LaCarne Magazine N126

EXPERIENCIAS

In Flames y su gran concierto en La Riviera de Madrid

El pasado 26 de noviembre, después de un largo periodo de tiempo, teníamos de vuelta en Madrid a los suecos IN FLAMES, que el día anterior hicieron parada en Bilbao, y el posterior en Barcelona, haciendo un total de tres conciertazos.

No me iba a perder el concierto por nada del mundo, pues ya tuve la oportunidad de verlos también en Madrid el pasado 11 de diciembre de 2017, y confirmo y aseguro que ha sido el mejor concierto de Metal que he visto, así que, por supuesto, había que repetir.

MADRID ARDE CON LA ENERGIA DE IN FLAMES

Además que, como ya sabéis, a los teclados de IN FLAMES se encuentra mi amigo (y amigo de LaCarne Magazine, pues ya me concedió una entrevista, y he escrito varios artículos sobre él en varias ocasiones) Niels Nielsen, a quien no veía precisamente desde aquel 11 de diciembre de 2017, y, jolines, (suspiro) como que ya iba tocando.

Este concierto ha sido muy especial también porque ha sido el primer gran concierto para mi hijo que, a sus ocho añitos, es un gran fan de IN FLAMES, y de su “Tío Niels” (risas).

IN FLAMES + AT THE GATES + IMMINENCE + ORBIT CULTURE EN LA RIVIERA, MADRID

Se abrían las puertas a las seis de la tarde, comenzando la primera banda en actuar a las seis y media. Abriendo esta magnífica noche, la banda ORBIT CULTURE, y he de ser sin-

cera, no llegué a tiempo para poder verlos en directo, pues estaba hablando con Niels Nielsen junto al autobús de IN FLAMES, pero por supuesto les he escuchado, ¡y son tremendos!

Temas como Carvings, Mast Of The World o Vultures Of North, siendo esta última una de mis favoritas, con un sonido limpio y aplastante. Es imposible no arrancarse a bailar moviendo la melena.

Sin duda, estos chicos se han sumado a mi playlist, y espero poder verles en concierto más adelante, en un espacio de tiempo más extenso.

Como os estaba contando, mientras escuchaba a lo lejos a los también suecos ORBIT CULTURE, estuve pasando un agradable rato con mi querido y admirado amigo Niels, con quien estuve charlando un poco acerca del concierto que estaba por empezar, del frío que hacía esa noche en Madrid, y por supuesto de dinosaurios y cosas de padres (risas), mientras nos hacíamos algunas fotos. Fue un reencuentro

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genial, y espero que no tengan que pasar otros cinco años para el próximo.

En torno a las siete y cuarto aproximadamente, entramos en la sala, mientras ya estaban sobre el escenario los impresionantes IMMINENCE, quienes me dejaron boquiabierta con su presencia sobre el escenario y la calidad de su música. Me encantaron desde el principio, la mezcla de la música Metal con el sonido delicado del violín que el mismo cantante toca casi a la vez que canta con voz melódica y gutural. Me fliparon. Con razón el público respondió con un caluroso aplauso.

Con los motores calientes y en marcha, la noche iba rodada, y en cuestión de poco tiempo llegaban al escenario los otros grandes de entre los grandes, y que el público estaba también con ansias de ver en directo. Por supuesto me estoy refiriendo a los míticos AT THE GATES, que para mí era la primera vez que los veía en concierto, y no decepcionaron a los fans. Pero tengo que sincerarme de nuevo, de lo que yo recordaba de AT THE GATES a lo que presen-

cié en directo, hay un abismo.

Pero es normal, ya que yo me quedé en su álbum Slaughter of the Soul del año 1995, disco que lanzaron cuando yo tenía tan solo nueve años, y que descubriría años más tarde. Y teniendo en cuenta que la banda se separó a finales de ese mismo año, aunque volvieron a reunirse creo en 2007, pues he de reconocer que yo personalmente les perdí un poco la pista.

Pero lo petaron esa noche dándolo todo sobre el escenario, y yo me volví loca de feliz al escuchar su exitazo Blinded by Fear, que es y siempre será una de mis canciones favoritas de todos los tiempos.

Por supuesto tocaron temas más actuales, como The Night Eternal o Spectre Of Extinction, pero básicamente se centraron en tocar canciones de Slaughter of the Soul.

HOY TIRAMOS LA RIVIERA ABAJO

“Hoy tiramos La Riviera abajo”, eso escuché

decir a alguien que andaba cerca de mí, y es que es verdad. AT THE GATES dejó el listón muy alto, y todos los espectadores estábamos “On Fire”, saltando, cantando, bailando, haciendo “pogos” los que estaban más próximos al escenario. Yo estaba más retirada, pues iba con mi hijo, quien precisamente exclamó refiriéndose al “pogo”: “¡Mira, mamá, están jugando al corro de la patata!” (Risas) Eso fue un auténtico puntazo muy divertido de la noche, no podía parar de reír.

En fin, La Riviera estaba hasta arriba de gente, como nunca la había visto antes, y todos estábamos eufóricos. Yo creo que incluso conseguimos desplazar la sala un poco de su sitio, como si de un terremoto se tratase.

Sin mucha espera, sobre las nueve de la noche, IN FLAMES aterrizaban en el escenario donde se empezaba a escuchar las primeras notas de The Great Deceiver. Anders nos saludaba y nos preguntaba si estábamos con ganas de una gran noche. Sin duda ya lo estaba siendo, pero el broche de oro fue con ellos, con los grandísimos IN FLAMES. Pinball Map le seguía después, para no parar de saltar con una de mis favoritas, Cloud Connected, canción que todos coreábamos, y disfrutamos.

Entre canción y canción, Anders intentaba hablar e interactuar con el público, pero los asistentes lo estábamos dando todo con nuestro típico “oeee oeee oeee oeee, oeee, oeee”, y gritando el nombre de la banda IN FLAMES! sin parar, a lo que respondía con un “Muchas gracias” en español, llevándose la mano al corazón.

Behind Space, Graveland, The Hive y Scorn sonaban después del tirón, mientras el público nos fusionábamos con la música, disfrutando del concierto con todo nuestro ser.

Para dar paso a la canción que viene siendo el himno de la banda, pues es una canción que te llena de energía al instante, muy buen rollo en el ambiente al ritmo de la gran Only For The Weak, Leeches le precedía sin bajar el listón, un acalorado publico cantaba la canción como si no hubiera un mañana, y es que… nunca se

sabe, había que disfrutarlo al máximo.

Le tocaba el turno al nuevo single, Foregone Pt. 1, apenas hace dos meses de su lanzamiento, pero la gente se sabía la canción de principio a fin.

“Find a way to bring me home Darkness is washing over the sky When all the trees have burned down Where does the crow fly?”

Os recuerdo que ya se puede hacer la pre compra del nuevo álbum, Foregone, que saldrá a la venta el próximo diez de febrero.

El espectáculo continuaba con la bonita Wallflower

Me encanta esta canción, algo más lento, pero sólo por un momento porque seguíamos en llamas con State Of Slow Decay, que daba paso a otra de mis favoritas, Alias.

Una vez más, un entregado público con un gran aplauso, cantando de nuevo “Oeee Oeee”, a lo que el grande Tanner Wayne nos acompañaba con un ritmo muy latino – regguetonero desde

su batería, mientras todos bailábamos y reíamos a carcajadas. Otra gran anécdota de la noche, que se repetiría minutos más tarde (risas).

A todo esto, Anders hacía una pequeña pausa para agradecer y presentar a cada miembro de la banda, hasta llegar a él mismo, a quien le dedicamos un fortísimo y largo aplauso. Tan largo fue que Anders tuvo que decir “Muchas gracias, chicos, pero yo quiero cantar” (Risas).

Ya casi llegando al final de la noche, de una noche inolvidable, IN FLAMES le daba el paso a The Mirror´s Truth, que seguía de la mano de otra gran canción del disco anterior, I Am Above

El conciertazo, porque fue un conciertazo, finalizaba con Take This Life

Se me hizo muy corto, me lo pasé en grande, me sentí como en casa, pues había muy buen ambiente dentro de la sala. Soy sincera y eché en falta mi favorita de entre las favoritas de IN FLAMES, pues me quedé con las ganas de escuchar Deliver Us. Me encanta esa canción, me eleva y la disfruto de principio a fin.

Muchísimas gracias a IN FLAMES, por esta noche tan especial. Por supuesto también gracias a AT THE GATES, IMMINENCE y ORBIT CULTURE.

Muchas gracias a Niels por hacer un hueco para vernos entre tanto ajetreo.

¡¡¡Viva Suecia, sus gentes y su Metal!!!

Espero que os haya gustado. ¡¡¡Ya queda menos para la próxima vez!!!

Postdata: He contado esta experiencia con todos los detalles, para que mi cuñado Raúl, quien no pudo asistir, al leerlo lo viva como si hubiera estado allí. ¡Va por ti, cuñado!

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Josep Coll presenta su disco Ruta al Paraíso

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Para este artículo voy a hablaros de algo un poquito diferente, pero que merece la pena que sea visto y oído por la causa en cuestión.

En estas fechas navideñas siempre tendemos a ponernos más solidarios, o intentamos sacar nuestro lado más humano, cosa que está muy bien, aunque pienso que debería ser así durante todo el año.

Pues bien, en este artículo os voy a contar sobre el bonito proyecto que el rockero Josep Coll, más conocido por su nombre artístico, Predicador J. J. Bolton, cantante de la banda Discípulos de Otilia, ha creado. Estoy hablan-

do de la Asociación Anita, una asociación que tiene como objetivo llevar a cabo sesiones de musicoterapia a domicilio para niños con cáncer en fase de paliativos.

