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EMERGENCY BLANKET - PETER GABRIEL – CHRISTIAN VAN LACKE
GRRR
LOS 50 DE LOS ROLLING ENTREVISTA: DIVERSIÓN DE TOURISTA • MIKA DE NUEVO
ANDREW BIRD EN LIMA 1 | PHANTOM 31 | XOXOXOXOX BÚSCANOS EN FACEBOOK COMO REVISTA PHANTOM
AÑO 5 | EDICIÓN 39 | DICIEMBRE 2012/ENERO 2013
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EDITORIAL
Las nuevas metas de Phantom En Tiendas Phantom sentimos que nuestra participación en la sociedad peruana ha evolucionado. En un comienzo se nos consideraba como una especie rara de tipos locos que seguían apostando por un negocio que todos daban por muerto, pero ahora sentimos que nuestro compromiso con los consumidores incluye abrir tiendas en ciudades que no cuentan con oferta legal de entretenimiento y, además, sintonizarnos mejor con lo que nuestro público está buscando. Con respecto a lo primero, podemos comentar que las aperturas de tiendas en Piura y Arequipa en 2012 nos hacen sentir que vamos encaminados y seguiremos en esa senda; y, con respecto a lo segundo, entre los nuevos requerimiento hemos encontrado que accesorios como audífonos y videojuegos son las nuevas categorías de productos que nuestro consumidor exige y que hemos empezado a ofrecerle. Para adecuar mejor nuestras tiendas al nuevo mix que ofrecemos, hemos planteado remodelaciones a partir de 2013. Pero por otra parte, más allá de la oferta de productos, tenemos dos grupos de interés humano que merecen de nuestra parte una mejor respuesta: colaboradores y clientes. Para nuestros colaboradores hemos iniciado un programa de Recursos Humanos con asesoras de talento humano que nos está permitiendo conocer mejor sus inquietudes y ofrecerles talleres de reforzamiento orientados a hacerlos crecer dentro y fuera de nuestra compañía. Para nuestros clientes estamos trabajando un sistema de acumulación de puntos que les permita comprar más productos de nuestra tienda, utilizándolos como medio de pago. Finalmente, la revista Phantom sigue creciendo y explora ese increíble mundo musical que nos rodea y que cada vez se prolifera más. Lo vemos en los conciertos locales y en las sólidas propuesta nacionales que se refuerzan sobre el escenario. Vamos por buen camino. Lalo Ponce Director
Hay algo en la música que obviamente está más allá del lenguaje mismo. Es comunicación en su forma más pura. Matthew Bellamy, Muse.
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EDITORIAL | PHANTOM 39 | 3
AÑO 5 · EDICIÓN 39 · NOVIEMBRE/DICIEMBRE 2012
10. BRIGADA DE NEGRO.
Luego de unas breves vacaciones, regresa Beto Kanaffo con Depeche Mode y el nuevo disco de la banda DIIV.
12. LOS ROLLING STONES
Jose Dacal, vocalista y guitarra de la banda nacional La Prensa, se manda con su visión de esta legendaria banda y lo que significan sus 50 años de trayectoria.
16. DENGUE DENGUE DENGUE.
Felipe Salmón y Rafael Pereira se arriesgan con una propuesta que esta haciendo saltar y bailar a miles. Buena onda, ritmo que fluye y disco nuevo La Alianza Profana.
22. MIKA.
Niño bonito, inteligente y talentoso. Nueva producción y una carrera que sea reafirma con voz poderosa.
24. ANDREW BIRD FINALMENTE EN LIMA. Capo, creador, músico. ¿Qué más?
26. KILLERS REGRESA 28. TOURISTA.
Nuestro colaborador, Rui Pereira, ha editado su primer disco. De su música el dice “que no encaja pero que se divierten haciéndola”. Vamos a ver.
32. PETER GABRIEL.
En octubre de 2012, Peter Gabriel grabó Live Blood y editó una serie de versiones conmemorativas por el 25 aniversario de So. Aquí la crónica.
36. EMERGENCY BLANKET.
La banda nacional se lanza con nuevo disco y nos cuenta sobre sus recientes giras y premios.
38. CONCIERTOS 2012.
El fotógrafo de la casa, Santiago Barco, hace una revisión de los mejores conciertos que captó este año (y hasta la fecha) con su lente.
44. HOT ROCKER. Ben Harper.
Director. Lalo Ponce | director@phantom.com.pe Gerente Comercial. Dora Ipanaqué Gálvez doraipanaque@phantom.com.pe 998333318 Editora. Paola Miglio Rossi | Twitter @paolamiglio. Coordinadora. Ketty Cadillo kettycadillo@phantom.com.pe Colaboradores. Álvaro Díaz, Beto Kanaffo, Daniel Ágreda, DJ Burritosound, DJ j, Enrique Palacios, José Dacal, Gabriel Vargas, Luis Miguel Espejo, Rosa Bonilla, Rui Pereira y Sergio Rebaza. Fotografía. Archivo Phantom, Claudia Bendezú, Santiago Barco. Ilustración. Amadeo Gonzales, Cherman. Diseño & Diagramación. Killa-design Publicidad. ventas@phantom. com.pe Gabriela Miglio 98111*8508, Dora Ipanaqué 998883318. Logística y Distribución. José Antonio Bazán Impresión. Global Graf S.A.C. Phantom MGZ no se responsabiliza por las opiniones de los autores de los artículos firmados. Publicación de Phantom Music Group | Teléfono. (511) 657 4038 | Dirección. Calle Casimiro Ulloa 107 - Miraflores, Lima 18, | Perú Hecho el depósito legal registro Nº 2008 - 06974 | Todos los derechos reservados | Búscanos en el facebook como Revista Phantom.
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PLAYLIST
YUSHIMI Yushimi es el alter ego de Lucía Vivanco, multiinstrumentalista y cantautora peruana que ha lanzado su primer disco con una propuesta folk minimalista bastante personal. Greatest Hits ha sido, como dice la misma artista, un disco multiproducido, en el que ha colaborado gente ad honorem, porque le gusta o le interesa. Cada canción es una historia muy personal y la idea nace cuando me preparaba para volver a Lima después de haber vivido en Londres e iba armando la mochila con las cosas que iba a traerme¨. Yushimi es el personaje que va, toca y canta, y hace cosas que normalmente no haría Lucía Vivanco. Su disco es un hit. Cómprenlo.
1. Mumford & Sons. Below My Feet 2. Andrew Bird. If I Needed You 3. Antònia Font. Serpentines Esquinçades 4. Love of Lesbian. Clínicamente Muerto 5. Band of Horses. Long Vows 6. Niños Mutantes. Náufragos 7. The Chevin. Blue Eyes 8. Something for Kate. Survival Expert 9. California Wives. Blood Red Youth 10. Motorama. Rose in the Vase 11. Toy. Colours Running Out 12. The Soft Moon. Machines 13. Cecimonster vs. Donka. Family 14. Muse. Animals 15. The XX. Sunset 16. Alt-J. Something Good 17. Mumford & Sons. Hopeless Wanderer 18. Bloc Party. Mean 19. Calvin Harris ft. Florence Welch 20. Dengue Dengue Dengue! Simiolo 21. Los Macuanos. Sangre, Bandera, Cruz
DISCOS Uno, Dos, Tres, Green Day (Warner Music, 2012). Green Day se ha declarado en la etapa más prolífica de su carrera, y así lanza esta trilogía que pensamos debe formar parte de la biblioteca de cualquier adicto a la buena música. The 2nd Law, Muse (Warner Music, 20120). Un nuevo disco del grupo inglés que ya nos tiene acostumbrados a interesantes producciones, aunque después de su debut, todo haya seguido una línea correcta, pero que no sorprendió. Nos gusta Muse, la banda es buena, esta placa no encanta, pero va. Transformación, Beto Cuevas (Warner Music, 2012). Este es el segundo álbum de estudio del ex de La Ley, en el que incluye un dueto con Flo Rida con secuencias electrónicas y dance. Hay, además, colaboraciones con Leire Martínez de La Oreja de Van Gogh, versión digital y en inglés. ¿Con quién se queda el perro?, Jesse y Joy (Warner Music, 2012). Estos hermanos mexicanos están que la rompen en todas las radios. Música ligera, sí, bastante pegajosa, pero ellos se divierten y quienes los escuchan también. Viene con DVD. Vale. Celebration Day, Led Zeppelin (Warner Music, 2012). Discazo y DVD que plasma la reunión de la banda en el O2 Arena de Londres (2007). Finalmente en nuestras manos.
MIXTAPE Si te aburres de la radio y te quieres aventurar a buscar estas canciones, puede que tengas un buen mixtape entre manos. Te puede servir para un buen día de playa, para una viaje por carretera o para echarte en una hamaca a imaginarte formas en las nubes. Hay canciones que reconocerás porque están en disque algunos Top 40 de algunas estaciones, otras que lo dudo, pero juntas forman algo nuevo. Espero que te guste y te acompañe. Buenas vibras. 1. Fun. Some Nights 2. Mumford & Sons. I Will Wait 3. Of Monsters and Men. Little Talks 4. Ellie Goulding. Anything Could Happen 5. Sam Palladio & Clare Bowen. Fade Into You 6. Muse. Madness 7. Illegal Gathering. Addicted to You 8. Jay Malinowski. Life Is a Gun 9. Main. Mean Streets 10. National Wake. International News 11. Shivering Timbers. Sing Sing 12. The Cherry Faced Lurchers. Toasted 13. Tommy Guerrero. Living Dirt-12 L-O-V-E (Sometimes Not) Me 14. Mean Creek. You Were Wrong 15. Pipe Villarán. Curtain Call 16. Johnny Cash. Man in Black (Scntfc American Remix) 17. Bob Dylan. Masters of War (Scntfc American Remix) 18. Vetusta Morla y La Orquesta Sinfónica de Murcia. Lo que te hace grande 19. Duologue. Cut & Run 20. Madness. Death of a RudeBoy 21. Alabama Shakes. I Found You 22. Fiona Apple. Every Single Night 23. Smith N Hack. Falling Stars 24. Jacuzzi. Cool Vapors 25. Shocking Blue. Out of Sight, Out of Mind 26. The Beautiful Nico. I’m Not Sayin 27. The Cure. Witchcraft (Frank Sinatra cover) 28. The Dust Brothers. This Is Your Life (from Fight Club) 29. The Shins. Simple Song 30. TV On The Radio. Second Song 31. White Lies. Bigger than Us (Jamrock Remix) 32. Young Buffalo. Nature Boy 33. Radical Face. Welcome Home 34. Red Hot Chili Pepers. Higher Ground (12_ Vocal Mix) 35. Christian Mistress. Haunted Haunted 36. The Oh Sees. Flood’s New Light 37. The xx. Tides 38. Psychic Ills. Take Me With You 39. The Killers. Runaways 40. Django Reinhardt. Jive Bomber 7 | PHANTOM 31 | XOXOXOXOX
THE BEAT BOX RESEÑAS
CUT THE WORLD
Antony & The Johnsons Secretly Canadian, 2012 El más reciente álbum de Antony Hagerty es un desborde de musicalidad y sensaciones extremas. Se trata de la reinterpretación de sus temas insignia (You Are My Sister, Swanlights, The Crying Light, Epilepsy Is Dancing, Cripple and the Starfish) con acompañamiento orquestal, sumándole los arreglos correspondientes y las variaciones vocales de rigor. No hay nada que agregar ni quitar a este disco que es, por mucho, uno de los mejores de este año. La voz de Antony se luce estando en su mejor momento y él la lleva a ambos extremos de la escala, haciendo gala de una serie de recursos vocales que bien justificarían un álbum a capela. Los violines y los vientos le agregan color a los temas, más que fungir de mero acompañamiento, siempre supeditados a la voz del genio; y el piano que el propio Antony toca es también su cómplice para que las letras de sus canciones impacten en el oyente. Este artista ha hecho una carrera genial exponiendo sus propios demonios y tormentos, y sus seguidores logramos identificarnos con ellos merced a la interpretación dramáticamente desgarradora de sus canciones. Y ya que hablamos de desgarrar, sería bueno que le den un vistazo al video de Cut the World, protagonizado por Willem Dafoe y Carice Van Houten... si después aún no caen rendidos a los pies del genial Antony, mejor péguense un tiro.
