LaCarne Magazine N127

Félix Martín

uno de los mejores guitarristas del mundo

EXPERIENCIAs: Horteralia - Wintergatan - Therion

investigacióN: Lo mejor de la música extremeña 2022

ENTREVISTAs: Alahia - susana raya - tropic vibration - los males del mundo - subvertor - nila medina - armadura

experiencias

06 Horteralia 2022, éxito rotundo en su última edición

10 Wintergatan, descubriendo la música Folktrónica

12 Therion da comienzo a su gira Leviathan Tour 2023

investigación

18 Los 40 Carnívoros, lo mejor de la música extremeña 2022 entrevistas

32 Alahia, Fluyendo como el Humo

28 Félix Martín

38 Susana Raya, una músico de largo recorrido hecha a sí misma

46 Tropic Vibration, un viaje atemporal a través del Reggae Roots

52 Los Males Del Mundo, sonido y actitud Black Metal

58 Subvertor, 33 años de intenso Death Metal

64 Nila Medina, el verso y la rima venezolana

68 Armadura, de Bolivia al Mundo entero

uno de los mejores guitarristas del mundo

jefa de redacción y contenidos

S. Plata

Diseño, maquetación y edición

Pedro Gallardo

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Colaboradores

alfonseka, eva maría aroca, Jorge Ares, Omar Vega

EXPERIENCIAS

Horteralia 2022 éxito rotundo en su última edición

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Ha llegado la Navidad, las luces parpadeantes, los suéteres llamativos, los gorros de colores, o no. Espera, para mí que se han cruzado cosas. Esto es Horteralia. Estaba confundido porque creo que es la primera vez que coincide el encendido de luces con el brilli brilli de cantidad de horteras que disfrutan de su día, de su festival por antonomasia: HORTERALIA.

Crónica de Horteralia 2022 – Éxito rotundo en su última edición

Comenzamos en la pre fiesta del viernes. Desde las seis de la tarde se podía uno engalanar comprando ropa y complementos en el mercado kitsch en Caballerizas. Se veía a estas horas un ambiente normal de gente disfrutando del tardeo, pero a medida que pasaba la tarde se empezaron a ver algunos modelitos, empezando por los Dj, que a eso de las nueve empezaron a horterizar la tarde.

Supersexy Sound System fue dándole el ambiente que se merecía esta pre fiesta. Este año desde el balcón estuvieron hasta las dos de la mañana animando, con el pequeño inciso con la actuación de drags voguing show, que mostraron su exuberante espectáculo con bailes y canciones.

Llegamos al gran día. Nos acicalamos de nuevo para no perdernos ni una pizca de festival. Y empezamos con Malena, que bajó de su carroza de orgullo de pueblo para cantarnos sus temas y darnos la bienvenida al Horteralia 2022.

No es la primera vez que Malena hace de pregonera. Cuando acabó, mientras se preparaban los siguientes artistas, nos pudimos dar una vuelta por todo el recinto, donde había food truck, mercadillo, y la carroza a disposición del público.

Nos adentramos de nuevo, esta vez a reirnos con la selección de ganadores de hortevisión, con Dj Coke Bermejo en los platos y de presentador. Una serie de actuaciones donde el baile chorra y los disfraces nos hicieron sentir como si estuviésemos en un eurovisión de serie b.

Justo después nos bajamos a las pista, donde pudimos reír con los Zapatos Veloz con nueva formación y con mucho sentido del humor: el «pechito depilado» (Ser Gordito Es Guay), el «chulito de Instagram» (Pon Morritos, Malandro, Mandanga Style..), (Libérate, Pluma Gay…), (Se Me Va La Olla, Vamos p’al Lidl…) o incluso su nueva canción de apoyo a la selección española, que tiemble Shakira. Todo ello con cambio de vestuario cual Pantoja. En

el back stage pudimos hablar con ellos y nos contaron todos los entresijos de su espectáculo. Muy enrollados, la verdad.

Después vinieron La Década Prodigiosa, formación renovada, aunque todavía mantiene a algunos de los últimos colaboradores de la banda original (como su actual propietario, con orígenes extremeños, Javier Enzo).

Nos hicieron pasar un buen rato haciendo versiones de las últimas décadas, y haciéndonos bailar con su Made in Spain que nos representó en tiempos en Eurovisión. Los cuatro tienen una trayectoria profesional de renombre, siendo bailarines, coreógrafos, cantantes, y han participando en musicales, y participando en programas de televisión. Y, en el escenario, esto se nota mucho. Hablamos con ellos y fueron encantadores.

Una vez más en Horteralia, la actuación de Ku fue intensa, pero nos quedamos con un poco la miel en la boca al ser una actuación con poca duración. Su ya exitísimo Quiero bailar toda la

noche nos hizo bailar intensamente.

Melody también pasó por el Horteralia, y poco queda ya de la niña del baile del gorila. Eso sí, sus tablas se le nota. Cómo llena el escenario ella sola! Acompañada de un batería que lleva años con ella y un corista, no le hizo falta nada más para llenar un escenario que se le hacía chico. Anima, baila, corre, salta y grita, siempre acompañada de ritmos del baterista de 33 años (un crack, y muy buena gente).

Haciendo canciones suyas y de otras épocas, animó a todo el público hortera. Salió con un vestido azul que quedó en bañador a mitad de concierto, sin tapujos y sin vergüenza. Se movía como un terremoto. Rumbas, música disco, el baile del gorila (que dijo no haberlo olvidado), todo lo que cantó fue sin silencios, sin parar. Luego tuvo la Santa paciencia de hacerse fotos con todos los que estábamos por allí.

Varry Brava y su piano volador dieron un conciertazo en Hortelaria como era de esperar, con todos sus músicos. Varry Brava nos recor-

dó que tienen dos discazos de musica bailable, y su último éxito, Raffaela, con el que se presentaron a la previa de Eurovisión.

Una hora y cuarto de grandes canciones como La ruta del amor, Hortera, Mi mejor momento, de sus discos Furor, Hortera y Safari emocional. Momentos estelares que tiene el teclista (todo un espectáculo) tocando un teclado suspendido en el aire. Era el grupo indie que siempre acompaña todos los Horteralias gracias al gusto de sus organizadores, y que por cierto se agradece también.

Raúl se presentó en Horteralia solo, pero con muchas ganas de dar un concierto con sus canciones más famosas: Sueño su boca, Haciendo trampas y As de corazones. El de Vitoria no ha perdido las ganas ni la fuerza que lo hizo vender más de un millón de copias de sus tres primeros discos. La gente disfrutó de sus éxitos, sobre todo la de Sueño su boca, que hizo con algún bis.

Soraya hace poco tuvimos el gusto de presenciar su actuación en Olivenza. Tiene tal repertorio de canciones de diferentes épocas, que no repitió nada más que las canciones propias.

Aquí en Horteralia, Soraya se enfrascó en su maillot muy noventero, y nos deleitó con canciones de la época a modo de medley, a cual más marchosa y más bailable.

Ella no paró ni un segundo, ¡qué energía! y yo, que no soy muy de gimnasio, acabé reventado. Iba acompañado de dos bailarines, que incluso estos pararon en algún momento, cosa que Soraya no. ¿Sabéis lo que es una clase de CrossFit? Yo no, pero estoy seguro que Soraya se puede hacer dos o tres seguidas. En la previa del concierto estuvimos hablando con ella, y la verdad es que es súper simpática. Nos contó lo ocupada que estaba, pero que siempre tenía un ratito para visitar a su familia en Valencia de Alcántara.

Y por último, Petardj’s, que desde Cataluña amenizaron Horteralia entre conciertos, y tuvieron su última sesión más larga al final del festival. Su buen gusto musical y sus modelos adecuados a la situación nos hicieron pasarlo muy bien y divertirnos mucho.

Wintergatan descubriendo la música Folktrónica

na, siendo estos instrumentos como el bajo, la batería, platillos, y xilófono.

Hace ya un tiempo que tenía ganas de escribir este artículo, porque me parece que es algo que todo el mundo debería ver y escuchar en algún momento de sus vidas.

Sería por el año 2016 cuando escuché por primera vez a WINTERGATAN, una banda procedente de Gotemburgo, Suecia (qué raro yo hablando de música sueca, ¿verdad?). Formada por Martin Molin y Marcus Sjöberg (anteriormente miembros de la banda, Detektivbyrån). Posteriormente se unieron David y Evelina.

Wintergatan, descubriendo la música Folktrónica

Fue a través de YouTube cuando vi y me quedé alucinando con su canción Marble Machine, una bonita canción instrumental, tocada literalmente por una “Marble Machine”, una máquina con unas 2000 canicas, que, haciendo un recorrido, llegan a hacer sonar todos los instrumentos que componen la mencionada máqui-

Es un trabajo de ingeniería e innovación, que ha sido pensado y creado por Martin Molin a base de “ensayo y error”, como él mismo indica, pues él realmente no es ingeniero. Y es precisamente a través de su canal de YouTube donde podemos ver cómo ha hecho y deshecho la máquina unas cuantas veces hasta llegar a perfeccionarla, pues el objetivo es poder llevarla a los conciertos.

Martin, quien actualmente vive en la Provenza francesa, en una casa donde tiene un taller de lo más completo, incluyendo una máquina CNC (máquina de corte por láser) para poder trabajar en la Marble Machine, que, lejos del prototipo que podemos ver en el video, ahora ya no es de madera, sino que es de metal, e incluye hasta un depósito en el que van a caer las canicas para que éstas no estuvieran rodando por el suelo. Eso en un concierto no podía ser.

Como podéis ver, Martin ha invertido mucho tiempo y dinero en crear algo único, aunque la marble machine no es lo único que ha inventado. Sin lugar a dudas es un genio tanto de

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la música como de la ingeniería, siendo todo un cerebrito del cual, por supuesto, tenía que hablar.

Y creo que es de ese tipo de artistas que merecen más reconocimiento. ¿Os habéis planteado la complejidad de crear una “caja de música” gigante, con un patrón musical que las canicas siguen al pie de la letra? Quiero decir, años después aún sigo alucinando con esta creación.

Wintergantan, significa Vía Láctea en sueco

Wintergatan es una banda muy peculiar. Ellos mismos crean sus propios instrumentos, y yo personalmente siempre he dicho que hacen música para soñar. Su música es para escuchar bien con auriculares, y adentrarse en un auténtico viaje por el espacio, por la vía láctea, que es lo que significa el nombre de la banda.

Además de la preciosa melodía de la Marble Machine, tienen otras canciones realmente preciosas, como por ejemplo Sommarfågel, que la traducción viene a ser algo así como “pájaro de verano”, y por favor, tenéis que escuchar-

la. Esta canción a mí me abre la mente a un mundo de ilusión y motivación, donde todo es posible. Es una canción que te anima a seguir luchando por tus sueños.

Después de esta canción quedé totalmente enamorada de la música “folktrónica”, que es como ellos denominan su estilo. Como curiosidad del video, la animación y los dibujos también fueron creados por el gran Martin Molin

Para los amantes del sonido de un acordeón francés, tenemos la preciosa Västarnberg

También otra de mis favoritas, Paradis, siendo esta canción la más larga, y la que cierra su álbum debut, que fue en el año 2013, y, bueno, han pasado muchos años ya, aunque Martin no ha parado de trabajar, y, por supuesto, tienen mucha más música, pero me encantaría escuchar música nueva por parte de esta ingeniosa e innovadora banda.

Paradis es una canción muy emocional. Me encanta su música en parte por eso, porque todos sus temas son cortes instrumentales, no hacen palabras para expresar nada. Simplemente cierra los ojos, adéntrate en tu imaginación, en tus emociones, y disfruta. Eso es lo bueno, que como no hay letra, cada cual la puede interpretar a su manera. Paradis es muy especial para mí, y aunque sean catorce minutos de canción, no se me hace larga en absoluto.

En fin, espero que os haya gustado este artículo un poco diferente. No todo es música Metal en esta vida (risas). ¿Qué os ha parecido Wintergatan? ¿Conocías ya a la banda? A mí me encantan, tienen un sonido único y transmiten mucho. Me parece una música preciosa.

Therion da comienzo a su gira Leviathan Tour

ras, además de México entre el 25 de enero al 12 de febrero.

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Therion, la agrupación sueca de Metal Sinfónico, creada por su transcendental compositor Christofer Johnsson en 1987, nos trae su más reciente álbum Leviathan II en un show especial para el presente Tour, que visitará 6 países entre enero y febrero. Sin lugar a dudas, el mejor inicio del año por los amantes y seguidores del genuino Metal.

La banda está de gira con el Leviathan – Latin América 2023 Tour, que se inicia el 18 de enero en Buenos Aires de Argentina, 19 en Santiago de Chile, 21 en La Paz de Bolivia, 22 en Bogotá de Colombia, y 23 en Tegucigalpa de Hondu-

Therion, Leviathan Tour 2023

Los padres del Metal Sinfónico regresan a Bolivia -en especial-, después de casi una década, con un nuevo álbum y un show increíble. El disco ha sido lanzado por su sello Nuclear Blast Records el 28 de octubre del 2022, y forma parte de una trilogía que se cerrará con una futura tercera producción el 2023. Leviathan II nos entrega doce nuevas canciones que nos devuelven -casi en su totalidad- el sonido que ha caracterizado a Therion, y que te envuelven a viajar en esa mística que los identifica.

Alchemy of The Soul nos encantó, las dulces melodías en Lunar Coloured Fields hicieron rebozar en la magia musical que hermana a la

banda, Litany of The Fallen y esos coros femeninos que guían el Alma de la canción son brillantes. Precioso nivel, al mejor estilo de Therion, como en Pazuzu, perfectas combinaciones metálicas y sinfónicas.

Por estos lados del continente tenemos mucha dicha de ser parte de la agenda de Therion, que fueron anunciados por los organizadores FM Rock Producciones en nuestras tierras altiplánicas, confirmando el arribo de la banda hasta estas alturas del planeta Azul. La cita es el sábado 21 en el Salón Fantasio de La Paz, Bolivia. Será una fiesta metalera, sin lugar a dudas, esperando disfrutar del nuevo álbum por completo.

El anterior disco fue Leviathan, lanzado el 22 de enero de 2021 por Nuclear Blast Records. Para esta obra, el líder Christofer Johnsson

y su colaborador Thomas Vikström crearon algo que antes era impensable: “Hemos hecho lo único que quedaba por explorar de todos los diferentes ángulos”, explica Johnsson, “hemos decidido darle a la gente lo que seguían pidiendo. Leviathan es el primer álbum que hemos llenado deliberadamente con éxitos de Therion”, manifiesta el músico.

Una banda totalmente de culto, que presenta su nuevo material en formato de lujo, discos de colección en cassette, CD, vinilo, y que tienen llamativos diseños, al mejor estilo de los dioses del Metal. El merchandising es precioso, como tiene que ser.

Escuché desde muy joven la obra de Therion

El primer cassette que pude copiarme, cortesía de un conocido de aquellos tiempos, con los que te encuentras a intercambiar álbumes en cinta, fue Lepaka Kliffoth, allá por 1995, y desde entonces soy seguidor de la banda, disfrutando de su evolución hasta llegar a la gema Vovin en 1998, para mí el mejor de todos los tiempos.

Sigo alucinado con la nueva obra, tanto así que me recuerda, a momentos, a este exquisito disco de los 90’s. Mi alucine fue tanto, que los llegué a ver En Vivo y Directo en el Teatro Al Aire Libre de La Paz – Bolivia el año 2001. Y precisamente nos encantaron con sus canciones de aquellos tiempos.

El videoclip de Pazuzu, single promocional del Leviathan II, es espectacular, lleno de narrativas y misticismos que te hacen simplemente alucinar. La canción contiene unas poderosas voces invitadas del cantante de Eclipse, Erik Mårtensson. Y como bien lo dice su sello disquero: “Therion no se han quedado de brazos cruzados y continúan su épica trilogía Leviathan”.

Metal Sinfónico de altura

Leviathan II es la larga continuación a lo que comenzó con una cantante femenina y otra voz masculina emulando un coro de iglesia ya en su segundo álbum Beyond Sanctorum (1992). Con la sinfonía Masses: Ho Drakon Ho Megas (1993) y Lepaca Kliffoth (1995),

Johnsson continuó desarrollando su sonido característico al derivar progresivamente hacia voces más limpias y más teclados. Con Theli, los suecos habían establecido firmemente una popularidad de reivindicar los límites del Metal en los 90.

Recientemente pudimos observar en las redes sociales de Therion el Behind the scenes del recording session of Leviathan II con @hellscore.choir, una única y vívida experiencia de estar en el momento de producción. Muy linda manera de compartir con sus seguidores los procesos que llevan al mismo camino, la música y su realización. En lo personal, he disfrutado de temas como Codex Gigas, Cavern Cold As Ice, o Midnight Sky

En 1996 es lanzado Theli, destacando canciones como To Mega Therion (casi siempre incluida en las giras). Hasta entonces, sería su trabajo más experimental, combinando elementos sinfónicos orquestales con letras oscuras y místicas. Posteriormente al gran éxito alcanzado, arribaron varios trabajos discográficos en el género Sinfónico, que estimularon a la banda internacionalmente, como lo fueron Vovin, Crowning of Atlantis, Deggial, Secret of the Runes, entre otros. Uno de los álbumes más extraños de Therion, pero no menos célebre, fue Les Fleurs du Mal, iluminado por canciones Pop francesas (de los 60’s y 70’s).

FM Rock Producciones -desde Bolivia- se une a la misión Leviathan – Latin América 2023 Tour, ensamblando fuerzas con los colegas promotores internacionales. Se llevarán a cabo 5 fechas importantes en distintos países: Colombia, Argentina, Chile, Bolivia, Colombia, y Honduras. Así que vamos preparando la ansiada llegada para los padrinos del Metal Sinfónico. Posteriormente irrumpen México con 14 shows por todo el territorio azteca.

Therion continuó abriendo nuevos caminos dejando inspiración para que otros lo siguieran.

A’arab Zaraq – Lucid Dreaming (1997) exploró más a fondo el uso de la música de Oriente en el Metal, que ya había comenzado en 1992, en Secret Of The Runes (2001) se atrevieron a tener letras suecas en algunas canciones.

Mientras que los críticos se quedaron enredados y los fans afrontados, Therion a menudo se adelantó a sus tiempos y se reivindicó en retrospectiva. En 2018 estrenan la Ópera Rock Beloved Antichrist, inspirada en el filósofo ruso Vladimir Solovyov y su historia A Short Tale Of The Antichrist. Está diseminada en tres horas y tres minutos de duración, tres actos, 30 colaboraciones en voces operísticas y 46 temas.

En las redes sociales de Therion, el mentor y líder Christofer Johnsson nos oferta botellas promocionales de Leviathan II, fabricadas en colaboración con un pequeño productor local

de alcohol de la isla de Gozo – Malta, donde vive desde hace 3 años. Será un orgullo poder presenciar los shows de la gira, ya que en Europa solamente ofrecerán tres conciertos.

