el increíble espectáculo de los Flaming Lips (toda una experiencia audiovisual), el intenso recital de The National y el militante post punk de Foals, entre otros. Mientras culminaba el recital de la agrupación de Matt Berninger, a lo lejos se podían escuchar los primeros acordes de Hotel California, de The Eagles, la banda encargada de poner el broche final a la fiesta. Preferimos quedarnos ahí, escuchando de lejos a Don Henley y compañía. La noche había caído ya sobre Austin. Y solo había lugar para la gratitud y el recuerdo.
El ACL ha sido considerado por revistas especializadas, como Magnet o Spin, como el mejor festival de Estados Unidos por el buen clima de la ciudad y la atmósfera siempre relajada del respetable.
En 2011 ACL celebra su décimo aniversario y sus organizadores piensan tirar la casa por la ventana. Ya se pusieron a la venta los primeros abonos (gracias a un remate ‘secreto’ de entradas a precios ridículamente bajos, 50 dólares por los tres días). Chequen www.aclfestival.com.
¿Por qué no hay más festivales en Perú? Escribe Juan Carlos Cabrera | Jay Janner
El multifacético Perry Farrell, líder de Jane's Addiction y fundador de Lollapalooza, decidió que el festival, famoso por presentar a los mejores nuevos artistas y a los más rankeados rockeros del mundo, tenga una primera versión fuera de Estados Unidos. Chile fue elegido como la sede para experimentar este cambio. Es decir, 20 años después su fundación, el núcleo del certamen musical recién se atrevía a medir el poder de la marca como franquicia que, de obtener buenos resultados en Santiago, tendría más versiones en otros países del mundo… como Perú. En la actualidad, Perú adolece de festivales internacionales. La fórmula sí aplica a eventos nacionales, como el Exporock, cuyo éxito está comprobado. Sin embargo, el Lima Hot Festival, que apostó por estrellas de afuera, como R.E.M., Travis, Smashing Pumpkins y Stereophonics, aún verá su verdadero poder de convocatoria en varios años más, cuando el público se acostumbre a la marca y a asistir a un evento de cartel largo, algo que en Europa o en Estados Unidos es parte de la cultura de los que aman la música; pero que en nuestro país recién está en proceso de desarrollo. Sobre todo por todos los años de silencio musical y ausencia de conciertos que vivimos. Para Jorge Arriola, de Circus Music y productor del Movistar Exporock, es cuestión de tiempo para que nuestro país tenga un festival de renombre, como el Quilmes Rock de Buenos Aires o el Vive Latino de México, solo falta que los empresarios se animen a producirlo. “Todo lleva un proceso. Nosotros, de un momento a otro, de no tener conciertos hemos pasado a ser uno de los países predominantes de la región. El hecho de tener un festival importante es cuestión de tiempo. El problema es que el grupo de empresarios nuevos no está acostumbrado a los festivales y por eso aún duda por apostar”. Marca y concepto Arriola, quien ya lleva más de cinco años recorriendo el Perú con un cartel mixto (nacional e internacional), dice que nuestro país aún no ve un gran festival porque “no somos un lugar que decida la gira de un artista, como Argentina o Brasil. Esto puede ser básico para el inicio de un tour mixto, como sucede en la región cuando se realizan varios festivales en países vecinos. Pero estamos en el camino correcto, todo dependerá de que los empresarios se pongan de acuerdo, pujen por
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un solo objetivo y logren ejercer presión sobre las empresas que manejan a los músicos. Arriola cree que recién en 10 ó 15 años podremos hablar de un festival de verdad en el Perú, si es que la situación económica y el flujo de conciertos continúan como hasta ahora. Lalo Ponce, de Live Entreteintmant y director de esta casa editora, cree que la gran cantidad de conciertos en Lima solo está causando que la gente deje de asistir a los mismos y que sea más selectiva a la hora de comprar una entrada. Por eso los festivales serían una gran opción en estos momentos, ya que agruparían a un grupo de músicos top, todos tocando en un mismo día y en el mismo lugar, y casi al mismo precio, como si se tratara del recital de un solo artista. “La billetera del público no da para cuatro conciertos en solo un mes, pero sí para pagar un evento más caro con cuatro artistas grandes”, comenta. Al igual que Arriola, el productor de los shows de Roger Waters, Aerosmith, Andrés Calamaro y Björk, señala que Perú aún no está preparado para un evento de esa envergadura porque “la logística es complicada, así como cuadrar la agenda de los artistas, que debe coincidir regionalmente”. Sin embargo, cree que un festival sí tendría éxito en el Perú si se aprovecha de una marca internacional, como Creamfields, que ya tiene años y cada nueva edición lleva más gente. “Es que la fuerza de la marca y el concepto, más allá de los artistas, lleva al público. En el caso de Creamfields está mezclado todo, es que ha sido madurada fuera del Perú. ¿Cuánto tiempo lleva en el mercado? Muchísimos años, tantos como los que demoró en llegar”. Mientras tanto, los melómanos planean giras mundiales para coincidir en los festivales de verano de Europa y Estados Unidos. Y los que no se trepan al avión, se conforman en Lima o en nuestro soleado sur, lleno de leyendas de reggae y latin rock de temporada. ¿Una buena noticia? El Intifest repite: un concepto que integra música, arte, ecología y mucha buena onda. A ver si hay más.
Los Monkiss
Entrevista de Luis Miguel Espejo | Foto Archivo
Este cuarteto arequipeño acaba de lanzar su primer EP con seis explosivos temas para saltar, gozar y reír. Bueno, bonito y barato resume el espíritu ganador de esta colección de covers, que incluye un tema propio. ¿Cuándo se formaron como grupo? Empezamos en 2007, con la idea de tocar en el festival más grande de Arequipa (el Jardín de la Cerveza), donde íbamos a compartir escenario con Molotov y Los Rabanes, pero fue suspendido por el lamentable terremoto que sacudió Ica. Nos volvimos a juntar en abril de 2009 con una nueva alineación y con la idea de hacer cosas distintas. ¿Quiénes conforman el grupo? Rockberto en la voz, Hernán “El Kabu” Gonzales en la guitarra, Renato Flores en el bajo y Diegrillo en la percusión. Además nos apoyan Chachi K-bana en la batería y Cristian Valdivia en los teclados, loops, programación y secuencias. ¿Qué eligieron para esta “partida de nacimiento”?
