KUNSTINVESTOR AUSGABE DEZEMBER 2016 by KUNSTMAGAZIN KUNSTINVESTOR

NOVEMBER 2016

Große Auktionswochen in Wien-Zeitgenössische Kunst, klassische Moderne, Design und Jugendstil Kurt Hüpfner - Oswald Tschirtner und Johann Hauser Poetiken des Materials – Der Farbholzschnitt in Wien um 1900

KUNST.INVESTOR Editorial

Liebe Leserinnen und Leser!..

Heute halten Sie die aktuelle Ausgabe des e-Magazine KUNSTINVESTOR in „Händen“. Innovativ, exklusiv und stets mit dem richtigen Riecher für aktuelle Entwicklungen informieren wir Sie rund um alle wichtigen Themen, die nationalen und internationalen Kunstmärkte betreffend. Kunst ist ein interessantes Portfolio und unbestritten die schönste Beimischung für Ihr Investment- inspirierend, nicht allein in ideeller Hinsicht. Besonders in Zeiten, da Bullen auf sich warten lassen und Renditen an der Nulllinie kratzen, etablieren sich Kunstwerke als stabile, vor allem aber als rentable Assets. Eine Tatsache, der sich selbst hartgesottene Aktionäre nicht entziehen können. Außenseiter der Kunstgeschichte profitieren davon nicht substanziell in Kunst interessiert zu sein, weil die zeitlichen Intervalle von einer Aktienbaisse zur nächsten immer wieder kürzer werden- wäre auch zu erwarten, dass die persönliche Entscheidung dieser Käufer weniger zählt. Wie schade. Und wie bezeichnend. Viele Sammler

scheinen in Bilder wie in Aktien zu investieren. Käufer haben eben nicht nur wieder viel Geld, sie kultivieren auch einen sehr selektiven Blick. Mehr noch: Dieser Boom ist noch lange nicht an seine Grenzen gestoßen. Bilder, Antiquitäten und andere Sammelobjekte nehmen im Rahmen der Veranstaltungen einen immer höheren Stellenwert ein. Dies bestätigen die hervorragenden Ergebnisse der Auktionshäuser. Weil es bei allen Dingen des Lebens immer auf den richtigen Mix ankommt, wollen wir Sie nicht nur mit fundierten Hintergrundberichten, präzise recherchierten Topstorys, wichtigen Nachrichten und aktuellen Interviews begeistern. Zusätzlich wollen wir dieses Magazin auch mit dem Sonderteil Geld & Anlage-INVESTOR als moderne Plattform zum Austausch wichtige Investitionsinformationen anbieten. Lesen Sie den aktuellen KUNSTINVESTOR, wo Sie sich ein aktuelles Bild über den Kunst- & Geldmarkt verschaffen könneneine wirklich gute Investition. Viel Spaß wünscht Ihnen Michael Ruben Minassian

IMPRESSUM: Medieneigentümer, Chefredakteur & Herausgeber: Michael Ruben Minassian, Mail: office@kunstinvestor.at , Telefon: +43 1/ 23653.1318 Verlagsadresse: MN Online & Content GmbH, 1110 Wien, Brehmstrasse 10/4.OG, Geschäftsführung: Markus Bauer, ATU 65091955, FN 330453k, Tel: +43 1/ 91920-9045 DW, Fax: + 43 1/29 81-298 DW, Website:www.kunstinvestor.at, Cover-Foto: Auktionshaus 'im Kinsky', 114. AuktionUmberto Boccioni Studie für Skulptur, 1912 Bleistift und Grafitstift auf Papier; 28 × 22 cm, Schätzwert 25.000 bis 50.000 Euro

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Barbara Husar, Avantgarde der Teilchenbeschleuniger, 2016, Stempel auf Bütten

BARBARA HUSAR – AVANTGARDE DER TEILCHENBESCHLEUNIGER Teilchenbeschleuniger üben seit langem eine tiefgründige Faszination auf Barbara Anna Husar aus.Allerdings fokussiert sie keine Teilchen physikalischer Natur, sondern Strukturen, die über das Materielle hinausweisen: Bewusstseinsströme sollen angeregt werden und neue sinnstiftende Verbindungen und weiterführende Wechselwirkungen entfalten. In ihrer Ausstellung Avantgarde der Teilchenbeschleuniger schafft sie ein komplexes System, ein multimediales Gewebe aus Relationen

wesentlicher Datenträger. Deren kommunizierende Kanäle sind miteinander verwoben, in bildlichen Positionen gebündelt und verdichtet um energetische Felder zu generieren. Die Werke sind gleichsam Instrumente, die um sich rotierende Sphären von über sich hinaus deutenden Informationen bilden, die sich überlagern und in den Überschneidungen neue Erfahrungsräume entstehen lassen. [Galerie Schultz Berlin. Ausstellungsdauer bis 12. NOVEMBER 2016 – Foto: © Galerie Schultz]

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Stephan Kaluza, Fragmente eines Ängstlichen 27, Öl auf Leinwand

STEPHAN KALUZA – FRAGMENTE EINES ÄNGSTLICHEN In „Fragmente eines Ängstlichen“ zeigt Stephan Kaluza 72 Varianten von Wasseroberflächen (Öl auf Leinwand) im kleinen Format, als Installation gehängt. Die Bilder variieren in der Art, dass unichrome Flächen sich mit fotorealistischen Darstellungen und abstrakt-pastosen Farbaufträgen abwechseln und einer systematischen Choreographie unterworfen sind. Die Grundfarben der achtzehn Vierergruppen zeigen sich in den unifarbenen Flächen, auf dieser Basis findet Realismus und Abstraktion gleichermaßen statt. Die Ausstellung dieser

Malerei folgt so einem logischen Konzept und stellt die Frage nach der „berechenbaren“ Emotionalität und Spontanität in der Malerei, nach den Gesetzen des Lichteinfalls und der Lichtbrechung auf Physis; – simples Wasser, in diesem Fall, kleine Ausschnitte. So zielt auch der Titel auf die Wahl der Methode und die Freiheit im Rahmen des Berechenbaren ab. [Galerie Schultz Berlin. Ausstellungsdauer bis 12. NOVEMBER 2016 – Foto: © Galerie Schultz]

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Ist das Biedermeier? Amerling, Waldmüller und mehr

Die Ausstellung widmet sich der Malerei zwischen 1830 und 1860, also der Kunst einer Zeitspanne, die noch im Biedermeier beginnt, aber weit über diese Epoche hinausreicht. Anhand einer Auswahl repräsentativer Werke soll die hervorragende Entwicklung der Malerei in diesen Jahrzehnten aufgezeigt werden, zugleich wird damit dem Publikum nahegebracht, dass sich die Kunst eigenständig herausbildete und nicht an die historische Epoche Biedermeier gebunden war. Der Beginn der Ausstellung mit der Kunst der 1830er-Jahre soll das hohe Niveau der österreichischen respektive Wiener Malerei belegen. Davon ausgehend findet die künstlerische Ausformung schließlich in den 1850erJahren zu einem neuen Höhepunkt. Die Werke aus diesem Jahrzehnt verdichten ein letztes Mal alle maltechnischen und kompositorischen Erkenntnisse und führen die Malerei zu neuer Blüte. Die meisten Darstellungen dieser Zeit erinnern an ein letztes Aufwallen an der Schwelle zu einer neuen Stilepoche und sind demzufolge von enormer Ausdruckskraft. Die Ausstellung konzentriert sich auf die „profane“ Malerei, also auf Themen, die das tägliche Leben

spiegeln: Porträts, Landschaften, Genrebilder im weitesten Sinn. Im Zentrum der Ausstellung steht Wien, wobei vor allem Ferdinand Georg Waldmüller geehrt werden soll. Waldmüller wird vielerorts fälschlicherweise als „Maler der Biedermeierzeit“ bezeichnet, ungeachtet dessen, dass seine bekanntesten Arbeiten in den Jahren nach 1848 entstanden sind. Eine Auswahl seiner späten Werke wird daher den Kern der Ausstellung bilden. Daneben soll anhand weniger ausgewählter Werke auf Parallelen zu oder Wechselwirkungen mit anderen europäischen Kunstmetropolen hingewiesen werden. Einen weiteren Schwerpunkt wird die Wohnkultur bilden, speziell die Möbelproduktion, die in diesen Jahren eine enorme Entwicklung durchgemacht hat. Eine Auswahl von Einrichtungsgegenständen soll auf den Stilwandel vom Biedermeier zum Zweiten Rokoko hinweisen, zusätzlich soll damit ein Vergleich zwischen den ausgestellten Objekten und den in den Gemälden abgebildeten Möbeln ermöglicht werden- Kuratiert von Sabine Grabner. [Belvedere, Ausstellungsdauer bis 12. Februar 2017 Foto: © Belvedere]

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József Borsos, Der Emir vom Libanon (Porträt von Edmund Graf Zichy), 1843 © Szépművészeti Múzeum/ Museum of Fine Arts, Budapest, 2016, Foto: © Tibor Mester

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Klemens Brosch, „Das Krokodil auf der Mondscheibe“ 1912

Klemens Brosch - Kunst und Sucht des Zeichengenies Klemens Brosch zählt zu den herausragendsten und interessantesten Zeichnern Österreichs im 20. Jahrhundert. Gemeinsam würdigen nun die Landesgalerie Linz und das NORDICO Stadtmuseum das Leben und Werk des Linzer Künstlers. Die Landesgalerie Linz bietet einen umfassenden Einblick in den künstlerischen Kosmos des genialen Zeichners. Studienblätter, die durch ihren Detailreichtum bestechen, bilden den Auftakt zur Ausstellung; gefolgt

von virtuosen Landschaftsaquarellen und beeindruckenden Aus- und Einblicken in die Natur. Die Ausstellung im NORDICO Stadtmuseum beschäftigt sich mit der Biografie und den Linz-Bezügen des Künstlers. Markanten Lebensabschnitten und -orten werden eigene Räume gewidmet. [Landesgalerie Linz / NORDICO Stadtmuseum Linz. Ausstellungsdauer bis 8. Jänner 2017 – Foto:© Nordico]

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TR@NSMISSION WERKE VON JULIE VALMES IM PALAIS SCHWARZENBERG

Foto: © Julie Valmes, Zwölf, 2011, Aluminium Hochglanzlack in fünf Farben Durchmesser 180 cm

In TR@NSMISSION zeigt die Künstlerin Julie Valmes erstmalig einen Überblick über ihre Arbeiten, die in den vergangenen acht Jahren entstanden sind. Das Thema der Ausstellung kreist um die Schnittstellen der Wissenschaftsgebiete Transhumanismus, Künstliche Intelligenz (KI), Biophysik und Energetik. Die exponentielle Entwicklung künstlicher Intelligenz und die Verschmelzung von Technik und Mensch sind hochbrisante und aktuelle Themen. Julie Valmes befasst sich seit vielen Jahren intensiv mit diesen Entwicklungen, die mit relevanten Fragestellungen einhergehen. Diese werden in Form von Objekten, Installationen, Skulpturen und mittels Frequenzmalerei thematisiert. Kunst am Schnittpunkt von Transhumanismus, Quantenphysik und Spiritualität- Kein Gesprächsstoff ist derzeit populärer als die Forschungen und Spekulationen darüber, welche Zukunft uns die unendlichen Datensammlungen des Internet und innovativste Technologien wie selbstlernende Superintelligenz, Nano- und Neurotechnologie oder Gehirn-Computer-Schnittstellen bescheren werden. In diesem Resonanzraum der Diskurse setzt die Arbeit

von Julie Valmes an. Mit ihren Gemälden, Skulpturen und Installationen bewegt sich die 1977 in Polen geborene, in Wien lebende Künstlerin im Spannungsfeld von Transhumanismus und Transzendenz, Quantenphysik, Energetik und Spiritualität. TR@NSMISSION, so der Titel der Ausstellung, ist ein Begriff mit zahlreichen Bedeutungsnuancen. Er meint die Durchlässigkeit eines Mediums für die Übertragung von Schall- und Lichtwellen wie auch von Daten, gleichzeitig die Weitergabe von Erbrechten und auch die Empfänglichkeit für die Übertragung von Infektionen und Erregern. Mit den Worten von Valmes: „Jeder Mensch ist ein omnipräsenter Sender und Empfänger, ein hochsensibles, multidimensionales Frequenzwesen“. Mit ihren plastischen Arbeiten aus vielfältigen Materialien wie Bronze, Aluminium, Stahl, Silikonen, farbigen Kunstharzen und Holz spiegelt die Künstlerin die widersprüchliche Realität des gläsernen Individuums der Gegenwart: Was sich als Transparenz maskiert, ist totalitäre Kontrolle. [PALAIS SCHWARZENBERG. Ausstellungsdauer: 15.bis 20. November 2016 – Foto: Julie Valmes, Zwölf, 2011, Aluminium, Hochglanzlack in fünf Farben, Durchmesser 180 cm, © Julie Valmes]

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Friedrich Erhart „Malen mit Licht“