Leviathan lleva el nombre de un monstruo marino gigante del mito judeocristiano que tiene raíces en la tradición babilónica. Therion ha creado una obra de gran impacto, y, por primera vez en la historia de los suecos, a sus fans no se les pide que exploren algo nuevo, ¡sino que simplemente se pongan cómodos, y disfruten lo mejor de su banda!

¿Querías venir a ver a Therion tocar Leviathan

II? Bueno, todavía hay algunas opciones para ustedes. Van a dar un concierto en Atenas, al que pueden asistir, y también en Malta. Para los que no importa viajar un poco, tenemos una oferta genial. El 13 de enero brindan el inicio de conciertos de la gira Leviathan II, que consistirá en 2 shows en Europa, 1 en Asia y muchos en Latinoamérica (en especial en México).

La agrupación sueca Therion regresa a nuestras tierras americanas en el marco de su gira Leviathan II – Latin America 2023, presentando su último trabajo musical, además de sus más grandes éxitos. La banda respetada como pionera y una de las progenitoras del género, tiene sus evidentes inicios en el Death Metal con su álbum debut Of Darkness… (1991).

Therion se encuentra preparando material para completar la trilogía que verá la luz en 2023. Las letras fueron escritas, con excepciones, por Per Albinsson. El concepto de los discos está relacionado con historias mitológicas de diferentes culturas. Actualmente, Leviathan es el más flamante proyecto de la banda, y hace parte de una serie, donde la I y II ya fueron lanzadas en 2021 y 2022 correspondientemente.

La formación de la banda, durante su historia, ha tenido varias frecuencias y variantes. En la actualidad, los padrinos del Metal Sinfónico tienen como miembros oficiales al maestro (músico, místico y productor) Christofer Johnsson, junto a Lori Lewis, Christian Vidal y Thomas Vikstrom, y con la participación especial de Chiara Malvestiti y Rosalía Sairem.

Está por demás repetirles la invitación para la apasionante cruzada que pasará por este lado del planeta, donde Therion se enmarca en el tour Leviathan – Latin America 2023, girando desde la tercera semana de enero por Buenos Aires – Argentina (18), Santiago de Chile (19), La Paz – Bolivia (21), Bogotá – Colombia (22), Tegucigalpa – Honduras (23), y México (25 enero al 12 febrero). Que disfruten, y muchos éxitos para todos los presentes.

investigación

Los 40 Carnívoros

lo mejor de la música extremeña 2022

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Con el comienzo del año hacemos un repaso a lo mejor de la música extremeña en 2022. Tras recibir más de 90 propuestas, de las cuales sólo nos podemos quedar con 40, el nivel año tras año aumenta y nos hacéis cada vez más difícil la elección de los 40 artistas más destacados de Extremadura a nuestro parecer.

Los 40 Carnívoros, lo mejor de la música extremeña 2022

Agradecemos a las siguientes bandas que por diferentes medios sociales nos han hecho llegar sus canciones y discos.

Gracias a los amigos de:

Lady Jaque, Francis Lucas, Javato y los Disfrutones, Circo de Pulgas, José Vaquero, Pitera, Willy Wyllazo, Agresiva, Jorge Navarro, Puerta Oeste, Whisky Fuego, Deliranza, Mona Lisa, A tiro hecho, Maromaco, Jam Ramírez, Macarrónicos, OldnuBoyz, Marcus Valley, Hombre Tigre, Natacha, El Cid, X-Rated, Noxfilia, Evan, Lorkan & Dj Kast, Massive Stone, J.Vega, El Hábito, Leonardo A. Dantes, Abel Sánchez, Cochera Suite, Publio Virgilio y la Chusma, Frediel, Imperecedero, Raspu, Kuqui Alegre, D.A.

Vicky González, Agua, Lluvia, V.Rubio, Krazy Psz, Vendetta Squad, Kail, Uge Pitel, Lil Mago Tommy, LTB &Bvala, Mc Neyka, Lafercasi, Milleiro Dj, Whawhamole, Chillche-

ma, Mala Sangre, Miguel Ángel Gragera, Atlántida, Shara Pablos, Erizonte, Julien Elsie, Ladmiro, Celeste Montes, Hermana furia, Tocando techo, Desterraos, Prosav, Kaplan, Punkornio, Kalerizo, Paula Rubio, Scud Hero, Invic terror, Prensa Rosa, River Hakes, Jueves Negro.

Rudy Maerd, La Mendinga, Punkto en Boka, Txustazeo y su cerebelo ambulante, I am Jas, Kid Cala, Rui y la banda imposible, Sanguijuelas del Guadiana, Solaris, Aclara Folk, Subterráneos, La Banda de Peter Pan, Lua Gramer, Supertennis, Gameboyz, Nivel Freático, Sergio Cepeda, Trinky Boy, Ruiseñora, Niño Indigo, Bambikina, Senara, Ohbrava Sura, Humus jam, The Black Suited Ladies, Los Jacobos, Kalerizo, Deimler, Yago, Isayah Thomas, Kaxta, River Hakes, Monocabra e Integral Bread.

Destacamos que le damos más importancia a la creación audiovisual, por lo que hay artistas que, al no tener video musical, quedan descartados o formarán parte de las últimas posiciones.

Cabe señalar la presencia, y eso es indicativo de la buena salud de la música urbana, de gran cantidad de artistas que no solo invierten en la producción de discos, sino que también en la elaboración de videoclips para las redes sociales. Podríamos hacer casi un 40 carnívoros solo de raperos y mc’s de la escena extremeña, y, de hecho, haremos un especial el mes que viene.

Y sobre todo lo que más nos ha gustado han sido las colaboraciones. Hemos incluido varias porque el intercambio hace mejores canciones,

mejores músicos, y mejora nuestra cultura.

¿Empezamos con la lista de Los 40 Carnívoros? ¡Vamos!

Los 40 Carnívoros

YAGO feat CHOP CHOP Y LOS CHICOS DE SHOTERVILLE & EVIL MAN

Las 25, el cambio climático y la memoria. La naturaleza habla, avisa y recuerda. Nos lo transmiten tres pedazos de artistas unidos en un trabajo magistral que recuerda a Massive Attack, con guitarras melódicas que suenan a esperanza, a sueños, a vuelta a empezar, a sacrificio, a solidaridad y a esfuerzo colectivo, como el que representan estos músicos pacenses. Un homenaje a un barrio y a las víctimas de un desastre climático.

HERMANA FURIA

Los deseos que todo chaval quiere cumplir cuando coge una guitarra se transmiten en esta banda. Tienen energía, actitud, pinceladas de Electrónica, Groove, y además son extremeños. Rock con mayúsculas con aires de Psicodelia, que, partiendo del Stoner Rock, hacen guiños al Pop Electrónico, con una intensidad que no esconden. Dinamita pura para el top.

FÔNAL FEAT DUENDE RIVERO (MALA SANGRE REMIX)

Sentimos ser pesados, pero volvemos a otra megafusión. Inma González, la lideresa de Fônal, no solo acumula premios, sino también colaboraciones. Aquí se une con otro de nuestros preferidos, Mala Sangre, que junto a Duende Rivero (Paradise Key) y Alfonso (Burguim) nos dejan un temazo zapatillero. Inma está que no para. Lo mismo se casca un tema con Los Jacobos que un Rap. Va camino de ser musa.

LAFERCASI

Estamos ante una de las sorpresas del año. Patricia se mueve entre diferentes estilos de la música urbana: Rap, Dembow, House, R&B, Pop, Reggaetón o Flamenco. Una personalidad en la voz con una canción que va de menos a más, y que nos deja a medias pensando pero por qué no has seguido con más… La Bad Gyal del Guadiana tiene mucho de diva y gran

futuro musical por delante. Un temazo top y un ¡icono Pop!

LUA GRAMER

Los pacenses vuelven con más Pop y menos Shoegaze, pero sin perder esa electricidad que tantos les caracteriza. A la armonía vocal le siguen acompañando las guitarras elegantes y el minimalismo de los sintetizadores, para generar melodías más coloristas, dinámicas y sensibles.

J.VEGA

¿Y si os dijéramos que tenemos la reencarnación de los hermanos Gallagher en Montijo?

Pues sí, un nuevo disco de Rock británico, con chulería, con desgana, con esa personalidad tan peculiar que roza lo irreverente, que rebosa guitarras, a veces melódicas, a veces al más

puro estilo Shoegaze, con aires de Psicodelia. Desde Montijo tenemos una excentricidad bajo los mandos de Paco Loco

VRUBIO FEAT ROCÍO SÁNCHEZ & ENRI MILLER

La perfecta fusión de diferentes estilos como el flamenco, el Pop y el Hip Hop, bajo ritmos reggaetoneros desde Badajoz. Un temazo que refleja el buen estado de salud de la música urbana. Talento emergente de mucho nivel, que apuestan por contenidos audiovisuales de alta profesionalidad. El tándem formado por V.Rubio y Rocío Sánchez tiene mucho que darnos en un futuro.

HOMBRE TIGRE

La formación cacereña nos presenta en directo uno de los temas más preciosistas y bellos que

han elaborado. Emilio está sublime a la voz, y pese a ser un medio tiempo de corte melancólico, transmite al público sentimientos y sensaciones encantadoras y hermosas. Un proyecto en el que Carlos y Fermín han encontrado la perfecta horma de sus zapatos con Emilio, y que dure y nos sigan emocionando con sus letras.

TXUSTAZEO FEAT PUNKTO EN BOKA

Seguimos con las megafusiones. La importante de dos grupos punkis de gran arraigo con la provincial de Cáceres se unen para reivindicar el respeto por el medio ambiente, la naturaleza y la tierra. Eso es lo que denuncian en su clip. Dos formaciones enérgicas, auto gestionadas, movilizadas y divertidas.

SANGUIJUELAS DEL GUADIANA

Desde la Siberia Extremeña, unos chavales inspirados en la psicodelia y el Rock nos dan un clip que circula entre los DMBK y Extremoduro. Su propuesta es fresca, flamenca, rockera e ilusionante. Si los estudios, la emigración y otros factores permiten que el grupo siga, tenemos una de las bandas más interesantes del panorama extremeño.

JAVATO Y LOS DISFRUTONES

Los pacenses son unos maestros de la fusión y de las mezcla de culturas de su ciudad. Influencias del Flamenco, de la cultura ancestral y árabe de la ciudad, del carnaval, del cachondeo desde el punto de vista más psicodélico, de la Rumba ochentera. La progresión de la banda y su excelencia los convierte en imprescindibles en la música actual extremeña. Unos habituales de la lista.

UGE PITEL FEAT VRUBIO & KELONTHEBEAT

Un Trap desde Badajoz con conciencia de clase. Colaboración entre raperos cercanos a los barrios y a los problemas reales de la gente. Un estribillo pegadizo, bajo una producción notable. Nuevas generaciones, nuevos ritmos, nuevos estilos apostando por productos audiovisuales de gran nivel.

WILLY WYLAZO

El oliventino es el máximo responsable actual

de la cultura reggae de la región. Un artista que rebosa buen rollo, corazón y sensibilidad bajo los ritmos jamaicanos, que lo mismo nos canta por la salud mental o por la lucha cotidiana del día a día.

JULIEN ELSIE

See the lights es el video musical de Deux, trabajo del extremeño afincado en Euskadi, sacado en 2012 pero con publicación de su videoclip en 2022. Country Rock y Dark Folk que convence a crítica y público. Un sonido entre Johnny Cash y Lou Reed, desde los iniciales indies de Animal Crackers. Underground veterano que no podía faltar.

SOLARIS

La banda pacense está de vuelta con un segundo trabajo llamado Endimión. Brit Pop a medio camino entre décadas doradas del underground nacional. Con gran presencia de las guitarras, alternando la electricidad de las mismas con la melodía para transmitirnos melancolía.

SUBTERRÁNEOS

La formación pacense con J.Vega, Mónica Agudo y Julien Elsie al frente son unos maestros del Rock underground con pinceladas de Brit Pop, Folk americano o Garage, siempre acompañados de melodías eléctricas a cargo de sus maravillosas guitarras. Un trabajo que cuenta con la producción de Paco Loco y que forma parte de su álbum Nooze.

NIÑO INDIGO

De los mejores cantautores Folks e Indies de la región, tenemos al cacereño que siempre tiene una sensibilidad y una delicadeza en cada una de sus canciones que lo hacen imprescindible en nuestra lista. Preciosismo Pop bajo acordes acústicos, que nos evocan eternidad y belleza.

LA MENDINGA

Uno de los grandes grupos del Rock and Roll extremeño. Preparados con las chupas de cuero, las gafas de sol negras, los tatuajes endemoniados, esperándonos el local de carretera donde nos encontraremos cerveza en mano a una de las mejores bandas del estilo.

MACARRÓNICOS

El proyecto de Cira Fernández y Pedro Macarro nos presentaron un tema donde el Pop coge protagonismo con pinceladas de Folk. Mucho de canción de autor y unas letras cotidianas o costumbrismo musical de bella factura. Single del disco denominado Debut.

LADILLA RUSA FEAT LEONARDO A. & DIEGO COPPINGER

A Leonardo habría que darle la medalla de Extremadura. Su aportación a la cultura popular en todos los sentidos es fundamental en la historia post transición española. Un artista excepcional que no podía faltar en nuestra lista porque sabe reinventarse y codearse con la farándula musical. Un tipo con una trayectoria musical amplia que perdura con el paso de los años, convirtiéndolo más aún en leyenda. Aquí se codea con los catalanes de Ladilla Rusa

RUI DIAZ Y LA BANDA IMPOSIBLE

El nuevo trabajo de Rui Diaz y su banda nos recuerda a muchos artistas, como Vetusta Morla, Enric Montefusco o Xoel López. Rock de autor con influencias del Indie-Pop, sin olvidarnos de su esencia del Folk americano y el Blues, acompañado por letras bellas, melodías evocadoras, atmósferas pegadizas, y un trabajo madurado y realizado con esmero y calidez.

TRINKY BOY

El rapero de Almendralejo ya ha formado parte de la lista en años anteriores. Con un flow característico, nos presenta un tema sobre la salud mental, la supervivencia, sobre la toma de decisiones en la vida. Un track de corte melancólico, con unas rimas muy trabajadas de su álbum Epifanía95, y un clip de corte industrial realizado en LFDTV. Mucho talento.

LADY JAQUE

Seguimos en Almendralejo, pero esta vez con una formación. Un grupo que oscila en la delgada línea entre el Pop y Rock. Tema del disco Línea Transversal, de una letra pegadiza y un sentido más comercial de la música. Proyecto encabezado por Diego Sánchez tras haber pasado por formaciones como Sínkope. Si te gusta el Rock de M-Clan o Buenas Noches Rose, te gustará esta banda.

PUERTA OESTE

Los de Navalmoral de la Mata, con un patrón similar a la anterior banda. Rock/Pop clásico con mucha melodía y armonía en las guitarras. Un sonido amable y pegadizo acompañado de guitarras contundentes. Han formado parte de la B.S.O de la vuelta ciclista a Extremadura.

JAM RAMÍREZ feat ROCÍO GILGADO

El rapero de la Siberia extremeña se une a la cantante flamenca para, desde el old school y los quejíos, hacer un track diferente en su carrera, pero con alma y belleza propia y retazos de Pop. Mundos Paralelos es un binomio musical de dos artistas diferentes, como sus estilos, pero que siguen un mismo camino por senderos distintos.

IMPERECEDERO feat ISI (Kaxta)

La formación pacense son buenos amantes del Rock & Roll. Además, colaboran con el cantante de Kaxta para dejarnos un buen tema de Rock Urbano, Rock Castúo tan propio de la tierra que recuerda a grandes bandas como Sínkope o Extremoduro. Comprometidos con diversas causas y con gran contenido social en sus letras.

FREDIEL

El cacereño nos presenta un tema que nos recuerda a Residente. Flow propio acompañado de beats reggaetoneros, hip hoperos, Dancehall y Trap en su música. Con gran influencia latina en sus composiciones. Un maestro en poner patas arriba los escenarios que pisa, y amante de los bajos y graves.

VICKY GONZALEZ feat JORGE NAVARRO

A la batería de Los Niños de los Ojos Rojos la vemos en una faceta que no nos tiene acostumbrado. Es un proyecto musical intimista, donde el Folk Jazzy y las guitarras acústicas cogen protagonismo. Una todo terreno de la música que se rodea de otro gran artista, como es Jorge Navarro, para formar un binomio donde se miman las buenas letras, la elegancia y la cercanía.

RIVER HAKES

La banda formada en Cáceres es una de las encargadas de llevar los sonidos más Hardcorianos, Punkis y Metaleros a la lista. Son los herederos directos del sonido metalero cacereño procedente de bandas como Wan tung Frito, Maromaco o Fuck The Leader. Sonidos extremos, chungos, duros y fuertes para embrutecernos a todos.

DELIRANZA

Desde Montehermoso (Cáceres) tenemos otra propuesta de puro Rock and Roll. Tema de su reciente disco Por y Para Recaer. Comprometidos con diferentes causas, entre ellas las del colectivo LGTBI, implica que algunos de sus clips están censurados por dictaduras como las de Catar o Afganistán. Han salido en revistas como Maneras de Vivir o en Canal Extremadura tv.

MONALISA

Seguimos con Rock And Roll, esta vez con sede en Cáceres, pero con miembros también de Badajoz y Navalmoral. A diferencias de los anteriores, el Pop y las melodías imperan en su música, con influencias que van desde Amaral hasta Foo Fighters. Detrás de esta formación tenemos músicos de Dedo Corazón, Los Nor, y Bucéfalo, entre otros. Estribillos pegadizos con pinceladas Indies.

DA

Este rockero oliventino llamado David Delgado es un solista cantautor al cual le encantan las guitarras acústicas. Su música oscila entre el Rock y el Folk más intimista y sentimental. Un sonido orgánico donde destacamos su último single, con un estribillo mayúsculo en el que nos transmite belleza y emoción.

SCUD HERO

No podía faltar uno de los incondicionales del Rock Electrónico extremeño. Javier no pierde la forma a la hora de hacernos himnos sonoros, donde el Pop se fusiona perfectamente con el Rock y la Electrónica más marciana. El de la Serena no nos defrauda, es incombustible, un histórico.

KALERIZO

Los de Cáceres son otro de los grandes des-

.

cubrimientos del año. Los Bellotaris tienen esa rabia y energía del Punk, pero también se codean con el Rap para reivindicar y hacernos saltar con su mezcla de Rock, Metal y Hip Hop. Su sonido suena a bandas como Def Con Dos o Boikot. Nos encanta que surjan grupos que son tan necesarios para que la región despierte. No están más arriba en la lista por falta de clip.

