LaCarne Magazine N124

EXPERIENCIAS

OFunkillo

«a jierro» en las Fiestas Patronales

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Fotos: Eva María Aroca

Lavuelta a la rutina se hace más llevade ra cuando tienes un paréntesis con unas mini vacaciones de por medio. Y así ha sido mi caso. Estoy, como siempre digo, “en el proceso de adaptación”, como los niños cuando empiezan el cole por primera vez, jejeje.

En este caso, este paréntesis ha sido debido a la celebración de las fiestas patronales del municipio de Loeches, Madrid, que celebraban sus tradicionales fiestas tras dos años sin poder hacerlo debido a la pandemia. Unas fies tas patronales con actividades para todos los públicos, y todos los gustos. Y entre todas las actividades, hubo conciertos como el de la ban da sevillana OFunkillo, que lleva girando todo el verano por España, e hizo parada en este municipio.

*He de decir que es tradicional del municipio de Loeches el festival Lechurock, aunque este

año no he podido asistir, ya que estaba, como mencioné al principio, en mi “proceso de adaptación a la rutina”, haciendo una escapada a la playa (risas)*

Pero una vez acabadas las vacaciones hay que regresar a casa, o como bien canta OFunkillo, Nos vamos pal´kely.

OFunkillo, «a jierro» en las Fiestas Patronales Sábado, 10 de septiembre, y aunque con un buen rato de retraso, y con un público joven esperando impacientemente, quizá un poco aburrido por la prolongación del concierto anterior, ya que eran canciones de otra época. Cla ramente era una actuación enfocada para un público más mayor, que también están en su derecho de disfrutar.

El horario estaba previsto para que el espectáculo de OFunkillo comenzara a las 23:30,

pero el caso es que eran cerca de las 00:30 (o más) de la noche cuando por fin dio comienzo el concierto de los sevillanos, que empezaron con mucha energía con su conocido tema Ri ñones al Jerez, en el que rápidamente el ánimo de los asistentes cambió por completo, bailan do y cantando.

He de decir que, aunque es la segunda vez que OFunkillo vienen a tocar al municipio, y en mi ciudad, Torrejón de Ardoz, también han ido en varias ocasiones. Para mí era la primera vez que los veía en directo, y puedo asegurar que fue un concierto muy ameno y divertido, y con un potencial enorme de los músicos, como es el caso de Txako Jones, la chica que les acompaña en los coros desde 2016, que cantó una canción ella sola, demostrando que tiene una gran voz, como dijo Chusta (Raúl Calvo) al micro, “Viene haciendo coros, pero canta más que yo”. Sin duda, una gran cantante de soul.

El estilo desenfadado de OFunkillo, y sus canciones pegadizas, iba atrayendo cada vez a más gente que se iba incorporando a disfrutar del concierto.

Me hizo hasta ilusión ver a un chaval de no más de dieciséis años realmente atento y disfrutando de la música en directo, buscando en su móvil imágenes y canciones del grupo. ¡Un nuevo fan que se sube al barco! Un nuevo “Fankillo”. Por cierto, que conste que tenía al chaval justo al lado, y por eso lo vi.

La fiesta continuaba con sus temas más conocidos, como A´Jierro, con el que hasta los niños (sobretodo el mío) saltaban sin parar.

Le seguía uno de los solos de bajo del gran Pepe Bao, que nos dejaba a todos una vez más boquiabiertos con lo que es capaz de hacer tocando el bajo. ¡Es realmente alucinante lo que puede hacer este señor!

También Chusta se marcaba un cante flamen co al ritmo de las palmas del público, para se guir después con más canciones de su famoso repertorio, como Nos vamos Pal’kely, aunque modificando un poco la letra diciendo No nos vamos pal’kely, pues la fiesta continuaba con

un público entregado a la jarana, y al ambiente de lo que son unas fiestas patronales después de dos años sin poder celebrarlas. Sin duda, la gente tenía muchas ganas de pasarlo bien.

Todo Pa la Pachamama, En El Planeta Aseitu na, En El Campito fueron temas que siguieron con la fiesta hasta casi las tres de la madrugada, y, entre canción y canción, el genio de Pepe Bao seguía deleitándonos con su bajo, haciendo de las suyas. La gente coreaba su nombre, ovacionándole con un caluroso y fuer te aplauso.

Sin lugar a dudas, él podría tener su propio es pectáculo si se lo propusiera. Él y su bajo.

Llegó el momento de recogerse de verdad,

pues ya el cansancio me estaba ganando, ter minando de ver el entretenido y finalmente extenso concierto con el tema A Shuparla Ya.

Fue una noche muy divertida, en la que la espera mereció la pena.

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BAM 2022 Crónica de un festival de éxito

ver a sentir las sensaciones de libertad que genera el fervor del público, el entusiasmo de los artistas, la viveza del momento, y la energía en los escenarios.

Vuelta a la normalidad y éxito rotundo del Barcelona Acció Musical, BAM 2022

Se volvieron a llenar las calles de bar celoneses para disfrutar de las músicas traídas de todos los continentes, y de todos los estilos posibles.

Estuvimos en unos pocos conciertos para vol-

El viernes, la lluvia provocó la suspensión del directo de Luna Ki, y la noche no fue muy apacible para disfrutar de la velada.

BAM 2022 – Crónica de un festival de éxito

El sábado por la noche solo estuvimos en un concierto en la Rambla del Raval.

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HIGHKILI

Traído por el colectivo Sunkusi, el canario dio un conciertazo de Rap en clave Rave en esta edición del BAM Festival. Sin duda, la influencia de la escena jungle y break beat de cana rias y el sonido uk se percibe en cada canción que nos rapeó.

Dembow, Neo Reggaetón, Jungle, UK Garage fueron algunos de los estilos y ritmos que aderezaban su flow. Una versatilidad aplastante, da igual si es a las “3 de la mañana” o “Por la noche” porque nos hizo bailar y disfrutar.

El domingo nos acercamos a los conciertos en la antigua fábrica de Estrella Damm.

KRISSIA

Juventud y pop bien llevado. En formato trío, Cris Llobet nos introdujo dentro de su atmosfera Pop Lo Fi. Un directo con una sensibilidad inusual a base de texturas y capas para condu cirnos hacia la magia de un espectáculo donde el amor, la nostalgia, la idealización toman pre sencia, y embaucó a todos y cada uno de los que pudimos descubrir la diferentes canciones que forman parte de su disco Kara Boi.

LIL ELLA

Teníamos ganas de disfrutar del concierto de una de las artistas emergentes de Madrid y comprometida con la causa LGTBIQ+. Había mos escuchado Caprichosa, y ese Dream Pop con base rítmica reggaetonera con la temáti ca del amor, la melancolía y el costumbrismo como bandera. Mi primera vez o Fines de Semana son algunos de los temas que nos tocó acompañada de Axelot

FOTOS DE LA NOVIA

Con el cuarteto de Barcelona se notó un cam bio generacional, incrementó la edad del públi co con el cambio de estilo.

Synth Pop, Post Punk acompañado del autotu ne con un frontman carismático, que nos recordaba en sus movimientos y en su voz a Golpes Bajos. Nos encantó los temazos Soy una puta foto y Vida Resuelta, haciendo referencia al dinero o a la imagen en el contexto actual. Viaja mos a los 80’s.

LA QUEENCY

La de Terrassa puso patas arriba el escenario de la Estrella Damm con su show cargado de energía con estética de látex, goma y fibras negras, para hacernos bailar de principio a fin.

Pelotas de playa, sensualidad, pistolas de agua, bailes sin complejos, máscaras, guiños al colectivo LGTBIQ+, y todos los ingredientes para pasar una velada maravillosa. Una presencia, movimiento, carisma y una fuerza en el escenario acompañada de bailarinas y de Oli-

ver Over, para dejarnos disfrutar de la música urbana contracultural de la que abandera.

LA COOBA

A continuación disfrutamos de la barcelonesa. De nuevo un show con fuerte presencia de Reggeatón y Trap, aunque quizás con no tanta energía. La cantante y comunicadora también vino acompañada de bailarinas, y compartió el tema Free Pablito con su amiga La Queency. Nos presentó su disco Pirineus, y nos dejó un final de noche espectacular con mucho empoderamiento.

El lunes volvimos a la Antigua Fábrica de Estrella Damm para cerrar el festival Bam 2022.

ANNA FERRER

El concierto de la menorquina estuvo cargado de sentimiento, sensibilidad y emoción. Un es pectáculo que por primera vez lo enseñaba de día. Con tres micrófonos, en cada uno de ellos presentaba y tocaba un instrumento y canción diferente.

decía que no se podía practicar la denuncia política y social desde la electrónica? Ellos lo hacen a la perfección a base de imágenes y música.

En el apartado musical nos tocaron temas de S Curro & Manuel, Josh Wink, Shy Fx o Niño de Elche. La fantástica fusión de la escena an daluza de Break Beat, Jungle, con los palos del Flamenco. En el apartado visual nos brindaron con imágenes de Meloni, Rey Charles, Caste llers, manifestaciones, procesiones, artistas flamencos, y todo aquello que ellos transforman, reivindican o critican a veces desde la irreve rencia, el humor, la ironía o la belleza. Es el mejor espectáculo electrónico a nivel nacional, y si no existieran habría que inventarlos.

MANS_O

El barcelonés, a nuestro parecer, se vio perju dicado por el final apoteósico de los sevillanos. El público estaba a un nivel altísimo de excitación, siendo éste muy difícil de mantener. Un show basado en gran carga rítmica, donde los Breaks son piezas fundamentales en su manera de hacer.

Primero empezó con el sintetizador, después percusión, y por último guitarra y ukelele. En continuo diálogo con el público, con una puesta en escena tenue, con la única iluminación de un foco y mucho Folk menorquín, en su lengua materna y en castellano. Con empoderamiento, con una voz prodigiosa, con la tradición oral por montera.

MAGIA BRUTA

El Dueto procedente del País Vasco incremen taron los bpm’s y nos brindaron un directo de importante base electrónica para embellecer y acompañar canciones Pop.

Nos tocaron tracks de su álbum Un día nuevo, acompañado de visuales de bonita factura. So nidos experimentales y mucha armonía a cargo de dos maestras talentosas para emocionarnos y vibrar a partes iguales.

LOS VOLUBLE

Sin duda el cierre del BAM 2022 era el de los andaluces. Una propuesta cargada de simbo lismos. Su espectáculo es exquisito. ¿Quién

Contundencia de ritmos y bajos, pero con escasez de melodía y atmósferas, acompañado de continuos bailes de Roman Daniel. La sen sación que te llevas es de temas cortos y mucho baile a lo Leeroy Thornhill, pero escaso live. Le hubiera beneficiado tocar antes, pero fue un buen colofón.

Otro año más con un festival dando gran co bertura a artistas emergentes que en un futuro serán estrellas top en sus diferentes estilos. Un trabajo excepcional de búsqueda de grupos y artistas noveles, y de nuevas tendencias para anticiparse al presente y entender los talentos del futuro. Enorme trabajo realizado desde la Cooperativa L’Afluent, responsables actuales del festival.

The Halo Effect presentan Days of The Lost

espectáculo para dedicarse a mejorar su salud y sus problemas de adicciones, recibiendo un aluvión de mensajes de apoyo y comprensión por parte de los fanáticos de la banda.

Elaño pasado os hablaba sobre esta gran banda que ha nacido de la unión de otras dos grandes bandas del Metal: In Flames y Dark Tranquility, ambas procedentes de las preciosas tierras suecas. Ellos son The Halo Effect, que como ya sabemos cuenta con la gran voz de Mikael Stanne, las guitarras melódicas de Niclas Engelin, ade más de Peter Iwers al bajo, Daniel Svensson a la batería, y también en las guitarras Jesper Strömblad, quien recientemente ha anuncia do que iba a estar temporalmente retirado del

Si bien en el artículo del pasado año os mos traba lo que era su primer single con el que me quedé totalmente prendada, Shadowminds, tema que engancha desde el primer segundo y que es altamente adictivo, en esta ocasión vengo a contaros una reseña de lo que ya es su primer álbum debut completo.

The Halo Effect presentan Days of The Lost, el mejor álbum de Metal de 2022

Con el título Days Of The Lost nació este pri mer álbum el pasado 3 de Junio, bajo el sello

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Tranquility, es quizá una combinación perfec ta para el mundo del Metal. De eso no me cabe duda. En Spotify ha superado los tres millones de reproducciones.

El segundo tema del álbum, In Broken Trust, le caracteriza la combinación de las voces gutu rales con las melódicas, con un aire de misterio, y, por supuesto, unos riffs de guitarras que son puros placeres auditivos.

Le sigue el tercer tema, que además es que le da el nombre al álbum, Days Of The Lost, con una melodía bastante animada y mucha potencia a la batería. ¡Esta canción es pura energía!

Me encanta la energía de Mikael Stanne. Él es tan amable siempre, es una persona que trans mite muy buenas vibras.

Seguimos analizando el álbum, y nos vamos al cuarto tema del álbum, Conditional, otro tema cañero en el que podemos escuchar a un Mikael más “agresivo” narrando la historia de alguien atrapado en una realidad de la que an sía salir, y que lucha por su independencia.

de Nuclear Blast, como no podía ser de otra forma. El álbum de The Halo Effect está compuesto por diez canciones, bueno, por diez auténticos temazos que querrás escuchar una y otra vez. El álbum es una bomba de relojería de principio a fin, del cual me gustan hasta los silencios (risas).

Empieza con el mismísimo tema Shadow minds que ya conocemos, pero que no nos cansamos de corear hasta la saciedad. Qué puedo decir sobre esta canción, es mejor vol ver a escucharla.

Es un tema que bien podía ser la banda sono ra perfecta para una película de acción, ¿ver dad? Las melodías de la parte de In Flames, con la gran voz de Mikael Stanne, de Dark

En el ecuador del álbum encontramos Ga teways, un tema consistente, algo más pausado, con una melodía bonita, en el que podemos destacar el bajo que suena de maravilla, y un estribillo que quizá me pone un tanto nostálgica, aunque no sabría muy bien decir porqué. Una canción que nos habla de lanzarnos a las puertas del miedo, hasta que éste muera dentro de nosotros. Es una canción que es una buena reflexión.

El sexto tema de Days Of The Lost es uno de mis favoritos. Me encanta escucharlo a todo volumen, The Needless End, con mucha he rencia de Dark Tranquillity, con unos cambios de ritmo muy interesantes, muy buen sonido a las guitarras, pero eso lo teníamos claro ya, ¿verdad?

Entrando en la recta final del álbum encontra mos el séptimo y enérgico tema, A Truth Worth Lying For, en el que vuelven a combinar gutu rales con la voz melódica, con un sonido limpio y potente, y con un final muy bonito. A estas

alturas del álbum me atrevería a decir que es de lo mejor que se ha lanzado este año dentro del género metal.

“A tope de Power”, comienza el octavo tema, Feel What I Believe, que The Halo Effect nos hará bailar en concierto sin parar, estoy segu ra. Otro tema que ya ha superado el millón de escuchas en Spotify.

El álbum va llegando a su fin con el noveno y penúltimo tema, Last Of Our Kind, que tal cual empieza, parece una canción de los finlande ses Apocalyptica, hasta que viene el “Boom!!”, haciendo de nuevo otra canción explosiva y ca ñera, con buenos riffs, una batería contunden te, y con una letra que nuevamente nos invita a una reflexión sobre la cárcel de nuestros pensamientos, y la lucha con nuestra mente por salir de nuestra oscuridad. Un gran tema, sin duda, aunque bien he de decir que no es de los que más me emocionan del todo.

Y para ponerle el punto final al álbum, que, por cierto, lo he escuchado varias veces y se me ha pasado volando, encontramos el décimo y último tema, The Most Alone, muy en la línea de Dark Tranquillity.

Para mí, este álbum es cañero de principio a fin, pero no se hace pesado, no tiene un sonido taladrante, las melodías marcan la diferencia, tanto en las guitarras, como con los sintetizadores, suenan de maravilla, y si además com binan las voces guturales con las melódicas, el resultado habla por sí solo. Mi más sincera enhorabuena a los chicos de The Halo Effect por esta gran obra maestra.

