KUNSTINVESTOR MÄRZ 2016 by KUNSTMAGAZIN KUNSTINVESTOR

MÄRZ 2016

HIROJI KUBOTA - PHOTOGRAPHER

Dorotheum: Jugendstil & angewandte des 20. Jahrhunderts- 110. Kunstauktion im Kinsky „lokomotiven unter grünem himmel“ in der Galerie Gugging - Die Russischen Avantgarden Chagall bis Malewitsch - Körper, Psyche & Tabu Wiener Aktionismus und die frühe Wiener Moderne – Balthus - Abstract Loop Austria

KUNST.INVESTOR Editorial

Kunst als globale Ersatzwährung von hohem Prestige .

Heute halten Sie die aktuelle Ausgabe des Magazins KUNSTINVESTOR in „Händen“. Innovativ, exklusiv und stets mit dem richtigen Riecher für aktuelle Entwicklungen informieren wir Sie rund um alle wichtigen Themen, die nationalen und internationalen Kunstmärkte betreffend. Kunst ist ein interessantes Portfolio und unbestritten die schönste Beimischung für Ihr Investment- inspirierend, nicht allein in ideeller Hinsicht. Besonders in Zeiten, da Bullen auf sich warten lassen und Renditen an der Nulllinie kratzen, etablieren sich Kunstwerke als stabile, vor allem aber als rentable Assets. Eine Tatsache, der sich selbst hartgesottene Aktionäre nicht entziehen können. Außenseiter der Kunstgeschichte profitieren davon nicht substanziell in Kunst interessiert zu sein, weil die zeitlichen Intervalle von einer Aktienbaisse zur nächsten immer wieder kürzer werden- wäre auch zu erwarten, dass die persönliche Entscheidung dieser Käufer weniger zählt. Wie schade. Und wie bezeichnend. Viele Sammler

scheinen in Bilder wie in Aktien zu investieren. Käufer haben eben nicht nur wieder viel Geld, sie kultivieren auch einen sehr selektiven Blick. Mehr noch: Dieser Boom ist noch lange nicht an seine Grenzen gestoßen. Bilder, Antiquitäten und andere Sammelobjekte nehmen im Rahmen der Veranstaltungen einen immer höheren Stellenwert ein. Dies bestätigen die hervorragenden Ergebnisse der Auktionshäuser. Weil es bei allen Dingen des Lebens immer auf den richtigen Mix ankommt, wollen wir Sie nicht nur mit fundierten Hintergrundberichten, präzise recherchierten Topstorys, wichtigen Nachrichten und aktuellen Interviews begeistern. Zusätzlich wollen wir dieses Magazin auch mit dem Sonderteil Geld & Anlage, „be.INVESTOR“ als moderne Plattform zum Austausch wichtige Investitionsinformationen anbieten. Lesen Sie den aktuellen KUNSTINVESTOR, wo Sie sich ein aktuelles Bild über den Kunst- & Geldmarkt verschaffen könneneine wirklich gute Investition. Viel Spaß Wünscht Ihnen Michael Ruben Minassian

IMPRESSUM: Medieneigentümer, Chefredakteur & Herausgeber: Michael Ruben Minassian Mail: michael.minassian@kunstinvestor.at , Telefon: +43 1/ 236 53.1318 Verlagsadresse: MN Online & Content GmbH, 1110 Wien, Brehmstrasse 10/4.OG, Geschäftsführung: Markus Bauer, ATU 65091955, FN 330453k, Tel: +43 1/ 919209045 DW, Fax: + 43 1/29 81-298 DW, Website:www.kunstinvestor.at, Cover-Foto: Fotomuseum WestLicht - Kyaiktiyo, Burma, 1978 © Hiroji Kubota, Magnum Photos

KUNST.INVESTOR News

Nathalia Edenmont, Hungry, 2015, C-Print mounted on glass, 130 x 192 cm

NATHALIA EDENMONT FLOWERING Berlin- Nathalia Edenmonts Fotografien sind schön: faszinierend, verstörend, gar traurig schön. Sie arrangiert Stillleben aus Frauen, Kindern, Männern, Blumen und Schmetterlingen im Stil alter Meister, zitiert bekannte Elemente christlicher Ikonografie und Kunstgeschichte. Es ist die Vergänglichkeit unseres Daseins, auf die sie anspielt und mit der sie spielt; die Schnittblumen in ihren Fotografien sind tot, aber sie sind wunderschön. Die Schmetterlinge ebenfalls. Deren Schönheit ist generell sublim, sie leben häufig nur für

zwei oder drei Tage. Schönheit lebt also nicht nahe an Gott, sondern am Risiko, nahe an Vernichtung und nahe am Tod. Edenmont spielt mit dieser Ästhetik des Grotesken. Und sie provoziert, überschreitet bewusst die Grenze unserer Normen. Ihre Fotos verführen und konfrontieren uns mit uns selbst, mit unserer eigenen Wahrnehmung und persönlichen Wertvorstellungen. [Galerie Schultz Berlin. Ausstellungsdauer: 27. FEBRUAR - 26. MÄRZ 2016 – Foto: © Galerie Schultz]

KUNST.INVESTOR News

Jochen Proehl, Intrusions, 2015, Oil on Canvas, 150 x 200 cm

JOCHEN PROEHL RIPPED LANDSCAPE Berlin- Spuren im Erdreich finden sich in unserer Alltagswelt überall. Häufig werden sie beiläufig wahrgenommen, oftmals übersehen. Sie erzählen Geschichten: sei es der Abdruck eines Schaufelstiels in losem Sand, Spuren eines Baggers oder kollossale Erdmassen auf Abraumhalden, allesamt zeugen sie von der Abwesenheit eines vormals Anwesenden oder von kosmischen Bewegungen. Seit Kindertagen fasziniert von dem Naturmaterial Erde, schafft der in Istanbul lebende Künstler Jochen Proehl Werke, deren Ausgangspunkt jene Erdspuren und Formen sind, denen wir im Alltag begegnen. „Bereits als Kind und Jugendlicher, also lange bevor klar war, dass ich

einmal Maler sein würde, habe ich mit meiner Plastikkamera aufgerissene Erde auf Baustellen fotografiert. Dem Material Erde und seinen Formen wohnt etwas inne, das mich bereits damals, ganz unbewusst, bewegt und gefesselt hat und dem ich nun mit Bildern Namen gebe“. In abstrakten Gemälden und einer ihm eigenen Formensprache zeigt Jochen Proehl Erdstrukturen, "Imaginäre Landschaften", die für den Künstler eine allegorische Kraft und Allgemeingültigkeit besitzen. [Galerie Schultz Berlin. Ausstellungsdauer: 27. FEBRUAR - 26. MÄRZ 2016 – Foto: © Galerie Schultz]

KUNST.INVESTOR News

ART COLOGNE, Deutsche Bank und Sal. Oppenheim setzen Zusammenarbeit fort

Köln- Auf einer eigenen Ausstellungsfläche in der Koelnmesse präsentieren Deutsche Bank und Sal. Oppenheim unter dem Titel ‚1967 – Ein Jahr in 50 Kunstwerken, 50 Kunstwerke aus ihrer Sammlung aus dem Gründungsjahr der Kunstmesse vor 50 Jahren. Damit zeigt die Deutsche Bank mit Werken bedeutender Künstler wie Georg Baselitz, Rolf Cavael, Sigmar Polke und Wolf Vostell wegweisende künstlerische Strömungen und Impulsgeber dieser wichtigen Aufbruchszeit. Darüber hinaus fördern die beiden Unternehmen den Sektor NEW CONTEMPORARIES, der Galerien, die nicht älter als zehn Jahre sind, zu vergünstigten Konditionen die Teilnahme an der Messe ermöglicht. „Die Sonderausstellung ‚1967 – Ein Jahr in 50 Kunstwerken!‘ ist ein absolutes Highlight unserer Jubiläumsmesse. Wir freuen uns, dass wir durch das Engagement der Bank den progressiven Gründergeist von 1967, der sich auch in den gezeigten Kunstwerken widerspiegelt, in die Kölner Messehallen holen können.

