KUNSTINVESTOR AUSGABE SEPTEMBER 2016 by KUNSTMAGAZIN KUNSTINVESTOR

SEPTEMBER 2016

World Press Photo 16

Auktionen in Wien: "Gemälde und Antiquitäten aus der Privatsammlung" Vienna Contemporary- Prognostikon- Malerei im Wandel und das Gestische. Vehemenz universeller Verführung. Galerie Gugging "fotografie:lejo & august walla"

KUNST.INVESTOR Editorial

Liebe Leserinnen, liebe Leser

So spannend wird wieder der Kunstmarkt- besonders der September wird turbulent: Die Kalender der Sammler und Kunstinvestoren sind voll. Auktionen, Ausstellungen und Previews, ein Termin jagt den nächsten. Und dem Geschäft mit den schönen Dingen mangelt es keineswegs an Härte, ganz im Gegenteil, auf der Suche nach neuen Kunden und Märkten bedarf es Flexibilität und Wandlungsfähigkeit. Der österreichische Kunstmarkt mit seiner prosperierenden Galerieszene boomt und Österreichs Auktionshäuser legen an Internationalität kräftig zu. Die Wirtschaftskrise verunsichert den Geldmarkt, doch die Kunst behält ihren Wert, ist nicht vom Ölpreis und taumelnden Finanzmärkten abhängig. Und so steigt auch das

Ansehen der Sammler: Wer heute Kunst sammelt, wird nicht mehr wie Orchideenzüchter belächelt. Kunstsammler sind kluge Menschen, die ihre lieb gewordene Gewohnheit pflegen wie eine kostbare Orchidee- sie sind eigene Spezies. Ihre Leidenschaft wird zur Obsession, um die sich das ganze Leben dreht. Die meisten tragen zuerst wahllos, dann gezielt ihre Schätze zum Sammeln. Lesen Sie den aktuellen KUNSTINVESTOR, wo Sie sich ein aktuelles Bild über den Kunstmarkt verschaffen können- eine wirklich gute Investition.

Viel Spaß wünscht Ihnen Michael Ruben Minassian

IMPRESSUM: Medieneigentümer, Chefredakteur & Herausgeber: Michael Ruben Minassian Mail: michael.minassian@kunstinvestor.at , Telefon: +43 1/ 236 53.1312 Verlagsadresse: MN Online & Content GmbH, 1110 Wien, Brehmstrasse 10/4.OG, Geschäftsführung: Markus Bauer, ATU 65091955, FN 330453k, Tel: +43 1/ 919209045, Fax: + 43 1/29 81 298, Website: www.kunstinvestor.at, Cover-Foto: WestLicht © Greg Nelson USA, 2.Preis World Press Photo, Einzelfotos, Spor- „Sports Illustrated“ 2015, NCCA Basketball-Turnier, Nebraska USA, 20. März 2015

KUNST.INVESTOR News

SEO RAUM FÜR DICH Messmer Foundation

Raum für Dich, 2016, Acryl auf Leinwand – Foto: © Courtesy Galerie Schultz

Riegel am Kaiserstuhl- Die Galerie Messmer präsentiert die koreanische Künstlerin SEO aus Berlin. Sie gehört zu den Stars der zeitgenössischen Kunstszene! Ihre Arbeiten sind ein Spiel aus Farben und Perspektiven, mit denen sie die Empfindungen des Betrachters immer wieder herausfordert. Geboren 1977 in Gwangju in der Provinz von Seoul, hat sie ihr Kunststudium an der örtlichen Universität mit Auszeichnung und einem Stipendium als „Beste Studentin“ beendet. Im Jahr 2001 nahm sie den weiten Weg nach Berlin auf sich, um an der Universität der Künste bei Georg Baselitz zu studieren. Bei ihm war sie 2003 und 2004 auch Meisterschülerin. Neben hochkarätigen Preisen wie dem „Beijing Art Award“, dem „Meilenstein“ des Leopold-Hoesch-Museums oder dem „Award of Excellent Painting“ des National Art Museum of China hat SEO bereits an vielen hochkarätigen Ausstellungen teilgenommen. Allein bei 8 Biennalen war sie dabei, wie der 54. Biennale in Venedig oder der Animamix Biennale in Shanghai. Auch sind ihre Werke bereits in vielen bedeutenden Sammlungen vertreten wie der des MoMA (Museum of Modern Art) in New York, dem Bundeskanzleramt, der Deutschen Botschaft in Teheran und dem Museo de Bellas Artes in Santander, Spanien (u. a.). Zahlreich

sind auch die Einzel- und Gruppenaustellungen in bedeutenden Galerien und Museen der Welt, von New York nach Berlin, von Beijing nach Mailand. Die Künstlerin bevorzugt großformatige Arbeiten. Da sie aus Südkorea stammt und in Berlin lebt hat sie sich zum Ziel gesetzt, Eindrücke der klassischen chinesisch-koreanischen Künste mit westlichem Gedankengut und Stilen wie dem von Caspar David Friedrich und Claude Monet in Einklang zu bringen. Sie will das Erbe der beiden Welten in denen sie lebt kombinieren! Die architektonischen Welten von SEO entstehen im Spiel mit Kontrasten: Monumentale Bauten und begrenzter Innenraum finden sich in scheinbar endlosen Landschaften wieder. Die Möglichkeiten der Perspektive werden in den Collagen aus handgeschöpftem Hanji-Reispapier voll ausgeschöpft. Markant ist die „unwirkliche“ Atmosphäre, die festgehalten wird. Globalisierung und Automatisierung inspirieren sie zu ihren Themen. Verloren in Raum und Zeit, irgendwo zwischen Realität und Illusion, wird Farbe zum Werkzeug der optischen „Digitalisierung“ der Werke. Bis zu 800 Farbabstufungen sind in Ihren Bildern zu finden. [Kunsthalle Messmer. Ausstellungsdauer bis 23. Oktober 2016 – Foto: Courtesy Galerie Schultz Berlin]

KUNST.INVESTOR News

Foto: © Galerie Schultz Berlin

Prognostikon - Maik Wolf Rostock- Verlassene Orte haben manchmal etwas Geheimnisvolles an sich. Etwas Ungewohntes, Unwirkliches. Wenn es zu still ist, zu einsam, wirkt zuweilen auch unsere gewohnte Lebenswelt unecht und zieht uns zugleich magisch an. Wir schauen genauer hin, spüren und hinterfragen. "Wenn man Wirklichkeit beobachtet, wird sie schnell surreal. Magisch ist Realität sowieso" sagt der 1964 in Pirna geborene Künstler Maik Wolf. Wolfs Werke zeigen surreal anmutende Momente unserer Lebenswelt: verlassene Stadtansichten, architektonische Ensembles, karge Landschaften in fahles, künstliches Licht getaucht. Als Inspiration dienen ihm eigene Fotografien und digitale Skizzen sowie seine Phantasie. Während seine früheren Werke noch wirklichkeitsgetreuere Darstellungen zeigen, enthalten seine späteren Arbeiten zunehmend surreale Arrangements. So finden sich inmitten von Landschaften einzelne Buchstaben, Formen, Symbole, Zahlen in unterschiedlicher Größe und ohne erkennbaren Bezug. Nichts ist fremd im Einzeln, die Kombination jedoch gibt Rätsel auf, gleich

Projektionsflächen des Unterbewussten das zwar Vertrautes hervorbringt, es jedoch für unser Bewusstsein oft verschlüsselt hält. Die Titel der Bilder sind ebenso sowohl komplex als auch rätselhaft und spielen auf den Bildinhalt an. Seine Serie „Vexiere“ referiert an Vexierspiele (lat. vexare „plagen“), Rätselspiele, die gelöst, entwirrt oder sinnvoll zusammengesetzt werden sollen. Wie überdimensionale Bauklötze für Riesen liegen die Formen, Buchstaben und Zahlen umher, laden ein, mit ihnen zu spielen. Seine Werke schaffen neue Wirklichkeiten, in denen wir als ihre Betrachter uns verorten, Raum gewinnen für Reflexion und beginnen, auch in der heutigen Schnelllebigkeit unseres Alltags, Leere zu fühlen, Stille zu ertragen und mit ihrer surrealen Rätselhaftigkeit, das zu hinterfragen, was wir als gewohnt empfinden. Maik Wolf studierte an der Hochschule für Kunst und Design in Halle und an der École Nationale Supérieure des Beaux-Arts in Paris. Er lebt und arbeitet in Berlin. [Kunsthalle Rostock, Ausstellungsdauer bis 11. Spetember 2016 - Foto: © Galerie Schultz Berlin]

KUNST.INVESTOR News

Foto: © 21er Haus

Rudolf Goessl Malerei im Wandel und das Gestische

Die Ausstellung zeigt das Frühwerk des österreichischen Malers Rudolf Goessl (* 1929), der Mitte der 1960er-Jahre in einer kurzen Nordamerikareise die amerikanische Pop Art und das Colourfield Painting rezipiert und auf seine eigene Weise interpretiert hat. 1969 schloss Goessl diese Phase ab und begann damit, eine eigene Formensprache zu entwickeln, die sich einer Art Trompe l’oeil- Effekts bedient. Zarte Rahmungen der Farbflächen erzeugen einen bühnenhaften Raum innerhalb des sonst gegenstandslosen Bildes. Die Bühnenhaftigkeit und Raumtiefe wich mit der Zeit einer flächigeren Malweise, die an die zarte Faltung seidener

Tücher erinnert. Diese Reduktion führte er so lange weiter, bis jeder räumliche Anhaltspunkt in seinen Bildern verschwindet. Goessls Empfindsamkeit zeigt sich in einem schleierartig wirkenden Farbauftrag und den feinen Helligkeitsabstufungen in den Bildern. Anfang der 1970er-Jahre wird auch Monsignore Otto Mauer von der Galerie nächst St. Stephan auf den Einzelgänger aufmerksam und veranstaltet mit diesem 1973 eine Ausstellung. Diese sollte die letzte sein, die Otto Mauer vor seinem Tod eröffnete. [21er Haus. Ausstellungsdauer: 7. September bis 30. Oktober 2016 – Foto: © 21er Haus]