Josep Coll, musicoterapia a domicilio

He de reconocer que me parece una labor admirable, pero al mismo tiempo os reconozco que me ha costado tener que escribir esas líneas tan duras, porque me parece muy injusto que los niños tengan que pasar por enfermedades como es el cáncer.

Así que, amigos lectores de LaCarne Magazine, ¿verdad que es una gran causa para arrimar el hombro y colaborar?

A continuación te cuento cómo puedes hacerlo.

Josep Coll presenta Ruta al Paraíso

Con el motivo del aniversario de sus 30 años de carrera, Josep Coll lo celebra de la mejor manera posible, presentando el disco Ruta Al Paraíso, un disco que compuso durante su largo viaje en moto, (una BMW 1200 GS, de doce años de antigüedad) en homenaje a su madre, quien falleció debido al cáncer.

Más de 30.000 km desde su ciudad natal, Sant Feliú de Guixols, hasta la lejana Nueva Zelanda, pasando por el desierto de Gobi, Mongolia, Vietnam, Tailandia, Japón, y la congelada Siberia. Un disco que tiene además múltiples colaboradores, como son las bandas POTATO, Muchachito Bombo Infierno, Joan Garriga, Sargento García, Karmen Cercós, de Skaparapid, y por supuesto, Discípulos de Otilia

Dos años después de tan interesante viaje, los temas de Ruta al Paraíso pasaron a grabarse en un estudio, bajo la producción del barcelonés Chalart58, y el compositor y amigo Coque Moreno, compañero de Josep Coll en todas sus aventuras musicales, radiofónicas, y con quien también se ha dedicado a crear startups tecnológicas. Uno de sus proyectos más importantes juntos es Rock and Business, que son unas conferencias con bandas de Rock en directo sonando de fondo con la intención de prestar ayuda y consejo a otros emprendedores.

Ruta al Paraíso se compone de un total de diecinueve canciones, en las que podemos destacar La Carretera Me Curará, compuesta por Josep Coll, en lo que él mismo considera uno de los peores momentos de su vida en medio de un temporal en Rusia, o El Virus Eres Tú, compuesta en pandemia justo cuando Josep estaba confinado por estar contagiado de Covid.

Una de mis favoritas, con un mensaje optimista, es El Miedo es una Enfermedad, junto a Sargento García.

Y volviendo a las muchísimas colaboraciones de este gran álbum, podemos destacar también la colaboración de Suzanna, con su suave y cálida voz en el tema Vas a Vencer

Todas las canciones hablan de la lucha para vencer esta enfermedad tan dura y complicada como es el cáncer, y de personas muy cercanas a Josep, quienes lamentablemente no pudieron superar la enfermedad.

Destacar que la canción que cierra el álbum es la emotiva Luz Para Mi Mamá, canción dedicada a su madre.

Hablando del estilo musical del álbum, tiene muchos matices, que van desde el Reggae al Rock, con bases rítmicas bailables, trompetas, coros, y letras muy sinceras.

Bien, y llegados a este punto, te guste o no el estilo musical del álbum, seguro que te has preguntado ya cómo puedes colaborar en esta especial causa. ¿Cierto? Bien, puedes hacerlo de la siguiente manera, desde su web, aportando una donación, por supuesto haciendo con el disco y escuchándolo, y si tienes la oportunidad de poder verlos en directo, los beneficios de los conciertos también irán destinados para recaudar la suficiente cantidad de dinero para llevar al cabo el programa de la Asociación Anita, que recordemos que es llevar sesiones de musicoterapia a niños con cáncer en cuidados paliativos para el próximo año 2023.

El objetivo es recaudar un total de 24.000€, así que de todo corazón espero que mucha gente se anime a ser partícipe de este bonito movimiento, y que alentéis a colaborar a toda la gente que podáis.

A continuación os facilito todos los enlaces.

Y desde LaCarne Magazine, dar las gracias a Josep Coll por su fabulosa labor.

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Whisky Caravan y Mar de Fondo en la Sala Mon

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Imaginaciones es el nuevo álbum de la banda madrileña Whisky Caravan, que el pasado cinco de noviembre nos presentaban en la sala Mon, de Madrid. Una sala más que repleta de gente deseosa de pasar un buen rato, con unos Whisky Caravan dispuestos a comerse el escenario.

En serio, la sala estaba hasta arriba de personal. Si la sala hubiera sido más grande, también la hubieran llenado sin dudarlo.

Whisky Caravan y Mar de Fondo en la Sala Mon

La noche empezaba con los gallegos Mar de Fondo como teloneros, banda que para mí era nueva por completo. No los conocía hasta en ese instante que los vi por primera vez en el escenario, y me llevé una grata sorpresa, pues tienen un directo bastante bueno.

Tienen un sonido con ciertos retazos de rock setentero que me gustó bastante. Aún tengo

que escuchar más sobre ellos, su música de estudio, sus discos, que, si no me equivoco, vienen ya con una trayectoria a sus espaldas, y nos presentaron temas de su tercer álbum, 38 Pasos

Con un concierto de aproximadamente 45 minutos, se despidieron los gallegos para dar paso a los chicos de Whisky Caravan, que no se hicieron esperar mucho, saliendo al escenario en seguida, a darlo todo de una forma brutal.

WHISKY CARAVAN, Y SUS IMAGINACIONES SOBRE EL ESCENARIO

Como iba diciendo, Whisky Caravan salieron al escenario preparados para comerse el mundo, para interpretarnos las canciones de su nuevo álbum, Imaginaciones, y bueno, es que fue bestial, y es que pasó una cosa, ¡Ay, qué ganas tengo de llegar a esa parte!, pero vayamos paso a paso, que me enredáis (risas).

El concierto empezaba con el tema que da título al álbum, Imaginaciones, mientras el público comenzaba a calentarse bailando y coreando la canción. ¡Qué gran forma de arrancar! Le seguían canciones de álbumes anteriores como Escombros, y una de mis favoritas, Días de

Niebla.

Lo que estaba claro es que iba a ser una noche llena de sorpresas, en serio, estoy deseando contaros “eso”… ¡es que fue tan total!

En fin, siguieron con temas nuevos, como Larga Carretera, canción que me atrevo a decir que me recuerda al comienzo un poco al sonido de HIM, aunque los chicos de Whisky Caravan sean comparados, casi inevitablemente, con nuestro grupo de Rock por excelencia, Héroes del Silencio.

Pero recordemos que Ville Valo, de HIM, es muy fan de Héroes del Silencio, así que, me pregunto si al grandísimo Ville, le gustará la música de los chicos de Whisky Caravan. Estoy segura de que sí.

Continuaron con temas de ayer y hoy, dando saltos en el tiempo entre sus álbumes anteriores y el nuevo, Imaginaciones

Aviones, Algo en que Creer, Vidas De Un Solo Tren, Gigantes, hasta llegar a una de las primeras sorpresas de la noche, pues se marcaron uno de sus grandes temas, quizá el que más coreó el público, La Guerra Contra el Resto,

junto a Emi Sánchez, de LaVida

No Dejes Que Me Lleven, La Última Luz, A Salvo En El Dolor, Aquí y Ahora, vinieron después, para que al final de la preciosa canción, Los Últimos En Pie, Danny le pedía matrimonio a su chica en pleno concierto. Los que estábamos cerca nos derretimos con ese precioso gesto.

¿Quién se lo iba a imaginar? (guiño) Por supuesto ¡ella dijo que sí! Así que, desde LaCarne Magazine, hacemos llegar nuestra enhorabuena a la pareja, y os deseamos muchos años de amor y Rock. ¡Qué vivan los novios!

Ya casi llegando al final, y recuperándonos de ese momentazo de la noche, sonaba la también preciosa canción Quiero, canción con la que se retiraban del escenario, pero no para irse definitivamente, sino para volver de nuevo con fuerza a por el último tirón de la noche con las canciones. Somos Más, Las Últimas Piezas, la pegadiza, Enemigos, siendo ésta otra de mis canciones favoritas, para continuar con Naufragio y finalizar el evento, dejando el listón muy alto con Sombrero

Estoy extasiada de escribir este artículo mientras rememoro esa gran noche, es que no fue para menos. Esa noche bailamos, cantamos, saltamos y, sobretodo, nos emocionamos mucho con los chicos de Whisky Caravan, que supieron perfectamente darle a su público lo que querían, demostrando que tienen un sonido en directo de sobresaliente.

Días más tarde tuvieron que cancelar el evento en Vigo, pues Danny estaba enfermo con fiebres altas, desde aquí esperemos que ya esté recuperado al cien por cien para continuar con la gira presentación de Imaginaciones.

Muchas gracias, chicos, por hacernos disfrutar y regalarnos una noche inolvidable.

investigación

Bo Diddley el hombre de la guitarra cuadrada

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No se podría empezar este artículo de otra manera: sin Bo Diddley no existiría el Rock And Roll. Vamos a hablar de una artista imprescindible, que marca el paso entre el Blues y el Rock de manera magistral y elegante. Vamos a hablar del hombre de la guitarra cuadrada, vamos a hablar de Bo Diddley.

Bo Diddley, el hombre de la guitarra cuadrada Nacido el 30 de diciembre de 1928 como Ella Bathes en una granja algodonera entre McComb y Magnolia, Misisipi, fue el único hijo de Ethel Wilson, una adolescente de 16 años, y Eugene Bates (padre al que nunca conoció).

A los pocos meses fue dado en adopción a la hermana de su madre, Gussie McDaniel, de quien tomaría el apellido (parece que el nom-

bre de Bo Diddley se lo pondría años después en referencia al arco Diddley, un instrumento casero de una sola cuerda usado en los campos del Sur por los negros).