LIVING THINGS Linkin Park Warner Music, 2012 Como en el cine, los géneros musicales se respetan o se trasgreden y, en ambos casos, el resultado puede ser bueno o malo, según muchas variables. Los chicos de Linkin Park han decidido mantenerse fieles al rock alternativo con el que han sido rotulados en disco tiendas, revistas especializadas y festivales musicales… y aunque cabría preguntarse si el rapeo, los ‘sampler’, las cajas de ritmo y los sintetizadores-a-la-synthpop califican como elementos propios del género, la manera cómo han sido abordados hace que pasen casi desapercibidos, pues están totalmente capturados por la esencia roquera de la banda. En realidad, Linkin Park sigue su propia línea de trabajo sin que le tiemble la mano a la hora de rasgar la guitarra. Victimized, Lost in the Echo, Burn It Down, Castle of Glass y Powerless son algunos de los temas con los que contraataca apenas un año después de lanzar el conceptual y socialmente comprometido álbum A Thousand Suns. Y bueno… los chicos tienen la necesidad y el derecho de expresarse, además no es un delito ser prolíficos (cuando los productos son buenos, claro está). Los fanáticos se darán por bien servidos (de hecho, el disco debutó en el N° 1 del Billboard 200) y los críticos se devanarán los sesos para opinar sobre cómo pudo quedar mejor el disco. Como dice la canción: It’s only rock and roll (but I like it).
NORTH Matchbox Twenty Warner Music, 2012 Rob Thomas y compañía regresan con otro gran disco, emblemático de ese estilo inconfundible que les permite introducir elementos de todos los géneros, especialmente del pop inglés moderno, pero siempre bajo la insignia del rocanrol, que es lo que finalmente tocan. Temas como She’s so Mean, English Town, Put Your Hands Up y Radio, tienen tantos referentes (se reconocen fácilmente guiños a… Billy Joel, Daft Punk, 98 Degrees y Dave Matthews Band; ¡y no es una broma!) que bien podría decirse que Matchbox Twenty ha preparado, en estos 10 años de silencio, una tesis antropológica sobre música popular contemporánea del hemisferio norte. El resultado es bueno pero exige, por parte del oyente, un ejercicio de amplitud de criterios, suficiente para digerir los mil y un guiños musicales de todo el disco. La crítica, purista y respingada, le dio con palo a los temas más ligeros (¿cuál será el trauma de infancia de aquellos que no soportan una canción con música bonita y letra buena onda?), pero amó aquellos en los que Thomas se regodea en sus penurias. Nos queda claro que él puede cantar lo que le dé la gana, pues talento le sobra para no hacer el ridículo. Un disco ambicioso, poco predecible (lo cual se agradece infinitamente) y bastante bien logrado, que nos hace presagiar que hay Matchbox Twenty para rato, aunque sus discos tengan intervalos de tantos años.
8 | PHANTOM 39 | THE BEAT BOX
Escribe Daniel Ágreda Sánchez @danielagreda
COME HOME TO MAMA Martha Wainwright Cooperative Music, 2012 Producido por Yuka C. Honda (Cibo Matto), el quinto álbum de Martha Wainwright (el tercero con temas propios) evidencia la conjunción de dos circunstancias personales: la reciente muerte de su madre (la cantautora canadiense Kate McGarrigle) y el nacimiento de su hija. Con ambas emociones como bandera, este disco trae a una Martha con un mayor dominio de sus particulares registro y timbre vocales. Sobre los temas, si bien se trata de un álbum bastante logrado, destaca largamente la interpretación de Proserpina, una canción intensa, compuesta por su madre pocos días antes de fallecer. También sobresalen I Wanna Make an Arrest, Can You Believe It?, Four Black Sheep y I Am a Diamond. Martha nunca ha tenido miedo de decir y cantar las cosas como las piensa y siente, aunque tenga que sacrificar perfección artística (en más de una ocasión, por imprimirle emoción interpretativa a sus canciones, se le ha quebrado la voz en momentos poco afortunados). Esta vez no es la excepción, pues todavía le salen algunos gallitos, con toda la intención, solo que ahora se le siente más dueña de sí misma y menos desbordada sin perder la espontaneidad. Para terminar, y aunque no sean muy famosos por estos lares, es conveniente señalar que en este disco colaboran Nels Cline (de Wilco), Sean Lennon, Jim White (de Dirty Three), Brad Albetta y Thomas Bartlett (Doveman).
HUANCA Súper Cholo Band Sayiri, 2011 Proveniente de las canteras del punk y del rock, Mino Melle es un músico bastante hábil, versátil y artísticamente ambicioso. Ha sido desde baterista de Leusemia hasta cómplice de su propia esposa, Gisela Pérez-Ruiba, en el interesante experimento folclórico y electrónico llamado Coca Kintucha (2006), que incluía samplers del tayta Arguedas, a quien rendía tributo. En 2011, Mele se juntó con Ángel Porras (voz y saxofón), Pancho Müller (bajos), Ángelo Pantoja (guitarras) y Álex Luna (teclados), entre otros, para formar la Súper Cholo Band y grabar Huanca, un disco con temas tradicionales provenientes del Valle del Mantaro, arreglados en clave de rock progresivo. Al respecto, cabe señalar que los jóvenes músicos parecen haber descubierto los retruécanos armónicos y rítmicos del folclor peruano y han destapado algo que, por ignorancia o prejuicio, había permanecido oculto para el peruano promedio: Perú, musicalmente, es mucho más rico y complejo que varios de los países cuya industria musical nos ha sido impuesta, y que la música debería ser nuestro arte bandera. Adiós juventud y Qué linda mi vaca son los sencillos que el combo ha promocionado en ámbitos roqueros y folclóricos, pero en líneas generales todos los temas están muy buenos y tienen el éxito asegurado. Mención aparte merecen el sonido y la mezcla (todo fue grabado en Mele Records), así como el arte visual del empaque (a cargo de Gutiérrez). Más que recomendable.
WILD ONES Flo Rida Atlantic, 2012 Ni tan ‘wild’ ni tan ‘one’, este disco de Flo Rida saca de cuadro desde el primer momento. Desde la portada, uno espera escuchar todos los sabrosos improperios propios de la música urbana y las consabidas denuncias sobre la realidad socioeconómica estadounidense, especialmente sobre cómo afecta a la población afrodescendiente… pero no hay nada de eso. Es más, la primera reacción al escuchar los primeros minutos del álbum es asegurarse de que nadie se haya se equivocado al empaquetar un disco de David Guetta en la caja de uno de Flo Rida. Pero no, los silbiditos de Whistle y el ‘adeleado’ dúo con Sia (en el tema que le da nombre al álbum) nos hace pensar que este rapero hizo el crossover para el lado de la industria musical (que no es necesariamente un lado oscuro pero, digamos, no es un lado usual). Good Feeling, In My Mind, Sweet Spot y todos los demás temas son musicalmente correctísimos, a veces demasiado, pero… ¡así no debería ser el rap! Es la primera vez que un disco tan bien hecho puede resultar decepcionante… es decir, todo está en su sitio y se nota que hubo más pentagramas que samplers en los estudios de grabación, pero los tatuajes y el ‘bling bling’ de Flo Rida está más orientado a las discotecas que a las calles. Advertidos están.