PUBLIO VIRGILIO Y LA CHUSMA

Qué alegría nos da el Punk. Los placentinos nos traen mucha ironía en sus letras. Un tema cortito para hacernos una idea del humor, la irreverencia, el cachondeo, y la mala baba que presentan estos chicos del norte de Cáceres. Buscad Animus Locandi porque os echareis unas risas, haréis pogos, reivindicareis y os hartareis a pegar botes.

PRENSA ROSA

El dueto formado por dos amigos de lo hortera. En su esencia nos encontramos con el pop de la movida madrileña pasado por el filtro del desparpajo, de la ironía, y la raíz carnavalera de su ciudad de origen Badajoz. Pop para ma-

marrachos sin complejos, desde el amor por la sonrisa y la comedia que bien haría Horteralia en llamarlos a sus filas.

MASSIVE STONE

Qué sería de Extremadura sin la aportación musical de la familia Cárceles de Alburquerque. Proyecto personal de Germán con sede en Portugal, son una de las bandas (si no es la más importante) de Stoner Rock de la región. Su nuevo disco es una maravilla para los amantes del Rock Grunge americano. Ese grupo que nos gustaría ver en The Rincon Pio Sound o en el AMfest de Barcelona. Grupazo con mayúsculas. Con un clip en condiciones estaría en el top.

HUMUS JAM Feat SUPERSEXY SOUND SYSTEM

La formación andaluza extremeña remezclada por los djs extremeños. Otra megafusión para convertir un tema Reggae en Jungle, y llevárselo a la pista de baile y a las raves de los Sound Systems sureños. La escena Break y DnB siempre ha tenido un calado histórico en el sur, y no podía faltar para cerrar nuestra lista.

entrevistas

uno de los mejores guitarristas del mundo

Félix Martín U

n placer poder realizar una entrevista a Félix Martín, el cual ha sido considerado como uno de los mejores guitarristas del mundo. Además, Félix es un compositor que mezcla estilos como el Metal, el Rock Progresivo, y el Jazz con música de sus raíces latinas.

promoción. Para mí un placer hacerte esta entrevista. ¿Algunas palabras para ya dar inicio con la entrevista?

¡Muchas gracias por entrevistarme!

Son muchos años de historia para contar. Desde muy pequeño la guitarra siempre estuvo presente en la vida de Félix Martín. ¿Qué puedes decir de aquellos tiempos de formación de Félix?

Fueron sin duda los más importantes de mi vida. El hecho de crecer en Venezuela fue lo que más me ayudó a ser la persona que soy hoy en día. Creciendo en un pueblo pequeño donde no había mucha información musical, y lo único que podía encontrar era música venezolana. Me ayudó en el todo a forjar un estilo.

Saludos, Félix, y bienvenido a este medio de

Félix Martín, la fusión perfecta entre el Metal, el Rock Progresivo y la música de raíces latinas

Prácticamente la técnica del tapping toda la desarrollé en ese momento en Venezuela, hasta que cumplí 17 años, que fue cuando me mudé a USA (pero ya teniendo mi estilo, claro).

¿Por qué te decides por la guitarra? ¿Cuáles son tus principales influencias musicales y en tu vida en general?

En realidad estaba por igual con el bajo y la guitarra. Decidí irme por la guitarra porque una banda en mi pueblo necesitaba un guitarrista, si no, probablemente tocaría bajo hoy en día. Influencias musicales son demasiadas, empecé con la música venezolana, y hoy en día escucho muchas cosas (ahora estoy escuchando música de anime). Influencias en la vida en general, me gusta apegarme a mis raíces latinas. felixmartin web

Félix Martín, fuiste alumno del Berklee College of Music. ¿Cómo lograste llegar a este colegio? Cuando me gradué en el bachillerato en Venezuela, audicioné y me fui a Berklee inmediatamente.

Luego de graduarte, diste un gran paso al formar parte de una importante gira con Sons of Apollo. ¿Cómo sucedió?

Eso fue en el 2018 creo. Me gradué en el 2012, y pasaron muchas cosas en ese entonces. Soy amigo de Mike Portnoy, y él quería meterme en una gira desde hace tiempo, y aprovechamos con su nueva banda, en ese entonces Sons of Apollo, que es su principal banda hoy en día.

En el 2012 realizas tu primer disco titulado Live in Boston. Cuéntanos ¿en qué momento de tu carrera te encontrabas? ¿Siempre fue la intención grabarlo para sacarlo como álbum?

En realidad, no teníamos pensado grabar un disco. Eso fue un concierto en Boston que casualmente fue grabado y filmado bien. Salió todo tan bien, que la disquera Prosthetic Records quiso sacarlo como disco.

En tu carrera como guitarrista, ¿has integrado otras bandas?

No. Pero no estoy cerrado a ello.

Durante el 2013 presentas tu segunda producción discográfica, de nombre The Scenic Álbum, con Nate Navarro y Marco Minnemann. Coméntame un poco sobre cómo se integró ese trío, cómo fue la producción, composiciones…

Nathan Navarro, que hoy en día toca con Porcupine Tree, fue mi compañero de clases en Berklee. Somos muy buenos amigos. Yo era muy fan de Minnemann en ese entonces (cuando estaba en Berklee a los 18 años), y le pregunté si quería ser parte del proyecto, y aceptó.

¿Cómo fue la crítica y la reacción de los medios hacia este segundo disco? ¡Fue excelente!

Me gustaría hablar un poco sobre la FM Gui-

tars, del cual eres creador. ¿Por qué decides crear este tipo de guitarras, y qué de especial tiene la FM Guitars?

Al juntar dos guitarras en una se crea un nuevo tipo de guitarra, y es posible sacar nuevos sonidos y técnicas. Esa visualización siempre la tuve desde pequeño. Y al fin pude sacar la marca en el 2021.

Has sido catalogado por muchos medios y revistas como uno de los mejores guitarristas del mundo. ¿Qué ha significado esto para Félix Martín?

Pues no mucho en realidad. Siempre estoy trabajando mucho para seguir adelante y mejorar. Aunque para mí es importante representar a Latinoamérica.

Hablando del contenido musical, ¿cómo defines en tu proyecto la música que haces?

Sí. Pues siempre ando cambiando los estilos. No estoy muy seguro. Diría que es metal progresivo con fusión.

A lo largo de tu carrera has tenido la oportunidad y la suerte de compartir escena con grandes bandas de talla mundial. ¿Qué ha representado esto para Félix Martín?

Ha sido muy importante porque me ha llevado a muchos escenarios, y a tocar para más personas.

Tus siguientes producciones discográficas fueron Mechanical Nations en el 2017, y The Human Transcription del 2018. Háblanos brevemente sobre estos trabajos. Mechanical Nations lo considero mi segundo disco. Me enfoqué en sacar sonidos únicos de mis guitarras (si te fijas, no hay distorsión ni solos), y era mucho de escribir grooves conectados con la batería. The Human Transcription fue una locura hacer que siempre he querido terminar.

Para el año 2019 lanzas el álbum Caracas, donde haces arreglos y versiones de cantos latinoamericanos. Coméntanos, ¿qué te motivó a hacer un álbum completo de estas piezas?

Siempre había querido lanzar un disco de música venezolana con Metal Progresivo. Cosa que nunca se ha hecho. Me costó demasiado

hacer los arreglos, y lo logré en el transcurso de tres años (después vino la grabación). Me gustó que lo sacaron en revistas importantes, dando a conocer la música venezolana y latina un poco más.

Hablando de tu nueva producción, en la cual te encuentras trabajando, ¿este material posee temas antiguos, o todos son nuevos buscando proyectar a Félix Martín en una nueva faceta? Estoy haciendo música bastante melódica hoy en día, y tendrá dos FM Guitars y un FM Bass, cosa que nunca he hecho.

¿Cuántas horas a la semana ensayas? ¿Crees que es importante para un músico tener una rutina estricta en cuanto a los ensayos?

Trabajo alrededor de nueve horas diarias. Puede ser practicando, o puede ser mandando emails. No creo que sea importante tener rutinas de práctica diarias (es importante cuando se está empezando a aprender el instrumento).

¿Cómo ves tu evolución personal desde que comenzaste como guitarrista? ¿Es esto lo que siempre quisiste hacer?

Sí. En realidad, siempre quise ser músico.

Adicional a la preparación del nuevo álbum, ¿cuáles son otros objetivos de Félix Martín para este 2023?

Tengo muchas metas, pero no puedo decir mucho porque no están confirmadas, ¡pero también quiero hacer music videos brutales!

Bien, esto sería todo. Muchas gracias por tu tiempo. Para finalizar, aquí tienes espacio para tus comentarios finales.

Muchas gracias por la entrevista, y ¡gracias por darle fuerza a la movida latina!

Alahia Fluyendo como el Humo

nuestro favor si así lo deseamos.

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En este eterno y encantador labor cultural y comunicacional, hemos viajado hasta Medellín – Colombia para compartir con Alahia en su nuevo camino que inicia al mando de un micrófono en mano, y el poder de la palabra como tirabuzón, para sacarnos los miedos y temores en un mar infinito de posibilidades.

Luego del quebranto, y, gracias a la resiliencia que vive en lo más profundo de cada Ser, la artista ha renacido de sus cenizas, saliendo de las crisis emocionales y sentimentales por las cuales somos humanos y casi todos atravesamos. Alahia ha logrado reinventarse desde cero, alcanzando su amor propio y autoestima nuevos cánones y frecuencias vibratorias positivas. Las energías del universo conspiran a

Brindamos nuestro agradecimiento para la presente exclusiva con LaCarne Magazine

ALAHIA, con la alquimia musical

Luego de tres años con cuarentenas y el cambio de vida gracias a la Pandemia COVID – 19, ¿cómo se encuentra Alahia personal y musicalmente en la actualidad?

Todo ese proceso de pandemia, de cuarentena, obviamente fue algo complicado. No solamente para mí, también para todo el mundo. Ha sido un proceso bastante fuerte, de muchas transiciones, de muchísimos cambios, pero yo en lo personal tengo que agradecerle a todo ese proceso de la pandemia, en el sentido de que gracias a vivir eso fue como que me animé a de verdad trabajar en mi proyecto musical. Yo escribo desde que tengo aproximadamente 11 años, aunque no lo hacía inclinado a la música. Tenía el hábito de escribir, pero fue hasta que

cumplí 16 años pensándolo en composición musical.

Lo que pasa es que no tenía la confianza de salir a mostrar las cosas que hacía, y tenía bastante duda de si lo estaba haciendo bien. Entonces el proceso de la pandemia fue complicado, pero, por el lado positivo, fue como el punto que conecté con muchas personas que estaban metidas en el mundo de la música, y que conocieron lo que yo hacía. Ahí fue cuando me motivé, y en este momento personal y musicalmente me encuentro bastante motivada, bastante entusiasmada. Tengo muchísima música por sacar, tengo muchos proyectos en mente, y otros que estoy trabajando y gestionando.

Para muchos artistas, las regiones y sus áreas son referentes importantes para la evolución musical, ¿cuál es su nombre y lugar de nacimiento? ¿Qué nos puede comentar al respec-

to?

Mi nombre es Alahia Hernández. Yo nací en Costa Rica, pero mis padres son colombianos. Tengo recuerdos muy patentes de mi infancia, que fue hasta los 5 años que viví allí. Tengo lindos recuerdos, pero debo ser bien honesta, me siento más colombiana que costarricense. Viví a partir de los 6 años en varios lugares de Colombia, prácticamente toda mi familia es de acá, y la mayor influencia que ha recibido mi persona es de Antioquia, Medellín.

Alahia es artista, tatuadora, y rimadora, una mujer multifacética, con nueva actitud y empoderada, ¿cómo surge a la vida artística musical?

Yo soy tatuadora hace unos seis años, y siempre me había gustado el lado de la música. Me empecé a acercar al ámbito musical desde un espacio completamente diferente al Rap. Me metí más por el lado del Techno, que me gusta muchísimo. Mis principales ritmos musicales son el Rap, el Techno y la Salsa, son los que más me apasionan. Empecé a mezclar, mi ex pareja es DJ, y gracias a él pude aprender mucho. Ahí comprendí cuánto me gustaba trabajar con música. Yo estaba muy ligada desde pequeña con la música. Cuando estaba en el colegio formé parte de una banda Sinfónica. Ahí aprendí a tocar flauta traversa, clarinete y un poco de saxofón.

Siempre he tenido esa conexión con la música, de hacer catarsis con ella, siempre he encontrado un refugio o lugar cómodo dentro de la música.

¿Qué estilos musicales han influenciado en el sonido de Alahia?

Aparte de los tres estilos que te he mencionado, creo que algo que ha influenciado en mi sonido y en la forma en la que percibo la música es el Indie. Siento que el mayor referente dentro de la música a nivel “genero urbano” sería la Salsa y su vinculación con el Rap. En casa mis papás escuchaban muchísima Salsa, y ése fue el género con el que primero conecté. ¡Y me olvidaba mencionar al Jazz y el Funk!

¿Algunos artistas de referencia?

En realidad tengo muchísimas referencias, tan-

to dentro del Rap como dentro de otros géneros, a los cuales admiro por composición musical, por sus skills en lo musical, no solamente escribiendo. Son artistas súper integrales en todo el sentido de la palabra, músicos muy completos. Podría mencionar como toda la Vieja Escuela de la Salsa brava, tirando a todo este registro de la Fania All-Stars.

Dentro del Rap podría mencionar, sin duda, a Mac Miller, fue un músico increíble y admiro su obra musical completa, todo lo que hacía me parecía demasiado chimba. De la vieja escuela española menciono a Juaninacka, 7 Notas 7 Colores, Violadores del Verso, SFDK, Arianna Puello, Supernafamacho, Frank T, Kase O, y muchos referentes de habla inglesa, que fue mi primer contacto con el Rap.

En su canal YouTube he disfrutado del tema Alquimia, su más reciente single estrenado a mediados del noviembre 2022, ¿qué nos puede contar de la canción y sus versos, y de su producción y realización audiovisual?

Nació hace muchos meses atrás, pero estaba escrita hasta la mitad. La escribí con un beat del Soundcloud. Me detuve en el proceso, y luego de un tiempo finalicé el texto. Charlie Blue es el productor, donde se siente la presencia del Jazz. Me enamoré de la instrumental que nos mostró el día de la grabación, de esos bajos tan pronunciados, ese mood jazzy que me parecía brutal. Acomodé los textos de Alquimia al beat, y sonó super bien, nadie tuvo objeción. Terminé de escribir los versos y grabamos en dos horitas.

Lo más gracioso del video es que fue algo demasiado casero (de verdad), son tomas grabadas a mí misma, y tomas sencillas que me hicieron, por ejemplo, ir al supermercado a comprar un vino Rose, que tenía que entrar por la letra de la canción, todo hecho con muchísimo amor. Y la edición del video la hice yo, y ha tenido muy buena respuesta.

Alahia, Renacer y Ser

Otro sencillo que pude apreciar en su cuenta de Spotify es Humo, una producción musical realizada por Flex, con el sonido y el ritmo intenso, una introspección y canalización de los

estados de la consciencia, ¿qué nos puede comentar de la realización y producción? Humo nace en un momento en que estaba bastante decepcionada y triste, mi corazón supremamente roto, y de ahí escribí Humo. En el Soundcloud, explorando beats, me encontré con el de Flex, y fue amor a primera escucha. Ya tenía la primera barra: “me voy de vacaciones con el humo”, inspirada en Juaninaka, y en cuestión de minutos salió el resto de la canción. Todo salió súper orgánico, y luego de grabar varias maquetas con el celular, decidí mejorar el sonido prestándome de un amigo un buen micrófono para grabar el tema en casa, haciendo que lo casero suene bien.

Posteriormente, con la mezcla y master, se lo mostré a Flex (que es de Bélgica), y le mandé la maqueta. Le gustó mucho y le pedí la autori-

zación para subirlo a las plataformas, y así fue. La respuesta que tuvo la canción me sorprendió demasiado, obviamente positivamente. Yo me meto al video en YouTube y leo los comentarios, y se me llena el corazón de alegría, luego de una época muy difícil para mí. Un proceso de transmutación muy hermoso.

Una de sus actividades paralelas al canto y la rima son los tatuajes y el arte corporal, una ocupación totalmente profesional. ¿Qué nos puede rememorar de su actividad y vocación? Creo que en este momento estoy renovada. Pasé por un proceso de trabajar en mí y mi autoestima. La transformación personal que he tenido me ha llevado a cambiar de nombre artístico. Antes era Black Tags, ahora me llamo Shakti, reflejándose el proceso espiritual en mi vida que se proyecta en mi Arte. Retomé la ac-

tividad de dibujar y pintar, que es muy importante para un tatuador, estimular la actividad creativa.

Sabemos que en Latinoamérica no es nada fácil vivir del Arte, pero agradezco lo que me ha entregado, esa conexión y vibración que llega con las personas que vienen a tatuarse o por una ilustración. Con el tatuaje me pasa algo muy especial, siempre trato de impregnarle a lo que hago la mejor vibración. El intercambiar energías es un proceso muy bonito, algo muy ritual.

Para muchos artistas, sus regiones han marcado e influenciado en su proceso creativo. Hablando de lo lindo y positivo, ¿qué experiencias le han brindado en su trayectoria?

Apenas estoy dando mis primeros pasos, tengo muchísima trayectoria que recorrer. Quisiera resaltar mis primeros shows en Medellín, por los nervios de locos. Yo sólo cantaba para mí. Fue un shock impresionante, pero lo veo como algo muy hermoso, que fue el comienzo del cambio, para trabajar en mí y en mi seguridad, perder la pena, desconfianza y el miedo.

Dentro de su recorrido, ¿algún encuentro o festival que le marcó en el corazón y Espíritu?

Resaltar que en la gira -por 7 ciudades- que hizo Buhodermia con su álbum Euphanasia, tuve la gran oportunidad de ser la telonera y compartir con él. También tuve la oportunidad de ver cómo lo hace Jam Baxter, un artista inglés. Se aprende mucho viendo a los otros en acción. Lo más hermoso fue conocer tantas personas en diferentes ciudades, quedé anonadada y sorprendida por la respuesta del público.

De Literatura y narrativa, ¿qué libros o autores nos recomienda para leer?

Mi tipo de lectura está muy inclinada a la literatura esotérica y ocultista. También me gustan muchos los libros de autoayuda. Recomiendo el trabajo de José Luis Parise, que es un psicoanalista argentino que tiene una carrera muy admirable. Ha realizado montón de viajes a culturas iniciáticas, y me gusta muchísimo lo que plantea, liga la psicología con la magia. Y, por otra parte, un libro que tengo súper fresco en

mi memoria y estoy leyendo ahora es El Alquimista de Paulo Coelho, muy recomendable. alahia

En el conmovedor mundo del cine y sus películas, ¿qué obra del séptimo arte le sugiere a la audiencia?

Tengo un espectro amplio de mi apreciación al cine. Te podría mencionar a un director que me parece excelente, y que me encanta su obra a modo visual y conceptual, es Andréi Tarkovski. También me gusta Tarantino, me gustan algunas obras de Kubrick, y, hablando un poco más de géneros, me gusta muchísimo el cine de suspenso o de terror psicológico, las de PsiFi que sean chimba.