KUNST.INVESTOR News

Soon: KörperKaliber Vehemenz universeller Verführung

Foto: Elsa Okasaki

Die Jan Arnold Gallery präsentiert die kritische Kunstmode FCKU FSHN des Designers Kevin Klein und ein künstlerisches Statement zur internationalen Waffenindustrie von Olivier Hölzl. Vorgestellt werden Arbeiten, die den Kontext visueller Manipulation durch repetitive, omnipräsente Formensprache thematisieren. Hölzl zeigt abstrahierte Trademarks der international agierenden Waffenindustrie, K. Klein logoüberfrachtete Kleidungsentwürfe. Präsentiert werden die Kunstwerke von jungen, größtenteils osteuropäischen SexarbeiterInnen und Models. Deren instabiler wirtschaftlicher Hintergrund, ein Ergebnis rücksichtslosen, neoliberalen Wirtschaftens westlicher Banken und Konzerne spiegelt sich in den Lockrufen der Werbebotschaften der global agierenden Marken, die sie in der Ausstellung/Show präsentieren. In einer Kooperation des Vereins Sophie mit der Jan Arnold Gallery werden am Abend des 15. September 2016 eine Ausstellung eröffnet und eine Modepräsentation veranstaltet. Präsentiert wird die nicht kommerzielle Kunstmode FCKU FSHN des Designers Kevin Klein

und eine Videoarbeit Olivier Hölzls. Der Verein Sophie, die singuläre politische Vertretung in Österreich arbeitender SexarbeiterInnen, informiert im Vorfeld seine KlientInnen über die Präsentation und organisiert InteressentInnen für die Show. Die Veranstalter engagieren weiters Modelle, eine „gemischte ModelTruppe“ aus SexarbeiterInnen und Laienmodells ist erwünscht um ein Outing der Prostituierten zu verhindern. Die Modeshow entsteht aus Interaktion der „Models“ mit dem Publikum. Die BetrachterInnen werden über einen verdrehten ökonomischen Tausch in die Präsentation eingebunden. Für eine Vorführung der auszustellenden Kleidungsstücke bieten die „Hostessen“ dem Publikum Bargeld an. Weiters helfen sie den angeworbenen BesucherInnen in die Kleidung, stylen und begleiten beratend durch die Show. Ziel ist die präsentierte Textilkunst vor Ort und vom Körper des Publikums weg zu verkaufen. [Ausstellungsdauer: 16.September bis 2.Oktober 2016 – Foto: Jan Arnold Gallery- © Elsa Okasaki]

KUNST.INVESTOR Dorotheum

Ansicht Schloss Schwallenbach, Wachau NÖ

INDIVIDUELLE EINZELSTÜCKE Gemälde und Antiquitäten aus der Privatsammlung von Reinhold Hofstätter/Schloss Schwallenbach (Niederösterreich) bei Auktion am 12. September 2016 Eine außergewöhnliche Auktion findet am 12. September 2016 im Dorotheum Wien statt. Versteigert werden insgesamt 400 Objekte aus der Privatsammlung des international tätigen Wiener Kunsthändlers Reinhold Hofstätter (1927-2013), darunter Möbel, Skulpturen, Keramik, Antiquitäten sowie ca. 50 Gemälde, allesamt aus seinem Sommerwohnsitz Schloss Schwallenbach in Niederösterreich in der Wachau. Die Exponate stammen hauptsächlich aus der Zeit der Gotik, der Renaissance und des Barock, sowie aus dem 19. Jahrhundert.

Mit 150.000 bis 200.000 Euro Schätzwert ist das Gemälde „Der Abschied“ aus dem Jahr 1859 von Ferdinand Georg Waldmüller das Top-Lot dieser Versteigerung. Hans Makarts „Die Nixen und der Tiger“ aus der Zeit um 1872/73 ist mit 120.000 bis 180.000 Euro geschätzt. Unter den Altmeister-Gemälden findet sich u. a. ein Werk von Johann Georg Platzer (Salome mit dem Haupt Johannes des Täufers € 30.000– 40.000). Die niederländische Malerei ist u. a. mit Cornelis Saftleven (Die Versuchung des Heiligen Antonius € 20.000–30.000) oder Mathias Withoos (Großer Distelbusch € 30.000–40.000) repräsentiert.

KUNST.INVESTOR Dorotheum

Ferdinand Georg Waldmüller (Wien 1793-1865 Hinterbrühl) Der Abschied, 1859, Öl auf Holz, 42 x 52,5 cm Schätzwert € 150.000 - 200.000

Interieur Schloss Schwallenbach, Wachau NÖ

KUNST.INVESTOR Dorotheum

Musealer Pinzgauer Schrank, 1782, Zirbenholzkorpus mit profiliertem abnehmbarem Kranz und Sockel zwei Türen mit reichen Schnitzornamenten, Schätzwert € 12.000 - 16.000

Der größte Teil des Auktionsangebotes wird durch Möbel und Einrichtungsgegenstände von der Gotik bis zum Barock bestimmt. Eine seltene spätgotische Frontstollentruhe, Welstfalen ca. 1500, mit Eichenholzkorpus und schmiedeeisernen Applikationen soll für 8.000 bis 12.000 Euro einen neuen Besitzer. Beachtenswert sind auch zahlreiche Stücke aus der Renaissance. Bauernmöbel werden ebenfalls versteigert: Truhen, Stühle, Betten, Kästen, darunter ein Pinzgauer Schrank, datiert 1782 mit einem

Schätzwert von € 12.000 bis 16.000. Eine museale Marmorgruppe, Balthasar Permoser (1651–1732) zugeschrieben, zählt ebenfalls zu den Höhepunkten der Auktion. Die Skulptur stammt aus dem Chateau de la Briche in Frankreich und zeigt eine bacchantische Szene, bestehend aus einem kindlichen Bacchus, einer Mänade (Frau die „Bacchus als Priesterin rauschhaft und rasend verehrt“) und einem Satyr. Geschätzt ist die Figurengruppe, die später als Brunnen umfunktioniert wurde, mit 50.000 bis 60.000 Euro.

Reinhold Hofstätter (1927–2013) war Kunsthändler in Wien. In den 1950er Jahren erwarb das Ehepaar Hofstätter das Schloss Schwallenbach in der Wachau. Es diente als privater Landsitz, wurde im Laufe der Zeit renoviert und ausgestattet, u. a. mit thematischen Zimmern. Ein eklektischer Stil, an dem alle Gefallen finden werden, die originelle Interieurs und historische Einzelstücke schätzen. Foto: © Dorotheum

KUNST.INVESTOR Dorotheum

Museale Marmorgruppe, Balthasar Permoser (1651 - 1732) zugeschrieben, weißgrau geäderter Marmor, vollplastisch und naturalistisch behauen in Form einer bacchantischen Szene, bestehend aus einem kindlichen Bacchus, einer Mänade und einem Satyr, Höhe ca. 175 cm, Provenienz Chateau de la Briche, Frankreich, Schätzwert € 50.000 - 60.000

KUNST.INVESTOR Auktionshaus ‚im Kinsky‘

113. Kunstauktion im Kinsky Die Welt von Gestern in Bild und Handwerk Alte Meister – 19. Jahrhundert – Antiquitäten 18. & 19. Oktober 2016

Meisterwerke des 19. Jahrhunderts: Das Hauptwerk dieser Auktion ist unbestritten das neu entdeckte Gemälde von Theodor von Hörmann, die großformatige Ansicht Sonniger Nachmittag am Quai an der Seine in Paris mit Blick auf die Ile de la Cité. Es gehört zu jenen selten angebotenen Gemälden, die Hörmann, Österreichs einziger Impressionist und Vorkämpfer der Wiener Secession, in Paris zwischen 1887 und 1889 gemalt hatte und in denen seine unvergleichliche Auseinandersetzung mit der französischen Avantgarde insbesondere dem Impressionismus experimentell und wunderbar überzeugend zum Ausdruck kommt. Es war bislang unbekannt, bis es vor Kurzem in einer privaten nordeuropäischen Sammlung auftauchte und erstmals in der Theodor von Hörmann Ausstellung im Leopold Museum präsentiert werden konnte. Ein neuer Rekordpreis für den Maler ist hier zu erwarten! Olga Wisinger-Florian, eine der ersten erfolgreichen und am gesellschaftlichen Parkett versierten Malerinnen am Ende des Jahrhunderts, konnte schon zu Lebzeiten mit besonders realistischen Naturaufnahmen in prachtvoll, berauschender Malerei überzeugen. Bis heute nimmt die Künstlerin auch am Markt eine der führenden Positionen ein, wobei ein

Hauptwerk in der Qualität der Gloxinien im Glashaus seit langem nicht mehr angeboten werden konnte! Hans Makart wiederum, der unbestrittene Malerfürst seiner Zeit, negierte die Wirklichkeit und kleidete vielmehr die sinnlichen, aber formlosen Gefilde der Gefühle in bildhafte Allegorien. Zeitlos wie die Liebe sind auch seine Bilder! Und bei Anton Romako, dem genialen Außenseiter und Grenzgänger, zeichnete sich schon früh der schwankende Grat zwischen der sichtbaren Welt und der von Krankheit, dem Unbewussten, der Psyche durchlebten Wirklichkeit ab. Schon die frühe, noch glücklich in Italien entstandene ländliche Szene der italienischen Wandermusiker reizt mit der spürbaren, latenten Nervosität von Farbe und Form. Eine Besonderheit aus der Frühzeit des Jahrhunderts bietet die Dokumentation aus den napoleonischen Kriegen des „Schlachtenmalers“ Albrecht Adam. Die harte Wirklichkeit war ihm zwar Vorlage, aber in der malerischen Umsetzung vollzog er dennoch die Balance zwischen Dokumentation und feinster ästhetischer Überhöhung. Eines seiner nur selten angebotenen Werke kann nun erstmals aus einer alten Privatsammlung erworben werden. [18. & 19. Oktober 2016 im Auktionshaus ‚im Kinsky‘] (Foto: © im Kinsky) - KATALOG