Bis heute steht die ART COLOGNE mit ihrem Angebotsportfolio aus Klassischer Moderne, Nachkriegskunst und Zeitgenössischer Kunst für das Progressive in der Kunst“, betont Daniel Hug, Direktor der ART COLOGNE. „Mit unserem Kunstengagement wollen wir mehr Menschen an die Gegenwartskunst heranführen“, erklärt Friedhelm Hütte, Global Head of Art der Deutschen Bank. „Dieses Anliegen teilen wir mit der ART COLOGNE, die seit 50 Jahren erfolgreich die Kunst des 20. und 21. Jahrhunderts einer immer größeren Öffentlichkeit zugänglich macht. Zum Jubiläum gratulieren wir mit unserer Ausstellung auf der Messe.“ Mit ihrem Engagement für zeitgenössische Kunst setzt die Deutsche Bank weltweit Maßstäbe, sei es mit der Sammlung Deutsche Bank, eine der weltweit bedeutendsten Sammlungen zeitgenössischer Papierarbeiten und Fotografien, internationalen Ausstellungen oder der Deutsche Bank KunstHalle in Berlin.

KUNST.INVESTOR News

Foto: © Özlem Altin »HOLE OR SCREEN« (2014)

»HOLE OR SCREEN (HER BODY, A FRAGMENT)« ÖZLEM ALTIN Die in Berlin lebende Künstlerin Özlem Altin arbeitet mit gefundenem Bildmaterial und stellt dieses in ihren Collagen, Malereien und Installationen in einen neuen Kontext. Ende März zeigt die Galerie Raum mit Licht erstmals ihre Arbeiten in einer Einzelausstellung in Wien. Im Ausstellungsraum setzt die Künstlerin ihre Arbeiten in Dialog mit Werken von Künstlern der Galerie und öffnet in den Berührungspunkten neue Betrachtungsebenen. Das Konzept und die Repräsentation des Körpers, im Besonderen die Geste, Berührung und Momente des Kontakts stehen im Zentrum ihrer Arbeit. Özlem Altin arbeitet mit einer umfangreichen Sammlung von gefundenem Bildmaterial aus Büchern, Magazinen oder dem Internet. Hieraus wählt sie assoziativ Bilder und Ausschnitte, die sie im Anschluss in dichten Collagen

und mit ihren eigenen Fotografien, Malereien und skulpturalen Arbeiten zu komplexen Installationen zusammensetzt. ÖZLEM ALTIN (*1977 in Goch, Deutschland) lebt und arbeitet in Berlin, derzeit in der Sammlungspräsentation im Lentos Kunstmuseum Linz vertreten. International waren ihre Arbeiten in den letzten fünf Jahren in zahlreichen Einzel- und Gruppenausstellungen gezeigt: Witte de With, Rotterdam (2015); Kunstraum Bethanien, Berlin; Circus, Berlin (2013); Hamburger Bahnhof, Berlin (2013); Kunsthalle Wien (2013); Leopold–Hoesch–Museum, Düren (2012); David Roberts Art Foundation, London (2011); und Fondazione Morra Greco, Neapel (2010). [Galerie Raum mit Licht. Eröffnung: Donnerstag, 17. März 2016, 19 Uhr. Ausstellungsdauer: 18. März – 13. Mai 2016]

KUNST.INVESTOR News

„Staatsfeind Nr. 1“ PUBER ist zurück und das zum Greifen nah: Zum allerersten Mal werden PUBER-Werke unter dem Ausstellungstitel „I Like to Write my Name on your Property“ in künstlerischem Rahmen präsentiert. Lange war es um den fast schon sagenumwobenen PUBER ruhig geworden. Jetzt ist der Sprayer zurück und das gleich mit doppeltem Paukenschlag: Nicht nur die berühmten PUBER-Tags und Throw-ups feiern weltweite Premiere in der HO GALLERY von Unternehmer und Kunstsammler Martin Ho, auch der im August 2015 angekündigte Kurzfilm „Mein Kampf Vol.1“ wurde am 17. Februar 2016 erstmals der Öffentlichkeit vorgestellt. Auf unterschiedlichen Medien werden PUBER-Werke zum allerersten Mal im Rahmen der Ausstellung „I Like to Write my Name on your Property“ gezeigt und auch legal zu erwerben sein. So viel sei vorab verraten: Es werden nicht nur Tags präsentiert. Der Kurzfilm „Mein Kampf Vol.1“ dokumentiert PUBERs Streifzüge durch Wiens Straßen, zeigt ihn bei seinem „Kampf“, sich einen Namen zu machen, und gewährt einen Einblick in das Leben des

Sprayers der „alten rauen Schule“. „PUBERs Schaffen ist einzigartig für Österreich. Was in New York gang und gäbe ist, wirbelt hierzulande die Gesellschaft auf und spaltet selbst die Graffiti-Szene. Dabei ist PUBER noch ein Sprayer der ‚alten Schule': Dirty New YorkStyle eben, als Graffiti noch nicht salonfähig war und Aufregung und Skandal hervorrief. In der ganzen Stadt tagt PUBER seinen Namen, ohne Angst ein Risiko einzugehen. Das traut sich heute kaum ein GraffitiWriter in Wien: Alles eingeschlafen“, kommentiert Martin Ho die Wahl, PUBER in seiner Galerie zu zeigen. „Gebt Wien doch wieder ein bisschen Gesprächsstoff, ein bisschen Inhalt, um sich ‚aufzupudeln’ oder am Ende des Tages PUBERs Werk doch noch zu verstehen“, fügt Ho mit einem Augenzwinkern hinzu.

KUNST.INVESTOR News

Wem er bisher noch kein Begriff war, der wird spätestens jetzt ein Aha-Erlebnis haben. In Wien, wo es vor PUBER im Vergleich zu anderen Großstädten sehr ruhig in der Graffiti-Szene zuging, erkämpfte sich der Sprayer aus Zürich mit brasilianischen Wurzeln zwischen 2013 und 2014 einen Namen. Flächendeckend überzog er die Bundeshauptstadt mit seinem Tag „PUBER“ und verärgerte so Behörden, Hausbesitzer und sogar Kindergarten-Kinder im siebten Wiener Gemeindebezirk. PUBER „All-City“ schien das Ziel zu sein, wie es einst Tradition der Graffiti-Szene im New York der 1970er Jahre war. Die Rechnung erhielt der umstrittene Graffiti-Writer, der von den Medien bereits auch als „Staatsfeind Nr. 1“ bezeichnet wurde, im März 2014, als er verhaftet wurde. Kurz darauf musste sich der Sprayer in 232 Fällen wegen Sachbeschädigung vor dem Richter Wilhelm Mende

verantworten. Aufgrund vieler Fans und Nachahmer können nicht alle Fälle eindeutig PUBER angerechnet werden, so auch der Schriftzug „PUBER ist Gott“. Die Schadenshöhe belief sich laut Gerichtsverhandlung auf über 50.000 Euro. Nach seiner Verurteilung zu einer bedingten Freiheitsstrafe von zehn Monaten kehrte PUBER zurück nach Zürich. Der große Aufruhr in den heimischen Medien verstummte wieder. Was übrig blieb, war der Mythos „PUBER“, den die Öffentlichkeit nie zu Gesicht bekam, aber der von da an vielen ein Begriff ist. Wie Streetartist Banksy behält sich auch PUBER seine Identität vor und lässt lieber seine Werke für sich sprechen, die nun erstmals weltweit in öffentlichem Rahmen in der HO GALLERY präsentiert wird. [HO GALLERY, Ausstellungsdauer bis 15. März 2015 - Foto: © Ho Gallery]

KUNST.INVESTOR Bank Austria Kunstpreis

Bank Austria verlieh höchst dotierten Kunstpreis Österreichs

Norbert Mayer, Robert Zadrazil (v. l.n.r)

110.000 Euro gingen an 30 Crowdfunding-Projekte und der Große Bank Austria Kunstpreis mit 100.000 Euro wurde an das Theater der Jugend verliehen. Norbert Mayer von Die Presse ist Kulturjournalist des Jahres Viel Neues gab es im Februar bei der sechsten Auflage des höchstdotierten privaten Kunstpreises Österreichs am im Wiener Theater in der Josefstadt, der erstmals vom designierten Vorstandvorsitzenden der Bank Austria Robert Zadrazil verliehen wurde. Bereits im Vorfeld flossen insgesamt 110.000 Euro an 30 erfolgreiche Crowdfunding-Projekte, bevor gestern, Freitag, die Gewinner des Großen Bank Austria Kunstpreises und der Kulturjournalist des Jahres gekürt wurden. „Mit der Initiative ‚Gemeinsam für ein besseres Miteinander’ setzt die Bank Austria wichtige Impulse für den Standort Österreich. Der Bank Austria Kunstpreis und Sozialpreis bringen zusätzliche Gelder und Aufmerksamkeit für gesellschaftlich relevante Projekte“, sagte Zadrazil. „Der Preis entwickelt sich weiter und als Finanzdienstleister sind wir stolz darauf, das größte Crowdfunding-Projekt des Landes ins Leben gerufen zu haben, das Kulturschaffenden noch mehr Möglichkeiten bietet.“ Ermutigendes Zeichen für ambitioniertes Theaterprojekt: Über den Großen Bank Austria Kunstpreis kann sich das Theater der Jugend freuen, das jährlich über 300.000 junge Besucher aller