Y si con el álbum no habéis tenido suficiente, recordemos que The Halo Effect estarán de visita por nuestro país los próximos días 7 y 8 de octubre en el Palacio Vistalegre, Madrid, y Coliseum A Coruña, en La Coruña, respectiva mente, y nada más y nada menos que junto a Amon Amarth y Machine Head.

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¡Hasta la próxima!

Festival Esperanzah

cambiando el mundo desde la transformación

ElFestival Esperanzah se define como la “Fiesta de la Economía Social y So lidaria”. Detrás de este festival, que se realiza en el Barrio de Sant Cosme en el Prat de Llobregat (Cataluña), hay una cooperativa cultural (Visitar Website).

No hablamos de un evento cualquiera de mú sica. Precisamente dicho festival tiene puntos en común en su planteamiento con otras propuestas festivaleras musicales alternativas de la zona, como podría ser BAM, Biorritme, AMFest o Clownia. Están en las antípodas de festivales como Madcool, Primavera Sound, Starlite, y otros festivales mastodónticos donde impera el consumismo y el neoliberalismo sobre la música.

Festival Esperanzah 2022, cambiando

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transformación cultural

el

mundo desde la transformación

cultural

Desde Esperanzah, su principal objetivo es cambiar el mundo desde la transformación cultural.

En 2018 ya hablamos de dicho festival porque lo presentaron como el primer festival entera mente femenino (incluyendo equipos técnicos y de seguridad) Leer artículo

Desde el 2007 hasta 2022, el festival ha conta do con multitud de artistas, desde Manu Chao

o Txarango, hasta Los Niños de los Ojos Rojos o Amparo Sánchez. Propuestas musicales donde la fusión de estilos es seña de identidad, además de la perfecta conexión entre vanguar dia y tradición para transformar el ecosistema local, regional, nacional y global.

A las jornadas musicales se le suman otras ac tividades con la misma importancia, como por ejemplo charlas, debates, talleres, circo, expo siciones, asociaciones, y un largo etc.

Este año tendrá lugar los días 7-8-9 de octu bre en el Parc Nou de El Prat de Llobregat, con abonos de tres días por 35€, casi gratuidad para menores de 12 años, abonos para familias monoparentales o numerosas, abonos para familias, abonos para discapacitados. En definitiva, los precios oscilan entre 18 y 60€, dependiendo del tipo de abono. El precio de las entradas son donaciones para diferentes proyectos y Ong’s con el que el festival colabora.

A continuación haremos un recorrido por los diferentes artistas que formarán parte de los 3 días de festival:

Festival Esperanzah 2022 – Info y Pro gramación

completa TRIBADE

Actualmente el trío de Barcelona, compuesto por Masiva Lulla, Bittah & Dj BigMark, prac ticantes de Urban Rap político. Entre sus can ciones nos encontramos Ritmos Flamencos, Reggeaton y Afrotrap.

Forman parte de la cooperativa Propaganda Pel Fet, y disponen de dos discos en su ca rrera: Las Desheredadas y Dyke. Han colabo rado con artistas de la talla de Falsa Alarma, Santa Salut, Las Bajas Pasiones o Las Ninyas del Corro

SMOKING SOULS

La banda de Alicante procedente de Pego tie ne ese punto de Rock Alternativo Progresivo, acompañado de guitarras afiladas y arreglos tanto electrónicos como orgánicos, para gene rar melodías y canciones que van desde lo in trospectivo a lo cotidiano, y en valencià.

Con diez años de carrera, son una banda consolidada con 6 discos a sus espaldas. Nos to carán su último disco llamado La cura

JHANA BEAT

Se define a sí misma como Sonido Electrorgá nico. A través de una Loop Station, su guitarra, pedaleras, Kaoss Pads, y su maravillosa voz utilizada en modo Beat Box y cantando al más estilo R&B.

Una mujer orquesta y maestra del DIY, que desarrolla un espectáculo ecléctico, bailable, fusionador de estilos, que van desde el Blues hasta el Ragga Jungle. Forma parte del pro yecto ligado al festival llamado Arte Muhé

HEIDI & THE BOOBIES

Girl Band desde el Prat para traernos el Rock de esencia setentera, de rebeldía a lo Patti Smith, de regusto Blues, de Psicodelia y de hilos Grunges. Un torrente de voz y un sonido tremendo y enérgico.

Un grupo que empezó en 2019 bajo la produc ción de The New Raemon y la experiencia Trainer. Presentarán su EP Do it Again, pero que ya están trabajando en un larga duración, y que sin duda las cervezas y los ensayos están dando una propuesta musical abrumadora.

LE BIG SUR

Una banda multicultural con miembros de dife rentes países, a medio camino entre Bogotá y

Barcelona. Ellos mismo se definen como Latin Folk Rockers, a nosotros a bote pronto nos recuerdan a grupos como Dusminguet, Fabulosos Cadillacs, Titán, Molotov

Con un puñado de canciones ya se han recorri do numerosos festivales en Europa y América. Rock Alternativo con esencia tradicional latina.

MAIO

La artista barcelonesa compone canciones que van desde la intimidad y la emoción desde el punto de vista más orgánico, hasta la reivindi cación y cotidianidad a ritmos tropicales, reg gaetoneros y traperos.

Una combinación diversa son las 9 canciones de su álbum debut Des del Marges, de una cantautora que se sale de los cánones para de jarnos un producto musical cercano, real, pre ciosista y honesto.

PELAT I PELUT

Es una boy band de Vic formada por 9 compo nentes, que presentarán su disco Flor al cul. Su música es un recorrido por diferentes ritmos mediterráneos, también latinos, Rumba Cata lana o Electrónica (Músicas Urbanas) con unas letras cargadas de optimismo y alegría.

Serán los encargados de llevar la fiesta y el baile de una manera directa, potente, sincera y con salsa catalana.

TREMENDA JAURIA

La formación madrileña han pasado a ser 5 personas, la maduración natural hacia alcanzar un sonido más orgánico con guitarras y batería, manteniendo el alma Electro-Cumbia, la esen cia Punk y reguetonera, pero bajo el filtro actual del Rock.

Todxs igual es llevar la causa social o política a la pista de baile, y lo consiguen en el disco más maduro de la formación.

AUXILI

Es una Reggae Band procedentes de Ontin yent. Responsables de un perfecto equilibrio entre Fusión y raíces jamaicanas. Nos presentarán su último trabajo denominado Guaret.

Vientos y melodías vocales acompañadas de sintetizadores y efectos digitales, que imprimen a los ritmos jamaicanos mayor solidez, permi tiéndonos viajar por diferentes corrientes del estilo, que van desde el Ska, Dancehall, Reg gae o el Dub.

XIULA

Llevar el mundo del ocio y tiempo libre, la edu cación y la animación al ámbito de la música es lo que realizan estos cuatro músicos faranduleros con mucha imaginación, espectáculo, y sonrisas.

Un soplo de aire fresco para toda familia a modo de sus dos espectáculos: Big Chicken y Descontrol Mparental, también su último disco llamado Cuarto Lagarto.

ADALA

Es el proyecto en solitario de Guillem Simó. Nos presentará su último trabajo llamado Klima, sacado con el sello Guspira Records

Guillem es compositor y cantante de Reggae y Dub, realizando letras de conciencia social, sencillas, claras, bajo un punto de vista emocional y profundo. Un potente directo, cargado de poesía y experimentación.

LAS HIJAS DE LA CUMBIA

Maca y Ale, una chilena y una valenciana que constituyen el dúo selectah’s de la Cumbia en

España. Serán las responsables de llevar la música ancestral y rebelde para crear una atmósfera especial a base de creatividad y des parpajo.

Forman parte de Arte Muhé, han participado de las fiestas Guacamayo Parties, y son un referente del estilo en la pista de baile.

EL POT PETIT

Un grupo musical que combina canciones pro pias con otras artes como el teatro, circo, marionetas y el humor para crear espectáculos y conciertos destinados a un público infantil.

Un imaginario mágico que combinan también con cuentos y visuales para trabajar las emo ciones, la amistad, el respeto por el medio ambiente, la igualdad y la diversidad.

LIMÓN PARADISE

Macro banda formada por la unión del grupo Maruja Limón y la formación BalKan Paradise Orchestra. Una Mega Girl Band donde la fusión de estilos es el punto de partida.

La esencia Gypsy de las dos formaciones es el vinculo para generar canciones donde el Pop, los Ritmos Latinos y las Músicas Mediterrá neas condimentarán este gran plato fuerte del festival.

LA SRA. TOMASA

Con Alegre Pero Peligroso la formación ha evolucionado hacia sonidos más urbanos, para acompañar a los Ritmos Latinos, Afrocubanos, Boogaloo y Rumba ya habituales en sus Lp’s anteriores.

No dejan atrás el Jungle, que también era una seña de identidad de la banda. Además, pronto cumplen 10 años de carrera y la Big Band mes tiza de Barcelona darán un espectáculo gran dioso.

Puerta Oeste un concierto único

Lacanción Hijos del Conformismo, de la banda de Navalmoral de la Mata Puerta Oeste, ha sido elegida como la canción oficial de la Vuelta Ciclista de Extremadura. Por ello, y con motivo de la primera etapa de la vuelta, realizaron un concierto en Zafra el pa sado 15 de junio.

Puerta Oeste es un viejo conocido de la revis ta, ya que he tenido el placer de entrevistarlos como grupo, hacer la reseña de su último dis co Nuevo Mundo (el cual están presentando),

y además entrevistar a su guitarra Candi, quien toca también en A Cara de Perro (tributo al Ultimo Ke Zierre), y por su labor como Luthier (fá brica de instrumentos artesanos) en DG Guitar Works, donde fabrican y arreglan instrumentos.

Puerta Oeste, un concierto único

El grupo, formado por Ángel Pajares (voz y guitarra), Francisco Serrano (teclados y sin tetizadores), Julio Ferreiro y Candi Gonzalez (guitarras eléctricas y coros), Gabriel (sustituyendo al bajista Simón Rayo, que no pudo acu dir), y Vicente Garrido (batería y coros), dio un gran recital e interactuaron mucho con el público.

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Tenía muchas ganas de verlos en directo, y hasta la fecha no había tenido ocasión de asistir a ninguno de sus conciertos, pero si Mahoma no va a la montaña, la montaña va a Mahoma, como se suele decir, y pude verlos y conocerlos en Zafra. Después de más de 4 años ha blando por las redes, pudimos charlar un rato y ponernos cara.

A pesar de que no hubo mucho público en prin cipio, lo dieron todo, y poco a poco fueron acudiendo más gente por el boca a boca. Puerta Oeste es de los pocos grupos que suenan en directo igual o incluso mejor que en el disco.

Puerta Oeste aprovechó la pandemia para tra bajar en su nuevo disco Nuevo Mundo, donde una combinación de estilos ha dado lugar a un

estilo propio. En este disco conceptual reflexio nan sobre la humanidad y la vida.

Cuando estaba empezando el concierto empe zó a llover levemente, pero eso no impidió que Puerta Oeste desarrollase su espectáculo con total normalidad.

Comenzaron con ¿Qué nos han hecho?, un gran tema que puede recordar a Sober o Tool, un tema con el que abren el disco nuevo.

El Ocaso nunca espera fue el segundo single de presentación del disco, un gran tema de Rock en el que profundizan sobre la naturaleza del ser.

Alto el precio es la tercera canción que tocaron. Recuerda musicalmente a Too Old for Rock and Roll, Too young to Die de Jethro Tull, mezclando en la canción diálogos de Un mundo implacable. En la canción muestran el descontento social debido a los altos precios.

Dulce Veneno es una canción que se grabó en el confinamiento mediante grabación casera. No está en ningún disco. Una gran canción que recuerda mucho a Hellacopters

Espectacular versión que realizan con ¿Dónde está el dinero? de Quique Gonzalez. Buena parte del público se dejó la garganta, incluidos nosotros, coreando el estribillo.

Tras esta gran versión, llega La Otra Orilla, perteneciente a su EP Lo que Nunca has Tenido, una canción que anima a seguir adelante a pe sar de la adversidad. Me recuerda un poco a Green Day en Boulevard of Broken Dreams.

Nos íbamos aproximando a la mitad del con cierto, y cada vez llegaba más gente promovidos por el boca a boca, whatsapp, etc, y llegó el turno de Trapos Sucios, otro tema de su pri mer EP. Un gran tema de Blues Rock.

El octavo tema se llama Mons Veneris, un can to a la historia de su tierra, y la vida y muerte del líder lusitano Viriato, y, como dije cuando reseñé el disco, musicalmente me recuerda a Mi Enfermedad de Andrés Calamaro

La Última Jugada, gran canción de Rock con una excelente combinación de saxos y guita rras. Un canto a vivir la vida, que el público dis frutó mucho.

Con buen Rock de la talla de Frank Carter lle ga Entre Dientes, un grandisímo tema de denuncia social y muy bien acogido por el público.

Con una gran versión de Iberia Sumergida, Puerta Oeste terminó de conquistar al público.

Hoy No, otro tema que te levanta el ánimo en momentos de bajón, y te anima a seguir ade lante.

Se aproxima el final con Hijos del Conformis mo, que fue el primer single de su anterior EP, y que ha sido muy merecidamente el himno oficial de la Vuelta Ciclista de Extremadura, que habla entre otras cosas de la pasividad huma na, que el público disfrutó y bailó como nunca.

Tras una breve pausa en la que hicieron un leve amago de irse y el público gritando otra, llegaron las 4 últimas canciones. La primera de estas 4 canciones fue Ahora, una excelente balada sobre la vida y sus problemas, y cómo afrontarlos.

Lo que Nunca has Tenido, tema que dio titulo

a su primer EP. Me recuerda un poco a Miedo de M Clan, pero un poco más acelerada y más Blues.

Llegamos al final con las 2 canciones que más me gustan junto a Hijos del Conformismo. Una de ellas es Nuevo Mundo, que da título a su nuevo disco, con un gran estribillo y un muy buen Rock.

Y llegamos al final. De pronto ocultaron sus rostros con máscaras de simio, puesto que lle gaba La Era del Simio, un tema Rock And Roll que el público disfrutó, del que hiceron varios bises del estribillo interactuando con el público.

En torno a las 23:30 llegó el final de este gran concierto, que seguro sirvió para ganar mu chos fans. Quiero resaltar que los miembros del grupo trabajaban el día siguiente a las 6 de la mañana, pero eso no impidió, a pesar de la distancia que les quedaba por recorrer hacia su casa (más de 2 horas), que charlaran con el público, y tuve el placer de estar un rato con ellos. Un 10 a su actuación. Son grandes mú sicos a tener en cuenta y excelentes personas.

Nervosa y el inicio de su gira Perpetual Chaos Tour

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El2 de septiembre Nervosa anunció ofi cialmente su gira Perpetual Chaos Tour 2022 – América Latina, defendiendo el aclamado álbum Perpetual Chaos, realizado en enero del 2021, y de donde se desprenden gemas como Venomous, Time To Fight, People of The Abyss, Genocidal Command o Under Ruins.

La agrupación Nervosa es considerada un im portante referente dentro de la escena mundial del Metal Femenino.

Nervosa, expandiendo el Metal Femeni no por América Latina

Nervosa fue fundada en Sao Paolo – Brasil en 2010, y se convirtieron paso a paso en uno de los grandes

nombres referentes en la escena internacional de música extrema. La banda se reestructura para el 2020 en su formación original, que está conformada en la actualidad por Diva Satánica en las voces, Prika Amaral en guitarra y segundas voces, Mia Wallace en el bajo, y Eleni Nota en la batería.

La Manzana GR Producciones anunciaba ofi cialmente en sus redes sociales, aproximada mente en agosto, la realización de una imponente cartelera para el segundo semestre del 2022, que de seguro refrescaría los Corazones de Hierro en tierras bolivianas. La excitante noticia conllevaba la llegada de importantes refe rentes y representantes en el Mundo del Metal y en todas sus latitudes, desde Suffocation, Incarnation, hasta Saurom (que arriba en no viembre).

La historia de la banda es de alucinar, pues luego de causar sensación con sus prime

ros videos realizados independientemente, y de manera artesanal o casera, para su canal YouTube, captaron la atención de Napalm Records, una de los más importantes sellos dis queros que está especializado en Metal por más de 20 años, y tiene sus bases en Austria. De tal manera firmaron contrato para editar el primer EP de la banda, el intitulado Time Of Death, estrenado al público el 2012, y que en más sería la punta de lanza para Nervosa, lo grando una carrera ascendente sin precedentes hasta el presente.