KUNST.INVESTOR Auktionshaus ‚im Kinsky‘

Theodor von Hörmann, Am Quai an der Seine, Paris, um 1888, Öl auf Leinwand; 90 × 125,6 cm, Schätzwert EUR 300.000 – 400.000

Olga Wisinger-Florian, Gloxinien im Glashaus, Öl auf Karton; 72 × 101 cm, Schätzwert EUR 100.000-200.000

KUNST.INVESTOR Auktionshaus ‚im Kinsky‘

Nachlass von Carl-Anton GoessSaurau und seiner Frau Marie, geborene Mayr-Melnhof, aus Schloss Pfannberg

Otto Marseus van Schrieck, Blumenbouquet mit Schmetterlingen, 1670er Jahre Öl auf Leinwand; 70 × 54 cm, Schätzwert EUR 35.000-70.000

Die bedeutende Sammlung der Familie Goess-Saurau aus Schloss Pfannberg in der Steiermark mit einer Vielzahl an Kunstobjekten rund um das Thema der Jagd wird am 18. & 19. Oktober im Auktionshaus im Kinsky in Wien versteigert. Neben rund 40 Gemälden mit Jagd- und Stilllebenmotiven des 17. und 18. Jahrhunderts werden in über 500 Positionen gotische Skulpturen, Möbel, unterschiedliche Raritäten der Volkskunst und des hochwertigen Kunsthandwerks sowie Jagdtrophäen aus Österreich und Afrika angeboten. Besondere Aufmerksamkeit verdient vor allem die großartige Sammlung an Steinbockhorn, die jedes Sammler- und Jägerherz höher schlagen lassen wird. Denn dem Horn des edlen Alpentieres wurden einst nicht nur magische und heilende Kräfte zugesprochen, ab dem 17. Jahrhundert wurde seine schillernde Oberfläche und geschmeidige Härte besonders in den Salzburger Gegenden in den Dienst der Kunst gestellt. So entstanden Trinkbecher mit

fantastisch geschnitzten und anschaulich geschilderten Jagdszenen, Pulverflaschen mit kunstvoller Metalleinfassung und Dosen mit aufwendigen Jagdreliefs. Als Kontrast dazu finden sich in der Sammlung Goess-Saurau noch zerbrechliche Figuren des begehrten Porzellans aus Wien, Meissen und Nymphenburg sowie Fayencen aus Holitsch in Mähren, wo um 1743 eine der erfolgreichsten Manufakturen Europas begründet wurde. Eine private Sammlung mit Schwerpunkt auf der Kunst der Niederländer des 17. Jahrhunderts bietet Stillleben und Landschaften vom Feinsten. Künstler wie Jan van Goyen, Salomon von Ruysdael, Otto Marseus van Schrieck, oder Rachel Ruysch sind nur einige der Namen, die in dieser Kollektion vorhanden sind. Ergänzt wird das Angebot beispielsweise noch um die heiteren Momentaufnahmen einer feiernden Gesellschaft von Johann Georg Platzer. (Foto: © im Kinsky) - KATALOG

KUNST.INVESTOR Auktionshaus ‚im Kinsky‘

Philipp Ferdinand de Hamilton, Jagdstillleben mit Vögeln, 1738 Öl auf Leinwand; 65 × 76,5 cm, Rufpreis EUR 8.000

Steinbockhorn, Salzburg, Mitte, 18. Jahrhundert: 2 Höfische Deckelbecher mit Reliefschnitzerei und Silbermontierung H. 18 cm; H. 17,5 cm, Rufpreis je EUR 30.000

KUNST.INVESTOR WestLicht Schauplatz für Fotografie

WORLD PRESS PHOTO 16 Passend zum fünfzehnjährigen Jubiläum von WestLicht ist das Fotomuseum bereits zum fünfzehnten Mal in Folge Schauplatz der World Press Photo Ausstellung. Im vergangenen Jahr zog der Event rund 23.000 BesucherInnen in die Westbahnstraße. Die prämierten Einzelbilder und Fotoserien lassen als Ikonen der Zeitgeschichte das vergangene Jahr Revue passieren und zeigen auf eindringliche Weise Ereignisse aus den Bereichen Politik, Kultur, Sport und Natur. „Bereits als wir das Foto zum ersten Mal sahen, war uns klar, dass es ein wichtiges ist. Es entwickelt eine enorme Kraft durch seine Einfachheit, besonders mit dem Stacheldraht als Symbol“, so Francis Kohn, Vorsitzender der Jury 2016, über das World Press Photo des Jahres 2015. Die Aufnahme des australischen Fotografen Warren Richardson zeigt Flüchtlinge beim Versuch, die Grenze von Serbien nach Ungarn zu überqueren. Das Bild entstand in der Nacht vom 28. August 2015, nur wenige Wochen bevor die Fertigstellung des von der ungarischen Regierung in Auftrag gegebenen Grenzzauns den Übertritt de facto unmöglich machte. „Dieses Bild hat mich wirklich gefesselt“, sagt Jury-Mitglied Vaughn Wallace, „visuell ist es unglaublich stark“. Sein Kollege Huang Wen ergänzt: „Es ist subtil, es zeigt die Gefühle eines Vaters, der sein Kind in Sicherheit bringen will“. Die Flüchtlingskrise dominierte die Einreichungen zum diesjährigen Wettbewerb. Bild um Bild widmete sich den Menschen bei ihrer Ankunft an der Südküste Europas, auf ihrem Marsch über den Balkan, wartend an Grenzen, dicht gedrängt in Zügen und beim Zusammenprall mit den Wasserwerfern der Polizei. Mit Christian Walgram belegte erstmals ein Österreicher den ersten Platz in der Kategorie Sport. Der Steirer erhielt die begehrte Auszeichnung für seine spektakuläre Aufnahme des Sturzes des tschechischen Skirennläufers Ondrej Bank bei den Alpinen Skiweltmeisterschaften in Beaver Creek. Neben der Flüchtlingskrise gehört auch eine ihrer Ursache – der

andauernde Konflikt in Syrien – zu den zentralen Themen der diesjährigen Ausgabe. Mit den Luftangriffen und ihren verheerenden Folgen für die syrische Zivilbevölkerung befassen sich die Serien von Sameer Al-Doumy und Abd Doumany am Beispiel der Stadt Duma in der Provinz Damaskus. Eine Reihe von prämierten Arbeiten nimmt die Auswirkungen des Weltgeschehens auf Kinder und Jugendliche in den Blick, so etwa Magnus Wennmans Serie „Wo die Kinder schlafen“, Mário Cruz‘ Projekt über Koran-Internate im Senegal oder Adriane Ohanesians Aufnahme aus dem Darfur-Konflikt. Insgesamt wurden 41 FotografInnen aus 21 Ländern in acht Kategorien ausgezeichnet. Beworben hatten sich fast 6.000 KandidatInnen mit über 80.000 Fotografien. Seit 1955 schreibt die World Press Photo Foundation, eine unabhängige Plattform des Fotojournalismus mit Sitz in Amsterdam, den World Press Photo Contest aus. Eine jährlich wechselnde Jury beurteilt die Einsendungen von FotografInnen aus aller Welt. Das Ergebnis des renommierten Wettbewerbs, das jeweils als Wanderausstellung um den Globus tourt, gilt als wichtigste Leistungsschau der internationalen Pressefotografie. World Press Photo ist bestrebt, weltweit ein hohes Niveau des Fotojournalismus und der Dokumentarfotografie zu unterstützen und zu fördern. Die Organisation bemüht sich um ein generationenübergreifendes Publikumsinteresse für das Werk der FotografInnen und um Unterstützung des freien Informationsaustauschs. Die Aktivitäten umfassen jährliche Wettbewerbe für visuellen Journalismus, Ausstellungen und in der World Press Photo Academy die Förderung des Fotojournalismus durch Fortbildungsprogramme. Außerdem sorgen zahlreiche Veröffentlichungen für mehr Sichtbarkeit der Pressefotografie. [WestLicht. Schauplatz für Fotografie. Ausstellungsdauer: 9. September bis 16. Oktober 2016 – Foto: Westlicht]

KUNST.INVESTOR WestLicht Schauplatz fĂźr Fotografie

Preis Fotoserien, Harte Fakten Warren Richardson, serbisch-ungarische Grenze 28. August 2015

2. Preis Einzelfotos, Harte Fakten, Corentin Fohlen Frankreich, Demonstration gegen Terrorismus in Paris, 11 JĂ¤nner 2015

KUNST.INVESTOR WestLicht Schauplatz für Fotografie

1. Preis Einzelfotos, Sport, Christian Walgram Österreich, Gepa Pictures, Beaver Creek USA, 8. Februar .2015

1. Preis Einzelfotos, Natur, Rohan Kelly, Australien, The Daily Telegraph, Sturmfront am Bondi Beach, Sydney, 6. November 2015

KUNST.INVESTOR WestLicht Schauplatz für Fotografie

3. Preis Einzelfotos, Menschen, Dario Mitidieri Italien, für CAFOD, Verlorene Familienporträts, Libanon 15. Dezember 2015

1. Preis Einzelfotos, Aktuelle Themen, Adriane Ohanesian USA, Die vergessene Berge Sudan, Darfur, 27. Februar 2015

KUNST.INVESTOR WestLicht Schauplatz für Fotografie

2. Preis Fotoserien, Menschen, Daniel Ochoa de Olza, The Associated Press, La Maya Tradition Colmenar Viejo Spanien, 2. Mai 2015

2. Preis, Langfristige Projekte, Nancy Borowick USA, Leben im Tod, USA 30. Jänner 2015

KUNST.INVESTOR WestLicht Schauplatz für Fotografie

3. Preis Fotoserien, Natur, Christian Ziegler Deutschland, für National Geographic, Bedrohte Chamäleon Nationalpark Montagne d’Ambre, Madagaskar, 28. November 2015

KUNST.INVESTOR Galerie Gugging

Lejo, 2016, überdeutlich, Collage auf Karton Courtesy Galerie Gugging

Lejo, 2016, übrigens, Collage auf Karton Courtesy Galerie Gugging

fotografie: lejo & august walla Zwei Künstler mit völlig unterschiedlichen Zugängen zur Fotografie finden in dieser Ausstellung auf anregende, sich ergänzende Art und Weise zusammen.