Altersstufen anzieht und als größte Theaterorganisation für Kinder und Jugendliche in Europa gilt. „In Zeiten klammer Kassen ist ein Preis aus der Wirtschaft ein ermutigendes Zeichen“, freute sich Thomas Birkmeir, künstlerischer Direktor des Theater der Jugend. Das Preisgeld möchte das Theaterhaus auch in soziale Projekte zur Flüchtlingsintegration investieren. Leidenschaft zum Handwerk wird ausgezeichnet: Als Kulturjournalist des Jahres wurde Die PresseFeuilletonist Norbert Mayer ausgezeichnet, womit sich die Qualitätszeitung nach der Auszeichnung von Chefredakteur Rainer Nowak als Journalist des Jahres gleich über die zweite hochkarätige Auszeichnung in diesen Tagen freuen kann. „Schreiben ist das Handwerk und Sprache das Werkzeug“, freute sich Mayer. Bank Austria Sozialpreis: Auszeichnungen in allen Bundesländern: Mit dem Bank Austria Sozialpreis wurden insgesamt 27 gesellschaftlich relevante Projekte für ein besseres Miteinander ausgezeichnet. In Wien erhielten „Sale für alle“, „Deutsch zum Mitnehmen“ und „Gesund Wohnen im Grätzel“ den mit 10.000 Euro dotierten Preis. Foto: Bank Austria - © leisure.at/Oreste Schaller

KUNST.INVESTOR Bank Austria Kunstpreis

Verena Scheitz, Klaus Albrecht Schrรถder (v. l.n.r)

Yury Revich

Galerie & Auktionshaus Hassfurther A-1010 Wien, Hohenstaufengasse 7, 0043/ 1 /533 41 74

HUNDERTWASSER, Das Match des Jahrhunderts 1952, 190 x 103 cm Auktion: 2. Dezember 1989 - Ergebnis â&#x201A;Ź 317.600

KUNST.INVESTOR Dorotheum

Vase "Dahlias", René Lalique, Wingen-sur-Moder, Entwurf 1923, farbloses, formgepresstes, rotbraun-schwarz patiniertes Glas mit reliefierten Dahlienblüten, bauchige Form, Unterseite mit undeutlicher Reliefsignatur R. Lalique, Höhe 12,5 cm,(B). Schätzwert € 2.200 – 2.800

JUGENDSTIL UND ANGEWANDTE KUNST DES 20. JAHRHUNDERTS DOROTHEUM - Auktion 21. März 2016

Die Auktion am 21. März 2016 bietet Wiener Jugendstil mit Kunstgegenständen und Möbeln von Architekten und Designern der Jahrhundertwende. Ebenso angeboten wird internationales Kunsthandwerk des

frühen 19. Jahrhunderts, eine Sammlung an ausgesuchtem Lalique-Glas oder Wiener Bronzefiguren mit Elfenbein von Peter Tereszczuk. [Foto: © Dorotheum.OnlineKatalogwww.dorotheum.com]

Eine 168-teilige Besteckgarnitur, ein Gemeinschaftswerk von Josef Hoffmann und Julius Zimpel, wurde bei der Dorotheum-Auktion im Mai zu einem sensationellen Preis von 344.600 Euro verkauft. Ein Spitzenpreis in dieser Sparte im Dorotheum.

KUNST.INVESTOR Dorotheum

Vase "Sauge", René Lalique, Wingen-sur-Moder, Entwurf 1923, farbloses, formgepresstes Glas mit reliefiertem Blätterdekor vor zartgrün patiniertem Grund, Tropfenform, Unterseite mit Reliefsignatur R. Lalique, Höhe 25,3 cm. Schätzwert 2.000 – 2.600

Vase "Meduse", René Lalique, Wingen-sur-Moder, Entwurf 1921, farbloses, formgepresstes, bläulich patiniertes Glas mit reliefiertem Tentakelmuster, Glockenform, Unterseite mit Reliefsignatur R. Lalique, Höhe 16,5 cm. Schätzwert € 1.600 – 2.000

KUNST.INVESTOR Dorotheum

Peter Tereszczuk(Wybudow 1875–1963 Wien), Sich verschämt hinter einem Paravent versteckende junge Frau, Entwurf um 1905, Ausführung AR, Wien, Bronze patiniert, Kopf, Arme und Oberkörper aus Elfenbein geschnitzt, montiert auf marmoriertem Steinsockel, in der Plinthe bez. und mit Gießerstempel, Höhe 22 cm. Schätzwert 2.000 – 2.600

KUNST.INVESTOR Dorotheum

Peter Tereszczuk(Wybudow 1875–1963 Wien), Pierrot mit Herzensdame, Entwurf um 1905, Ausführung Tereszczuk-Ullmann, Wien, Bronze patiniert, Köpfe aus Elfenbein geschnitzt, in der Plinthe bez. und mit Gießerstempel, Höhe 21 cm. Schätzwert 3.000 – 4.000 €

KUNST.INVESTOR Dorotheum

Sharköy Kelim, Südosteuropa (Thrakien), ca. 275 x 210 cm, datiert 1854, in SchlitzTechnik mit verhängten, schrägen und bogenförmigen Musterschüssen gelangte diese signifikante Stilistik einst mit den Osmanen nach Thrakien, auf sürmeyfarbenem Fond eine grüne Gebetsnische mit rotem Mihrab, im Gebetsfeld, an den begleiteten Kartuschen sowie in der Hauptbordüre finden sich zoomorphe Gazellenoder Hirschabstraktionen, ringsum komplett, einige alten Stopfstellen. Rufpreis € 3.000

KUNST.INVESTOR Dorotheum

Orientteppiche, Textilien, Tapisserien DOROTHEUM - Auktion 23. März 2016

Gegen Ende des 20. Jahrhunderts stagnierte die Nachfrage nach kleinbemusterten Teppichen. Die Teppichkunden hielten sich an antiken oder neuen geometrischen Teppichen aus dem Kaukasus und der Türkei, aber auch moderne Teppiche aus Südpersien, Nepal, Tibet und Indien fanden Platz im europäischen Interieur. Durch den starken Preisanstieg in den klassischen Erzeugerländern wurde in letzter Zeit die Teppichproduktion in Drittländern wie Pakistan und Afghanistan ausgelagert, welche nun den Markt mit größeren Mengen eher „einfachen“ Einrichtungsteppichen beliefern. Erst im letzten Jahrzehnt ist ein deutlich wiederkehrender Trend zu den fein geknüpften „Persern“ – und damit sind keine iranischen Volksangehörigen gemeint, zu beobachten. Trotz Verteuerung bis zu dreihundert Prozent, scheint die ursprüngliche Knüpfkunst Ihren Stellenwert bei Teppichliebhabern wieder bewusst zu werden. Die Preiserhöhung resultiert aus der Inflation sowie vorwiegend aus einer bis zu fünfzig prozentigen Abwanderung der Knüpfer und Knüpferinen aus den ursprünglichen Produktionsländern. Jahrelang konzentriertes Teppichknüpfen ist kein einfaches Unterfangen, zumal in einem wirtschaftlich gut geführten Land wie dem Iran, andere und besser bezahlte Arbeitsmöglichkeiten zu Verfügung stehen. Derartige Produktion lässt sich auch nicht „outsourcen“, da zur Vollendung traditionsreiche Fertigungsmethoden und überliefertes „Knowhow“ notwendig sind. Sollte das bestehende amerikanische Embargo gegen die Einfuhr iranischer Waren aufgehoben werden, werden die Preise sicherlich nochmals in die Höhe schnellen.Wertvolle, alte und antike Teppiche sind immer weniger aufzufinden. Die Stücke verschwinden in Privatsammlungen oder