Luego del éxito alcanzado con la producción del evento de The Gathering en La Paz – Bo livia (24 de septiembre), La Manzana GR Producciones se aprestan a realizar el concierto de Nervosa, quienes se presentan por tres fe chas seguidas en las tierras que libertó Simón Bolívar, como parte de la gira que lleva el nombre de su último y flamante álbum, Perpetual Chaos, que, por cierto, el track homónimo es

uno de los temas más alucinantes de Nervosa, junto a ya furibundos éxitos como Kill The Silence, Guided By Evil, Into Moshpit o Death.

Nervosa – Perpetual Chaos Tour 2022

América Latina está de gira ya, y, luego de apreciar en el YouTube su participación en el Festival México Metal, tenemos la certeza que estaremos presenciando un evento históri co para los headbangers latinoamericanos que tengamos la oportunidad de asistir a los conciertos. Los países que incluyen el Perpetual Chaos Tour 2022 van desde México, Salvador, Guatemala, Colombia, Ecuador, Bolivia, Chile, Argentina, Uruguay, y cierran en casa, Brasil. Serán 10 países, 32 shows, 10 festivales y 53 días de gira.

Mientras me reviento la cabeza con Kings Of Domination, Rebel Soul ft. Erik AK (de Flotsam & Jetsam), Under Ruins o Godless Prisioner, el último álbum es totalmente agresivo, un Thrash

con muchos tintes Death Metal e inclusive Black bastante feroz, preciso en ejecución e interpretado con mucha pasión. Puedo estar seguro que su música está totalmente endemoniada (picante como debe ser), y, en el buen sentido de la palabra, ¡asesina!

En sus redes sociales, Nervosa ha posteado luego de iniciar el Tour: “Nuestro paso por las ciudades de México, Monterrey y Guadalajara fue increíble, gracias por su gran muestra de cariño e incondicionalidad, siempre estarán en nuestros corazones cabrones, ¡son de poca madre!”. “Hoy es el turno de la Ciudad de Guatemala”.

Para los más fanáticos, en su Web Oficial la banda tiene merchandising a disposición direc ta en Brasil, Europa, India, USA y pronto en Ja pón, sabiendo que desde LP’s, CD’s, remeras, posters, pins de Nervosa se pueden adquirir.

Luego de su triunfante gira por Europa junto a Burning Witches, que las llevó a rodar desde marzo hasta agosto del presente año, y se pa searon por España, Francia, Alemania, Suiza, Portugal, Suecia, entre otras regiones del Viejo Continente, ahora es el turno de Centro y Sud América.

El grupo originario del Brasil, y que en su nue va alineación post pandemia 2020 incluye in tegrantes de distintas regiones del planeta. Por ejemplo, Diva Satánica tiene nacionalidad española, y Eleni Nota tienes raíces griegas. Con su nueva producción han demostrado ser sinónimo de agresividad cruda y poder indoma ble: ¡un enorme puñetazo en la cara!, tanto en directo como inmortalizado en sus discos.

No es de extrañar que leyendas del género como João Gordo (Ratos de Porão), Rodrigo Oliveira (Korzus) y Michael Gilbert (Flotsam & Jetsam) estuvieran encantados de ser invita

dos de Estudio para su tercer álbum, Downfall of Mankind, realizado en junio del 2018.

Las expectativas son altas en estas tierras elevadas, La Paz, donde el oxígeno muchas veces falta, y hace crepitar a los deportistas y artistas por la famosa “Altura”, es decir, los me tros sobre el nivel del mar que muchas veces provocan el dolor de cabeza y la jaqueca, co nocida popularmente como “sorojchi”. Para eso un buen matecito de hoja de coca, que ayuda mucho a bajar las tensiones y dolores.

En Bolivia, Nervosa tiene tres fechas confirmadas en tres regiones o ciudades distintas, Santa Cruz (6 / 10) que representa al trópico u Oriente del país, Cochabamba (7 / 10) en el Valle y corazón de Bolivia, y La Paz (8 / 10), que definitivamente está en el Altiplano y zona montañosa, cerca a la Cordillera Real de Los Andes.

Me apresto a viajar entre los más impactantes videos de Nervosa, la canción Guided By Evil y su videoclip, grabado en Málaga – España, nos presenta de frente a la banda, con un persona je que se empapa en sangre y nos hace más alucinante el recorrido sonoro.

Otra excelente producción del nuevo álbum es el videoclip oficial de Under Ruins, filmado en Milán – Italia, presentando en su narrativa una sugestiva y escalofriante metáfora al niño o niña interior.

Y para los que quieren conocer detalles, curiosidades y la etapa creativa de la banda, les sugerimos el Perpetual Chaos Documentary, realizado en cuatro partes por su Sello disquero. Una linda oportunidad para comprender la intimidad de la agrupación, con entrevistas, sesiones de grabación, shows En Directo, y un fundamental material que nos introduce al mundo de Nervosa.

La recomendación es la de siempre, que si tienen la oportunidad de ver En Vivo, por sus re giones o países, a este poderoso proyecto musical llamado Nervosa nacido en Brasil, pues les invitamos a todas las hermanas y hermanos metálicos a que vayan a sus shows o Festivales donde participan, con todo ese poder femenino que las caracteriza.

A los que estamos impetuosos por tierras paceñas, la cita es en el Salón de Eventos Fabril, el sábado 8 de octubre, gracias a La Manzana GR Producciones.

“Con su nueva producción han demostrado ser sinónimo de agresi vidad cruda y poder indomable. ¡un enorme puñetazo en la cara!, tanto en directo como en sus discos”

investigación

Thompson Twins representantes del sonido Pop de los 80

En 1977, en la ciudad inglesa de Sheffield, donde surgieron bandas como Cabaret Voltaire y Human League, el músico y compositor Tom Bailey, junto a Pete Dodd, John Roog y Jon Podgorski, forman Thompson Twins

Deciden mudarse a Londres a probar suerte, pero Podgorski no viaja con ellos, y por lo tanto quedaron sin baterista. Es así que ingresa Andrew Edge, quien más tarde sería reemplazado por Chris Bell.

Thompson Twins, representantes del sonido Pop de los 80 Vivian como okupas en una vivienda abando nada en el distrito de Clapham, y cerca de allí, en la misma calle, vivía Alannah Currie, quien sería pareja de Bailey y futuro miembro de la

banda.

En 1980 Thompson Twins publican su primer simple, llamado Squares and Triangles, y más tarde publican otro llamado She’s in Love

With Mystery

Ya en 1981 graban su primer disco A Product of… (Participation) con el sello T Records (el sello propio de la banda), y con la producción de la misma y Dennis Bowell.

Este trabajo estaba bastante influenciado por

el Post Punk, y donde se incluían también ritmos y cánticos africanos.

Para la grabación del disco, Thompson Twins estaba formada por Tom Bailey en voz, bajo y teclados; Chris Bell en batería, coros y per cusión; Peter Dodd en guitarras, coros y saxo; Joe Leeway en coros y percusión; John Roog en guitarras, coros y percusión, y Jane Shorter en saxo y percusión.

En este primer disco, participó como invitada Alannah Currie cantando y tocando la percu-

sión algunas canciones, pero no era aún miem bro oficial de Thompson Twins.

Más tarde, la saxofonista Jane Shorter deja la banda y entra en su lugar Currie ya como miembro oficial, además de Matthew Seligman como bajista, permitiendo a Bailey encar garse de los teclados.

Para inicios de 1982 se publica su siguiente trabajo, Set, ya bajo el sello Arista, y con la producción de Steve Lillywhite.

En este disco participó el músico Thomas Dolby en teclados en algunas canciones, y Joe Leeway se encargó de la voz principal y la composición de algunas de las canciones junto a Bailey, tomando más iniciativa dentro del grupo.

La canción más exitosa del disco fue In The Name of Love, que si bien no tuvo gran pro tagonismo en Reino Unido, sí fue un éxito en Estados Unidos en las pistas de baile.

Años más tarde, en 2008, los dos primeros discos fueron publicados como disco doble, agre gándose los simples y remixes.

Luego de este segundo trabajo, Thompson Twins queda reducido a tres miembros: Bailey, Leeway y Currie, siendo despedidos el resto de los músicos.

Durante 1982, Thompson Twins se dedica a componer y grabar lo que sería el tercer disco llamado Quick Step & Side Kick, que fue gra bado en el Compass Studio de Nassau, Bahamas, y producido por Alex Sadkin.

El disco fue publicado en 1983, y alcanzó los primeros lugares en Reino Unido, siendo el primer disco con éxito de la banda en esa región.

Contiene éxitos como Lies, Love on Your Side y We Are Detectives, cantada por Alannah Currie. Además, contó con músicos invitados como Boris Williams, quien fuera luego baterista de The Cure, y Grace Jones grabando coros en la canción Watching.

En 1984, luego del éxito de su anterior disco, se publica Into the Gap, producido por Alex Sadkin nuevamente y por Tom Bailey.

Este trabajo se convirtió en el disco más vendido de ese año en Reino Unido, además de ser el más exitoso de Thompson Twins desde el punto de vista comercial, gracias a temas como Hold me Now, Doctor Doctor, Sister of Mercy o The Gap.

Luego de una exitosa gira, y a fines de ese año, se publica el simple Lay Your Hands on Me, teniendo gran éxito en Reino Unido. Este tema estaría incluido en el siguiente trabajo.

A mediados de 1985 se publica el disco Here’s to Future Days, grabado en Paris y producido por Bailey y Nile Rodgers

Este trabajo dejó de lado el pop electrónico he cho con sintetizadores, e incluyó más guitarras y batería acústica, acercándose más al Pop Rock.

Si bien el disco tuvo éxito tanto en Reino Unido como en Estados Unidos, no lo fue tanto como el anterior trabajo. Quizás se debió al cambio en el estilo musical.

Los temas más exitosos del disco fueron Don’t Mess with Doctor Dream, King For a Day, y una versión del tema Revolution de The Beatles.

En 1986, Joe Leeway deja a Thompson Twins, y el grupo queda reducido al dúo de Bailey y Currie.

El primer trabajo que hacen después de la ida de Leeway fue el tema central de la película Nothing in Common, del director Garry Marshall, que lleva el mismo nombre del film.

En 1987, luego de un receso de la pareja, se publica el disco Close to The Bone, grabado en Paris y producido por Bailey y Rupert Hine, quien había sido productor de Bob Geldof, Tina Turner y Howard Jones entre otros.

Las canciones de este disco reflejan situacio nes personales por las que pasó la pareja de

Bailey y Currie, resultando un álbum maduro, intimista e introspectivo. De este trabajo resal tan las canciones Get That Love y Long Goo dbye.

En 1989, el dúo graba el disco Big Trash, pro ducido por Currie, Bailey y Steve Lillywith, del que se desprenden dos simples, Sugar Daddy y Bombers in The Skye.

A pesar de que el disco no fue muy exitoso, obtuvo buenas críticas por parte de la prensa musical.

En 1991 publican su último disco oficial como Thompson Twins llamado Queer, que fue producido por el dúo y Keith Fernley.

A pesar de que no fue editado en Reino Unido, sí lo hicieron en Estados Unidos y Alemania.

Este trabajo consistió en canciones de corte Pop, Electrónica y Dance, que se puede ver en canciones como Come Inside o Groove On.

Al año siguiente, Bailey y Currie se mudaron

a Nueva Zelanda y formaron el grupo Babble junto con el productor Keith Fernley, con el cual grabaron dos discos.

Más tarde, Alannah Currie dejó el negocio de la música y se dedicó a la crianza de sus hijos, y comenzó un movimiento a favor de la ecología y los alimentos saludables.

Por su parte, Tom Bailey se dedicó a producir a diferentes grupos, además de componer bandas sonoras para películas, y en 2018 salió de gira promocionando su disco como solista Science Fiction.

Thompson Twins fue sin dudas una de la bandas más importantes y exitosas del pop de la década de los 80’s. Llegaron a vender unos 50 millones de discos en todo el mundo, y sus grandes éxitos siguen estando en cualquier playlist de muchos de nosotros.

entrevistas

el lere frescura y optimismo con cosecha propia

Elpanorama musical de España no para de sorprendernos con trabajos y artistas muy destacables. Y eso mismo es lo que nos ha pasado con el primer lanzamiento en solitario de El Lere. Cosecha propia es un trabajo redondo, compuesto con pasión, y con una alta dosis de calidad musical.

Muchos de vosotros seguro que ya habíais vis to a El Lere como contrabajista en conocidos y potentes proyectos, como Muchachito Bombo Inferno, Red Rombo, o Flamingo Tours, pero su nueva faceta de guitarrista, compositor, y cantante es bastante interesante, consiguiendo con Cosecha propia una sutil y elegante carta de presentación muy, muy atractiva.

El Lere inicia una nueva etapa en su larga ca rrera musical, para adentrarse aún más en un mundo apasionante lleno de estilos diferentes como el Rock and Roll o el Folk, y no podíamos esperar más para hablar con él y que nos con tara todo sobre este despegue espectacular.

Bienvenido

a nuestras páginas, Lere. Un placer hablar contigo. Antes de entrar en materia, nos gustaría que nos contaras cómo te hiciste músico. ¿Cuándo y por qué de cides dedicarte a la música?

Empecé a tocar la guitarra a los catorce años, ya que mi padre me enseñó algunos acordes que intenté imitar. En el pueblo donde vivía había varios chavales que tocaban instrumentos, fuera del conservatorio y de lo clásico.

Me trasladé a BCN para estudiar Empresaria les, carrera que tengo terminada, pero el últi mo año de carrera me matriculé en “el Taller de Músics”. Allí descubrí que lo que realmente me interesaba y me apasionaba era la música. Quería saber de lenguaje instrumental, de armonía, etc. Hice hasta grado medio en esa es cuela, pero lo más revelador fue que allí descu brí mi gran compañero de viaje: El contrabajo. En aquel entonces, yo andaba bastante obse sionado por la música tradicional cubana (com pay segundo, Buenavista social club, la vieja trova santiaguera…). Me encantaba el sonido del contrabajo en esa música.

Pues bien, en el taller de Músics desayunába mos en un el club de jazz que hay justo delan te: Jazz si club. Es decir, me comía un pincho de tortilla mientras presenciaba un ensayo de un trío o cuarteto de jazz. Recuerdo que me convencí en uno de esos ensayos e hice cuanto pude para comprar un contrabajo y aprender a tocarlo.

Un tiempo después conocí a mi estimado Jairo Perera “Muchachito”, con el que aprendí de verdad este oficio, el de músico.

Una vez transformado en músico profesional, comienzas tu andadura musical formando parte de bandas (que seguro que a nuestros lectores les suenan) como Muchachito Bombo Infierno, Dry Martina, Red Rombo, Flamingo Tours… ¿Cómo ha sido tu experiencia con cada una de las bandas con las que has trabajado, y qué aprendiste? ¿Cuáles han sido para ti los mejo res momentos con ellos?

Muchachito Bombo Infierno fue mi primera banda como profesional. Allí aprendí a traba jar tanto encima del escenario como debajo. Aprendí a convivir con un grupo de gente, estando de gira… Aprendí a grabar discos, a en sayar de forma efectiva, y un largo etcétera. Yo siempre digo que en esa banda es donde realmente me convertí en lo que soy, y me con sidero afortunado por haber podido vivir esas experiencias de joven. Empecé con Muchachito Bombo Infierno a los 22 años, grabé tres discos y estuve 10 años a su lado.

Dry Martina fue la banda que me acogió en la ciudad de Málaga, donde vivo desde hace 11 años. Es una banda que dirige Laura Insausti, y que todavía sigue en activo. En su momento hicimos cosas interesantes. Creamos el sello

discográfico “Contraproducciones” para editar nuestro primer LP (Momento Perfecto). Ese disco ganó el premio de mejor disco de Jazz y músicas populares en los Premios de la música independiente. Giramos con GPS (girando por salas).

Flamingo tours es una banda de Bcn que diri ge Myriam Swanson, y que destila rock’n roll y rhythm and blues. Para mí fue un giro estilístico y un descubrimiento. En esa banda, con la que grabé 2 LP’s y un EP, fue en la primera en la que me atreví a componer.