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THE BEAT BOX | PHANTOM 39 | 11
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BRIGADA DE NEGRO Escribe Beto Kanaffo Foto Archivo
LAS REDES SOCIALES SE HAN AGITADO. LOS POSTEOS EN FACEBOOK Y TWITTER NO DEJAN DE ACTUALIZARSE A CADA MINUTO. ¿EL MOTIVO? LA BANDA DE TECHNO POP MÁS FAMOSA DE LA HISTORIA ANUNCIÓ QUE VUELVE A LA CARGA. ESTAMOS HABLANDO DE DEPECHE MODE, TRÍO ORIGINARIO DE BASILDON, INGLATERRA (OJALÁ VOLVIERAN A SER CUARTETO), QUE NO SOLO ANUNCIA NUEVA GIRA EUROPEA, SINO QUE TAMBIÉN AMENAZA CON EL LANZAMIENTO DE UN NUEVO DISCO GRABADO ÍNTEGRAMENTE EN NUEVA YORK. PARÍS FUE ELEGIDA PARA LANZAR LA NOTICIA DE LA GIRA QUE COMENZARÁ EL 7 DE MAYO DE 2013 EN TEL AVIV, ISRAEL, EN LA MISMA CIUDAD DONDE SE INICIÓ EL TOUR OF THE UNIVERSE QUE LO TRAJO AL PERÚ. Hasta el momento hay fechas programadas hasta el 29 de julio del año próximo y, como es lógico, la gira seguro continuará en Norteamérica, con lo que las esperanzas de que vengan a Sudamérica estarían latentes. Por lo pronto, ya está rotando la nueva canción del disco venidero (con un video collage de la grabación en estudio), Angel o Angel of Love, que continúa la tónica y estilo del Sounds of the Universe, en el que la voz de Dave Gahan se escucha tosca, gruesa, con un estilo musical que Depeche Mode ha intentado mantener desde que sacó el Songs of Faith and Devotion (claro ejemplo 12 | PHANTOM 39 | BRIGADA DE NEGRO
es I Feel You, canción recontra matonesca). Según declaraciones del propio Martin Gore, en el nuevo disco podremos encontrar tres o cuatro canciones que ellos consideran son de las mejores que han compuesto y, como conjunto, el disco es una mezcla entre el Violator y el Songs of Faith and Devotion. Solo le pido a Dios que se parezca un poquito al Ultra y me daré por satisfecho, porque las últimas producciones no han pasado de regularonas. Ahora bien, veo mucha emoción porque la gente asume que DM vendrá al Perú. Sobre esto, debo decir
que espero de todo corazón que un empresario se mande a traerlos de nuevo, pero de buena mano sé que el primer concierto que estuvo programado para un máximo de 30 mil, no llegó ni a 23 mil, y eso que solo se habrían vendido de 17 mil a 18 mil entradas. Cuando vino Alan Wilder como solista con su proyecto Recoil, solo fueron 500 personas, y creo que estoy siendo bastante condescendiente con la cantidad. ¿A qué quiero llegar con todo esto? Que creo que va a ser bien difícil (aunque uno nunca sabe) que alguien se atreva a traer a una banda que no es barata, cuando la experiencia de la primera vez no cubrió las expectativas que en principio se esperaban. A esto se suma que muchos se quejaron porque el show no cubrió sus expectativas ya que no tocaron las clásicas conocidas de inicios de los ochenta, como New Life, Just Can’t Get Enough, Everything Counts o Master and Servant. Peor aún, las experiencias nos dicen que traer a bandas con intervalos de muy poco tiempo no resulta un gran negocio. Basta ver los ejemplos de Iron Maiden, Megadeth, Jonas Brothers y Los Fabulosos Cadillacs, a los que nos les fue nada bien en sus retornos. Claro, ruego a Dios que la boca se me haga chicharrón, que vengan a Lima y pueda ver en vivo nuevamente a mis ídolos de infancia y juventud. Gente, antes de que acabe el año tengo que recomendarles que se consigan el que creo debería ser uno de los mejores discos del año. Me refiero al disco Oshin de la banda neoyorquina DIIV. Con un estilo que mezcla el post punk de Joy Division, las guitarras de The Chameleons, los sonidos etéreos de Slowdive y con algunos airecitos a Mahogany, estos cuatro gringos chibolones con pinta de grunge a lo Dinosaur Jr, la recontra rompen. Es un viaje por tres décadas, cuando menos. Canciones como Human reconfortan el alma, Past Lives suena al mejor The Legends, Earthboy suena al The Cure antiguo, a ese que nos conmovía con Charlotte Sometimes, y Wait es una oda a los ochenta con esa vocecita, indescifrable e inocentona. Para mi 9.9 puntos.
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Escribe Jose Dacal Cantante y compositor de La Prensa www.soundcloud.com/laprensarock http://myband.is/laprensa Foto: Archivo
GRR
DEL GENÉSIS AL APOCALIPSIS
LA IMORTALIDAD DE LOS ROLLING STONES EN EL PRINCIPIO DIOS CREÓ A LOS ROLLING STONES. NACIERON DE LOS ESCOMBROS DE LONDRES POST SEGUNDA GUERRA MUNDIAL. LA PRIMERA LÍNEA DE JUMPING JACK FLASH LA PONE CLARITA: YO NACÍ EN UN HURACÁN DE FUEGO CRUZADO. EL SONIDO DEL BOMBARDEO DE LOS AVIONES SOBRE LA CIUDAD SE PARECE MUCHO AL DE UN TORNADO, Y ESA GENERACIÓN DE INGLESES LO SABE MUY BIEN. LA MAGIA DEL COMPUESTO JAGGER /RICHARDS NACE EN UNA ESTACIÓN DE TREN EN LA QUE MICK LLEVA BAJO EL BRAZO LA SALVACIÓN DE LA JUVENTUD BRITÁNICA: EL BLUES EN DISCOS DE VINILO. EL JUGO QUE SACIÓ LAS ALMAS VACÍAS Y SEDIENTAS DE UNA GENERACIÓN DE EUROPEOS BLANCOS QUE DESCUBRIÓ EL VALOR ARTÍSTICO DE LO QUE HACÍAN LOS MÚSICOS NEGROS ESTADOUNIDENSES, MUCHO ANTES QUE LOS PROPIOS GRINGOS….
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ROLLING STONES | PHANTOM 39 | 15
De ese romance con el blues, R&B y el rocanrol de los negros estadounidenses nace la banda que funda Brian Jones junto a Mick y Keith. Posteriormente, logran seducir a Charlie Watts, el baterista más solicitado de la escena londinense, quien llega acompañado de un bajista con un estilo muy personal, el buen Bill Wyman. Arrancan a tocar en bares y clubes como todos, hasta que conocen a Andrew Oldham, un joven menor que ellos con un dominio de las tendencias, estilo y relaciones públicas que lo hacía un prodigio del music business. Andrew amasa esta fértil arcilla y la convierte en la banda más exitosa del mundo después de los Beatles, que al dejar los escenarios para encerrarse en Abbey Road, llegan a niveles de producción musical inalcanzables, pero dejan el camino libre a las piedras para que rueden solas e invencibles por el planeta. Arranca la década de los setenta y de la mano de los Stones, nace el rock de estadio. Experimentando con el naciente monitoreo de escenario y las grandes audiencias, la banda lidera un movimiento que se extiende por el mundo. Europa, Asia, América y Oceanía esperan cada cierto tiempo la llegada de estos mensajeros de la libertad y la pasión, y la policía la de Keith, para revisarle las maletas. Toda la estructura legal, la prensa amarilla y las fuerzas del orden en “cargamontón” contra
16 | PHANTOM 39 | ROLLING STONES
Cuando estamos seguros de que la base siete puede ser un obstáculo para ser joven, los Stones nos sorprenden con un par de temas tan ponedores como los de siempre, metidos en un compilatorio de aniversario que siempre es carne para los millones que los adoran. un solo guitarrista. Un tira y afloje tan difícil de resolver como el problema de fondo: la adicción de Keith a la heroína, situación que mantuvo a la banda en vilo mientras se grababa el álbum Some Girls, editado en 1978. Metidos en el estudio trabajando con una sentencia pendiente sobre la cabeza creadora del grupo. Mucha angustia e incertidumbre, que dieron como resultado un disco electrizante y un final feliz. Keith libre del encierro y en un proceso de rehabilitación. Los ochenta traen consigo un par de discos que no le gustan demasiado a Richards. Su ausencia en el estudio por su problema de salud genera que Mick tome el control creativo e imprima al sonido de la banda su gusto por estar al día con las tendencias. Entre otras cosas, los sintetizadores y efectos nuevos que a Keith nunca le terminaron de
convencer. Jagger convierte un contrato pendiente de la banda con su disquera en un trato para él y su siguiente disco solista. Esto genera la ira de Keith y una seguidilla de comentarios e idas y vueltas que derrumban la relación de los Glimmer Twins, hasta el punto de un distanciamiento que parecía definitivo. En 1988, Ronnie Wood se cansa de tanto ego y pelotudez y enfrenta a los dos gemelos para que arreglen las cosas y vuelvan al ruedo. La iniciativa de Ronnie se concreta y el resultado es Steel Wheels, un disco seguido de una gira mundial que vuelve a unir a los muchachos. El sueño continúa hacia la década del noventa. Ya entrados en la base cuatro, los Stones conviven durante estos años con el boom del grunge y sobreviven sin tener que subirse a ningún coche. Sacando buenos discos con buenas canciones y llenando estadios por el mundo, como una caravana invencible de gitanos con guitarras eléctricas. Lejos de las modas, las etiquetas y, sobre todo, de la vejez, las piedras siguen rodando con furia rumbo al nuevo milenio, cada vez más respetados, más admirados y más copiados. ¿Quién no le robó alguna vez a los Stones? Son la fuente de buena onda más fértil del planeta. Y además, a estas alturas, ya hay sospechas de su oscuro pacto de inmortalidad. Pero este pacto no es con el diablo, es con la gente. Es un pacto de resistencia, entrega e infinita generosidad. Todo el mundo comenta que se viene la última gira, que Keith se cayó de una palmera borracho, que Ronnie está enganchado en crack, que Charly está harto de todo y que Mick ya no tiene tiempo para el rock. Pero la realidad es otra. Ellos siempre regresan y todo el mundo quiere una entrada, porque nadie quiere morirse sin ver en vivo a los Stones. Nadie sabe porqué, pero parece que estarán aquí para siempre y nos enterrarán a todos. Y cuando estamos seguros de que la base siete puede ser un obstáculo para ser joven, nos sorprenden con un par de temas tan ponedores como los de siempre, metidos en un compilatorio de aniversario que siempre es carne para los millones que los adoran. Finalmente, al borde de un supuesto Apocalipsis, cuando el mundo anuncia el fin de los tiempos, ellos están aquí. Presentes, intensos, brillantes, sonando cada vez mejor y esperando que se acabe esta farsa, para apagar la luz y cerrar el quiosco.
CAFÉ TACVBA VUELVE
Fueron cinco años de silencio como banda y varios proyectos solistas. Ahora regresa con un nuevo álbum bajo el brazo. El grupo mexicano Café Tacvba, con 23 años de intensa carrera musical, presentó Este objeto antes llamado disco, que se plantea como “un renacer y una radiografía de lo que hoy es la banda”, de acuerdo con el tecladista Emmanuel del Real. Los “tacvbos”, autores de temas como Eres, Quiero ver e Ingrata, regresan a Lima este 8 de diciembre para participar del Festival El Baile y El Salón, junto a los peruanos de La Sarita y Colectivo Circo Band. La cita será en el Centro de Convenciones Claro en Plaza San Miguel. Las entradas ya están a la venta en Tu Entrada. Vayan. (Nicolás Bello) 17 | PHANTOM 31 | XOXOXOXOX
La Alianza Profana
DENGUE DENGUE DENGUE!