brauchen sich mit der Zeit durch Strapaze auf. Die Nachfrage ist gegeben und der Markt boomt im Auktionsgeschäft - ein gutes Exponat darf auch Geld kosten. Im Jahr 2013 wurde bei einer Auktion der Rekorderlös von 25,7 Mill. EUR für einen iranischen Teppich erzielt! Ohne die Schönheit der auch immer seltener werdenden antiken, groben und oft schiefen Bauernund Nomadenteppiche abzusprechen, wird es sich bei den „antiken Teppichen von Morgen“, welche von unseren nachfolgenden Generationen gehandelt werden, wohl um die semiantiken, neuzeitlichen, klassischen und feinen Stücken, der teils auch signierten Meisterwerkstätten, handeln. Diesen Status werden jedoch nur die farbechten Teppiche erlangen, welche nicht verblassen oder gar einer Wäsche nicht standhalten können. Unerlässlich hierfür ist der der schonende Umgang, damit sie zum einen die Jahrzehnte überdauern, zum anderen um die gewünschte Alterspatina zu erlangen. Man darf schon gespannt sein, wie ein schöner Isfahan, Täbriz oder die besten Stücke aus Hereke oder Samsun, um nur einige zu nennen - nach fünfzig Jahren ihr Aussehen zum positiven verändern werden. In dieser Auktion als Sonderteil geführt, wollten wir diese Gegebenheit ansprechen und können als nachfolgenden Lots auch verschiedenste dieser Teppichqualitäten ausbieten. Alle diese ausgewählten Stücke tragen eine eingeknüpfte Inschrift, die wie ein Markenzeichen auf die ausführende Manufaktur, bekannte Knüpfmeister oder Musterzeichner hinweist. Viele dieser Teppiche waren ursprünglich nicht für den Export bestimmt und wurden von wohlhabenden Iranern oder Araber erst in Auftrag gegeben. [Foto: © Dorotheum OnlineKatalog www.dorotheum.com]

KUNST.INVESTOR Dorotheum

Verneh, Südkaukasus, ca. 196x 147 cm, Mitte 19. Jh. obwohl stark abgenützt geht von dieser Webe ein großer Reiz aus, zum einem ist es die homogene Farbanordnung mit faszinierendem Gelb als Grundton, zum anderen die archaische Musterführung der T-Motive mit allerlei Streumuster und zwei sich gegenüberstehenden Vierbeinern, aus zwei Teilen gefertigt mit originalen Kettabschlüssen, starke Musterabriebe, einige frei liegende Kettfäden und Nachbesserungen, Kantenschäden, Schauseite verblasst. Rufpreis € 600

KUNST.INVESTOR Dorotheum

Karatchoph, Südwestkaukasus, ca. 262 x 178 cm, Ende 19. Jh. die Kazak-Teppiche mit dem großem, weißgrundigen Zentraloktagon und den weißen Quadraten mit Sternmotiven in den Fondecken, zählen mit zu den bekanntesten dieser dörflichen Exponaten, hier ist das zentrale, archaische Mittelstück anzumerken, welches zur Gänze auf einem schachbrettartigen Untergrund liegt, bei den meisten Stücken ist der Untergrund nur mehr als Eckzwickel angedeutet, rotgrundig mit strahlende Farbigkeit und eingestreuten Tierdarstellungen sowie einer wuchtigen goldgelben Hauptbordüre, ein ähnlicher Teppich mit grünen Fond ist bei Eder publiziert, kleinere Gebrauchsspuren und minimale Beschädigungen könnten sich leicht beheben lassen. Rufpreis € 4.000

KUNST.INVESTOR Dorotheum

Hereke Seide 28 x 28 (Knoten per cm2), Nordwestanatolien (Türkei), ca. 23 x 19 cm, Ende 20. Jh. extrem feiner Knüpfteppich mit Baum/Tier-Motiv, Knotenberechnung: ca. 7,8 Mill. Knoten per qm, signiert mit "Özipek". Rufpreis € 4.000

KUNST.INVESTOR Dorotheum

Äquatoriale Minutensonnenuhr, Kopie um 1900, nach einem Vorbild von ca. 1720, Messing graviert und teils rot eingefärbt, Minutenskala mit römischen Ziffern, Polhöheneinstellung auf Grundplatte darauf drei Stellschrauben Größe ca. 21 x 14 cm

Historische Wissenschaftliche Instrumente und Globen DOROTHEUM - Auktion 31. März 2016

Zweimal im Jahr werden im Dorotheum historische wissenschaftliche Instrumente, Modelle und Kuriosa versteigert. Das Spektrum der kommenden Auktion vom 31. März 2016 reicht von historischen Sonnenuhren, Fernrohren, Mikroskopen über Globen bis hin zu baturwissenschaftlichen Objekten,

vornehmlich vom 17. bis 19. Jahrhundert. Im Angebot findet sich unter anderen eine äquatoriale Minutensonnenuhr, die mit einem Rufpreis von 1.500 Euro versteigert wird. [Foto: © Dorotheum]

[OnlineKatalogwww.dorotheum.com]

KUNST.INVESTOR Auktionshaus ‚im Kinsky‘

Markus Pernhart, Meistbot € 15.000

Kostbarkeiten 110. Kunstauktion im Kinsky Nach der erfolgreichen Nachlass-Auktion der Galerie Vavrousek konnte auch die zweite Auktion in diesem Jahr mit einem weiteren Nachlass einen großen Verkaufserfolg erzielen. Mit der Schließung des renommiertenKärntner Familienunternehmens und Kunsthandels Fritz Prause kamen 228 Objekte, Gemälde des 19. Jahrhunderts und Antiquitäten, zu sehr günstigen Preisen zum Ausruf. Wieder führten die attraktiven Preise zu einem regen Angebot, schönen Steigerungen und einem 70%igen Verkauf. Besonders hervorzuheben sind die Ergebnisse für den Kärntner Starmaler des 19. Jhds., Markus Pernhart, dessen zehn Bilder und Zeichnungen sich großer Nachfrage erfreuten. Der Wörthersee wurde für € 15.000 (KP €

18.900) und die Steiner Alpen für € 16.000 (KP € 20.160) ersteigert! Etwas weniger bekannt, da auch selten am Markt sind Bilder von Jacob Canciani, um dessen romantischen Blick über den Millstättersee sich Sammler von € 2.000 bis auf € 15.000 (KP € 18.900) überboten. Eine großartige Überraschung lieferte das feine Aquarell mit dem Durchblick auf die Piazza San Marco in Venedig des italienischen Malers Giovanni Migliara, Zeitgenosse von Bernarod Belotto. Als eines der ganz wenigen bisher am Markt angebotenen Bilder wurde es von € 4.500 auf € 19.500 (KP € 24.570) gesteigert und setzte damit ein neues Preisniveau dieses Künstlers.

KUNST.INVESTOR Auktionshaus ‚im Kinsky‘

Giovanni Migliara, Meistbot € 19.500, Venedig, Blick auf die Piazza San Marco

KUNST.INVESTOR Auktionshaus ‚im Kinsky‘

Jakob Canciani, Meistbot € 15.000, Blick über den Millstättersee, 1873 (?)

Ebenso begehrt war die Vielfalt der Antiquitäten aus dem Hause Prause: eine barocke Tischuhr aus Posen, Polen stieg auf € 14.000 (KP € 17.640) und ein Minnekästchen aus der Nürnberger Werkstatt Michel Mannwar nicht unter € 10.000 (KP € 12.600) zu haben. Aus dem Angebot der weiteren Kostbarkeiten , die sich großes Interesses erfreuten, sind besonders die Ergebnisse der Klassischen Moderne hervorzuheben: Das kleine, aber wieder ganz im Stil des magischen Realismus‘ gehaltene Bild von Reyl-Hanisch überbot spielend den überaus günstigen Startpreis von € 1.000 und geht nun für € 17.000 (KP € 21.420) an einen Sammler nach Deutschland. Heiß begehrt war auch Norbertine Bresslern-Roth, die einmal mehr mit ihren

unnachahmlichen Tiergemälden reüssierte. Die fliegenden Kraniche hoben ab bis € 70.000 (KP € 88.200)! Das Spitzenlos der Auktion war jedoch wieder Alfons Walde vorbehalten, bei dem der Hammer für die kleine Variante des Einsamen Berghofs, auf Papier gemalt, erst bei € 110.000 (KP € 138.600) fiel. Bei den Zeitgenossen war das Interesse erwartungsgemäß hoch. Weit über die Erwartung hinaus schossen dieSchreibmattenbewohner von Dieter Roth mit dem letzten Zuschlag bei € 52.000 (KP € 65.520). Weit über den Ausrufpreis nur zu haben war auch Franz West‚ Gouache-Collage Sous d’un parasol (€ 45.000/ KP € 56.700). Foto: © Auktionshaus ‚im Kinsky‘

KUNST.INVESTOR Auktionshaus ‚im Kinsky‘

Franz West, Meistbot € 45.000, Sous d'un parasol, 1981

Dieter Roth, Meistbot € 52.000, Schreibmattenbewohner, 1987 begonnen/ Juli 1989 fertiggestellt

KUNST.INVESTOR Auktionshaus ‚im Kinsky‘

Herbert von Reyl-Hanisch, Meistbot € 17.000, Nächtlicher Stadtplatz

KUNST.INVESTOR Auktionshaus ‚im Kinsky‘

Norbertine Bresslern-Roth, Meistbot € 70.000 Kraniche, 1967

KUNST.INVESTOR Auktionshaus ‚im Kinsky‘

Der Sieg der kleinen Preise

Nachlass-Auktion Galerie Contact & Zeitgenössische Kunst im Kinsky Mit dem Hissen der weißen Fahne, sprich dem Verkauf aller Objekte endete die Nachlass- Auktion der 2015 verstorbenen Galeristin Helga Vavrousek und der Galerie Contact! Die Auktion wurde zur letzten Hommage an die erfolgreiche Tätigkeit der Galerie Contact!