Foto: © Friedrich Erhart – Wasserwerk

Digitale Bilderfassung hat sowohl den Umfang als auch die kreativen Möglichkeiten der Bilderstellung deutlich erweitert, indem sie dem Fotografen eine experimentellere Arbeitsweise erlaubt, frei von Kosten für analoges Filmmaterial. Vor einigen Jahren ist auch Friedrich Erhart, gelernter Analogfotograf, auf „digital“ umgestiegen. Beim Experimentieren mit dem neuen Equipment entdeckte er, dass man durch gezielte Kamerabewegung während der Belichtung malerische Bildeffekte erzeugen kann. Eigentlich etwas unorthodox, entwickelt die Kameraindustrie doch seit vielen Jahren Technologien, wie beispielsweise den eingebauten Verwacklungsschutz, um genau solche Effekte zu vermeiden. Jedenfalls motivierten ihn die ersten „Wackelbilder“, diese neue Methode der kreativen Bildgestaltung auf verschiedenste Motivbereiche anzuwenden und weiter zu perfektionieren. Die Technik selbst impliziert naturgemäß einen gewissen Anteil an Unvorhersehbarkeit. Doch der Zufall hat hier durchaus Methode und ist beabsichtigt. Gerade das macht meiner Meinung den Reiz aus, weil jedes so entstandene Bild auf seine Weise einzigartig und nicht replizierbar ist. Durch längere Belichtungszeiten und „bewegte Kamera“ erscheinen die Farben flächiger – trotzdem schaffen Licht und Schatten die nötige Raumtiefe. Formen fließen

ineinander zu farbenfrohen Kompositionen, die streckenweise an impression-istische oder abstrakte Malerei erinnern. Die Kunst dabei ist, die Kamera so zu bewegen, dass genau der richtige „Pinselstrich“ für die jeweilige Komposition entsteht. In dem Thema seiner Ausstellung WASSER.WERK vereint Friedrich Erhart die Geschichte der historischen Ausstellungsräumlichkeiten der „Alten Schieber-kammer“mit dem Inhalt seiner aktuellen Werke. In der „Alten Schieberkammer“ waren ursprünglich die Sperrorgane (Schieber) für den Betrieb des Wasserbehälters Schmelz untergebracht. Sie wurde 1870 bis 1873 im Zuge des Baues der I. Wiener Hochquellenleitung errichtet. Das Gebäude wurde schließlich in den 1990er-Jahren komplett restauriert undfür Ausstellungsund Veranstaltungszwecke adaptiert. Die für diese Ausstellung ausgewählten Kunstfotografien beinhalten stets das Element Wasser. Ob als abstraktes Detail einer Wasser-Gischt, Spiegelungen in einer Regenpfütze, mystische Gestalten auf dem Eis oder (bekleidete!) Damen – beim Sprung ins nasse Element. Allen Werken von Friedrich Erhart gleich ist jedoch sein unverwechselbarer Stil. [Alte Schieberkammer, Ausstellungsdauer: 15 November bis 19. November 2016 – Foto: © Friedrich erhart]

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Foto: Â© Friedrich Erhart - Dirndlsprung (1. Platz in der Kategorie "Action & Sport" beim KURIER Fotowettbewerb 2014)

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Lawrence Weiner

Lawrence Weiner, Governors Island, New York, 2009 Foto: Michael Marcelle Courtesy of Moved Pictures Archive, New York

Lawrence Weiner ist eine der herausragenden Figuren der ersten Generation der amerikanischen Conceptual Art und einer der bekanntesten Künstler weltweit. Diese konzeptuelle Kunstrich-tung, die sich während der 1960er Jahre entwickelt hat, stellt den Werkcharakter und die Materialisierungsanforderung von Kunstwerken infrage. Im Jahr 1968 verfasste Weiner das für ihn bis heute gültige Manifest Declaration of Intent. Drei Thesen werden darin aufgestellt. Die erste These formuliert die Möglichkeit des Künstlers, ein Werk herzustellen (»The artist may construct the piece«), die zweite bezieht sich auf dessen Anfertigung (»The piece may be fabricated«, die dritte besagt, dass das Werk nicht ausgeführt werden muss (»The piece need not be built«). Jede der drei Möglichkeiten ist gleichwertig und entspricht der Absicht des Künstlers. Die Entscheidung bezüglich der Aus-führung liegt beim Empfänger zum Zeitpunkt des Empfangs (»Each being equal and consistent with the intent of the artist, the decision as to condition rests with the receiver upon the occasion of the receivership«). Durch diese Satzung ist festgelegt, dass das Werk auch aus einem gedanklichen Gebilde bestehen kann. Trotz dieser radikalen Thesen sieht sich Weiner als Plastiker. Sein künstlerisches Material

ist fast ausschließlich die Sprache. Neben Performances und Filmen sind vor allem seine Textarbei-ten charakteristisch, die in Zeichnungen entwickelt und meist großflächig auf Wände aufgetragen werden. Weiner verfasst sie sowohl in der Sprache des Landes, in dem das Werk zu sehen ist, als auch parallel in Englisch, der eigenen Muttersprache. Dadurch lenkt er den Fokus auf die Übersetzung als einen fort-dauernden Prozess von Lektüre und Dekodierung, die jeder sinn-lichen Erfassung zugrunde liegt. Typografie, Oberfläche und Platzierung spielen eine ebenso entscheidende Rolle wie die Form der Wiedergabe. Einige Arbeiten existieren als Audioaufnahmen, andere als Druckerzeugnisse, Graffiti, Tattoos, Lyrics oder Poster. Für das Kunsthaus Bregenz ist Lawrence Weiner nicht nur we-gen seines künstlerischen Rangs attraktiv, sondern vor allem auch wegen seines profunden Raumdenkens. Ortsbezug und Auseinandersetzung mit Raum und Gegebenheiten kennzeichnen Weiners Œuvre, grundlegend auch für seine für das KUB als Ausstellungsort und –architektur geschaffenen Werke. [Ausstellungsdauer: 12. November 2016 bis 1. Jänner 2017 – Foto: © Kunsthaus Bregenz]

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‚Im Dialog mit der Schöpfungsfigur Mensch‘

Foto: © Martina Reinhart

In den Zyklen ‘Das Bild der Frau’, ’Das Bild des Mannes’, ‘Das Bild des Kindes’, ‘Chimaeren’ und ‘Traumwesen’ hat Martina Reinhart bereits die Rolle des Menschen hinsichtlich seinem Bezug zur Natur untersucht. Eigentlich auch in Relation zum Anthropozän-Begriff (Paul Crutzen) als Denkfigur, welcher unsere Vorstellung von Natur und Kultur verändert. Und so auch vom Körper. Denn auch dieser lässt sich nun eigentlich nicht mehr unabhängig vom menschlichen Handeln betrachten. Wie bereits Karl Marx in ‘Grundrisse’ (1857) Maschinen, Lokomotiven, Telegraphen, etc., also Produkte der Industrie als, aus Naturmaterialien entwickelte Organe des menschlichen Willens über die Natur bzw. der menschlichen Partizipation in der Natur beschreibt, so kann man den Menschen selbst als geologischen Faktor sehen, der einerseits die Erde in ihrer Substanz verändert, aber auch zur Schöpfungsfigur seiner selbst wird. Er schreibt sich nun in seine eigene Geschichte ein: Sein Körper als Konstrukt, dessen Veränderung stets phantasmatischen Nachschub benötigt. Im Posthumanismus erschafft der Mensch einerseits Lebewesen mit erweiterten Fähigkeiten, andererseits verbindet er menschliche und künstliche Intelligenz. Im Transhumanismus will er die Grenzen der menschlichen Möglichkeiten durch Einsatz technologischer Verfahren vergrößern. In der unvollendeten, evolutionären Transformation des

Menschen entstehen auch Zwitterwesen: Mensch/Tier/Roboter. Laut Donna Haraway sind Cyborgs kybernetische Organismen, Hybride aus Maschine und Organismus, also Geschöpfe der gesellschaftlichen Wirklichkeit wie der Fiktion. Und wenn Martina Reinhart auf Marshall McLuhan, der die Medien als Ausweitungen des Körpers, des menschlichen Sinnesapperates sieht, Bezug nimmt, geht es letztlich um die Ausblendung und Überwindung des Körpers. Um auf diese Weise eine vollständige Kontrolle über das eigene Selbst und die eigene Materialität zu gewinnen. In ihrem letzten Zyklus ‘KÖRPER/MEDIEN/WISSEN’ verbindet die Künstlerin diese Ansätze, indem sie auch noch Wissen an sich bzw. die Ausformungen/Erweiterungen der, sich jetzt entwickelnden Wissensgesellschaft miteinfließen lässt. In dieser Ausstellung ist ein Querschnitt von all diesen Zyklen zu sehen, der die Auseinandersetzung der Künstlerin mit dem Menschen und seiner Entwicklung zeigt und auch Denkanstöße geben soll, da Reinhart neben den Arbeiten und Videoinstallationen (zu ‚Frau‘, ‚Mann‘ und ‚Kind‘, sowie ‚Wissen‘) auch einen Fragenbogen auflegt, wo die Besucher ihre Meinungen zu der Frage ‘Wie bzw. was kann der Mensch mit seinem Wissen gestalten?’ niederschreiben können. [Alte Schieberkammer, Ausstellungsdauer: 23. November bis 25. November 2016]

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Foto: Galerie Hilger - © Untitled (Der Dom zu Köln), 2016

Julian Schnabel - Works on paper Die erste Ausstellung im deutschsprachigen Raum hatte Julian Schnabel in Düsseldorf 1978. Zur Eröffnung dieser Ausstellung kam niemand außer Sigmar Polke und Imi Knoebel. Heute scharen sich Menschentrauben um den charismatischen Künstler, seit Jahren Liebling der Kunstwelt und Midas der Branche, seine Vernissagen sind stets überfüllt, ein „must“ in der Gesellschaft, die kein Alter, aber Qualität und Zeitlosigkeit kennt. Julian Schnabels Werke wurden in namhaften Museen ausgestellt und sind Bestandteil vieler öffentlicher Kunstsammlungen auf der ganzen Welt wie z.B. Tate Gallery, MoMA NY, Guggenheim Museum, Centre Pompidou, Renia Sofia um nur ein paar zu nennen. Die Ausstellung in der Galerie Hilger erstreckt sich über einen Zeitraum von 1983 bis heute. Zu sehen gibt es Collagen, Monoprints,

ebenso verschiedene Grafik-Editionen, wobei der Schwerpunkt auf aktuellen Arbeiten liegen wird. Schnabel hat anlässlich des diesjährigen Jubiläums 240 Jahre amerikanische Unabhängigkeit einen einzigartigen Bildzyklus im neoexpressiven Stil geschaffen. Die Pigmentdrucke sind die ersten Grafikeditionen die Schnabel seit fast 10 Jahren veröffentlicht. In kräftiges bis sphärisches Violett getaucht faszinieren die Blätter durch Expressivität, die ausdrucksstarke, nebulös wirkende Violettfäbung (gewässerte Tinte) verleihen den Grafiken die gestische Emotionalität, Vitalität und sensible Poetik, die Schnabels einzigartige Handschrift ausmacht. [Galerie Hilger, Ausstellungsdauer: 20 Oktober bis 19. November 2016. Foto: © Galerie Hilger]

KUNST.INVESTOR News

Foto: Magdalena Fischer

LILO NEIN | INCONVENIENT POSITIONS Für die Ausstellung Inconvenient Positions nehmen fünf Skulpturen von Lilo Nein in den Räumen der Galerie Michaela Stock Platz. Die Skulpturen, welche zwischen 2012 und 2016 für unterschiedliche Ausstellungskontexte entstanden sind, werden erstmals zusammen gezeigt. Die Ausstellung Inconvenient Positions ist der erste Teil des Projektes Writing Performance, welches unterschiedliche Modi der Aufzeichnung, Textualisierung und Übersetzung von Performance im Wechselspiel mit anderen Medien untersucht. Ausgehend von Überlegungen zu Performance in der bildenden Kunst wird Ausstellung als zeitlich begrenztes Medium interpretiert, in welchem die Skulpturen in der Begegnung mit dem Publikum stattfinden. Sowohl die Proportionen als auch die reflektierenden und matt spiegelnden Oberflächen unterstreichen den Dialog zwischen den skulpturalen Elementen und den Körpern bzw. der Bewegung BetrachterIn im Ausstellungraum, wobei dieser Dialog durchaus konfliktuale Aspekte mit sich bringen kann. Die diskursive Dimension der Arbeiten wird zudem durch die Einladung von fünf KritikerInnen bzw.