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Eres mentirosa, El venao, Cariñito, Boquita colorá, El aguajal y Muévete, nuestro tema propio. La mayoría son cumbias que marcaron nuestra niñez y queríamos meterles la mano para ver hasta qué punto las podíamos transformar… y nos gustó el resultado: un mix de cumbia, rock fuerte, ska… pero sin dejar de hacer notar las raíces verdaderas de cada tema. ¿Qué sensación les dejó la experiencia de grabar el EP? Diferente a tocar en vivo, ¡claro que sí! Tienes más tiempo de “quemarte” con ideas que van de normales a dementes; puedes abusar de la inclusión de pistas en las canciones; puedes meter la pata una y otra vez hasta que quede bien. ¿Cómo manejan el humor y la seriedad cuando deciden reinventar temas como Mentirosa o El venao?
La seriedad tenía que aplicarse al final porque sino la tapa del álbum hubiese llevado un gran parche de Parental Advisory (risas). Ninguno de nosotros tiene un límite para contener el humor. El mix es bravo: hay latinoamericanas, gringas, cumbias, salsones, huaynos y hasta jingles televisivos… ¿Qué ritmos son más versátiles para ustedes? Definitivamente son dos: rock y latin. Así como hemos rockeado cumbias podríamos “alatinar” rocks. Tenemos esos dos estilos bien marcados en el grupo. ¿Alguna vez han sentido que, al salir a tocar al escenario, se han metido a todo el público “al bolsillo”? Afortunadamente sí, y más de una vez. Este es el “gol” de cualquier grupo. Obviamente con temas propios es más
difícil, pero más reconfortante, lo cual empezaremos a hacer paso a paso. Frente al público también interpretan muchas otras canciones, ¿cuáles son sus preferidas? Hacemos de todo, en vivo somos una amalgama entre grupo y orquesta, así que tenemos que divertir a la gente: Cadillacs, Marley, Rabanes, Rafaella Carrá, etc. Y a todo esto le añadimos nuestra propia sazón. Un mensaje para la juventud… El mensaje es simple y no muy original: si te dicen que no se puede, entérate por ti mismo; si tienes que cambiar algo en ti que al final son solo paradigmas, ¡hazlo!
Los Protones
Entrevista de Álvaro Díaz | Foto Archivo
Este bárbaro grupo nacional, que desató la furia en el Estadio Nacional cuando le abrió el concierto a New York Dolls y B-52´s, ha revolucionado el concepto peruano de estilos para el rock y tiene ya en la puerta del horno otro “trabajito”. De eso hablamos con Gonzalo Alcalde. ¿Quién inventó a los Protones y por qué? Lo inventamos cuatro amigos que salíamos de otro grupo, Manganzoides. Volcamos lo que hacíamos ahí para hacer solamente rock instrumental. ¿Por qué decidieron que no se cante mucho o nada? Personalmente lo veía como una manera de motivarme, de hacer algo realmente distinto a lo hecho antes. Había un repertorio de instrumentales con los que abríamos conciertos con Manganzoides, y me parecía factible (aunque muchos lo dudaban) desarrollar un grupo solo con temas instrumentales de estilo sesentero que hagan que la gente se mueva. ¿Por qué decidieron que ellas dos bailen? Lo de las bailarinas no es parte permanente del grupo. Están en algunos conciertos y otros no, pero es un buen complemento. Es parte de la 22 | PHANTOM 29 | LANZAMIENTO
idea de hacer una fiesta, pero una fiesta rockera. Se ha perdido eso, la idea de que uno puede vacilarse con rock and roll sin que sea demasiado comercial o tener que mezclarlo demasiado con otros estilos (aunque nosotros tocamos una canción chicha, eso sí).
¿Cómo están tocando ahora, qué ha cambiado? Tenemos un nuevo tecladista, Jimi, con quien estamos explorando un poco más el lado de la improvisación medio sicodélica, pero sin irnos demasiado lejos de lo que ya tenemos armado.
¿Cómo se construyó el sonido inicial del grupo? Fue una mezcla de surf rock y psicodelia que ya habíamos explorado en el grupo anterior, pero con este grupo lo perfeccionamos por el lado instrumental.
¿Cómo es el trabajo actual de Protones? Hemos seguido con las influencias de nuestro primer disco, pero también nos hemos ampliado un poco. Hay algo más de blues, sicodelia y hasta de aires andinos en el disco que está a punto de salir y que se llama Hijas del Diablo.
¿Qué música escuchas? Rock desde los cincuenta hasta más o menos el 2000, casi nada contemporáneo, o quizá solo hasta los noventa, pero sobre todo rock clásico de sesenta y setenta, garage rock, blues antiguo. Soy casi exclusivamente rockero. Los demás Protones tiene cada uno lo suyo.
¿Qué música debería tener una nueva radio, absolutamente independiente, en Perú? Mmm... ¿Independiente, o sea, sin fines de lucro? Si es así, tendría que ser música sin fines netamente comerciales, no solo rock, también otros géneros. Lo que más me interesa es el rock, pero definitivamente se ha
convertido en algo minoritario y hay que ver qué hace otra gente que sale. ¿Qué crees que es lo que nos hace bailar y rocanrolear? No sé, en verdad... ¿nuestros bajos instintos? Eso en parte, pero creo que la música es algo que nos mueve porque sí. Mueve emociones, pensamientos, y no necesariamente es un medio para otra cosa. La gente se vacila con la música porque la hace feliz, o la acompaña en su tristeza, rabia, etc. Es una necesidad, y creo que no necesita más explicación que eso. ¿Cuál sería tu fórmula secreta, con 18 años de plazo para trabajar, si tuvieras que clasificar a la selección peruana al mundial? Hacer que los jugadores escuchen rock y no salsa.