Al morir su padre adoptivo, en 1933, la familia se marcha a Chicago en busca de un poco de prosperidad. No debemos olvidar que en esta época Chicago era una ciudad emergente gracias a la industria del motor, y mucha gente del Sur marchaba en busca de mejores oportunidades de vida. Esto hizo que a la ciudad llegaran muchos ritmos sureños (ya hemos hablado

de Muddy Waters y otros artistas que trajeron el Blues sureño, y lo adaptaron al ritmo frenético de la ciudad creando sonidos nuevos).

En este ambiente tan ecléctico crece nuestro joven Bo, que pronto tiene contacto con la música a través de la Iglesia Bautista Misionera de Chicago Ebenezer, donde comenzó dando clases de trombón y violín. Fijaos si tenía dones, que al poco tiempo se convirtió en miembro de la orquesta de la Iglesia, donde estaría tocando hasta los 18 años, aunque él reconocería que el verdadero influjo en su música vendría de la musical pentecostal (Góspel), más que de estos ritmos bautistas.

Su hermana le regaló una guitarra y también tomaba clases del profesor O. W. Frederick, muy inspirado por las actuaciones que había visto en la calle o colándose en clubs, sobre todo de John Lee Hooker y Muddy Waters.

Conforme van pasando los años, cada vez se liga más a la música. Entre trabajo y trabajo siempre se le podía encontrar tocando en las esquinas de la ciudad, o los clubes más cutres del sur de la ciudad, casi siempre junto a Jerome Green, con quien hacían una suerte de espectáculo donde se tiraban puyas entre canción y canción. La asociación con Green es imprescindible para entender el cambio que realiza Bo en la música, pero lo explicaremos un poquino más adelante.

En 1951 consiguió un trabajo “regular” en el 708 Club, con un repertorio muy influenciado por Louis Jordan, Nat King Cole o Lee Hooker entre otros.

En 1954 ya tenía su propia banda de acompañamiento, compuesta por La Duquesa (su hermanastra) como segunda guitarra, Billy Boy Arnold en la armónica, Franz Kirkland a la batería, Otis Spann al piano, y Jerome Green con las maracas y voz de acompañamiento. Fue el primer artista negro en incluir mujeres en su grupo, y no por feminista ni nada de eso, no os flipéis, sino porque era muy consciente de que la tradición musical del Blues tenía también mucho de matriarcado.

Ese mismo año conseguía un contrato con la filial de Chess Records, Checker Records.

En 1955 salía a la luz su primer disco con dos temas: Bo Diddley y I’m A Man. Este disco marca un antes y un después en la música. Con un potente torrente de voz y un sonido inconfundible de guitarra, Bo se mete a todo el mundo en el bolsillo entrando directamente en las listas de éxitos de R&B del momento. Fue invitado al programa de Ed Sullivan (donde él mismo contaba que no le trataron muy bien), y su popularidad creció bastante.

Bo Diddley, el Arquitecto del Rock

La época de mayor éxito de nuestro artista fue entre 1950 y 1965. Fijaos que entre 1958 y 1963 lanzó nada más y nada menos que 11 álbumes completos. Además, se abrió paso como artista cruzado, pues triunfaba tanto entre público negro como blanco, además sus letras no eran polémicas, todo lo contrario. Normalmente adaptaba temas tradicionales en clave humorística.

Hubo una época en la que se hizo bastante comercial, incluso coqueteó con la música surf que se estaba desarrollando en la costa Oeste lanzando dos álbumes bastante curiosos: Surfin’ with Bo Diddley y Bo Diddley Beach Party. Sin embargo, este experimento no era para Bo, cuyos sonidos desafiaban los ritmos limpios y sin distorsionar de las Fender del Surf. La música de Bo sonaba pesada, distorsionada, y con un particular sonido propio que se acerca incluso a Psicodelia.

Vamos a hablar un poco de ese sonido propio que tanto repito. Denominado “el Beat de Bo Diddley” (esto no es fácil de explicar con palabras, creo que en cuanto escuchéis una canción de Bo Diddley no harán falta explicaciones, pero voy a intentarlo…), se trata de un patrón de campana, bastante común en la música africana que se centra en el sonido sincopado. Son composiciones donde es más importante el ritmo que la armonía, que normalmente se reduce a lo más simple.

Para que os hagáis una idea, las canciones de Diddley no tienen ningún cambio de acorde, los músicos tocan el mismo acorde durante todo el

tema, así el fuerte de la canción es creado por el ritmo y no por la armonía, a diferencia del Blues y sus punteos y rasgueos de guitarra.

Parece súper complicado, lo sé, pero las canciones de Bo Diddley siempre tienen un golpe de guitarra constante que será eternamente repetido por artistas de Rock de todo el mundo, porque este Beat de Bo Diddley es lo que marca el real inicio del Rock&Roll, separándose del Blues, y lo vais a escuchar en infinidad de artistas posteriores.

Otra de las innovaciones de Bo fue la introducción de una especie de ritmos latinos gracias a las maracas de Jerome Green, que más que acompañar hacían de base percusiva de los golpes de guitarra de Bo.

El sonido que Bo Diddley creó también tenía mucho que ver con su guitarra, instrumento que

él mismo desarrolló. Se trataba de una Twang Machine, única en el mundo. Era de cuerpo rectangular (solución que él mismo inventó al hacerse daño con una guitarra convencional cuando se cayó en un concierto). Con el tiempo ideó muchas otras guitarras, de hecho tenía una enorme colección, siendo muy famosa la Cadillac y la Turbo de 5 velocidades.

Bo Diddley siguió y siguió creando y tocando. Compuso para muchos artistas famosos. En 1963 marchó a una gira Europea junto a Everly Brothers, y unos apenas conocidos Rolling Stones. Después de la gira se instaló en Chicago, donde creó su primer estudio de grabación en el sótano de su casa. Allí grabó su mítico Bo Diddley Is A Gunslinger, además produjo y grabó a varios grupos, como The Marquees, un grupo de Doo-Wop local donde cantaba un joven Marvin Gaye.

Los años siguientes siguieron entre conciertos, colaboraciones y reconocimiento (aunque nunca el suficiente). Bo Diddley fue un trabajador incansable que estuvo en activo casi toda su vida. En 1996 sacaría su último álbum de estudio, A Man Amongst Men, con colaboraciones como Keith Richards o The Shirelles

Sus últimas actuaciones fueron en varios conciertos benéficos a favor de los damnificados por el Katrina en diferentes zonas. Su última interpretación con la guitarra fue una actuación junto al grupo New York Dolls en 2006 para el álbum de estos One Day It Will Pleased Us To Remember Even This.

Moría el 2 de junio de 2008 en su casa de Archer, Florida y el mundo del Rock le rendiría pleitesía por siempre jamás.

Pero como casi siempre ocurre con los músicos negros, Bo Diddley ha sido un artista más venerado en muerte que en vida, a pesar de la revolución que significó su música. La industria musical le maltrató. Grabó más de 20 álbumes con Chess Records, de los cuales apenas vio ganancias a pesar de que casi todos fueron éxitos, pues se vio obligado a vender los derechos de sus canciones, ya que casi no le pagaban las actuaciones en directo.

Además, muchas de sus canciones, incluso su propio ritmo, fueron explotados por artistas (blancos) de todo el mundo consiguiendo más éxito que él, algo de lo que Bo siempre se quejó. Y es que el mundo es así de injusto. Ya lo hemos visto con muchos de los artistas negros que revolucionaron la música, y su nombre se perdió en el olvido hasta que alguien los sacó de ahí para colocarlos en su pedestal más que merecido, pero siempre tarde…

Se dice que Elvis Presley fue el Rey del Rock&Roll, Chuck Berry el Poeta y Bo Diddley el Arquitecto. Algo innegable, pues Bo Diddley ya hacía Rock&Roll cuando los blancos no sabían ni que existía esa música. Así pues, ¡Alabado sea el Arquitecto del Rock!

Puedes escuchar a Bo Diddlye en Spotify

festivales en extremadura

y su estado actual en 2022

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El 52% de los Festivales en Extremadura superan el 35% de artistas extremeños en su programación. Una vez alcanzada la normalidad en este 2022, el público ha vuelto en masa a los festivales, y se ha notado gratamente.

Los primeros espadas de los festivales extremeños (Extremúsika, Contempopránea, Stone & Music Festival, o Womad) han sido verdaderos éxitos, y sobre todo han aguantado a las diferentes dificultades consecuencia de la pandemia, de la crisis económica constante, la guerra y otras causas.

Estado actual de los Festivales en Extremadura 2022

La salud festivalera es buena para la región (aunque la salud de las salas es crítica), pero debemos analizar los parámetros habituales que medimos y revisamos desde LaCarne Magazine, con respecto a la presencia de artistas extremeños en los festivales, y el cumplimiento de la paridad.

Han desaparecido festivales en Extremadura como Reencontrarte, Mayorga Rock y Coop Festival, para llegar otros nuevos como el Natural Sonora, y coger protagonismo y afianzarse el Bellota Rock o Rock in Pino.

En la comparativa que os presentamos a lo largo del articulo partimos desde el 2018 hasta la

extremadura

fecha para poder ver la evolución de los festivales, quiénes hacen los deberes, cuáles no, y si hay margen de mejora.

El porcentaje de presencia de artistas extremeños a batir es el 35%. Unos cuantos festivales están en ese límite o muy cerca, otros tantos lo superan, y otros, años tras año, ni se acercan.

Por tanto, de 19 festivales analizados, el 52% de los festivales superan el 35% de artistas extremeños en su programación. De ese 48% que no llega al 35%, su 22% está en el límite de conseguirlo, y un 26% está lejos de acercarse.