KuratorInnen thematisiert, die jeweils über eine der Skulpturen einen kurzen Text verfassen. Laut Walter Benjamin sind die Kritik wie die Übersetzung Formen in denen künstlerische Arbeiten fortleben,- wobei Benjamin den Begriff des Lebens völlig unmetaphorisch verstanden wissen will; von der Geschichte, nicht von der Natur aus soll diese bestimmt werden. Zudem werden die Skulpturen in der Ausstellung fotografiert und gefilmt. Aus dem visuellen Material entsteht eine Partitur für MusikerInnen zu der die Texte der KritikerInnen gesungen werden. Die entstandenen Lieder werden in einer zweiten Ausstellung in der Galerie der Koninklijken Academie van Beeldende Kunsten in Den Haag präsentiert. Lilo Nein thematisiert in diesem Projekt die materielle und die diskursive Dimension von künstlerischen Arbeiten und setzt diese in wechselseitige Beziehung zueinander- kurator Felicitas Thun-Hohenstein [Galerie Michaela Stock, Ausstellungsdauer: 10. bis 17. November 2016. Foto: Magdalena Fischer - © Courtesy Lilo Nein & Galerie Michaela Stock]

KUNST.INVESTOR Dorotheum

Mercedes-Benz 300 SL Roadster BJ 1958 - erzielter Preis € 1.067.000

TOP-PREIS FÜR OLDTIMER 1.067.000 Euro für Mercedes-Benz 300 SL bei Dorotheum-Auktion „Klassische Fahrzeuge“ am 15. Oktober 2016

Mit Superlativen konnte die Dorotheum-Auktion „Klassische Fahrzeuge“ auf der Classic Expo in Salzburg am 15. Oktober 2016 wahrlich nicht geizen. Allen voran eine Schönheit aus dem Hause Mercedes: Mit hervorragenden 1.067.000 Euro, dem bis dato besten Preis des Dorotheum für einen Oldtimer, setzte sich der rote Mercedes-Benz 300 SL Roadster aus dem

Jahre 1958 an die Spitze der Verkäufe. Weitere TopPreise gab es mit 652.600 Euro für den gelben Mercedes-Benz 300 S Cabriolet von 1953 und mit 238.200 Euro für den 1971 Porsche 911 S Coupé. Insgesamt war es die bisher beste Oldtimer-Auktion des Dorotheum. (Foto: © Dorotheum)

KUNST.INVESTOR Dorotheum

1953 Mercedes-Benz 300 S Cabriolet erzielter Preis € 652.600

1959 Cadillac Series 62 Deville Convertible erzielter Preis € 89.700

1970 Maserati Indy 4200 Ex-Udo Proksch, Ex-Teddy Podgorski

KUNST.INVESTOR Dorotheum

Jacopo Tintoretto (1519-1594) Die Schlacht zwischen den Philistern und den Israeliten Öl auf Leinwand, 146 x 230,7 cm erzielter Preis € 907.500

Mehr als 900.000 Euro für Tintoretto-Neuentdeckung Eine der besten Altmeister-Auktionen im Dorotheum Eine spektakuläre Neuentdeckung stand im Mittelpunkt der Auktion mit Gemälden Alten Meister am 18. Oktober 2016 und wurde als solche mit einem Spitzenpreis honoriert. Jacopo Tintorettos Schlachtenbild mit der Kampfszene Davids gegen Goliath, als Hauptwerk des venezianischen Manierismus-Meisters erstmals zuordenbar, erreichte 907.500 Euro. Das Bild, dessen faszinierende Entstehung Röntgenanalysen offenbarten, überzeugt u. a. durch seinen hochmodernen Bildaufbau – Nicht umsonst gilt Tintoretto als einer der Begründer moderner Malerei. Im 500. Todesjahr von Hieronymus Bosch, dem Urvater der Surrealisten, offerierte das Dorotheum das Gemälde „Die Hölle“, angefertigt von

einem Nachfolger des Malers. 527.600 Euro war das Motiv des rechten Altarflügels von „Garten der Lüste“ des Prado einem Sammler wert. Unter den weiteren Spitzenpreisen: 430.742 Euro für eine Hafenszene von Jan Brueghel I., 320.200 Euro für Giuseppe Bernardo Bisons Venedig-Vedute „Der Canal Grande und die Rialtobrücke“. Weit über den Schätzwerten wurden Jusepe Riberas „Heiliger Hieronymus“ sowie „Magdalena bei der Kommunion“ von Alessandro Turchi zugeschlagen (€ 308.000, € 234.800). Auf 377.253 Euro, mehr als das Dreifache des Schätzwertes, kam das der Niederländischen Schule zuordenbare Bild „Die Heilige Familie mit Papagei“. (Foto: © Dorotheum)

KUNST.INVESTOR Dorotheum

Hieronymus Bosch Nachfolger, Die Hölle, Öl auf Holz, 124 x 97,5 cm erzielter Preis € 527.600

KUNST.INVESTOR Dorotheum

Leon Schulman Gaspard (Vitebsk 1882-1964 Taos) "La Fin de la Kermesse", Öl/Leinwand/Karton, 28 x 46,5 cm erzielter Preis € 173.800

HERBST-AUKTIONSWOCHE DER SUPERLATIVE Weltrekorde und Spitzenpreise im Dorotheum Eine Woche der Superlativen im Dorotheum: Hohe Ansteigerungen und Weltrekorde kennzeichneten die Auktion von Gemälden des 19. Jahrhunderts am 20. Oktober 2016. Einen Spitzenpreis mit 173.800 Euro erzielte der Maler Leon Schulman Gaspard mit seinem Lieblingsmotiv, dem Kirchtag „La Fin de la Kermesse“. 125.000 Euro, den höchsten Preis für ein Gemälde des in Rom tätigen Franzosen Henri Camille Danger erzielte das Auktionshaus mit dem dramatischen Großformat „Aimez-vous les uns les autres" oder „La transgression du commandement", einer Anklage gegen den Verstoß des Gebots „Liebe deinen Nächsten“. Weitere Weltrekorde gab es für einen Italiener in Paris, Ulisse Caputo („Die Klavierspielerin“, € 100.000) und für ein Raffael nachempfundenes Bild der „Maria im verschlossenen Garten“ von Johann Evangelist Scheffer von Leonhardshoff, auch „Raffaelino“ genannt. Mit 50.000 Euro war auch auch das Stillleben von Franz Xaver Gruber, dem so genannten „Distlgruber“,

der bis dato höchste Auktionspreis für ein Bild des Künstlers. Diamanten, Farbsteine und internationale Namen stehen bei den Juwelen ganz oben in der Gunst der Sammler – dies bestätigte die Auktion am 20. Oktober. Ein 5,44 karätiger Diamantanhänger in bester Qualität wurde auf 210.400 Euro gesteigert, ein BulgariRing mit einem „Fancy“-Diamant auf 87.500 Euro. Ein Paar Meissen-Pracht-Deckelvasen mit Vogelkäfig und Schneeballblüten markierten mit 247.700 Euro den Spitzenpreis bei der Auktion „Porzellan und Glas“ am 19. Oktober 2016. Jacopo Tintorettos Schlachtenbild mit der Kampfszene Davids gegen Goliath, eine Neuentdeckung, stand am 18. Oktober 2016 mit hervorragenden 907.500 Euro im Mittelpunkt der Altmeister-Auktion, eine der besten des Hauses. Insgesamt war es die bis dato beste Dorotheum-HerbstAuktionswoche mit Alten Meistern und Gemälden des 19. Jahrhunderts. (Foto: © Dorotheum)

KUNST.INVESTOR Dorotheum

Henri Camille Danger (Paris 1857-1940 Fondettes) "Aimez-vous les unes les autres" ou "La transgression du commandement" Öl / Leinwand, 157 x 217 cm, erzielter Preis € 125.000

Ulisse Caputo (Salerno 1857 - 1929 Venedig) Die Klavierspielerin Öl / Leinwand, 116 x 148 cm, erzielter Preis € 100.000 - Weltrekordpreis

KUNST.INVESTOR Dorotheum

Von Chanel bis Yves Saint Laurent - Defilee der großen Namen YSL-„Rive Gauche“-Sammlung Schwerpunkt bei Dorotheum Vintage-Auktion am 2. November 2016

Vintage Mode und Accessoires im Dorotheum am 2. November 2016 mit Schwerpunkt Yves Saint Laurent: Goldlederkostüme, Overknee-Stiefel, Hosenanzüge und jede Menge Accessoires aus der berühmten „rive gauche“-Serie des unvergleichlichen Modeschöpfers sind bereit für neue Besitzerinnen. Andere große Namen des Modedesigns vervollständigen das Vintage

Hermès Kelly Bag 28 cm, 1994 Rufpreis € 3.800

Herbstangebot: Coco Chanel, Louis Vuitton, Christian Dior, Hermès, Gucci, Dolce & Gabbana, Missoni, Burberry, Roberto Cavalli, Jean Paul Gaultier, Emilio Pucci, Prada, Oscar de la Renta. Bis 2. November sind die Objekte im Palais Dorotheum Wien ausgestellt. (Foto: © Dorotheum)

Yves Saint Laurent - Satinhandtasche und Paar bestickte Lederhandschuhe Rufpreis € 300

Chanel Jumbo Flap Bag, 1994/96 Rufpreis € 1.500

KUNST.INVESTOR Dorotheum

Chanel - Rosafarbenes Bouclé Kostüm Rufpreis € 400

Yves Saint Laurent Rive Gauche - Goldener Brokat Hosenanzug Rufpreis € 900

KUNST.INVESTOR Dorotheum

Melting Chair, Entwurf Philipp Aduatz 2011, Nummer 6/12, produziert 2014, Schätzwert € 8.000 - 11.000

Well Tempered Chair, Entwurf Ron Arad, 1986, für die VitraEdition 1986 – 1993, Schätzwert € 9.000 - 12.000

"PASST WIE ANGEGOSSEN" Dorotheum Design-Auktion am 3. November 2016

Selten bildet die Allianz von moderner und angewandter Kunst mit dem Hang zum Anlageobjekt mehr Vergnügen als im weiten Feld des Designs. Ein reiches Betätigungsgebiet diesbezüglich bieten DesignAuktionen des Dorotheum. Die kommende Versteigerung am 3. November 2016 versammelt wieder internationale Sammlerstücke von der Jahrhundertwende bis zur jüngsten Gegenwart, verantwortet vom neuen Design-Experten Mathias Harnisch. Gerti Draxler wird künftig eigene Masterpiece-Auktionen zusammenstellen. Chronologisch angeordnet, lädt der Katalog zu einer Zeitreise durch das 20. Jahrhundert ein. Josef Hoffmann, Adolf Loos und Otto Prutscher markieren

den Beginn der Moderne. Von Hoffmann gelangt eine Anrichte der so genannten Poldi-Hütte aus Kladno/Tschechien zur Auktion, dem Gästehaus des Stahlindustriellen und Kunstsammlers Karl Wittgenstein, dem Vater des Philosophen Ludwig Wittgenstein. Lampenschirm und Tisch-Ensemble des Hauses befinden sich in der Sammlung des Palais d’Orsay in Paris (€ 60.000 – 75.000). Zwei hervorragende Arbeiten von Otto Prutscher vereinen Form und Funktionalität. Der seltene Schminktisch Mod. Nr. 27045 von 1908 wurde von Thonet produziert (€ 15.000 – 20.000), der Brunnen von 1909 von Michael Powolny für die Wiener Keramikwerkstätten (€ 40.000 – 65.000).