INXS Reeditado
Entrevista de Álvaro Díaz | Foto Archivo
INXS es probablemente una de las bandas más importantes del pop rock de los ochenta y noventa, y se convirtió, desde su disco Kick (1987), en un éxito mundial. Pasada la frontera de la trágica muerte de su vocalista, Michael Hutchence, y de trabajar con otros cantantes y formatos, se prepara para reeditar cinco de sus primeros discos para Latinoamérica. Conversamos sobre esto con Kirk Pengilly (“Kirky”), su clásico guitarrista y saxofonista de monturas negras y buen humor. ¿Cuál es la historia de estas reediciones? Bueno, tres años atrás renovamos nuestro contrato con Universal y como parte del acuerdo, los derechos de reproducción de cinco de nuestros primeros discos volvieron a nosotros. Pusimos todos en el sello de Chris Murphy, un antiguo colaborador, con quien podemos trabajar más libremente las reediciones que haremos de discos como INXS, Listen Like Thieves o Shabooh Shoobah. Es oportuno para mostrar de nuevo canciones de culto, aquellas de cuando tenían un público distinto al que tuvieron con Kick. Claro que sí, tenemos claro que hay fans que son más unidos a esa época de
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nuestro sonido, nos gusta mucho saberlo y hacemos esto para ellos también. Y en este tiempo trabajaron en proyectos nuevos, con otros cantantes y han recibido homenajes y covers interesantes, como el de Beck. Beck hizo todos los temas de Kick en su propio estilo y creo que fue un gran trabajo, hemos hecho también una versión instrumental de This Time, y pensamos hacer un disco recopilatorio con esa textura instrumental también. Además están las giras, estuvimos en las Olimpiadas de Invierno de Vancouver, este año estaremos también en Canadá y Australia, para empezar la gira.
¿El tiempo hace más fácil construir todo sin su cantante original? Todos somos únicos, él lo era. Pero creo que la banda tiene un sonido que la caracteriza, que el color de lo que hacíamos cuando teníamos su voz y lo que hacemos hoy, con cantantes invitados o en temas instrumentales, es uno solo. Nos llena mucho conservar ese sonido, eso particular que éramos y somos. ¿Cinco influencias que compartían todos ustedes? Jimmy Hendrix, David Gilmour, Deep Purple, Steely Dan, Little Feet… entre muchos otros… inacabable.
¿Hay planes de venir a Sudamérica a tocar? Esperamos hacerlo en el otoño de 2011… recordamos mucho aquel show en el Jockey Plaza en Lima, y personalmente siempre recuerdo a Perú porque mi esposa (Layne Beachley, una ex campeona mundial de tabla hawaiana) es muy amiga de Sofía Mulanovich, su campeona. Entonces sí, quisiera tocar con la banda, visitarlos, y no solo por la playa, sino más estar en la ciudad y tomar un trago con ustedes, escuchando bandas de rock y caminando en Lima. ¿Por qué no?
JAMES (La Banda) Entrevista de Álvaro Díaz | Foto Archivo Phantom
No hay mucho que decir a pocos días de ver en Lima a una de las bandas que el mítico productor Brian Eno transformó, del diamante de sus primeros años, en uno de los sonidos de más arte y estética en el rock. Eso es James. No trae escenografías millonarias, fuegos artificiales ni vestuarios pensados para impactar. Solo belleza y sentimiento. Entre ellos y tú estarán solo las palabras girando envueltas en hermosas líneas de música para bailar, cantar e incluso soñar que vives absolutamente todas las emociones posibles: furia, euforia, deseo, ilusión, romance, esperanza, dulzura y lucha, y más. Todo allí, todo en ti. Después del concierto, recordarás siempre la voz de Tim Booth, su cantante, quien nos habló aquí de la ilusión de estar entre nosotros y cantar. 26 | PHANTOM 29 | ENTREVISTA
Es la primera vez que James hace una gira a Sudamérica, ¿cómo se sienten y por qué decidieron venir? Solo hemos hecho giras a Méjico en los últimos años, no teníamos idea de que nos conocían. Lo mismo pasa con Perú, venían a Estados Unidos para vernos tocar y nos contaban que teníamos muchos fans y audiencia en Perú. Por eso vamos a Perú. Tocaremos primero en Perú y luego en el Lollapalooza de Chile… es saludable para nosotros y nos alegra mucho tener estas sorpresas y contacto. Se trata en parte de sorprenderse ustedes mismos… Sí. De comprobar qué tan lejos tenemos gente vibrando con nosotros y tocar para ustedes en lugares en donde nunca antes lo hicimos. Ver que hay gente con la que nos podemos comunicar, que se identifica y se relaciona con lo que cantamos. Es fantástico. Pensando en el concierto que harán en Lima… muchos peruanos admiramos los primeros discos de James que traían hits tremendos como Sit Down o Born of Frustration. En sus discos recientes se sienten texturas y, por momentos, un ánimo distinto. ¿Cómo ven la diferencia entre esas dos épocas? En vivo siempre buscamos un balance. Es probable que en Lima toquemos muchas de las canciones que sabemos que la gente en Perú ya conoce, porque así puede conectarse mucho más. Pero también hay un espacio para ser no solo una banda de nostalgia y más bien tocar nuestros nuevos discos, porque creemos que somos una fantástica banda en vivo y así ayudamos a los fans a entender nuestro nuevo material. ¿Te sientes más cómodo tocando en vivo? Sí, definitivamente. En el estudio tienes una oportunidad para lograr la versión definitiva de la canción. En vivo, puedes tocar una versión diferente cada noche. Improvisamos mucho en vivo, somos una banda de siete músicos, hay un trompetista, alguien que toca el violín, una batería tremenda. Podemos mostrar nuestras virtudes como músicos cuando estamos en vivo. Muchas veces cuando estas cantando en vivo saltas entre el público a cantar y bailar, parece que te gusta mucho, ¿cuál es tu necesidad y sensación al hacer esta relación con el público? Cambiamos el repertorio cada noche, tenemos unas 60 canciones que ensayamos para la última