Volviendo a la melomanía, en la actualidad, según sus gustos, ¿qué álbumes nos recomienda para adjuntar al playlist?

Tengo frescos en mi memoria en este momento Da Storm de O.G.C., que es un clásico que nunca pasará de moda, Center of Attention de Pete Rock, y también recomendaría Yancey Boys de Illa Jay, un álbum demasiado bueno, esos beats la rompen. Y para meter una recomendación de habla hispana, el álbum Notas

de Audio de Juaninacka

¿Qué es la música para Alahia?

Para mí la música es la muestra de que somos el vehículo de una energía superior, ya como cada quién la quiera llamar: Dios, Universo, Cosmos, la Energía del todo. Es esa forma en la que uno canaliza esa energía y la convierte en algo importante, no sólo para uno, también para el resto de las personas que se sientan identificadas y representadas de alguna manera. Incluyendo el proceso de catarsis y transmutación, siento que la música es poder transmutar emociones, situaciones, y convertirlas en algo positivo, en algo bonito, o simplemente descargar la mente y el alma de lo que se siente, para dejarlo ir y no retenerlo.

¿Qué mensaje le puede brindar, en especial a las mujeres, que quieran tomar el arte como forma de vida?

Lo principal y más importante, debido a mi propio proceso, es auto quererse, auto respetarse y creer en uno mismo. Suena como un mensaje cliché de auto superación, pero es muy clave tener confianza en uno mismo. En esta industria no siempre te vas a encontrar con gente

linda, con gente agradable con la cual colaborar, gente que te quiere ayudar. También estás propenso a encontrarte con gente que no tanto.

Y siempre que uno tenga claro sus objetivos y para dónde va, por qué lo estás haciendo (música y arte), no hay nada ni nadie que te vaya a parar. Puede haber altibajos y baches, momentos en que pienses tirar la toalla, pues siempre que lo tengas claro, lo más seguro es que nunca lo vas a hacer. Cuando uno tiene un propósito mayor, se aferra a eso, y es más fácil seguir adelante.

¿Alguna cábala o grito de guerra antes de entrar a escenarios?

Más allá de grito de guerra o de decirme alguna cosa, que sí lo suelo hacer, intentarme brindar calma a mí misma. Yo siento que lo más importante antes de un show es un shot de ron (jaja), lo necesito para calentar la garganta y tener mucha más confianza a la hora de utilizar mi voz. Y lo segundo es la respiración (lo más que puedo). La verdad, los nervios son cosa seria.

Alahia

“Necesitamos música tuya para poder conti-

nuar”, dicen algunos seguidores en sus redes sociales. Tras apreciar el tema Humo, por ejemplo, ¿alguna primicia que nos quiera compartir en el 2023?

Sin duda alguna viene música de Alahia para rato, muchísimas cosas, pero no quiero spoilear. Que todo esté estructurado, que sea tangible lo más posible para anunciarles cosas.

Sus palabras de despedida para la gente que sigue la música de Alahia, y para los lectores de LaCarne Magazine.

Realmente quiero agradecer el espacio, de todo corazón expresar mi gratitud tanto a LaCarne Magazine como a todas las personas que han estado desde el inicio pendientes, que se conectaron con mi proyecto y siguen a la espera de más canciones. Agradecer de todo corazón a todas las personas que me escriben, que toman de su valioso tiempo para expresarme lo que sienten, lo que les genera mi música y arte. Todo eso es motivación y hace que, aparte de la realización personal, sea un proceso muy hermoso que valga la pena cuando las cosas se ponen un poco difíciles (ja ja).

Te quiero agradecer a ti por tenerme en cuenta, muchísima gratitud. Es muy bonito, más allá de responder las preguntas, hacer un repaso de todo lo que he vivido en la carrera musical y artística. Es un ejercicio para mí misma muy genial. Quería responder lo más relajada y transparente posible, espero que sea de su agrado.

Cerramos la edición con muchas buenas energías, optimistas y de renacer, de ser el Ave Fénix mitológico que yace en cada Ser Humano que también es un Ser Espiritual, y reconociendo que las heridas son como perlas. Esperando que ese material venga a la luz en el 2023, y que la música de Alahia se expanda por todas las latitudes del globo, le deseamos éxitos en la producción y realización de su nueva obra, que de seguro nos seguirá acompañando e iluminando en la gran escuela de la vida.

Susana Raya una músico de largo recorrido hecha a sí misma

Susana Raya, una artista de largo recorrido hecha a sí misma

Hay que remontarse a principios de los 90, de cuando conocimos a la compositora, cantante y músico cordobesa Susana Raya. Por aquel entonces éramos adolescentes que disfrutábamos de la música como meros espectadores, y donde las emociones y sentimientos no los transmitíamos sino que éramos receptores.

Una amistad que surgió en un verano vacacional al sur de Andalucía, donde el destino e intereses comunes hacia la música hicieron que nuestros caminos se encontraran. Experiencias de verano, Susana Raya cogió su senda y nosotros la nuestra. Ahora es el momento de volver a cruzarse en el trayecto y hablar con la artista.

Con mucho recorrido por todo el mundo, tocando en cientos de lugares diferentes, siendo una “rockera” (¿podemos llamarte así?) versátil, inexpugnable, vibrante, inquieta…, pero lo mejor es que nos expliques a nosotros y al público que no te conoce, y sobre todo a aquellos noveles que están empezando, ¿quién es Susana Raya?

Muchas gracias, LaCarneMagazine, por invitarme a este ratito de conversación.

Me considero una mujer apasionada, amante de lo que hago, y siempre abierta a compartir y aprender con y de los demás. Una músico de largo recorrido hecha a sí misma. El escenario me enciende.

Pues sí, me puedes llamar rockera. Independientemente del estilo musical en el que uno se desenvuelva, lo considero una actitud, un modo de estar en el escenario. Es amar lo que

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Foto por Mattias Norén

haces mientras lo desarrollas bajo tus propios términos, tener confianza en tus capacidades, y permanecer fiel a ti mismo.

Guitarra clásica, guitarra española, guitarra acústica, guitarra eléctrica, guitarra jazzy. Te acompaña allá a donde vas. ¿Qué es para Susana Raya la guitarra? ¿Por qué escogiste este instrumento? ¿Cuáles son tus estilos musicales de referencia y con los que te sientes a gusto? Me resulta tan tremendamente aburrido encasillarme… La guitarra representa una referencia a mi identidad y raíces. Si nos ponemos poéticos, ¡mi corazón está atravesado por esas seis cuerdas!

Mi casa fue siempre muy musical, y fue natural empezar a tontear con una guitarra española medio hippy que tenía mi padre. Mi abuelo, zapatero y manitas de primera, la había restaurado pintándole unos floripondios en la tapa y echándole kilos de barniz. Muy bonita, pero la verdad es que aquello no sonaba bien, y el ajuste de la guitarra la hacía infernal de tocar.

Es curioso que yo no recuerdo esa sensación cuando era chica, unos 8 años, sólo que me fascinaba el hecho de crear algo de la nada, tocar acordes random y canturrear por encima. De mayor, volviendo a tocar esa guitarra, entiendo cuán importante es tener esa vocación, ya que las dificultades se apocan o no se cae en ellas.

He flirteado también con la trompeta y el piano. Tocar otro instrumento que no es el tuyo es genial para la floración de ideas nuevas. Ay, ¡pero nada vence a la guitarra! Esa cercanía, ese cuerpo a cuerpo, esa simpleza sin demasiados mecanismos… Sólo tengo otro instrumento equiparable, mi propia voz. Y siempre han ido a la par, de la mano.

Mis referentes musicales han sido muchos y variados. Desde siendo adolescente con Christina Rosevinge, Presuntos Implicados, Antonio Vega, Fito Páez hasta Beatles, Hendrix, Eric Clapton, Dire straits, Guns n’Roses… Una intensa época cantautoril escuchando a Pedro Guerra o Silvio Rodriguez. El enamoramiento jazzero con Chet Baker, Pat Metheny, Jim Hall, Diana Krall, Ella Fitzgerald, Avishai Cohen… La ensoñación brasileña con Elis Regina, Djavan, Antonio Carlos Jobim, Marisa Montes, Maria João…, entre muchos otros. Las últimas joyas que he descubierto son algunos trabajos de Steven Wilson y el preciosísimo último disco de Laura Marbling, Song for Our Daughter

He bebido de muchas aguas y destilado todo bajo mi forma de entender la música, con tiempo, dedicación y amor. Me verás muy a gusto en formatos orgánicos que exijan una gran comunicación entre los músicos, lo cual va a permitir la presencia de dinámicas y cierta improvisación, con el grado justo de complejidad armónica y con melodías emocionantes. Hace tiempo que perdí la noción de los estilos musicales. Llamálo cantautor, jazzy, folkiniano… En mi último concierto en la Galileo Galilei de Madrid se comentó en una crítica que hubo hasta cierto grado de Psicodelia en uno de los temas. No se pueden poner puertas al campo.

Me hace acordar de un libro muy ameno de Austin Kleon acerca de la creatividad, Steal like an artist, traducido al español Roba como un artista, donde hace referencia a esa inspiración/“robo” tan necesaria para crear. Considera una apropiación lícita si se “roba» de muchas fuentes y no sólo una, y tras un proceso de transformación y filtro a través de tu propia esencia artística.

Susana Raya, te has recorrido Europa y EEUU tocando en cientos de lugares. ¿Cómo es la vida de una músico que viaja tanto? ¿Qué sacrificios supone? ¿Qué ventajas tiene? Intensa y gratificante. Esta profesión es muy exigente a todos los niveles, físico, intelectual y emocional: La práctica de tu instrumento, el tiempo de dedicación, el lidiar con tus propios miedos e inseguridades, la autocrítica que en ocasiones puede ser feroz, encontrar el balance entre tu universo artístico y las actividades más mundanas…

El trabajo llega a ser parte de tu identidad como persona, y es difícil la separación. En mi caso,

el sacrificio mayor es estar alejada físicamente de mi familia. La ventaja es estar en paz contigo mismo, que no es poco.

Que quede constancia de que yo intenté adaptarme a la “norma”. No era una adolescente demasiado rebelde, sólo bastante soñadora. La música para mí era algo tan bonito que jamás lo pensé como una manera de ganarme la vida. No le dije a mi madre que quería ser artista. No tenía ansia de cantar en estadios ni nada parecido, sólo de conectarme con esa dimensión paralela, como un viaje interno y a la vez muy fuera de mí. Yo me intentaba ajustar al entorno.

Recuerdo lo bicho raro que me sentía porque odiaba los 40 principales. Mis amigas estudiaban carreras y yo hice lo mismo, terminé una licenciatura en administración y dirección de empresas a la vez que cursaba mis estudios en el conservatorio. Ejercí como contable y administrativa en algunas empresas. Pero llegaron los primeros conciertos y preparé un discurso existencial para mi jefe presentando mi renuncia. Me fui de cabeza a ello, la música latía con

vehemencia, era imparable. A pesar de todo, le doy eternamente las gracias a mis padres por estos estudios. Me han ayudado a desenvolverme en la vida.

Hemos escuchado a Susana Raya cantar Bossanova, Rock, canción de autor, Flamenco. ¿Hay algún estilo que se te resista? También en inglés y en castellano, ¿responde el público de manera diferente en función del idioma? No es tanto el afán de conquistar diferentes estilos como el aprender de ellos. Lo imagino como un camino que voy recorriendo y descubriendo a mi propio paso. Allá donde veo un paisaje que me gusta, me quedo un poco o el tiempo que me pida el cuerpo.

Te hago un croquis de mi mapa. Empiezo con la guitarra clásica porque la formación en el Conservatorio era la única opción disponible en Córdoba para estudiar música seriamente a finales de los 80. No puedo estarle más agradecida a esa chica de trece años por tomar esa decisión. La profundidad, disciplina y técnica de mi formación clásica me ayudarían a enca-

rar las aventuras musicales venideras.

En un intento de expresión que combatiera mi timidez adolescente, la soledad de mi voz y la guitarra me hacen tomar los derroteros de la de canción de autor, y con ellos certámenes y festivales de ese estilo.

Luego una empieza a conocer músicos y entrar en el mundillo, se suman otros instrumentos, me cuelgo la eléctrica para hacer más ruido, y aquello se convierte de repente en pop. Estudio canto moderno en la Escuela de Música Creativa de Madrid porque ese nuevo escenario es más exigente y requiere mayor técnica vocal.

Luego me tomo un café en el Soul (un mítico en Córdoba), y escucho My funny valentine por Chet baker. Me vuela la cabeza y empieza mi obsesión por el Jazz. Esa libertad y creación espontánea me fascina. Asisto a innumerables talleres fuera y dentro de España para desarrollar el arte de la improvisación vocal. Paso infinidad de noches cantando en jam sessions, abandonándome a los standards de Jazz y las exuberantes melodías de la música brasileña. Llegan los premios en festivales internacionales que me abren las puertas a tocar por Europa.

Siento que mi voz ya brilla por sí misma, pero echo de menos el contacto íntimo con mi guitarra. Decido irme a estudiar guitarra Jazz al Conservatorio de Amsterdam. Durante toda esa inmersión jazzera, el inglés es el idioma predominante, por una razón puramente de estética musical. Es su rítmica. Son los monosílabos del inglés que te permiten swingear. A ver, un ejemplo random: You are the best, ‘cause I love you so much, don’t be a fool, but… Ves? Traduce eso al castellano, a ver cómo te queda, ¡la rítmica es totalmente diferente!

A todo esto, un profesor de guitarra me sugiere como ejercicio adaptar al castellano un clásico del Jazz (My one and only love). Lo cuelgo en YouTube y recibo una respuesta brutal, hasta el punto de que un aclamado crítico de Jazz e historiador norteamericano (Ted Gioia) recomienda mi versión en uno de sus libros, junto a las de John Coltrane y otros gigantes.

Comprendo el camino que he de tomar ahora, y, como hija pródiga, vuelvo a mi idioma.

El idioma me lleva a volver a componer mis canciones, a simplificar en la esencia. Empiezo el camino de nuevo, pero con otra mirada más madura. Menos es más, pero si conoces ese más (me encanta esta frase prestada de Jacob Collier).

Por supuesto. El público responde diferente al lenguaje porque sencillamente tu emoción es diferente. Y eso se transmite más allá del significado de las palabras. Lo he constatado cantando en castellano ante audiencias que no entendían ni papa. La emoción musical se transmite igualmente, quizás con mayor medida incluso, porque, al carecer de ese entendimiento de la letra, se agita la imaginación.

Lo de qué me llevó a cantar Flamenco en Damasco en el Festival de la Ruta de la Seda te lo cuento otro día tranquilamente.

De mis devaneos con el Rock dan para otra pregunta también.

Susana Raya, resides en Holanda, donde además te terminaste de formar en guitarra. Y además acabas de formar parte de un proyecto el cual nos tiene alucinados. Son Inhalo donde cantas también además de tocar la guitarra. Háblanos del grupo.

¡Igual de alucinada me tiene a mí! Inhalo es un grupo de cuatro músicos holandeses que podríamos enmarcar en el Rock Progresivo alternativo, de la onda de Riverside, Opeth, Porcupine Tree. Aunque son músicos de amplia experiencia, su album Sever es su debut como grupo. Las críticas que está teniendo el disco son brutales, y empieza a estar muy solicitado en salas y festivales.

Siendo una música con muchas capas y texturas, necesitaban de otra guitarra y vocalista para los directos.

Por otro lado, algunos meses antes, hacía la siguiente declaración a mi pareja “yo lo que quiero es tocar en un grupo de Rock”. Lo decía a

lo loco, sin pensar, mientras hacía el ganso tocando power chords y haciendo posturitas con su Les Paul Black Beauty en el salón (mi pareja es luthier y tiene una amplia colección de guitarras). En esos momentos estaba trabajando, y sigo en un proyecto en solitario a guitarra y voz con algunas obras clásicas. Algo muy sesudo e íntimo. Sentía la necesidad de romper con algo potente, directo, visceral.

Fíjate cómo son las cosas y la ley de la sincronicidad, resulta que Roy Willems, el guitarrista de Inhalo, trabaja conmigo para Taylor Guitars. Cuando me comentó que estaban buscando otro guitarra y vocalista para los directos, le dije agitando mi mano, envalentonada y con un poco de inconsciencia: Hello??!! Claro, él me conocía en contextos muy jazzeros y acústicos, no me ubicaba en el Rock Progresivo y en ocasiones Metal de su grupo.

Yo hacía mil años de las guitarras solidbody con overdrive, aquellos momentos gloriosos de juventud tocando Little Wing en mi Marshall 80 vatios. Pero esa confianza en uno mismo de la que te hablaba, y la fe en que con práctica

y ganas se aprenden las cosas, me hizo reaccionar así.

El primer encuentro con el resto de los miembros de la banda fue un click instantáneo, y me puse las pilas para estar lista en unos meses. Depurar la técnica para controlar la masa de sonido que venía de ese animal (Gibson SG a tope de caña), perfilar mi sonido con la construcción de la pedalera (los guitarristas eléctricos me entenderán qué abismo infinito se abre ante ti), practicar para tocar líneas de guitarra intrincadas haciendo coros al mismo tiempo, el ataque de la mano derecha… Me río de algún comentario que he recibido del tipo “tantos estudios para tocar Rock…”

En fin, que estoy muy contenta de haber pasado a ser otro miembro más de la banda. Su música es super estimulante, tiene todo lo que me gusta, melodías top, algunas métricas complejas, diferentes dinámicas, pasajes heavy alternados con momentos de mucha delicadeza. Aparte, tenemos mucha química personal y nos lo pasamos en grande. Además, creo que el toque femenino les sienta bien.

¿Qué diferencias hay entre el Rock Progresivo de tu banda y los temas de tu disco Wind Rose?

Aparte de las diferencias obvias del estilo cuando lo escuchas, difieren en la forma de componer y llevar a cabo el directo. En Inhalo la composición es un proceso colaborativo, donde cada uno vamos aportando ideas y bocetos, los tocamos en el ensayo, y vamos añadiendo nuevas ideas entre todos. La etiqueta prog te otorga de mucha libertad creativa.

Te puedes extender por ejemplo once minutos en una tema, cambiar la métrica, las texturas, incluir instrumentos variopintos. Sin embargo, en el directo la ejecución es más estricta y se asemeja a una obra clásica. Todo tiene que estar muy ajustado para que suene compacto y potente.

Por el contrario, en el disco Wind Rose yo misma vine con todas las canciones compuestas y una idea más o menos clara de cada tema. La libertad residió aquí en la ejecución. En base a una estructura y unas pocas pautas dadas, cada músico improvisa su parte en el momento y se nutre de lo que el resto va haciendo.