PORCENTAJE extremeños

ACÚSTICOS AL FRESQUITO 50% CONTEMPOPRÁNEA 33% BADAJOZ SUENA 0%

ALCAZABA FESTIVAL 33% STONE & MUSIC 0% INTERFERENCIAS EMERGENT. 42% MÚSICOS EN MOVIMIENTO 100% ESCENARIO AMEX 100% EUROPA SUR 16% FESTIVALINO 45% SUBEROCK 18% GRANIROCK 66% HORTERALIA 33% WOMAD 31% PALOMOS 41% BELLOTA ROCK 22% ROCK IN PINO 42% NATURAL SONORA 41% GUOMAN 71%

A continuación, miraremos los datos referentes a la paridad de este año, teniendo como punto de partida el mismo porcentaje de 35%. Sólo

el 47% de los festivales en Extremadura superan el porcentaje de paridad. Del 53% restante, el 21 está al límite de hacerlo, mientras que el 32% ni se acerca, siendo algunos de ellos festivales reincidentes incluso en los dos parámetros.

PORCENTAJE paridad

ACÚSTICOS AL FRESQUITO 50% CONTEMPOPRÁNEA 42% BADAJOZ SUENA 50% ALCAZABA FESTIVAL 0% STONE & MUSIC 18%

INTERFERENCIAS EMERGENT. 57% MÚSICOS EN MOVIMIENTO 40%

ESCENARIO AMEX 33%

EUROPA SUR 50% FESTIVALINO 18% SUBEROCK 22% GRANIROCK 0%

HORTERALIA 66% WOMAD 57% PALOMOS 50% BELLOTA ROCK 33% ROCK IN PINO 0% NATURAL SONORA 33% GUOMAN 0%

A continuación analizamos los festivales en Extremadura de manera individual, y en aquellos que se mantienen desde el 2018, y los de nueva creación o que se afianzan desde este año.

FESTIVAL ACÚSTICOS AL FRESQUITO

ta de Extremadura, pasó a tener un cartel más discreto. Dos artistas: Soleà Morente y Niño Índigo.

50% de grupos extremeños y 50% de paridad. Gran trabajo desde su organización en cumplir con los parámetros. Lástima que tuvo que ser aplazado por enfermedad de uno de los artistas participantes.

Organización: Asociación Acústicos al fresquito Artistas: 2

Fecha 2022 2021 2019 2018 Extremeños 50% 40% 55% 66% Paridad 50% 54% 100% –

Comparando con años anteriores, siguen teniendo una estabilidad en cuanto a parámetros, lo cual es positivo.

FESTIVAL CONTEMPOPRÁNEA

El festival, elaborado por Jose Carlos con mucho cariño y desde la iniciativa privada, este año con colaboración de Ayuntamiento y Jun-

El festival cambiaba de ubicación, y comenzaba una nueva vida lejos de Alburquerque, en otro emplazamiento histórico y rural. Su gestión sigue a cargo de la Asociación Cultural Contempopránea y su responsable Agustín Fuentes.

Una de las primeras espadas en cuanto a gasto cultural por parte de Junta de Extremadura, Ayuntamiento de Olivenza, y Diputación de Badajoz. El 33% de los artistas son extremeños. Se mantiene en el porcentaje que consideramos óptimo desde la redacción. En cuanto a la paridad, el 42% de las bandas fueron femeninas, por lo que es un porcentaje que se mantiene dicho festival.

Organización: Asociación Contempopránea

Artistas: 21

Fecha 2022 2021 2019 2018

Extremeños 33% 46% 7% 20% Paridad 42% 61% 48% –

Se mantiene en unos porcentajes similares a los del año anterior, aunque han bajado en los dos parámetros.

FESTIVAL BADAJOZ SUENA

(ahora Festival Feria de San Juan de Badajoz) El festival de la Feria de Badajoz, organizado con fondos públicos desde el Ayuntamiento de Badajoz, es un festival condenado a desaparecer. Cada año hay problemas en sus programaciones.

En 2022 tenía incluido dentro de una de las noches un sub festival llamado Puro Latino Fest. Acabó suspendido. Primero contaba con el polémico rapero Anuel A.A., acusado de homófobo y machista que finalmente canceló el concierto, y segundo, un nivel cuestionable en cuanto a la calidad de los Mc’s, ya que otro de ellos era Omar Montes, más conocido por sus apariciones en tv que por su música.

En cuanto a los parámetros, 0% de artistas extremeños y la paridad un 50%. Además, entre la programación hubo grupos tributo.

Organización: Ayuntamiento de Badajoz

Artistas: 6

Fecha 2022 2021

Extremeños 0% 0%

Paridad 50% 42%

Está claro que los programadores de este festival deben buscar o mostrar más interés por artistas de la región. Buen trabajo en paridad.

ALCAZABA FESTIVAL

Otro festival realizado en la ciudad de Badajoz. También apoyado con fondos públicos procedentes del Ayuntamiento y la Junta de Extremadura. Con un cartel altamente rockero, y

esta vez con un nivel notable. Leiva, Robe y Fondo Flamenco. 33% de artistas extremeños y 0% de paridad.

Organización: Ayuntamiento de Badajoz Artistas: 3

Fecha 2022 2021

Extremeños 33% 0% Paridad 0% 0%

Datos muy pero que muy negativos. Deja mucho que desear la propuesta pacense hacia artistas extremeños. En los dos festivales organizados por su ayuntamiento los datos son realmente malos.

STONE & MUSIC FESTIVAL

En Mérida siguen teniendo su festival con presupuesto importante a cargo de Ayuntamiento y Junta de Extremadura. Un festival organizado por la empresa Progevents con capital público. Sin polémicas este año en cuanto a normas covid y artistas.

El Starlite extremeño recogía un cartel al más

alto nivel, pero vayamos a los parámetros. 0% de artistas extremeños y 18% de paridad. Unos porcentajes nefastos para un festival de tal calibre.

Organización: Progevents

Artistas: 11

Fecha 2022 2021 2020

Extremeños 0% 7% 0% Paridad 18% 16% 57%

Datos muy malos también en cuanto a los parámetros estudiados. Ni la paridad ni artistas extremeños interesan.

FESTIVAL INTERFERENCIAS EMERGENTES

Se siguen manteniendo unas estadísticas estables. Dato realmente positivo y prueba de que se está trabajando en la buena dirección.

FESTIVAL MÚSICOS EN MOVIMIENTO

Festival rural encaminado a llevar la cultura a las zonas y localidades más despobladas de la región. Una labor importante que realiza la Asociación Cultural La Cime con el apoyo público de CEMART, Canarias Crea, y Mancomunidad de la Siberia.

El festival poco a poco empieza a consolidarse que, a modo de concurso, consigue llevar bandas de carácter nacional a la Siberia Extremeña. Un 42% de artistas extremeños, y de paridad un 57%. Unos números notables que demuestran el buen trabajo que hacen.

Organización: Asociación cultural #lacime

Artistas: 7

Fecha 2022 2021 2019

Extremeños 42% 60% 58% Paridad 57% 40% 28%

El festival heterogéneo (musicalmente) y rural sigue llevando la música por diferentes lugares de la geografía extremeña. De aportación económica de la Diputación. Oliva de la Frontera, La Zarza, Azuaga, Santa Marta de los Barros, y Arroyo de San Serván han sido este año los lugares escogidos.

Se repiten muchas de las bandas que han formado parte del festival en años anteriores, un booking artístico llevado a diferentes puntos de la provincia de Badajoz. En cuanto a los parámetros, 100% artistas extremeños y una paridad del 40%.

Organización: Asociación Músicos en Movimiento Artistas: 15

Fecha 2022 2021 2020 2019 2018

Extremeños 100% 100% 100% 100% 100% Paridad 40% 24% 20% 22% –

Un ejemplo de cómo ha mejorado este festival. Durante varios años tuvo valoraciones negativas por no fijarse en la paridad. Este año han hecho los deberes. ¡Felicidades!

ESCENARIO AMEX

Uno de los festivales más veteranos del panorama extremeño. Organizado por la asociación cultural Amex, con fondos públicos, y sigue repitiendo año tras año un patrón, apostar

por bandas emergentes sin amiguismos y sin repetición de artistas.

Desde hace unos años ubicados en el foro de Balbos de Cáceres, y realizándose a mediados de septiembre. Vamos a los números, 100% de artistas extremeños y paridad un 33%.

Organización: Asociación Amex Extremadura

Artistas: 9

Fecha 2022 2021 2020 2019 2018 Extremeños 100% 100% 100% 100% 100% Paridad 33% 33% 25% 12% –

cántara. En cuanto a la presencia de bandas extremeñas, tenemos 16% y en la paridad un 50%.

Organización: Bon Vivant Records Artistas: 6

Fecha 2022 2021 2020 2019 2018 Extremeños 16% 17% – 25% 0% Paridad 50% 33% – 50% –

Siguen teniendo como asignatura pendiente a lo largo de los años la presencia de artistas extremeños. En paridad, buen trabajo.

FESTIVALINO

Se mantienen las estadísticas estables, aunque la paridad está al límite. Buen trabajo.

EUROPA SUR

Otro de los festivales más veteranos de la región. Los de Bon Vivan Records han cambiado de nuevo de sede, ahora en Alcántara. Desde que abandonaron Cáceres, siguen apostando por poblaciones rurales para llevar la música pop y la cultura mod.

De capital público a cargo de la Diputación de Cáceres y Ayuntamiento de la localidad de Al-

El festival que moviliza a un pueblo entero. Organizado por el propio Ayuntamiento de Pescueza. Es uno de los mayores ejemplos de cómo luchar desde el ámbito rural contra la despoblación, el edadismo o el cambio climático.