KUNST.INVESTOR Dorotheum

S-Stuhl Mod. 275, Entwurf Verner Panton, 1956, Plüderhausen, für Thonet Frankenberg, ab 1965, Schätzwert € 3.800 - 5.500

Zu den Klassikern gehören auch Arbeiten von Josef Frank – für „Haus und Garten“ sowie Svensk Tenn. Möbel von Anna Lülja Praun, Roland Rainer und Carl Auböck stehen für die nachfolgende Generation, Philip Aduatz, Christoph Luckender oder Gabriel Wiese für aktuelle Positionen. Der Designer Philip Aduatz hat einen Polymer-Sessel mit einer schwarzen Chromschicht scheinbar überzogen. Das Ergebnis hierfür stellt der 12 Mal produzierte, amorphe „Melting Chair“ dar (€ 8.000 -11.000). Der Schwerpunkt der Auktion liegt auf Möbeln und Einrichtungsgegenständen von Entwerfern und Herstellern aus dem skandinavischen Raum. Ein zeitgenössisch anmutendes „PK-80“ Daybed von Poul Kjaerholm, bereits 1957 entworfen, (€ 8.000 – 14.000) ist ebenso wie vier für Thonet produzierte, schwarze Stapelsessel von Verner Panton (€ 15.000 – 20.000) im Katalog aufgenommen worden. Eine Sammlung von Alvar

Sessel Fauteuil Amadou Fatoumata Ba 2016, Senegal/Frankreich, Gummireifen , Schätzwert € 1.000 - 2.000

Aalto-Möbeln bereichert das Angebot – etwa mit einem Wandschrank für das Sanatorium Paimio/Finnland (€ 5.000 – 8.000). In Punkto Design darf Italien natürlich nicht fehlen. Den kommenden Winter könnte man auf Sofas und vor allem in den Ohrensesseln Gio Pontis schadlos überstehen – oder lieber doch im Egg-Chair des Dänen Arne Jacobsen? Ettore Sottsass gebiert sich in der Auktion als Rundumversorger mit Lampen, Möbeln, Vasen und einem Totem. Bei der internationalen Offerte stehen zum Beispiel moderne Klassiker wie der 1986 von Ron Arad entworfene „Welltempered Chair“ (€ 9.000 – 12.000) oder Zaha Hadids geschwungenes „Moraine“-Sofa zur Disposition. Die Auswahl im zeitgenössischen Design komplettieren Arbeiten der Campana-Brüder oder die aus ausrangierten Autoreifen gefertigten, futuristischen Sitzgelegenheiten Amadou Fatoumata Bas. (Foto: © Dorotheum)

KUNST.INVESTOR Auktionshaus ‚im Kinsky‘

Martin Johann Schmidt, gen. Kremser Schmidt, erzielter Preis € 380.000 ( KP € 478.800)

Gute Ernte – Erfolgs-Auktion im Kinsky Die Sammlung von Carl Anton Goess-Saurau und seiner Frau Marie geb. Mayr-Melnhof erzielte im Auktionshaus im Kinsky ein sensationelles Ergebnis! Die 350 Objekte bei den Antiquitäten und die 85 Gemälde und Graphiken brachten in Summe ein Ergebnis von rund € 1,4 Mio und damit eine vielfache Steigerung der sehr günstig angesetzten Schätzpreise! Die HIGHLIGHTS der Nachlass-Auktion GEMÄLDESAMMLUNG: Martin Johann Schmidt, gen. Kremser Schmidt, Familienbildnis: Dieses persönliche Dokument des österreichischen Barockgenies wurden nach intensivem Bieten für den sensationellen Preis von € 380.000 ( KP € 478.800) zugeschlagen! Ein absoluter Rekord für diesen bedeutenden Maler! Die ehemalige Dauerleihgabe an das Belvedere gelangt nun in die Fürstlichen Sammlungen des Lichtenstein Museum Wien! ANTIQUITÄTEN: Steinbockhorn-Sammlung: Ein Verkauf von 100% und Rekordpreise für die 80 exquisiten

Kunstobjekte waren das sensationelle Ergebnis eines vollen Saales und ambitionierter Sammler aus Österreich und Deutschland. Insgesamt wurde für die Steinbockhorn-Sammlung ein Ergebnis von rund € 325.000 / KP € 409.000 erzielt! Besonders erfreulich, dass bedeutende Stücke, wie die beiden „Höfischen Deckelpokale“ (je € 48.000/ KP € 60.480), in die Sammlung das Salzburger Dommuseum gelangen! Ein erfreulicher kulturpolitischer Zug, durch den diese einzigartige Kunstproduktion in Zukunft der Öffentlichkeit zur Verfügung stehen kann!

KUNST.INVESTOR Auktionshaus ‚im Kinsky‘

Paar großer Ingwer-Töpfe: € 35.000 (KP € 44.100)

ANTIQUITÄTEN, 18. Oktober 2016: Highlights der Antiquitäten waren die drei bedeutenden Konvolute aus Schloss Hernstein in Niederösterreich: Jedes wurde bis aus € 32.000/ KP € 40.320 hinaufgesteigert, das komplett erhaltene Tafelbesteck konnte die Bundesmobilienverwaltung, also das Hofmobiliendepot in Wien erwerben, das Glas- und das Tafelservice gehen an österreichische Privatsammler.

Hl. Sebastian, Tirol um 1520: € 50.000 (KP € 63.000)

ANTIQUITÄTENBILDER 19. JAHRHUNDERT, 19. Oktober 2016: Bei den Bildern des 19. Jahrhunderts punktete Hans Makarts sinnliche Allegorie der Liebe mit einem Zuschlag von € 130.000 (KP € 163.800)! Olga Wisinger-Florians Gloxinien im Glashaus, das Ergebnis eines Regentages im ehemaligen Glashaus in Grafen-

egg, triumphierte mit einem Zuschlag von € 190.000 (KP € 239.400)! Und das süße Mädchen von Anton Romako war dem neuen Bieter fraglos € 75.000/ KP € 94.500 wert. In Summe wurde bei beiden Tagen ein Meistbot exkl. Aufgeld von € 3,9 Mio erzielt. (Foto: © Kinsky)

KUNST.INVESTOR Auktionshaus ‚im Kinsky‘

Olga Wisinger-Florians- erzielter Preis € 190.000 (KP € 239.400)

Anton Romako, erzielter Preis € 75.000/ KP € 94.500

KUNST.INVESTOR Auktionshaus ‚im Kinsky‘

Hans Makart, erzielter Preis 130.000 (KP € 163.800)

KUNST.INVESTOR Auktionshaus ‚im Kinsky‘

114. Kinsky-Kunstauktion Klassische Moderne, Jugendstil und Zeitgenössische Kunst

29. bis 30. November 2016

Alfons Walde, Oberndorf 1891 - 1958 Kitzbühel, Bauernsonntag, um 1930 Öl auf Leinwand; 71,5 × 62,5 cm, Schätzwert 250.000 bis 500.000 Euro

Klassische Moderne - 29. November 2016: Aquarelle und Gemälde von Egon Schiele, Albin EggerLienz, Rudolf Wacker, Franz Sedlacek, aber auch feine Exemplare aus den Oeuvres von Umberto Boccioni, Erich Heckel, Ernst Ludwig Kirchner, Otto Mueller, Gabriele Münter und Anton Birkle bestimmen die kommende Herbstauktion der Klassischen Moderne im Kinsky. Expressive Graphik, wie der weibliche Akt von Schiele, das sitzende Mädchen von Heckel oder das seltene Motiv der fünf Akte von Mueller um 1910 stehen den spannungsgeladenen Stillleben von Rudolf Wacker und Franz Sedlacek oder dem von tiefer Wahrheit erfüllten Madonnenbildnis von Egger-Lienz bzw. von Josef Floch gegenüber. Aufmerksamkeit verdient auch

ein besonderes Aquarell von Ernst Ludwig Kirchner, das in einer sehr verschlüsselten Ikonographie zwei weibliche Akte mit Katze zeigt. Es entstand in den 1920er Jahren während seiner Jahre in Davos, in denen der Maler sich mit flächigen Kompositionen bei Beibehaltung kräftiger Farben auseinander setzte. Fast schon als Standardangebot bietet jede Klassische Moderne im Kinsky Gemälde von Alfons Walde an und immer wieder überzeugen seine Bilder durch die Kraft der Formen und das herrliche Weiß seines unvergleichlichen Schnees. Herausragend ist dieses Mal die wohl qualitätsvollste Variante des Bauernsonntags, dem zu Bild gewordenen Synonym von Kraft, Naturverbundenheit und ländlicher Kultur.

KUNST.INVESTOR Auktionshaus ‚im Kinsky‘

Egon Schiele (Tulln 1890 - 1918 Wien), Frauenakt, 1914, Bleistift auf Papier; 48 × 31,7 cm Schätzwert EUR 200.000-400.000

KUNST.INVESTOR Auktionshaus ‚im Kinsky‘

Ernst Ludwig Kirchner (1180-1938), Nackte Frau und Mädchen (wohl Anna Müller), um 1925, Aquarell und Kreide auf Papier Schätzwert EUR 100.000 bis 200.000

KUNST.INVESTOR Auktionshaus ‚im Kinsky‘

Josef Floch (Wien 1894 - 1977 New York) Mutter mit Kind, 1927/28, Öl auf Leinwand; 110,5 × 75 cm, Provenienz: Nachlass des Künstlers; Indianapolis Museum of Art, USA, 1983 bis 2001 (Geschenk von Hermine Floch, der Witwe des Künstlers an das Museum); Doyle New York, österreichischer Privatbesitz, Schätzwert EUR 150.000 bis 300.000

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Kinsky-Auktion Jugendstil 29. November 2016

Josef Hoffmann (1870 – 1956), Anhänger mit Kette, Wiener Werkstätte, 1903 Silber, verschiedene Schmucksteine, Schätzwert EUR 150.000 bis 300.000

Der Schmuck der Wiener Werkstätte war und ist legendär, verband er doch in zeitloser Form kostbare und vor allem farbintensive Materialien mit subtil durchdachten architektonisch- konstruktiven bis ornamentalen Formen. Einmal mehr kann das Kinsky eines der besonders gefragten Schmuckstücke aus der Hand Josef Hoffmanns anbieten.Ottor Prutscher war wie Hoffmann Architekt, Designer und sensibler Kunsthandwerker. Von unnachahmlicher Eleganz sind vor allem seine Gläser, die hohen Sammlerwert besitzen. Im Herbst kommt gleich ein ganzes Set an Likörgläsern zum Ausruf. Eine uralte Kulturtechnik ist das Mosaik, das sich um 1900 im Zuge der Arts & Crafts Bewegung und der Wiener Werkstätte einer

neuen Renaissance erfreute. Einer der bedeutendsten Künstler dieser Technik war Leopold Forstner, der 1906 eine eigene Werkstätte in Wien eröffnete und zahllose Mosaiken für Kirchen, wie die Otto Wagner Kirche in Steinhof , für öffentliche Gebäude, wie dem Dianabad in Wien oder auch das Klimt-Fries im Palais Stoclet nach Entwürfen namhafter Künstler aber auch nach eigenen ausführte. Berühmt war seine Technik, Keramik und Glas im Mosaik zu verbinden und damit ganz neue Farb- und Glanzeffekte zu erzielen. In der kommenden Auktion können gleich mehrere Objekte aus dem Nachlass des Künstlers angeboten werden, die zweifellos eine reizvolle Ergänzung zum Gesamtkunstwerk der Kunst der Moderne bilden.

KUNST.INVESTOR Auktionshaus ‚im Kinsky‘

Kinsky-Auktion Zeitgenössische Kunst 30. November 2016

Maria Lassnig (1919 – 2014), Aus dem Rahmen drücken 1983, Öl auf Leinwand, Schätzwert EUR 100.000 bis 200.000

Einer der wichtigsten und einflussreichsten Persönlichkeiten im Kunstleben der Nachkriegszeit war Dieter Ronte, Direktor der Museen Moderner Kunst in Wien, Hannover und Bonn. Bereits als Student hatte er begonnen, eine eigene persönliche Sammlung aufzubauen und als prominenter Ausstellungsredner und Autor zahlreicher Publikationen blieb er immer am Puls der Zeit und in steten Kontakt mit Künstlern. Eine Auswahl dieser mit großer Kenntnis und persönlicher Handschrift zusammengetragenen Sammlung zeitgenössischer Kunst kommt nun im November im Auktionshaus ‚im Kinsky‘ in einer wie immer umfangreichen und vielfältigen Auktion zur Versteigerung! Haupt- und Meisterwerk dieser Kollektion bildet ein großformatiges Gemälde von Maria Lassnig aus dem Jahr 1983. „Aus dem Rahmen drücken“ nannte die Künstlerin das Bild, das bislang unpubliziert war und eine wichtige Ergänzung in ihrem bedeutenden Werk darstellt. Die Vielseitigkeit des Sammlers und seiner Interessen spiegelt sich weiters in den erworbenen Werken von Christo, Joseph Beuys, Günther Uecker und Markus Lüpertz und von den österreichischen Malern Max Weiler, Oswald Oberhuber oder den Künstlern aus Gugging wider. Für

die Qual der Wahl bietet das Kinsky aber noch ein weiteres Gemälde von Maria Lassnig von 1994 an, eine dreiteilige, malerisch eloquente Sequenz Lassnigscher Formen. Weitere Blickfänge der Auktion bieten zwei Hauptwerke von Max Weiler, ergänzt durch Aquarelle und Entwürfe aus verschiedenen Schaffensperioden. Durchblick durch blaue Gegend aus dem Jahr 1975 oder Blaue Bäume und Purpurhimmel von 1973, offerieren ganz besondere Meisterwerke, die Weilers geniales Farbenverständnis und seine Vision von Landschaft eindrucksvoll dokumentieren. Die internationale Bedeutung der österreichischen Bildhauerei wird mit Skulpturen von Fritz Wotruba und einer großen Sphinx seines Schülers Josef Pillhofer belegt. Von Jannis Kounellis und Mario Merz, zwei Hauptvertretern der italienischen Arte Povera, werden besonders gefragte Arbeiten aus der Serie des „Alphabets“ bzw. eine großformatige Leinwandarbeit aus den frühen 1980er Jahren angeboten. Der österreichische Hauptvertreter der reduzierten Malerei und ZERO – Mitglied, Hans Bischoffshausen, präsentiert sich mit einer geradezu mystisch-dunklen„Materialschlacht“ und mehreren Papierarbeiten. Foto: © Auktionshaus ‚im Kinsky‘)

KUNST.INVESTOR Auktionshaus ‚im Kinsky‘

Hans Bischoffshausen. Materialschlacht I, 1957 Öl, Lack, Asphalt, Asche auf Hartfaserplatte; 90 × 50 cm Schätzwert EUR 25.000-50.000