Durante los años que estuve en Flamingo coin cidí con grandes músicos de la escena rock nacional. La propia Myriam o Jorge Rebenaque (Rebeldes, Jarabe de palo, los Santos ino centes), y Jordi Mena (Jarabe de Palo, Santos

Inocentes) darían el visto bueno a las composi ciones e ideas que yo aportaba a la banda. Eso me motivó a seguir por el camino de la compo sición, y de ahí nace Red Rombo

Red Rombo es una banda localizada en Má laga con la que he podido desarrollar mi face ta compositiva. Bajo la tutela de Mario Cobo (Mambo Jambo, Loquillo, etc.) como productor, grabamos un LP llamado Push and play.

“mi directo es peculiar porque es un show donde estoy solo yo en escena. Es una mezcla entre cantautor y hombre orquesta, donde se mezcla lo orgánico con la electrónica”

María Esteban pondría la voz en la mayoría de temas del disco, pero mi inquietud por cantar mis propias historias queda impresa en tres de los diez temas que tiene el disco. Una vez María se traslada a Bcn para hacer su carrera como cantante de Jazz, decido ponerme al frente de mi propio proyecto. Es ahí cuando decido empezar a componer en castellano, y ser yo mismo quien, guitarra en mano, lidere la banda.

Lere, estás de celebración, ya que cumples 20 años como músico, y 20 años dan para mucho. Seguro que has vivido mil batallas con todos estos compañeros músicos. Pero ahora, en cierto modo, estás tú solo con todo el peso del proyecto. ¿Cómo te encuentras anímica y musicalmente?

Anímicamente estoy muy ilusionado con el pro yecto, y con el formato con el que presento las canciones en directo.

El formato one man band es mucha responsabilidad, ya que tocando 4 instrumentos a la vez es fácil equivocarse. Son muchas horas de en sayo diario.

No tengo una banda porque no la puedo man tener. Me explico: cada vez cuesta más tener

una continuidad a la hora de hacer conciertos. Los músicos profesionales tenemos que estar en muchos proyectos a la vez para poder sub sistir.

Eso hace que sea muy complicado contar siem pre con los mismos músicos a la hora del direc to. En un proyecto como el mío es un estrés.

Musicalmente nunca va ser lo mismo, lo sé, pero el hecho de estar solo me permite hacer otro tipo de espectáculo, más íntimo, y paso a paso dar a conocer mis canciones.

¿Cómo de complicado o de sencillo es trabajar en solitario? Tus objetivos como músico ¿han sufrido algún cambio, o siguen siendo los mismos?

He tenido el placer de contar con una banda para defender el repertorio de canciones de Cosecha Propia. Suena increíble, pero no es sostenible.

Ahora mismo estar solo me permite tocar más y visitar más lugares con mi música. Mi objeti vo no es otro que ir sumando público, y poder ofrecerles a mis compañeros una continuidad respecto a los conciertos.

Cosecha Propia es el título de tu primer trabajo como artista en solitario. ¿Marca este disco el comienzo de una nueva etapa para ti? ¿Qué sonidos son los que definen Cosecha Propia? ¿Qué sensaciones transmiten las canciones de este trabajo? Desde luego este disco es un nuevo comienzo para mí. Cantar, dejar el contrabajo, y pasar a la guitarra…, es todo nuevo!!!

Cosecha Propia es un disco elaborado sin ninguna prisa, ya que en parte es otra de las miles de obras creadas durante la pandemia. Desde luego hemos tenido tiempo para darle vueltas. Alguna de las canciones del disco son ante riores, pero me ha dado tiempo a hacer varias versiones de cada uno de los temas.

Si te soy sincero, al final era una necesidad terminar el disco porque me estaba quedando atascado en esas canciones.

Aun así, creo que el disco respira frescura y mensajes optimistas. Es ecléctico, y está he cho sin complejos. Creo que mi background musical (Rumba, rock’n Roll, blues, música latina…) queda bien reflejado en el disco.

Hemos podido escuchar Cosecha Propia en Spotify, y nos ha gustado mucho encontrarnos con temas de diferentes estilos musicales. Te nemos la sensación de que te lo has pasado bien haciendo este disco, pero cuéntanos tú. ¿Cómo te has sentido componiendo las can ciones? ¿Ha habido alguna parte de este tra bajo en el que hayas puesto más empeño? Ha habido mucha prueba y error. Me lo he pa sado genial, pero seguro que si volviera a gra barlo lo haría de otra forma. JAJA!

Es mi primer disco de autor, hay muchas dudas que resolver, mucho camino que recorrer, y cosas por descubrir. Aun así estoy muy satisfecho con el resultado!!!

Para Cosecha Propia has contado con varias colaboraciones. Una de ellas es la de Santero y Los Muchachos, que te acompañan en el tema Por Eso. Sinceramente nos parece una pasada lo bien que empastáis. Dinos, ¿ha sido vuestra primera vez juntos? ¿Cómo nace esta colaboración musical? ¿Qué tal ha sido la experiencia de trabajar con ellos? Mi historia con Santero es muy bonita y sincera. Es una colaboración que nace desde un sentimiento de compañerismo y admiración. Mi

relación con Miguel Ángel Escrivá (voz y Con trabajo) nace a partir de unas dudas técnicas que él tenía sobre la sonorización del contra bajo.

Hace años compartimos muchos escenarios y festivales, los dos como bajista (yo con mucha chito, y él con la pulquería), pero no nos conocíamos personalmente.

Aparece en mi vida con sus dudas justo en el momento en que la cantante de Red Rombo decide dejar el proyecto, y yo empiezo a plan tearme seriamente dar un paso al frente y ponerme a cantar mis temas.

De repente, descubrir Santero y los muchachos me dio la inspiración y el ánimo necesa rios para acabar de convencerme. Así que el favor fue mutuo. Yo resolví sus dudas sobre el contrabajo, y él resolvió las mías sobre lo de cantar mis canciones: “Si el bajista de la pul quería puede, yo también”

La verdad es que les admiro cómo músicos y cómo personas, y me encantaría poder coincidir más con ellos.

Otra de las colaboraciones es la de Mario Cobo en la canción Hey Cowboy, en la que, además de tocar la guitarra, también ha realizado la producción. ¿Surgió la cosa sin más, o estaba todo premeditado? Mario es un gran músico y productor con el que llevo trabajando desde hace muchos años. Lo considero mi hermano mayor en esto de la música. Hey Cowboy es un tema nacido en pleno confinamiento, y lo hicimos a distancia. Yo en Málaga, en el desierto de Almería.

¿Cuentas con sello discográfico, producto ra, etc., o El Lere se autogestiona todo solo? ¿Cómo de sencillo o complicado es gestionar una banda en todas sus áreas actualmente?

Es todo auto gestionado, auto financiado, auto diseñado, etc. La verdad es que hay que sa ber hacer de todo en esto de la música. Des de rrss, diseñar un cartel, conducir, sonorizar, hacer trabajo de oficina, etc. Es complicado y muchas veces desalentador.

Ésta es mi realidad. Me imagino que otr@s ar tistas tendrán más suerte que yo.

El siguiente paso es presentar este disco en directo, ¿cierto? De hecho, pasarás por tierras extremeñas ya mismo. El día 25 de noviembre estarás en Almendralejo en el Salón de Tea tres, y el 26 de noviembre en Badajoz, en la sala Chat Noir. Sabemos que cuentas con un directo bastante particular, pero queremos que seas tú el que se lo cuente a los lectores. ¿Qué se van a encontrar en tu directo? Tengo muchas ganas de ir a Extremadura a tocar. Estoy barajando también la posibilidad de tocar en Cáceres.

El directo es peculiar porque es un show donde estoy solo yo en escena. Es una mezcla entre cantautor y hombre orquesta, donde se mezcla lo orgánico con la electrónica. Llevo mucho tiempo diseñándolo, y estoy seguro que os en cantará.

Has cerrado bastantes fechas, y seguro que al gunas más habrá que añadir después de esta conversación. Dinos, hasta el momento, cuán do y dónde podremos verte sobre los escena rios.

• 25 de NOV Salón de Teatres (Almendralejo)

• 26 de NOV Chat Noir (Badajoz)

• 04 de DIC Divergente (Toledo)

• 05 de DIC Maravillas club (Madrid)

• 13 de ENE Anunnakis Club (Aracena)

• 14 de ENE Gallo Rojo (Sevilla)

• 15 de ENE La Bateria (Puebla del Rio)

• 27 de ENE Casa Vieja (Albacete)

Estamos convencidos de que El Lere y su mú sica triunfarían de forma contundente en Lati noamérica. ¿Te has planteado realizar una gira por aquellos países? ¿Has conocido al público latinoamericano con las bandas de las que ya has formado parte? Nunca he tenido el placer de viajar a Latinoa mérica, aunque conozco muchísimos músicos de allí que residen en España. Me encantaría

“creo que el disco respira frescura y mensajes optimistas. Es ecléctico, y está hecho sin complejos“

hacer una gira por esas tierras, que han dado y dan tanto talento en la música como en el arte en general. De momento no hay nada previsto.

Además de los conciertos, no hace mucho que has publicado un nuevo single titulado El Bos que. Cuéntanos más sobre esta canción. ¿A qué sabe, a qué suena? ¿Es este tema la señal de que estás ya trabajando en tu próximo lanzamiento? ¿Qué puedes adelantarnos? Una vez cerré el disco de Cosecha propia y dejé de darle vueltas, empezaron a surgir nue vas ideas para futuros singles, futuros discos. Es un tema con un corte un poco más indie, que habla de este bosque en el que solemos perdernos con nuestras propias dudas.

Puedo adelantar que voy componiendo muy lentamente, que tengo media docena de can ciones nuevas que voy probando en los conciertos.

años. Yo creo que, visto el panorama actual, sería un logro.

A nivel personal me gustaría hacer canciones cada vez más personales, intentar tener mi propio sello componiendo. Eso puede llevar toda una vida…

Y, por supuesto, mi deseo sería volver a Extre madura con una banda, y un equipo técnico y más medios en todos los sentidos.

Nos ha encantado charlar un rato contigo y co nocerte más en profundidad. Nuestros mejores deseos musicales para El Lere. Que volvamos a encontrarnos en el camino, y que la vida te trate bien. ¡Un fuerte abrazo!

Muchas gracias a vosotrxs!!! Y agradeceros la labor de difusión de la música que hacéis des de vuestro Magazine.

El Lere acaba de empezar un nuevo camino con un aval de 20 años de experiencia y trayec toria musical. ¿Cómo ves a El Lere pasados veinte años más? ¿Cómo esperas que te trate el futuro?

Me gustaría seguir en la música dentro de 20

Lorkan & Dj Kast comprometidos con el Rap de su tierra

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puesto kilómetros y hábitos como barreras, pero esas ganas y esa ilusión no la hemos per dido. Al contario, nos hemos vuelto cada vez más ambiciosos, por lo que aún queda Lorkan & Dj Kast para rato.

Todos

estos meses estamos entrevistan do músicos de la escena Hip Hop y Ur bana de Extremadura, y nos faltaban los más grandes, Lorkan & Dj Kast, uno de los dúos más veteranos de la escena extremeña. Los cacereños con más de 15 años en estas artes, y comprometidos con el Rap de su tierra.

A nosotros nos flipa su facilidad para meterse en diferentes saraos que no están relacionados con el Hip Hop directamente, cuando se prodi gan con artistas metaleros o incluso con músicos indies (¿o esto nos lo hemos imaginado?) nos entusiasma más su propuesta. No dejan de evolucionar, y a la vez no paran de crear.

Lorkan & Dj Kast, comprometidos con el Rap de su tierra Roberto del Amo y Alberto Castaño son vuestros nombres reales, pero explicadnos un po quito, ¿Cómo os conocisteis y cómo surgió el proyecto?

Nuestra relación se remonta a la guardería. Nos hemos criado juntos, ya que nuestras fa milias siempre han estado muy unidas, por lo que todo el proceso, tanto vital como artístico, se ha llevado a cabo de una forma mucho más fluida.

¿Que es para vosotros 7k Estudios? Para nosotros es nuestra casa, nuestro hogar, donde todo empezó. 7k no es un lugar concre to, no es un estudio al uso, y, tal como hemos comentado en diversas ocasiones, va evolu cionando a la par que vamos avanzando como personas y como artistas, por lo que siempre va a ir de la mano de nuestra carrera.

Una de las características de las nuevas gene raciones es la importancia que le dan a las redes, sobre todo a YouTube. Comprobamos en todos los artistas de la escena urbana el traba jo que invertís en la realización de video clips. En concreto, vosotros no tenéis un filmmaker fetiche como sí manejan otros MC’s de la esce na. Oka Tree, Risi López, Kreativa son algunos de los que han elaborado vuestros clips. ¿Qué criterios seguís? ¿Cómo se origina la idea de cada clip?

Si algo nos caracteriza es que nos gusta inno var, y eso implica probar y buscar la esencia en diversos estilos, y, por supuesto, artistas. Muchos de los filmmakers que mencionas, a parte de excelentes profesionales, son amigos/as, por lo que las ideas de los clips y las grabaciones salen de forma fluida.

Desde bien pequeños hemos compartido el gusto por el Rap, y hemos “picoteado” de las distintas disciplinas de la cultura del hip hop, hasta que un día de verano, tras varios pinitos en solitario, decidimos aunar nuestras fuerzas e ilusión, y empezar a hacer cosas juntos.

Ha llovido desde entonces, y la vida nos ha

Tenemos una idea que contamos al encargado/a de grabar y montar el clip, y a partir de ahí deja mos al artista que haga su magia. No estamos encima del proceso todo el rato, ya que para nosotros también es importante que cada uno aporte su grano de arena en el resultado final.

En redes, algunos fans os etiquetan como que hacéis rap puro, vuestra música para nosotros

tiene aires de old school. ¿Es cierto que vues tro estilo es más clásico? ¿Cuáles son vuestras influencias?

No nos gustan las etiquetas. Nosotros hace mos lo que sentimos en ese momento, y nos expresamos de esta forma. Depende de la etapa que estemos viviendo podemos sonar más old, más hardcore, más melódicos, más funkeros…, pero siempre manteniendo nuestra esencia.

Obviamente hay tintes de rap clásico en la ma yoría de nuestros temas, ya que es lo que he mos “mamado” desde pequeños, pero, como te digo, no os sorprendáis si escucháis algún tema nuestro con samples de bachata, funky o metal.

Vayamos a vuestra crew. Por un lado, tenemos a los Fucking Breades y a los Funkin V, que son vuestros acompañantes habituales en formato banda. Y luego tenéis multitud de mc’s colaboradores, Ras Ganjah, Xefo, Boyo, Ma yes, Md Miguel, Cris Soul… ¿Cómo es trabajar con todos ellos?

En primer lugar, en cuanto a trabajar con banda es una de las mejores decisiones que hemos tomado. Tanto Fucking Breades como Funkin V son unos pedazos de músicos con los que es muy fácil currar. Se adaptan a nuestro estilo rápidamente, y las cosas salen solas, y creemos que eso se nota a la hora de llevar a cabo el show y las grabaciones.

Por otro lado, todas las colaboraciones que he mos hecho a lo largo de nuestra carrera han sido con gente que previamente hemos conoci do, bien en persona o por redes, en el caso de nuestro último trabajo, ya que hay artistas de diversos países y ciudades.

Antes de comenzar un proyecto intentamos conectar con el/la artista. La mayoría de las veces el resultado es positivo, y es algo espe ranzador, pero en ocasiones no se llega a un acuerdo y tenemos muchas colabos que bien no han visto la luz, o no se han llegado nunca a realizar por diversos motivos, pero, como ya os decimos, normalmente solemos encajar bien desde el principio.

Os hemos visto en “Cocina en Ronda” de Cáceres tevé, en “El Garito” de Canal Extremadura, “La cuarta parte” de Radio3. ¿Tenéis el apoyo de los medios? ¿Y las salas? ¿Y los festivales? ¿Cómo responde el público?

Creemos que todavía hay camino por recorrer en cuanto al apoyo de los medios. Obviamente, estamos muy agradecidos con la gente que nos ha apoyado y nos ha dado la oportunidad de hablar de lo que hacemos, pero es algo que con el rap siempre ha costado. Seguro que lle garemos a un futuro en el que todo eso cam bie, y las oportunidades sean las mismas para todos.