gira y tratamos de que lo que hacemos sea un elemento nuevo de comunicación. Hay bandas que tocan el mismo repertorio, en el mismo orden y eso se vuelve un acto rígido. Lo que buscamos es sentir a cada individuo en la audiencia, saber quién está ahí escuchándonos, cómo nos escucha, si quiere solo oír un tipo de música o de todo, (¿puede manejar esta canción?, ¿esta otra?). Se trata de tener la misma comunicación que tenemos ahora mismo tú y yo por teléfono, presencial; de buscar frescura en lo que hacemos, de encontrar y sentir quién está ahí en el público, quién está al fondo. En escenarios grandes se vuelve hasta una necesidad, allí atrás no se ve bien a la banda, así que nosotros vamos allí…. finalmente se trata de sentir la vibración de ustedes con nuestras canciones lo más cerca posible. ¿Tal vez tiene relación con manejar los roles de cantante famoso, artista y persona común y corriente? No me veo ni siento como alguien famoso y me aconsejan no ir a donde van las celebridades. Creo que no me es difícil manejar eso porque canto cosas reales, mías o que me tocan del mundo exterior, no necesito máscaras porque la gente puede encontrar momentos míos, incluso cuando canto sobre terceras personas lo hago revelando mi propia sensación personal. No es complicado hablar con gente o fans que vienen, porque siempre se acercan casi todos de una manera muy positiva, ¿cómo podría ser negativo sobre eso? Es fantástico, estás en tu vida diaria, en la rutina, a veces deprimido como cualquiera lo está alguna vez y de pronto llega alguien y te dice algo hermoso sobre tu música; eso es realmente reparador y reconfortante, es un placer recibirlo y te hace feliz. Por suerte no tenemos demasiada fama y puedo tener suficiente privacidad… creo que tengo un balance correcto. ¿Qué es, que hay o qué tiene Manchester? Allá nace el rock independiente más potente del mundo. Creo que es porque es maravillosa y un poco miserable, a veces. Años atrás la gente no tenía mucho que hacer, la televisión era basura, no había Internet, tenías que estar dentro de tu casa por el clima y empezabas a hacer música. Inglaterra es
una tierra lluviosa, no estamos mucho afuera de casa como ustedes. Probablemente hace bien a la creatividad vivir en un país de pésimo clima. El Productor Brian Eno parece haber cambiado el sonido de muchas bandas, incluidas U2 y ustedes, ¿cómo fue trabajar con él? Hicimos cinco discos con él y fue una época fantástica. Es una felicidad trabajar con él, Brian es el tipo más fácil de llevar y que sabe perfectamente cómo conseguir lo mejor de los músicos. El hombre más inteligente que conozco. Es travieso, divertido, arriesgado y además un buen amigo. Ustedes componen a partir de improvisaciones… incluyeron como en el tema de cierre de Strip Mine (1988), Refrain, la imagen básica de esas sesiones juntos… ¿El proceso de componer sigue siendo así de libre? Todas las canciones de James nacen de la improvisación. El único disco ligeramente distinto fue Pleased to Meet You (2001), en el que me senté a escribir sobre algo antes, pero al final gran parte se definió también con improvisación. Lo hacemos desde finales de los ochenta, tomó años reunirnos y ensayar cuatro días a la semana, aprender a tomar partes de la sesión y convertirlas paso a paso en temas para un disco. Y sí, Refrain surgió como una línea de improvisación cuando estábamos terminando de grabar el disco y simplemente la añadimos al final. Solo un motivo que alguien inició y todos los demás siguieron…. Sí, y en vivo lo hacemos muchas veces. Hay canciones que tienen un arreglo muy fijo, pero también algunas tienen una forma más abierta en las que simplemente dejamos que las cosas ocurran y buscamos la sorpresa. Eso lo verán en Lima. Hay momentos cumbres que la gente siempre espera de ustedes, por ejemplo los primeros 20 ó 30 segundos de Sometimes, uno siente que no hay nada más que pedirle al rock and roll que ese ejército de guitarras que nos hace saltar, bailar y probar la felicidad ¿Sienten que la búsqueda ha cambiado desde aquella época? No, creo que estamos buscando todavía un balance entre un humor calmado y lo extático, la emoción intensa. Bailo aún (¡bailé dos horas en el concierto anoche!). Me gusta llevarme a ese estado en el escenario, y al mismo tiempo en James sentimos que hay que escribir sobre las cosas reales, que te rodean, a veces complicadas, sobre morir, envejecer, enfermar… pero creo que finalmente es música para animar a la gente, para que salga del concierto sintiéndose bien, con el corazón más arriba. No hacemos algo como Joy Division, queremos dar alegría. Por cierto, gracias, es muy bonito lo que dices del comienzo de Sometimes… y sí, el último de nuestros discos (The Night Before the Morning After, 2010) es un poco oscuro. Mira, en abril saldrá mi nuevo disco como solista (Tim Booth, Love Life), creo que va a estar muy luminoso y divertido...
DIRECTO TIM BOOTH ¿Cuál fue la primera banda que viste en vivo? Cockney Rebel fue la primera…. luego creo que fue the Clash, sí. ¿Cuál fue el primer disco que compraste? ¿El primero? Oh Dios mío… un cantante muy extraño de pop irlandés, Val Doonican, ¡tenía una canción sobre una cabra! (Paddy McGinty's Goat). ¿Manchester United o Manchester City? Leeds United… ¿Cuál es la próxima canción que vas a bajar a tu Ipod? Ja, ja, ja… Soy fan de una estación de radio en Internet: Spotify, pagas una suscripción cada mes si quieres, yo estoy sucrito. Escribes el nombre de un artista y puedes oír toda su música. Lo que siempre busco son cosas como Regina Spektor o Edward Sharpe & The Magnetic Zeros, esas bandas me gustan y siempre quiero saber qué es lo nuevo que van a hacer… Esa radio es genial, se las recomiendo ¡entren, entren!
James se presenta el 30 de marzo a las 21:00 horas en la Explanada del Estadio Monumental.