KUNST.INVESTOR Auktionshaus ‚im Kinsky‘

Max Weiler (1910 – 2001), Blaue Bäume und Purpurhimmel, 1973 Eitempera auf Leinwand; gerahmt; 105 × 130,5 cm Schätzwert EUR 80.000-160.000

KUNST.INVESTOR 21er Haus

Museum für zeitgenössische Kunst

KURT HÜPFNER - Aus dem Verborgenen

Mit der Ausstellung „Kurt Hüpfner – Aus dem Verborgenen“ würdigt das 21er Haus das Lebenswerk des österreichischen Künstlers Kurt Hüpfner (*1930, Wien) mit seiner ersten Einzelpräsentation in einem Museum. Die Ausstellung zeigt einen Querschnitt der zentralen Schaffensphasen des heute noch aktiven Künstlers – von seinen grafischen Anfängen, seinen Zeichnungen, den markanten Assemblagen der 1970er-Jahre bis hin zu den Kleinplastiken, die vor allem das Werk ab Mitte der 1980er-Jahre charakterisieren. Ein Großteil der gezeigten Arbeiten entstammt einer großzügigen Schenkung aus Privatbesitz an das Belvedere. Nach Anfängen als Gebrauchsgrafiker und Karikaturist entwickelt der Künstler ab den frühen 1960er-Jahren ein komplexes eigenständiges Werk. Nach dem prägenden Besuch der Ausstellung Pop etc. 1964 im damaligen 20er Haus, entstehen Zeichnungen, Gemälde und Assemblagen, die sich formal an der Pop Art orientieren, inhaltlich jedoch Themen wie

Politik, Krieg und Literatur aufgreifen. In den 1970er-Jahren entwickelt Hüpfner einen gänzlich individuellen Stil. Seine kleinformatigen Gips- und Terrakottaplastiken, oftmals mit Ölfarbe bemalt, sind vielfältige „magische Geschöpfe“, von denen jedes eine eigene Geschichte zu erzählen vermag. Die Auseinandersetzung mit Kunstbewegungen der Moderne und dem zeitgenössischen Kunstgeschehen, wie Surrealismus, Dadaismus und Pop Art, sowie die Reflexion politischer Krisensituationen bilden die Parameter, in denen sich Hüpfners Kunstwerke entwickeln. Hüpfners künstlerisches Arbeiten blieb weitgehend unbemerkt von der Öffentlichkeit. Das 21er Haus widmet ihm nun seine erste museale Werkpräsentation und lässt ihn als Neuentdeckung innerhalb der österreichischen Kunstgeschichte in Erscheinung treten. [21er Haus Museum für zeitgenössische Kunst, Dauer der Ausstellung: 18. November 2016 bis 29. Januar 2017 – Foto: 21er Haus]

KUNST.INVESTOR 21er Haus

Museum für zeitgenössische Kunst

Kurt Hüpfner, INRI, 1974 - © Belvedere, Wien

KUNST.INVESTOR 21er Haus

Museum für zeitgenössische Kunst

Kurt Hüpfner, Danae, 1968 - © Belvedere, Wien

KUNST.INVESTOR 21er Haus

Museum für zeitgenössische Kunst

Kurt Hüpfner, Kreuzigung 2 (Bezug Kubakrise), 1962 - © Belvedere, Wien

KUNST.INVESTOR Galerie Gugging

Oswald Tschirtner und Johann Hauser „... mit strich und farbe“ Oswald Tschirtner & Johann Hauser, zwei Gugging-Künstler, wie sie unterschiedlicher nicht sein konnten: der eine der ruhige Meister der einzelnen, dünnen Linie; der andere der Emotionale, der das Papier mit knalligen Farben füllte: Oswald Tschirtner und Johann Hauser. Zwei Freunde, die ein halbes Leben miteinander verbrachten und sich einander stilistisch in keiner Weise beeinflussten. Das Sprichwort „Gegensätze ziehen sich an" könnte hier zum Tragen kommen, denn sowohl im Leben wie auch in der Kunst ist bei Tschirtner und Hauser so etwas wie eine sich ergänzende Harmonie, die wohltuend anregend ist, spürbar. Die Werke von Johann Hauser und Oswald Tschirtner zählen zu den Klassikern der Art Brut und kaum eine Ausstellung und Sammlung, die sich umfassender der Art Brut widmet, kommt ohne ihre Werke aus. Oswald Tschirtner: wurde von Dr. Leo Navratil(*) zum Zeichnen ermuntert und konnte sein Talent zeigen. Navratil gab ihm Vorlagen, die als Inspirationen für Tschirtners frühe Werke dienten, welche der Künstler aber in seiner individuellen Zeichensprache übersetzte und zu Eigenem machte. Seine Kopffüßler wurden in den folgenden Jahrzehnten weltbekannt. Einfach, klar und geschlechtslos gezeichnet, mit Feder und Tusche, die er auch gegen den Strich verwendete, wobei die Feder laut quietschte. In den siebziger Jahren des vorigen Jahrhunderts ausschließlich auf kleinen Papieren arbeitend, bewies der Künstler in den achtziger Jahren, dass er von der Postkartengröße jederzeit bis zu haushohen Formaten oder auf großen Leinwänden zu schwarzen Edding-Stiften wechseln konnte. Neben den grandiosen Menschendarstellungen zeigte Oswald Tschirtner auch den Hang zur Konzentration der Bildthemen auf das absolut Wichtigste. Oft reichte ein einzelner Strich für das ganze Werk. Johann Hauser: arbeitete ganz anders als sein Kollege Oswald Tschirtner. Aus Bratislava nach Niederösterreich in Kriegszeiten zwangsumgesiedelt

begann er 1959 in Gugging spontan zu zeichnen. Dr. Navratil ermunterte auch ihn und brachte ihm Vorlagen. Bereits in den ersten Künstlerjahren bis Mitte der Sechziger zeigte Hauser seine Themen, die er später noch weiterentwickelte. Seine absolute Vorliebe galt dem Abbild der Frau, das von anfänglich „keuschen“ bekleideten Damen zu wild-erotischen Darstellungen führte. Die vierzackigen Sterne wurden zum Symbol des Hauses der Künstler in Gugging, wo er gemeinsam mit Oswald Tschirtner seit den 80er Jahren lebte. Neben den für ihn typischen Motiven Stern, Schlange, Herz und Mond entwickelte er nach 1989 eine neue Farbigkeit in großen Formaten, wie er es vorher nie gemacht hatte. Die kräftigen Farben strahlen direkt vom Papier zum Betrachter. Auch das umfangreiche druckgrafischen Werk beider Künstler hat große Bedeutung erlangt. Die Radiernadel konnte den feinen Strich Tschirtners perfekt übersetzen und Hauser übertrug die emotionale Art des Blei- oder Farbstiftstrichs durch Druck und Intensität des Stichels auf die Kupferplatte. [Galerie Gugging, Vernissage: Mittwoch, 30. November 2016, 19:00 Uhr, Ausstellungsdauer: 1. Dezember 2016 bis 8. Februar 2017 – Foto: Galerie Gugging

(*)Leo Navratil (* 3. Juli 1921 in Türnitz; † 18. September 2006 in Wien) war ein österreichischer Psychiater. Seit 1946 war Leo Navratil an der Landesnervenheilanstalt Maria Gugging bei Klosterneuburg in Niederösterreich Psychiater und seit 1956 Primar am dortigen Klinikum.

KUNST.INVESTOR Galerie Gugging

Johann Hauser, 1994, Hubschrauber, Bleistift, Farbstifte, 44 x 62,5 cm, © Privatstiftung - Künstler aus Gugging

Oswald Tschirtner, 1991, Menschen, Edding auf Leinwand, 200 x 160 cm, Courtesy Galerie Gugging

KUNST.INVESTOR Galerie Gugging

Oswald Tschirtner, 1989, Ein Zirkuszelt, Tusche, 21 x 14,8 cm, Courtesy Galerie Gugging

KUNST.INVESTOR Galerie Gugging

Johann Hauser, undatiert, Frau mit Haube und Zöpfen, Ätzradierung, koloriert, 20,7 x 15,2 cm, © Privatstiftung - Künstler aus Gugging

KUNST.INVESTOR Leopold Museum

Benjamin Hirte: Ausstellungsansicht Poetiken des Materials © Leopold Museum, Wien, Foto: Lisa Rastl

POETIKEN DES MATERIALS Weitverbreitet ist heute die Überzeugung, dass die Realität in zunehmendem Maß hinter der künstlich erzeugten medialen Bilderflut „verschwindet“. Trotz – oder gerade wegen – der zunehmenden Digitalisierung aller Lebensbereiche lassen sich gegenwärtig im Bereich der Kunst unter dem Schlagwort eines „Neuen Materialismus“ Strategien beobachten, welche dem Material sowie materiellen Phänomenen der Wirklichkeit einen hohen Stellenwert einräumen. Diese künstlerischen Bestrebungen sind nicht als schlichte Reaktion auf die Entmaterialisierung der Lebenswelt misszuverstehen. Vielmehr operieren sie auf dem dadurch bereiteten Feld. Denn zeitgenössische Kunst, die dem „Neuen Materialismus“ zugeordnet werden kann, verleiht der gegenseitigen Durchdringung von materiellen Phänomenen und immateriellen Aspekten der Wirklichkeit Ausdruck. Letztere zeigen sich etwa in der Bedeutung der Sprache oder der kulturellen Prägung von Wahrnehmung. Bei den in der AusstellungPoetiken des Materials versammelten Werken handelt es sich demnach um Kunst, die, so Christiane Heibach, „das Materielle und dingorientierte Aspekte in der Beschreibung von Kultur und Gesellschaft zwar in den Vordergrund rückt, ihre immateriellen Ordnungs- und

Spiegelfunktionen aber nicht leugnet und Dinge als Akteure von Netzwerken kultureller Prozesse versteht.“ Die Ausstellung Poetiken des Materials versammelt mit Benjamin Hirte, Sonia Leimer, Christian Kosmas Mayer, Mathias Pöschl, Anne Schneider sowie Misha Stroj und Michael Hammerschmid sieben in Wien lebende Künstlerinnen und Künstler. Für den Direktor des Leopold Museum, Hans-Peter Wipplinger, ist diese neue Programmschiene der Präsentation aktuellster Kunst wichtiger Bestandteil für das Gesamtkonzept des Hauses: „Museen als Magazine des Vergangenem müssen sich stetig wandeln und können diesbezüglich enorm vom Dialog mit zeitgenössischen Künstlerinnen und Künstlern profitieren, indem sie Geschichte und Gegenwart sinnvoll verknüpfen.

KUNST.INVESTOR Leopold Museum

ONIA LEIMER, Ausstellungsansicht »Poetiken des Materials« © Leopold Museum, Wien, 2016, Foto: Lisa Rastl / © Bildrecht, Wien, 2016

Nicht nur aus Gründen einer dynamischen Aufladung von Inhalten im Kontext eines gegenwärtigen gesellschaftlichen Umfeldes, sondern auch aus einem Selbstverständnis als Vermittlungs- und Diskursinstanz, wollen wir die Geschichte der Gegenwart in unserem Haus fortschreiben, erweitern und die eingeladenen künstlerischen Positionen im Zuge der Ausstellung einer großen Öffentlichkeit vorstellen.“ Inhaltlich reflektiert die Ausstellung Poetiken des Materials auf eine aktuelle Entwicklung innerhalb der zeitgenössischen Kunst, in der sich zunehmend Strategien beobachten lassen, die dem Material sowie materiellen Phänomenen der Wirklichkeit einen hohen Stellenwert einräumen und unter dem Schlagwort eines „Neuen Materialismus“ verhandelt werden. Zwar rückten unter anderem bereits die Post-Minimal Art oder die Arte Povera die Materialität des Kunstwerkes in den 1960erJahren als eigenständige ästhetische Kategorie in den

Mittelpunkt. Sie suchten über eine spezifische Materialästhetik Konventionen zu brechen, welche die Vorrangstellung der künstlerischen Idee und der Form vor dem „niederen“ Material betonten. In ihrem Umkehrschluss bezogen sie ihre Kräfte jedoch aus der Beibehaltung der die Moderne prägenden Leitdifferenz von Materialität und Immaterialität oder – auf die Definition des Kunstwerkes bezogen – von Material und Idee. Zeitgenössische Kunst, die dem „Neuen Materialismus“ zugeordnet werden kann, ist bestrebt, eben jene Entweder-Oder-Struktur zu überwinden. Sie versucht der gegenseitigen Durchdringung von materiellen und immateriellen Aspekten der Wirklichkeit Ausdruck zu verleihen. Letztere zeigen sich etwa in der Bedeutung der Sprache oder der kulturellen Prägung von Wahrnehmung. [Leopold Museum, Dauer der Ausstellung: bis 30. Jänner 2017 – Foto: © Leopold Museum]

KUNST.INVESTOR Albertina

Foto: Albertina Wien, Carl Moll, Belvederegarten im Winter, um 1905, Farbholzschnitt