A quien también nos gustaría agradecer es a los colectivos como ExtremaOeste, que siem pre han apoyado el tipo de música que hace mos, y nos han dado muchas oportunidades para tocar en diferentes espacios.

Vayamos al tema de los festivales. Habéis pa sado por Womad, Extremúsika, MUM, Músicos

de Movimiento, Musicarte y multitud de eventos/ fiestas de vuestra provincia. ¿Dónde os sentís más a gusto, en festivales o en salas? ¿Cómo es la experiencia de tocar en eventos con tanto público? ¿Qué diferencia hay en vuestro show con respecto a las salas?

No tenemos una preferencia como tal, se disfruta de diferente manera. Escuchar desde el backstage que hay cientos de personas espe rando a que empiece tu show es brutal.

Los nervios, que después de tanto tiempo pa rece que van desapareciendo, se multiplican por mil, y salir ahí es algo imponente. Si encima empiezas el show y ves a esa gente disfrutar, saltar y bailar durante todo el concierto, es una locura.

En cuanto a las salas, es como estar en casa rodeado de tu gente. Obviamente es algo más relajado y que vives de esa manera, viendo de cerca a la gente que está disfrutando con tu música, con lo que haces. Ese contacto cerca-

no nos llena muchísimo.

En cuanto a nuestros shows, no difieren mu cho uno del otro. Hacemos un concierto muy bailongo y dinámico, tanto en salas como en festivales, al que os invitamos a que vengáis porque de verdad que lo vais a disfrutar. Esporas, Ilusióname el pasado, Siempre desde ahora, Evolución, Paralelamente. 5 trabajos. ¿Qué diferencia hay entre unos y otros? La madurez, sin duda. Tanto en la escritura como musicalmente hablando, más allá de los medios técnicos que teníamos al principio, que también hemos ido mejorando muchísimo. Obviamente hemos cambiado, ya no somos los mismos chavales que grababan en un armario, y lo hemos llevado muy bien, porque gracias a eso hemos hecho tantas cosas, y hemos toca do y grabado con tanta gente. Siempre hemos estado buscando y probando cosas nuevas.

Lo que nunca cambia es la ilusión de hacer lo que nos gusta, que de hecho ha ido aumentan do por cómo hemos ido evolucionando en la música.

Siempre desde ahora, We have Magic, 4 style, Fled 4 me, Ruina son los temas más conoci dos, incluso formando parte del top 40 carnívoros de 2020 y 2021. ¿Estamos en lo cierto, son vuestras mejores canciones?

Son canciones a las que tenemos mucho cariño, que han llegado mucho, y eso nos llena. Hay temas y temas, temas que no han funcio nado tan bien y que nos gustan mucho, y viceversa. Eso siempre va a pasar.

Seguimos trabajando para que lo mejor esté siempre por llegar, es nuestra máxima.

Qué Cobrás!?

Punk Rock futbolero

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Qué Cobrás!? es una banda formada en diciembre de 2018 en la ciudad de Puerto Madryn, Chubut – Argentina. Su mú sica Punk Rock nos ametralla con temas como De Mí Te Olvidaste o Ya Fue, del EP Timoteo, que presentaron en abril del 2022, y nos ayuda a refrescar musicalmente con su propuesta el ambiente mundial.

redes sociales, paseo con bastante energía po sitiva por la discografía de la banda, y gracias a esos azares del destino, tengo el gusto de conversar con Fer, portavoz de Qué Cobrás!?, en exclusiva para LaCarne Magazine.

Qué Cobrás!?, Punk Rock futbolero

Mientras disfruto de temas como Héroes del Tablón o De Mi te Olvidaste, ¿cómo nace el proyecto musical Qué Cobrás!?

Es muy confortable poder globalizar de manera musical y contracultural el planeta, antes Mama Gaia, ahora la bendita Pachamama, que desde el Altiplano se conecta con la Patagonia, y así unificar culturalmente el continente sudamericano con todo el Espíritu de Los Andes. Siempre maravillado por la comunicación y sus

Qué Cobrás!? nace en el patio de mi casa, en un asado con Matías (antiguo bajista), hablando que en nuestra ciudad, Puerto Madryn, fal taba una banda de Punk futbolera. Matías me dijo si me animaba a cantar. Armamos una banda esa misma noche.

¿Por qué del nombre?

El nombre proviene de una frase bien de cancha que se le grita varias veces al árbitro, y es: “Qué Cobrás!?”, acompañado de varios recuer dos a los familiares, insultos e improperios.

¿Qué influencias musicales han moldeado el sonido y la actitud de Qué Cobrás!? Básicamente las influencias son bandas britá nicas (clásicas) como Cockney Rejects, Cock Sparrer, The Business, The Crack, etc. De nuestro país -en esos comienzos- estábamos escuchando Tango 14 y Aliento de Perro

Igual, la banda que más nos inspiró fueron los suizos Vanilla Muffins. Y de las bandas de la actualidad, nos gustan mucho Grade 2, Bishops Green y The Chisel, como para nombrar algunas.

¿Quiénes conforman en la actualidad Qué Cobrás!?

Después de varios cambios (principalmente en las guitarras), la formación en la actualidad está compuesta por Luis (batería), Tuerka (guitarra y coros), Antiguo (bajo y coros), y Fer (voz).

Fútbol, Romance y Descontrol, un material que contiene el homónimo Qué Cobrás!? ¿Cómo

les fue durante el proceso de la producción y realización del EP?

El EP Fútbol, Romance y Descontrol (2019) fue algo muy loco, ya que salió más que nada por las ganas y por el impulso de que nuestras canciones salieran a la cancha, como quien dice.

Personalmente era la primera vez que entra ba a grabar, y fue todo a las apuradas. En lo que conlleva al laburo en el Estudio (mezcla / masterización), Antiguo es el que se encarga de toda esa parte.

Hay muy buenas anécdotas y recuerdos del EP. Lo grabamos en una tarde, con pocas to mas, así que costó elegir lo mejor de cada uno. La noche anterior a grabar, nos íbamos a portar bien y no salir de jarana, era sábado. Obvia mente eso no ocurrió y no sólo salimos, si no que nos gastamos toda la plata de la graba ción en tragos y cervezas, así que tuvimos, al otro día, que salir a conseguir la plata y llegar al Estudio con una buena resaca, pero con las ganas de hacer lo mejor posible.

Las canciones las elegimos con Antiguo, que dando algunas afuera, destacando Héroe del Tablón, A Escabiar y Descolorido.

Héroe del Tablón

Pude disfrutar del nuevo EP intitulado Timoteo, tres temas con su propio estilo agresivo, melódico, pesado y punky. ¿Qué temáticas nos han presentado?

El nuevo EP titulado Timoteo cuenta con un tema propio, que es la historia de un perro ca llejero amigo nuestro. Es el que le da nombre al nuevo material, y dos temas que son covers de bandas de nuestra ciudad: De mí Te Olvidaste (Ladrones) y Ya Fue (The Karton).

De mí Te Olvidaste fue escrito por Tuerka, actual guitarrista de la banda, quien grabó la voz de dicho tema. Aunque parezca un tema de amor, en realidad habla de recuperación y caída en las adicciones. Ya Fue es una canción de desamor.

El arte del álbum y diseño de portada que con

tiene Timoteo es genial. ¿Qué nos pueden co mentar del cover art? ¿Quieren brindar créditos al autor?

El arte de tapa fue realizado por el dibujante Txus, quien realizó el trabajo en base a fotos de nuestro amigo perruno, Timoteo.

Héroes del Tablón, videoclip original que nos da la bienvenida visual en el viaje que propone la banda. ¿Algunas anécdotas de su realiza ción?

La banda en la actualidad cuenta con tres videos oficiales: Héroe del Tablón, Descolorido y Sin Control, todos pertenecientes a nuestro primer EP.

En épocas de pandemia estuvimos activos en los streaming tocando En Vivo (sin público), en el Teatro de nuestra ciudad, y participando en la Feria del Libro Punk Patagónico con dos te mas que filmamos en un ensayo.

Observé en el YouTube una gran variedad suya de producciones audiovisuales, ¿qué nos pue den recomendar de su producción?

Para ver nuestros videos y recitales En Vivo, pueden visitar el canal de YouTube Madryn fornia, perteneciente a nuestro baterista Luis. Como primicia, estamos armando nuestro cuarto video oficial, el cual va a ser el primer corte de difusión de lo que será nuestro primer álbum.

Compartieron escenario junto a Aliento de Pe rro en su 20 aniversario, una excelente oportunidad para seguir promocionando su música. ¿Qué nos pueden comentar de la experiencia? Sí, fue algo que no esperábamos realmente, ya que Aliento de Perro, siendo de Buenos Aires, en estos 20 años ha compartido escenario con bandas de mayor trayectoria. Quedó muy buena relación de amistad después de la gira que hicimos por la Patagonia en el 2021.

La verdad que estamos muy agradecidos a ellos por la oportunidad que nos dieron de pisar (por primera vez) la Capital del país.

Entre tantas contradicciones debido a la pande mia y sus cuarentenas, el mundo ha girado de sobremanera desde la llegada del COVID19. ¿Qué es la música para Qué Cobrás!?

La música para nosotros es una parte esencial en nuestras vidas. Hay veces que es un esca pe a nuestros problemas diarios.

De Mí Te Olvidaste, entre las ya mencionadas, fueron de las canciones que me encantaron de la banda. ¿Qué temas se han convertido en sus preferidos para interpretar En Vivo?

Las canciones van variando. Por épocas nos gustan algunas más que otras. Últimamente destacan Poco a Poco, Mi Barrio Mi Club, De Mí Te Olvidaste, y las que nunca faltan, y nos gusta terminar los shows con Héroe del Tablón y A Escabiar.

Gracias a las nuevas tecnologías que viajan en la Era Digital, hay una infinidad de músicas y propuestas. Según sus gustos, ¿qué álbumes o grupos nos recomiendan para adjuntar al pla ylist y coleccionar?

Vanilla Muffins – The Drug is Football, Grade 2 – Break The Routine, Crux – Keep on Run ning, Bishops Green – Idem, Cockney Rejects – Greatest Hits Vol. 1 y 2, Tango 14 – Esto es nuestro, Aliento de Perro – Se Escucha Mal, 2

De Mi Te Olvidaste

Antes de tomar escenarios, ¿tienen algún grito de guerra o cábala que les gusta practicar? De mi parte, puede ser la costumbre de ocu parme a pegar la lista de temas y de poner algún trago al costado del retorno. Tuerka gene ralmente sube a tocar con camisetas de algún club, donde juega el hermano. Antiguo, con alguna remera sin mangas de Discharge o GBH, y Luis es muy despreocupado, creo que no tiene costumbres ni cábalas, sólo se preocupa por tener una birra al lado.

Tras su experiencia y recorrido personal, un mensaje para los amantes del género musical y su actitud ante la vida, ¿qué les pueden decir para adentrarse en la movida y conformar sus propios proyectos?

Primero y principal, poner la mayor energía posible. Hay momentos que las cosas se pue den estancar, y es ahí donde hay que tirar

para adelante, tratar de crecer como banda un poco más, y buscar nuevos objetivos. Ésa es la esencia en general de Qué Cobrás!?

¿Qué nos pueden comentar de su región y su música? ¿Algunas referencias y sonidos de su sugerencia?

La ciudad donde vivimos se llama Puerto Ma dryn (Patagonia). Es un lugar turístico, con muchas playas para disfrutar ballenas, tanto en invierno como en verano. Tenemos muy bue nas bandas de Punk como Dosis, Ladrones, Enroskados y Alison.

En el presente incierto y sus avatares que nos entregan los Estados Profundos y sus controladores, ¿algún proyecto o primicia que nos quie ran compartir para el resto del 2022?

Para cerrar este muy buen 2022, a fin de año vamos a estar presentando nuestro primer ál bum de Estudio, de 10 canciones, y vamos a tener un anticipo con un videoclip. De acá a fin de año vamos a ver si podemos seguir tocando por diferentes partes del país.

Sus palabras de despedida para los seguidores y seguidoras de Qué Cobrás!?, también para los lectores de LaCarne Magazine. Bueno, agradecemos el espacio que nos brindaron en la revista, y esperemos algún día po der conocer su país. Saludos y abrazo de gol para todos los lectores.

EnBolivia serán bien recibidos de seguro por el Movimiento Punk y la contracultura musical que acoge a sus participantes sin distinción de Nación. Será un gusto aparte verlos En Vivo.

Por otro lado, estaremos ansiosos de escuchar esa ópera prima de Qué Cobrás!? De seguro serán 10 canciones repletas de Punk, Rock y Fútbol, perfectos para este año, que se viene el Mundial de Fútbol en Qatar. Es el mejor momento para musicalizarlo con la banda. Éxitos ahora y siempre.

Minutos – Valentín Alsina, Attaque 77 – Todo Está al Revés.

Capital Rock Sureño Americano

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Afines del mes de mayo del presente año, el tema Losing Ground alcanzaba el Top #1 de los charts locales y rankings especializados en Rock nacional, marcando un hito en la Historia de la música boliviana. Pude apreciar el primer corte del álbum North, y realmente alucinarme con la propuesta que nos traen Capital desde la ciudad del valle de Co chabamba, en Bolivia, al Sur de América.

La nueva producción de Capital está al aire, y nos promete mucha interacción audiovisual para el resto del año, ya que se filmaron todos los temas en video, y serán estrenados paula tinamente a lo largo del restante 2022 e inicios del 2023.

Como buen melómano, y curioseando sin dejar

de cesar la música, temas como World’s End, Afterglow o To Be Free nos llevan bien alto en el viaje musical que plantea la banda en este nuevo y flamante North, EP que lanzaron en marzo, y que nos entrega la secuela que abrie ron con South, su ópera prima del 2017. Nos contactamos gracias a las redes sociales, y posteriormente a la inmediatez del WhatsApp, con Daniel Andrade, vocalista y cofundador de la banda boliviana de Cochabamba Capital.

Capital, desde Cochabamba, Bolivia

Muy agradecido por la colaboración en exclusiva para LaCarne Magazine. Luego de dos años -y más- en cuarentenas y la pandemia debido al COVID19, personal y musicalmente hablando, ¿cómo se encuentran actualmente? Mil gracias por la entrevista para LaCarne Magazine. Creo que, como en muchas bandas, el tema del COVID19 y la pandemia, y todos es tos años lejos del escenario, la primera preocu pación siempre ha sido de que personalmente y familiarmente todo el mundo esté bien.

Gracias a Dios, hemos vivido la pandemia sin mayores complicaciones, pero de alguna forma separados. En nuestro caso, más allá de haber hecho un par de lanzamientos de temas inéditos, participación en pequeñas tocaditas virtuales, han sido dos años de separación for zada. Estamos bien, pero ansiosos de volver a escenarios, de volver a tocar, y de volver a tener público.

Una breve reseña de Capital, ¿dónde y cuándo nace el grupo?

Capital nace en Cochabamba. Los dos cofun dadores del grupo somos yo, Daniel Andrade (voz), y Santiago Laserna (guitarra). Empecé mi carrera de vocalista cantando en Boston, cuando estaba en la Universidad, y Santiago tenía una carrera de solista. Entonces deci dimos emprender o parir Capital, hace unos buenos 5 o 6 años.

¿Por qué del nombre de Capital?

Estábamos buscando un nombre que sea fácil en inglés y español. Nos gustaba mucho Capital. No tiene ninguna anécdota por detrás. Es un nombre fuerte y fácil de pronunciar, y que tenía la capacidad de utilizarse en ambos idiomas indiferentemente.

¿Quiénes integran o conforman Capital? Cuando nace Capital se incluye a Paulo Murillo en la batería, y Pepe Padilla en la guitarra, y de último incorporamos a Ludwing Salazar en el bajo, quien después coproduce los dos discos de la banda. En el último tiempo, Lud wing se ha ido a vivir a Holanda, Paulo está viviendo en Santa Cruz, o sea que ahorita estamos reevaluando la formación para volver a tocar En Vivo.