Shakira & The Pop Festival La cantante colombiana ha sabido ganarse su lugar en el mundo. Sea componiendo atinadas baladas pop que la catapultaron en su juventud en Latinoamérica, metiendo la pata con drásticos cambios de look y canciones al estilo Waka Waka, o reivindicándose con producciones maduras como Sale el Sol. Esta vez llega de gira después de años de tenernos en el abandono: será la protagonista de The Pop Festival, y compartirá escenario con destacados artistas como Ziggy Marley y Train. La cita es el 25 de marzo a las 18:00 horas en el Estadio de San Marcos (cruce de Venezuela con Universitaria). La colombiana aterriza en su mejor momento con su más reciente placa; Ziggy Marley se aplicará con su interminable repertorio reggae; y Train, una de las bandas estadounidenses más importantes en la actualidad, se presenta por primera vez en Lima con Save Me, San Francisco.
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La definición de heavy metal podría incluir guitarras distorsionadas, rapidez, sonidos potentes crudos y en su mayoría agresivos, baterías con doble pedales y afinaciones sólidas, y bajos eléctricos pronunciados… para muchos, esto simplemente se resume en dos palabras: Ozzy Osbourne. El capo llega a Lima el 12 de abril para reventarnos con un concierto apoteósico. La vida de Ozzy Osbourne da para escribir toda una enciclopedia de muchos tomos. El multi apelativos (todos resaltan su grandeza), como el Príncipe de las Tinieblas, el Padrino del Metal, el Vampiro del Rock…, entre otros, ha logrado, como muy pocos, cambiar el concepto de lo que conocíamos como rock contemporáneo. Tal vez su grandeza para unos cuantos se deba a sus años con Black Sabbath, pero si hacemos una retrospectiva de su vida, y sin desmerecer el genio musical de Tomy Iommi, la carrera de Ozzy logró aún más notoriedad que esta banda, a la que le sacó varios cuerpos. Ozzy vivió siempre al filo de la tormenta, e increíblemente siempre salió bien parado. Como cuando lanzó el álbum Blizzard of Ozz, en el que insertó el tema Suicide Solution (quinto del disco). La controversia en Estados Unidos fue grande y lo llevó a la corte; y es que muchas organizaciones lo demandaron por apología al suicidio y directamente lo acusaron de algunas muertes. Inclusive un episodio de Miami Vice se inspiró en la historia, y fue vetado pues un hombre joven se mata escuchando la música de Ozzy. También tuvo problemas con la iglesia cristiana. Para la iglesia cristiana su música coqueteaba con el satanismo y sus mensajes eran sobre la oscuridad. Ozzy solo se reía, lo que enfurecía más a los creyentes y ponía furiosos a los mandos jerárquicos cristianos en Estados Unidos. Luego Ozzy los retó con la portada original del álbum Ultimate Sin: mandó colocar tres crucifixiones en la cima de la colina que se ve al fondo del diseño. Esto puso en “jaque” al sello, y para evitar más escándalos la cubierta fue tirada a la basura por la compañía disquera. Nuestro padrino del metal también tuvo otras situaciones escandalosas y hasta sangrientas que pocos conocen. Ozzy disparó y apuñaló una vez a todos sus gatos. ¡Los 17! Su esposa, Thelma (que obviamente se divorció, dejándole el camino libre a la macabra Sharon), lo encontró tirado debajo del piano con un traje blanco, escopeta en mano y un cuchillo sangriento en la otra. Otra noche de borracheras y excesos, Ozzy fue apuñalado en el estómago con un destornillador en pleno baile; y por si fuese poco, antes de tocar en Black Sabbath estuvo en la cárcel por robar casas. Allí se hizo sus primeros tatuajes con tinta de lapicero y un alfiler, ayudado por “un compañero”. Pero con el tiempo llega el arrepentimiento, la madurez y la redención. El Vampiro del Rock, el desaforado Ozzy fue todo un héroe. Y no hablamos de música solamente. Cuando se estrelló el aeroplano en el que viajaba el recordado Randy Rhoads, la trayectoria se desvió hacia una mansión con gente en su interior. Ozzy iba en un auto y vio el accidente, sin dudarlo se metió a la casa para buscar a su amigo Randy y encontró a un hombre que estaba herido y asfixiándose, a quien salvó. La dualidad del ser humano encuentra en Ozzy Osbourne sus picos más extremos. Hoy, hombre mediático, se encuentra más tranquilo… dice. Sin embargo, ha expuesto su vida íntima en un reality, y su mujer e hijos parecen seguirle la cuerda. Genio y figura, anotan los expertos. Nosotros solo esperamos un brutal concierto, pero por favor, sin nada muerto en escena que haga enfurecer a los protectores de la vida animal y desconcierte al público asistente. Ya no es cool y nunca lo fue.
30 | PHANTOM 29 | OZZY
LA DUALIDAD DEL SER HUMANO Escribe Gino Alache | Foto Archivo
We play rock and roll.
We are Motรถrhead.