Me hice de los mejores músicos que podía haber imaginado para pasar unos días en un estudio en las afueras de Rhinebeck, Upstate New York, una antigua granja rehabilitada en medio del campo: Clifford Carter (James Taylor, Art Garfunkel), Ira Coleman (Betty Carter, Sting), Cyro Baptista (Paul Simon, Caetano Veloso), Leo Amuedo (Ivan Lins, Stevie Wonder). Un día de ensayo, y al siguiente grabar. Tres tomas por cada canción. Esa semana fue uno de los momentos más memorables de mi carrera.

Cada uno de estos acercamientos me da algo diferente muy chulo. El Jazz y contextos más improvisados lo veo como la suma de individualidades, una conversación amistosa. Improvisar lleva consigo un riesgo y la confianza en los otros es esencial. Por ejemplo, sé que si me da por virar de emoción, todos irán a por ello, o si canto una nota/s “equivocada” no me voy a quedar con el culo al aire, y entre todos la haremos sonar bien. Igual si el pianista de repente

le da por tocar otros acordes, ahí estaremos para apoyar su decisión.

Sin embargo, en el Rock, todos vamos a una, hay un sentido de camaradería, un discurso que ya se ha acordado y se presenta sin fisuras. Enganchar un riff de guitarras con distorsión con toda la masa del batería y bajista apoyando es para mí algo catártico. Un espíritu tribal que me conecta con algo muy profundo, difícil de explicar.

¿Es difícil como mujer adentrarte en un mundo tan masculinizado como es el de la música y el rock? ¿Qué le dirías a las chicas noveles que quieren emprender su carrera musical? Como adivinarás, no es la primera vez que me hacen esta pregunta. Ojalá no hubiera necesidad de hacerla.

La verdad es que particularmente no he percibido que el hecho de ser mujer haya supuesto una dificultad para desenvolverme, incluso he sentido una discriminación positiva. Si bien recuerdo que en mis inicios, cuando me faltaba todavía un hervor, las actitudes paternalistas y opiniones no preguntadas estaban a la orden del día. Ah, y me viene a la cabeza ese señor incómodo porque yo conducía la Ford Transit en la gira.

Entre las colegas y amigas del sector compartimos muchas experiencias y retos que se nos plantean en esta realidad. El hecho por ejemplo de que no se nos presuponen unas capacidades, sino que se nos exige demostrarlas. Especialmente en las mujeres instrumentistas. Comentarios como “tocas como un tío”, a mí ciertamente lejos de ser un cumplido, me repatea. Por favor, dejen de hacerlo. O cuando asumen directamente que eres la vocalista del grupo, ¿por qué no la puta batera? Qué alegría me da ver a más y más mujeres absolutas bestias pardas con sus instrumentos.

Que te etiqueten de mandona, bossy, en tu propio proyecto cuando simplemente tienes tus ideas claras. En fin, te podría contar infinidad de situaciones que nos hacen sentir incómodas. Tengo la enorme suerte de rodearme de inmensas artistas mujeres con las que perió-

dicamente comparto inquietudes en este devenir en la música, mis queridas Lara Bello y Claudia Rolando, y muchas otras compañeras queridas y admiradas. Necesitamos de esta sororidad.

Somos tres hermanas en casa, y quizás por ese hecho no contemplaba las diferencias de género a la hora de trazar mis sueños. No necesité especialmente de referentes femeninos. Copiar un solo de Dire Straits estaba desprovisto de cualquier género, ¿por qué no podría tocarlo yo? Pero es muy gratificante poder ejercer de referente hoy en día, en la medida de mis posibilidades, a chicas que empiezan. Yo lo observo en los conciertos con INHALO, donde tengo un rol bastante potente, que viene dado por la música en sí.

A ver, pon al chico más tímido que conozcas tocando un power chord con distorsión en una sala petada, y es difícil que no transmita esa fuerza. En los directos puedo identificar a las chicas de la sala que son músicos por sus miradas de complicidad. A veces se me acercan a pedir una púa, y yo se las entrego como quien pasara un testigo, como un símbolo de “creo en tí”, “mándame tu música que la escuche.”

Como consejo, le diría lo mismo que a un chico, que se formen lo más que puedan y que tomen sus decisiones artísticas de manera honesta. Lo contrario no lleva a nada bueno. Si haces algo que no encaja verdaderamente contigo por quedar bien con la audiencia y triunfa, te convertirás en esclavo de eso que no eres. Y si no triunfas, te sentirás mal por no haber elegido el camino que te dictaba tu corazón. Lo digo porque he experimentado ambas.

Susana Raya, te hemos visto formar parte de festivales, conciertos en grandes salas, recitales en iglesias, en garitos pequeños. ¿Qué diferencias hay entre codearte con festivales, tocar en baretos o grandes auditorios?

Ay, cada uno tiene su puntillo. Desde la buena organización de un festival, donde tienes tu técnico de sonido en condiciones, catering, backline, etc, hasta el apáñatelas como puedas de algunos garitos.

Luego tienes esa experiencia tan cercana de los house concerts hasta la un poco menos personal de las salas grandes. En los conciertos pequeños se pasan incluso más nervios por el grado de intimidad y contacto visual de la audiencia. Te digo en inglés lo de los house concerts porque no los he experimentado en España, sólo en el extranjero.

Aquí en Holanda soy muy comunes y hay un circuito bien montado. También en Estados Unidos tuve experiencias muy bonitas en este formato, los ratitos de charla de después eran lo mejor. Recuerdo el de Long Island para un grupo de científicos. Preguntabas antes una de las ventajas de viajar tanto? Aprendes un montón.

A mí me encanta variar, te dan balance y perspectiva. Están los bolos de ensueño, como aquel de Colonia cantando con la Orquesta Sinfónica WDR, donde eres diosa absoluta puesta de largo, y están los bolos como los de acompañar la velada en una cena, donde no te puedes permitir ninguna estridencia, no vaya a ser que alguien se te atragante con el solomillo.

Debo gran parte de mis tablas a tocar en garitos pequeños, benditos sean. Rula por ahí (redes sociales) un clip de Sting hablando de la importancia de estos baretos para desarrollar tu músculo artístico y crear cantera, mientras se lamenta de la escasez de ellos en la actualidad.

¿Cómo surgió la idea de Homenajear a tu padre?

Surgió como un regalo de Navidad. Mi padre canta y toca la guitarra, fue mi primer referente. Es también mago, de esos de conejo y chistera, juegos de cartas imposibles, guillotinas y pañuelos. Mi casa era mágica.

El aprendió a tocar con una tabla y unas tiras de lana a modo de cuerdas que se fabricó él mismo. Practicaba en casa de su abuela porque a su padre no le hacía ninguna gracia. Después consagró su vida a la docencia. Yo quería hacerle sentir ese gusanillo de montar unos temas y grabar en un estudio, para luego volver a casa con un par de buenos audios to-

cando juntos de recuerdo.

Pero la providencia hizo que el videógrafo de Noruega Thomas Züllich se encontrara una temporada en Andalucía en su campervan en compañía de su perro Einstein. Yo le invité encantada cuando me preguntó si podía asistir a la grabación y hacer algunas tomas. Después de la grabación me dijo: “I feel it is not enough to tell the story which is behind. It ́s a big story. I feel a lot when I see you two” (Siento que no es suficiente para contar la historia que hay detrás. Es una historia grande. Me emociona mucho cuando os veo a los dos)

Entonces filmamos esta entrevista que tenéis en el enlace contando el proceso.

Ha tenido una respuesta sorprendente. Mucha gente se ha emocionado, me ha confesado derramar alguna lagrimita. Desde varios puntos del planeta nos han llegado muestras de amor: Sidney, San Diego, New York, Amsterdam, Nashville, y por supuesto desde Córdoba.

Imagino que andamos faltos de autenticidad, de momentos de conexión real, y este pequeño proyecto a modo de regalo nos recuerda cuánto los necesitamos.

Si nos permites una recomendación. Susana Raya y también Inhalo tendría cabida en salas como The Rincón Pío Sound (Extremadura), o en el festival Aloud Music Festival (Cataluña). Son referentes para nosotros en el Rock underground en España.

Vaya, mucha gracias, nos encantaría. Se los pasaré a nuestro booker. Fons, el cantante del grupo, tiene mucha habilidad para los idiomas. Su acento en castellano no es nada desdeñable.

Ha sido un placer conversar contigo. Nos vemos en los escenarios.

Igualmente, muchas gracias de nuevo. Nos vemos!

Tropic Vibration un viaje atemporal a través del Reggae Roots

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Un buen día, abriendo el canal YouTube, me encuentro con la sugerencia estreno del tema Light It Up, y, ante el llamado de atención que me provocó el cover art de la canción, me puse a escuchar. Era una noche de verano en el altiplano boliviano, cerca de la Cordillera Real de Los Andes, cuando desde entonces encontré, en medio de la luz de la luna resplandeciente y de la soledad del escritor, una nueva canción que suena todo el tiempo, una y otra vez. Los famosos non stop song, esos temas que puedes oír mil veces en un mes, y te invitan a elevarte cada vez más en nuevas frecuencias sonoras.

Hemos iniciado el viaje musical hasta Arizona / USA, donde radica la agrupación Tropic Vibra-

tion a la cabeza de Jeffrey Wittmeier, banda de Reggae, que se caracteriza por su mezcla única de Roots Reggae, Dubstep / Bass, Latin Music, y más. Al nuevo estilo lo llamamos Future Roots. Pudimos hacer contacto gracias a la magia de las redes sociales con su portavoz, así concretar esta linda exclusiva para LaCarne Magazine.

Es un orgullo poder compartir su nuevo álbum, que acaba de ser estrenado y nos regala temas como Ready, Aim & Fire o Down The Ocean, flamante material que se encuentra en todas las plataformas digitales. Nuevamente agradecido por traspasar las fronteras y banderas, así unir el mundo con la confianza y colaboración para poder compartir su nueva música en esta entrevista.

Tropic Vibration, un viaje atemporal a través del Reggae Roots

Mientras disfruto una y otra vez de su álbum

Mucha gente me pregunta: ¿y por qué Reggae?, y mi respuesta es que puedo meter todos estos géneros en la música Reggae, y de alguna manera funciona. Cuando vas a un espectáculo de Reggae, verás a un adolescente bailando junto a una persona mayor, disfrutando exactamente de la misma canción. Esa vibración es atemporal y global. Lo que busco en la música es algo que me lleve de viaje, puede ser a una cueva en España, a una playa en México, o a un escenario de neón en medio de la selva.

Quería que mi música hiciera lo mismo, que la gente pudiera cerrar los ojos, ponerse los auriculares y emprender un viaje musical alrededor del mundo, y, tal vez, escapar de las dificultades de la vida, aunque sólo fuera por un momento.

Roots

debut Future Roots, nos enfocamos en el viaje sonoro de la banda. ¿Cómo les fue con su material? ¿Algunas anécdotas de la producción, realización y difusión?

Hace unos 5 años empecé este camino con la intención de mezclar todas mis influencias musicales en un proyecto, y sacar un álbum influenciado por toda la música que me gusta y que he descubierto en mi vida. He tenido la suerte de viajar por todo el mundo, y una de mis partes favoritas de los viajes es descubrir nueva música.

La producción de Estudio ha sido algo en lo que he incursionado desde que tenía 16 años, y la guitarra siempre ha sido mi instrumento principal. A lo largo de los años he tocado muchos géneros musicales. En mi adolescencia, la guitarra española del Nouveau Flamenco. Entre los 20 y los 40 (ahora 47), el Blues de Stevie Ray Vaughan, la guitarra country y el Electronic Dance Music (EDM) / Dubstep.

Future Roots es una metáfora de cómo creo que deberíamos vivir la vida: sin estar separados por países, edad o religión, se trata de unirlo todo. Una Telecaster vintage se encuentra con el gruñido de un bajo Dubstep, las flautas de Oriente Medio se elevan al ritmo de los tambores de mano africanos, una guitarra flamenca española se encuentra con el Reggae Roots, y gente de todos los países vibran al mismo tiempo.

¿Cómo nace el proyecto musical Tropic Vibration? ¿Por qué del nombre de Tropic Vibration? Nací y crecí en Canadá, así que toda mi vida he soportado largos y fríos inviernos soñando con estar en un paraíso tropical. Cuando llegó el momento de poner nombre al grupo, se nos ocurrieron unas cuantas ideas, pero nos quedamos con el motivo de que la música «te lleva de vacaciones«. ¿Sabes esa sensación que tienes cuando has viajado a dondequiera que sea tu paraíso… sopla el viento cálido, el sol te da en la cara, suena la música, hay comida y bebida deliciosas, y tu amante a tu lado, y simplemente escapas de las exigencias y dificultades de la vida por un momento? Eso es para mí una «vibración tropical«.

¿Quiénes integran en la actualidad Tropic Vibration y qué instrumentos interpretan?

Estoy agradecido de tener una banda tan increíble. Tenemos a Jake a la batería, a quien conocí en la página de Facebook de la familia Stick Figure. Publicó un vídeo de un cover de batería que era increíble, y resulta que vivía cerca, así que me puse en contacto con él y congeniamos al instante. Conocí a Ricardo (guitarra y voz) en una de las fiestas en casa que organizo en Arizona. Tocó con nosotros un par de veces, simplemente tonteando en casa.

Congeniamos enseguida y le pedí que se uniera, y ha sido una parte increíble de este viaje. En las teclas y el bajo respectivamente están los nuevos miembros, los hermanos Jacob y Jasper. Fundaron y tocan en otra banda (Mellow Psychedelic Culture) de Phoenix. Llegaron después de que yo buscara un teclista. A pesar de ser bastante jóvenes (Jacob acaba de cumplir 21 años), llevan años tocando en directo, y son multi instrumentistas y productores de gran talento.

Estaban buscando proyectos paralelos en los que trabajar, y les gustó lo que yo hacía, así que nos juntamos. Estos chicos son mi familia, todos nos llevamos bien y vibramos muy bien juntos, y realmente compartimos un profundo amor por crear música y tocar. Quiero enviar un saludo especial a Austin, que ha estado con nosotros en el bajo desde el principio, pero está en pausa, ya que acaba de tener una hermosa niña.

¿Qué influencias han recibido para darle sonido y personalidad a Tropic Vibration?

No es ningún secreto que mi mayor influencia es Stick Figure. Pero siempre me han fascinado los artistas que escriben, graban y tocan todos los instrumentos y sacan un álbum, que es lo que hice con Future Roots. El sonido de Tropic Vibration es en realidad un poco de todas mis influencias, desde Jesse Cook, Stevie Ray Vaughan, Manu Chao, Tito y Tarántula, Pink Floyd, Rezz, Tribal Seeds, Ry Cooder, Carlos Santana, Pablo Moses, ¡por nombrar sólo algunas!

Tropic Vibration, Carretera Libertad

Personal y musicalmente, luego de las restricciones sanitarias y las cuarentenas, ¿cómo se

encuentran actualmente?

Es una gran pregunta, ¡y gracias por hacerla! COVID fue sin duda una época difícil para mí, ya que viajo todos los meses para ver a mis hijos en Canadá. Hubo veces que no pude ir debido a las cuarentenas, y creo que estas relaciones sufren un poco cuando no podemos estar todos juntos regularmente.

Tengo la suerte de vivir en Arizona (EE.UU.), donde tenemos menos restricciones, así que podemos tomar nuestras propias decisiones al respecto, pero sé que ha sido muy difícil para muchas personas de todo el mundo. Creo que ahora más que nunca necesitamos la música para encontrar un poco de alegría en nuestras vidas, y para mí ha sido muy gratificante darla y ver que mi música llega a todo el mundo.

Hace un par de días han estrenado el videoclip del Light It Up, mi nuevo tema non stop desde su estreno, y que no dejo de escuchar todos los días y todo el rato, lo amo. Con el video más,

he quedado muy emocionado de conocerlos y disfrutar su música. ¿Qué nos pueden comentar de la canción y su producción visual? Gracias, ¡es increíble! Light it Up es sin duda mi producción de Estudio más profunda hasta la fecha, y la canción a la que he dedicado más tiempo. ¡Estoy muy orgulloso de ella! Si hay algo que he aprendido estudiando las técnicas de producción de Stick Figure, es que la atención al detalle es importante.

Estoy bastante seguro de que Scott dedicará más tiempo a una pista de triángulo que otros a su tono de guitarra solista, y eso es lo que la hace realmente especial. Me encanta cuando puedes escuchar una canción como 50 veces y sigues oyendo algo que te habías perdido antes.

Al ser una canción de Reggae, se podría pensar que Light It Up trata sobre fumar, pero no es así. En realidad trata sobrevivir el presente y asumir los pequeños riesgos en tu vida que

podrían cambiarla por completo, cosas como invitar a salir a una chica que te gusta, o decidir montar un grupo, un negocio, o cualquiera que sea tu sueño. La vida está hecha para vivirla, así que ¡enciéndela!

Y sobre este tema, uno de mis sueños ha sido aprender VFX. Así que dediqué mucho tiempo a aprender lo necesario para hacer realidad este vídeo. Rodé a todo el mundo en pantalla verde en nuestro local de ensayo, creé un mundo virtual en el ordenador, y nos puse en un escenario en una especie de océano alienígena morado. Fue mi primer proyecto real de efectos visuales, y creo que salió bastante bien para ser un principiante.

¿Qué es la música para Tropic Vibration? Creo que la música es una parte muy importante de la vida. Creo que puede ser curativa y afectarnos de maneras de las que ni siquiera somos conscientes. Puede cambiar nuestro estado de ánimo, aliviar el estrés, ayudarnos a

lidiar con la locura de la vida, especialmente en estos días. La gente necesita esperanza.

Cuando oímos una canción que conecta con nosotros de un modo profundamente significativo, nos conecta con todos los demás que la oyen y se conmueven con ella. De alguna manera nos ayuda a darnos cuenta de que no estamos solos, estamos todos juntos en esto.

¿Algún grito de guerra o cábala antes de tomar Escenarios?

Jajaja, sí que hemos hecho el grito de “¡manos arriba en tres… dos… uno… Tropic Vibration!!!!» antes de subir al escenario.

La portada del disco es digna de mencionar, ¿cómo surge la idea creativa? ¿Quién estuvo a cargo de la obra?

Sí, definitivamente vale la pena mencionarlo. ¡Es una obra de arte muy especial para mí! Lo hizo un joven artista digital de Puerto Rico llamado Juan Manuel. Es bastante famoso hoy en día, ya que hace la mayoría de las ilustraciones de Stick Figure, incluso ha hecho cosas para Metallica

Siempre me ha gustado el arte mexicano, y hace muchos años tengo un Día de los Muertos tatuado en la espalda. Así que envié a Juan una foto de ella, y una descripción básica de lo que quería, y le pedí que acabara de hacer el resto en su propio estilo, y por supuesto resultó increíble.