¿Qué estilos musicales han influenciado en su sonido? En cuestión de estilos musicales, para mí y Santiago, y un poco más en relación a mi tipo de voz, seguramente lo más cercano de in fluencias es Rock Blues, o Rock sureño de los Estados Unidos. A mí me gusta muchísimo el Góspel y el Soul, Santiago tiene una influen cia Pop muy fuerte. Compartimos mucho Rock Americano, especialmente de los 60’s y 70’s.

¿Cuáles fueron sus referentes musicales para Capital? ¿Qué artistas los han marcado?

En el caso de artistas, a mí me gusta mucho Led Zeppelin, Queen, Stones, pero también, por un tema de edad, Counting Crows, Collective Soul de los 90’s. Nunca hemos sido muy pesados en el Grunge. Santiago te dirá seguramente que su influencia más grande son The Beatles.

He disfrutado en su canal YouTube del videoclip Afterglow, el nuevo sencillo del álbum North, su segundo trabajo discográfico. ¿Algunas anéc dotas de la producción y realización? Afterglow efectivamente es el último video que hemos sacado, el último sencillo del álbum North, nuestro segundo trabajo discográfico. La mejor anécdota de esto es que nos dimos cuenta de que canciones sin videos son difíci les de promocionar.

Hemos hecho algo nuevo para este disco. Ter

minamos grabando videos para todas las can ciones del North, que son 6, más un séptimo video de Set Me Free, que es el último sencillo del anterior álbum.

Filmamos 7 videos, de los cuales 6 grabamos en un solo día, con So Myung Jung (un gran productor musical y audiovisual en Santa Cruz). La idea era tener un video para cada canción nueva del EP North

Capital, Hombre León

Mientras disfruto de su EP South (2017), con temas como Lion Man, What’s it gonna be, Set Me Free, obra en general que con sus melodías me refrescaron el ambiente a la hora de la redacción. ¿Qué nos pueden comentar de las canciones? ¿Qué temáticas han abordado en su ópera prima?

El South definitivamente es una puesta -diga mos- sonora, a justamente nuestras influencias más fuertes en el sonido de la banda. Es un disco decididamente más sureño, con influen cias muy claras en Country, con referentes como Johnny Cash.

La construcción de las canciones incluidas en ese EP persigue más o menos eso, de tener como una dirección sonora muy específica, donde uno pueda escuchar el disco, y tener una noción geográfica de dónde vienen las in fluencias de esas canciones.

algunos programas especializados, tema que cuenta con un videoclip oficial y nos entrega ese potente sonido de la banda. ¿Cómo nace la obra? ¿Algunos detalles de su producción? Losing Ground es una canción un poco bonus. La hemos incluido como primer sencillo del se gundo disco. Es la única canción donde el riff inicial y maqueta vienen de Ludwing Salazar, y sobre eso, en la construcción de la produc ción, hemos participado Santiago y yo (en tex tos).

Lo interesante de Losing Ground es que la base rítmica y melódica del bajo es extremadamente repetitiva, Entonces, era interesante, qué podíamos hacer con las voces y el resto de la instrumentación, resultando una canción un poco hipnotizante y fuerte. Creo que tiene un buen coro.

¿Cómo anda en la actualidad la Cultura y el Movimiento Musical en Cochabamba? ¿Qué nos pueden comentar de la Escena? La verdad, es que no sé cómo anda la actuali dad. Tengo una serie de impresiones de cómo

Entonces, las temáticas -obviamente- de la Mú sica Americana, de todo lo que es el Sur de los Estados Unidos, es bastante clara. Tenemos canciones definitivamente Rock Blues como Lion Man, tienes cosas más Country como Wheels on Fire, o baladas un poquito más Soul como Set Me Free.

¿Cómo les fue con este material y su difusión? El primer disco fue recibido súper bien. Lion Man, Wheels on Fire, y Set Me Free han estado en casi todas las listas de rankings nacionales, muchas veces en el número uno o en los Top 5. Los videos han tenido una buena aceptación, con escuchas relativamente orgánicas.

Losing Ground es el primer sencillo del nue vo material, que ha conseguido el Top #1 en

está a nivel nacional en general, y a nivel Lati noamérica.

Creo que las cosas todavía no han terminado de cambiar, y creo que van a cambiar drásticamente. Artistas como nosotros, que ya no tienen 20 años, debemos volcarnos a tener una mejor predisposición para estar en otros canales y formas de distribuir nuestra música, ya sea en Reel’s o TikTok’s.

Para las tocadas En Vivo, las bandas nacio nales y cochabambinas deben cambiar de for mato para empezar a ofrecer shows más dinámicos. Creo que la época de tener una banda sobre una tarima ya no es suficiente.

Capital han presentado North, segunda obra de la banda. ¿Qué tal les fue con la producción y realización? ¿Algunas anécdotas que nos puedan compartir?

Poca gente sabe que ambos discos (el South y el North) fueron producidos el uno después del otro. Cuando grabamos el South, selecciona mos una cierta cantidad de canciones (que fue

ron parte del South), y unas cuantas termina ron siendo parte del North porque tenían una dirección sonora diferente, y se terminaron de producir, mezclar, y masterizar casi un disco al lado del otro.

En el caso del North, vamos a lanzar todos los sencillos de ese disco, cada uno con un video, por el resto del 2022. Sacar el material fue fá cil, la solidez de las canciones, de la composi ción y la producción son bastante buenas para compensar cualquier falencia de marketing que podamos tener.

Set Me Free, entre otras canciones ya men cionadas, son de las que me gustaron. ¿Qué temas se han convertido en referentes para Capital? ¿Qué canciones los identifican con su público?

Es difícil saber qué temas son referentes como banda. Tengo una noción de que seguramen te el primer sencillo (Lion Man) es el que más conoce la gente. A mí, en lo personal, del primer disco me gustan muchísimo Set Me Free y Moving On (le tengo un particular afecto por

escribir la producción inicial).

Para mí, Set Me Free engloba la esencia del South. Si les preguntas a los amigos músicos de otras bandas, casi al total de ellos les gusta Wheels On Fire, una de las canciones más sofisticadas y complejas que tiene el disco. La mayoría de la gente espera Lion Man principalmente. A mí me gusta Set Me Free.

Capital, Libérame

Sabemos que en Bolivia el Movimiento Rockero tiene grandes bandas que creen mucho en sus proyectos. ¿Qué agrupaciones nos reco miendan?

Sé que ahora en Cochabamba y Santa Cruz cada vez hay banditas más pequeñas y más jó venes que están empezando, son interesantes.

El último trabajo de Chelo Navia con Oil, su disco Laberintos (2020) es espectacular. Yo participo en una de las canciones que se llama Black Blood Rivers, me parece un discazo. El próximo disco de Mammut que está trabajando Diego Boulocq (vocalista de la banda) será un gran álbum. Hay que estar atentos a su lanza miento.

¿Alguna cábala o grito de guerra para entrar al escenario?

Nunca hemos tenido una cábala o grito espe cífico de guerra para entrar al escenario. Siem pre nos hemos tratado de juntar y de tomar un trago antes. Creo que existe un gran nivel de concentración siempre para el show mismo. Queremos gastar nuestra energía en el escenario.

Para los melómanos y adictos de la música, ¿qué álbumes son sus preferidos hoy y siem pre? ¿Qué placas discográficas aconsejan para coleccionar?

Todos en Capital somos grandes amantes de la música, con gustos bastantes diversos. Yo, personalmente, no escucho mucha música en español, pero soy gran admirador de Soda Stereo y de la carrera de Gustavo Cerati. Me gusta desde el Amor Amarillo hasta Fuerza Natural, algo que siempre le aconsejo a la gente que quiere empezar a escuchar Rock en es pañol. Ése es el principio y el final.

En cuestión de música en inglés, le tengo un amor enorme a los Black Crowes, Counting Crows, últimamente he estado escuchando muchísimo -otra vez- de Led Zeppelin. Hay muchísima música nueva para escuchar, como The Artic Monkeys, y ahora estoy tratando de escuchar, y me gustan bastante, Billie Eilish. Pregunta difícil para hacerle a músicos.

¿Qué es la música para Capital?

La música para nosotros es el principio y el fi nal de nuestros días, más allá de los otros trabajos y de las otras ocupaciones que muchas veces uno tiene. Nos levantamos y dormimos con música.

Siempre es un constante pensamiento de ¿cuándo voy a estar en escenario otra vez?, ¿cuándo voy a escribir algo?, ¿cuándo se va a cuajar en una canción?, ¿cuándo se puede grabar?

¿Cómo ven, desde la música y el arte, el panorama actual en la escena local? Más allá de que vivimos en un país con una in dustria pequeña, atomizada y todavía un poco ingrata, por así decirlo, creo que tanto más im portante -para celebrar a los que son artistas y músicos a nivel nacional- es hacerlo por amor a la música.

¿Qué planes y proyectos tiene Capital para el resto del 2022? ¿Algún adelanto que puedan compartirnos?

Terminar de sacar todos los videos y todas las canciones del North. La próxima canción, Gimme a Smile, está presta a salir. Hemos puesto 8 a 10 semanas entre cada canción. Todo el año vamos a estar sacando una canción, con casi un mes y medio de distancia. Estamos felices de atacar con nuevas canciones.

La despedida, un mensaje final para la gente que disfruta su música y para los nuevos segui dores de Capital.

La música ha sido un ancla enorme entre este 2020 y 2021, casi una válvula de escape para toda la locura de la pandemia. Momento de estarse quieto, de estar en familia, con pareja e hijos, pero también para buscar en la música el soslayo y consuelo, por ejemplo, redescubrir todo el catálogo de Bruce Springsteen, un lujo espectacular. Creo que es importante revalori zar la importancia que tiene la música en estos momentos tan raros.

No hay grandes sellos, no hay grandes taquillas. La gente está sobreviviendo como mejor puede, pero genuinamente, por un deseo casi compulsivo -digamos- de hacer música, de pararse en un escenario. Para nosotros eso es lo más importante. Hay un cierto nivel de pureza en hacer música en un país y en una ciudad que no necesariamente te va a permitir una vida cómoda siendo solamente músico.

La gente que tiene esa compulsión de hacer música, creo que merece que se la tome en cuenta, y que se la festeje.

Esperemos que la gente en este 2022, se vuelva a conectar con nosotros y vuelvan a escu char los discos de Capital. Son dos trabajos extremadamente bien hechos, las canciones hablan por sí solas. Ojalá que la gente los com parta y disfrute. Que nos hablen, que es algo que nos encanta. Esperamos estar en los escenarios, ya sin fin, en este 2022, 2023, y así en adelante. Muchas gracias por la entrevista. Mientras cierro la presente edición escuchando Take a Walk o Gimme a Smile, temas del EP North, me emociona la idea de ver la obra completa en video, y esperar las nuevas producciones de la banda Capital, quienes, con el amor al arte característico de los obreros de la música, irán sembrando un legado rockero en la Historia de la música contemporánea a nivel local y global. Éxitos en el aquí y ahora para Capital.

Andesol Música de integración

Laobra de Andesol es magnánima, y se encuentra años luz de la realidad contemporánea que atravesamos, francamen te. Nunca imaginé que, gracias a la actividad musical y cultural, podría entablar una buena amistad junto a uno de los compositores, e in térpretes más icónicos dentro de la música he cha en nuestra región de Los Andes, llámese Bolivia.

Mi historia con el autor del clásico himno El Encuentro (canción que nace en los 70’s integran do la agrupación Wara), data de cuando Oscar Córdova fue seleccionado por la Oficialía Mayor de Culturas de la Alcaldía de La Paz como artista de una Verbena Paceña, para el 16 de julio del 2014, donde compartimos equipo de

trabajo y agrupación. Integrábamos el autopro clamado Ensamble Montenegro. Aquella velada dedicada al “Primer Grito Libertario de las Américas” hicimos de las nuestras en el esce nario principal de la Plaza San Francisco, además de realizar un espectáculo sin preceden tes ante miles de espectadores. Nacía nuestra amistad eternamente blindada.

Es un enorme orgullo conocer en persona a un Maestro de la quena, Oscar Córdova Rodríguez, un honor aparte, ser su amigo y co nocido, una jactancia del Alma. Luego de los vaivenes de las jornadas y los quebrantos de la rutina, pude reunirme junto a uno de los mejo res exponentes del instrumento mágico de Los Andes, que, como un sencillo y humilde artista, obrero de la música, me recibió en su barrio de Sopocachi, para congregarse en la confian za del hogar, y así conversar sobre su extensa carrera musical de toda una vida y existencia humana.

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Andesol, el encuentro de melodía hecha luz

Querido Oscar, es un gusto para LaCarne Ma gazine conversar contigo sobre tantas cosas, y podríamos hacer una película de tu vida. Coméntale al lector, ¿cómo nace a la vida musical Oscar Córdova?

En principio, querido Alfonso, un saludo a la revista LaCarne Magazine, desde La Paz en Los Andes. Yo me considero un músico de cepa, vengo de familia de músicos (mis abuelos). Siempre he vivido muchísimo en ese ambiente musical desde muy niño, mis tíos tenían la Or questa, mi abuelo tenía la Banda.

¿A qué edad empieza a tocar un instrumento Oscar?

Yo empecé a tocar la percusión a mis 8 a 9 años. Tocaba con mis tíos en la Orquesta, en la época del Dengue (jajaja). Me acuerdo, yo era changuito.

¿El salto a los vientos y a convertirse en un Maestro referente?

Siempre yo tenía esa pasión por la música, ¿no? Un día me enamoro de la flauta traversa, y hago lo imposible para obtener una. Ian Anderson de Jethro Tull me gustaba muchísimo, una música bastante propositiva.

Yo ya tocaba la quena, me hacía unas queni tas en aquellas épocas, una especie de pito. Agarraba (gracias a mi tía y su negocio para techar las casas) los mejores tubos de la caña hueca. Trataba de imitar a los tíos, que uno era trompetista, el otro saxofonista, de todo. Eran los Hermanos Rodríguez.

¿Cuándo y dónde nace Oscar Córdova Rodríguez?

Nazco en el año 1952, un 10 de abril, en la ciu dad de Sucre.

¿Qué memorias le evocan sus recuerdos de aquellos tiempos en Sucre? Con una niñez y juventud ¡salvaje!, maravillo sa. Los niños en las calles siempre jugando al trompo, jugando a la choka, a las ch’ampa guerras. Hoy en día eso ya no se ve, hablamos de casi 60 años -y más- atrás. Yo era un campo runa, hablo perfectamente el quechua. Sucre era una mezcla entre campesinos y citadinos, era una contra vivencia en la “Choquechaca”.

Y eso le influencia mucho en la música, ¿verdad?

Será de los genes también, porque mi otro abuelo hacía guitarras, arpas, mandolinas.

¡Era un luthier! Sí, además de poeta. Don Eulogio Córdova, un gran compositor.

Inevitablemente, empieza haciendo música desde siempre. ¿Cuánto tiempo va en este jue go?

Yo ando metido en esto, profesionalmente, 50 años (que cumplo el 2023).

Coméntenos, ¿cómo ha sido el proyecto musical de su vida, Andesol?

Ha sido un viaje, un camino que hemos estado haciendo. Tuve que pasar por muchos grupos

(Wara, Grupo Aymara, etc.) destacados del ambiente. Ha sido como pagar mi derecho de piso en estos vaivenes del camino de la músi ca. Luego de 20 años de experimentar en Fo lklore, en lo Autóctono, un día decido hacer mi proyecto.

Estaba de retiro en España, buscando pega, y los conocidos me reflexionaron para que haga lo mío. Era el momento de encaminarme. Vuel vo a enfocarme, yo ya tenía un cierto dominio de la quena en tantos años (más de 20 profe sionalmente en la ruta).

Ha conocido el mundo con la quena. He viajado bastante, dándome el gusto de gra bar en Puk Studios, en Dinamarca, con músi cos daneses, y haciendo mi música.

La Muela del Diablo Tuve la oportunidad de escuchar ese álbum in titulado Nexos (2000) junto a Magic Buzz, una perfecta y verdadera globalización por medio de la música. ¿Cómo fue el recorrido? Después de conocer el Jazz, y ser consciente de lo que pasaba en la música, tanto en Euro

pa como en Estados Unidos (sabía, quién era quién), y con todas esas bases hago el proyecto Andesol.

Entro en la propuesta y composición, aportando toda esa madurez que había obtenido a lo largo del camino. Le pongo todo mi ñeq’e al proyecto Andesol, que, hasta el día de hoy, ¡seguimos vigentes! Hay varias obras.