Martha Jungwirth, Großer Narziß, 199 MB € 50.000 (KP € 63.000)

Die Kombination zwischen einem umfangreichen, qualitätvollen und seltenen Angebot österreichischer Kunst aus sechs Jahrzehnten und auffallend nieder angesetzten Schätzpreisen im Katalog führte zu großem Interesse im Vorfeld, einem übervollen Auktionssaal und zahlreichen Aufträgen am Telefon, schriftlich und natürlich online. Nach mehr als vier Stunden wurden 100% des Angebotes verkauft und die Schätzpreise mit einem Gesamtergebnis nach Meistbot von € 865.000 (€ 1,080.000 Mio) mehr als verdoppelt. Viele Objekte verdreifachten und vervierfachten sogar ihren Wert, wie die Figuren von Herbert Albrecht, Franz Ringel oder von Gottfried Fabian und setzten neue Marktpreise. Welt-Rekordpreise konnten für Martha Jungwirth und Hans Staudacher erzielt werden, beide Male für Spitzenwerke aus den Oeuvres der Maler: Jungwirths „Großer Narziß“ von 1991, ein Farbenrausch voll Impulsivität und Dynamik und Staudachers monumentale tachistische Arbeit kletterten beide von € 15.000 auf € 50.000 (KP € 63.000) hinauf! Kein Nachteil für den Marktwert brachte auch die Menge der

angebotenen Arbeiten von Hans Staudacher, einem engen Wegbegleiter und Freund der Galeristin. Im Gegenteil, eher förderte das vielfältige und günstige Angebot die Aufmerksamkeit und verlockte zu Steigerungen. Die großen Mischtechniken auf Leinwand und die sehr seltenen auf Platte aus den 1950er Jahren erzielten sogar neue Rekorde zwischen € 9.000 (KP € 11.300) bis € 15.000 (KP € 18.900). Die ausgesuchten Werke zeitgenössischer Kunst im 2. Teil der Auktion fanden ebenso breites Interesse. Alfred Hrdlickas Boxer Bronze erhöhte den Preis auf € 65.000 (KP € 81.900), die Serie der Doku-Stühle von Franz West gingen alle bis auf € 10.000 (KP € 12.600) bzw. € 11.000 (KP € 13.800), seine Collage von 1981 steigerte sich sogar auf phänomenale € 70.000 (KP € 88.200) und Tom Wesselmanns Great American Nude kannte erst bei € 90.000 (KP € 113.400) seine Grenzen. Das Spitzenlos der Auktion aber war wie zu erwarten Fritz Wotrubas Große liegende Figur: € 200.000 (KP € 252.000) war diese beeindruckende Skulptur von 1951 dem Bieter wert. Insgesamt erzielte die Auktion eine Summe von brutto € 2.064.699 exklusive Folgerecht. [Foto: © ‚Auktionshaus im Kinsky‘]

KUNST.INVESTOR Auktionshaus ‚im Kinsky‘

Fritz Wotruba, Große liegende Figur, 1951, Bronze; 114 × 249 × 106 cm, MB € 200.000 (KP € 252.000) Foto: © ‚Auktionshaus im Kinsky

Hans Staudacher Foto: © ‚Auktionshaus im Kinsky

KUNST.INVESTOR Fotomuseum WestLicht

Kaxgar, Xinjiang, China, 1980, © Hiroji Kubota/Magnum Photos

HIROJI KUBOTA - PHOTOGRAPHER In einer Europapremiere zeigt WestLicht die Retrospektive des japanischen Magnum Fotografen Hiroji Kubota (*1939 Tokyo). Seit den 1970er Jahren ist er eine der Säulen der Agentur, in den 1990ern baute er das Büro der Fotografenvereinigung in Tokyo auf. Die Ausstellung umspannt in mehr als 100 Fotografien gut 50 Jahre seines Schaffens: von Kubotas fotografischen Anfängen im von der Bürgerrechtsbewegung aufgewühlten Amerika der 1960er und 70er, über seine Reportagen aus dem postrevolutionären China, bis zu den Erkundungen seiner japanischen Heimat. Kubota ist ein Reisender. Sein favorisiertes Terrain ist nicht die hektische Tagesberichterstattung, er nimmt sich Zeit, sich auf das Besondere der Orte und ihre Menschen einzulassen. Rund sechseinhalb Jahre war er in China unterwegs, in sein Lieblingsland Burma kehrte er nach seinem ersten Besuch in den 1970ern insgesamt 75-mal zurück. In

der Zusammenschau fügen sich die entstandenen Bilder zu facettenreichen Porträts der bereisten Länder. Kubotas einnehmendes Wesen und seine diskrete Neugierde verschafften ihm Zugang auch zu ansonsten geschlossenen Gesellschaften. Noch am Beginn seiner Karriere erwarb er sich das Vertrauen der radikalen Bürgerrechtler der Black Panther Party, im für die meisten Fotoreporter abgeschotteten Nordkorea konnte er zwischen politischen Propagandaveranstaltungen nicht nur die Diktatoren Kim Il-sung und Kim Jong-il fotografieren, sondern auch vereinzelte Blicke auf den kommunistischen Alltag erhaschen. Kubotas humanistische Einstellung, der Respekt vor seinen Motiven, ist tief geprägt von seinen Kindheitserfahrungen im von Zerstörung und Mangel gezeichneten Japan der Kriegsjahre. Nie, schwor er sich, würde er zum Kriegsfotografen auf der Jagd nach dem spektakulären Bild werden.

KUNST.INVESTOR Fotomuseum WestLicht

Griechisch-orthodoxe Christen, Altstadt, Jerusalem, 1970 ÂŠ Hiroji Kubota/Magnum Photos

KUNST.INVESTOR Fotomuseum WestLicht

Okinawa, Japan, 1969, © Hiroji Kubota/Magnum Photos

1975 fand er sich freilich trotzdem am Brennpunkt des Weltgeschehens wieder und war einer der letzten ausländischen Fotografen, die vor der Eroberung Saigons durch die Nordvietnamesische Armee aus der Stadt ausgeflogen wurde. Von Magnum wurde Kubota gleichsam adoptiert. Auf Empfehlung eines Freundes begleitete er die Agentur-Fotografen Elliott Erwitt, Bruce Glinn und René Burri bei einem Japan-Besuch 1961 als Fahrer und Übersetzer durch die Straßen von Tokyo. Als die drei ihn bezahlen wollten, lehnte er ab. Stattdessen bekam er Geschenke: von Burri eine Leica M3, von Erwitt die englische Ausgabe der damaligen Fotografenbibel von Magnum Gründer Henri Cartier-

Bresson – Images à la Sauvette / The Decisive Moment. Für Kubota auch persönlich ein einschneidender Augenblick, seine Karriere jedenfalls war von nun an vorgezeichnet. 1962, nach dem Abschluss seines Studiums zog es ihn in die USA, Erwitt holte ihn vom Flughafen ab und gemeinsam mit seinen Agenturkollegen unterstützte er den Neuankömmling in den ersten Jahren. 1965 wurde Kubota freier Fotograf, sechs Jahre später war er selbst Mitglied von Magnum. [Fotomuseum WestLicht. Ausstellungsdauer: 03. März bis 22.05.2016 – Foto: © WestLicht]