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BOMBARDEROS DEL INFIERNO Escribe Raúl Cachay A. | Foto Archivo
Motörhead es un caso único y portentoso, casi un milagro en la historia del rock. Lemmy Kilmister y su banda incendiaria tocarán en Lima el martes 26 de abril. Con más de 35 años de trayectoria, Motörhead, fundado y liderado por Lemmy Kilmister, ha cambiado poco y nada desde sus primeros y absolutamente ruinosos conciertos en 1975 (que, según los reportes de la época fueron tan poco prolijos que la banda estuvo a punto de disolverse, incluso antes de poner en circulación su primer álbum). Desde entonces ha edificado su permanente elogio de la consistencia rockera, siguiendo una fórmula que solo funciona entre los genuinamente grandes: mantener su estilo casi como un dogma, sin tomar en cuenta las tendencias de turno o las apetencias siempre caprichosas del mercado y la industria discográfica. La banda británica tuvo como origen el agrio despido de Kilmister de los igualmente influyentes Hawkwind, tras un desagradable episodio que involucró –como casi siempre, tratándose de Motörhead—el uso indiscriminado de drogas y un breve paso por un recinto penitenciario en Canadá. En Lima se presentará en la Explanada Sur del Estadio Monumental de Ate, con los clásicos más conocidos de su amplísima discografía y las flamantes canciones de The Wörld Is Yours, su vigésimo disco, puesto en circulación en Estados Unidos el 17 de enero pasado. El álbum, como suele ocurrir con cada nuevo lanzamiento de Motörhead, conserva la recalcitrante fidelidad de Kilmister y sus secuaces por el sonido que le dio infamia y fortuna: riffs rápidos y tumultuosos, un imaginario fraguado por las históricas obsesiones de Lemmy (una genuina celebración de las motivaciones primigenias del rock & roll: el alcohol, la fiesta y las mujeres, no necesariamente en ese orden) y una actitud escénica destinada a traumatizar a cualquiera que piense que, por ejemplo, The Killers o Coldplay son ‘bandas de rock’. De hecho, y aunque a los metaleros esto no les guste demasiado, a Lemmy siempre le ha molestado que se etiquete a Motörhead como un acto de heavy metal. Para él, la suya siempre fue nada más que una banda respetuosa y devota de los iconos fundadores del rock and roll, como Little Richard o Chuck Berry. En su reseña de The Wörld Is Yours para el diario británico The Guardian –el álbum salió antes en el Reino Unido--, el crítico Alex Petridis escribió: “Nadie que compre este disco lo hará con la esperanza de sentirse sorprendido o de escuchar algo novedoso: en estos tiempos, la gran fortaleza de la música de Motörhead es su inmutabilidad…”. Y eso, que para cualquier otro artista sería algo así
como una diatriba, resulta ser todo lo contrario para los responsables de hits tan indelebles como Ace of Spades, Overkill y Killed by Death –para no decir nada de No Sleep Til Hammersmith, probablemente el disco en vivo más brutal y alucinante de toda la historia--. Lemmy sabe qué es lo que sus fanáticos esperan de él y suele ofrecer su mejor esfuerzo para entregarles exactamente eso, ya sea en sus trabajos en el estudio o en sus presentaciones en vivo. “Estoy agradecido por lo que he logrado en la vida, jamás me escucharás quejarme”, declaró hace un par de años el inagotable Lemmy en una entrevista con el periodista e historiador Jeb Wright. “Creo que me he vuelto alguien popular porque trato de no defraudar nunca a la gente. Lo peor que puede pasarte es que admires mucho a alguien que termine decepcionándote. Conoces a una persona que pensaste que sería un buen tipo y termina siendo un pobre imbécil: eso es horrible”. Y, en el caso del temible bajista y frontman de Motörhead, ‘no defraudar’ a los fanáticos implica no solo conservar el estilo musical de la banda, sino también ser respetuoso con la leyenda del personaje. Este hombre de casi 65 años sigue desde hace décadas un estilo de vida que habría matado en pocos días a personas mucho menores que él. Es un bebedor incansable (el primer Jack Daniel’s del día va junto con el desayuno), se ha acostado con innumerables mujeres (“No son tantas como cree la gente, solo más de mil”, dijo hace poco. Y no estaba bromeando), y siempre ha estado alejado del ‘glamour’ y el derroche que suele contaminar el entorno de muchas estrellas del rock, para apostar por una austeridad que se refleja en su más bien discreta vivienda ubicada en West Hollywood (muy cerca de su bar favorito, el celebérrimo Rainbow del Sunset Strip, en el que tiene un sitio diseñado especialmente para él en la terraza de fumadores). Motörhead es quizá la única banda verdaderamente ‘pesada’ en la que todas las tribus parecen estar de acuerdo: los metaleros la sienten como suya, lo mismo los prosélitos del punk (inolvidable el tema R.A.M.O.N.E.S., dedicado por Lemmy a sus colegas y amigos neoyorquinos)… aunque en realidad su música está dirigida a todos aquellos que, como el mismo cantante y bajista, se consideran tan solos amantes del ‘buen rock & roll’. Pronto tendremos a Lemmy Kilmister, Phil Campbell y Mikkey Dee en Lima. Uf. Es tiempo de ir calentando motores.
La música ligera toma el mundo La música ligera siempre estuvo ahí, en cualquier rincón del mundo para hacernos la vida grata y menos complicada. En la actualidad ha adquirido una fuerza inusitada que nos lleva a una reflexión: ¿estamos o no conectados con este nuevo aire? En inglés se le llama easy-listening, un género de melodías simples, pegadizas y relajadas, con armonizaciones sencillas e instrumentaciones llamativas que nace a mediados del siglo XX. Así, evolucionó a partir de la música swing y la compuesta para big band, pero con los años se colgó de géneros como el soft rock, soft pop, el jazz e incluso la música nueva era. Easy-listening es un término que recorre horizontalmente la música en todos sus géneros, a tal punto que se incluyen en esta denominación la lounge music (música para salón) o core lounge. A menudo se hace referencia al easy-listening como nostalgic music, ya que tiende a tomar de nuevo a los oyentes de más edad. Pese a que tiene sus gracias y talentos, en ciertos ámbitos es considerada kitsch (de mal gusto), lo que ha provocado una serie de apelativos como mood music (música ambiental) o música de ascensor y más.
34 | PHANTOM 29 | ÚLTIMOS SUICIDAS
Pero la música es música, sea ligera o no, y cada persona es la que decide si la mueve. El ser humano es tan complejo a nivel de sus encuentros con el arte o la música, que difícilmente podemos concluir qué es bueno y qué no. Entonces, mientras los gringos gastan millones en entender cómo se mueve el mercado, por estos lares la gente se dedica a juerguear y a disfrutar tonadas: quizá las más simples son las que tienen más acogida y esa es una premisa que ha seguido la evolución de la música. En otras palabras, si la música es light, ligera, pesada o compleja, lo que importa es que la gente sea tolerante con los escuchas porque, valgan verdades, la música es bella y hay que disfrutar y celebrar el hecho de que esté con nosotros para ponerle notas a nuestras vidas. No se aflija porque esa tonada que no le gusta suena hasta en la sopa o porque aquella canción favorita de The Beatles ahora existe hasta en versión chillout o instrumental, muy poco atinada. Solo nos queda torturarnos con Ray Conniff con fuga de Johnny Douglas y salida de paso doble de Henry Mancini y Paul Mauriat.