¡Adelantado a los tiempos! Como tú lo dices, me he adelantado un poco al tiempo, porque mi proyecto es muy diferente a

lo que está pasando ahora. Todos se han que dado en la misma, no hay propuestas nuevas en el Folklore y en la Música Autóctona, por que no hay desarrollo musical ahí. Yo tuve que aprender y sigo aprendiendo todo eso.

Y está dejando un gran legado dentro de su obra, ¿cuál es su discografía de Andesol? Me pierdo, aunque no creas. Es harto, sería lar go de mencionar, pero está en el Internet. Ten go la obra Wiphala, Tuni Kunturiri, Sagrado Akhamani, tengo las obras del Jazz (Vol. 1 y Vo. 2), una discografía mortal, Andesmanta es un resumen maravilloso. Todo es composición.

En este caso, las wawas para los músicos son sus canciones. Pasando el centenar de sus creaciones, hay una de ellas que marca su ca mino, El Encuentro, y la reivindicación -recien te- que obtuvo como autor y compositor por parte de una acción legal entre usted, el grupo Wara y Sobodaycom (Sociedad Boliviana de Autores y Compositores). Siempre está la maldad y la envidia. ¡qué voy a salir a pelear! Tanto Jorge Komori como mi persona venimos cobrando las regalías. El problema es que en lugar de decir una cosa, dicen otra por maldad.

Me comentaba que, desde ahora en adelante, Wara, antes de interpretarla, debe mencionar quiénes son sus autores, en honor a la verdad. Cansado de esa ineptitud, yo les dije “señores: lo que es del César, es del César”. Si no me corresponde, ni modo. ¡Pero si me corresponde, huay! Cuidado se equivoquen, no es así no más, tratar de apropiarse o de tergiversar las cosas en la vida.

Me quedo feliz, y si un artista no defiende sus derechos en vida, nadie se los defiende. Ac tualmente, ¿cómo ve el Movimiento musical en La Paz, Bolivia? No lo veo, todos están en sus cosas. En reali dad, no se trata de ser un erudito. Sin creatividad, no pasa nada. La música no es virtuosis mo, la música es creatividad.

¿Cómo le fue con la banda y sus integrantes en Andesol? Gracias a Dios me reúno con muy buenos inte-

grantes. Qué lindo tocar con el Maestro Einar Guillén en el piano, David Aspi en la guitarra, el gran Zegadex en la batería, Edwin Mendoza en el bajo. Ha sido una juntucha de gran des, ¿quién no ha pasado por Andesol? Descastadísimos músicos, Juan Pereyra, Martín Joffré, Hernán Ponce, Saúl Callejas, José Abreu, Jonathan Cáceres.

Tener grandes músicos profesionales en Ande sol es un gran crédito. ¿Qué temas les gusta interpretar En Vivo? ¿Qué canciones se volvie ron referente dentro de su público? Mi trabajo recién lo entenderán a los 10 o 12 años de mi muerte, querido Alfonso.

Es un legado en vida que nos está dejando. Mucho trabajo, yo mismo me pierdo. Entre la onda de las cuecas y los bailecitos, y después estoy con los Chuntunquis. En realidad, Andesol ha creado una especie de Institución, por que se ha permitido aglutinar en su seno a muy buenos colegas y distinguidos músicos, que están ahí para la historia.

Siempre componiendo, creando y produciendo, ¿qué nos puede comentar? Antes de la pandemia, cuando estaba en lo mejor, ¡chacatao!, pero he grabado. Tengo un tema, una especie de Yaravi del Norte, es un tema de Chet Baker, gran trompetista, un ge nio. Yo me he permitido pedirle permiso para hacerle un tema reedición, I Can’t Get Started, y lo toco junto con él. Yo en la quena y él en la trompeta. Tratando de darle un respeto a la quena se puede lograr hacer cosas interesantes fuera de nuestra música, Jazz o lo que quieras.

Dentro de su largo recorrido, ¿qué lugar o fes tival lo ha marcado?

En realidad he paseado por aquí y por allá. Sentí algo especial en el FestiJazz 2013, cuando presentaba la obra Andesmanta

Enamorado de la ciudad de La Paz, nació An desol, ¿qué nos puede rememorar?

Todo nace cuando llego a La Paz. La he amado desde el primer momento de mi llegada, un changuito quechua parlante, diciendo: “creo que nunca más me voy a ir”, y nunca más me

fui. Estoy sellado aquí, una época maravillosa. Llegué escapado de mi casa, con la ropa puesta en el cuerpo, frío tremendo, un aventurero innato.

Era músico en el Alma, y “en la ciudad del cie go, el tuerto es rey”. Me busqué la vida, había una armonía en mi persona. Tuve el dominio total de la hoyada con mi cóndor, desde los cielos, y mi cetro (jajaja). Pero también caímos hasta lo más profundo, Dios me mandó a conocer las catacumbas del infierno.

Orgullo Aymara

El momento actual, nos mantiene con más pro ducción Andesol. Toda vivencia y experiencia la puse en música, saliendo de las catacumbas fortalecido. Me he formado y he hecho música. Andesol es mi proyecto y lo dejo de recuerdo, de herencia y de huella a todos ustedes, queridos amigos.

Su mensaje para los seguidores de Andesol. Que escuchen Andesol. Tengo información en las redes sociales, fácil comunicarse conmigo.

Es un orgullo compartir en vida y En Vivo con un Maestro. Gracias por su Historia, un honor para mí y para LaCarne Magazine haber realizado esta pequeña entrevista. Sus palabras de despedida. Queridos amigos, en principio no confundan gordura con hinchazón, y, pues, siempre ade lante, aquí en Los Andes al menos, levanten la vista, ahí está el Illimani. Disfrútenlo mientras puedan. Gracias. ¡Adiós!

seguro que en cada entrevista aprendo mucho de la vida y su experiencia, un gran juego y sus jugadores, mar cando época. Oscar Córdova es un artista de Perfil Bajo, como él me lo comentó en alguna oportunidad, y definitivamente un Obrero de la Música, que nos deja un legado invaluable jun to a su proyecto musical Andesol. Éxitos ahora y siempre.

Estoy

Liláh explorando recursos sonoros y musicales

Noscomunicamos con la voz represen tante de la banda Liláh, quien nos brindó detalles y adelantos de la nueva producción, Amaia, del que el nuevo single No Puedo Más forma parte. La agrupación ha plasmado ya el próximo EP junto a Pro Audio SRL, como parte del proyecto Vibra Mi Patria Bolivia, y estará al aire desde este 23 de sep tiembre 2022.

La ofertas y agrupaciones musicales fluyen por las venas de la urbe paceña, donde se reza el dicho popular: “cuna de valientes y tumba de tiranos”, y donde posiblemente nunca hay paz. Por ser sede política del país y por sus ener-

gías telúricas, acá siempre habrá cultura y contracultura que tejer, crear, armar y amar. Los antagonismos son tan grandes como en cual quier rincón del planeta, y desde esas dualidades surgen sonoridades cada vez más geniales, originales y con un sinfín de posibilidades.

Luego de contactar con la banda y recibir la aceptación para la presente exclusiva con LaCarne Magazine, pasamos a disfrutar de su discografía, disponible en las plataformas digitales de preferencia, y exploramos esos nue vos aires que brotan de las generaciones más jóvenes, dispuestas a entregar alma, vida y corazón en su arte musical.

Liláh, Soft Rock y Pop

Luego de casi tres años en cuarentenas y la pandemia debido al COVID19, musical y per sonalmente hablando, ¿cómo se encuentran

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actualmente?

Pues con bastantes ganas de continuar creando música, explorar y trabajar más. Algo bueno de este tiempo, sin duda alguna, es que hay un reto constante por buscar nuevos recursos, ideas, etc. También nos ha estado sirviendo para encontrar mejores formas de comunicar nos entre nosotros.

hasta que poco a poco la música propia fue abarcando más lugar en el repertorio.

¿Por qué del nombre de Liláh? «Liláh» significa «Jugar«, y, al momento de pensar el nombre, pensábamos en algo que implique la naturaleza de la música como parte de la realidad humana, y nos quedamos con el sentido lúdico de la música, de la vida en sí misma.

¿Cuál es la formación actual de Liláh? Actualmente somos 5 en la banda: Stefanni Rojas en la voz y teclados, Marisel Ramírez en guitarra y coros, Carlos Bustillo en batería, Carlos Achá en bajo, y Javier Marchant en guitarra, coros y programación.

¿Qué estilos musicales han influenciado en el sonido de Liláh?

El sonido de bandas del Rock Británico sobre todo, además del mismo Rock Argentino. Al mismo tiempo, aún estamos en búsqueda de más recursos. Nos gusta descubrir nueva mú sica y empaparnos de ella.

¿Cuáles fueron sus referentes musicales? ¿Qué artistas los han sellado en el Alma? Tomamos diferentes referentes, como Radiohead, Cerati, Marilina Bertoldi, y, sin duda, una influencia importante es Marlango, Spinetta, Fiona Apple, entre otros.

Acaban de presentar No Puedo Más, un nuevo sencillo que nos regalan. ¿Qué nos pueden comentar de la nueva canción? ¿Algunas anécdotas de la producción? No Puedo Más es parte de nuestro próximo EP, y trata sobre las sensaciones de la llamada «nueva normalidad», y cómo nos ha agotado.

Una breve reseña de Liláh, ¿dónde y cuándo nace el grupo?

Liláh es una banda paceña de Soft Rock y Pop, cuya música está enfocada en explorar más recursos sonoros y musicales, para producir música y sensaciones comunes, y, a la vez, de las que poco se habla.

El proyecto inicia el 2017 en la ciudad de La Paz, tocando un repertorio principalmente de covers en diferentes espacios de la ciudad,

Cómo anécdota, queríamos explorar una armonía tipo Bolero, pero a la vez partimos de un riff de bajo más Funk. Probamos un par de samples, y quisimos cerrarlo en modo Bolero, por eso el loop del final. Debe ser de nuestros experimentos más curiosos.

Sin Luz

Mientras disfruto del tema Sin Luz, del EP Au rora (2021), extiendo mi viaje a través de la

banda. ¿Cuál es la discografía de Liláh y sus años de edición hasta el presente?

A finales del año 2019, en pleno caos político en Bolivia, lanzamos nuestro primer material titulado Leonor, que contiene música de distintas épocas.

Al inicio de pandemia lanzamos Bajel como un single, lo consideramos una bisagra a lo que queríamos hacer, ya con más visión y expe riencia.

A finales del 2021 publicamos Aurora, que fue producido a distancia al no poder ensayar de forma presencial. Lo que alcanzamos con ese material nos permitió palpar aún más el camino que queríamos, y nos permitió plasmar lo que será Amaia, el próximo EP, del que No Puedo Más forma parte.

En su canal de YouTube disfruté del videoclip del tema Sin Luz. ¿Cómo se dio la realización y dirección? ¿Algunos detalles de su producción?

Al momento de seleccionar una canción para un videoclip, Sin Luz fue la que se tornaba como favorita. El videoclip estuvo dirigido y producido por Mathieu Belmonte, quien con siguió plasmar mucho de lo que esperábamos, de forma concreta y sencilla, pero a la vez de forma contundente.

Liláh estuvieron últimamente actuando en el Proyecto Cultural Barranco, en una linda zona y Espacio al Sur de La Paz. ¿Cómo anda en la actualidad la Cultura y el Movimiento Musical en la hoyada? ¿Qué nos pueden comentar de la Escena?

Los miembros de la banda conforman otros proyectos, en diferentes escenas, y nos reconforta saber que se estén reabriendo las puertas. Por otro lado, decidimos asumir el reto de apostar aún más por nuestras canciones. Queremos aprovechar cada espacio, ya que, a pesar de ser un riesgo, sin duda es algo que nos llena.

Luego de tantas cuarentenas y restricciones, ¿tuvieron la oportunidad de regresar al “En Vivo y Directo”? ¿Qué tal se sintió el escenario y disfrutar junto a su público? ¿Algunas anéc dotas que nos puedan compartir?

Sí, tuvimos la oportunidad de regresar en un par de ocasiones. Fue reconfortante reencon trarnos con la gente, con el escenario. Es otra cosa. Si bien durante la cuarentena se explora ron otros formatos como los conciertos online, nada reemplaza la adrenalina, los nervios, la conexión única con el público que se genera en cada presentación.

No Digas Más, Abril, entre otras canciones del álbum Leonor, son de las que me gustaron, o Bajel. ¿Qué temas se han convertido en referentes para ustedes como banda? ¿Qué can ciones los identifican con su público?

El Abril es nuestro primer referente importante como banda. Una canción que nos sigue repre

sentando y que nos acompaña en cada con cierto. Además, la canción que probablemente más se sabe nuestro público.

Después está el Sin Luz, nuestra producción lanzada mejor lograda hasta el momento. Por último, está El Arbolito, un futuro estreno que mueve a cada integrante de la banda. Es parte de nuestro próximo EP, y estamos ansiosos por compartirlo con ustedes.

Sabemos que en Bolivia el Movimiento Musical tiene grandes y sólidas bandas. ¿Qué agrupa ciones nos recomiendan para tomar en cuenta y prestar atención?

De bandas emblemáticas recomendamos

Wara y Llegas. De proyectos actuales nos gusta mucho el proyecto solista de Verónica Pérez, Mathew Bell, la banda Torkuatos de Santa Cruz.

Un Motivo

¿Alguna cábala o grito de guerra para entrar al escenario?

Lo importante para nosotros es conectar como banda y alejar el nerviosismo. Hacemos ejer cicios de atención y conexión. Nos deseamos “mucha mierda”, disfrute, y a subir al escenario.

¿Qué es la música para Liláh? Para Liláh la música es una transversal en la vida misma, un medio de expresión personal y colectivo, de comunicación, experiencias sono ras que reorganizan vivencias internas, y así, la visión del mundo.

¿Algún adelanto que puedan compartirnos? Lo más relevante es el próximo lanzamiento de Amaia, nuestro EP. Amaia es una producción conjunta con Pro Audio

La despedida, un mensaje final para la gente que disfruta su música y para los nuevos seguidores de Liláh. Gracias infinitas a la gente que nos escucha. La motivación de continuar siempre está muy ligada a la retroalimentación de los oyentes, que, como retribución del trabajo hecho, es de masiado.

Cerrando

la presente edición, les comen tamos la alegría que embarga a Liláh, que gracias a Pro Audio SRL, que hizo posible su nuevo viaje, el EP Amaia oficialmen te ve al público el viernes 23 de septiembre.

Les deseamos éxitos con el nuevo material, que puedan alcanzar todos sus logros y objetivos como banda, y así dejar ese brillo eterno de melodías hechas música, algo perenne en el tiempo y que sólo el Arte nos permite sembrar.

Monos en Bolas puro

Rock desde Buenos Aires

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Mientras musicalizo la presente exclusi va con el nuevo álbum Parte del Plan, que desde mayo del 2022 está dispo nible al público en las plataformas digitales, nos comunicamos con el portavoz de la banda argentina Monos en Bolas, quienes nos pre sentan 8 nuevas canciones en un esperado y ansiado trabajo musical.

Temas como Voy Por Más o Un Día Más nos acompañan al momento de la redacción final, agradeciendo la confianza y cordialidad por la colaboración para LaCarne Magazine, edifica mos paso a paso nuestro agrado para seguir,

admirar, apoyar, y escuchar a Monos en Bolas, quienes representan con elegancia y solvencia ese brillo musical que emana del Rock argentino.

Monos en Bolas, puro Rock desde Bue nos Aires

Luego de las cuarentenas y la pandemia COVID19, personal y musicalmente, actualmente ¿cómo se encuentran?

Más allá del freno que produjo la pandemia estos años, justo nos encontró con el lanzamiento del nuevo disco Parte del Plan. Eso hizo que todo sea más llevadero, pero, como siempre, extrañamos mucho tocar En Vivo, algo que hacemos muy frecuentemente, y que disfrutamos mucho. Por eso, en este momento estamos aprovechando y tocando en todo lugar que se pueda.

¿Cuál es la formación actual de Monos en Bolas?

Ahora somos Dario Dionisi en voz, Martin Fernández en bajo, Eduardo Petrone en batería, y Julián Scigliano en percusión.