El primer gran festival del año, a principios de la primavera, abre la veda a la temporada festivalera. El 45% de los grupos son extremeños, y en cuanto a paridad, un 18%.

Organización: Ayuntamiento de Pescueza Artistas: 11

Fecha 2022 2021 2019 2018 Extremeños 45% 36% 60% 33% Paridad 18% 27% 40% –

Se mantiene estable la presencia de artistas extremeños, un buen trabajo, pero en cambio la paridad ha ido reduciéndose con el tiempo.

SUBEROCK

Festival veterano de la escena rock extremeña organizado por la Asociación cultural Extremasound. La antítesis del Contempopránea, siendo una población vecina, San Vicente de Alcántara.

Es un festival que goza de buena salud, y que siempre tiene miradas hacia Portugal y al ámbito internacional. 18% de artistas extremeños y 22% de paridad. Unos números muy bajos respecto a dichos parámetros.

Organización: Extrema Sound Artistas: 22

Fecha 2022 2021 2019 2018 Extremeños 18% 0% 11% 16% Paridad 22% 25% 33% –

Año tras año las estadísticas son negativas. Escaso interés por ambos parámetros por parte de la organización.

GRANIROCK

El festival de la comarca de La Serena. Organizado por el Ayuntamiento de Quintana de la Serena. Pese a no ser un festival veterano como algunos de los descritos anteriormente, ha aguantado durante la pandemia y se mantiene fiel a su estilo.

Actualmente tiene un formato más reducido que en sus primeras ediciones, pero esperamos a que vuelva ser tan grande como otros festivales de Rock de Extremadura. Con tan solo 3 bandas, este año los parámetros son los siguientes: 66% de artistas extremeños y 0% de paridad.

Organización: Ayuntamiento de Quintana de la Serena

Artistas: 3

Fecha 2022 2021 2019 2018 Extremeños 66% 60% 22% 33% Paridad 0% 22% 40% -%

Una de cal y una de arena en este festival. Buen trabajo con respecto a la presencia de artistas extremeños, pero la paridad es cada vez más negativa.

HORTERALIA

El Festival que parte la pana. Organizado por la empresa Amantes Dementes. El evento más desacomplejado del panorama festivalero extremeño. Todo el mundo cabe y todos los estilos son posibles. Sigue gozando de tan buena salud que han exportado la idea a Madrid, y otros festivales han copiado su propuesta de acudir “disfrazados” al encuentro.

Cáceres es una ciudad en crecimiento cultural. Vayamos a los datos: 33% de artistas extremeños, aunque si contamos la fiesta de bienvenida, el porcentaje se incrementa, y en cuanto a la paridad, un 66%.

Organización: Amantes dementes Artistas: 11

Fecha 2022 2021 2019 2018

Extremeños 33% -% 50% 25% Paridad 66% -% 40% -%

En los números similares del 2019, solo que invirtiéndose los datos.

WOMAD

El festival más veterano de Extremadura. Organizado por la Fundación Womad con colaboración pública. Sigue teniendo problemas de sonido y de botellón, ambos problemas en principio con difícil solución dada la tozudez de la organización, sobre todo en la cuestión del sonido.

Además, este año perdió el escenario de artistas emergentes extremeños, lo cual no es una buena señal. Vayamos a los números: 31% de artistas extremeños y 57% de paridad.

Organización: Consorcio Gran Teatro de Cáceres y Womad Artistas: 27

Fecha 2022 2021 2019 2018

Extremeños 31% -% 48% 47% Paridad 57% -% 40% -%

La ausencia de un escenario extremeño es clave.

PALOMOS

El festival LGTBIQ+ también goza de buena salud, y empieza ya a ser una cita obligada y veterana en Extremadura. Organizado por la Fundación Triangulo con colaboración pública. Combina a la perfección la Electrónica y el Pop para reivindicar la diversidad de género.

Lo que empezó como un evento organizado por un programa de tv, se ha convertido en una cita imprescindible. Con el 41% de artistas extremeños y una paridad del 50%. Goza de buenos números.

Organización: Asociación Triangulo Artistas: 12

Fecha 2022 2021 2019 2018 Extremeños 41% -% 53% 25% Paridad 50% -% 53% -%

Se mantiene en unos números estables. Buen trabajo por parte de la organización.

BELLOTA ROCK

Organizado por la Asociación Bellota Rock que, desde la autogestión, trabajan en llevar el Rock a zonas rurales del norte de Cáceres. Con la colaboración de la Diputación de Cáceres.

En las Vegas del río Alagón hacen un buen trabajo en llevar la cultura en las zonas adyacentes a Coria. Sus números son 22% de artistas

extremeños y 33% de paridad.

Organización: Asociación Bellota Rock

Artistas: 9

Fecha 2022

Extremeños 22% Paridad 33%

Deben

ROCK IN PINO

Desde Pinofranqueado también trabajan en la autogestión para llevar el Rock a Las Hurdes. Organizado por la Asociación Cultura La Trinchera Cretina

Desde el underground y con el apoyo del Ayuntamiento, se mantiene este festival convirtiéndose en una cita necesaria para el Punk Rock de la región. En cuanto a los parámetros, 42% de grupos extremeños y 0% de paridad.

Organización: Asociación Trinchera Cretina

Artistas: 8

Fecha 2022

Extremeños 42% Paridad 0%

Muy bien en cuanto a la presencia de bandas extremeñas, pero muy negativo en cuanto a la paridad. Esperamos que el año que viene se produzca ese cambio.

NATURAL SONORA

Festival de nueva creación realizado en Navalmoral de la Mata. Organizado por la productora extremeña Panorama Producciones, con el apoyo del Ayuntamiento de la localidad.

Un intento de recuperar el éxito que tuvo en la ciudad el antiguo NavalPop. Una combinación de Indie-Pop y Electrónica. En cuanto a los números, tenemos 41% de artistas extremeños y un 33% de paridad.

Organización: Panorama Producciones Artistas: 12

Fecha 2022 Extremeños 41% Paridad 33%

Primer año y números aceptables. Buen trabajo por parte de la organización en cuanto a los parámetros.

GUOMAN

El festival de Guareña inspirado en el Womad El pueblo se implica en un encuentro que tiene mucho de cultura, implicando diferentes artes. Organizado por el colectivo del mismo nombre

mejorar en ambos parámetros.

con la colaboración del Ayuntamiento, Diputación y Junta de Extremadura.

Un festival consolidado que siempre ha tenido la autogestión como modo de vida. Vayamos a la estadística: 71% de artistas extremeños y un 0% de paridad.

Organización: Asociación Guoman

Artistas: 7

Fecha 2022 2021 2019 2018 Extremeños 71% -% 57% 67% Paridad 0% -% 0% -%

Una gran asignatura pendiente tiene este festival con la paridad. Los grupos extremeños es un dato que ha ido incrementando con los años, lo cual es muy positivo. Blanco y negro la gestión de sus programadores

Conclusión

Analizando diferentes años y los dos parámetros, encontramos que hay festivales con mucho trabajo por hacer con respecto a los datos estadísticos. No cumplen con ninguno de ellos año tras año, hablamos de Alcazaba Festival, Stone & Music Festival o Sube Rock, y otros tantos que fallan en uno de los dos parámetros, como por ejemplo Badajoz Suena, Escenario Amex, Europa Sur o Granirock. Entre los que hacen buenas estadísticas en ambos valores tenemos a Acústicos al Fresquito o Interferencias Emergentes.

(Toda la estadística en cuanto a la paridad se ha realizado a base de comprobar las webs de cada grupo o banda que forman parte del festival, y contando como formación femenina toda

aquella banda o artista que contenga algún miembro mujer en el grupo).

*(En dicho artículo no están todos los festivales de la región, pero sí los que, a nuestro juicio, son los más importantes de los realizados en nuestra tierra)

entrevistas

la pasión del Flamenco llevada al Hip Hop VRubio

VRubio, la pasión del Flamenco llevada al Hip Hop ¿Quién es VRubio?

De nombre de cantautor, Víctor Manuel, no sabemos si sus padres se imaginaban que su hijo sería también un autor de buenas letras adaptadas a los tiempos actuales. De origen obrero, del barrio de San Roque, VRubio, como le conoce la farándula rapera de Badajoz, es también guitarrista y se le nota en sus trabajos.

Recoge a la perfección el arraigo pacense con el flamenco en fusión perfecta con los ritmos Hip Hop, el Trap o las influencias del otro lado del charco, con pinceladas de Pop, que lo convierten en un artista capaz de llegar a un público amplio y con conciencia de clase.

La mayoría del tiempo me paso preguntándomelo, aunque aún soy joven. Todo esto nace precisamente del no saber quién soy ni para que vine. Poco a poco voy entendiendo que mi rol en la vida es familiar, y que me debo a mi entorno. VRubio es la única forma que tengo de entender la vida, saber quién ser y dónde seguir siendo. Eso resumido lo encontré con la música, de casualidad.

En tus letras encontramos referencias claras hacia el amor, pero también a la familia, al entorno que te rodea (barrio, amigos), al dinero (entendido como supervivencia) o al miedo. Con presencia de guitarras, que es habitual en tu sonido, ¿cómo definirías tu música?

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No la defino, hago lo que siento ese día, en el momento. De hecho, casi improvisando. Si escucho algo que me llega, lo vamos a hacer, sea punk, reggae o bachata. Vine a hacer todo tipo de música, y que la definan como la sientan.

Ya lo anticipábamos en la introducción de la entrevista, el flamenco es esencial en tu trabajo, pero lo que más nos llama la atención es que, partiendo de una base de rap, recurres a otros estilos (flamenco, pop, reggaetón) para llegar a más gente, y quizás conseguir un producto más popular dentro del underground. ¿Cuáles son tus influencias?