SE HA CONVERTIDO EN EL PROYECTO DE CUMBIA DIGITAL MÁS EXITOSO DE LA ESCENA PERUANA. TODAS LAS FIESTAS QUE ORGANIZA SUPERAN EL LÍMITE DE ASISTENTES, TRABAJA CON UN EQUIPO DE PRIMERA COMO ES COLECTIVO AUXILIAR Y HA COMPARTIDO ESCENARIO CON UNA GRAN CANTIDAD DE ARTISTAS INTERNACIONALES DE MUCHO PESO. DDD ACABA DE LANZAR SU PRIMER ÁLBUM, LA ALIANZA PROFANA, SIN DUDA UNA CARTA DE PRESENTACIÓN QUE PODRÍA POSICIONARLOS COMO UNO DE LOS PROYECTOS DE CUMBIA DIGITAL MÁS SÓLIDOS DE LATINOAMÉRICA. NOS REUNIMOS CON FELIPE SALMÓN Y RAFAEL PEREIRA PARA CONVERSAR SOBRE SU NUEVO LANZAMIENTO Y EL VIDEOCLIP QUE ACABAN DE PUBLICAR EN LAS REDES SOCIALES. AHÍ VAMOS.
18 | PHANTOM 39 | DENGUE, DENGUE, DENGUE!
Entrevista de Rui Pereira @ruidopereira Fotos Hilda Melissa
El dato: pueden escuchar el nuevo disco de DDD en su cuenta de Soundcloud. Todos los links a sus redes sociales están activos en su página web: denguedenguedengue. com
¿CÓMO NACE DENGUE DENGUE DENGUE!? En 2010 viajamos para presentarnos en una de la fechas del Festival Trimarchi en Mar del Plata, Argentina. Felipe presentaba su proyecto Zolcan Breaker y yo (Rafael) hacía los visuales del show. Ahí tuvimos la oportunidad de escuchar algunos artistas de la disquera Zizek: el Remolón, Chancha Vía Circuito y Villa Diamante. Instantáneamente vimos las posibilidades de hacer esa música a nuestra manera. Unos meses después, ya en Lima, empezamos a tocar por separado hasta que por cosas de la vida nos mudamos juntos a Barranco. Todo se dio de forma muy natural, era lógico juntar los dos proyectos, ambos estábamos explorando los mismos ritmos y fusiones. ¿CÓMO ES LA DINÁMICA A LA HORA DE PRODUCIR? Los dos hacemos un poco de todo, música, video y las máscaras. A veces Felipe produce algunos temas solo, otros temas los hacemos juntos o, de pronto, él dibuja unos personajes y yo los animo en video, y a veces yo hago un video por mi lado. En realidad no existe una fórmula exacta, lo que único cierto es que todo lo que sale bajo el nombre Dengue DengueDengue! está curado por los dos. Si algo no le cuadra a alguno, no va. A la hora de tocar en vivo nos turnamos, mientras uno lanza las pistas, otro mete los efectos y samples. Vj Sixta es la encargada de mezclar los visuales en vivo.
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¿CÓMO APARECE LA IDEA DE LAS MÁSCARAS? Las máscaras tienen dos funciones: darle unidad al proyecto, ya no se trata de Felipe Salmón o Rafael Pereira, sino de Dengue DengueDengue! y, por otro lado, la cumbia y la música tropical se muestran, en general, de manera colorida, en todas las fiestas regionales se disfrazan y usan máscaras, las nuestras representan ese colorido, a nuestro modo.
SABEMOS QUE HAN TENIDO LA OPORTUNIDAD DE VIAJAR PREVIAMENTE POR LATINOAMÉRICA, PERO AHORA QUE YA TIENEN UNA CARTA OFICIAL DE PRESENTACIÓN COMO ES EL DISCO, ¿EXISTE ALGÚN PLAN DE INTERNACIONALIZACIÓN? Estamos viajando a México para tocar en diferentes lugares y quizá también nos vayamos a Chile para fin de año.
A PROPÓSITO DE SU NUEVO ÁLBUM, ¿DE DÓNDE SALE LA ALIANZA PROFANA COMO NOMBRE O CONCEPTO? El concepto viene de Los Thundercats. Al principio el disco iba a ser solo un EP de tres temas: Simiolo, Chacalom y La Alianza Profana. En Los Thundercats, todos los mutantes, como Simiolo (mandrilo en la traducción al español), Chacalom, Reptilio y Buitro formaban La Alianza Profana. Ahora lo vemos más como una alianza entre nosotros, ya que juntos estamos profanando cumbias (risas).
¿Y PARA 2013? Estamos buscando fechas en Europa. Hemos mandado el disco a nuestros contactos y estamos a la espera. De hecho el disco funciona, como dices, como una carta de presentación.
¿CÓMO LES FUE EN EL LANZAMIENTO DEL ÁLBUM? De hecho superó nuestras expectativas, fue muchísima gente al lanzamiento. La sufrimos, pero llegamos. Además, ese día fue el cumpleaños de Vj Sixta y terminamos celebrando como si fuera el cumpleaños de todos nosotros.
¿CÓMO FUE EL PROCESO DEL NUEVO VIDEO? Fuimos con una idea en pañales donde Mika Stornfelt. Él tomó la idea básica y la desarrolló, le dimos muchas vueltas a la propuesta y finalmente llegamos a definir algo que podíamos producir de acuerdo con nuestras posibilidades. Y es que las primeras ideas volaban mucho y solo podían realizarse con un presupuesto tipo Hollywood. El video fue grabado en un solo día, las máscaras las hicimos dos días antes de la filmación, casi sin dormir, y las terminamos en el set. La gente
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del equipo de Chita Films fue súper profesional, de hecho el proceso fue muy divertido. Finalmente, Wawín, del estudio de post-producción Macaco, le metió unas animaciones en 3D y la “colorizada”. Tuvimos la suerte de trabajar con gente muy talentosa. ¿QUIÉNES ESTÁN DETRÁS DE ESAS MÁSCARAS? ¿QUÉ COSAS LES GUSTA HACER EN SU VIDA DIARIA ADEMÁS DE LA MÚSICA Y LOS VISUALES QUE PRODUCEN CON DDD? Bueno, Felipe Salmón y Rafael Pereira, somos parte del Colectivo Auxiliar junto con VJ Sixta. Hacemos fiestas y funcionamos también como disquera. A mí (Rafael) me gusta coleccionar vinilos y comer tallarines en salsa huancaína con lomo anticuchero. A mí (Felipe) me gusta comer sano y jugar videojuegos.
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¿QUÉ MÚSICA ESCUCHAN? Escuchamos distintos géneros que van desde la cumbia hasta la música electrónica experimental. De hecho, las producciones están bastante influenciadas por la corriente “bass”, música de bajos gruesos y pesados. Ambos estamos siempre en la búsqueda de sonidos nuevos, es algo que nos motiva a seguir creciendo, descubrir nuevas mutaciones sonoras o visuales.
“En realidad no existe una fórmula exacta, lo que único cierto es que todo lo que sale bajo el nombre Dengue DengueDengue! está curado por los dos. Si algo no le cuadra a alguno, no va”.
LA MENTE Y LA
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La Mente ya nos tienen acostumbrados a buenas producciones, y su más reciente lanzamiento es una interesante aporte a nuestra ya no tan reducida fauna local de músicos. La gente ha recibido muy bien Música, un disco que sigue en la misma frecuencia de los anteriores Electropical (2007) y Para los muertos y los vivientes (2009) e incluye temas nuevos y ritmos diversos, siempre en la onda de la banda. Como anotan los vocalistas, Nicolás Duarte y Ricardo Wiesse, “este disco está dedicado simple y universalmente a la música”. La Mente no para y sigue organizando fiestas por aquí y por allá. Para seguirles la pista, www. lamenteperu.com, su página web, que además está potente.
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CHRISTIAN VAN LACKE
HACE UNOS MESES, UNA NOTICIA REMECIÓ LA ESCENA ROCKERA LOCAL. LA PROLÍFICA BANDA TLÖN SE DISOLVÍA DESPUÉS DE UN MUY CELEBRADO TERCER DISCO. SIN EMBARGO, CHRISTIAN VAN LACKE, SU CREADOR, NO DEJÓ DE COMPONER. SU NUEVO PROYECTO SOLISTA, CHRISTIAN VAN LACKE Y LA FAUNA, NOS PRESENTA UN DISCO EPÓNIMO, QUE VIENE ACOMPAÑADO, PARADÓJICAMENTE, DE GRANDES MÚSICOS COMO DANIEL F, RAFO RAEZ, BETO MARTÍNEZ (EL POLEN), MANUEL CORNEJO (LAGHONIA), TAVO CASTILLO (FRÁGIL) Y TANIA DUARTE (REINO ERMITAÑO).
Viajando en la armonía Entrevista de Enrique Palacios Fotos Archivo
no por ahora. Creo que fue perfecto mientras duró. Los integrantes seguimos juntos aún, pero de diferente forma”. Pero… ¿Podremos ver a Tlön otra vez sobre un escenario? “No descarto la posibilidad de reunirnos en alguna ocasión especial, quizá un concierto al año. Pero es difícil que volvamos a grabar -anota-, Tlön nunca tendrá un final. Quedaron tres discos que fueron pensados para vivir en el tiempo”. LA FAUNA “Compongo mucho material y la prioridad es grabarlo y, por lo general, los que tocan conmigo se atienen a eso”, cuenta Christian, explicando porqué su forma de trabajar no ha cambiado mucho. “Siempre dejo algún espacio, si del grupo se trata, para que alguno de los músicos ponga algo suyo, pero siempre dentro de la línea de lo que hago. Me parece bien que haya alguien llevando la batuta, sino todo es un caos. Soy muy loco, pero ordenado para hacer música. En un grupo todas las piezas son importantes, como en un barco. Está el que le da combustible al motor, el que sabe descifrar los mapas y el que lleva el timón”. ¿CÓMO SE DESARROLLAN LAS PRESENTACIONES EN VIVO DE UN PROYECTO QUE INCLUYE A TANTAS PERSONAS? Para que suene exactamente igual tendría que tener a todas las humanidades disponibles, es difícil, no manejamos un presupuesto acorde al trabajo que queremos proyectar. Como solista toco algunos temas del disco y composiciones mías de proyectos anteriores. En eléctrico (con Andreo Carrillo y Oliver Castillo) cuando tocamos en pubs o festivales, y en acústico (con Fernando Vann) si se trata de un teatro, ya que esto último requiere un excelente sonido.