Johannes Lechner alias Lejo kauft und sammelt seit den 1990er Jahren einzelne Fotos und ganze Alben aus Verlassenschaften, und seit 2007 arbeitet er an Collagen aus den Fotografien fremder Menschen. In seinem Wiener Arbeitsraum inmitten vieler Alben, Sammlungen von Uhren, Kameras, Bilderrahmen und Lampen entstehen seine Werke. An den Wänden befinden sich unlängst gefertigte Werke, da Lejo es liebt, mit ihnen noch Zeit zu verbringen und sie seinen Freunden zu zeigen oder sie sogar noch zu verändern. Die Fotografien werden zerschnitten, zerrissen, neu kombiniert, und wenn es für ihn passend erscheint, fügt er noch Graphitstift hinzu oder kratzt Partien aus den Fotos. Beim Durchsehen der Alben ist ihm aufgefallen,

dass es bestimmte Situationen gibt, die quasi "jeder" fotografiert, und so arbeitet er seit 2012 immer wieder an Collagen, wie etwa dem Werk „klassentreffen", die sich humorvoll diesem Thema widmen. Durch die beinahe penetrante Wiederholung eines FotografieInhalts, der zusammengefügt ein großes Ganzes ergibt, hält der Künstler der Gesellschaft einen Spiegel vor Augen, und der Betrachter erinnert sich unweigerlich an eigene Erlebnisse. Die Titel der Werke sucht und findet er vor allem im „Brockhaus" oder im „Wahrig Wörterbuch der deutschen Sprache". Lejos Arbeiten beeindrucken durch ihre feinsinnige Zugangsweise, ihre formale Ausgereiftheit und ihren dezent-ironischen Humor.

KUNST.INVESTOR Galerie Gugging

Lejo, 2015, drei zehner, Collage auf Karton, 16,1 x 23,2 cm, Courtesy Galerie Gugging

Lejo, 2012, klassentreffen, Fotocollage, 69,2 x 99,3 cm, Courtesy Galerie Gugging

KUNST.INVESTOR Galerie Gugging

August Walla, undatiert, installation, Vintage Silver Print, 8,9 x 8,9 cm, Courtesy Galerie Gugging

August Walla: Das fotografische Werk des wohl universellsten Art Brut Künstlers August Walla war über lange Zeit nicht so bekannt wie seine Zeichnungen und Gemälde. Walla liebte es, mit seiner Kamera die Umgebung, in der er sich gerade befand, festzuhalten, seine Kunstwerke zu fotografieren oder aber sich von seiner Mutter in verschieden-sten Posen oder mit Kunstwerken fotografieren zu lassen. Er hatte seine eigene fotografische Handschrift (es gibt im herkömmlichen Sinn Landschaften, Interieurs, Werkdokumente, Situativ-Persönliches) und trotz der Heterogenität seines fotografischen Werkes ist den Fotos immer die Eigenheit des Kombinatorischen anzusehen. Walla sieht immer etwas plus noch etwas, und so bestehen seine Kompositionen immer aus einem Hauptmotiv plus Ambiente. Das Oeuvre teilt sich

in jene Fotografien, die er selbst aufgenommen hat, und jene, auf denen er zu sehen ist und die seine Mutter nach seinen genauen Anweisungen gemacht hat. Besondere Raritäten sind die schwarz-weißen, auf der Rückseite von Walla beschrifteten Vintageprints. In den 1980er Jahren entstanden Instamatic Fotos mit Farbfilm, und eine Auswahl wurde vom Originalnegativ vergrößert, auf Kartons aufgebracht und vom Künstler mit Zeichnungen und Schriften versehen. Ergänzend zu den Fotos präsentiert Galerie Gugging einige Objekte August Wallas, deren Inszenierung und fotografische Dokumentation ihm stets wichtig waren. Diese Ausstellung ist bis zum 29. November 2016 in der Galerie Gugging zu sehen. [Vernissage: Mittwoch, 28. September, 19:00 Uhr] – Foto: © Galerie Gugging

KUNST.INVESTOR Galerie Gugging

August Walla, August Walla mit Schrifttafel "BOSTWÃ&#x2013;.?", Foto, 30 x 40 cm, Courtesy Galerie Gugging

August Walla, Aloisia Walla mit Schrifttafel, Foto, 30 x 40 cm, Courtesy Galerie Gugging

KUNST.INVESTOR Event

Künstlerserie "Cocteau"

"Wenn es scheint, dass ein Werk seiner Zeit voraus ist, so nur deshalb,weil seine Zeit hinter ihm zurück ist." Jean Cocteau

„Jean Cocteau war ein interdisziplinärer Künstler, der über eine besonders vielseitige Kreativität verfügte. Mit der ihm eigenen Eleganz und Leichtigkeit schuf er ein umfassendes OEuvre, das heute von unschätzbarer Bedeutung ist.“Pierre Bergé President of Comité Jean Cocteau

sehr modernen Museum Jean Cocteau, welches darüber hinaus auch die Sammlung von Severin Wundermann beherbergt. In den letzten Jahren wurden die Konzerte im Museum auf einem Bösendorfer gespielt, deshalb war es nur passend ein spezielles Bösendorfer Insrument zu bauen, den „Cocteau“.

Das Modell Cocteau basiert auf einer Kooperation zwischen Bösendorfer, dem Menton Musik Festival und dem Menton Museum Jean Cocteau. „Für das Menton Festival, das dieses Jahr seinen 66. Geburtstag feiert, ist es eine große Ehre, zusammen mit Bösendorfer diesen außergewöhnlichen Flügel zu kreieren. Cocteau war ein regelmäßiger Besucher des Festivals und pflegte eine intensive Beziehung zu der Stadt Menton, was diesem Projekt eine weitere Dimension verleiht.“Paul-Emmanuel Thomas Directeur artistique Festival de Menton. Das Menton Musik Festival ist eines der ältesten und prestigeträchtigsten Festivals in Europa. Die Flügel spielen eine große Rolle sowohl bei den Außenkonzerten im wunderschönen mittelalterlichen Stadteil, als auch bei Konzerten im

Jean Cocteau (1889-1963) war ein französischer Schriftsteller, Designer, Theaterautor, Maler und Filmemacher. Als Zeitgenosse von Picasso arbeitete er mit vielen berühmten Künstlern sowie mit Komponisten wie Igor Strawinsky und Erik Satie zusammen. Das Instrument ist in den Größen 200 und 214 erhältlich. Der auf 12 Stück limitierte Flügel kann wahlweise in schwarz oder in weiß Hochglanz poliert jeweils in Chrom-Garnitur und silberfarbener Gussplatte bestellt werden. Eine exklusive Präsentation in Wien dieses einmaligen Modells, Bösendorfer Flügel "Jean Cocetau", ist am Donnerstag, dem 15. September 2016 um 19 Uhr im Bösendorfer Stadtsalon im Musikverein. Pianistisch umrahmt mit einem musikalisch passenden Programm der japanischen Pianistin Yuko Toyoda.

KUNST.INVESTOR Event

Yuko Toyoda Die japanische Pianistin Yuko Toyoda, berühmt für ihren kristallartigen und berührenden Klang, bietet eine musikalische Reise in die Welt des „Orpheus“. Mit ihren von der Natur inspirierten Arrangements, speziell zum Thema „Orpheus“ geht sie über den Rahmen der klassischen Musik hinaus und entführt Sie in die Welt des "KlassikCrossovers". Yuko Toyoda konzertierte bereits im Konzerthaus Wien, im Bösendorfersaal sowie auf anderen renommierten Bühnen Wiens. In ihrem Heimatland Japan hat sie bereits mehrere Konzerttourneen bestritten. 2013 erhielt der Film „Pecoross – Mutter und ihr Tag“ den ersten Preis, als bester japanischer Film, mit ihrer Titelmusik. Ebenso wurde 2016 der Film „Harmonium“ in Cannes beim Film Festival ausgezeichnet, dessen Filmmusik sie komponierte.