KUNST.INVESTOR Albertina

Der Farbholzschnitt in Wien um 1900

Wien um 1900 ist ein Schmelztiegel der Kulturen und Künste. Die Hauptstadt ist Wiege der Salons, Künstlerzirkel und Kaffeehäuser, zugleich Metropole des erlesenen Geschmacks und der Kultur der Dekadenz, Sinnlichkeit und Anmut. Mit einer Ausstellung zum Farbholzschnitt in Wien um 1900 widmet sich die Albertina einem bislang wenig beachteten Kapitel des Wiener Jugendstils und vereint rund 100 herausragende Werke aus der eigenen Sammlung. Carl Moll, Emil Orlik, Koloman Moser u. a. entdecken um 1900 mit dem Farbholzschnitt eines der ältesten Druckverfahren der Welt völlig neu: Mit der Betonung von Umrisslinien, der Stilisierung der Motive sowie dem Spiel mit Farbkontrasten entsprechen die Farbholzschnitte dem neuen Formideal des Jugendstils und werden zu beliebten Sammlerobjekten. Ob Sigmund Freud oder Arthur Schnitzler, ob Gustav Klimt, Adolf Loos oder Karl Kraus – zahlreich und vielseitig sind die Protagonisten um die Jahrhundertwende in der Donaumetropole. Hinzu kommt die einzigartige Lust am intellektuellen Austausch zwischen Literatur, Musik, Theater und Bildender Kunst in bürgerlichen Salons sowie alternativen Künstlerzirkeln. Literaten, Maler, Kunsthandwerker, Architekten, Journalisten und Philosophen sind eng miteinander vernetzt und kennen einander nicht zuletzt auch durch die wienerische Institution des Kaffeehauses. Die Vorreiterrolle der Secession: Die Künstlervereinigung Secession ist ein außergewöhn-liches Beispiel für jene beispiellose künstlerische Dichte in Wien um 1900 und zugleich die Keimzelle des Wiener Jugendstils. Nach ihrer Abspaltung vom Künstlerhaus 1897 brechen die Secessionisten unter der Führung

Gustav Klimts mit dem rückwärts-gewandten Historismus der Ringstraßenzeit und öffnen sich der Moderne. Alle Gattungen stehen gleich-berechtigt nebeneinander, und Kunst soll das gesamte Leben durchdringen. Die Secession wird rasch zur einflussreichsten Künstlervereinigung Wiens. Auch an der Entwicklung des Farbholzschnitts hat die Künstlergruppe besonderen Anteil: Während sich Klimt selbst nicht mit dem Farbholzschnitt befasst, verhelfen ihm andere prominente Secessions-Mitglieder wie Carl Moll, Koloman Moser und Maximilian Kurzweil zwischen 1900 und 1910 zu einer ungeahnten Blüte. In ihrem Ausstellungshaus nahe dem Karlsplatz veranstalten die Secessionisten zwischen 1900 und 1904 einige vielbeachtete Ausstellungen, in denen Farbholzschnitten breiter Raum gewidmet ist. Einen Glanzpunkt des Wiener Ausstellungsgeschehens bildet 1908 die Kunstschau, in der die gesamte heimische Farbholzschnittszene vertreten ist. Für die Etablierung des Wiener Farbholzschnitts ebenso wichtig sind Zeitschriften: Die luxuriös gestaltete Vereinszeitschrift Ver Sacrum (lateinisch für „Heiliger Frühling“) publiziert zwischen 1898 und 1903 rund 220 Farbholzschnitte und verbreitet so die Ideen der Secessionisten mittels anspruchsvoller Buchkunst – freilich zu einem Preis für ein elitäres Publikum. Der programmatische Titel der Zeitschrift bezieht sich auf den secessionistischen Neuanfang nach der Stagnation während des Historismus – mit kunsttheoretischen Artikeln, praktischen Beispielen der neuen Ästhetik sowie Beiträgen in- und ausländischer SchriftstellerInnen kommt das Kultblatt der Forderung Der Zeit ihre Kunst, der Kunst ihre Freiheit mehr als nur treffend nach.

KUNST.INVESTOR Albertina

Foto: Albertina Wien, Maximilian Kurzweil, Der Polster, 1903, Farbholzschnitt

KUNST.INVESTOR Albertina

Die Wiederentdeckung des (Farb-)Holzschnitts: Der Holzschnitt ist damals keine neue Erfindung, sondern vielmehr die Wiederentdeckung eines der ältesten Druckverfahren der Welt: In China wird bereits im 4. Jahrhundert auf Papier gedruckt. Um 1500 erlebt der Holzschnitt mit Albrecht Dürer in Europa einen künstlerischen Höhepunkt. Den entscheidenden Beitrag zur Herausbildung des Farbholzschnitts liefern Dürers Zeitgenossen Lucas Cranach und Hans Burgkmair sowie Ugo da Carpi in Italien. Andere Drucktechniken verdrängen allerdings schon bald den Holzschnitt, der lange nur als Reproduktionsmedium dient, bis er im 19. Jahrhundert in großen Teilen Europas wiederbelebt wird. Edvard Munch revolutioniert den Farbholzschnitt und eröffnet ihm an der Wende zur Moderne radikal neue Ausdrucksmöglichkeiten. Im Unterschied zum Holzschnitt in Schwarz-Weiß stellen Kunstschaffende beim Farbholzschnitt für jede Farbe einen eigenen Druckstock her, auf dem die Zeichnung jeweils seitenverkehrt erscheint. Auf dem Papier drucken sich die erhabenen Stege und Flächen seitenrichtig ab, während in die Druckplatte vertiefte Stellen keinen Abdruck hinterlassen. Die Druckstöcke werden nacheinander auf einen Papierbogen gedruckt und ergeben zusammen das fertige Bild. Die Farben können variiert werden, sodass es von manchen Werken unterschiedliche Fassungen gibt. In die Ausstellung integriert sind außerdem verwandte Techniken wie der Linolschnitt, deren Ergebnisse oft kaum von denen des Holzschnitts zu unterscheiden sind. Ab 1905 entwickelt

beispielsweise Jungnickel eine Schablonenspritztechnik, während Franz von Zülow 1907 für den Papierschnittdrucks ein Patent erhält. Von Moll bis Zülow: Jedem Künstler der Schau ist ein eigener Bereich gewidmet – so ist eine intensive Konzentration auf die einzelnen Künstlerpersönlichkeiten und ihre Werke möglich: Carl Molls bekannte Stadtansichten und Koloman Mosers flächenhaft stilisierte Drucke sowie originale Druck-stöcke von Maximilian Kurzweil bilden den Auftakt. Selbstbewusste Frauenfiguren von Carl Anton Reichel stehen zu Beginn der Ausstellung in krassem Gegensatz zu dem verfeinerten, schönlinigen Frauenbild des Jugendstils anderer Künstler. Zentral in der Schau sind die farbenprächtigen Tiere Ludwig Heinrich Jungnickels: Mit viel Gefühl für Form und Bewegung erfasst er Raubkatzen oder Vögel in ihren jeweils charakteristischen Eigenheiten. Seine formvollendeten Tierdarstellungen und experimentellen Schablonenspritzarbeiten bilden den Hauptteil der Ausstellung. Auch dem Thema Landschaft ist breiter Raum gewidmet: Sowohl die alpinen Impressionen von Josef Stoitzner als auch zahlreiche Reise-Eindrücke Carl Mosers sprechen eine klare, reduzierte und somit moderne Bildsprache. Den Abschluss bilden die expressiven Papierschnittdrucke von Franz von Zülow, der in seinen naiven Darstellungen bäuerlichen Lebens die Ästhetik des Farbholzschnitts aufgreift, den Holzstock aber durch leichter bearbeitbare Papierschablonen ersetzt. [Albertina, Ausstellungs-dauer: 19. Oktober 2016 bis 15. Jänner 2017 – Foto: © Albertina]

KUNST.INVESTOR Albertina

Foto: Albertina Wien, Karl Anton Reichel, Weibliche Aktstudie, 1909, Farbholzschnitt

Foto: Albertina Wien, Maximilian Kurzweil, Der Polster, 1903, Farbholzschnitt

KUNST.INVESTOR Albertina

Foto: Albertina Wien, Ludwig Heinrich Jungnickel, Flamingos, 1909, Farbholzschnitt / Japanpapier

KUNST.INVESTOR MAK

Stephan Dakon, Stehendes Mädchen in futuristischem Kostüm, Arthur Goldscheider La Stèle, 1924–1928 Bronze, Messing, Marmor © MAK/Georg Mayer

FIRMA GOLDSCHEIDER Wiener Keramik 1885–1938 Die MAK-Ausstellung FIRMA GOLDSCHEIDER. Wiener Keramik 1885–1938 würdigt eine der bedeutendsten Wiener Keramikmanufakturen. 80 Exponate geben Einblick in die bunte Produktpalette, die die renommierte Keramikproduktion einer breiten Klientel äußerst erfolgreich anbot. Die ausgewählten Prunkstücke der figuralen Keramik aus der MAKSammlung Glas und Keramik verdeutlichen, weshalb der Name Goldscheider, der zeitweise sogar synonym für „Wiener Fayencen“ verwendet wurde, noch heute viele Sammlerherzen höherschlagen lässt. Durch zwei bedeutende Schenkungen verfügt das MAK über einen umfassenden Bestand an Kunstkeramiken der Firma Goldscheider, deren Highlights nun erstmals der Öffentlichkeit zugänglich gemacht werden. Die Ausstellung spannt einen Bogen von den wohl bekanntesten Verkaufsschlagern – den mondänen Revuetänzerinnen-Figurinen des Art déco und den bunt glasierten Wandmasken der 1930er Jahre – bis zurück zu frühesten Erzeugnissen der Manufaktur. Viele der polychromen Keramikfiguren der Firma Goldscheider sind dem Historismus verpflichtet. Nachahmungen von Bronzen, nostalgische Reinterpretationen von Rokokooder Biedermeiermoden und nationale Typenporträts

sowie Kopien von Renaissancebüsten sind charakteristisch für die Produktion bis zur Jahrhundertwende. Der Exotik des Orientalismus huldigende „OrientalInnen“ und „AraberInnen“ zählen ebenso zum Repertoire des Keramikproduzenten wie an Kitsch grenzende Tierfiguren, die den breiten Geschmack des Bürgertums trafen. Nach Anfängen in Pilsen und Karlsbad (heutiges Tschechien) konnte sich das 1885 von Friedrich Goldscheider in Wien gegründete Unternehmen auf den nationalen und internationalen Märkten etablieren. Zahlreiche Dependancen in Wien, Paris, Florenz und Leipzig sowie mehr als 10 000 verschiedene Keramikmodelle, die über drei Generationen hinweg produziert und international vertrieben wurden, versinnbildlichen den hohen Stellenwert, der der europaweit bekannten Marke zeit ihres Bestehens zukam. Obwohl das erfolgreiche Unternehmen um 1900 seriell produzierte und zeitweise Hunderte Angestellte beschäftigte, blieb es für die hohe Qualität seiner Glanzstücke bekannt. Das Augenmerk richtete sich durchwegs auf technische Innovationen und auf eine gefällige Motivwahl am Puls der Zeit.

KUNST.INVESTOR MAK

Maurice Bouval, Firmenschild, Manufaktur Goldscheider, 1898 Terrakotta © MAK/Georg Mayer

Nach dem Tod Friedrich Goldscheiders im Jahr 1897 lag die Leitung der Firma bei seiner Witwe Regine sowie ab 1918 bei den Söhnen Marcell und Walter Goldscheider. Die Zusammenarbeit mit BildhauerInnen und KeramikerInnen trug maßgeblich zum Erfolg des Betriebs bei. Viele der für Goldscheider tätigen KünstlerInnen – darunter Josef Lorenzl, Walter Bosse, Alexandre Louis-Marie Charpentier, Dina Kuhn, Michael Powolny, Arthur Strasser oder Vally Wieselthier – zählten zum Umfeld der Wiener Secession oder der Kunstgewerbeschule und sicherten das künsterlische Niveau. Als florierender Betrieb trat Goldscheider in Konkurrenz zur künstlerischen Keramik der Wiener Werkstätte und auch der „Wiener Keramik“ Michael Powolnys und Bertold Löfflers. Im Vergleich zu den experimentellen Keramiken der Wiener Werkstätte wirken die Keramiken der Firma Goldscheider in ihrer Expressivität gemildert, die „Kunstterracotten“ wurden allerdings in Ausstellungen des Österreichischen Werkbunds gleichberechtigt neben Keramiken der Wiener Werkstätte ausgestellt. Auch im Ausland kam es zu bedeutsamen künstlerischen Kooperationen: 1892 wurde eine Pariser Dependance gegründet und von Arthur Goldscheider zur florierenden Schwesterfirma La Stèle in Frankreich aufgebaut, für die viele namhafte KünstlerInnen tätig wurden.