Escribe Manuel Valencia
Iron Maiden y la máquina del tiempo Escribe Rafael Valdizán | Fotos Archivo
¿Qué nos espera el miércoles 23 de marzo próximo? No solo un segundo encuentro con la Dama de Hierro, sino la confirmación de una banda que conoce, al milímetro, los tejes y manejes de tocar en vivo. Ah, además, la oportunidad de escuchar en directo algunos temas del más reciente disco de los británicos: The Final Frontier. Lima ya los vio hace dos años. Y comprobó que Iron Maiden no ha perdido ni fuerza interpretativa ni energía escénica. Aquella vez los fuegos artificiales quedaron de lado y ni falta hicieron. Otra marca irrefutable de que el sexteto es 100% música y que todo artificio adicional sirve solo como un marco de presentación. El 26 de marzo de 2009 tuvimos a la Bestia enfrente, trepada sobre la tarima del Estadio Nacional, entregando sus canciones más reconocidas. Claro, estábamos en pleno Somewhere Back in Time Tour, la gira en soporte de su disco de grandes éxitos. Ahora, marzo otra vez. Día 23. Un escenario diferente: el Estadio de San Marcos. Y, de seguro, un repertorio también distinto: sin dejar de lado temas clásicos, Iron Maiden se enfocará en el nuevo material, con la canción El Dorado (primer sencillo del The Final Frontier) a la cabeza. En una conversación telefónica que tuvimos con Bruce Dickinson, el vocalista nos reveló que hasta ese momento (diciembre pasado) solo habían tocado ese tema del nuevo CD en vivo, y que había sido muy bien recibido por el público. El resto queda abierto a especulaciones. Es pertinente recordar que Maiden siempre ha sido una banda de estadio. Vale decir, un grupo hecho para grandes escenarios. Son memorables presentaciones como aquella en el primer Rock en Río, cuando Dickinson, en plena ejecución del tema Revelations, en un movimiento mal calculado, estrelló la guitarra contra su propio rostro. Solo se alejó un instante, sangrante, para volver luego y continuar la canción: ¿qué mayor prueba de entrega? El video del Life after Death también registra momentos gloriosos de la Dama de Hierro en directo. Y el paso del tiempo solo ha demostrado que la banda es de acero inoxidable; tanto como su propia música. Si nos detenemos en 1985 o nos adelantamos al nuevo milenio en una imaginaria máquina del tiempo, notaremos que la Bestia es la misma (tal vez solo con algunas variaciones en los rostros de Bruce, Steve Harris, Adrian Smith, Dave Murray y Nicko McBrain, pero vamos, las arrugas son inevitables). Así que, a la pregunta de ¿qué esperamos de esta nueva visita de Iron Maiden?, la respuesta puede ser bastante simple: seis músicos entregados, sin remilgos, a una masa hambrienta de música A-1. Y no es poca cosa.
36 | PHANTOM 29 | IRON MAIDEN
Escribe Paola Miglio Rossi
Fallen Angel
The Little Guest House Arte es todo lo que nos rodea. No solo cuadros y esculturas, sino también la forma en la cual se acomodan objetos y se crea un ambiente. El Fallen Angel ha logrado plasmar arte en el espacio: este local cusqueño, que se ha hecho fama por sus fiestas y buena música, recrea en cada ambiente de su casa de hospedaje boutique y restaurante, un estilo que despierta desde absoluta paz hasta la más arrebatadora pasión. El Fallen Angel se tiene que vivir, saborear, observar, gozar. Lo que empezó como una propuesta distinta en gastronomía se transformó, con el paso de los años, en un lugar de culto para quien aterrizaba en Cusco. Sus fiestas, cuatro al año, son aún motivo de viajes rápidos a esta ciudad; y los objetos de arte que cuelgan de sus paredes o se acomodan en cada esquina rotan según demanda. Un restaurante hecho galería, que hace poco más de un año se convirtió en casa de hospedaje boutique de cinco habitaciones, y en donde todo está a la venta. Este proyecto despierta los más encontrados sentimientos: o detestas su horror al vacío o adoras la creatividad kistch que impera en cada una de las habitaciones. Por ejemplo, está aquella que por sus paredes blancas te inyecta tranquilidad, prácticamente un mini departamento decorado con remozados muebles deco, rescatados electrodomésticos e ingeniosos cojines típicos, entre otros miles de objetos. Al lado, la pasión se convierte en motivo de otro cuarto: paredes rojo intenso contrastan con un recreado muro inca que funge de pared de fondo de un baño cubierto con cristales. Exhibicionismo y desparpajo coqueto que nos transporta al mundo místico. Como para no dormir en toda la noche. Las paredes de todo el recinto albergan piezas de colección restauradas y las nuevas propuestas de los jóvenes artistas contemporáneos cusqueños, como Jorge Flores Najar con sus magníficos súper héroes bien peruanos: Miguel Grau hecho Popeye y el entrañable Bolognesi en un cuadro llamado “El último cartucho”. Además, un limeño infiltrado, que por sus años en Cusco es considerado de la casa: los ángeles de Carlos Bardales en formatos gigantes dominan la puesta. Para cerrar el círculo, música de primera. Tres discos editados por la casa, compuestos por el DJ Oscar, amenizan interminables noches de ocio. Un placer para conocedores.