Mi principal fuente de inspiración ha sido el flamenco. Durante toda mi vida es la música más presente que he tenido (Triana, Pata Negra, Camarón, La Niña Pastori). Supongo que viene de familia y la ciudad en la que estoy, con artistas que han mantenido el flamenco vivo.

Pero bebo de muchas más fuentes. Escucho mucho Extremoduro, Joe Arroyo, Compay Segundo, Eskorbuto, Mungo Jerry. Para mí, en la música no existen las fronteras, y nunca me ha gustado ponérselas ni que se las pongan.

Una de las características de las nuevas generaciones es la importancia que le dais a las redes, sobre todo a YouTube. Comprobamos en todos los artistas de la escena urbana el trabajo que invertís en la realización de video clips. En concreto, tú tienes un filmmaker fetiche, Mike Films, varios raperos de Badajoz tienen depositada la confianza en él. ¿Por qué os gusta tanto? ¿Qué tiene de diferente respecto a otros directores?

Un artista busca una persona que se lo haga todo más fácil. Hay mucho trabajo detrás de cada canción, la vida va muy rápida, y encontrarte a alguien en el camino como Mike te lo pone todo más fácil. Además, es una persona que confía en el talento de la ciudad, con ganas de ayudar y de trabajar.

Pienso que donde las cosas van bien no hay que tocar nada, Mike confía en mi tanto, como yo en él. No hace falta explicarle mucho las cosas, él nos entiende a veces más que nosotros mismos, y está siempre dispuesto a todo. A veces lo he avisado con la hora muy justa, y ahí estaba él dándolo todo para que con poco saliera adelante el proyecto. Le debemos mucho, nosotros, la ciudad, y sobre todo los/as artistas.

Vayamos a tu compañera de viaje. Rocío Sánchez es tu musa, quien te acompaña en muchas de tus canciones. Podríamos decir que VRubio realmente es un dúo. ¿Cómo es trabajar con ella? Rocío eleva cualquier canción que quieras darle, en el estudio es otro nivel. Nosotros hacemos cinco o seis tomas para encontrar la buena, ella se pone los cascos y de una toma nos hace un tutorial de cómo se hacen las cosas de verdad.

Tiene mucho compás y una voz que yo tendría que volver a nacer para que con suerte pudiera igualarla. A veces se le olvida que nació para

transmitir. Me gusta recordarle que es una persona con suerte. Nosotros sabemos algo de cantar, pero ella además sabe transmitir, y para eso solo hay que volver a nacer.

También tienes varios colaboradores, como Enri Miller, Maykel Montes, Uge Pitel. ¿Cómo surgen estos intercambios? ¿Forman parte de tu crew?

Maykel Montes es la razón por la que hoy esté haciendo música. Él me ayudó, me enseñó todo lo que sé. Hemos echado muy buenos ratos juntos, y en la música eso se transmite.

La primera colaboración con él la recuerdo muy bonita. Nos empezamos a conocer jugando al futbol, teníamos un equipo de barrio hecho por amigos. Me tocaba ser rival de Maykel, y ahí empezó a surgir. Cuando acabó el partido hablamos de hacer una colaboración, y la primera fue Hijos de la Luna. A partir de ahí surgió La Pureza con Rawless y David Urbano, que son dos productores y guitarristas, muy jóvenes y con un talento increíble. Fue una muy buena época.

Enri Miller es amigo desde la infancia. Nos conocimos en el San Roque jugando a futbol, y es actualmente un buen amigo, echamos muy buenos ratos de música. Quien nos conoce sabe que no paramos de hablar y compartir música juntos, solíamos ir al estudio mucho durante la última temporada que estuve en Badajoz. También fue una bonita etapa, empezamos a mover mucho la cultura organizando conciertos, trayéndonos a grupos para tocar con nosotros, junto con Vendetta Squad. Trabajamos mucho para darle vida a nuestra ciudad, y fue bonito ver que la ciudad nos respondía, junto con nuestra familia de amigos, que están en todas.

La colaboración con Uge Pitel y Kelonthebeat fue totalmente buscada, y bien pensada para hoy estar orgullosos del trabajo que hicimos. Kelon nos mandó el beat, y nos encantó a los dos, él produce muy sentimental y eso a mí me llena el corazón. Además trabaja mucho y se lo toma muy enserio, te facilita mucho las cosas un productor así, y con ese talento para los ritmos.

Uge y yo nos habíamos juntado en el estudio alguna vez, había ganas de hacer algo bonito. Mimamos mucho el proyecto, incluso sacamos camisetas. La reacción del público fue muy buena. Disfruté mucho el proceso de creación, y trabajar con una persona que se toma su música tan en serio, como es Uge, es un orgullo para mí.

Y por si no lo tuviéramos claro de que eres un artista dentro del rap pacense fuera de lo común, ¿tienes un villancico? Que por otro lado, en pleno diciembre como estamos, nos parece una propuesta acertadísima que se sale de lo común con respecto a lo tradicional de estas fechas.

Tenemos un villancico. Hicimos una versión de uno de los villancicos que mas nos gustan, grabamos las guitarras y las voces, y adapté la música a nuestro estilo. Podría sonar mejor, pero con lo que tenemos, demasiado que suena. Al final buscamos hacer cosas diferentes, lo que ya está hecho es perder el tiempo volver a hacerlo. Queremos dejarnos llevar, y quizás hoy es un villancico y mañana un bolero.

Eres un rapero de singles, con una vida corta en cuanto a publicación de temas. En un año tenemos 16 canciones, ¿nos queda mucho de V.Rubio? ¿Tendremos un larga duración próximamente?

Siempre que tenga algo que contar habrá VRubio. Este 2022, junto con Enri Miller, nos prometimos que íbamos a hacer música, y tenía que ser nuestro año. Yo dejé hasta el trabajo, me fui para el paro, 6 meses de hacer música sin parar. Un poco locura, pero nos ha ido muy bien, me lo he disfrutado mucho. Y espero que quede mucho más. Este año ha sido experimental, para encontrarme, todo depende de lo que la vida me traiga. De momento, este año lo empezamos en otra ciudad.

En el logo de tu nombre tienes una media luna y una estrella. Símbolos relacionados con el arte o el mundo musulman. ¿Qué significado tiene para ti? Simbología y arte musulman que también sale en uno de tus primeros singles Cuanto tiempo. Tiene un significado para mí artístico, es una

simbología que siempre ha estado entorno al flamenco y muy relacionada con su arte. Cada uno le da su significado, aunque lo tenga. En mi caso se lo doy como mundo artístico y ser una persona familiar con valores, soñadora con sensibilidad.

Te hemos visto tocar en desfiles de moda, Chatnoir, Lusiberia, Montijo… ¿Te gustaría hacerlo en algún gran festival? ¿Cómo han sido los diferentes bolos donde has estado? ¿Alguna anécdota?

Estamos siempre deseando tocar. De hecho, cuando estamos mucho sin hacerlo nos vamos a la calle y cantamos donde nos dejen. Normalmente casi todos los fines de semanas tocamos, tenemos un grupo que se llama Sueño Callejero, en el que vamos a bodas, bautizos, comuniones, etc, así que solemos tocar mucho.

Con el proyecto VRubio hemos tocado en varios sitios con diferentes artistas, y hemos estado muy a gusto. Con Vendetta Squad nos lo pasamos muy bien, con Enri Miller, Sergio.M, Jose Irie, están sembrados y cada vez que

nos juntamos a dar un concierto, parece aquello una despedida de soltero, con la gente de Ankalawela que son de Jerez, se vinieron a Badajoz y tienen un directazo, increíble verlos cómo se mueven en el escenario.

Si algún día tocamos en algún gran festival, quiere decir que las cosas van algo mejor que ahora, asi que deseando tocar en algún sitio importante.

Ha sido un gran placer tener entre nosotros a uno de los artistas pacenses emergentes con tanta proyección de futuro. Te deseamos mucha suerte, muchos bolos, muchos festivales, y nos vemos en los escenarios. Muchas gracias a vosotros por darnos voz e interesarse por nuestra música, muy orgulloso de aparecer por LaCarne Magazine. Nos vemos pronto, un abrazo!

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Key Malva

Hip Hop con alma y esencia afrochilena

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“El tiempo pasa, las horas pesan, y la vida enseña”, con estas palabras redactamos el presente prefacio de la exclusiva con Key Malva, quien acaba de estrenar el álbum Ante Dios y el Diablo, una declaración de principios y manifiestos hechos canción.

Hoy, 22 de noviembre, en Bolivia se celebra el Día de los Músicos, en conmemoración infalible a la patrona de los mismos, Santa Cecilia, la guardiana de los artistas -creyentes-musicantes y de sus peregrinajes al mundo de las melodías, armonías y ritmos. Una linda ocasión para compartir el flamante disco, que nos brinda una formidable propuesta, digna de coleccionar y escuchar, para empoderarse y elevarse, fundamental.

Partimos desde La Paz, en pleno altiplano, rumbo al Sur del continente para arribar a Santiago de Chile, y conectar con la artista protagonista de la presente exclusiva con LaCarne Magazine, agradeciendo su sincera confianza y colaboración.

Key Malva, Ante Dios y El Diablo, el álbum de Hip Hop Afrochileno

Acaba de estrenar en las plataformas digitales el álbum Ante Dios y el Diablo, que también lo ha editado en formato CD para la gran fanaticada dentro del Hip Hop y música contemporánea hecha en Chile. ¿Cómo se encuentra personal y musicalmente en la actualidad?