KUNST.INVESTOR Fotomuseum WestLicht

Marsch auf Washington, Washington, D.C., 1963, ÂŠ Hiroji Kubota/Magnum Photos

KUNST.INVESTOR Fotomuseum WestLicht

Pjöngjang, Nordkorea, 1978, © Hiroji Kubota/ Magnum Photos

KUNST.INVESTOR Fotomuseum WestLicht

Kim Chaek Stahlwerke, Chongjin, Nordkorea, 1986, ÂŠ Hiroji Kubota/ Magnum Photos

KUNST.INVESTOR Galerie Gugging

Leopold Strobl, 2015, Ohne Titel, Bleistift

„lokomotiven unter grünem himmel“ in der Galerie Gugging Leopold Strobl und Leoš Wertheimer Leopold Strobl und Leoš Wertheimer sind hervorragende Zeichner, die ihre Gabe wohl nicht unterschiedlicher zu Papier bringen können. Während Strobl ausgewählte Ausschnitte aus Zeitungen flächig überzeichnet und das kleine Format bevorzugt, kann das Blatt Papier für Wertheimer nicht groß genug für seine detailverliebte Darstellung von Lokomotiven sein. Dieser scheinbare Gegensatz macht es aus, dass die Werke der beiden Künstler während dieser Ausstellung auf harmonische Art und Weise ergänzend zueinander finden und ein interessantes „Ganzes“ ergeben. „lokomotiven unter grünem himmel“ - Strobl & Wertheimer zeigt einmal mehr die Vielfalt, Einzigartigkeit, aber auch das Magische künstlerischer Ausdrucksweisen auf und ebenso feine wie großartige Zeichnungen, wie sie gegensätzlicher und doch ähnlicher nicht sein könnten: in der Emotionalität des Erschaffens und in den Gefühlen, die sie beim Betrachter auslösen….Ruhe, Frieden - und nicht zu vergessen: Freude!

Leopold Strobl (*1960 in Mistelbach, NÖ) ist seit seiner Gymnasialzeit künstlerisch tätig. Seit über 35 Jahren widmet er sich ausschließlich der Kunst. Leopold Strobl ist verheiratet und lebt in Poysdorf und Kritzendorf. Er ist seit 12 Jahren zu Gast im offenen Atelier Gugging. Hat er ein Motiv ausgewählt, so widmet er sich zuerst den schwarzen Flächen, dann wird der Himmel grün gefärbt und abschließend wird der Rand betont. Das überarbeitete Zeitungsblatt klebt er dann vorsichtig auf ein Zeichenpapier und signiert auf der Rückseite mit Bleistift und eigener Symbolik. Die Signatur besteht aus seinem Namen und einem Herz, in dem sich ein Kreuz mit Strahlen befindet. Diese Symbole sind für Leopold Strobl, der ein gläubiger Mensch ist, sehr wichtig. Titel haben seine Werke nicht - das Werk steht und spricht für sich. Für ihn ist seine Kunst auch ein Kommunikationsmittel, durch das er das ausdrücken kann, was ihm wichtig ist: Ruhe, Tiefe und Frieden. Leopold Strobl ist sehr dankbar für seine Gabe, sein Talent; er freut sich, seinem künstlerischen Drang

KUNST.INVESTOR Galerie Gugging

Leoš Wertheimer, undatiert, Skandinávské železnice, Lokomotiva č. 1163 - Finsko, opus: 201, parni lokomotiva CC 50, Bleistifte, Farbstifte

Leoš Wertheimer, undatiert, Železnice Jižini Ameriky Kolumbie, Ekvádor. Lokomotivařady 6, opus: 178, parni lokomotiva CC 50, Bleistift

Leoš Wertheimer, undatiert, Železnice U.S.A.,ŕada 2680, spol. Northern Pacific, opus: 250, parni lokomotiva CC 50, Bleistift, Farbstifte

KUNST.INVESTOR Galerie Gugging

Leopold Strobl, 2015, Ohne Titel, Bleistift

KUNST.INVESTOR Galerie Gugging

Leoš Wertheimer, undatiert/undated, Holandská parni lokomotiva CC 50 opus: č 443, Bleistift

nachgeben zu können, und über die Gespräche, die dadurch entstehen. Seine Werke zu betrachten hat meditativen Charakter ... man kann sich in ihnen verlieren und wiederfinden. Sie strahlen die Bedächtigkeit des Schöpfers aus und vermitteln dem Betrachter durch die klaren Linien und Formen eine Art Orientierung, die schwer beschrieben werden kann. „Ich komme mir manchmal ein bisschen fremd vor ... irgendwie nicht von dieser Welt“, sagt Leopold Strobl, und über die Arbeiten von Leoš Wertheimer sagt er: „ Er ist technisch sehr begabt und verwendet ganz andere Farben als ich.“ Leoš Wertheimer (*1956 in Prerov, Tschechien) ist seit seinem 5. Lebensjahr fasziniert von Autos und Zügen und sie sind auch definitiv sein Haupt- und damit Lieblingsthema. Er begann 1997 auf ganz einfachem Einpackpapier Lokomotiven zu zeichnen. Seitdem hat er über 600 Lokomotiven gezeichnet und jede Einzelne gibt es auch wirklich, wobei er sagt, dass er keine Einzige auch nur zweimal gezeichnet hätte. Seit 2001 werden seine Arbeiten ausgestellt und für öffentliche und private Sammlungen angekauft. Leos Wertheimer

lebt in Olomouc. Er verwendet ein einfaches Packpapier für seine großformatigen Werke, die er auf die von ihm gewünschte Länge zuschneidet. Er weiß alles über die Lokomotiven, die er zeichnet, und so gibt es auf jedem Blatt, das er mit Blei- und Farbstiften ausführt, auch die genauen technischen Daten nachzulesen. Die Nummerierung der Zeichnungen ist durch die Zahl des jeweiligen „opus“ gegeben. Wertheimer spielt mit den Buchstaben und malt über die Lokomotive deren Namen und die Bahnlinie, auf der sie fährt. So liest man z. B.: „Skandinavische zeleznice, Lokomotiva c 1163 - Finsko“ oder „ Zeleznice U.S.A., staty Kalifornice + Washington, spol. Atchison, Topeka and Santa Fe, p. lok tridy 2900“. Immer wieder bezog er die Umgebung der Lokomotiven mit ein und zeichnete die Bahnhöfe, und nachdem er die technischen Daten angegeben hatte, hat er auf dem Werk auch festgehalten, wie viel Zeit es in Anspruch nahm, es zu verfertigen. Das hat er mit dem Gugginger Künstler Johann Fischer gemeinsam. [ Galerie Gugging, Ausstellungsdauer: 3. März bis 6. Mai 2016 - Foto: © Courtesy Galerie Gugging]

KUNST.INVESTOR Galerie Gugging

Leopold Strobl, 2015, Ohne Titel, Bleistift, Farbstifte

Leopold Strobl, 2014, Ohne Titel, Bleistift, Farbstifte

KUNST.INVESTOR Galerie Gugging

Leopold Strobl, 2015, Ohne Titel, Bleistift, Farbstifte

KUNST.INVESTOR Albertina

Marc Chagall, Der Spaziergang, 1917-1918

Die Russischen Avantgarden - Chagall bis Malewitsch Die Russische Avantgarde zählt zu den vielseitigsten und radikalsten Kapiteln der Moderne. Zu keinem anderen Zeitpunkt der Kunstgeschichte werden Schulen und Künstlervereinigungen mit so atemloser Hast gegründet wie in Russland zwischen 1910 und 1920. Jede Gruppe ist ein Programm, jedes Programm eine Kampfansage - an die Vergangenheit wie auch an die konkurrierende Gegenwart.

Die Albertina widmet der Vielfalt der Kunst dieser Epoche eine großangelegte Schau: 130 Meisterwerke von Michail Larionow, Natalia Gontcharowa, Kasimir Malewitsch, Wassily Kandinsky oder Marc Chagall illustrieren die grund-verschiedenen Stile, ihre dynamische Entwicklung vom Primitivismus über KuboFuturismus bis zum Suprematismus sowie die zeitlichen Parallelen von gegenständlichem Expressionismus und reiner Abstraktion. In elf Kapiteln zeichnet Chagall bis Malewitsch die kurze Epoche der russischen Avantgarde als sich zuspitzendes Drama der Vielfalt einander diametral gegenüberstehender Avantgarden nach. Die visuellen Spannungen dieser heroischen

Phase russischer Kunst dabei sicht- und erlebbar zu machen ist das erklärte Ziel der Ausstellung. Die russische Avantgarde geht mit einer Erneuerung in allen Bereichen der Kunst einher. Die KünstlerInnen schöpfen aus unterschiedlichen und zum Teil konträren Inhalten und Anregungen: Einerseits dient die moderne westeuropäische Avantgarde als Orientierungs-punkt, die mit Van Gogh, Matisse, Picasso und Braque in Paris so revolutionäre Ausdrucksformen wie den Fauvismus und Kubismus hervorbringt. Auf der anderen Seite sind die russischen KünstlerInnen ebenso um den Bezug zur folkloristischen Bildtradition ihrer Heimat bemüht.