Foto: © Bösendorfer

KUNST.INVESTOR

Bösendorfer

Handmade in Austria

Foto: © Bösendorfer

Am 25. Juli 1828 gründete Ignaz Bösendorfer die Bösendorfer Klavierfabrik im Herzen Wiens – kulturelle Metropole und Stadt der Musik im imperialen Europa. Ignaz Bösendorfer war zutiefst davon überzeugt, dass Flügel nicht nur technisch brillieren, sondern Pianisten mit ihrem Klang inspirieren sollten. Schon damals verband er Qualität aus Meisterhand mit seiner Leidenschaft für Musik und verzauberte Künstler wie Publikum gleichermaßen. 188 Jahre später ist Bösendorfer noch immer der älteste Klavierhersteller im Premiumsegment und das weltweit. Kein anderer Flügel begeistert mit so warmen, sonoren und imperialen Bässe und einem edlen, fein brillanten Diskant: eine farbenreiche Balance aller Register. Die Musik und ihre zahlreichen Interpretationsmöglichkeiten am Bösendorfer sollen alle PianistInnen inspirieren, das

Orchester verführen und das Publikum berühren, Emotionen und die Freude an der Musik wecken. Alle Bösendorfer Instrumente werden in sorgfältiger Handarbeit in Österreich – Wiener Neustadt gefertigt. Das traditionelle Bösendorfer Resonanzkastenprinzip hat im Laufe der Jahrhunderte nichts an Strahlkraft eingebüßt. Im Gegenteil: Seit jeher fertigt Bösendorfer den sogenannten Resonanzkörper des Instruments, inklusive Zarge, in massivem Fichtenresonanzholz und verzichtet dabei auf starre laminierte Hartholzschichten. Die akustische Leitfähigkeit dieses hölzernen Klangkörpers - von bis zu 5.000 Meter pro Sekunde - ist die Basis für einen einzigartigen Klang: den Bösendorfer Klang. mehr Info (Foto: © Bösendorfer)

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Bรถsendorfer - Design Josef Frank

Bรถsendorfer - Design by F. A. Porsche

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„viennacontemporary“ 22. bis 25. September 2016

Oskar Dawicki, Flag, 2013 © Courtesy of Raster Gallery Warsaw

Nach dem großartigen Erfolg der ersten Ausgabe der viennacontemporary 2015 im spektakulären Ambiente der Marx Halle versammelt die größte und bedeutendste Kunstmesse der Region auch dieses Jahr mehr als 100 herausragende österreichische, osteuropäische und internationale Galerien und präsentiert junge und etablierte zeitgenössische Kunst. Die Marx Halle mit ihrer historischen Schmiedeeisenkonstruktion wurde im letzten Jahr vom Publikum und den teilnehmenden Galerien als hervorragender Ort für die Präsentation zeitgenö-ssischer Kunst wahrgenommen. Der Besuch bedeutender internationaler KunstsammlerInnen und die stetig wachsende Reputation der viennacontemporary haben viele Galerien dazu bewogen, auch 2016 wieder an der Kunstmesse in Wien teilzunehmen. Dazu kommen neue junge und interessante Galerien sowohl aus Österreich als auch den Schwerpunktregionen und der westlichen Hemisphäre. Die teilnehmenden Galerien befinden sich in einem Begleitdokument, zugeordnet nach Sonderpräsentationen und nach ihren Herkunftsländern gelistet. Mit besonders großer Spannung werden 2016 die Sonderpräsentationen erwartet. Mit dem neuen Format Solo Expanded unterstützt die viennacontemporary den Wunsch der internationalen Galerien, verstärkt zeitgenössische Sonderpositionen von internationalen KünstlerInnen auf der Kunstmesse in Wien vorzustellen. Bei Nordic Highlights ist heuer die nordeuropäische Kunst zu Gast in Wien, wo ausgewählte Galerien aus Finnland, Dänemark und Schweden die Unterschiede und Ähnlichkeiten der

nationalen Kunstszenen vor dem Hintergrund einer Gesamtsicht der nordischen Region aufzeigen. Einen interessanten Aspekt europäischer Kunstgeschichte wird in diesem Jahr die Sonderpräsentation Focus: ExYugoslavia and Albania aufgreifen, in der eine repräsentative Auswahl zeitgenössischer Kunst aus den jugoslawischen Nachfolgestaaten und Albanien zu sehen sein wird. Auch die gut eingeführte ZONE1 verspricht, mit Einzelpräsentationen junger österreichischer KünstlerInnen für einen hohen Überraschungsfaktor zu sorgen. Die viennacontempo-rary unter der künstlerischen Leitung von Christina Steinbrecher-Pfandt und der Geschäftsführung von Renger van den Heuvel steht für Kontinuität und eine hohe Qualität des Messeprogramms. Immer mehr KunstsammlerInnen und KunstexpertInnen zieht es nach Wien, das sich als Marktplatz für internationale zeitgenössische Kunst – nicht zuletzt durch den Erfolg der viennacontemporary – sowohl in der heimischen wie auch der internationalen Kunstszene etabliert hat. Mit den diesjährigen Sonderpräsentationen und den vielversprechenden Begleitveranstaltungen – Film- und Videokunst im Rahmen von Cinema sowie Gesprächen und Podiumsdiskussionen im Rahmen von Keys to Contemporary Art und dem Collectors Forum – sowie einem Vermittlungsprogramm für alle Altersstufen, das in Kooperation mit Wiener Kunstinstitutionen einen unkomplizierten und lustvollen Zugang zu zeitgenössischer Kunst ermöglicht, setzt die viennacontemporary einen weiteren Schritt in ihrer Erfolgsgeschichte.

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Robert Rauschenberg, Brush Man (Anagram A Pun), 1998 © Courtesy of Galerie Michael Schultz, Berlin, Germany

Boccanera Gallery, Nebojša Despotović, Matisse's Studio, 2013 © Courtesy of Boccanera Gallery, Trento. Italy

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Sonderpräsentationen 2016: Einzelpräsentationen junger österreichischer KünstlerInnen mit Überraschungsfaktor: Die ZONE1 verspricht auch heuer als Format für Einzelpräsentationen junger österreichischer Kunst ein Programmpunkt voll spannender Überraschungen zu werden. Die Auswahl der KünstlerInnen erfolgte durch Severin Dünser, Kurator für zeitgenössische Kunst, 21er Haus, Wien, aus einer Reihe von Einreichungen von Galerien, die sich mit ihren KünstlerInnen für eine Teilnahme in der ZONE1 beworben hatten. Das Bundeskanzleramt Österreich unterstützt auch dieses Jahr die Teilnahme junger KünstlerInnen aus Österreich in der ZONE1. Teilnehmende KünstlerInnen und Galerien. Solo Expanded: Das neue Präsentationsformat zeigt internationale zeitgenöss-ische Positionen. Mit dem neuem Präsentationsformat Solo Expanded unterstützt viennacontemporary den Wunsch internationaler Galerien, verstärkt Sonderpositionen von internationalen KünstlerInnen auf Österreichs größter und bedeutendster Messe für zeitgenössische Kunst vorzustellen. Kuratiert wird Solo Expanded von Abaseh Mirvali. Die unabhängige Kuratorin und Produzentin für zeitgenössische Kunst und Architektur lebt und arbeitet in Berlin und Mexico City. Nordic Highlights: Nordeuropäische Kunst zu Gast auf der viennacontemporary: Mit der Sonderschau Nordic Highlights erweitert die viennacontemporary ihre internationale Ausrichtung und zeigt heuer in der Marx Halle zeitgenössische Kunstpositionen von ausgewählten Galerien aus Finnland, Dänemark und Schweden, die die Unterschiede und Ähnlichkeiten der nationalen Kunstszenen vor dem Hintergrund einer Gesamtsicht

der nordischen Region deutlich machen. Ergänzend dazu wird der finnische Sammler Timo Miettinen und Gründer vom Salon Dahlmann in Berlin im Rahmen der Gesprächsreihe Collectors Forum über die Sammlung Miettinen in Helsinki sprechen. Teilnehmende Galerien siehe bitte Begleitdokument. Focus: Ex-Yugoslavia and Albania: Unterstützt vom Bundesministerium für Europa, Integration und Äußeres Nach den Schwerpunktländern Georgien, Kasachstan, Ukraine und Weißrussland (2012), Georgien und Polen (2013), Aserbaidschan (2014) und Bulgarien (2015) widmet sich die diesjährige Sonderschau einer Region in Südosteuropa. Im Mittelpunkt stehen Ex-Jugoslawien und Albanien. Kuratiert wird Focus: Ex-Yugoslavia and Albania von der albanischen Kuratorin und Schriftstellerin Adela Demetja. Während in den 1970er Jahren alternative und unabhängige Kunsträume in Westeuropa und den USA in Opposition zum Kunstmarkt gegründet wurden und in ihrer Entwicklung eine bedeutende Rolle für die Institutionskritik spielten, entstand und entwickelte sich die alternative Kunstszene in Ex-Jugoslawien und Albanien genau aus gegenteiligen Gründen: dem Mangel an zeitgenössischen Kunstinstitutionen und dem Fehlen eines Kunstmarktes. Daher spielten die unabhängigen, während der 1990er Jahre gegründeten Kunsträume – initiiert von einer jungen Generation von KünstlerInnen, KuratorInnen und KunsthistorikerInnen – eine bedeutende Rolle bei der Etablierung eines zeitgenössischen bildenden Kunstsystems in dieser Region und dessen Vermittlung über die Grenzen hinaus. In manchen Fällen waren und sind diese unabhängigen Kunsträume die einzigen, wo ein Austausch und Diskurs über zeitgenössische Kunst stattfinden konnte bzw. kann.

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Jonathan Meese, COLD REBELL, 2016 -photo Jan Bauer Â© Courtesy of Galerie Krinzinger and the artist

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Angesichts der gravierenden Veränderungen, die in dieser Region in den letzten Jahren stattgefunden haben, sowie der anhaltenden Finanzkrise, war die Kultur jener Bereich, der am meisten gelitten hat. Die Auswirkungen sind an den aktuellen Problemen der staatlichen Kunstinstitutionen ersichtlich: Das Museum für Zeitgenössische Kunst in Belgrad ist seit 2008 wegen Renovierung geschlossen, ebenso das Serbische Nationalmuseum in Belgrad und weitere große Museen in Bosnien und Herzegowina. Albanien und der Kosovo haben beide jeweils nur eine einzige große Kunstinstitution, in der sich die gesamte bildende Kunst konzentriert. Daher sind zurzeit die unabhängigen Kunsträume die bestimmenden Schauplätze für zeitgenössische Kunst. Am Sonntag, den 25. September 2016 von 11:30 Uhr bis 12:30 Uhr findet der Focus Talk mit Adela Demetja und teilnehmenden KünstlerInnen von Focus: ExYugoslavia and Albania statt. Adela Demetja absolvierte ihren Master in „Curatorial Studies – Theory – History – Criticism“ an der Städelschule und an der Goethe-Universität in Frankfurt. Sie ist Mitbegründerin und Direktorin des Tirana Art Lab – Centre for Contemporary Art und kuratierte eine Reihe internationaler Ausstellungen wie die Themenausstellungen „The Aesthetics of the Small Act“ im Rahmen von Action Field Kodra 2014, dem Festival für bildende Kunst in Thessaloniki, und 2012 „Voices of Truth“ in der Villa Romana in Florenz. 2015 kuratierte sie die Biennale D-0 Ark Underground in Konjic, Bosnien und Herzegowina, die in einem unter Tito erbauten Atombunker veranstaltet wird. Adela Demetja lebt und arbeitet in Albanien und Deutschland. Begleitveranstaltungen 2016- Cinema: Dank der Unterstützung des Bundeskanzleramts Österreich wird