38 | PHANTOM 29 | ARTE Y ESPACIO
Crónica de Beto Kanaffo | Fotos Santiago Barco
Ante más de cinco mil personas, Scott Weiland y compañía le cerraron la boca a aquellos que decían que estaban camino al retiro. Este concierto cerró con broche de oro el turbulento año del Tigre. El maestro Scott Weiland, vestido de traje, arrancó con Crackerman y demostró en escasos segundos que su voz, a pesar de las ingentes cantidades de alcohol y demás aderezos que han pasado por su cuerpo, estaba casi intacta. La segunda fue Wicked Garden, temón de aquellos y uno de mis favoritos del Core; y para terminar el primer tercio se mandaron con Vasoline (del disco Purple), es decir, un arranque furibundo con temas clásicos del cuarteto de San Diego. Sobre el sonido, debo decir que estuvo muy aceptable, con una buena performance de la banda y en la que, repito, destacó a plenitud la voz del tío Weiland, algo que sinceramente no esperábamos (claro, luego de haber estado en Velvet Revolver con joyitas como Slash y Duff Mc Kagan, qué podíamos esperar). Cinnamon, la espectacular Big Empty y Plush, que motivó el vuelo de cientos de vasos de chela por los aires y el cántico enfurecido de la masa noventera fueron los highlights. Así como la bellísima Interstate Love Song. El encore serían Dead and Bloated y Trippin’ on a Hole in a Paper Heart. Faltaron Creep – creo que para esa canción no le alcanzaba la voz, y Big Bang Baby, pero caballero, no siempre se podrá complacer a todos. Muy buen cierre de año para quienes llegamos a duras penas a la Explanada Sur del Monumental. Por favor, a los organizadores de conciertos, no programen show alguno en diciembre, y menos en el Monumental, porque el tráfico resulta peor que estar en el corazón de la procesión del Señor de los Milagros.
CONCIERTOS AQUÍ Y ALLÁ
Foto Archivo: Crónicas de Jorge Olazo
Vampire Weekend Alexandra Palace, Londres, noviembre 2010 Justificado el agradecimiento que hizo Ezra Koening, líder de VW, ni bien abrió el concierto, a las ocho mil personas que habíamos subido aquella colina cubierta de nieve en donde se encuentra el magnífico Alexandra Palace. Tarea complicada fue llegar esa noche gélida hasta el recinto de mediados del siglo XIX, al norte de Londres, para ver cómo Vampire Weekend terminaba su cuarta incursión del año en la capital inglesa, cerrando un 2010, luego del éxito de Contra, su segundo LP. Y los neoyorkinos retribuyeron con creces: repasaron su catálogo con brillo, sonando más consistentes en los temas de su álbum debut que en el resto, cuya producción sostenida en ritmos programados merma un poco la divertida dinámica orgánica que el grupo alcanza en sus mejores momentos. Eso sí: la fiesta, que había comenzado rato antes con las incursiones electrodance de Ratatat y la propuesta de soul y R&B posmoderno de la ambiciosa Janelle Monae, no se detuvo desde el arranque de la guitarrita congolesa de Cape Kod Kwassa Kwassa, hasta el encore, con Horchata y Mansard Roof. Un concierto que invitaba a buscar un bar para, otra vez, combatir el frío.
Arcade Fire O2 Arena, Londres, noviembre 2010 Abrumador el éxito de estos canadienses que parecen tener a público y crítica comiendo de sus manos: The Suburbs, su largo publicado en agosto, aparece encabezando prácticamente todas las listas de los mejores álbumes del año; y sus conciertos logran llenar los recintos con mayor capacidad. Así pasó en el impresionante O2 Arena de Londres, el mismo en el que se reunieron los sobrevivientes Led Zeppelin y en el que Michael Jackson iba a perpetrar su frustrada serie de conciertos This Is It. Pues bien, los otrora “indie” Arcade Fire es un acto masivo en Norteamérica y Europa, ocupando portadas de revista y centrales de periódico, y su llegada a la capital inglesa para dos conciertos completamente vendidos lo confirmó. Con el interesante y divertido Devendra Banhart como artista telonero, el septeto subió al escenario para demostrar, en la cancha, que lo suyo se cimienta no solo en una sofisticada instrumentación (que lo obliga a rotar constantemente de instrumentos, pasando de los teclados a la guitarra a la batería al acordeón a los violines, etc.) si no, sobre todo, en una descarga de energía y emoción. Aquella que exige la buena batería de canciones que se desprende de sus tres largos y EPs. Es el grupo de 2010, y eso no es gratis.
40 | PHANTOM 29 | CONCIERTOS ALLÁ
INSTANTÁNEAS
STING Fotos Santiago Barco
MARK
ANTHONY Fotos Claudia Gonzales
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INSTANTÁNEAS
Red Bull
Info Sessions 2011 Fotos Archivo Red Bull
44 | PHANTOM 29 | INSTÁNTANEAS
I
Inti Fest
FALTA UPC 8 x 27.5cm
Fotos Archivo 4Beatsperu.com
Fotos Archivo Sargento Pimienta
El Sargento Pimienta Si hay un bar que ha sabido reinventarse y adaptarse en el tiempo es el Sargento Pimienta. Es considerado ya como un lugar emblemático entre los que gozan de la buena música y juerga relajada, y en sus más de tres décadas de existencia ofrece una variedad de ritmos intensos, bien seleccionados y acordes a las circunstancias. Lecturas poéticas, cantautores, conciertos de rock en vivo y largas noches de discoteca con los mejores DJ de la escena local… no hay de qué quejarse, sobre todo ahora que hasta radio virtual por sus 35 años ha lanzado www.radiosargentopimienta.com. Para estos meses de calor furibundo, se nos vienen frescas bandas para airear el esqueleto. ¿Un día especial? Los jueves de clásicos chilcanos.
46 | PHANTOM 29 | BARES
Sargento Pimienta Av. Bolognesi 757, Barranco 987-225-503 / 998-247-015 Lunes a sábado a partir de las 22:00 horas www.sargentopimienta.com.pe
A
FALTA
AVISO CHAYANNE
CHRISTINA AGUILERA De niña Disney a diva soprano de coloratura. Christina Aguilera ha cambiado, ha explotado su potente y suculenta voz, y se ha dado a “reconocer” como una pop star que coquetea sin miedos con el soul y R&B. Su más reciente disco, Bionic, fue uno de los más descargados por lo bajo en 2010, el segundo. Ahora se une a Cher, una diosa ya consagrada y con vasta trayectoria, para una cinta musical que cuenta la típica historia de una chica de pueblo que llega a trabajar al club Burlesque en Los Ángeles, Estados Unidos. El resto… a verlo al cine o DVD.
48 | PHANTOM 29 | HOTROCKER