Musical y personalmente me encuentro en un momento de mucha inspiración, con muchas ganas de crear, de conectar con otras personas. Me siento muy apasionada, la verdad, estoy feliz, atreviéndome a mucho más, innovando, abriendo caminos, amando lo que hago,

y cuidándome física y psicológicamente, full amor propio, y full agradecida, como dice mi canción: “me siento y soy una bendita agradecida”.

Para muchos artistas, las regiones y sus áreas son referentes importantes para la evolución musical, ¿qué nos puede comentar al respecto? ¿Cuál es su nombre y lugar de nacimiento? Mi nombre es Kirma Arias, soy chilena afro descendiente, nacida y criada en Peñalolén, una Comuna que amo, y en la cual se forjó la mujer que hoy soy, con altos y bajos.

Key Malva también conocida como Kirmotta Black, ¿cómo surgen sus aka? Bueno, mi antiguo aka, Kirmotta Black, nace en Argentina. Un niño hermoso llamado León empezó a llamarme Kirmotta Motta, por mi pelo afro, y así terminó por bautizarme. Todos empezaron a llamarme así.

Marcó mis inicios, me acompañó hasta este año que decidí cambiarlo y llamarme Key Malva, que tiene que ver directamente con mi Yo mujer, como el color malva con mi feminidad, con reconocerme también, con un nuevo comienzo, un nuevo renacer, donde dejo atrás miedos, trabas, conceptos, y me abro a un nuevo camino lleno de posibilidades.

Plegaria suena fuerte en la sala de redacción, ¿qué nos puede comentar de la presente realización? ¿Cómo le fue con la producción? ¿Qué temáticas nos regala en sus letras y canciones?

Plegaria es una canción donde descargo varios sentimientos con respeto a lo que se vive hoy en día, en este sistema dominado por las injusticias, el cómo me siento, lo que he aprendido y lo que no quiero. Es muy intenso, al igual que el disco completo.

Ante Dios y el Diablo, un álbum penetrante donde abarco varios estados como el amor, el descontento, la esperanza que prevalece siempre en todo lo que hago, la gratitud. Son sentimientos que puede sentir cualquier humano en este mundo, ya que todos estamos expuestos a este modo de vivir. Yo, Key Malva, una simple humana dejando mi Alma al descubierto, compartiendo aprendizajes, dolores y alegrías.

Otro sencillo lanzado como adelanto del álbum fue Bendita Agradecida, importante tema que hace presencia fundamental para los tiempos que vivimos, coraje y valentía, que también cuenta con un creativo videoclip. ¿Qué nos puede contar de la canción y su producción? Bendita Agradecida es una canción con mucho coraje y valentía, con mucha fuerza escrita desde mi empoderamiento. La canción, al igual que mi disco, fue producido en Lyon Music. Rec por Richard León Amaya, un gran productor y amigo. La verdad, cumplió con todas mis expectativas logrando un sonido sólido y voraz. Me encanta.

El videoclip lo hice yo, así cacerolada, con la ayuda de muchas mujeres, las cuales participaron enviándome un videíto cantando una parte de la canción. Yo junté todo y edité, logrando un hermoso videoclip. Estoy agradeci-

da por el apoyo de ellas, la mayoría raperas. Es lindo apañarnos entre nosotras, entre nosotros.

La portada y el acabado del arte merecen una mención especial, una verdadera obra de arte para los amantes de la música, ¿quiere brindarles crédito a los autores y al proceso creativo? La portada fue un regalo de Raza Mundial, productora audiovisual a la cual le envíe mi idea y la logramos con creces. No esperaba menos, ya que son secos muy artísticos, y la otra, donde están los agradecimientos de mi disco, la hizo Cursed To Blessed, mi sello de publicidad, distribución y recolección musical. Ellos también logrando con creces la idea que les mandé, es una hermosa obra de arte. Aprovecho de nombrar a G&R Imprenta, donde saqué mis copias físicas. Un siete, se las ¡re! recomiendo.

Key Malva, Bendita Agradecida

Una de mis canciones preferidas es Piedra Negra, con la participación especial de Johnny Amado. Sencillamente emocionante, y el video, vibrante. ¿Qué nos puede comentar de la obra y su invitado especial? ¿Algunas anécdotas de la producción que nos pueda compartir? Piedra Negra es una canción muy sensible, muy a flor de piel, muy hermosa, que habla sobre esos “corazones negros” que, con cada dificultad, con cada caída, cada desilusión, se volvieron duros, negros como una piedra, piedra negra, un diamante invalorable que a pesar de todo permanece fuerte y con esperanza, lleno de ganas, de amor, que siempre cree que vendrá algo mejor, un corazón dolido pero agradecido, un corazón negro, fuerte y soñador a pesar de los pesares.

Cantarla con mi papá Johnny Amado la vuelve aún más hermosa, ya que él fue parte fundamental. Es la gran parte de la inspiración al escribir esta canción, él es un hombre que ha vivido muchas cosas, muchas dificultades desde niño, desde muy pequeño, una tras otra, saltando cada valla, y nunca abandonó su amor por la música, nunca ha dejado de hacer música a pesar de todo. Esta canción se basó en su corazón, que también es parte del mío, ya que seguí su sendero.

Lo conocí En Vivo, en el reciente Festival Súmate Al Arte 2022, donde también participó en la canción oficial junto a varios artistas invitados, una verdadera manera de disfrutar la vida en el aquí y ahora. ¿Qué anécdotas nos podría compartir después de la experiencia?

El Festival Súmate Al Arte fue una hermosa experiencia en la cual compartí con grandes personas, había un hermoso ambiente. Recuerdo que hacía mucho calor, pero eso no era obstáculo para compartir y bacilar la música En Vivo con mis hijos. Fui con mi bebé Killari y Jimaro -mi hijo mayor de 9 años-. Estuvo muy hermosa la jornada.

En su canal YouTube disfruté del proyecto Las Mamis del Bronx. El video Mírala es un bello manifiesto de identidad cultural afroamericana, ¿qué nos puede resumir de la experiencia mu-

sical y artística?

Las Mamis del Bronx es el grupo musical que formo con mi hermana gemela Karina (La Macumba). Siempre hemos hecho música juntas, nos potenciamos una a la otra cada vez que podemos. La canción Mírala, también en compañía de nuestro padre, habla netamente de nuestras raíces afro descendientes, y del amor profundo y orgullo que sentimos hacia ellas, desde el color de nuestra piel hasta la misma sangre. Todo lo que somos, y lo que hemos heredado de nuestros antepasados, al ritmo de una rica Salsa Rap.

Dentro de su recorrido, y de propia voz, ¿cuál es la discografía de Key Malva hasta el presente?

Bueno, yo empecé a cantar desde muy niña, pero mi primera canción la grabé cuando tenía

17 años, desde ahí no paré y no pararé, ya que crear y hacer música es como el aire que necesito para vivir.

Contando, ya llevo casi 17 años en este camino, y he grabado 3 discos de solista: Escape, A-mares y Ante Dios & el Diablo. También participo en 3 álbumes, uno llamado El Puente, el cual comparto con mi compañero de vida Hedo Plasma Lírica, el disco Eslabón junto a Lokobogre, DoteMC y Hedo Plasma Lírica, y el disco Lo Esencial de Las Mamis del Bronx, junto a mi hermana Karina La Macumba. He hecho miles de colaboraciones para featurings con diferentes exponentes.

Luego de su trayectoria, ¿algún encuentro o festival que le marcó en el Alma? Siempre cada presentación marca algo en mi Alma, pero podría nombrar la vez que canté en el Teatro Caupolicán para los 30 años del Hip Hop, que apenas salí al escenario vi miles de personas. Eso fue una experiencia realmente cuática, muy lindo cantar para tanta gente. Fue muy bacán y emocionante, al igual que en el Parque de la Bandera para los 34 años del Hip Hop en Santiago. Fue hermosa la energía que se vivió ahí en el parque. Estaba también lleno, fue realmente hermoso.

Hablando de Literatura y narrativa, ¿qué libros o autores nos recomienda Key Malva para leer? Puedo recomendarles escritores como Eduardo Galeano (La Escuela del Mundo al RevésPatas Arriba), Isabel Allende también me gusta mucho (Inés del alma Mía, La ciudad de las Bestias, etc.). Clarissa Pinkola (Mujeres que Corren con los Lobos) y, bueno, también puedo recomendarles una novela que me gustó mucho cuando la leí, El Velo Pintado de W. Somerset Maugham

En el apasionante mundo del cine y sus películas, ¿qué obra(s) del séptimo arte le sugiere Key Malva a la audiencia?

Amo las películas, podría recomendarles la película Noviembre, que trata sobre el arte callejero. Es muy buena, se las aconsejo a full. La Antena, una película muda re interesante, la verdad es buenísima. El Ilusionista me gusta mucho también, y Agua para Elefantes. Acá

me faltó Santa Sangre de Alejandro Jodorowsky.

Volviendo a la melomanía, en la actualidad, según sus gustos y regiones, ¿qué álbumes o artistas nos recomienda Key Malva para adjuntar al playlist?

Para que agreguen a su playlist les recomiendo el Eslabón (EP de Varios Artistas), Aullido de Hedo Plasma Lírica, El Circo de los Niños Perdidos de ADM Ciker, Persevera de La Misty, Soulticio de Melódika y la Forja de Astrónomo

A estas alturas de la vida, cuando uno va creciendo y avanzando paso a paso con su propia escuela, ¿qué es la música para Key Malva?

La música para mí es vida, en mi vida no sería Yo sin ella, es una herramienta de lucha, de libre expresión, de contra información, es como el aire para mis pulmones. La música que hago es un descargo, también busco entregar algún mensaje basado en mis experiencias buenas y malas, es mi Alma al descubierto.