Acabo de disfrutar la fiesta de presentación del álbum en el video Live at Last Exit Live in Phoenix, el 19 de noviembre del 2022. Para los nuevos seguidores, una belleza. ¿Cómo les fue en la actuación de aquella noche? ¿Algunas anécdotas que quieran compartir?

Sí, fue un concierto muy divertido. Fue el primer concierto al que vino gente de fuera del Estado y del país para vernos tocar, ya que no mucha gente había oído nuestra música hasta entonces. Poco a poco estoy construyendo un espectáculo de luces y láser de estilo EDM para acompañar el tema futurista de nuestra música, así que también lo estrenamos en este concierto. Mi preciosa prometida, Mariesa, incluso coreografió algunos bailes, que salieron

de maravilla.

Aranjuez es un precioso instrumental de Latin Reggae, videoclip que fue como la carta de adelanto del álbum. Preciosa locación y producción. ¿Qué nos puede comentar de la realización?

Sí, esta canción es muy especial para mí, ya que fue la primera que aprendí a tocar por mi cuenta cuando empecé a tocar la guitarra, alrededor de los 16 años (hace mucho tiempo, ja ja). Así que cuando empecé la banda, hice mi propia versión Reggae de ella. Teníamos dos localizaciones para el rodaje, una era una iglesia increíble que descubrí en una zona residencial de Phoenix / Arizona, y la otra parte se rodó en mi casa.

Básicamente hicimos una pequeña fiesta con algunos de nuestros amigos más cercanos en casa, y grabamos el vídeo en una tarde preciosa. Creo que todo el mundo se lo pasó muy bien, mis amigos son tan cool y resultan ser tan fotogénicos, que nos lo pasamos muy bien grabándolo.

Tropic Vibration, Iriezona

¿Cómo está la Movida Cultural en su región?

¿Algunas agrupaciones o artistas que nos puedan sugerir para prestar atención?

Sí, el panorama del reggae en Arizona y California es increíble. Yo diría que aún está por descubrirse, pero creo que Arizona está haciendo cosas interesantes y todos estamos creando lo que llamamos el sonido Iriezona. Todos nos conocemos bastante bien, tenemos algunas bandas de Roots increíbles como los Rastafarmers y Jahlos and the Rebels

The Irie está explotando ahora mismo tocando en muchos de los festivales más grandes, Fayuca lleva un tiempo haciendo giras por todas partes, ZeeCeekeely y Desert Fish, de la cercana Tucson, están haciendo cosas al estilo

Cali-Reggae. Siempre hay algún espectáculo la mayoría de los fines de semana, y hay muchos talentos que creo que pronto serán descubiertos. Arizona es sin duda uno de los nuevos puntos calientes de Estados Unidos.

He disfrutado del álbum completo, en especial

de temas como Carretera Libertad, Iriezona, Down To The Ocean o Tropical Storm, entre las ya mencionadas, o la homónima Future Roots. Dentro de su repertorio, ¿qué temas se han convertido en sus preferidos para interpretar En Vivo?

Una de mis canciones favoritas es Iriezona, porque me pierdo en ella tocando la guitarra. Me siento mucho más cómodo tocando la guitarra que cantando, ya que cantar es algo nuevo para mí. También me encanta tocar Ready, Aim, Fire, porque el público parece reaccionar especialmente bien ante esta canción En Directo, y los licks de Blues de esta canción son muy divertidos de tocar.

¿Algún mensaje o consejo que quieran brindar a las nuevas generaciones que quieren dedicarse a la música como estilo de vida? La música es mi primer amor, pero no mi principal fuente de ingresos. Creo que no tener que depender de la música para pagar las facturas me deja mucho más tiempo para ser más creativo en el Estudio, y poder publicar mejor música y contenidos.

Le he dicho a la banda desde el principio que nuestro crecimiento no vendrá de actuar todos los fines de semana, sino de crear y compartir el mejor contenido que podamos hacer. Pero hagas lo que hagas, la música debe formar parte de tu vida. Es algo que puedes hacer toda tu vida y nunca llegar a dominar, así que siempre puedes estar aprendiendo algo nuevo, lo cual me encanta.

¿Qué planes o proyectos tienen para el 2023?

¿Algún adelanto o primicia que nos quieran compartir?

Ya he empezado a trabajar en el próximo álbum, así que quiero terminar una buena parte este año. En cuanto a las giras, sólo queremos tocar en algunos festivales de Reggae selectos, y también quiero promocionar nuestro espectáculo como una mezcla de Reggae y EDM, y tocar en algunos festivales de Electronic Dance Music de nuestra zona. Las giras están en proyecto, pero mi pasión es estar en el Estudio y crear.

Sus palabras de despedida para los nuevos se-

guidores de Tropic Vibration, y para los lectores de LaCarne Magazine.

Sí, a todos los que están ahí fuera, ¡vivan a lo grande y enciéndanlo! Dejad de pensar en hacer cosas, y hacedlas. Empezad a tocar la guitarra, empezad a ir al gimnasio, o empezad un negocio, ¡todos somos humanos, y todos tenemos la capacidad de crear cosas increíbles con un poco de determinación!

La música del Future Roots se repite una y otra vez, con esas energías que se renuevan cada vez que acaban. Es increíble sentirse rodeado de todos los oyentes, abrazados en una danza universal, bajo las estrellas del alma y el baile que nos hermana.

Agradecidos, cerramos la presente redacción, deseándoles el mejor de los éxitos a Tropic Vibration, que paso a paso vayan avanzando en su ruta al éxito personal y multiversal. Éxitos en el presente 2023 y ¡muchas buenas vibras!

Los Males Del Mundo sonido y actitud Black Metal

pero con muchísimas capas que develar en este material».

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Gracias a las nuevas tecnologías, reitero la alucinante ocupación que desempeñamos a partir de la Comunicación Cultural, y, en esta ocasión, contactando con los autores – protagonistas de la nueva escena Black Metal, Los Males del Mundo, quienes representan a cabalidad con su obra Descent Towards Death (2021), un álbum “para meditar sobre nuestros vacíos existenciales, sobre nuestras búsquedas de sentido», como bien lo afirma la crítica especializada, «no se trata nada más que de Black Metal, sino que tiene algo de herencia del Black / Doom (a veces denominado Depressive Suicidal Black Metal),

La banda ha anunciado su formación oficial para los conciertos que se avecinan por su participación confirmada en el México Metal Fest VII (10 y 11 noviembre en Monterrey), y hacerles saber que actualmente Talent Nation está trabajando en reservar algunos shows en Europa y Latinoamérica.

Los Males Del Mundo

Como lo dicen en sus redes sociales, si bien el núcleo creativo de Los Males Del Mundo sigue en manos de Dany Tee y Cristián Yans, la banda se apoyará en un colectivo de tres músicos de Alemania para tocar En Vivo como una fuerza musical honesta y dedicada: Nikita

Kamprad en el bajo (miembro fundador de Der Weg Einer Freiheit), Tobias Schuler (Der Weg Einer Freinet) en la batería, y Stefan Dietz (Horresque / Nocte Obducta / Crescent / Schammasch – Live Sessions -) en la guitarra rítmica.

Agradecemos la confianza y colaboración para la presente exclusiva junto a LaCarne Magazine. ¿Qué tal están en la actualidad?

Dany Tee (D). – Muy bien, con Cristián estamos trabajando en nuestro proyecto de Black Metal paralelo, y al mismo tiempo haciendo todos los preparativos para poder girar el presente año con Los Males Del Mundo.

¿Cómo nace y se hace el proyecto musical?

¿Por qué del nombre de Los Males del Mundo?

Cristian Yans (C). – Los Males Del Mundo está compuesto por Dany Tee (voces, líricas,

baterías) y Cristian Yans (guitarras), contando con Nikita Kamprad como músico invitado y productor. Con respecto al nombre de la banda, podemos decir que surge como una decantación de los conceptos volcados en el proyecto.

¿Cuáles fueron sus referentes musicales? ¿Qué artistas han marcado a Los Males del Mundo?

(C). – Nosotros escuchamos música Metal desde muy temprana edad, en todas sus variantes, como así también otras que no tienen nada que ver con este estilo musical, como por ejemplo la música Clásica, la música Folk, Rock, etc.

En mi caso en particular, he empezado con el Metal tradicional a mediados de los 80, con bandas como Deep Purple, Rainbow, Iron Maiden o Kiss, y de ahí fui descubriendo otros subgéneros, cada vez más extremos, a medida que transcurrían los años 90. Por ejemplo, en el Black Metal bandas como Emperor, Dissection, Ulver, Cradle Of Filth, por nombrarte algunas, han sido agrupaciones que, sin dudas, marcaron e influyeron para que yo esté hoy haciendo este género que tanto me apasiona.

El álbum Descent Towards Death lo pude disfrutar por completo en su cuenta de Spotify, y realmente me hizo sangrar los oídos, en impresionante momento para la presente redacción. ¿Qué nos pueden comentar del disco? ¿Algunas anécdotas de la producción?

(C). – Fue un álbum que llevó mucho esfuerzo y mucho tiempo. Nos tomó un par de años componerlo, porque siempre modificábamos las canciones una y otra vez, buscando todas las variaciones posibles.

Si bien es trabajoso, nos da la certeza de que cada cosa está interconectada, y eso nos resulta bastante importante para este proyecto.

Descent Towards Death viene levantando una vorágine de buenas críticas desde su lanzamiento en 2021, impresionando a los amantes del Black Metal alrededor del Mundo, dentro de la escena y medios especializados. ¿Qué nos pueden comentar de las canciones? ¿Qué temáticas han abordado?

(D). – En mi caso, suelo prestar especial aten-

ción a las letras, y me molesta un poco cuando las hacen sin comprometerse con nada, simplemente para llenar el espacio de las voces. Por eso las bandas que más me gustan son aquellas comprometidas con lo que componen y que escriben. Hay muchas bandas que escriben muy bien, y suelo prestar atención a esas cosas.

Para este proyecto quería tomar varios autores y trabajar sus textos. Esto me permitió expresar ideas que fueron dando forma a las letras del disco.

Los Males del Mundo, la agonía silenciosa

El álbum Descent Towards Death tiene una portada muy alucinante, ¿cómo nace la obra? ¿Algunos detalles de la creación del cover art?

(C). – El Artwork estuvo a cargo de Matt Lombard, quien es un talentosísimo artista de USA, que ha trabajado con bandas como Cradle Of Filth, Mortiis, Combichrist, entre otras.

Nos mostró material en el que había estado trabajando y que creía que iría a la perfección con el concepto detrás de la música, y así fue. Elegimos algunas imágenes que él nos proporcionó que parecían estar en íntima conexión con nuestra idea. De a poco todo se fue ensamblando como un gran rompecabezas. Finalmente, el Layout estuvo a cargo de Alejandro Morales de Imperfect Design.

El material fue editado en edición especial de vinilo, además que agotaron la venta de los CD y cassettes, ¿qué nos pueden comentar de su sello disquero Northern Silence Productions, y el trabajo que viene realizando desde Alemania para su distribución y promoción?

(C). – Northern Silence Productions es un sello con muchos años en la escena. Tiene una llegada importante en la escena europea, y ha estado haciendo un buen trabajo. La pandemia generó ciertas demoras en el lanzamiento del vinilo, pero por suerte el Sello supo resolver ese inconveniente.

Acaban de anunciar su presencia en el VII México Metal Fest 2023, donde compartirán es-

cenario junto a grandes íconos de la escena como Blind Guardian, Septicflesh, y Cancer, entre otros. ¿Cómo anda la expectativa para tremenda fiesta del Metal que se llevará a cabo entre el 10 y 11 de noviembre en Monterrey?

(D). – Estamos muy contentos con esa invitación. Esperamos poder presentarnos en otros países de la región, aprovechando que la banda estará disponible para girar por Latinoamérica para esa fecha. Si todo sale bien, a mediados del año nos estaremos presentando en algunos escenarios de Europa, con lo cual estamos muy ansiosos por todo lo que se viene para el año 2023.

Han pasado a formar parte de la prestigiosa tienda House of Gods, poniendo su Merch Oficial al alcance de toda Latinoamérica. ¿Cómo les fue con la respuesta de su gran fanaticada?

(C). – Por suerte, el público de Latinoamérica

respondió muy bien a la banda, y comenzó a enviar merch a diferentes partes de Latinoamérica. House of Gods nos ofreció trabajar con ellos, lo cual fue genial, ya que facilitó la distribución de algunos de nuestros ítems en la región.

¿Cómo anda en Argentina el Movimiento Metalero? Según sus gustos, ¿algunas bandas que nos puedan recomendar?

(D). – La escena argentina es pequeña con respecto a otros países de Latinoamérica. Quizás puedas encontrar muchas bandas de Death Metal, Thrash Metal o Heavy Clásico, algunas de reconocimiento y con años de trayectoria, otras emergentes con un gran potencial a un futuro a corto plazo.

Por supuesto, también hay bandas de Black Metal o de Doom Metal, con un sonido más

crudo, acercándose a una propuesta más clásica, de comienzos de los 90 o finales de los 80, pero creo que, de todos los subgéneros, son los menos populares.

Algunos grupos que nos gustan mucho y que creo valen la pena mencionar son Genuflexión, Ysyry Mollvum, Psicosfera, Templo Negro, Downfall of Nur, Plaguestorm, Medium, Mortuorial Eclipse, Ancestrum, Amoklauf, Amethist, Luciferica, Sur Oculto, Monovoth, Horrendum Vermis, entre otros.

Luego del trayecto recorrido y la experiencia adquirida de Los Males del Mundo, ¿qué mensaje les pueden dar a las nuevas generaciones que quieren dedicar su existencia al arte musical?

(C). – No sé si hay un consejo específico. Creemos que lo más importante es poder disfrutar

de lo que uno hace, los procesos de creación suelen ser largos y tediosos, y si uno no está seguro de lo que está haciendo o no disfruta de ese proceso, entonces el resultado nunca suele ser gratificante como para compensar todo el sacrificio y esfuerzo que uno pone en la música.

¿Qué es la música para Los Males del Mundo?

(C). – Una forma de expresar lo que nos pasa, lo que pensamos y lo que sentimos.

¿Qué proyectos tiene Los Males del Mundo para el 2023? ¿Algún adelanto que puedan compartirnos?

(D). – Estamos trabajando en un proyecto de Black Metal totalmente diferente a Los Males Del Mundo. Este nuevo proyecto es más crudo, más directo y por momentos más atmosférico. Creemos que estará disponible en 2023. Por otro lado, con Los Males Del Mundo estaremos presentándonos en varios escenarios, tanto de Europa como de Latinoamérica.

Sus palabras de despedida para la gente que

disfruta su música y para los nuevos seguidores de Los Males Del Mundo, también para los lectores de LaCarne Magazine.

Antes que nada, queremos agradecer a todos por el apoyo que nos han dado hasta la fecha. Esperamos verlos en nuestras presentaciones En Vivo este 2023. ¡Nos vemos pronto en la carretera!

Nos despedimos de la presente edición escuchando temas como Falling Into Nothing, The Silent Agony, o Nothing But A Lie, disfrutando una vez más el sonido y actitud de Los Males Del Mundo, mientras ya está de oferta la nueva tanda disponible en remeras (camisetas) manga corta, manga larga, camperas (Hoodies), parches y pines metálicos, realizando envíos para todas partes del mundo con código de seguimiento. Les deseamos el mejor de los éxitos y muchos kilómetros por recorrer con su música.

Subvertor 33 años de intenso Death Metal

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La música de la banda Subvertor ha trascendido fronteras desde sus inicios en los 90, que fueron épocas inimaginables para los ahora precursores del Death Metal hecho en La Paz, Bolivia. Su álbum Transgreso – Evolución (1999) salió editado en formato CD original, manufacturado y distribuido por el desaparecido Sello Norteamericano Wild Rags Records, un hito en la Historia de la música extrema nacida en tierras del Illimani. Paralelamente, el sello radicado en Montebello – California editó el EP Cryptobiosis (1995). Lo interesante es que aún se puede adquirir el material por internet.

Acaban de regresar de una exitosa gira por Argentina, donde hicieron shows en Buenos Aires, Tucumán, Salta y Jujuy, así se reencon-

traron con la Escena Underground y los viejos amigos de la vida en este mundo del Metal. Fue un renacer para Subvertor, quienes mantienen sus valores y actitudes under, haciendo flamear bien en alto los años de la experiencia y consecuencia, siempre firmes al intenso Metal.

El EP Ciclos (2015) ha conmemorado un período de vida y esfuerzo, cimentando en ese momento 25 años de trayectoria y actitud ante la gran familia de la música extrema. Gracias a las redes sociales, contactamos con el líder y portavoz de la banda, Sharbel Gutiérrez, a quien agradezco por la confianza y colaboración en exclusiva para LaCarne Magazine.

Subvertor, 33 años en el Death Grind Metal

Con 33 años de trayectoria, y marcando presencia en el Movimiento de Metal extremo a nivel mundial, ¿cómo nació el proyecto Sub-

vertor?

Nació en la inquietud de unos jovenzuelos de 18 a 19 años. En aquella época el Thrash Metal tenía sus grandes exponentes, y todos querían hacer ese estilo. Pero también había bandas más cavernarias y machacantes con ruidos crípticos, y decidimos seguir ese estilo hasta trabajar lo nuestro.

¿Por qué del nombre de Subvertor?

El nombre Subvertor significaba aterrorizar a la sociedad hasta la muerte mediante acciones violentas antropocéntricas, como los coches bombas, torturas, secuestros y demás delitos que los terroristas cometen. Usamos el nombre en un sentido reflexivo para ubicarnos dónde estamos como humanidad y lo que hacemos.

Death / Grind desde La Paz, Bolivia. ¿Qué influencias y referencias han marcado en el sonido de Subvertor?

A finales de los ochenta y principios de los noventa adoptamos el sonido de Casbah, Wer-

hmacht, Siege, Old Lady Drives, Napalm

Death, Death Yell, Atomic Agressor, Cryptic Slaughter, Razor, Bulldozer, Sarcófago, Viper y Sextrash (Brasil). Este material poco competitivo con lo intenso del material bien producido y un tanto más comercial del Thrash Metal. En los años dos mil sentimos una fuerte influencia del Slam, Grind, Gore, Internal Bleeding, Cryptopsy, Repudilation, Ton.

¿Quiénes integran en la actualidad Subvertor? Horacio Lorini (batería), Alberto Mariscal (guitarras), Sharbel Gutiérrez (vocales) y Nacho (bajos).

Mientras disfruto in extenso en la plataforma de Spotify del EP Ciclos, y en el YouTube encuentro el acceso a su discografía, ¿qué nos pueden comentar de su material producido hasta la fecha? ¿Cuál es Subvertor discografía oficial de Subvertor?

Nuestra discografía está muy flaca, pero aguanta una tormenta intensa de críticas. En los noventa todo fue muy rústico: la producción, fotocopias y tapes regrabados. A finales de los noventa, la Wild Rags Records, de California – USA, sacó dos materiales nuestros, el EP Cryptobiosis (1995) y el LP Transgreso – Evolución (1999). El 2015 sacamos el EP Ciclos con apoyo de nuestro amigo Carlos Charcas (Hangar Producciones) como Productor, que hizo sociedad con Fear Brutal Records (ambos de Jujuy – Argentina).