¿Cuándo nace Monos en Bolas?

La banda se forma a principios de los años 2000, con una formación más amplia. Estaban con nosotros Diego Pollano en voces, Marcelo Nassif en guitarra y Silvio Marzolini en teclados, con la cual grabamos nuestro primer disco, producto de ganar un concurso llamado Aguante Buenos Aires, donde se presentaron más de 500 bandas. Con ese premio grabamos Civilización Cero, nuestro primer álbum en el Pie Records.

¿Por qué del nombre?

El nombre viene de estar en “Bolas de la Cabeza”, y la analogía de que todos somos como Monos, y de cómo llegamos a habitar este pla neta en Bolas, y en Bolas de la cabeza también.

¿Qué estilos musicales han marcado en su sonido?

Muchos estilos, Rock, Pop, etc., ya que todos venimos de escuchar varias bandas y estilos diferentes, pero coincidimos en que nos gusta la canción con buenas melodías y momentos de Rock. Tenemos esa cosa de que los temas siguen teniendo sus solos de guitarra, y mo mentos de silencios, frenos y arranques, cosas que a veces se pierden en algunas bandas, y que son tan lindas para las canciones.

¿Cuáles fueron sus referentes musicales? ¿Qué artistas los han marcado? Cada uno tiene sus artistas y estilos, como te comenté, pero creo que todos coincidimos en bandas como Soda Stereo o Cerati, también en su fase solista. Creo que esa línea es la que más nos está marcando ahora. Pero también disfrutamos en otras épocas de Las Pelotas, Divididos, Redondos, Piojos, son bandas de las cuales siempre sacamos algo.

Para los artistas, los títulos son sus propias obras musicales. ¿Cuál es su discografía hasta el presente de Monos en Bolas? Civilización Cero (2001), Pariendo Rock (2003), Amor Eléctrico (2013 – 2014), Parte del Plan (2021 – 2022).

Pude disfrutar del nuevo álbum Parte del Plan, que me hizo viajar por momentos geniales e inconfundibles, con temas como Cambia, Voy Por Más, Perdedor. ¿Cómo fue el proceso de producción y realización del disco? ¿Qué nos pueden comentar de la obra? El anterior disco (Amor Eléctrico) es el primero donde Darío toma el lugar de cantante, y eso fue muy repentino, ya que teníamos que sa carlo, y justo antes fue la salida del cantante anterior. Lo bueno de este nuevo disco, Parte del Plan, es que se compuso ya con Darío con años de estar en la voz, y eso fue algo que se nota, y mucho en el estilo y melodías, así que

ese proceso de componer fue muy bueno y pla neado, y se nota en el resultado.

Por otro lado, está grabado en el Estudio de Darío, también llamado DD Estudios, y la mezcla la hicimos en Osa Mayor Studios en Buenos Aires, y como Ingenieros estuvo Darío y el dueño del Estudio, Guille Cudmani. Como verás, Darío es parte fundamental del audio que tienen los discos de Monos en Bolas, ya que él es técnico de grabación, y trabaja como productor musical de varias bandas también.

Alma Encantada

En su canal YouTube he encontrado una im portante oferta audiovisual para adentrarse en la imagen de la banda, apreciando el videoclip de Cambia, una realización del álbum Parte Del Plan. ¿Cómo le fue a la obra? ¿Algunas

anécdotas de su producción?

Sí, el primer corte fue Cambia. Hicimos una encuesta con músicos amigos, y salió como cor te, lo que nos llevó a hacer un clip, que está realizado en el Estudio de El Vecino Producciones, un Estudio de filmación que está arma do por Martin Fernández (bajista de Monos) y Martin Castigliego, los cuales se encargaron de la producción, y con la edición digital y ani mación FX del gran Naranjanimation.

Luz es el segundo video oficial de su nueva producción discográfica. Personalmente me encantó el tema y las imágenes -En Vivo- que nos acercan a la banda, ¿algunas memorias de la realización?

Eduardo Petrone, que es el baterista de Monos en Bolas, se encarga de toda la parte de redes y diseños. En este disco, por ejemplo, diseñó las imágenes de tapa y de las cancio-

nes, y también realiza las ediciones de clips. Éste fue editado por él, y reúne parte de shows, como ser cuando tocamos en el CCK, partici pando del evento llamado Más Cerca del ARTE, y también hay imágenes de Estudio con todo. Realizamos ese video del gran tema Luz, que también formó parte de un compilado realizado en ese evento.

Alma Encantada es el tercer sencillo, y cuenta con un esplendoroso videoclip, que acompaña el lanzamiento del nuevo álbum. ¿Quieren brindarle crédito a la dirección y producción del video?

Ese video esta hecho enteramente con imagen de uso gratuito en internet, y también fue diri gido y editado por Eduardo Petrone. Estamos muy contentos con el resultado que acompaña a ese gran tema.

Algo que me llamó de sobremanera la aten ción, y me abrió la mente, es el mini documental Rock en mi Escuela, proyecto de intercam bio con alumnos de escuelas secundarias de todo el país. ¿Qué nos pueden comentar de la experiencia musical? Excelente idea fue la de llevar la música a los pibes y pibas. Lo realizamos en más de 40 escuelas del país, donde Monos en Bolas ha cía un show para los alumnos, y ellos podían preguntar todo sobre tener una banda, música, etc. Fue una experiencia única, y que volvería mos a repetir sin duda.

Luego de tantas cuarentenas y restricciones, tuvieron la oportunidad de regresar al “En Vivo y Directo”, además que con nueva obra. ¿Qué tal se sintió al Escenario y disfrutar junto a su público?

Sí, como te comenté, para nosotros tocar En Vivo es el momento más importante por el cual hacemos lo que hacemos. Sentir el audio y vivir esa experiencia de hacer música en directo es único, así que, ni bien tuvimos la oportunidad, salimos al ruedo, y así hasta ahora, siempre sin parar.

Luz o Mágica son de las canciones que me gustaron, entre las anteriores ya mencionadas. ¿Qué temas se han convertido en referentes para ustedes como banda? ¿Qué canciones los identifican con su público? Mágica realmente es muy especial, ya que está hecha por Darío para su hija, con lo cual tiene esa cosa extra, que cuando sabes para quién está hecha, toma otra dimensión.

Las canciones todas son bien recibidas, Cam bia (al ser el primer corte) siempre está, y ahora estamos haciendo el tema Perdedor con un amigo que rapea, El Pelu, una gran experien cia sumar invitados a los shows. Enriquece siempre los conciertos.

“No podemos estar sin la música, cada uno personalmente tiene la vida atravesada por la música, y disfruta de ella siempre. No hay un día sin música.“

En Argentina, el Movimiento Musical es muy profesional, ¿qué agrupaciones nos recomien dan para tomar en cuenta y prestar colección? Con los años aprendimos que la música es una sola, y todas las bandas son referentes, porque de cada una se tiene algo para aprender. Tal vez te cambio la pregunta, y recomendaría que no se cierren en un estilo o banda. Lo más lin do de todo esto es la variedad, y Argentina es súper pionero en eso. Mira lo que está pasando ahora con el Trap y Rap en mezcla con el Rock, es único, muy bueno. Siempre hay cosas que nos pueden gustar más que otras, pero lo importante es disfrutar de la música.

Voy Por Más

¿Tal vez alguna cábala o grito de guerra para entrar al Escenario? Sabes que no tenemos, porque estamos tan felices antes de tocar, que nos miramos y sabe mos que la vamos a pasar bien, sea como sea el show. Si alguna vez ven a Monos En Vivo, se nota mucho cómo nos divertimos, es genial. Igual un “¡Dale Gaucho!” se escucha siempre antes de salir (jajaja).

Dentro de su recorrido musical, ¿algún festival o evento que los dejó marcados en el Espíritu colectivo?

El Aguante Buenos Aires 2001, cierre del Festival, donde resultamos ganadores del concurso. Había más de 20 mil personas en Pa lermo esperando por Pappo, que cerraba el evento. Tocar así creo que nunca nos vamos a olvidar, por la gente, por el momento, por haber ganado, y lo que significaba para nosotros eso.

La experiencia ayuda a poder tener la voz de la experiencia, ¿qué le recomiendan a la gen te que quiere dedicar su vida a la música y su creación?

Juntarse con amigos primero, el grupo humano es importantísimo, y no parar pase lo que pase. Si es tu pasión tenés que seguir, porque lo más lindo (como siempre) es el camino, no la llega da. Cuando entiendes eso, se disfruta todo.

Y luego, no esperar de nadie nada, hacer las cosas uno mismo, la Autogestión (como te co menté, nosotros tenemos mucho de autoges-

tión. Darío en la parte de audio, grabación, mezcla, masterización, Eduardo en redes, edición de clips etc.).

Julián en los primeros discos hizo toda la gráfica, él es ilustrador también, Martin con la productora para video clips, y todos cerrando fechas, y haciendo de Manager de nosotros mismos. Si alguien de afuera ayuda, mejor, pero no hay que esperar que las cosas las ha gan otros.

¿Qué es la música para Monos en Bolas? Nuestra vida, no podemos estar sin la música, cada uno personalmente tiene la vida atravesa da por la música, y disfruta de ella siempre. No hay un día sin música.

¿Qué planes y proyectos para el final del 2022? ¿Algún adelanto que puedan compartirnos? Seguir presentando Parte del Plan, y ya arran cando a componer el próximo disco, pero más que nada, tocando mucho y realizando algún otro clip, seguro.

La despedida, un mensaje final para la gente que disfruta su música y para los nuevos segui dores de Monos En Bolas. Nos vemos en los shows (la vamos a pasar genial), y en todas las redes y plataformas para seguir disfrutando de la música con todos y to das.

Mientras

saboreo del tema homónimo del álbum Parte del Plan, y me evocan sus melodías el mejor Rock hecho en el hermano país de la Argentina, esa potencia característica de la música nacida en Buenos Aires, me teletransporta a sus tierras, que inundan en el Espíritu Colectivo nuestras frecuen cias sonoras desde siempre en Latinoamérica. Éxitos en las nuevas producciones y realizaciones, esperando más de Monos en Bolas para adelante.

LaDiputación de Cáceres inaugura la tem porada otoño-invierno con el programa Ritmo y Cadencia 2022.

En esta cuarta edición de Ritmo y Cadencia, el Flamenco y la Copla llegarán a 20 municipios de la provincia con artistas internacionales, na cionales y regionales a partir del 12 de noviem bre y hasta el 10 de diciembre.

Ritmo y Cadencia 2022, Flamenco y Copla en la provincia de Cáceres

A lo largo de todo un mes, dos de los géneros con más peso en la música y el baile español, como es el flamenco y la copla, sonarán en distintas localidades de la provincia de Cáceres, en el marco del programa Ritmo y Cadencia, que pone en marcha, por cuarto año consecuti-

vo, la Diputación de Cáceres.

El diputado de Cultura y Deportes, Fernando Grande Cano, ha presentado esta nueva edi ción de Ritmo y Cadencia en la que se podrá disfrutar de música, baile y teatro de la mano de artistas y compañías internacionales, nacio nales y regionales.

“Es cierto que estos dos géneros tienen presen cia en distintas programaciones que ponemos en marcha -ha apuntado Grande Cano-, pero este es un programa muy ambicioso, un programa exclusivamente dedicado al flamenco y a la copla, cubriendo una demanda muy clara que existe en torno a ellos y gracias al trabajo que vienen haciendo tantos y tantas artistas, así como compañías y federaciones”

El diputado ha estado acompañado de algunos de los participantes de esta edición de Ritmo y Cadencia, como Carmen La Parreña, Irene Gontán, Shara Pablos, Luis Molina, de “La Al mena Producciones”, y José Antonio Conde, representante del guitarrista Javier Conde. Todos ellos han querido agradecer a la Diputa ción de Cáceres el compromiso con la cultura en general y con el flamenco y la copla en particular, dedicándoles un programa en exclusiva y con un importante presupuesto, que este año ha aumentado hasta 109.000 euros.

En este sentido, el diputado ha recordado que este programa, Ritmo y Cadencia, con el que se inaugura la temporada otoño-invierno, es parte de la apuesta que la Diputación hace por llevar la cultura a todos los rincones de la pro vincia. “Nuestras actuaciones se apoyan en

tres pilares -ha dicho-: en una programación propia, en el Plan Activa Cultura y Deportes, a través del que destinamos 2,3 millones de euros a los ayuntamientos para que lleven a cabo su propia programación, y en convenios que firmamos con asociaciones y federaciones, lo que nos permite ampliar el número de progra mas y llegar a lo largo del año a todos y cada uno de los municipios de la provincia”.

Esta cuarta edición de Ritmo y Cadencia 2022 se celebrará del 12 de noviembre al 10 de diciembre y recorrerá 20 localidades: Albalá, Aliseda, Almoharín, Berzocana, Bohonal de Ibor, Casas de Millán, Casas del Castañar, Cedillo, Collado de la Vera, Gargantilla, Ibahernando, Malpartida de Plasencia, Morcillo, Portaje, San ta Cruz de Paniagua, Torrejón el Rubio, Trujillo, Valdastillas, Valdeobispo y Zorita.

Y serán otros 20 artistas y compañías las que participen: Ana Crismán Trío, arpa flamen ca; Armonía de lo hondo, flamenco sinfónico; Carmen la Parreña, baile flamenco; Carmen Tena, copla; Esther Merino, flamenco; Fami lia Vargas, flamenco; Fani Ortiz, copla; Irene Gontán, baile flamenco; Javier Conde, guitarra flamenca; José del Tomate, guitarra flamenca; La Almena Producciones “Amapolas negras”, flamenco; María José Santiago, flamenco; Pedro Cintas, flamenco; Laura de los Ángeles y Ornella Vitale, flamenco y tango; Raquel Pal ma, teatro-copla; Rocío Durán, copla; Rosario Abelaira, copla; Shara Pablos, flamenco-pop, y Zaira Gómez, flamenco.

PROGRAMACIÓN COMPLETA POR DÍAS

12 de noviembre en Trujillo José del Tomate

Lugar: Teatro Gabriel y Galán a las 20:30h.

18 de noviembre en Almoharín Carmen La Parreña

Lugar:Centro Cívico a las 19:30h.

26 de noviembre. en Portaje Rosario Abelaira

Lugar: Nave Multiusos a las 20:00h.

26 de noviembre en Valdeobispo Armonía de lo Hondo

Lugar: Pabellón Usos Múltiples a las 19:00h.

27 de noviembre a las Valdastillas Zaira Gómez

Lugar: Pabellón Multiusos a las 18:30h.

2 de diciembre en Albalá Ana Crismán

Lugar: Casa de Cultura a las 20:00h.

2 de diciembre en Gargantilla Raquel Palma

Lugar: Pabellón Municipal a las 18:00h.

3 de diciembre en Casas del Castañar Esther Merino

Lugar: Casa de Cultura a las 20:00h.

3 de diciembre en Cedillo

Familia Vargas

Lugar: Polideportivo Municipal a las 19:00h.

3 de diciembre en Collado de la Vera Solima

Lugar: Salón Hogar Mayores a las 20:00h.

4 de diciembre en Casas de Millán Javier Conde Lugar: Casa de Cultura a las 20:00h.

7 de diciembre en Aliseda Por Piazzolla y por Bulerías Lugar: Casa de Cultural a las 19:00h.

7 de diciembre en Morcillo Carmen Tena Lugar: Nave Municipal a las 19:30h.

7 de diciembre en Zorita María José Santiago Lugar: Casa de Cultura a las 20:00h.

8 de diciembre en Santa Cruz de Paniagua Irene Gontán Lugar: Pabellón Municipal a las 20:00h.

9 de diciembre en Bohonal de Ibor La Almena Prod. Amapolas Negras Lugar: Casa de Cultura a las 20:30h.

9 de diciembre en Malpartida de Plasencia Fani Ortiz Lugar: Casa de Cultura a las 20:00h.

9 de diciembre en Torrejón el Rubio Rocío Durán Lugar: Pabellón Municipal a las 20:30h.

10 de diciembre en Berzocana Shara Pablos Lugar: Casa de Cultura a las 19:30h.

10 de diciembre en Ibahernando Pedro Cintas Lugar: Casa de Cultura a las 20:00h.

Institución Cultural El Brocense Diputación Provincial de Cáceres