das von Olaf Stüber für die viennacontemporary 2015 entwickelte und kuratierte Format Cinema fortgesetzt. Alle an der viennacontemporary teilnehmenden Galerien sind 2016 eingeladen, aktuelle Filme und Videos der von ihnen vertretenen KünstlerInnen zum Thema „Me, Myself and I“ einzureichen, die im Cinema gezeigt werden sollen. Das Selbstporträt ist so alt wie die Kunst selbst. Einst war es den MalerInnen und BildhauerInnen vorbehalten. Mit der Postmoderne bricht der klassische Begriff des Selbstporträts auf und die KünstlerInnen malen oder meißeln nicht mehr nur sich selbst, sondern agieren und performen vor dem Publikum, dem Fotoapparat und der laufenden Kamera. Sie stellen sich selbst dar und machen ihre Aktionen, ihre Arbeitsräume und Ideen, oftmals auch ihr (mediales) Leben, zum Inhalt. In einer Welt der Social Media und Selfies porträtiert sich jede und jeder überall und scheint alles von sich preiszugeben. Cinema setzt sich dieses Jahr mit der künstlerischen Selbstdarstellung in Film und Video auseinander. Im Mittelpunkt steht die Behauptung der Künstlerin/des Künstlers als Subjekt vor dem Hintergrund einer zunehmend auf Selbstreferentialität basierenden Gesellschaft. Am Tag der Preview, dem 21. September 2016, präsentiert Olaf Stüber Video- und Filmarbeiten von österreichischen StudentInnen, die zuvor im Rahmen eines Open Calls gesammelt wurden. Am Samstag, den 24. September 2016, findet von 11:30 Uhr bis 12:30 Uhr der Cinema Talk mit Olaf Stüber statt. Olaf Stüber ist seit über 20 Jahren als Galerist, freier Kurator und Dozent tätig. Bereits ab 2001 legte Olaf Stübers Galerie den Fokus auf Film- und Videokunst. Seit 2012 ist Olaf Stüber Herausgeber der „Videoart at Midnight Edition“ und Jurymitglied bei international renommierten Videopreisen und Videofestivals.

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Caroline Heider, WW-204170 (Schlepp), 2016 Â© Courtesy of unttld contemporary, Vienna, Austria

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Keys to Contemporary Art: Die Methoden und Materialien zeitgenössischer Kunstproduktion werden vielfältiger, sie entwickeln sich kontinuierlich und wir erleben, wie die Kunst neue Bedeutungen kreiert, nicht nur im kulturellen, sondern auch im politischen, sozialen und wirtschaftlichen Umfeld. Während es keinen Generalschlüssel gibt, der uns ein unmittelbares Verständnis zeitgenössischer Kunst in ihren unzähligen Formen erschließen könnte, gibt es dennoch grundlegende Konzepte und Ideen, die es dem Publikum ermöglichen, einen Weg durch die lokalen und internationalen Zusammenhänge zu finden, auf die sich ein Kunstwerk beziehen kann. Motto der diesjährigen, von Kate Sutton kuratierten Gesprächsund Diskussionsreihe Keys to Contemporary Art ist „Public Image". Die international renommierte Kunstkritikerin aus Nashville, die derzeit in Zagreb lebt und arbeitet, blickt heuer durch das Brennglas „Öffentlichkeit“ und spricht mit führenden RepräsentantInnen der internationalen Kunstszene über die Kriterien, nach denen eine gemeinsame Geschichte, Bilder oder Informationseinheiten „öffentlich“ werden, wie Kunstinstitutionen die Bedürfnisse von unterschiedlichen Publikumsschichten wahrnehmen und ihrer Verantwortung diesen gegenüber gerecht werden. Diesjährige TeilnehmerInnen sind u.a. Milica Tomić, Künstlerin und Professorin, Institut für Zeitgenössische Kunst, TU Graz; Dirk Snauwaert, künstlerischer Direktor, WIELS Contemporary Art Centre, Brüssel; Snejana Krasteva, Kuratorin, Garage Museum of Contemporary Art, Moskau; Bharti Lalwani, freie Kunstkritikerin, Pune, Indien; Abaseh Mirvali, freie Kuratorin, Berlin/Mexico City; Shubigi Rao, Künstlerin, Singapur; João Ribas, stellvertretender Direktor und Chefkurator, Serralves Museum, Porto; Stefan Sava, Künstler, Bukarest; Başak Şenova, freie Kuratorin, Istanbul; und Johannes Wieninger, Kurator Sammlung

Asien, MAK, Wien. Kate Sutton hat fast ein Jahrzehnt in Russland verbracht, wo sie u.a. als Kuratorin für Babakov Art Projects, einer Plattform für zeitgenössische Kunst aus Russland und anderen Ländern, gearbeitet hat. Neben Beiträgen und Kritiken zur zeitgenössischen Kunst für ArtReview, Bidoun, Frieze, The Hollywood Reporter, Ibraaz und LEAP schreibt Kate Sutton regelmäßig für artforum. Detailprogramm wird noch bekannt geben. Collectors Forum: Ebenso beliebt sind die Gespräche mit internationalen KunstsammlerInnen, die im Rahmen des Collectors Forum stattfinden. Das diesjährige Motto „Going Public“ wird von Julien Robson kuratiert. Bevor er seine Karriere als internationaler Kurator und Mitarbeiter in Galerien startete, studierte er Kunst an der Bath Academy of Art und der Slade School of Art in Großbritannien. Im Jahr 2000 übersiedelte er in die USA, wo er zuerst als Kurator am Speed Art Museum in Louisville, Kentucky wirkte und dann an die Pennsylvania Academy of Fine Art (PAFA) in Philadelphia wechselte. Julien Robson, der in Österreich und in den USA lebt und arbeitet, wird mit bemerkenswerten KunstsammlerInnen wie u.a. Isabelle und Jean-Conrad Lemaître, Sammlung Isabelle & JeanConrad Lemaître, Paris, Timo Miettinen, Sammlung Miettinen und Gründer vom Salon Dahlmann, Helsinki/Berlin und Alain Servais, Sammler und Blogger, Brüssel über neue Modelle von Privatmuseen und ihre Rolle bei der Entwicklung von zeitgenössischer Kunst sprechen. Weitere Themen der Gespräche sind die Beweggründe von KunstsammlerInnen, sich mit ihren Sammlungen in die Öffentlichkeit zu begeben, die Visionen, die Sammlungen zugrunde liegen, das Engagement, die Entstehung neuer Kunstwerke zu unterstützen, und wie eine breitere gesellschaftliche Auseinandersetzung mit zeitgenössischer Kunst initiiert werden kann. [ 22. bis 25. September 2016 in der Marx Halle. Foto: © viennacontemporary]

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Liliane Tomasko, „mn,rt“, 2015 © Courtesy of bechter kastowsky galerie, Vienna

KUNST.INVESTOR Kunstraum Nestroyhof

Nita Tandon, Standardwerk, Vorlage, Foto: Matthias Bildstein 2016

„BILDBILDER“ Nita Tandon - Daniel Wisser Picture or Image? Dieses lexikalische Problem löst die deutsche Sprache dadurch, dass sie nur ein Wort zur Verfügung stellt. Die Ausstellung BILDBILDER beschäftigt sich mit der Übertragung von Bildinformationen und ihrer Rekonstruktion zu einem neuen Bild ― einem Bildbild. BILDBILDER beleuchtet die visuelle und sprachliche Rekonstruktion von Bildern. Eine Rekonstruktion verlangt nach klaren, reproduzierbaren Kriterien, wie sie etwa bei der Umwandlung von analog in digital oder umgekehrt verwendet werden müssen. Die Rekonstruktion nimmt dem Bild die Unschuld des So-Seins, und zerstört das Akzeptieren von Bildern als objektiver Darstellung der oder einer Realität. ― Die ganze Welt besteht aus Bildbildern. Es gibt nur Bildbilder. Nita Tandons Standardwerk ist eine vierteilige Arbeit, deren Ausgangspunkt die Fotografie eines Fleischwolfs

ist, der von der Firma Standardwerk hergestellt wurde. Dieses Bild wird reproduziert, indem etwa 10 mm² große quadratische Flächen von Plastilin an eine Glasscheibe geklebt werden. Aus diesen Flächen, die wie „Pixel“ wirken, setzen sich die Bilder zusammen. Tandon reproduziert das Bild drei Mal, wobei die Farben der einzelnen „Pixel“ nach jeweils anderen Methoden hergestellt werden. Im Rahmen der ersten Methode werden die CMYK-Werte der Farben der einzelnen „Pixel“ in Gramm umgerechnet und die entsprechenden Mengen Plastilin in einem Fleischwolf zu der betreffenden Farbe gemischt. In der zweiten Methode wiederholt Tandon denselben Vorgang mit RGB-Werten und in der dritten Methode reproduziert sie die Farben nach Augenmaß. Diese drei methodischen Reproduktionen des Ausgangsbilds werden von der Skizze, nach der Tandon das Bild zuerst segmentiert hat, ergänzt.