Eine Zäsur in der Erfolgsgeschichte der Firma Goldscheider in Wien bedeutete die Arisierung des Unternehmens im Jahr 1938. Die Goldscheider-Brüder konnten in der Emigration in den USA und England neue Betriebe aufbauen, während in der arisierten Firma Goldscheider in Wien antikisierende Figuren nach dem Geschmack des NS-Körperkults gefertigt wurden. Nach dem Zweiten Weltkrieg kehrte Walter Goldscheider nach Wien zurück, aus wirtschaftlichen Gründen war er jedoch in den 1950er Jahren gezwungen, die Lizenz für die Marke Goldscheider an die deutsche Firma Carstens zu verkaufen. Damit war das Ende dieses – im Jahr 1954 aus dem Wiener Handelsregister gelöschten – Familienbetriebs besiegelt. Heute sind die Keramiken der Firma Goldscheider wieder weltweit gesuchte Sammlerobjekte. Vor allem im Verlauf des letzten Jahrzehnts, nach der Publikation der Firmengeschichte und des Werkverzeichnisses von Robert Dechant und Filipp Goldscheider (2007 ) sowie nach der großen Ausstellung Breiter Geschmack. Goldscheider. Eine Weltmarke aus Wien (2007/08) im Wien Museum, ist das Interesse an Goldscheider-Keramiken in Sammlerkreisen merkbar gestiegen. [MAK, Ausstellungsdauer bis 11. Dezember 2016 - Foto: MAK]

KUNST.INVESTOR WestLicht

‚Ungarn 56‘ Bilder einer Revolution

Aus Anlass des 60. Jahrestags der Ungarischen Revolution zeigt das Fotomuseum WestLicht eine Ausstellung mit eindringlichen Dokumenten der dramatischen Ereignisse, die im Herbst 1956 die Weltöffentlichkeit in Atem hielten. Was am 23. Oktober als Großdemonstration von Studierenden für demokratische Reformen begonnen hatte, wuchs sich rasch zu einem bewaffneten Kampf gegen die Einparteiendiktatur der kommunistischen Regierung und die sowjetische Besatzung aus, der von breiten Bevölkerungsschichten unterstützt wurde. Für wenige Tage schien der Sieg der Reformkräfte greifbar. Mit dem Einmarsch weiterer sowjetischer Truppenverbände am 4. November wurden die Aufstände jedoch brutal niedergeschlagen und mit dem Kabinett um János Kádár eine pro-sowjetische Regierung installiert. Mehrere tausend Tote waren auf ungarischer Seite zu beklagen, knapp 700 Soldaten der sowjetischen Armee ließen ihr Leben. Als Kristallisationspunkt in der OstWest-Konfrontation rückte der Aufstand Budapest über Tage in den Fokus der westlichen Medien. Zahlreiche FotografInnen und KorrespondentInnen versorgten die Öffentlichkeit mit Nachrichten aus der ungarischen Hauptstadt, bevor die heraufziehende Suezkrise die Revolution aus den Schlagzeilen verdrängte. Die Ausstellung vereint Vintage Prints internationaler FotografInnen, die im Herbst 1956 für Magazine wie Life und Paris Match aus Budapest berichteten, darunter etwa Magnum-Mitglied David Hurn, Mario De Biasi, oder Stern-Reporter Rolf Gillhausen, die ihren jeweils eigenen Blick auf das Geschehen warfen. Ein

Schwerpunkt der Ausstellung ist den Arbeiten des österreichischen Magnum-Fotografen Erich Lessing gewidmet, der wichtige Leihgaben aus seinem Archiv zur Verfügung stellt. Wie kein zweiter hat Lessing mit seinen Fotografien das Bild der ungarischen Revolution geprägt. Der Aufstand und sein blutiges Ende resultierten nicht zuletzt in einem bis dahin ungekannten Flüchtlingszug Richtung Österreich. Mehr als 180.000 Menschen passierten in den Wochen nach dem 4. November die ungarisch- österreichische Grenze und wurden wenigstens anfänglich von einer Welle der Solidarität empfangen. Freilich verblieb nur ein geringer Teil der Flüchtlinge im Land, die Mehrzahl zog weiter in andere Staaten Europas und in Übersee, die sich zur Aufnahme bereiterklärt hatten. Die massenhafte Flucht und die spontane Hilfsbereitschaft der Bevölkerung haben sich tief in das kollektive österreichische Gedächtnis eingeschrieben und gehören zu den identitätsstiftenden Erzählungen am Beginn der Zweiten Republik. In Zusammenhang mit den insbesondere durch den Syrienkonflikt hervorgerufenen Fluchtbewegungen der vergangenen Monate wurde in der österreichischen Öffentlichkeit vielfach auf die Ereignisse von 1956 Bezug genommen. Den Bildern der Flucht von damals stellt die Ausstellung deshalb aktuelle Arbeiten zeitgenössischer Fotografen an die Seite, die 2015 die Flüchtenden auf ihrem Weg durch Ungarn und Österreich begleitet haben. [Westlicht, Ausstellungsdauer bis 11. November .2016 Foto: © WestliLicht]

KUNST.INVESTOR WestLicht

Foto: © Erich Lessing, Menschen versuchendie erste Ausgabe der Zeitung „Népszabadság“ zu ergattern, Budapest 2.Nov.1956

Foto: © Erich Lessing, Flüchtlinge im Auffanglager Andau in Österreich, Winter 1956

KUNST.INVESTOR Genusskunst

Julius Meinl am Graben Genuss auf allen Ebenen - Speisen vom Feinsten bei Julius Meinl am Graben Genuss ist in erster Linie eine Lebenseinstellung, die vor allem die unabdingbare Bereitschaft dazu und natürlich auch die entsprechende Muße erfordert – dies verkörpert Julius Meinl am Graben wie wohl kaum ein anderes österreichisches Unternehmen als Österreichs erste Adresse für Gourmets und Genießer. Hier versteht man Genuss als eine Art Gesamtkunstwerk für alle Sinne, dazu gehören Gaumenfreuden ebenso wie eine stimmungsvolle Atmosphäre, die passende akustische Untermalung und angeregte Gespräche. In den gastronomischen Outlets werden Ihnen bei Julius Meinl am Graben hierzu mannigfaltige Möglichkeiten geboten. Überzeugen Sie sich in Meinl’s Restaurant von einer internationalen, höchst innovativen Luxusküche mit unvergleichlich schönem Blick auf Graben und Kohlmarkt! Begeben Sie sich unter der Führung unserer Sommeliers auf eine spannende Weinreise in Meinl’s Weinbar oder erleben Sie unvergleichlichen Kaffeegenuss in Form einer anregenden Melange im beliebten Meinl Café. „Wählen

Sie aus“ – hier wird jeder Genusswunsch mit Kompetenz und kulinarischem Know-how ermöglicht! Meinls Restaurant: Von Anbeginn vermochte das Restaurant mit der schönsten Aussicht Wiens, Gourmets aus dem In- und Ausland mit seiner spannenden Küche, seinem unprätentiösen und charmanten Service und seiner wunderbaren Weinkarte zu begeistern. Hier werden von früh bis spät durchgehend kulinarische Köstlichkeiten und luxuriöse Gaumenfreuden in einer stilvollen und doch legeren Atmosphäre angeboten. Am Morgen bieten eine Vielzahl an Frühstücksvarianten den idealen Start in den Tag, mittags verwöhnen wir Sie mit einem exquisiten und doch raschen Business-Lunch, am Nachmittag verlocken Wiener Kaffeeund Teespezialitäten und die süßen Köstlichkeiten aus unserer hauseigenen Patisserie und am Abend findet der Tag bei einem leichten Dinner oder einem exzellenten Menü zu einem hervorragenden Glas Wein einen gelungenen Ausklang.

KUNST.INVESTOR Genusskunst

Die Küche begeistert durch einen individuellen Stil, der mediterran geprägt ist und sich der Saisonalität und Hochwertigkeit der Grundprodukte verpflichtet. Das an Vielfalt und Frische unüberbietbare Sortiment von Julius Meinl am Graben tut sein Übriges, um zu einer internationalen Küche zu inspirieren, die von einer beispiellosen Authentizität und Leichtigkeit gekennzeichnet ist und getrost auf Firlefanz und Pomp verzichten kann. Als unabdingbar für die kulinarische Performance erweist sich das distinguierte, umsichtige Service, das auch den anspruchsvollsten Gast verwöhnt. Der außerordentliche Ruf des Restaurants liegt sicherlich auch in der Weinkarte begründet, die mit ihren über 750 Weinpositionen und einem Angebot an Bränden, das sich wie das „Who is Who“ der heimischen Top-Destillerie liest, für jeden Gang die perfekte Begleitung bereithält. Meinls Weinbar: Weinkenner und all jene, die es werden wollen, schätzen die stimmungsvolle Atmosphäre, das atemberaubende Sortiment und die exzellente Weinberatung von Seiten des Weinbar Teams. Die Umfangreiche Weinkarte umfasst nicht nur etwa 30 offene Weine aus Österreich und dem Ausland, sondern ebenso verschiedene Schaumweine, Süßweine und Portweine, die das Angebot abrunden. Außerdem können Sie noch aus ca. 2000 verschiedenen Weinen aus aller Welt und etwa 20 unterschiedlichen Champagner wählen und diese gegen einen 10%igen Bedienungsaufschlag (Mindestaufschlag € 3,00) flaschenweise genießen. Neben zahlreichen internationalen Raritäten, die bis ins Jahr 1961 zurückreichen, sind es vor allem die österreichischen Raritätenweine, welche Sie auf einer eigens kreierten Raritätenkarte finden, die Meinls Weinbar für Weinkenner einzigartig machen. Egal ob Sie einen gereiften Weißwein oder einen Rotwein aus

den Spitzenjahrgängen wie 1999, 2000 oder 2003 suchen. Hier werden Sie fündig. Auch der kleine Hunger lässt sich in Meinls Weinbar stillen: neben einem täglich wechselnden Mittagsmenü werden auf der Speisekarte auch klassische Spezialitäten wie Antipasti-Variationen, Beef Tartar, Roastbeef oder Räucherlachs angeboten. Wer den Weingenuss zuhause bevorzugt und seinen Einkauf nicht zu den Geschäftszeiten von Meinl am Graben erledigen kann, hat hier in Meinls Weinbar bis zur mitternächtlichen Sperrstunde die Gelegenheit, aus dem Top-Angebot unter fachkundiger Beratung auszuwählen und zu Handelspreisen einzukaufen. Meinls Café: Das "Meinls Cafe" mit angeschlossenem Gastgarten auf dem Kohlmarkt zählt mittlerweile zu den beliebtesten Innenstadttreffs, denn hier wird die Altwiener Kunst des Kaffeekochens zelebriert. Auf der Kaffeekarte finden sich an die 35 Rezepturen: von der klassischen Melange über Kapuziner, Einspänner und Kaffee verkehrt bis hin zum Mazagran. Das "Meinls Café"-Team begeistert seine Kunden kontinuierlich mit neuen Kreationen der braunen Bohne; Mandorlino (mit Mandelmilch verfeinerter kalter Espresso), Melange Orangina, die kongeniale Verbindung von Großem Braunen und Orangenlikör und Greco haben schon zahlreiche Anhänger gefunden. Die Mitarbeiter stehen vor Ort mit Rat und Tat bei der Auswahl des gewünschten Kaffees zur Seite und geben Einblick in die faszinierende Welt des beliebten Genussmittels. Ein einladendes Angebot an Kipferln & Croissants und Tartes aus der hauseigenen Patisserie verspricht zu jeder Kaffeespezialität die passende Begleitung. Somit garantiert ein Besuch im "Meinls Café" aufgrund der fachkundigen Beratung und exzellentem Service uneingeschränkten Kaffeegenuss in klassisch-stilvoller Atmosphäre!

Aux Gazelles – Savoir Vivre in Wien Le Restaurant, Le Club, Le Design Mit "mehr Funktion und weniger Folklore" ist das gemeinsam entwickelte Design-Konzept von Christine Ruckendorfer und Architekt Alberto Bach perfekt definiert. Bach zeichnet mit seinem Büro Albertoni für viele internationale Prestigebauten verantwortlich und hält Nichts von unnötigem Chi Chi, lauten Farben und orientalischen Klischees. Beide wollten dem Aux Gazelles mehr Spielraum und Bewegung geben. Das Licht wird durch die Neugestaltung tief in den Raum geholt. Auch die Séparées wurden neu interpretiert. "Ich wollte zwei unterschiedliche, elegante Welten kreieren, das Restaurant mit dem großzügigen Gastgarten ist eine helle frische Sommerwelt von großer Klarheit", erklärt Bach. "Verbindend dazu finden sich Designelemente, die klar und schwungvoll sind, mit klassisch marokkanischen Elementen." Eine Formsprache, die in Abwandlungen immer wieder zum Einsatz kommt. Ruckendorfer Für Ruckendorfer ist das Ergebnis "ein zeitgemäßes Lokal auf internationalem Niveau, ohne folkloristisch zu sein." Auf 2000 Quadratmeter wird "Savoir Vivre in Wien" geboten: Essen, Trinken, Tanzen, Verwöhnen, Entspannen & Genießen. Neue Features, wie "Lunch Bazaar", "Signature Drinks", "After Work-Shower" und anderes mehr erwarten den Gast. "Orient Light" nennt sich das frische Food-Konzept, vielfältig, spannend und ideal für die heißen Sommermonate in der City. Im "Lunch Bazaar" werden mittags feine Variationen in Form von libanesischen MezzeGerichten und marokkanischen Vorspeisen das Aux in Form eines All You Can Eat-Buffets angeboten. Abends können diese auch à la Carte bestellt werden. Als Mittagsmenü gibt es Rindsbrochettes mit gratinierten Zucchini, Lammköfte im Tomaten-Zimtfonds mit Dijon Senf und gegrillte Calamari & Garnelen mit Spargel-Fenchel-Salat. Abends kommt regional-österreichisches zum Einsatz, wie bei der Tajine mit Mariazeller Saibling, knusprigem Rinderprosciutto und Granatapfel, einem zarten Kalbsgulasch, Couscous und Kichererbsen. Vegetarier werden mit Gemüse-Tajine oder gebackenen Kartoffeln mit Arganöl, Koriander mit Limetten-Sauerrahmdip verwöhnt.