y La Fauna “La Fauna es solo un nombre, es una manera de describir a los personajes que me acompañaron en el disco con sus habilidades musicales”, explica Christian mientras prueba el café que acabamos de ordenar. “Todos hemos remado duro, por lo general a contracorriente, en este río en el que priman la insensibilidad, el descreimiento y las poses, siempre en detrimento del arte como expresión natural de los seres humanos”, concluye el argentino. Era inevitable preguntar sobre la disolución de Tlön. “Sentí que habíamos cumplido nuestro ciclo creativo y en estos momentos estoy proyectado en otras cosas. No imagino un cuarto disco de Tlön, 23 | PHANTOM 31 | XOXOXOXOX
COMO CREADOR DE MÚSICA AJENA A LAS MASAS, COMPARTES ALGUNOS PROBLEMAS CON MUCHOS MÚSICOS NACIONALES. Es complicado sonar como uno desea. Trabajamos para que suene bien, pero por lo general dependemos de otras personas y de las acústicas de los recintos, que no son lo suficientemente buenas. Es una lástima que cuando alguien monta un local para conciertos solo piense en cuántas cervezas se venderán. ¿CUÁLES SON LAS DIFERENCIAS ENTRE TUS NUEVAS COMPOSICIONES Y LAS QUE ESTÁBAMOS ACOSTUMBRADOS A ESCUCHAR EN TLÖN? Venía de componer mucho desde el riff sin perder la parte melódica. En las canciones de este disco, predominan la armonía y el formato de acordes. Ahora tenemos capas de voces y temas que se desestructuran, desdoblan, desarman y contraen. Hay zonas de descanso que intentan llevar al pensamiento profundo. Los temas están como flotando, algunos con batería, pero en líneas generales, la música se desenvuelve en el aire. LOS TEMAS Sobre las canciones de este nuevo disco, Christian explica que algunas “fueron creadas para remover los sentidos”, como Temporal, Pájaro de agua y Ayahuasca. Destacan también La semilla, un tema simple que habla sobre la naturaleza, en el que podemos disfrutar la voz
de la cantante de Lunazul, Magali Luque; y Ramsés, que combina el tango con la música peruana, reflejando un poco el sentir ahora “binacional” de Van Lacke. Canciones como Cuerpo y Alma (cantada con la argentina Julieta Rimoldi) y Él viene andando, van por una línea más folk que las anteriores. “La primera tiene una cadencia sudamericano/espacial -cuenta Christian-, la segunda es un fragmento de una canción compuesta por Darío Gianella (Tarkus) en su época de Los Niños de Dios, es una visión espiritual que habla de un profeta que baja desde las nubes a galope, con su caballo”. También nos encontramos con una sorprendente e imperdible Memento Mori, homenaje al gran cantante de Los Gatos de Argentina: Litto Nebbia, en la que participan dos íconos del rock peruano como Daniel F. y Rafo Ráez. LA GRABACIÓN Teniendo en cuenta toda “la fauna” que participa en él, la grabación de este disco estuvo llena de anécdotas y momentos que Van Lacke recuerda con mucho cariño. Uno, por ejemplo, fue ver a Rafo Ráez saltando mientras grababa su voz, “muy delirante y feliz, viviendo la canción”. Beto Martínez, de El Polen, mandó los audios desde Urubamba (Cusco), “lo loco es que no nos conocemos personalmente, pero Beto participó igual, con mucho amor y entusiasmo”, concluye Christian. La intervención de Julieta Rimoldi no estaba planeada. “Ella llegó de Argentina y estuvo un tiempo en mi casa, escuchó el tema y le agregó una armonía vocal que grabamos en el acto. Todo esto fue una hora antes de que se lleven los audios a la fábrica. Fue la frutilla del postre”. Una casualidad bastante grande es la estrofa que menciona a “los juglares de la infancia”, en el tema donde participa Manuel Cornejo (New Juggler Sound). “No nos habíamos dado cuenta hasta que Saúl (hermano de Manuel y compañero suyo en Laghonia y We All Together) captó la letra”. EL COLOFÓN Todo esto lleva a Christian a hacer una reflexión sobre lo que significa La Fauna para él. “No es un grupo, es mi mambo solista, es hacer música de la manera más libre que pueda, sin ataduras de estilos y con músicos itinerantes. Es gitana, mongol o selk’nam; nómade por excelencia. Es música para expresar en el momento y que siempre estará ahí. Seguiré con ella hasta el fin”. Antes de despedirnos, conversamos un rato sobre lo que se viene en los próximos meses y nos enteramos, en primicia, de la formación de Tortuga, un nuevo proyecto que promete y que definitivamente dará que hablar. “Es un proyecto de rock pesado con Julio “Ñaca” Almeida (baterista de Reino Ermitaño) y Jesús Morate. Estamos ensamblando las canciones, la idea es empezar a tocar y grabar el próximo año. Son temas míos que van por la línea de lo que hacía con Tlön, música pesada para volar y para hacer contacto. El rock pesado es un género con fuerza, que va para adelante. Es una parte de mí de la que definitivamente no me quiero desprender”.
Escribe Daniel Ágreda Sánchez @danielagreda Foto Archivo
LA PASIÓN SEGÚN
QUE LA MÚSICA, AL IGUAL QUE LA MATERIA, PUEDE CONVERTIRSE EN ENERGÍA, ES LA LECCIÓN QUE UNO APRENDE LUEGO DE ESCUCHAR EL TRABAJO DE ESTA NOVÍSIMA ESTRELLA DEL POP Y, EN ESPECIAL, SU MÁS RECIENTE ÁLBUM, THE ORIGIN OF LOVE (2012). Life in Cartoon Motion (Casablanca, 2007) es un disco que apareció casi de la nada. Portaba un primer single irresistible, Grace Kelly, cargado de referencias ambiguas (escenas de film noïr, referencias líricas y musicales a Freddy Mercury, la mención a los colores del arco iris y a la tímida sonrisa de Grace Kelly) con una combinación de armonías ‘prestadas’ de diversas arias de El Barbero de Sevilla (ópera de G. Rossini). Este sería el primero de una seguidilla de temas enérgicos como Lollipop (acerca de la virginidad de las niñas), Love Today y Relax, acompañados de temas bastante más reflexivos como Big Girl, You Are Beautiful (sobre la discriminación hacia las chicas entraditas en carnes), Happy Ending, Billy Brown (la historia del feliz padre de familia que se enamoró de otro hombre) y Any other World (acerca de la violencia contra las mujeres). Demás está decir que el álbum se mantuvo por mucho tiempo en los primeros lugares de ventas de todo el mundo. Con el viento completamente a su favor, Mika explotó al máximo su exitoso debut y editó un par de EP en vivo y dos DVD (Mika: Live in Cartoon Motion, 2007 y Mika Live Au Parc Des Princes, 2008) con presentaciones en las que se mostraba musicalmente al desnudo: en todos los registros en vivo termina por quedarse sin voz hacia la mitad de sus presentaciones (algo que es lógico, considerando la tesitura en la cual debe cantarlas). Pero eso no hizo menguar su estrella y más bien pareció ganar nuevos adeptos. EL ORIGEN DE LA PASIÓN Nacido en Beirut, en 1983, Michael Holbrook Penniman, Jr. (Mika) viajó durante su niñez y adolescencia por diversos países, entre ellos Estados Unidos y Francia, en los cuales recibió clases de piano y canto lírico. Si bien no vivió una infancia feliz (fue víctima de bullying, según sus propias declaraciones), al parecer las experiencias adversas le ayudaron a forjar un carácter constante, el cual le ha servido para enfrentar tanto los chismes sobre su vida privada como los problemas de su propia voz. Se sabe que, al inicio de su carrera musical, su rango vocal abarcaba casi cinco octavas; actualmente, este parece haberse reducido a solo tres. Sucedió que Life in Cartoon Motion tuvo tal éxito que Mika pasó de presentarse ante 20 ó 30 asistentes en algún bar de medio pelo los fines de semana a enfrentar, de la noche a la mañana, estadios repletos de público en performances diarias. Como el mismo cantautor señaló en una entrevista, en determinado momento se vio obligado a inyectarse desinflamantes directamente en el cuello debido a que amanecía sin voz y debía recuperarla sí o sí para la tarde o noche de ese mismo día.
Con todo, Mika continuó estoico interpretando los demenciales falsetes de sus primeras canciones, tocando el piano y bailando como trompo sobre los escenarios por espacio de tres años. LA CANCIÓN DE LOS SERES DORADOS En 2009 presentó el EP Songs for Sorrow y el álbum The Boy Who Knew Too Much (Casablanca, Polydor). En ambas obras se notaba una evolución: la más evidente era que los falsetes estaban mejor dosificados y repartidos por todas las canciones. En el aspecto musical, las canciones mantenían los toques lúdicos pero, en general, se le sentía bastante más maduro. Además, los referentes artísticos ahora eran más amplios (y hasta internacionales, incluyendo aires latinoamericanos). Allí estaban los éxitos We Are Golden y Rain, junto con Blue Eyes, Toy Boy y Blame It on the Girls. La respuesta por parte del público y de la crítica fue mixta: el álbum tuvo buena presencia en los charts pero esta no fue la esperada; el síndrome del primer álbum exitoso le había afectado poniendo la valla (comercial) mucho más arriba de lo que Mika pretendía llegar (¡debía competir con la friolera cifra de seis millones de discos vendidos por él mismo!). Sin embargo, teniendo todas las cartas a su favor, incluyendo el apoyo incondicional de su disquera, para lograr la hazaña de superarse en las ventas, el artista optó por un álbum más sereno y maduro, abordando en sus letras temas un poco más complejos (aunque continuaba evitando hacerlo directamente). De todas formas, Mika ya se encontraba en la cresta de la ola y eso era irreversible, pues continuaba siendo invitado a participar en cuanta banda sonora podía aceptar, como las de la serie Ugly Betty y la película KickAss (2010). DENTRO Y FUERA DEL CLÓSET The Origin of Love (Universal Republic, 2012) trae nuevamente a Greg Wells como productor (ha trabajado con Elton John, Rufus Wainwright, Katy Perry, Count Basie Orchestra) y una propuesta sonora mucho más contemporánea. Mientras los dos primeros álbumes sonaban al pop de las décadas de 1980 y 1990 (respectivamente), este tercer producto se acerca un poco más a la obra de sus contemporáneos. De hecho, se nota cierta estandarización que, sin embargo, no ha mermado la calidad musical, pues esta sigue siendo poderosa, y las letras ahora son bastante más directas (entre otros hitos importantes de su vida personal, este mismo año Mika hizo pública su hasta entonces negada homosexualidad, convirtiéndose de paso en un ícono LGBTI).
Tal vez esto haya impactado en el sonido del disco, más simple y limpio que los anteriores, más pop y a medio camino entre lo acústico y lo electrónico, sin capas superpuestas ni distorsiones computarizadas. Con todo, la energía sigue ahí, solo que condensada; en otras palabras, aún podemos armar una fiesta con este disco, pero ahora tendremos espacio para conversar tomando algunos tragos. El álbum es tan reciente que Mika sigue lanzando singles y videos; a principios de noviembre editó Underwater, el sucesor de Elle Me Dit y Celebrate. Y aunque resulta muy temprano para hablar del impacto probable, durante las primeras semanas el disco se vendió bastante bien y la crítica lo acogió mejor que a su predecesor. De todas maneras, el derrotero de Mika parece llevarlo cada vez más cerca del lado experimental. Personalmente, estoy seguro de que este (o tal vez el siguiente) será su último disco netamente pop y que se avecinan obras instrumentales, óperas tal vez, orquestaciones y piezas para video arte. En todo caso, esperemos que el favor del público lo acompañe como hasta ahora.