Pude llegar gracias a la búsqueda del YouTube a su álbum Transgreso – Evolución, que fue editado, como bien decías, por el Sello estadounidense Wild Rags Records en 1999, una verdadera leyenda dentro de la producción boliviana, marcando hito e historia para la posteridad. ¿Qué nos pueden comentar de la realización y producción del disco? ¿Algunas memorias de aquellos momentos de gloria?

Fueron momentos felices al ver este material circulando en varios países, gratas revisiones en fanzines, newsletters, papers, radios, los primeros podcasts y demás. Para nosotros un tremendo apoyo en la difusión por el Sello Wild Rags Records.

Lo que siguió fue un tanto frustrante, como la

desaparición del Sello por temas fiscales con el gobierno de USA, sin comunicación a las bandas, sin poder hacer nada de nada, y, por otro lado, la cancelación de nuestra gira programada por Centro América por causa de un huracán, posiblemente llevado a cabo por American Line. No pudimos recuperar ese tiempo, pero siguió la distribución del material en varios países. Y le metimos intenso al laburo y al estudio. Ahora vemos los resultados de este esfuerzo compartido.

Subvertor, Vías de Extinción

El aprecio, el aguante o apoyo de la fanaticada de la banda es fundamental, portando sus poleras con toda la actitud metalera, como debe ser, así apoyar a las bandas autogestionadas e independientes. ¿Cómo les ha ido con el merch y la distribución de su material hasta la fecha? Muy satisfactorio. Nuestras pequeñas inversiones por tener un material para nuestros amigos y amigas que nos apoyan están recuperadas, porque el costo es un precio justo para nosotros, y ellos que nos apoyan. Muy felices de poder haber difundido varias poleras en la reciente gira Cryptobiosis Tour, en nuestra querida Argentina.

Sigamos con Argentina. Acaban de girar por allí, con importantes fechas dentro del circuito Underground y de Metal brutal. ¿Cómo les fue y qué experiencia recaban?

Compartir escenario con tremendas bandas en Buenos Aires, en Tucumán, en Salta y Jujuy, además de ser reencuentro de años con amigos con los que nos vimos en algún momento histórico, y ahora más adultos todos, con la misma fuerza de siempre. Tremendamente agradecidos con organizadores, bandas, asistentes, y todos en general. Muy contentos para repetir.

Declarados ambientalistas y detractores del orden establecido en la Matrix y sus sociedades de doble o triple moral, luego de la pandemia COVID19 y las cuarentenas, ¿cómo se encuentran personal y musicalmente?

En lo personal, estamos en paz con nosotros mismos y con la sociedad, porque tenemos a nuestros familiares a nuestro lado, nuestros amigos que nos apoyan, y, como hermandad en banda, estamos juntos en la música y en algunos proyectos personales que involucra la naturaleza y nuestro desarrollo. Musicalmente, hemos madurado mucho, ¡tenemos la energía

que necesitamos para seguir, esperamos canalizar nuestras emociones, y lograr grabar un nuevo material ahora que estamos con las súper pilas puestas!

En su canal YouTube presentan Ira, video oficial del tema que forma parte del EP Ciclos. ¿Qué nos pueden comentar de la producción y realización audiovisual? ¿Algunas anécdotas de su filmación y rodaje?

La primera anécdota que comentar, con una gran sonrisa en la cara, ¡es que me caí como El Chapulín al iniciar el concierto! debido a mis zapatos y el piso resbaloso, al terminar la introducción de Beto. ¡La gente se contuvo de reír! Pero luego, al comentar que era parte del show, la gente disfrutó mi caída. En esa noche recibimos el increíble apoyo de los amigos de ANIMA Producciones, que hicieron el video de manera desprendida, y fue un material que nos gusta mucho. Está increíble para nosotros.

Desde sus inicios en 1990, los tiempos han cambiado, y los esquemas y paradigmas van mutando de la mano de la tecnología, haciendo cada vez más factible la posibilidad de entregarse por completo a la música y su actividad creativa. ¿Cómo se encuentran en el aquí y el

ahora como Subvertor?

Al igual que muchas bandas, explorando las ventajas de la tecnología y disfrutando de sus ofertas. Contentos por lograr reproducir un sonido que nos satisface, y, en algunos casos, vemos que las estructuras de nuestras canciones son muy variadas y nos ayuda mucho la tecnología.

En general estamos buscando un punto de equilibrio entre lo que nos ofrece la tecnología y lo que buscamos para hacer nuestra música. En esta labor nos perdemos y retomamos nuevamente. Horacio Lorini hizo un increíble trabajo en la mezcla de nuestro EP Ciclos, y Marcelo Navia hizo una excelente masterización. Seguro, estos años tendremos nuevos desafíos y tenemos que manejarlos.

Dentro de su trayectoria y recorrido, ¿cuál fue el Festival o Evento que los dejó marcados en el Espíritu y Corazón de Metal?

Creo que el reciente concierto denominado Aullido Extremo Volumen 3, que fue un medio para recaudar fondos para un Centro de Custodia de Animales de Vida Silvestre, producto del tráfico de animales. Tocamos con todas las energías del mundo, con una respuesta muy gratificante de la gente de diferentes generaciones, y el evento logró su cometido. ¡Muy profundamente comprometidos con estas nobles causas de bienestar animal!

En este fascinante mundo de la música y la melomanía, según sus gustos y estilos, ¿qué discos o artistas nos recomiendan en la actualidad para adjuntar al playlist y ponerle atención o colección?

Yo personalmente recomiendo Al Di Meola, Paco de Lucia, Animals As Leaders, BB King, Suffocation, Archspire, Razor

Las portadas de sus álbumes siempre han sabido retratar la mística de su Grindcore, como es el caso del álbum Transgreso – Evolución, hecha por el recordado Chicheño. Como dato aparte para los amantes de la historia musical, en Ciclos el autor es Froilán Cosme. ¿Qué nos pueden comentar al respecto? ¿Cómo surgieron los procesos creativos en ambos casos?

Nuestro gran amigo Chichex nos brindó su to-

tal apoyo en la creatividad del arte en base a ideas y sugerencias que fue procesando y desarrollando estos increíbles trabajos que nos han acompañado años de años.

Agradecido con Chicheño. En el caso de Froilán Cosme, un reconocido artista boliviano con varias exposiciones y trabajos, incluyendo para bandas de Metal, nos acercamos muy respetuosamente para solicitar el uso de una obra, y que en lo posible pueda adaptar la misma para nuestro EP Ciclos. El contar con su obra adaptada nos genera un gran compromiso de cuidar el Arte y respetar su autoría en todo momento. Gracias, estimado Froilán Cosme.

Subvertor, Ira metálica

Lacra, Anoxibiosis, Viviseccion, Creación Mundana, Terrorista, Humano, entre otros ya mencionados anteriormente, son de mis temas preferidos dentro del amplio repertorio de Subvertor. ¿Qué canciones se han convertido en sus preferidas para interpretar En Vivo? ¿Algunas que formen parte de su audiencia y marcaron su época?

Un tema que nos gusta tocar mucho es Ira, porque es intenso, fuerte, continuo, y nos permite adaptar su interpretación a diferentes contextos con los que no estamos de acuerdo y nos genera: ¡Ira – Rabia Crónica!, como los incendios forestales que destruyen ecosistemas y especies, y muy poco podemos hacer para revertir sus efectos.

La manipulación política, por intereses personales y sectoriales, que destruyen nuestros frágiles hábitats en nuestras narices. Otro tema que nos ha generado muchas conversaciones muy animadas y confrontantes, y desde un principio fue controversial su confección, es Creación Mundana, muy fuerte y frontal para quien lo quiere asumir como un insulto directo por algo que sientan culpa relacionado a algún tópico del bagaje de temas que toca la canción.

¿Qué es la música para Subvertor?

La Música es una de las más importantes expresiones culturales por la cual tenemos la oportunidad de mostrar nuestros sentimientos, pensamientos, emociones. Es una parte importante de nuestra vida, y tenemos una variada elección musical como miembros de Subver-

tor, donde valoramos el esfuerzo de sus autores y creadores. Personalmente, disfruto de las grandes obras musicales que marcan y marcaron nuestras vidas. Siempre en la búsqueda de nuevas obras musicales.

Luego de las tres décadas de recorrido y trayectoria, Subvertor mantienen su estilo underground y de Death / Grind Metal sin traicionar sus principios. ¿Qué mensaje le pueden brindar a la nueva generación metalera que quiere dedicarse a la música extrema y comprometida?

Con algunas canas verdes y blancas, les decimos a las nuevas generaciones que les motivamos a continuar cultivando este género agresivo, poderoso e incluyente. Es importante que guarden respeto por las obras musicales del pasado y presente, traten de crear lo suyo con imaginación y destreza artesanal, que es lo que más prevalece a la hora de un buen show.

Para el 2023, ¿alguna primicia o novedad que tengan que compartir?

Estimados amigos de la escena sudamericana, esperamos verlos pronto en sus ciudades. Por ahora no sabemos cuáles, pero haremos el esfuerzo de llegar a algunas ciudades con el tremendo apoyo de nuestros amigos de siempre. Pensamos en Brasil y Paraguay, quién sabe en un futuro cercano ir hacia Europa y USA. También queremos terminar nuestro material que dejamos pendiente desde la Pandemia, ¡ahora sí le pondremos entusiasmo y muchas ganas!

Sus palabras de despedida a la gran fanaticada alrededor del planeta, para esos hinchas tenaces de Subvertor, los que siguen sus pasos y apoyan en los eventos, y para los lectores de LaCarne Magazine.

Brutales agradecimientos, hermano Alfonseka, por este tremendo espacio en LaCarne Magazine. Gracias a quienes nos leen y nos dan un espacio para contarles por este medio lo que estamos haciendo, pensando y sintiendo como parte de la escena metalera.

Muy emocionado y escuchando a volumen alto Humano, Ira o Adaptación, esperaremos la nueva producción de los pioneros del Death Metal en las montañas altiplánicas de Los Andes paceños.

Subvertor siempre fue un orgullo para los headbangers del underground, que desde La Paz – Bolivia supieron llegar a exportar su música en aquellos inolvidables 90 con su gema intitulada Trangreso – Evolución, que si no lo adquiriste en su formato CD edición USA, puedes pescarlo en el YouTube, así romperte la cabeza con temas como Vivisección, XX, Terrorista o Lacra. Que la música los lleve donde sus pasos se los marquen, luego de 33 años de aporte a la escena metalera latinoamericana es lo que se merecen por efecto. ¡Éxitos!

Nila Medina el verso y la rima venezolana

infinito.

Agradecemos la confianza y colaboración en la presente exclusiva para LaCarne Magazine

La música de Nila Medina es la resiliencia más pura y honesta que un ser humano puede alcanzar, lejos de la industria y cerca del Espíritu, llenando esos vacíos que la vida y la muerte nos entregan, esas pruebas y lecciones que nuestra Alma vino a aprender, probar y aprobar -valga la rima-.

Es muy importante reencontrarse luego de situaciones abruptas que nos presenta la gran escuela de la vida, cuando el pesar se vuelve incontenible y la falta de aire se convierte en una constante. En esos momentos basta con parar y hacer pausa, la introspección ayudará a la sanación, y si como por arte de magia logramos el despertar musical que se nos presenta, es que podremos soltar y viajar, del interior al

Nila Medina, de corazón

En su cuenta Spotify estoy disfrutando in extenso del álbum De Cora con mensajes de toma de consciencia, una especie de noticiero en temas como De Luto o Cuídate Menor, 7 canciones que nos regala sin pausa. ¿Cómo le fue a su ópera prima? ¿Qué nos puede contar de la producción musical y la difusión del material? Sin duda alguna fue una de las mejores experiencias en lo que llevo de camino musical, ya que estaba pasando por un momento difícil de mi vida. Fue la manera que encontré de desahogar lo que me nublaba. También fue gratificante conocer en ese tiempo a Ak47 (el productor de ese álbum), persona a la que admiro y respeto, quien fue quien me ayudó a desarrollar, concretar y plasmar la idea. Al mismo tiem-

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po, el tema Luto nació de la trágica muerte de mi hermano, luego de refugiarse en las calles. De la misma inspiración nació Cuídate Menor, llevando un mensaje a los jóvenes desde el dolor que atravesé en el proceso.

Para muchos artistas, sus áreas o zonas son importantes para su progreso musical, ¿cuál es su lugar de nacimiento? ¿Qué nos puede comentar al respecto?

Mi lugar de desarrollo musical fue tanto en los valles del Tuy, como Caracas, donde conocí a las personas que me impulsaron a dar el paso de tener una carrera musical. Luego de allí migro a Bogotá – Colombia, lo cual también ha sido de mucho crecimiento y desarrollo en mi carrera.

¿Cómo surge a la vida artística musical?

Cuando tenía tan sólo 5 años de edad, mi abuelo me daba clases de canto. Fue una carrera que siempre le gustó, pero nunca lo concretó

en su vida personal, por lo cual siento que ese vacío lo llenó conmigo. Luego, cuando tenía 8 años, por medio de una de mis hermanas mayores escuché algunas canciones de Vico C, y sin duda alguna fue amor a primer oído. A los 12 años de edad hice mis primeras líneas escritas, y fue cuando el Arte de hacer Rap me terminó de flechar.

¿Algunos artistas de referencia? ¿Qué estilos musicales le han influenciado?

Vico C, Eddie Dee, Guerrilla Seca, Ardilla, Rotwaila. Cabe destacar que me encanta la Salsa y escucho artistas como Willie Colón, Héctor Lavoe, Celia Cruz, Rubén Blades, Johnny Pacheco, Ismael Rivera, Cheo Feliciano

En su canal YouTube he disfrutado del video Rapa`l Mundo Fest 2021 – Cypher Rap una canción sencillamente brillante, un manifiesto que nos identifica a muchos. ¿Qué nos puede contar de la canción y su realización visual?

La verdad, fue una especie de competencia, pero lo viví como una experiencia que disfruté al rendirle tributo a personas que admiro en su área, como Deyna Castellanos (futbolista), Mike Tyson (boxeador), Michael Jordan (basquetbolista), Yuja Wang (pianista).

Otro sencillo que pude apreciar en su canal YouTube es Boom Bap, una declaración de principios Hip Hop, que tiene espacio a la par de la toma de consciencia o del despertar del conocimiento. ¿Qué nos puede comentar de la canción y su producción?

Fue mi primer trabajo audiovisual, fue la forma de transmitir y subrayar que lo mío es el Rap. Lo disfruté muchísimo, no teníamos los equipos, y fue full gracioso hacer herramientas desde nuestra creatividad. Aparte de todo, fue genial trabajarlo con personas que admiro y respeto mucho.

Una de las canciones que me impactó es Tómalo Como Quieras. ¿Qué nos puede rememorar de dicha producción y de las etapas de su vida hecha canción?

Cuando ocurrió la pérdida de mi hermano, fue un momento para reflexionar sobre todas las experiencias que había vivido, a pesar de mi

corta edad, y de esa reflexión y ese encuentro conmigo misma nace Tómalo Como Quieras. Sin duda alguna fueron tiempos difíciles de los que no me arrepiento, ya que son lo que me hacen transmitirles el Rap que les ofrezco.

Acaba de ser seleccionada en sexta posición entre las 10 finalistas de una interesante convocatoria lanzada por los venezolanos Akapellah y Mctemático, dos grandes representantes de la Cultura Hip Hop latinoamericana. Rap Or Die (Rapea o Muere) al parecer será una obra magistral para el Movimiento. ¿Qué nos puede contar de la experiencia y su participación? Fue una experiencia súper bonita, al conocer y ver que hay tantas mujeres talentosas en este género. También fue muy genial poder escribir sobre el beat de uno de los productores que admiro y respeto tanto, como lo es Mctemático. Aparte, elaborar un plan de trabajo con el equipo de OBG también fue una experiencia que nos dejó enseñanza. Sin duda me lo disfruté.

¿Algún evento o Festival que le marcó en el Alma?

El festival de música urbana Basta de Balas Sólo el nombre me hizo sentir identificada con las raíces del tipo de Rap que hago, y fue una oportunidad para expresar y estrenar por primera vez mi álbum De Cora. Y lo más especial es que fue la primera vez que mi familia me vio rapear En Vivo.

Nila Medina, tómalo como quieras

¿Qué libro o autor nos recomienda para leer?

Curro Cañete – El poder de confiar en ti ¿Algún álbum que nos recomienda para adjuntar al playlist?

Dj 13 & Un Tal Yupi – Aristocracia feat. Varios Artistas, y Zen P Terno

¿Qué es la música para Nila Medina? Es la manera más bonita de poder transmitir un mensaje desde mis vivencias. Simplemente la

música es vida hecha canciones.

Luego de los años recorridos, ¿qué mensaje le puede brindar, en especial a las mujeres, que quieran tomar el arte musical como forma de vida e incursionar en la Cultura Hip Hop?

Trabajen por sus sueños y disfruten el proceso.

Pude deleitarme con sus temas 1,2,3 o Yo Te Enseño, entre los ya mencionados. ¿Qué canciones se han convertido en sus preferidas para interpretar En Vivo?

De Cora y Luto se han vuelto mis favoritas a la hora de pisar una tarima.

Antes de entrar a escenarios, ¿alguna cábala o grito de guerra?

¡Es Nila Medina en tarima!

Luego de los años en cuarentenas y el cambio de vida gracias a la pandemia COVID – 19, ¿cómo se encuentra personal y musicalmente en la actualidad?

Fue un tiempo de reflexión y crecimiento, tanto personal como espiritual. La pandemia y el encierro me ayudaron a centrarme en lo que quiero a futuro, por lo tanto, me siento más preparada.

El slang venezolano es tan rico como otros en los territorios de habla hispana, ¿cuáles son sus palabras más frecuentes para refrescarnos el vocabulario castellano, y enriquecernos el diccionario latinoamericano?

Petricor (el olor de la lluvia), Perenne (algo que hago con continuidad y sin descansar, por ejemplo, la música al pasar de los años), Inconmensurable (es algo que no se puede marchitar), Mondo (libre de las cosas superficiales, limpio de algo que no cumple ninguna función), Bonhomia (honradez, sencillez y bondad en el carácter), Resiliencia (capacidad de afrontar los obstáculos).

¿Alguna primicia que nos quiera compartir para el 2023?

Estaré trabajando mucho más.

Sus palabras de despedida para la gente que sigue la música de Nila Medina y para los lectores de LaCarne Magazine.

Es un placer compartir con ustedes parte de lo que ha sido mi trayectoria. Muchísimas gracias por su presencia en cada uno de mis proyectos, y gracias a LaCarne Magazine por tomar en cuenta un proyecto tan importante para mí como lo es Nila Medina.