KUNST.INVESTOR Albertina

Kazimir Malewitsch, Mädchen im Feld, 1928-1929

Natalia Gontscharowa, Die blaue Kuh, 1911

Wassilij Kandinsky, Auf Weiß I, 1920

Kus’ma Petrow-Wodkin, Phantasie, 1925

KUNST.INVESTOR Albertina

Natan Altman, Porträt der Dichterin Anna Achmatowa, 1915

Seien es die Forderungen nach reiner Malerei und Abstraktion des Suprematismus (Kasimir Malewitsch, Iwan Kljun, Olga Rosanowa) und des Konstruktivismus (El Lissitzky, Alexander Rodtschenko) oder die scheinbar traditionelleren Formen der Gegenständlichkeit (Marc Chagall, Boris Grigorjew, Pawel Filonow) – ihnen allen gemeinsam ist das Ziel, sich von der Vergangenheit zu lösen: die VertreterInnen der einen Richtung durch deren radikale Negierung, die der anderen im Rückgriff darauf. Alle KünstlerInnen dieser Epoche vereint der Wunsch einer Synthese von westeuropäischer Moderne und osteuropäisch Volkstümlichem. Eine Reihe souveräner, sich dynamisch entwickelnder Kunstströmungen entsteht: Neoprimitivismus, Rayonismus, Kubofuturismus, Suprematismus und Konstruktivismus, die schließlich unter dem stalinistischen Regime erstickt oder in einen ideologisierten Sozialistischen Realismus gezwängt werden. Chagall bis Malewitsch illustriert diese erstaunliche Vielfalt unterschiedlicher, doch gleichzeitig existierender Stilrichtungen, Formensprachen und Theorien unter Zuhilfenahme der vom deutschen Philosophen Ernst Bloch formulierten Begrifflichkeit der Gleichzeitigkeit des Ungleichzeitigen. Radikale Brüche lassen sich sowohl innerhalb jener Generation und der entstehenden Künstlergruppen als auch innerhalb ein

und desselben Künstlerœuvres feststellen. Die visuelle Konfrontation entgegengesetzter künstlerischer Prinzipien und das Sichtbarmachen stilistischer Sprünge einander ablösender und sich bekämpfender Ismen ist dabei ein wichtiges Prinzip der Ausstellung. Ebenso thematisiert wird die spannungsreiche und kontroverse Unterrichtstätigkeit zweier zentraler Figuren der russischen Avantgarde – Chagall und Malewitsch – an der Kunstschule von Witebsk. Die Fronten der verschiedenen Avantgarden liegen weit auseinander oder bekämpfen sich gegenseitig, sodass am Ende einige der wichtigsten Künstleremigrationen in den Westen wie jene Wassily Kandinskys oder Marc Chagalls vor allem der Verdrängung durch andere, feindlich gesinnte Avantgarden geschuldet sind: Kandinsky muss dem Konstruktivismus Rodtschenkos weichen; Chagall muss das Feld Lissitzky und Malewitsch überlassen, die er erst kurz zuvor an die von ihm geleitete Kunstschule berufen hat. Malewitschs radikale Abstraktion lässt keinen Raum für Chagalls poetische Variante der Avantgarde. Und doch hat keiner wie Chagall die komplexe Vielfalt einer Künstlerexistenz in sich vereint: ein Dasein zwischen der westeuropäischen Moderne und dem russischen Schtetl, zwischen christlicher Welt, naiver Volkskunst und Judentum. [Albertina, Ausstellungsdauer bis 26. Juni 2016 – Foto: © Albertina]

KUNST.INVESTOR Albertina

Marc Chagall, Jude in Rot, 1915

KUNST.INVESTOR Albertina

Boris Grigorjew, Portr채t des Theaterregisseurs Wsewolod Meyerhold, 1916

KUNST.INVESTOR Albertina

Kazimir Malewitsch, Vervollkommnetes Portrait von Iwan Kljun, 1913

KUNST.INVESTOR MUMOK

Rudolf Schwarzkogler - „dritte Aktion Sommer Mai 1965, Leihgabe der Österreichischen Ludwig-Stiftung - © Österreichische Ludwig-Stiftung

Richar Gerstl - Slbstbildnis mit Palette 1908 - Leopold Museum Privatstiftung Photo: Leopold Museum

KUNST.INVESTOR MUMOK

Oskar Kokoschka - Stillleben Hamel und Hyazinthe 1910, Österreichische Galerie Belvedere

Ankauf Oskar Reichel/acquisition Oskar Reichel, 1922 © Bildrecht Wien, 2016

Körper, Psyche & Tabu Wiener Aktionismus und die frühe Wiener Moderne Mit dieser Schau wirft das MUMOK einen frischen Blick auf einen seiner Sammlungsschwerpunkte, den Wiener Aktionismus, und setzt diesen in Bezug zu seinen nicht minder radikalen Vorläuferpositionen im eigenen Land. Zahlreiche österreichische Museen und Sammlungen unterstützen das Projekt mit großzügigen Leihgaben und ermöglichen die Zusammenkunft von KünstlerInnen der Jahrhundertwende mit den Wiener Aktionisten: Die Spannbreite reicht von Inkunabeln der Jahrhundertwende aus dem benachbarten Leopold Museum über die großzügige Unterstützung mit Arbeiten aus der Albertina, dem Belvedere und dem Österreichischen Theatermuseum, dessen berühmte Nuda Veritas (1899) von Gustav Klimt zu sehen sein wird, bis hin zu bedeutenden Ergänzungen aus dem Wien Museum sowie dem an der Universität für angewandte Kunst Wien beheimateten Kokoschka-Archiv, der Sammlung Friedrichshof und weiteren Leihgaben aus österreichischem Privatbesitz. Mit Körper, Psyche und Tabu als zentralen, titelgebenden Begriffen verdeutlicht die Präsentation ideengeschichtliche, inhaltliche und gestalterische Zusammenhänge zwischen dem Wiener Aktionismus und den künstlerischen Entwicklungen zu Beginn des 20. Jahrhunderts. Werken von Günter Brus, Otto Muehl, Hermann Nitsch und Rudolf Schwarzkogler, den Skandalkünstlern der 1960er-Jahre, werden Arbeiten ihrer ebenfalls umstrittenen Kollegen vom Jahrhundertanfang – von Gustav Klimt über Richard Gerstl und Oskar Kokoschka bis zu Koloman Moser, Max Oppenheimer und Egon Schiele – gegenübergestellt. [MUMOK, Ausstellungsdauer: 4. März bis 16. Mai 2016 - Foto © MUMOK]

Grand Bohemian Limited Edition by Kessler Die Bösendorfer neueste Flügelkreation beruht auf der Zusammenarbeit von Franco Castelluccio, einem international renommierten Künstler, und Richard Kessler, Eigentümer der mehrfach ausgezeichneten „Grand Bohemian Boutique Hotels“ und leidenschaftlicher Kunstsammler. Verbunden durch die Liebe zum Detail entstand ein ästhetisches wie auch musikalisches Gesamtkunstwerk. Das Design des Modells „Grand Bohemian“ wurde inspiriert von einem Gemälde aus der persönlichen Sammlung Kesslers - das Gemälde eines Pfaus - und seiner Sammlung an Bronzeskulpturen. Fasziniert von der Schönheit und Eleganz des Pfaus und angeregt von seinen Skulpturen, Bronzegussteile als Trägermaterial zu verwenden, kultivierte Kessler beide Themen zu diesem eleganten Design. Tiere des Waldes verzieren den Bronzeguss-Sockel aus Ästen; ein majestätischer Pfau mit ausgebreiteten Federn präsentiert sich als Notenpult. Die im Bereich des Resonanzbodens integrierte LED-Beleuchtung taucht das Instrument in ein jenseitiges Leuchten. Der Rahmen, Deckel- und Umlaufkante sind mit 23-Karat Dukatendoppelgold überzogen. In feurigem Rot zeigen sich die Innenseite des Deckels, Innenwand und äußere Umlaufkanten – ein Flügel einzigartig in Eleganz und Opulenz. Dieses einzigartige Gesamtkunstwerk ist eine auf neun Instrumente weltweit limitierte Edition. Der Begriff des "Bohemien" definiert einen unkonventionellen Lebensstil und genau so könnte man Richard C. Kessler, Hotelier und Kunstsammler, beschreiben. In seinen mehrfach ausgezeichneten Boutique Hotels ist sein „Bohemien-Stil“ omnipräsent. Seinen Gästen bietet er mit themenbezogenen Hotels ein unvergessliches Kunst- und Kulturerlebnis. Jedes Hotel ist gefüllt mit Original Skulpturen, Gemälden, Glaskunst und zeitgenössischem Schmuck von national und international renommierten Künstlern. Kunst und Musik sind wiederkehrende Themen in all seinen Geschäftsbereichen. Für Kessler ist der Bösendorfer das Premiuminstrument der heutigen Zeit. „Ich wollte diesem Instrument meine Ehre erweisen in dem ich ein Kunstwerk daraus mache.“