Wüstentee on the Rocks meets Bloody Mary Eine schöne Bar braucht exzellente Drinks! Daher hat sich das Aux Gazelles-Team gleich mehrere feine SignatureDrinks überlegt. So wird der berühmte marokkanische Minztee, an dem bereits Winston Churchill im La Mamounia schlürfte, im Sommer "on the rocks" serviert. Zum Feierabend gibt es eine alkoholische Version des Traditionsgetränks aus der Sahara, gemixt mit Gin. Oder ein Gimlet, das berühmt, berüchtigte Getränk der Britischen Navy, favorisiert von Ernest Hemingway und bekannt aus den Philip Marlowe-Krimis. Apropos Hemingway: Zu Beginn einer heißen BarNacht darf ein perfekter Bloody Mary nicht fehlen. Dieser Klassiker wird im Aux Gazelles nach einer klandestinen Rezeptur eines jamaikanischen Barmans gemixt. After Work-Shower Raus aus dem Job und rein in den Feierabend! Doch wo bitte, machen Mann und Frau sich nach einem anstrengenden Arbeitstag frisch und fein? Nicht jeder wohnt im City-Loft um die Ecke. Hammam und Salon de Beauté schaffen Abhilfe. Für 15,- Euro können sich Aux Gazelles-Gäste von 17 bis 20 Uhr duschen, entspannen und für den Abend zu Recht machen. Im Preis inkludiert sind: Handtuch, Erfrischungsgetränk (hausgemachte Limonaden und Eistees). Verwöhnprogramm für Body & Soul Eine alte Hammam-Tradition besagt: Politik, Geld und Sorgen bleiben draußen! Insofern sind Hammam & Salon de Beauté nicht gerade der geeignete Ort für das nächste Business Meeting, wohl aber um sich von Kopf bis Fuß verwöhnen zu lassen und zu entspannen. Auf 500 Quadratmetern befinden sich ein klassisches Dampfbad, Behandlungs- und Entspannungsräumlichkeiten in bester Orient-Manier. Hammamcis verwöhnen mit Waschungen, Peelings, wohlriechenden Salben und einer Haarwäsche – falls gewünscht. Mehr Info unter www.auxgazelles.at

KUNST.INVESTOR Buchtipp

Adolf Krischanitz

Das Inventar ist das Ergebnis der Inventur

Basierend auf den Entwürfen für zahlreiche Gebäude aus den Bereichen Kultur, Wohnen, Gewerbe, Bildung etc. hat Adolf Krischanitz Innenausstattungen entworfen, die sich mit wenigen Ausnahmen jeweils aus den laufenden Bauaufgaben entwickelt haben. Die im Zuge der architektonischen Arbeit entstandenen Interieurs sind in der Regel nicht nur Sessel, Tisch, Liege und Lichtobjekte, sondern sind konstitutiver Teil des räumlichen Aufbaus und der Gestion des integralen architektonischen Raumes. Alles in allem liefert er durch sein Werk einen bemerkenswerten Beitrag zu einem wichtigen Aspekt der jüngeren österreichischen Architekturgeschichte. Die Entwicklung dieser Arbeiten ist anfänglich durch historisierende postmoderne Tendenzen gekennzeichnet, um schließlich in radikalere direkte Versuche zur Anknüpfung an die inzwischen fast verloren gegangene Entwurfstradition des regionalspezifischen Ausstattungshandwerks in Wien zu münden. Außerdem werden Kooperationen mit anderen Architekten (Otto Kapfinger, Hermann Czech), mit Künstlern (Oskar Putz, Gilbert Bretterbauer, Helmut Federle, Gerwald Rockenschaub) gesucht und zu spezifischen Entwurfsergebnissen gebracht, die sich jenseits aller modischen Tendenzen trotz oder gerade wegen ihrer zeithältigen Materialität heute wie zeitlos gerieren. Adolf Krischanitz, * 1946 in Schwarzach / Pongau gründete 1970, gegen Ende seines Studiums an der Technischen Universität Wien, zusammen mit Angela Hareiter und Otto Kapfinger die Architektengruppe Missing Link. 1979 zählte er zu den Begründern der Zeitschrift UmBau der Österreichischen Gesellschaft für Architektur und übernahm 1982 den Vorsitz dieser Gesellschaft. Als Mitglied und schließlich Präsident der Wiener Secession (1991–1995) verantwortete er die Gestaltung und Organisation zahlreicher Ausstellungen zeitgenössischerKunst. Als Gastprofessor war er 1989 an der Technischen Universität München sowie an den Sommerakademien in Karlsruhe (1990), Neapel (1994/95) und Wien (1996) tätig. 1992–2011 war er Professor für Stadterneuerung und Entwerfen an der Universität der Künste Berlin. Seit 1979 arbeitet Krischanitz als freischaffender Architekt mit Ateliers in Wien und Zürich.

Herausgeber: Edelbert Köb Texte: Sebastian Hackenschmidt, Otto Kapfinger, Adolf Krischanitz und Marcel Meili ALBUM VERLAG, Wien 2016- Auflage: 1.000 Stück 224 Seiten, 210 x 260 mm, Preis: 46,- Euro ISBN: 978-3-85164-196-7

KUNST.INVESTOR Buchtipp

Alfred Zellinger

Flash Poetry Karl Kraus: Die letzten Tage in 100 tweets Arnold Schönberg im Café Museum Doktor Faustus in London James Joyce in Triest

Unsere Zeit bedarf schneller Kommunikation, ihre Kunst sollte dabei vorangehen. Postings, Slams, Jazz Slams – die Zeiteinheiten werden immer kürzer; alles lässt sich heute twittern, sogar "Die letzten Tage der Menschheit" und wie Kraus auch Joyce, ein neuer Faust oder Börsenstrategien – wofür in diesem Buch der Beweis angetreten wird. Das neue Jahrtausend begann mit der 5-Minuten-Regel für Poetry Slams ebenso wie für die Pitches von Start-ups und beschleunigte indessen zum "Elevator Pitch": 30 Sekunden, die Dauer einer Aufzugsfahrt. Alfred Zellinger beschleunigt seine Prosa, rhythmisch und minimalistisch, in Blitzlichtern fragmentiert zur "Flash Poetry", zu interpretieren wie ein Blues oder eine Ballade – vom Elevator-Pitch zur Minimal Prose. Karl Kraus: Die letzten Tage in 100 tweets / Arnold Schönberg im Café Museum / Giacomo Casanova auf dem Wiener Graben / Doktor Faustus in London / James Joyce in Triest /City Boys /Droge-Leben / BörsenBeben Alfred Zellinger, geb. 1945, lebt als Schriftsteller in Wien und Gmunden. Während seiner, wie er es nennt, "40 Jahre im Auge des Kapitalismus" arbeitete er für Konzerne wie Unilever und Procter & Gamble, für die englische Werbeagentur Masius, war Marketingleiter bei Philips, Professor an der Kunstuniversität Linz; Werbechef und Bankdirektor der BAWAG-PSK und CEO von Bösendorfer

Grand Piano 214VC Klängliche Brillanz in seiner elegantesten Form

Basierend auf

dem großen Erfolg des Bösendorfer Konzertflügels 280VC

Vienna Concert , der für großes Aufsehen auf vielen namhaften Bühnen sorgte, präsentiert Bösendorfer nun auch die einzigartigen Qualitäten der VC Technologie auf

2.14 Metern

Länge. Würde man ausschließlich dem

hörbaren Klangeindruck folgen, so überrascht größeren schier

dieser

Flügel so

manchen

Konzertflügel mit Bösendorfer Strahlkraft. Atemberaubende Dynamik, unbegrenzte Klangfarben und strahlende Brillanz: der neue

214VC

verkörpert das musikalische Erbe Bösendorfer in zeitgemäßer Perfektion. Ein Klangerlebnis purer Emotion.

KUNST.INVESTOR Buchtipp

Michael Schultz

(Un)zensiert Edition Braus 629 Seiten 48,00 € ISBN 978-3-86228-155-8

(Un)zensiert - die Bekenntnisse über Kunst, Künstler. Über Gott. Den Islam. Über Sex, Fußball und die Tragödien unserer Zeit. Zusammengestellt in Tagesbriefen, die als Daily News vier Jahre lang einen ausgewählten Kreis von Empfängern erreichte. Von montags bis freitags, Woche für Woche, Jahr für Jahr. Dazu gehörte viel Durchhaltevermögen, aber auch Verzicht. Auf Alkohol am Abend und Zärtlichkeit am Morgen. Immer on duty. Geschrieben von, erschienen in der Edition Braus.

ART VITRINE

GALERIE HASSFURTHER HERBST AUKTION 28. November 2016, 18:00 Uhr

KUNST.INVESTOR-

ART VITRINE

GALERIE HASSFURTHER

Handel mit Kunst, kunstvoll handeln!

Der Galerist und Auktionator Wolfdietrich Hassfurther ist seit über 40 Jahren in der Wiener Galerieszene ein Inbegriff und mischt mit seiner berühmten Galerie im Herzen Wiens in der oberen Liga der Galeristen und Auktionshäuser mit. Begonnen hat Wolfdietrich Hassfurther als Antiquar und Autografenhändler, als der Markt in Europa jedoch von den Amerikanern leer gekauft war, entdeckte er die wunderbare Welt der bildenden Kunst und gründete seine eigene Galerie. Seither hat er sich auf Gemälde, Meisterzeichnungen, Skulpturen, Miniaturen, Aquarelle und Druckgrafiken spezialisiert. Bis zum heutigen Tage lässt er sich von der Liebe zu einer großartigen Kunst antreiben; inspirierend ist für ihn aber auch die Schönheit des Lebens, die der feinfühlige Galerist auch im Alltäglichen erkenne, "ich bin immer wieder von der Schönheit des Lebens hingerissen." Beständigkeit und Kampfgeist hat der Galerist bis zum heutigen Tage bewiesen, seine eigenwillige Persönlichkeit ist sein Markenzeichen und sein unbändiges Engagement brennt bis heute. Gemeistert hat er so die Krisenzeiten, die seit den 1990er-Jahren nicht nur die Finanzmarkt schütteln, sondern auch den Kunstmarkt: "Wien ist eine Stadt der Halbseligen, und Halbselige meistern Krisen besser", glaubt Wolfdietrich Hassfurter, der zum Synonym für fairen Kunsthandel geworden ist. Er hat es auch nicht verabsäumt, seine Fühler auszustrecken in Richtung

Mittlerer Osten und Orient, bis nach Indien, China und Russland gehen seine Kontakte. Der Galerist konnte sich so ein weltweites Netzwerk aufbauen und ist überzeugt: "In diesen Ländern wächst eine neue europäische Sammlergeneration heran, die ein großes Interesse an europäisch klassischer Moderne hat." Die Galerie Hassfurther hat sich so zu einem international agierenden Player entwickelt. Das Erfolgsrezept der One-Man-Galerie: Fachliche Kompetenz mit Schwerpunkt Klassische Moderne, Alte Meister und Biedermeier gepaart mit Aufrichtigkeit. Seine vielen Stammkunden schätzen seine Ehrlichkeit, sein Wissen und sein Talent besondere Meisterwerke aufzuspüren; sein berühmtester und treuerster Kunde war der Sammler Rudolf Leopold, der 1973 sein erstes Bild bei Hassfurther erstand und seither immer wieder kam. Bekannt wie beliebt ist Hassfurther weiters für seine kostenlose Beratung und Schätzungen von KunstObjekten. Vielbeachtet ist dabei sein unschätzbares Wissen in den Kunstepochen Alte Meister, Biedermeier sowie die Klassische Moderne. Wolfdietrichs Geheimrezept hat somit mehrere Ingredienzien: Zum Einen seine weltweiten Kontakte und zum Anderen seine Liebe für die Kunst und sein Geschick diese zu finden. Auf sein Alter angesprochen sagt er: "Es macht mir einfach Freude älter und weiser zu werden, wer will schon sterben." (Foto: © Galerie Hassfurther)