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Escribe Álvaro Díaz Fotos Archivo
// Aunque el desarrollo económico y la mayor libertad de los últimos años ha traído al Perú a grandes estrellas del rock, sigue siendo un país en donde la música que escuchan adolescentes y adultos es casi solamente la que oyen en la radio y los medios masivos y virtuales más populares. Es casi la misma que bailan en las discotecas y también en las fiestas de matrimonio más solemnes. Casi hay un solo código de música popular, y suena mucho a cumbia (con el debido respeto por este género). El Perú no suele tener educación musical en sus escuelas y eso –junto con lo anterior-, en poco tiempo ha terminado por hacer de los peruanos personas poco atrevidas y aventureras con los sonidos distintos al código usual. Una de las maneras más rápidas y efectivas para romper esa disfunción es ver con los propios ojos la performance de músicos que desafíen o estén fuera de los códigos usuales. Las oportunidades no sobran en esta parte del mundo, menos hoy que Gustavo Cerati está dormido.
ANDREW BIRD LLEGA A LIMA GRACIAS A SUS FANS, QUE MEDIANTE UN MOVIMIENTO GENERADO EN LAS REDES SOCIALES ASEGURARON A LIMA COMO PLAZA, Y A LA APUESTA DE LA PRODUCTORA VELTRAC MUSIC. GENIAL. SI AÚN NO TIENEN ENTRADA, ¿POR QUÉ DEBERÍAN COMPRARLA YA YA? ACÁ SIETE RAZONES DE PESO.
Pero este músico va más allá de las reglas, círculos y figuras bajo las que se forma un violinista desde pequeño y lo que viene a tocarnos no es música de cámara. Bird es un forjador de estilo y alguien que toma de varias tradiciones (incluyendo los géneros de Estados Unidos que han definido gran parte del rock: jazz, blues y folk). ¿Algo simple? Un violinista y guitarrista que muy seguido suena a antiguo o a música de campo en una película retro, se pone a tocar cosas nuevas, no deja su sonido, pero se acompaña de otros ambientes, es más divertido, nos puede hacer bailar, nos puede hacer cantar y por supuesto nos puede hacer callar (por talentoso).
Si retratáramos la escena del rock del Perú, quizá podríamos dividirla en tres. Aquella de los grandes conciertos que alcanzan los medios masivos y tiene producciones grandes y costosas; aquella de los pequeños circuitos de provincias o la capital en donde el público, también dependiendo de lo que comente la gente, va a escuchar a la banda del momento, o a la que le sugieren. Hay quizá, una tercera parte de la escena, de producciones de pequeña o mediana escala, eventuales, bajo la que ha llegado al Perú, curiosamente, un buen número de bandas de culto como The House of Love, Sonic Youth, The Mission, The Ocean Blue, The Drums, Kings of Convenience, The Jesus and Mary Chain, The Kills, entre muchos otros. Es esta tercera parte de la escena, la que se tiene más riesgo, tanto en el negocio como en lo que uno oirá: casi todo sale del código usual, pero nos lleva más allá de donde estábamos antes.
Una sola visita a YouTube, iTunes, Soundcloud, My Space o cualquier otra plataforma en donde Andrew Bird o sus fans hayan colgado su material nos puede mostrar que lo que vamos a escuchar de él en Lima es un concierto de rock. Y el rock independiente de este talentoso rockero toma de géneros musicales de aquí y de allá, ingredientes, atmósferas y sonidos eléctricos, acústicos, que van libres en un formato que muchas veces nos impresiona. Será un hombre joven parado delante de nosotros haciendo hablar a su violín primero, cantando, luego sonando con una banda, siempre llevándonos a lugares entre dulces y grises. En ningún momento del espectáculo habrá oscuridad, solo sonrisas y silencios. Este es un músico notable.
Es dentro de esta tercera parte de la escena que viene a Lima el violinista, músico, compositor y cantante de rock indie Andrew Bird (Estados Unidos, 11-7-1973). ¿Una razón técnica? Bird estudió violín bajo el ahora famoso método Suzuki. Todos los estudiantes, profesores, padres e interesados en estudiar música en el Perú bajo este método, pueden ver los resultados con él (y saber que no siempre uno terminará tocando vestido de gala, si eso preocupa). Si alguno de los alumnos tiene la secreta intención de ser un cantante o músico de rock sólido, es el momento de ver a uno, formado en su método, original y creativo al máximo, sobre un escenario peruano.
Quién no ha escuchado a Andrew Bird podría tocar en su auto o su reproductor personal el temaImitosis, incluido en el disco Armchair Apocrypha (2007) y ponerse feliz, ponerse a buscar el disco hasta tenerlo seguro. Quien quiera de verdad sorprender a alguien con algo especial, podría llevarlo o llevarla a escuchar a Bird tocar en Lima, el 27 de febrero en Toro Bar. Al salir, ambos sentirán que eso fue parte de una película que comienza o termina, pero que tuvo una escena notable, filmada en un bar que parecía de otro país, pero era el Perú; alegre, especial y dulce, como se pone muchas veces.
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Escribe Ketty Cadillo Foto Archivo
The Killers ...el regreso DESUÉS DE EL ÉXITO DE SU PRIMERA VISTA DURANTE SU GIRA MUNDIAL DAY & AGE, UNA SEPARACIÓN TEMPORAL, EL LANZAMIENTO DEL DISCO DE BRANDON FLOWERS, FLAMINGO (2010) Y EL CD DEL BAJISTA MARK STOERMER, ANOTHER LIFE (2011), ENTRE OTROS PROYECTOS EN SOLITARIO DE LOS OTROS MIEMBROS DE LA BANDA, THE KILLERS VUELVA A LIMA PARA DAR UN ÚNICO CONCIERTO EN EL ESTADIO NACIONAL ESTE 4 DE ABRIL ¿LA NOVEDAD? REGRESAN CON BATTLE BORN SU NUEVA PRODUCCIÓN, LA CUARTA EN LA CARRERA DE LA BANDA. The Killers se juntó nuevamente en octubre de 2011 para trabajar en Battle Born (estudio que tienen los Killers en Las Vegas y nombre de su nuevo disco) en una nueva aventura musical que partió, según ha contado Brandon, del primer sencillo del álbum, Runaways, tema que junto a Miss Atomic Bomb, marcan, un punto de inflexión en el regreso de la banda. “Esas canciones fueron la columna vertebral de esta grabación. Me hicieron sentir que íbamos en el camino correcto”, ha dicho Flowers. Tras la desconfianza inicial- se dice que durante las primeras semanas en el estudio no hacían más que mirarse las caras-, los Killers lograron sacar adelante 12 temas en varios meses de trabajo, periodo en el que compartieron faena con productores de la talla de Steve Lillywhite, Damian Taylor, Brendan O’Brien, Stuart Price y Daniel Lanois (el producto fue mezclado por Alan Moulder, quien estuvo a cargo de este mismo proceso de los dos primeros álbumes del grupo). Y bueno, ahora, tras la parafernalia inicial del retorno y el lanzamiento del nuevo disco, The Killers- Brandon Flowers, Dave Keuning, Mark August Stoermer, Ronnie Vannucci Jr.- vuelve a la faena de los show en vivo, a recorrer carreteras y a pasar horas en vuelos interminables pero, sobre todo, a llenar teatros y estadios. Una gira mundial que comenzó el 26 de setiembre de 2012 en The Fonda Theatre y que ya llevó a la banda a dar más de 10 conciertos por todo el Reino Unido en noviembre pasado y otros tanto en Estados Unidos.
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TOURISTA
Entrevista de Nicolás Bello @nbello Foto Santiago Barco
NO ENCAJAMOS, PERO NOS DIVERTIMOS
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HAY MOMENTOS EN LA VIDA EN LOS QUE UNA DECISIÓN “IMPULSIVA”, COMO RENUNCIAR AL TRABAJO PARA DEDICARSE A LA MÚSICA, ABRE CAMINOS IMPREDECIBLES. MOMENTOS EN LOS QUE, DE MANERA NATURAL, LAS COSAS SE ORDENAN Y NO PODRÍAN HABER SIDO DISTINTAS NI MEJORES. PARA EL GUITARRISTA Y VOCALISTA RUI “RUIDO” PEREIRA, LO QUE INICIÓ CON LA IDEA DE UN VIAJE RESULTÓ EN LA FORMACIÓN DE LA BANDA QUE HOY DIRIGE.
La idea se venía gestando hacía un par de años. “En 2010 dejé mi trabajo como publicista y, con el dinero que tenía ahorrado, me mudé a la playa. Compré algunos equipos, armé un home studio y me puse a producir una maqueta con la idea de viajar a México a probar suerte”, cuenta Rui. La decisión estaba tomada, pero el destino quiso que la historia fuera distinta. Dos meses antes de partir hacia el norte, tras un concierto de reencuentro de la banda Plug Plug, Rui y Sandro Labenita (baterista en Plug Plug) se encontraron y tuvieron una conversación que cambiaría totalmente los planes de ambos. “Me contó que había soñado que tocábamos juntos en una banda, estaba muy emocionado. Dijo que había sido muy divertido, como si en realidad lo hubiera vivido. Un par de semanas después decidí cancelar mi viaje. Me di cuenta de que en Lima estaban ocurriendo muchas cosas interesantes y el panorama era bastante prometedor”.
Con una propuesta que mezcla sonidos indie con música contemporánea, sintetizadores y sonidos de 8bit (los mismos que los juegos de video de los ochenta y principios de los noventa), y ritmos de batería influenciados en la cultura dance electrónica, Tourista prefiere no etiquetarse en ningún estilo particular. “Es difícil ponerle una sola etiqueta a la banda, siempre son limitadas. Preferimos decir que hacemos música y punto, pero cuando no tienes un disco en la mano a veces es necesario usarlas”, explica Rui. Su primer sencillo, Lentes, tiene un sonido eminentemente dance con una marcada presencia de sintetizadores y ritmo de la batería que casi funciona como un metrónomo. La línea armónica de la guitarra, sin embargo, aporta ese toque que los libera de caer en lo puramente dance electrónico. La letra, más rítmica que melódica, termina de dar forma al tema y habla de manera introspectiva sobre estar solo con tus propios pensamientos y ponerse los lentes oscuros, 31 |que PHANTOM 31qué | XOXOXOXOX para nadie sepa estás pensando.