KUNST.INVESTOR Bank Austria Kunstforum

Balthus, Die Straße I, 1929, Öl auf Leinwand, 130 x 162 cm, Privatbesitz © Balthus 2016

Balthus Balthasar Klossowski de Rola Erstmals in Österreich präsentiert das Bank Austria Kunstforum Wien eine Retrospektive zum Werk von Balthasar Klossowski de Rola (1908–2011), genannt „Balthus“, einem der großen Einzelgänger unter den Malerfiguren des 20. Jahrhunderts. Die Ausstellung beleuchtet Balthus’ Werk von seiner frühen Auseinandersetzung mit dem Quattrocento über seine Arbeiten im Umkreis von Surrealismus und neuer Sachlichkeit zwischen Frankreich, dem deutschsprachigen Raum und Italien bis hin zu seiner Beschäftigung mit Ostasiatischer Kunst. Balthus, der die Gegenständlichkeit nie in Frage gestellt hat pflegt abseits der Entwicklung aller Avantgarden seinen eigenen Stil der „anderen Moderne“. Sein Œuvre ist durch das intellektuelle und vielsprachige Ambiente geprägt, in dem er aufwächst: Rainer Maria Rilke ist sein Mentor, Sturmhöhe von Emily Brontë beschäftigt ihn genauso wie die Welt von Lewis Carrolls Alice im Wunderland. Er pflegt Freundschaften mit Antonin Artaud und Alberto Giacometti – in späten Jahren auch mit David Bowie oder Bono. Sein Bruder Pierre Klossowski, Sekretär André Gides, ist Übersetzer von Friedrich Hölderlin und Walter Benjamin, seine Auseinandersetzung mit De Sade äußert sich in

mehreren Schriften. Innerhalb von Balthus’ durchgehend strukturierter und keinerlei expressive Elemente zulassender Malerei gilt es, die geheimnisvolle, archaische und auch unheimliche Aura seiner Bilder zu erkunden, Welten zu erforschen, die die Phantasie unserer Kindheit hervorrufen – und auch einer gewissen Grausamkeit nicht entbehren. Dieser Beurteilung Balthus’ als Künstler abseits der Normen spürt die Ausstellung des Kunstforums nach: Balthus, der mittels subtiler Nuancen eine erstarrte, hintergründige Harmonie herstellt, so wie er selber formuliert: „Ich habe immer das Bedürfnis das Außergewöhnliche im Gewöhnlichen zu suchen; vorzuschlagen, nicht zu bestimmen, immer etwas Rätselhaftes in meinen Bildern zu belassen.“ Die Unterstützung der Familie des Künstlers sowie Leihgaben aus internationalen Sammlungen – Centre Pompidou, musée national d’art moderne , Paris, The Art Institute of Chicago, Tate London, The Metropolitan Museum of Art, New York – unterstreichen die Bedeutung dieses Projektes. [Foto: © Bank Austria Kunstforum. Ausstellungsdauer: 24. Februar bis 19. Juni .2016]

KUNST.INVESTOR Bank Austria Kunstforum

Balthus, Der König der Katzen, 1935, Öl auf Leinwand, 71 x 48 cm, Musée Jenisch, Vevey, Fondation Balthus © Foto: MONDADORI PORTFOLIO/Bridgeman Images (Photo Lefevre Fine Art Ltd., London) © Balthus 2016

KUNST.INVESTOR Bank Austria Kunstforum

Balthus, Die Kinder Blanchard, 1937, Öl auf Leinwand, 125 x 130 cm, Musée national Picasso, Paris © Foto: MONDADORI PORTFOLIO/Leemage/Paris, Musée Picasso/Photo Josse © Balthus 2016

KUNST.INVESTOR Bank Austria Kunstforum

Balthus, Das Patience-Spiel, 1943, ﾃ僕 auf Leinwand, 161,3 x 163,5 cm The Art Institute of Chicago Joseph Winterbotham Collection ﾂｩ Foto: MONDADORI PORTFOLIO/AKG Images ﾂｩ Balthus 2016

KUNST.INVESTOR 21er Haus

Ausstellungsansicht "Abstract Loop Austria" Foto: © Belvedere, Wien

Abstract Loop Austria Innerhalb der Rezeption österreichischer Kunst des 20. Jahrhunderts führt die konstruktive, konkrete Kunst der Nachkriegszeit – eine entscheidende internationale Tendenz – „ein erbärmliches Schattendasein“ (Dieter Ronte). Dabei zeigten sich gerade in Österreich vielseitige Ausgangs- und Anknüpfungspunkte wie beispielsweise Kinetismus, Op-Art, Konkrete, Konzept- und Computerkunst.

Ab Jänner präsentiert das 21er Haus. Museum für zeitgenössische Kunst in einer Gruppenausstellung Werke von vier österreichischen Künstlern: Marc Adrian, Richard Kriesche, Helga Philipp und Gerwald Rockenschaub. Grundlegend für die konstruktive, konkrete Kunst der Nachkriegszeit in Österreich waren die radikalen Ideen des Aufbruchs in die Moderne (Wiener Kreis, Zwölftonmusik), eine Abkehr von den figurativen Tendenzen des österreichischen Expressionismus und die generelle Idee eines Neuanfangs nach dem Ende des Zweiten Weltkriegs. Die Entwicklung der konstruktiven, konkreten Kunst in

Österreich vollzog sich u. a. im internationalen Kontext der Künstlerbewegung Neue Tendenzen in Zagreb, die zwischen 1961 und 1973 wegweisende Zusammenkünfte und Ausstellungen organisierte, an denen Adrian, Kriesche und Philipp teilnahmen. Im Jahr 1967 fand dann auf Initiative von Werner Hofmann die wegweisende internationale Ausstellung Kinetika im heutigen 21er Haus statt. Im Mittelpunkt der Ausstellung stehen mit Adrian, Kriesche und Philipp die Anfänge der konstruktiven, konkreten Kunst bzw. der Op-Art in Österreich.

KUNST.INVESTOR 21er Haus

Marc Adrian, Sprungperspektive, 1953 Privatsammlung, Foto: © Cornelia Cabu

Inhaltlich rücken die Frage nach einer (neuen) Rolle des Betrachters und seiner Wahrnehmung sowie die Untersuchung der Beschaffenheiten der Oberflächen und Strukturen von Kunstwerken in den Mittelpunkt. Unter postmodernen Vorzeichen in der Neo-GeoBewegung der 1980er-Jahre in Wien – hier von Gerwald Rockenschaub – wurden diese Fragen wieder aufgegriffen. Dabei zeigt sich, wie das gemeinsame Interesse an neuen gestalterischen Elementen und Ideen wie Bewegung, Zeit, Strukturen und Wahrnehmungs- bzw. Rezeptionsbedingungen zu ganz

unterschiedlichen künstlerischen Strategien geführt hat – bis heute. „Die vier österreichischen Positionen Adrian, Kriesche, Philipp und Rockenschaub stehen im Mittelpunkt der Ausstellung, werden aber mit einzelnen Arbeiten folgender Künstler in einem internationalen Kontext präsentiert: Josef Albers, Getulio Alviani, Marina Apollonio, Hartmut Böhm, Dadamaino, Kurt Kren, Richard Paul Lohse, Gerold Miller, François Morellet, Uli Pohl , Jorrit Tornquist und Ludwig Wilding.“ [Foto: © 21er Haus – Ausstellungsdauer bis 29 Mai 2016]

KUNST.INVESTOR 21er Haus

Helga Philipp, Ohne Titel, 1972 Nachlass Helga Philipp, Foto: ÂŠ Thomas Freiler

Richard Kriesche, Stadien eines Themas, vor 1967 Artothek des Bundes, Foto: ÂŠ Belvedere, Wien

KUNST.INVESTOR 21er Haus

Helga Philipp, Ohne Titel, 1972 Nachlass Helga Philipp, Foto: © Thomas Freiler

Gerwald Rockenschaub, Farbfolie auf Alucore, Aluminiumrahmen, 1999 Sammlung Sigrid und Franz Wojda, Foto: © Lisa Rast