KUNST.INVESTOR Kunstraum Nestroyhof

Daniel Wisser, Kein Wort für Blau,Live-Performance, brut (Wien), Foto: Martin Nußbaum

Der Traum des Astrronomen: Genau an der Stelle des Nestroyhofs, an der sich früher die Leinwand eines Kinos befunden hat, ist eine Leinwand angebracht, auf die nichts projiziert wird. Vor dieser Leinwand steht Daniel Wisser und trägt in 20-Minuten-Loops kurze, drei bis acht Sätze umfassende Texte vor ― fiktive Texte, die aus historischen Zeitungsmeldungen entstanden sind. Dabei liegt der Fokus auf der Abwesenheit und Negation von Geschehenem. Der Titeltext etwa erzählt von der Vorführung des heute verschollenen Films „Der Traum des Astronomen“ am 24. Jänner 1900 im Wiener Kolosseum. Bei der Vorstellung geriet der Filmapparat in Brand und der Vorfall befeuerte die Skepsis gegenüber dem neuen Medium Film. In den Texten werden auch historische Blickweisen „korrigiert“, etwa in einem Text über Josef Ressel, der heute allseits als Erfinder der Schiffsschraube bekannt ist, zu seinen

Lebzeiten aber ein Forstmeister war, der keinen Wald zu verwalten hatte; seine Erfindung wurde damals anderen Personen zugeschrieben. Ein anderer Text handelt von den Protesten gegen die Errichtung des Eiffelturms, die so leidenschaftlich ausfielen, dass der Schriftsteller Guy de Maupassant etwa Paris verließ, weil er den Anblick eines Paris mit Eiffelturm nicht ertragen wollte. Auch von Oskar Marmorek, Architekt des Nestroyhofs, ist die Rede. Von den insgesamt 15 Texten, aus denen ein Loop besteht, wird täglich ein Text verändert und nur der Titeltext bleibt bestehen. Auf diese Weise ist jeder Loop eine Uraufführung ― und jener Loop, der auf Video-Loops in Ausstellungen anspielt, ist also gar keiner. [Kunstraum Nestroyhof, Ausstellungsdauer: 29. September bis 05. November 2016- © Kunstraum Nestroyhof]

KUNST.INVESTOR Kunsthalle Wien

Nathalie Du Pasquier BIG OBJECTS NOT ALWAYS SILENT Mit BIG OBJECTS NOT ALWAYS SILENT hat die Künstlerin und Designerin Nathalie Du Pasquier einen vielsagenden Titel für ihre erste Einzelausstellung in Österreich gewählt. Er beschreibt poetisch den Fokus ihrer künstlerischen Arbeit, die Auseinandersetzung mit dem Stillleben. Die Schau führt Malerei und Muster, Skulptur und Design, textile Objekte und Keramik in komplexen Arrangements zusammen und lässt die vielfältigen Beziehungen der Objekte zueinander sichtbar werden. „They portray a relationship between forms“, hebt die Künstlerin hervor und entwirft eine Welt vielfältiger Architekturen und Formen. Neben der Entwicklung ihres künstlerischen Œuvres im Lauf der letzten 35 Jahre wird sichtbar, wie ihr Werk zwischen Kunst und Design changiert indem die Künstlerin wiederholt die „Regeln“ und Grenzen der Genres durchbricht. Nathalie Du Pasquier ist Autodidaktin, blickt aber auf eine lange Karriere als Produktgestalterin zurück. Sie war mit 23 Jahren jüngstes und eines der wenigen weiblichen Gründungsmitglieder des einflussreichen Mailänder Design- und Architekturkollektivs Memphis, das 1980 unter Federführung von Ettore Sottsass aus der Taufe gehoben wurde. „Form follows fun“ war die Devise des neuen Designs, das revolutionär und frech daherkam und explizit auf Sinnlichkeit und Emotion anzielte. Die Explosion von Farben, Formen und Mustern war der absolute Gegenentwurf zur akademisch-

intellektuellen Devise des „form follows function“, die seit der Chicago School als das Credo modernen Architektur- und Designverständnisses gegolten hatte. Während ihrer „Memphis-Zeit“ entwarf Nathalie Du Pasquier grafische Oberflächenstrukturen für Textilien und Teppiche sowie Objekte und Möbel. Viele ihrer Muster werden heute wiederentdeckt und neu aufgelegt. Seit 1987 widmet sich Nathalie Du Pasquier hauptsächlich der Malerei. Sie sieht sich in erster Linie als bildende Künstlerin, wobei sie sich die coole Sicht auf formale Zuschreibungen bewahrt hat – nicht nur was ihre Arbeit anbelangt, sondern auch was die Hierarchisierung innerhalb der Kunstsparten betrifft: „What bores me about the art world is the myth that art is so precious, and that it should be so expensive. Art is just what you do. It is not less worthwhile to make a pattern or a carpet than a painting in the end.“

Betrachtet man Nathalie Du Pasquiers Arbeiten, gleich welcher Sparte sie angehören, ist ihre Handschrift doch immer originär und unverkennbar: Die ausgedehnten Afrikareisen ihrer frühen Jugend prägten ihr Werk ebenso, wie die Ornamentik der Wiener Werkstätte, das künstlerische Werk Le Corbusiers und Amédée Ozenfants oder die italienische Novecento-Malerei von Giorgio de Chirico und Giorgio Morandi. Gefragt nach ihrer Arbeitsweise und den Spuren, welche die vielfältigen Einflüsse in ihrem Werk hinterlassen haben, erklärt sie: „… adventures are like that: you follow tracks, you don’t follow ideologies.“

KUNST.INVESTOR Kunsthalle Wien

Nathalie Du Pasquier, Big Drawing, 2013, Courtesy die KÃ¼nstlerin und Exile Gallery, Berlin

KUNST.INVESTOR Kunsthalle Wien

BIG OBJECTS NOT ALWAYS SILENT verzichtet bewusst auf eine chronologische Präsentation zugunsten einer intuitiven, methodisch freien Choreographie, ähnlich der, die Nathalie Du Pasquiers malerischen und skulpturalen Kompositionen zugrunde liegt. In der Ausstellung werden Arbeiten aus verschiedenen Phasen der künstlerischen Produktion nebeneinander präsentiert, um die Entstehungsgeschichte ihres Werks sowie die Verbindungslinien zwischen Design und Malerei gleichermaßen sichtbar zu machen, aber auch um wiederkehrende Elemente darzustellen und den prozesshaften Charakter ihrer Arbeitsweise zu unterstreichen. Nathalie Du Pasquiers Werk lässt sich wie eine Art künstlerisches Alphabet lesen, das nach und nach um neue Objekte und Symbole erweitert wird und einen singulären Weg der Konstruktion und Komposition von Formen, Farben und Räumen beschreitet. Als Prelude fungiert ein riesiges Display, das als Selbstporträt der Künstlerin gelesen werden kann – kein Abbild ihrer äußeren Gestalt, sondern eine Skizze ihrer Gedankenwelt. In diesem Arrangement finden unterschiedliche Elemente zusammen: Steine stehen neben Vasen, Werkzeug, abstrakte eingefärbten Holzelemente oder Skulpturen en miniature neben kleinen Zeichnungen und Malereien der Künstlerin. Das Nebeneinander von Kunstwerken und Alltagsdingen

entwirft ein Tableau der Anregungen, aus denen sich Nathalie Du Pasquiers Werk speist. Die zentrale Ausstellungsfläche selbst ist in unterschiedliche Räume aufgeteilt, ähnlich den Zimmern einer Wohnung. Innerhalb dieser Räume werden die verschiedenen Schaffensphasen in einem chronologisch, materiell sowie motivisch wilden Mix präsentiert. So entstehen Narrationen, die sich aus der Beziehung der Objekte zueinander entwickeln: Skulpturale Objekte, die an architektonische Modelle erinnern, stehen hier neben Gemälden, auf denen Skulpturen abgebildet sind; farbige Elemente erheben sich axonometrisch aus einer metaphysisch-monochromen Landschaft. Zweidimensional-flache Objekte aus bemaltem und zugeschnittenem Papier oder Karton alternieren mit kleinen dreidimensionalen, wandschmuckartigen Konstruktionen. Diese vieldeutigen Gegenüberstellungen haben mit reiner Abbildung nichts mehr zu tun. Dass die Werke nunmehr wie Trompel’oeil-Bilder aussehen, lässt die Betrachter erneut an Objekte aus Du Pasquiers Designperiode denken, an monochrome Zeichnungen, grafische Arbeiten sowie Möbelstücke aus der Memphis-Phase – aber diesmal aus dem Blickwinkel der Malerei. (Kurator: Luca Lo Pinto) [KunstHalle Wien. Ausstellungsdauer bis 13. November 2016 – Foto: © Kunshalle Wien]

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Ausstellungsansicht: Nathalie Du Pasquier. BIG OBJECTS NOT ALWAYS SILENT, Kunsthalle Wien 2016, Foto: Stephan Wyckoff

KUNST.INVESTOR Kunsthaus Bregenz

Maja Čule

Ab 2016 bilden die KUB Billboards eine eigenständige Programmschiene und stellen Künstler/innen vor, die inmitten jüngster epochaler Wendepunkte aufgewachsen sind: vom Fall des staatlich verordneten Sozialismus hin zu einer zunehmend globalisierten Welt, die seit den 1990er Jahren von einer digitalisierten Kapitalisierung sämtlicher Lebensbereiche geprägt ist. Im heutigen Zeitalter sind es das Internet, die Logik algorithmischer Verarbeitungsprozesse, soziale Medien und ein Zustand allgegenwärtiger Überwachung, die unser Denken und Handeln bestimmen. Die Wahrnehmung dessen, was wir »Realität« nennen, hat sich grundlegend gewandelt und erfordert kritische Darstellung. Die in New York lebende Künstlerin Maja Čule entfaltet Narrative, die durch das Internet und digitale Technologien verbreitet werden. Ihre Filme, Fotografien, Zeichnungen und Installationen stellen die der gegenderten Bildsprache innewohnenden Sexismen ebenso in Frage wie die Er- zeugnisse und Vorstellungen einer »heroischen Erschöpfung« der heutigen Do What You Love-Kultur — eine Ideologie, die davon ausgeht, dass professionelle Identität die letzte uns verbliebene ist und Arbeit die letzte uns verbliebene Möglichkeit, Zeit zu erfahren. In ihrem Film Horizon (2013) baumelt beispielsweise ein Model in einer Endlosschleife von der Dachkante des Trump Building in New York. Abgesehen davon, dass es sich