Lentes es el primer tema del EP Déficit de Atención, un trabajo con cinco canciones que mantiene una lógica coherente con su propuesta. Allí, se explora una una gama que pasa por el pop electrónico en El Camino y ritmos más punk en Flores de Bach, o sonidos más experimentales en Thaís y Réquiem. La grabación tomó cerca de cuatro meses de trabajo intenso en Big Monster Studios, del bajista de la banda Autobús, Alejandro León. Así, la maqueta que Rui había preparado en su autoexilio en la playa, fue tomando forma. “Alejo la ‘enchuló’ totalmente: reemplazó todas las baterías y agregó algunos arreglos a las canciones; grabó también algunas guitarras en la casa de David y se las llevó a su estudio para completar la mezcla. Le dio peso a los sintetizadores y grabó incluso algunos bajos tocados por él mismo. Fue súper divertido, Alejo es un tipo muy carismático y se hace muy fácil trabajar con él. Creo que complementó muy bien el sonido de la banda y el criterio que habíamos planteado desde la maqueta”, explica.
...PROPUESTA QUE MEZCLA SONIDOS INDIE CON MÚSICA CONTEMPORÁNEA, SINTETIZADORES Y SONIDOS DE 8BIT (LOS MISMOS QUE LOS JUEGOS DE VIDEO DE LOS OCHENTA Y PRINCIPIOS DE LOS NOVENTA), Y RITMOS DE BATERÍA INFLUENCIADOS EN LA CULTURA DANCE ELECTRÓNICA...
Decidido a convertir aquel sueño en realidad, llamó a Sandro. Al día siguiente empezaron los ensayos. “Nos faltaba un músico y tenía a David Acuña en mente, pero sabía que andaba ocupado con otros proyectos. Mientras buscábamos al tercer integrante nos entrevistaron en la página Sonidos.pe. David leyó la entrevista y me escribió un correo que decía: ´¿Dónde firmo?´ Entonces concretamos la banda a la que llamamos Tourista”. La formación se cerró con Rui en la guitarra y voz, David en la ‘guitarra mágica’, Sandro en la batería y un ‘espíritu’ encargado de las secuencias electrónicas al que llaman Maniquí.
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Llegando a tocar hasta tres fechas por mes, los Tourista ya no saben bien si aquel ritmo se debe a su propuesta o a la aparición del disco. Lo cierto es que es trabajo fuerte. Entre tocadas en locales como La Noche de Barranco con ellos como banda central e invitaciones de otras bandas, se ha posicionado como una propuesta sólida de una nueva ola en la escena local. “Octubre fue copado totalmente. La primera semana fuimos invitados a tocar en el lanzamiento del disco Adentro Afuera de Cecimonster Vs Donka. La segunda semana estuvimos en el Bar Hensley, en una fiesta autogestionada en la que también se presentó I Am Genko. La tercera semana estuvimos en la feria de diseño independiente Contra y, para cerrar con broche de oro, fuimos invitados a abrir el concierto de Boom Boom Kid en Lima”. Ahora trabajan para seguir tocando en vivo y afianzar su estilo. Con disco en mano, que además ha sido un éxito de descargas en Internet, afirman que las fechas se han multiplicado y el rebote ha superado sus expectativas. Por lo pronto, ya suenan en Radio Horizonte, una de las más influyentes en la cultura indie de Chile y la radio oficial del Festival Lollapalooza. Y desde el interior del país también hay voces que los aclaman. “Hace unos días nos escribieron desde Abancay, fue muy emocionante”, confiesa Rui. En una escena que cada día da más cabida a las nuevas propuestas, Tourista no solo trae un sonido distinto, sino una estética que busca imponer una marca. Se trata pues, en sus propias palabras de una banda que no encaja en ningún lugar, pero se divierte.
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PETER GABRIEL DESACELERADO
UNO DE LOS MÁS GRANDES ÍCONOS DEL POP, EL ROCK Y LA FUSIÓN MUSICAL REGRESA AL RUEDO CON LIVE BLOOD (REAL WORLD/VIRGIN, 2012) Y CON LA EDICIÓN ESPECIAL POR EL 25 ANIVERSARIO DE LA PUBLICACIÓN DE SO (GEFFEN, 1986).
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Escribe Daniel Ágreda Sánchez @danielagreda Foto Archivo
12 de febrero de 2010. Tras ocho años de silencio creativo (y un día antes de su cumpleaños número 60), Peter Gabriel consigue darle una nueva vuelta de timón a su carrera musical. Scratch My Back (Real World/Virgin) marcó el regreso del cantautor inglés a lo progresivo y lo sinfónico, a la musicalidad extrema que no ofrece concesiones para el oyente. La propuesta era sencilla: se trataba de la revisión orquestada (con cuerdas y piano, a lo mucho) de temas escritos e interpretados por monstruos del pop como Paul Simon (The Boy in the Bubble), David Bowie (Heroes), Stephin Merritt (The Book of Love) y Lou Reed (The Power of the Heart), entre muchos otros. Era un disco dramático, depresivo y denso que podría haber marcado el divorcio definitivo de Gabriel con el gran mercado musical… y, sin embargo, terminó por devolverlo al escaparate pop, con récord de ventas y éxito de crítica incluidos. Pues bien, siempre en la misma senda y gracias a esta nueva inyección de popularidad, Peter Gabriel lanzó en 2011 New Blood, una revisión también en clave sinfónica pero, esta vez, de sus propios éxitos: desde el primigenio Solsbury Hill (1977) hasta Darkness (2002), pasando por las celebradísimas Red Rain, In your Eyes, Mercy Street y Digging in the Dirt. Nuevamente, y contra todos los pronósticos, el público reaccionó con tal entusiasmo que Gabriel pudo retomar su antigua estratagema de márketing, con álbumes y videos en vivo de sus discos más recientes. SANGRE NUEVA Y EN VIVO Es así como llega Live Blood, un CD+DVD que registra sus presentaciones más recientes con orquesta sinfónica y, eventualmente, instrumentos de percusión que le dan color a la nueva sonoridad; siempre con el consabido despliegue visual, característico de Peter Gabriel, el mismo que nos presentara en Lima hace algunos años.
Live Blood incluye los temas de sus dos últimos álbumes, además de algunos agregados (como Biko, otro éxito de 1980) y la posibilidad de observar la apuesta escénica, cerrando el círculo propuesto permanentemente por el músico, desde sus inicios con Genesis. Recordemos que las presentaciones del famoso combo progresivo estuvieron marcadas por los disfraces y el desenvolvimiento teatral de su primer vocalista, cuya exacerbación determinó su separación del grupo debido a que el resto de los integrantes pensaba que el público se enfocaba demasiado en lo visual y muy poco en lo musical. DE GENESIS A LA REVELACIÓN Peter Gabriel duró en Genesis hasta 1974, año en que el grupo editó The Lamb Lies Down on Broadway (Charisma Records), un álbum doble cuyas música y letras aún siguen siendo motivo de análisis semiológico y hasta político. Los videos de la época dan fe de las ambiciones escenográficas de Gabriel, quien incluso por momentos parecía sentirse incómodo con los trajes que llevaba: desde la flor de pétalos gigantescos hasta el monstruo de apéndices redondos y extraños. Gabriel murió en su ley, llevándose su teatralidad a otra parte. Pero la deserción fue en buenos términos. Incluso para sus primeros cuatro discos solistas, varios integrantes de Genesis participaron como músicos invitados, aunque ahora sí a merced de sus caprichos artísticos. La carrera de Peter Gabriel solista es un caso aparte. Siendo honestos, él no cuenta con los recursos musicales ni el talento del resto de sus compañeros de Genesis, y tampoco es poseedor de una gran voz ni técnica vocal. Pero es ahí donde la genialidad empieza a jugar a su favor: concibe ideas musicales muy complejas que, en manos de músicos con formación académica (desde Hackett y Banks hasta Daniel Lanois) se transforman en propuestas casi perfectas. Eso, sumado a su interés casi antropológico por la música africana y del Medio Oriente (Passion, la banda sonora de The Last Temptation of Christ de 1989 es el paroxismo de la fusión entre el pop y lo étnico), terminan por convertir su discografía en una obra (casi) maestra. Además, Gabriel, consciente de sus propias limitaciones vocales, siempre se las ha arreglado para lograr que prime el criterio interpretativo por encima del técnico, aprovechando además su capacidad para alcanzar los agudos sin mucho esfuerzo.
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BIG TIME! Fue So (Geffen, 1986) el disco que lo catapultó a la fama y a la fortuna por igual. Para muchos, se trata del mejor de su carrera y de uno de los mejores del pop rock de todos los tiempos. Todos los temas se hicieron singles exitosos, en parte por sus innovadores videos (Sledgehammer ganó el Brit Award 1987 en esta categoría). La presencia de artistas como Laurie Anderson, Kate Bush, David Rhodes, Manu Katché, Stewart Copeland, L. Shankar, Youssou N’Dour, Djalma Correa, Mark Rivera, Daniel Lanois y Nile Rodgers no podía significar otra cosa que un éxito rotundo de taquilla (número 1 en los charts de todos los países, sin excepción) y de crítica, como se ha mencionado al inicio de este párrafo. Lo cierto es que este disco es una maravilla en cuanto a fusión de ritmos africanos con pop inglés, sonoridades exóticas bien integradas a la arquitectura musical de toda la obra, que a su vez contaba con una muy inteligente propuesta lírica: el ciclo de vida de un hombre, narrado desde su nacimiento hasta su muerte y aun más allá, pasando por la niñez, la adolescencia, el amor, el desamor y el éxito económico. En octubre de 2012, Peter Gabriel editó una serie de versiones conmemorativas por el 25 aniversario de este álbum, las mismas que van desde el tradicional álbum doble con canciones inéditas y versiones no publicadas de sus temas más conocidos, hasta la exagerada caja que incluye un vinilo de 33 RPM y otro de 45 RPM, cinco CD, dos DVD, un libro con cientos de páginas sobre la experiencia de creación y grabación, además de descargas gratuitas desde la página web oficial. Con estos, sus discos orquestados y las reediciones de su álbum más exitoso, es lógico suponer que tendremos a este abuelo del rock por muchos años más sobre el escenario. Para suerte de la humanidad. PETER GABRIEL | PHANTOM 39 | 35
PHANTOM Live at the River Plate AC/DC Sony Music, 2012 Primer álbum en directo en 20 años grabado en el estadio del River Plate de Buenos Aires (diciembre, 2009). Energía y grandeza de una de las mejores bandas de la historia. Esta es la crónica de la gira Black Ice World Tour. Son 19 canciones y también se ha lanzado una edición en tres LP de vinilo rojo, un doble CD con diferentes portadas y un libro de 24 páginas.