Muchas gracias por la confianza y colaboración, principalmente dedicarle a su hermano (+) el presente artículo. Me conmueve y llena de emoción su proceso de luto, donde la música y poesía, las melodías y las letras han colaborado a su renacer y Ser, entregando un canto profundamente sincero y lleno de amor. Le deseamos el mejor de los éxitos ahora y siempre, que su carrera musical pueda ayudarla a sobrellevar los baches y pruebas en la gran escuela de la vida, y que el Gran Espíritu le acompañe paso a paso hacia la gloria.

Armadura de Bolivia al Mundo entero

ción para la presente exclusiva con LaCarne Magazine.

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Cerrando el 2022 pude disfrutar de la banda Armadura En Vivo abriendo el show de Barón Rojo en La Paz, y fue un gusto enorme. Sentir esa potencia metalera que los identifica, hibridada a los vientos andinos, entre sikus y quenas, que brindan un aire de renovación y fusión genuinamente original. Fue extraordinario. Para los que vivimos en estas montañas y tenemos clavados los instrumentos originarios en el corazón, el apreciar su música es fundamental y trascendental.

La amistad de años y escenarios ha brindado una solemne relación con los amigos del Metal, y, sin olvidarse de sus brillos hechos canción, nos contactamos con Boris, portavoz de Armadura, agradecidos por la confianza y colabora-

Armadura, Metal Fusión Andino

Luego de las cuarentenas, ¿cómo se han encontrado personal y musicalmente?

Definitivamente han sido momentos muy difíciles para la humanidad. Nos ha afectado bastante, especialmente los que nos hemos contagiado, y lo duro de ver a nuestros familiares enfermos. Pese a la pandemia, hemos tenido actividades como conciertos virtuales, festivales como el Yana Orqo Metal Fest (Perú), el Argentina Online Metal Fest II y el Santa Catarina Stream Fest 2020 (México), además de participar en la Verbena Virtual del 2020, y haber tocado de manera ya presencial en octubre del 2021 en el Teatro Municipal Alberto Saavedra Pérez, festejando nuestros 16 años de carrera musical. Esas actividades nos han mantenido musical y personalmente bien, pese a la pesadilla que pasamos.

¿Cómo nació el proyecto Armadura?

Armadura es un proyecto hecho hace 17 años entre amigos músicos de diferentes bandas. En ese tiempo era muy complicado mantener una banda estable por las limitaciones que había en cuanto a cobertura e ingresos económicos para el género musical. Es así que entre los que estábamos constantes y éramos amigos, decidimos armar una banda nueva, y que con el tiempo se consolide y perdure.

¿Por qué del nombre?

Nosotros lo vemos como una “armadura” de amigos que compartimos gustos musicales y amistad, y esa misma “armadura” es una familia que nos acoge, y está para levantarnos y unirnos en este camino que no es tan fácil, y que conlleva varios sacrificios.

¿Qué influencias y referencias han marcado en el sonido de la banda?

Cada integrante tiene sus diferentes influencias musicales y su sonido, como referentes importantes las bandas desde los 80, Deep Purple, Uriah Heep, Judas Priest, Black Sabbath, Iron Maiden, Helloween, Blind Guardian, etc.

Y en cuanto al sonido Fusión, han sido bandas bolivianas como Wara o 50 de Marzo, un sonido muy único e interesante para explorar. Mucha música autóctona de las comunidades.

Su ópera prima, Premonición, empieza a destellar su camino dentro de lo que ahora los identifica como Metal Fusión Andino, y, en definitiva, con su tercer disco han dejado en claro ser una de las bandas más representativas de nuestra región. ¿Qué nos pueden comentar de aquellas producciones y realizaciones?

El disco Premonición fue el que más nos costó plasmar. En ese tiempo todavía era muy caro grabar en un Estudio, y todos estábamos en la universidad, con dinero muy limitado. Tratamos de grabar el disco, que falló en cuanto a calidad 2 veces, y por azares de la suerte se nos presentó un amigo que nos prestó dinero para poder grabar el disco, y apostó por apoyarnos. Pero decidimos en lugar de pagar un Estudio, empezar un Home Estudio -que llevamos unos 10 años armando-. Con ese impulso pudimos comprar equipo y por fin plasmar el disco. Ese Home Estudio fue mejorando, y ahí mismo grabamos 2 discos más, que son un grato fruto de la apuesta que hicimos.

También tuvimos que prepararnos técnicamente para la grabación. En eso se enfocó nuestro guitarrista Iván Méndez, que es el que produce los discos.

Las portadas de Ajayu y Nuevas Tierras han sido realizadas por el connotado Froilán Cosme, una belleza de artes que le brinda aún mucha más identidad y luminosidad a su música. ¿Cómo surgieron los procesos creativos?

Froilán Cosme es un tremendo artista. Ya habíamos visto su trabajo tiempo atrás en el Museo de Arte, y ante tan impactante estilo nos pareció interesante unir dos artes, que además tenían -creemos- mucho en común. En el disco Ajayu empezamos a trabajar con él, y quedamos muy conformes de lo que hizo, le da más identidad a lo que queremos mostrar. General-

mente le pasamos algunos temas y nos reunimos para ver las ideas principales del disco, y básicamente dejamos que él trabaje libremente. Él entiende perfectamente lo que queremos expresar en nuestra música.

Las tapas que se están gestando tienen un concepto y una continuidad que se están desarrollando una a una. El último trabajo que nos hizo fue el 2022, y va ser el Arte de nuestro nuevo disco que titula Guardianes. Todavía no está terminado, pero el concepto lo tenemos claro.

¿Quiénes integran Armadura?

Juan Carlos Mamani Chuquimia (quena, zampoña), Leonado Marcelo Borda (batería), Chelo Castañares Loria (teclados), Iván Méndez Cossio (guitarra eléctrica), Marco Antonio Sánchez Martínez (bajo), Luis Valda Arenas (sonido, vientos), y Boris Méndez Cossio (voz).

Su trabajo de Metal Fusión Andino se ha hibridado con las Orquestas Sinfónicas, desde la Nacional hasta la OFA, logrando una impresionante puesta en escena que, desde ya, deja profundo legado dentro de la música contemporánea latinoamericana. ¿Qué anécdotas nos pueden compartir?

Esa parte de nuestra historia es sin duda un montón de suerte y buena energía que tuvimos en ese momento. El sueño de cualquier banda es poder tener un Sinfónico, y gracias a personas que creyeron en nuestra música y mensaje es que logramos participar en el Ambivalencias, que lo producía El Bunker y el Banco Mundial, a la cabeza de Vivian Fernández y Faris Habat. Era un proyecto que unía géneros artísticos distintos. Nosotros fuimos parte de la segunda versión, e intervinieron muchas personas entre arreglistas, equipo de producción, la Orquesta Sinfónica, un grupo Autóctono, Coro de niños, bailarines, actores, etc. Fue un gran equipo de trabajo.

La preproducción tuvo una duración de un año, y la puesta en escena fueron dos días en el Teatro Municipal. El evento se filmó, y el resultado fue un DVD titulado Ambivalencias – El Metal se funde con la Historia de Bolivia, que contiene 12 canciones, entre temas banda

y orquesta, y temas sólo la Orquesta.

Este 2022 presentamos una propuesta a la Alcaldía de El Alto para poder replicar una experiencia similar el 2023, en el Aniversario de El Alto junto a la Orquesta Filarmónica El Alto – OFA. Un primer acercamiento se pudo realizar en la Huayna Fex 2022, donde tocamos un tema junto a la OFA y esperemos se pueda consolidar el proyecto.

Es una de las metas que teníamos como grupo y lo hemos disfrutado mucho, es un reto interesante tocar con una Orquesta Sinfónica, y un aprendizaje muy importante para cualquier banda.

Todavía tenemos planes de fusionar a futuro, pero con una Orquesta de Instrumentos Nativos, una Orquesta Sinfónica y Rock.

Desde el homenaje a Kala Marka han mantenido su estilo de re versionar a grandes íconos dentro de la música hecha en nuestras montañas. Por ejemplo, últimamente vi el clásico Ciudad del Alma del grupo Áltiplano Fusión Band junto al Maestro Edgar Bustillos, o compartir en

el tema Fruto Ancestral con invitados como Nayra Porco de Norte Potosí, una belleza única de Música Fusión. ¿Qué nos pueden contar de las hermosas e infinitas experiencias?

Para nosotros el poder versionar es algo que nos ha resultado muy bien en cuanto al impulso que necesita una banda para poder crecer. La primera experiencia fue Ama Sua Ama Llulla

Ama Khella de Kala Marka, al cual le tenemos mucho cariño. Luego también editamos Aguas Claras de Kala Marka para el disco Metal Marka, que tiene varios temas versionados por diferentes bandas del Metal boliviano. También hemos versionado Guerrero Aymara del grupo Awatiñas, Potosino Soy de Savia Andina (el cual es soundtrack de la FEIPOBOL en Potosí), y Ciudad del Alma del grupo Altiplano Fusión Band

En realidad, versionamos temas que nos gustan y queremos seguir haciendo eso, ya que, además de tocarlos en nuestro estilo, nos da mucha alegría, también damos a conocer nuestro Folklore a las nuevas generaciones de rockeros del país y fuera de él.

El tema Fruto Ancestral es una composición

del grupo, que lo realizamos para el Festival de la Papa en Betanzos (Potosí 2019) a pedido del alcalde Juan Tellez, y el cual tenemos el orgullo de tener como vocalista a Nayra Porco (Norte Potosí), y en charango a Walter Chumacero (Grupo Anata Bolivia). Un trabajo que nos encantó hacer, ya que tuvimos que profundizar en la historia, leyendas e importancia de este producto nacido en Los Andes, y que nos sorprendió por la importancia que tiene y que tendrá en el futuro.

En su canal YouTube tienen una prolija y extensa videografía. Disfruté del videoclip de Extinción, que nos brinda mucha consciencia ambiental en su lírica, muy importante en nuestros tiempos, una obra emblemática del Metal nacido por estas cordilleras. ¿Qué nos pueden comentar de la producción y realización?

El tema Extinción forma parte de nuestro tercer disco Nuevas Tierras, el cual lo estrenamos cuando empezó la pandemia. El problema ambiental nos preocupa mucho, y se ha convertido en parte de varias de nuestras composiciones. El videoclip fue una propuesta que recibimos de una estudiante (Jael Marín) de Comunicación Social, y era hacer un video en Chroma.

Nos gustó la idea, ya habíamos utilizado esta técnica de filmación en algunos de nuestros videos, pero no en su totalidad, y nos pareció una nueva experiencia. Tomó algunos meses el terminar la edición. Nos gustó mucho la experiencia, y estamos agradecidos con ellos. El encargado de la edición fue Adrián Ramos

En YouTube podemos observar versiones En Vivo y En Karaoke de sus canciones, algo único de Armadura, que se catapultó dentro del género Metal Fusión Andino en Latino América y el Mundo. ¿Qué temas invitan a ver y cantar con su audiencia?

Tratamos de dar todo lo que podemos a las personas que nos siguen, y es por eso que decidimos hacer unos videos en versión Karaoke para que puedan cantar también. Como tenemos acceso a las pistas en nuestro Estudio, pues un día salió la idea de tener las pistas sin vocalista y poder realizar algunos videos en este formato. Les invitamos a que puedan cantar el tema Furia y ver nuestro concierto Ambivalencias junto a la Orquesta Sinfónica

Nacional.

Cuentan con una linda merch para seguir en el camino de la autogestión y producción, discos originales en formato CD, poleras, afiches. ¿Cómo se encuentra la respuesta de los seguidores?

En la coyuntura actual, los CD han caído mucho en ventas por las plataformas que existen hoy en día. Básicamente de la música en formatos CD o físico ya es difícil ganar o recuperar lo invertido, las plataformas digitales pagan muy poco -o casi nada- por la música de los artistas, pero de alguna manera nos ayuda a promocionar nuestra música. Las poleras y algo de material que sacamos por suerte se agotaron. Sacamos un stock limitado después de cada estreno de disco. Obviamente siempre agradecemos a los fanáticos que todavía nos apoyan comprando nuestro material, y esperamos que las condiciones mejoren en un futuro.

Acaban de regresar del Perú, donde se presentaron rodeados de bandas metaleras, un orgu-

llo representar al Heavy Metal latino. ¿Cómo se encuentran luego de estar frente a frente con su público?

Siempre es lindo tocar en escenarios distintos, y más aún fuera del país. Es todo un reto. Y volver también es un placer. Principalmente disfrutamos de lo que hacemos, nos llena el Alma y es por eso que cada escenario es especial. No importa si hay 5 o 1000 personas, siempre es especial. El último concierto que dimos fue en La Paz, abriendo a la banda española Barón Rojo. Para nosotros una enorme alegría, porque es parte de nuestra influencia musical y uno de los pilares del Heavy Metal en español.

Hasta la fecha tienen tres álbumes y un par de sencillos. De su propia voz, ¿qué discografía oficial tiene Armadura?

Premonición (álbum 2011), Motor Endiablado (single 2015), Ambivalencias (DVD 2015), Ajayu (álbum 2017), Elegia Heroica (single 2018), Fruto Ancestral (single 2019), Nuevas Tierras (álbum 2020), Guardianes (álbum 2023).

Armadura, la Senda del Guerrero

Dentro de su trayectoria y recorrido han compartido con grandes músicos y representantes de la Escena metálica del planeta, desde Rata Blanca, Leo Jimenez hasta Ángeles del Infierno. ¿Cuál fue el Festival que los dejó marcados en el Espíritu?

Como les comentamos, cada concierto nos llena mucho el Alma y corazón. Todos los conciertos con artistas internacionales tienen su lado bueno y malo. La idea de tocar con bandas grandes como Rata Blanca o Ángeles del Infierno es muy bueno para cualquier banda que está en crecimiento, y es dar pasos grandes en la carrera musical.

En nuestro caso hubo conciertos fuera del país que nos han marcado mucho, además que teníamos emociones encontradas. Por ejemplo, nuestra gira por Argentina el 2011, que fue difícil pero increíble, era la primera vez que salíamos del país como Armadura. Compartimos escenario con bandas que son nuestros hermanos, Faraón, Insignia, Gusano´s Hellmachine.

Otro que no olvidaremos es un concierto en Arica el 2017. Nos invitaron al Festival Sideral, y el escenario estaba en plena playa. Tocamos junto a buenas bandas chilenas como Cuervos del Sur, Crisalida y Egregor. Fue un concierto inolvidable por la calidad de bandas, la atención que nos brindaron, e indudablemente por tocar cerca del mar, que es algo que causa emociones fuertes en todos nosotros. Fue de primera.

Según sus gustos y estilos, ¿qué artistas nos recomiendan para adjuntar al playlist?

Realmente es muy extensa la cantidad de música que escuchamos entre todos. Vamos a intentar nombrar algunos de los que podríamos recomendarles entre bandas nuevas y antiguas: Pink Floyd, Emerson Lake & Palmer, King Crimson, Uriah Heep, Deep Purple, Iron Maiden, Megadeth, Rainbow, Dio, Mercyful Fate, King Diamond, Amorphis, Angra, Manowar, Pantera, Ayreon , Erick Norlander, Pain of Salvation, Luca Turilli, Devin Towsend, Blind Guardian, Helloween, Grave Digger, Rage, Firewind, Kamelot, Myrath,

Alestorm, Eidyllion. Y en cuanto a lo nacional, Wara, 50 de Marzo, Punto Nazca, Rumillajta, Awatiñas, Kala Marka, Altiplano, Whiphala, y mucho de la Música Autóctona y tradicional de las comunidades.

Siempre es lindo escuchar consejos y mensajes de apoyo -desde la experiencia- para la gente que se quiera dedicar a la música, ya sea de manera profesional u ocupacional. ¿Qué les recomiendan a las generaciones venideras?

Creemos que lo más importante en la carrera del Arte es la paciencia, constancia y trabajo duro. Es básicamente el camino que se debe recorrer, y no dejar de intentar y buscar oportunidades para crecer.

Creemos que lo más importante es plantearse metas altas para poder llegar a una media. Proyectar el camino ayuda mucho a llegar a los objetivos trazados, el universo conspira para que sucedan las cosas.

Antes de entrar a escenarios, ¿alguna cábala o grito de guerra?

Todavía no tenemos un grito de guerra marcado (es una buena idea), pero en tono de broma el grito que tenemos es “¡apura Borda!”. El significado de eso es que la parte más morosa de alistarse, especialmente en los festivales, es la batería, y es muy común estar preguntando a Marcelo Borda si ya está listo para comenzar. Sabemos que es un instrumento que se tarda en armar, pero con la adrenalina y la presión del tiempo siempre paga el baterista.

Su álbum Nuevas Tierras me ha encantado, con temas como Lago Sagrado, La Senda del Guerrero, Del Norte, por nombrar algunas piezas que llenan el corazón. ¿Qué canciones son sus preferidas para interpretar En Vivo?

Amamos tocar todas nuestras canciones porque le hemos puesto algo de nosotros, pero de este disco las que tocamos más son Extinción, Nuevas Tierras, La Senda del Guerrero y Fruto Ancestral. En el público creemos que, al igual que a nosotros, les gustan los temas que tienen esa parte de Fusión con instrumentos o ritmos de Bolivia.

¿Qué proyectos venideros nos traen para el

2023?

Nuestro principal proyecto es terminar la producción de nuestro nuevo disco Guardianes, que tiene un avance importante, pero por razones de trabajos, proyectos, conciertos y demás aspectos, no hemos podido culminar, y esperemos en breve poderles hacer llegar el trabajo finalizado.

En cuanto a viajes, tenemos todavía pendiente unos conciertos en algunos Festivales en México, que se pospuso varios años por la pandemia. Esperamos el 2023 poder realizar esa gira.

Sus palabras de despedida para los fanáticos de Armadura y para los lectores de LaCarne Magazine.

Queremos agradecer siempre el apoyo de la gente hacia nuestra música y al Rock en general. Decirles que sin ustedes no somos nada. Agradecer a nuestras familias, que muchas veces son nuestros más grandes apoyos.

A LaCarne Magazine queremos agradecerle por tan buena entrevista. Nos gustó, y puso en problemas sus preguntas. Es muy agradable responder y rememorar toda nuestra carrera, y en especial que le hayan puesto atención a nuestro trabajo. También agradecerles por el espacio y la cobertura que le dan a la música y el Arte. Son espacios que necesitamos y que aportan mucho al movimiento cultural. Mil gracias.

Estaremos contentos de escuchar el nuevo material de Armadura este 2023 que se inicia con toda la fuerza del Metal, que, cual Ave Fénix, va retomando vida propia y expandiendo sus gigantes alas nuevamente. Gracias a todos los protagonistas que ni cesan ni claudican en la vocación y pasión musical. Éxitos en la producción y realización de Guardianes, de seguro otra gema dentro del Metal Fusión Andino.