um die Rekonstruktion einer klassischen Filmtrope handelt, wird hier vor allem die Prekarität körperlicher wie wirtschaftlicher Leistung in den Mittelpunkt gerückt. Laughing Alone with Salad (2013) ist hingegen eine Serie, die auf Aufnahmen aus lizenzfreien Bildarchiven aus dem Internet Bezug nimmt und für das Magazin DIS produziert worden ist. Die Aufnahmen der Archive suggerieren, dass Frauen lachen, wenn sie einkaufen, Salat essen und Sport treiben. Als Mem, das diesen Code identifiziert, dekonstruiert die Serie falsche Repräsentationen von Glück, Gesundheit, Gender und Vergnügen. Für die KUB Billboards wird Čule diese Untersuchungen fortsetzen. Sie wird eine neue Arbeit entwickeln, ausgehend von einer Sammlung aus über 600 Reproduktionen von Notizbüchern, die sie auf Reisen durch die Welt in Papierwaren- und Künstlerbedarfsgeschäften gesammelt hat. Sie zeigen Einzelseiten mit Spuren von Pinseln, Farben und Texturen, die darauf gekritzelt, ausprobiert, geborgt, gestohlen, redigiert, markiert, gefiltert und geteilt worden sind. Für die Billboards werden diese Spuren nicht nur »redigiert« und kategorisiert, sondern zusätzlich als kostenloses digitales Pinsel-Tool zur Verfügung gestellt. [Kurator: Eva Birkenstock kuratiert. Ausstellungsdauer bis 31. Oktober 2016 – Foto: © KUB Kunsthaus Bregenz]

KUNST.INVESTOR Kunsthaus Bregenz

Foto: Â© KUB

KUNST.INVESTOR Kulturvernetzung Niederösterreich

Lisa Bäck, Hommage a´ Akram Khan, Foto: © Bäck

14. „NÖ Tage der offenen Ateliers“ - 15. & 16. Oktober Zum 14. Mal stehen im Rahmen der „NÖ Tage der offenen Ateliers“ Malerei, Grafik, Bild-hauerei und Fotografie ebenso wie Film, Modedesign, Textil-, Schmuck- und Schmiedekunst im Rampenlicht. Ein Wochenende lang richtet sich in Niederösterreich der Fokus auf bildende Kunst, Kunsthandwerk und Design. Mehr als 1.200 bildende KünstlerInnen und KunsthandwerkerInnen öffnen am 15. und 16. Ok¬tober 2016 ihre Ateliers, Galerien, Studios und Werkstätten. Man kann neue Werke kennenlernen, beim kreativen Schaffensprozess der KünstlerInnen dabei sein und auf diese Weise einen sehr persönlichen und inten¬siven Zugang zur Kunst erleben. Viele Kunstschaffende bieten zusätzlich Kreativ-Work¬shops, Konzerte, Lesungen oder Aktivitäten für Kinder an. Erfolgsgeschichte „NÖ Tage der offenen Ateliers“: Das von der Kulturvernetzung NÖ initiierte Projekt „NÖ Tage der offenen Ateliers“ findet 2016 zum 14. Mal statt und schreibt seine Erfolgsgeschichte fort: Die Zahl der teilnehmenden Kunstschaffenden hat sich seit Projektbeginn – damals mit 425 TeilnehmerInnen – verdreifacht. 2015 wurden 64.000 Besuche gezählt.

Landeshauptmann Dr. Erwin Pröll zeigt sich sehr angetan von den „NÖ Tagen der offenen Ateliers“: „Dieses Projekt ist ein enormer Impulsgeber für die niederösterreichische Kunstszene. Seit dem Beginn im Jahr 2003 konnten mehr als eine halbe Million Besucherinnen und Besucher bei Bildender Kunst in Niederösterreich registriert werden. Diese Kunstvermittlung ist in erster Linie den zahlreichen Künstlerinnen und Künstlern in unserem Bundesland zu verdanken. Sie arbeiten auf vorbildliche Weise zusammen und verwirklichen den Slogan „Kunst vor der Haustür“ mit einem wahrlich sehenswerten Inhalt. Diese Initiative ist zudem eine Erfolgsgeschichte der Kulturvernetzung, die seit zwanzig Jahren die Belebung der Regionalkultur in Niederösterreich vorantreibt.“ Die Kulturvernetzung NÖ führt die „NÖ Tage der offenen Ateliers“ in Zusammenarbeit mit der Abteilung für Kunst und Kultur des Amtes der NÖ Landesregierung seit 2003 durch. Die „Tage der offenen Ateliers“ in Niederösterreich finden in Abstimmung mit jenen in Oberösterreich und den tschechischen Bundesländern Südböhmen, Vysočina, Südmähren sowie der Slowakei statt. (Foto: © Kulturvernetzung NÖ)

KUNST.INVESTOR Kulturvernetzung Niederösterreich

Elisabeth Strodl Felis: Bubble, Foto© Strodl

KUNST.INVESTOR Kulturvernetzung Niederösterreich

Monika Lederbauer - Goldener Westen, Foto: Lederbauer Kulturvernetzung NÖ, 14 NÖ Tage der offenen Ateliers

KUNST.INVESTOR Kulturvernetzung Niederösterreich

Anita Niemann - Sophia, Foto: Niemann Kulturvernetzung NÖ, 14 NÖ Tage der offenen Ateliers

Aux Gazelles – Savoir Vivre in Wien Le Restaurant, Le Club, Le Design Mit "mehr Funktion und weniger Folklore" ist das gemeinsam entwickelte Design-Konzept von Christine Ruckendorfer und Architekt Alberto Bach perfekt definiert. Bach zeichnet mit seinem Büro Albertoni für viele internationale Prestigebauten verantwortlich und hält Nichts von unnötigem Chi Chi, lauten Farben und orientalischen Klischees. Beide wollten dem Aux Gazelles mehr Spielraum und Bewegung geben. Das Licht wird durch die Neugestaltung tief in den Raum geholt. Auch die Séparées wurden neu interpretiert. "Ich wollte zwei unterschiedliche, elegante Welten kreieren, das Restaurant mit dem großzügigen Gastgarten ist eine helle frische Sommerwelt von großer Klarheit", erklärt Bach. "Verbindend dazu finden sich Designelemente, die klar und schwungvoll sind, mit klassisch marokkanischen Elementen." Eine Formsprache, die in Abwandlungen immer wieder zum Einsatz kommt. Ruckendorfer Für Ruckendorfer ist das Ergebnis "ein zeitgemäßes Lokal auf internationalem Niveau, ohne folkloristisch zu sein." Auf 2000 Quadratmeter wird "Savoir Vivre in Wien" geboten: Essen, Trinken, Tanzen, Verwöhnen, Entspannen & Genießen. Neue Features, wie "Lunch Bazaar", "Signature Drinks", "After Work-Shower" und anderes mehr erwarten den Gast. "Orient Light" nennt sich das frische Food-Konzept, vielfältig, spannend und ideal für die heißen Sommermonate in der City. Im "Lunch Bazaar" werden mittags feine Variationen in Form von libanesischen MezzeGerichten und marokkanischen Vorspeisen das Aux in Form eines All You Can Eat-Buffets angeboten. Abends können diese auch à la Carte bestellt werden. Als Mittagsmenü gibt es Rindsbrochettes mit gratinierten Zucchini, Lammköfte im Tomaten-Zimtfonds mit Dijon Senf und gegrillte Calamari & Garnelen mit Spargel-Fenchel-Salat. Abends kommt regional-österreichisches zum Einsatz, wie bei der Tajine mit Mariazeller Saibling, knusprigem Rinderprosciutto und Granatapfel, einem zarten Kalbsgulasch, Couscous und Kichererbsen. Vegetarier werden mit Gemüse-Tajine oder gebackenen Kartoffeln mit Arganöl, Koriander mit Limetten-Sauerrahmdip verwöhnt.

Wüstentee on the Rocks meets Bloody Mary Eine schöne Bar braucht exzellente Drinks! Daher hat sich das Aux Gazelles-Team gleich mehrere feine SignatureDrinks überlegt. So wird der berühmte marokkanische Minztee, an dem bereits Winston Churchill im La Mamounia schlürfte, im Sommer "on the rocks" serviert. Zum Feierabend gibt es eine alkoholische Version des Traditionsgetränks aus der Sahara, gemixt mit Gin. Oder ein Gimlet, das berühmt, berüchtigte Getränk der Britischen Navy, favorisiert von Ernest Hemingway und bekannt aus den Philip Marlowe-Krimis. Apropos Hemingway: Zu Beginn einer heißen BarNacht darf ein perfekter Bloody Mary nicht fehlen. Dieser Klassiker wird im Aux Gazelles nach einer klandestinen Rezeptur eines jamaikanischen Barmans gemixt. After Work-Shower Raus aus dem Job und rein in den Feierabend! Doch wo bitte, machen Mann und Frau sich nach einem anstrengenden Arbeitstag frisch und fein? Nicht jeder wohnt im City-Loft um die Ecke. Hammam und Salon de Beauté schaffen Abhilfe. Für 15,- Euro können sich Aux Gazelles-Gäste von 17 bis 20 Uhr duschen, entspannen und für den Abend zu Recht machen. Im Preis inkludiert sind: Handtuch, Erfrischungsgetränk (hausgemachte Limonaden und Eistees). Verwöhnprogramm für Body & Soul Eine alte Hammam-Tradition besagt: Politik, Geld und Sorgen bleiben draußen! Insofern sind Hammam & Salon de Beauté nicht gerade der geeignete Ort für das nächste Business Meeting, wohl aber um sich von Kopf bis Fuß verwöhnen zu lassen und zu entspannen. Auf 500 Quadratmetern befinden sich ein klassisches Dampfbad, Behandlungs- und Entspannungsräumlichkeiten in bester Orient-Manier. Hammamcis verwöhnen mit Waschungen, Peelings, wohlriechenden Salben und einer Haarwäsche – falls gewünscht. Mehr Info unter www.auxgazelles.at