Chances ILLYA KURYAKI AND THE VALDERRAMAS Sony Music, 2012 Este es el nuevo disco de estudio (el séptimo) de los Illya, 10 años después de su última producción. Ha sido compuesto y grabado en Buenos Aires y mezclado en Los Ángeles. Vale.
Take the Crown ROBBIE WILLIAMS Universal, 2012 Robbie Williams regresa con este disco que incluye un sencillo en colaboración con Gary Barlow, miembro de la banda Take That. El primer single es Candy, “muy veraniego, que trata sobre una chica que piensa que es genial. Y puede que lo sea, pero tiene unas formas algo perversas”, anota el cantante. A ver qué tal le va.
Unapologetic RIHANNA Universal, 2012 Nuevo álbum en la carrera de la cantante de Barbados y una controversial portada en la que aparece totalmente desnuda y con cambio de look. Ritmo y sabor, como siempre.
La música no se toca ALEJANDRO SANZ Universal, 2012 Nuevo álbum del español producido junto al colombiano Julio Reyes ya está en circulación. Nuevas canciones, letras románticas y la voz tan particular de Alejandro, transportan a sus fans a una nueva aventura. Promete.
Harakiri SERJ TANKIAN Warner Music, 2012
Music from Another Dimention AEROSMITH Sony Music, 2012
Tercer álbum de estudio del cantante armenioestadounidense Serj Tankian. Lo ha descrito como “el más orientado al up-tempo que probablemente haya escrito desde los días de System”. En sus letras explora ideas del suicidio animal. Veamos.
Steven Tyler y Joe Perry dicen que este disco ha sido todo un logro para la banda. Ha sido producido por Aerosmith y grabado en Los Ángeles y en su estudio en Massachusetts. Carrie Underwood y Johnny Depp colaboraron con su voz en algunas canciones.
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Fotografía de Juan Manuel Russo
EL NUEVO ELIXIR DE EMERGENCY BLANKET
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Entrevista de Gabriel Vargas @gabriel_floyd
A LO LARGO SU VIDA MUSICAL, EMERGENCY BLANKET HA LANZADO TRES DISCOS: WHAT IS EMERGENCY BLANKET? (2005), COMBI+NATION (2008) Y ESTE AÑO, ABSENTA. EN 2008 GANÓ LA CATEGORÍA POP/ROCK DEL I FESTIVAL CLARO Y, DOS AÑOS DESPUÉS, LA CATEGORÍA ROCK/METAL/PUNK/INDIE EN EL PEOPLE’S MUSIC AWARDS 2010, EN LONDRES. ADEMÁS, FUERON TELONEROS DE FAITH NO MORE, STONE TEMPLE PILOTS Y AEROSMITH. EN ESTA OPORTUNIDAD CONVERSAMOS CON PACO HOLGUÍN (VOCALISTA) Y JAIME CURTEAGA (GUITARRISTA), QUE NOS CUENTAN UN POCO MÁS DE LA NUEVA PRODUCCIÓN Y SUS PLANES PARA EL PRÓXIMO AÑO. ¿Cómo nace la idea del Absenta? Paco (P): Se creó luego de una noche un poco alcohólica, cuando tuvimos una gira por Europa. Jeremy Castillo, baterista de la banda, propuso tomar este trago que nadie conocía y al final le pusimos su nombre para rendir tributo a esa noche. Jaime (J): Lo tomamos en un bar viejo de madera en Madrid. Daba la sensación de estar en un barco pirata. Seguimos alucinando esta idea hasta que llegamos a plasmarla en la portada del álbum. ¿Cómo fue el proceso de creación? P: Grabamos el disco en Perú en un año, porque hemos tenido altos y bajos, y lo mezclamos y masterizamos en Los Ángeles. Eso hizo que se alargue el tiempo. No queríamos un producto plano, en el que todas las canciones se escuchen igual, por eso incluimos temas como y The Dogs. J: Estas dos canciones las compuse hace 10 años, pero no tuvimos la oportunidad de grabarlas. Paco las escuchó y le gustó la idea. ¿Cuáles son las influencias de este disco? P: Tenemos un sonido más crudo, escuchas un poco de Led Zeppelin, The Who, algo de punk, un poco de Pink Floyd, pero siempre tratamos de hacer lo clásico. Creo que Absenta no ha sido la excepción, pero es un disco más fresco. J: Cada uno tiene su propia influencia, por eso me gusta verlo de tres formas: la de Paco como creador, las influencias que tengo yo y la que tiene toda la banda. ¿Quiénes son los compositores de los temas? P: Desde que hemos empezado hasta ahora no tenemos una regla determinada para componer pero, por lo general, lo hacemos Jaime y yo. No somos cerrados en el proceso de creación porque respetamos mucho el punto de vista de cada miembro de la banda. Todos los integrantes tienen un estilo distinto. ¿Cómo llegan a congeniar musicalmente para hacer este disco? J: Este es el tercer disco de la banda, seguimos una línea musical, así que no tuvimos problemas para grabarlo. P: El ingreso de Jeremy y Miguel Gistau nos ayudó bastante para tener nuevas ideas y darle un nuevo aire a la banda.
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¿Cómo ha sido la evolución desde su primer disco hasta Absenta? P: El primer disco no lo grabamos con intención de llegar a ser una banda profesional, además que tuvo una cuota de improvisación y eso lo hace interesante. J: Es uno de los que más feeling le tengo, lo hicimos sin pensar en que sea un disco profesional y por eso tiene un sonido más crudo. P: La transición al Combi+Nation fue distinta porque fue un disco bien trabajado, incluimos instrumentos no tradicionales en nuestras grabaciones, pero creo que el Absenta va ser el sonido de la banda en adelante. Hemos logrado canciones frescas, sólidas y con más madurez. ¿Por qué cantar en inglés y no en español? J: Al principio cantábamos en español, pero como íbamos a viajar a Australia decidimos grabar un par de temas en inglés. Una de esas canciones es Next Passenger, y a la gente le gustó, entonces como vivíamos allá empezamos a componer en inglés. P: Simplemente nos dejamos llevar por el feeling y Renzo Solano, ex guitarrista de la banda, nos dio la idea de componer en ese idioma. Como Jaime habla bien inglés y el mío no es tan malo decidimos hacerlo. Al final el resultado fue positivo. J: En Combi+Nation queríamos mezclar. Estábamos acomplejados porque había muchas críticas. Ahora no nos interesa, es lo que a la gente le gusta y para nosotros es suficiente. En este último disco no dijimos: “vamos a grabar en inglés”, simplemente lo hicimos, dejamos que las cosas fluyan.
¿Cuáles son los planes para 2013? P: Seguir con el tema de Absenta para que tenga pegada aquí en Perú y en el extranjero. Hemos tenido la suerte de haber firmado con una disquera y eso nos ayuda bastante. Hay un plan de trabajo con ellos para el próximo año, sobre todo fuera del país. También estamos planeando grabar otro disco porque ya tenemos más de la mitad de las canciones compuestas. J: Antes de fin de año estamos presentando el disco en Los Ángeles, después pensamos presentarnos en otras partes de Estados Unidos, Europa y Australia.
#Especial de conciertos
Lima 2012 //
LIMA SE HA CONVERTIDO EN UNA DE LAS PRINCIPALES PLAZAS PARA CONCIERTOS INTERNACIONALES EN LATINOAMÉRICA. EL ESCENARIO SE REFUERZA CON LA MOVIDA NACIONAL, QUE HA DESPEGADO Y NO TIENE TECHO. ASÍ PUES, PARA 2013 SE ESPERA AÚN MÁS DE TODO Y, CLARO, ESTAMOS EXPECTANTES. AQUÍ, LO MEJOR DE ESTE AÑO SEGÚN EL LENTE DEL FOTÓGRAFO SANTIAGO BARCO. PODEROSAS IMÁGENES.
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THE DRUMS. El concierto superó la expectativa del público limeño. Fue impecable y puso a bailar a los asistentes de principio a fin. (RP)
// LA SARITA. El parque lleno de gente de pie. Las tablas iluminadas por un arco iris nocturno. El estruendo de los parlantes. Sobre el césped, llueven gotitas de cerveza y de sudor. Movimiento. En la foto, Julio Pérez Tello, En Festival de los 7 Mares. (LME)
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TOTÓ LA MOMPOSINA. Totó nos regaló extraordinarios consejos llenos de sabiduría, frescura e historia. Entre tema y tema, la diva descalza conversaba con los asistentes. Sin darnos cuenta, se hizo de noche. (LME)
MANU CHAU. Regresó para hacer vibrar a miles en el Festival de los 7 Mares. Los recuerdos de aquel concierto que diera en 2001 se hicieron más vividos y potentes. Pura magia y todo fluyó. (PMR)
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MORRISEY. Desplegó su dominio escénico y con elegancia se devoró a los ocho mil espectadores que cumplieron el sueño de ver al ex vocalista de la mítica banda The Smiths. ¡Larga vida al rey Mozz! (BK)
COLECTIVO CIRCO BAND. Las divertidas presentaciones de esta banda local se multiplicaron como pólvora este año. En la foto, Alfonso Silva Santisteban, trompeta. (PMR)
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RESPLANDOR | PHANTOM 39 | 45
BEN HARPER
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Por si a alguien le quedaba la duda de que Ben Harper quiere ser el Marvin Gaye de este siglo, acaba de editarse By My Side (Virgin Records, 2012), un recopilatorio con 11 baladas y un tema inédito que lo alejan de la senda blusera y ‘folky’ que ha venido esgrimiendo en estos últimos años para ir “directo al corazón”. Siendo sinceros, Ben resulta muy hábil escribiendo e interpretando temas románticos, de amor y desamor; y, aunque le falte para ocasionar arrebatos histéricos entre sus seguidores, esta bajada de revoluciones resulta refrescante para su discografía. Figuran Forever, Happy Everafter in Your Eyes, Diamonds on the Inside, Waiting on an Angel, Morning Yearning y una nueva versión de Not Fire Not Ice. Sobre el nuevo tema, Crazy Amazing, solo puede decirse que está y que no aporta mucho, salvo que está bien hecho. Ahí no más… lo que nos lleva a preguntarnos cuál es la necesidad de Ben por editar un disco cada año: en 2009 lanzó White Lies for Dark Times, en 2010 As I Call You Down, en 2011 Give ‘till It’s Gone y en enero de 2013 presentará Get Up, junto con Charlie Musselwhite. Y aunque siempre le va de lo mejor en cuanto a ventas, queda claro que la innovación y la experimentación creativa no son precisamente sus improntas; esperemos nomás que sepa moderarse antes de saturar a sus seguidores. (Daniel Ágreda Sánchez)
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