Key Malva, Así de Bien

Entre las ya mencionadas, una de mis canciones preferidas del nuevo álbum es Frágil, o Así de Bien. ¿Qué temas son sus preferidos? ¿Algunas obras que ya forman parte de la audiencia?

Las canciones favoritas de mi disco son todas (jajaja), la verdad es que no hay ninguna que me guste menos por todas. Siento una gran pasión, es como si fuera mi sangre cada letra. Si tuviera que elegir una, creo que no podría, pero sí les recomiendo escuchar Piedra Negra o Así de Bien, que son canciones que pueden disfrutar desde los niños hasta los ancianos.

Tras los años recorridos, ¿qué mensaje le puede brindar Key Malva, en especial a las mujeres, y nuevas generaciones, que quieran tomar el Arte como forma y estilo de vida?

Como consejo a las mujeres y nuevas generaciones que quieran seguir este camino, decirles que sean constantes, que se alejen de vicios, de excesos, que observen bien a su alrededor, que se mantengan despiertas, porque es un camino lleno de hipocresía y competición, que se mantengan con su corazón honesto, que

transmitan lo que salga de su Alma como Ser, y que ojalá no aporten a este sistema o industria musical basura, que busca sexualizar niños y niñas, y cegar mentes brillantes, que vayan más allá de lo establecido.

Para el presente incierto y los planes venideros de Key Malva rumbo al 2023, ¿alguna primicia que nos quiera compartir? Bueno, para este año que se viene seguiré creando a full, y, como primicia, contarles que se viene un featuring de Cumbia Rap bien bueno, entre Tomo Como Rey feat. Las Mamis del Bronx

Sus palabras de despedida para la gente que sigue la música de Key Malva, y para los / las lectoras de LaCarne Magazine. A todos mis oyentes, darles las gracias por darse el tiempo de escuchar mis canciones. Espero que a más de alguien le haya servido y acompañe en su camino. Prometo no defraudarles, seguiré firme en mis convicciones, y siempre con la esperanza de un mundo mejor para nuestros niños y todos los que vengan. A las lectoras un gran saludo y un abrazo de mucho newen (en mapuche significa fuerza), y aguante en estos tiempos difíciles. Les deseo mucho amor, alegría, salud y sanación.

Cerramos la edición disfrutando in extenso el álbum Ante Dios y el Diablo, que como dice Key Malva, es una joya de piezas tras piezas. Nos despedimos con el tema Piedra Negra, ablandando el corazón que se enduró por los golpes de la vida, soltando esas lágrimas que florecen en la piel y ayudan al desahogo.

Con la canción Paradoja finalizamos nuestra redacción final de la entrevista, e invitamos a la audiencia para adquirir el material en formato CD, o si gustan, en su plataforma digital de preferencia. Éxitos en el 2023, y mucha música.

Breathe Your Last pisando fuerte con un sonido contundente

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En esta ocasión tengo el gusto de poder entrevistar a Javier García, líder y vocalista de la banda Breathe Your Last, y ex de Soziedad Alkohólica.

Conocemos mejor a esta banda de Hamburgo, Alemania, que vienen pisando fuerte con un sonido contundente y potente a presentarnos su nuevo álbum, Apocalypse. ¡No os lo perdáis!

Breathe Your Last, pisando fuerte con un sonido contundente y potente Después de una temporada, desde Hamburgo, Alemania, regresáis con un nuevo trabajo de Breathe Your Last, pero, para quien aún no haya oído hablar mucho sobre la banda, ¿quiénes sois Breathe Your Last? ¿Cómo y cuándo surge Breathe Your Last como banda? Bueno, Breathe Your Last empezó en 2016 siendo un proyecto a distancia con gente en España, pero no cuajó por la distancia (risas).

Finalmente encontré a dos personas aquí en Hamburgo. Kaden Fletcher, el batería, es de Australia, y Jan Hauschild, el bajista, es un viejo amigo mío de aquí, de Alemania, y aquí estamos desde 2019, como un proyecto sólido.

Habéis lanzado Apocalypse, vuestro segundo álbum, el pasado 1 de Julio. ¿Qué vamos a encontrar en este trabajo? Me encanta que me hagas esta pregunta porque no sólo vamos a encontrar Death&Roll, sino que también Thrash, Black Metal, Death Metal, por supuesto, Punk, Hardcore, por ejemplo. La banda Motorhead es una referencia que tenemos los tres.

He tenido la oportunidad de escuchar el álbum, y me parece bastante cañero. Personalmente no me había adentrado en el género Death&Roll, y me ha gustado bastante. ¿Qué significado tiene para vosotros este nuevo álbum?

Me alegro un montón de que te haya gustado. El disco, sí, es bastante cañero como dices. El Death&Roll viene sobre todo por parte de Entombed, Carcass, son nuestras mayores in-

fluencias, pero el significado en este disco es que no nos hemos querido quedar solo con el Death&Roll, y es más una evolución, y abarcar un poco más nuestros gustos musicales. La base de Apocalypse es Death Metal.

¿Qué diferencias hay entre vuestro primer trabajo, Karma Bitch, y Apocalypse?

La diferencia es bastante grande. Apocalypse es más moderno, es un disco donde se plasman más nuestras influencias, en un disco más variado, donde se aprecian más todos los elementos. Karma Bitch se centra más en el Death&Roll.

El primer single, Frail, es bastante contundente. ¿De qué trata esta canción?

Sí, es un tema bastante contundente, pero también muy negativo. Lo escribí durante la pandemia, y, bueno, estaba tan afectado como todos hemos estado, pero tampoco cambia mi visión del mundo, vamos en la dirección equivocada, estamos destruyendo el planeta, a nivel político vamos yendo hacia abajo, vamos hacia atrás como los cangrejos, alcanzando un ponto del que no hay retorno. Y ésa es la temática de

Frail

Entre mis favoritas se encuentra el tema Born

From a Tomb. ¿Qué canciones destacarías del álbum? ¿Cuál es esa canción especial que estás deseando tocar en directo?

Me alegro mucho de que te haya gustado Born

From a Tomb, es el tema que más se acerca al primer trabajo, Karma Bitch. Es puramente Death&Roll, tiene algún elemento Hardcore y Trash, pero es bastante “Death&Roll» en comparación con el resto de temas.

Si tengo que destacar algún tema, destacaría Rotting. Es para mí el tema más especial y diferente del disco, es el único tema en el que estoy cantando limpio a momentos, y, bueno, está influenciado por bandas que me gustan mucho, como Paradise Lost o Type 0 Negative. Siempre quise hacer un tema así, y, bueno, aún no lo hemos tocado en directo, pero estoy deseando que ocurra.

¿Qué influencias tiene la música de Breathe Your Last?

Las influencias son muy variadas, desde Entombed, Obituary, Type 0 Negative, Black Sabbath, y definitivamente Motorhead

Tras la pandemia y demás, ¿cómo os sentís al volver a la escena musical?

Pues contentos de poder tocar otra vez, pero por otro lado es todo un poco contradictorio, porque cuando ocurrió la pandemia, todo el mundo se quejaba de que no había conciertos.

Estoy hablando por supuesto a nivel underground. Cuando toca Metallica, Iron Maiden, todo el mundo va, pero cuando se trata de bandas pequeñas, la gente no va a los conciertos, o van mucho menos que antes. Prefieren quedarse en casa, y no sé, es un poco contradictorio todo, y me resulta bastante triste, porque las bandas pequeñas así no vamos a ningún lado.

¿Qué cambios ves en la industria musical con el paso de los años, y cómo crees que favorecen, o desfavorecen a los músicos en la actualidad?

Pues sinceramente yo creo que todo ha empeorado mucho, la verdad. Yo tuve el privilegio

de estar en bandas desde principios de los noventa, y las cosas eran diferentes, era mucho más fácil tocar conciertos, era mucho más fácil vender discos.

Ahora con Internet tienes la ventaja de que tu música está en Spotify, pero no se venden discos, y la única fuente de ingresos para las bandas pequeñas como nosotros es eso, vender discos, merchandise, y, bueno, veo que todo va en la dirección equivocada también la industria musical, porque se están lucrando cuatro personas, y las bandas, pues van muriendo porque no se pueden financiar.

¿Cuáles son vuestros planes de futuro? ¿Os veremos pronto sobre los escenarios españoles?

Los planes inmediatos es poder tocar lo más posible, mostrar nuestro disco Apocalypse, y darnos a conocer como banda, buscando conciertos, y, bueno, no está siendo fácil, pero contamos con Iván de Six Force Management, que nos está ayudando mucho, y quizá nos consiga la oportunidad de poder tocar en España, que eso sería la hostia.

Y, para finalizar, una pregunta que les hago a todos, ¿algún dato que queráis añadir, o algún mensaje que queráis lanzar al mundo? Básicamente a la escena Metal, en general,

que deberían apoyar un poco más a las bandas pequeñas en mi opinión, porque yo entiendo que todo el mundo quiere ir a ver un concierto de Arch Enemy o Iron Maiden, pero si no hay apoyo a las bandas pequeñas, no va a haber escena Metal, porque se va a morir. Ése es mi mensaje.

Darte las gracias a ti, Eva, por esta entrevista, a Iván, de Six Force Management, y un saludo a la revista LaCarne Magazine.

Un abrazo enorme.

Muchísimas gracias a ti, Javier, y deseo que os vaya muy bien con Breathe Your Last.

Espero que os haya gustado conocer en esta entrevista un poco mejor a esta pequeña gran banda. Personalmente estoy totalmente de acuerdo con Javier, en el que tenemos que apoyar a las bandas pequeñas, pues son el futuro del Metal.

El Chamaco de la Poma

la firmeza del Rap Underground cubano

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El enfoque es fundamental para despegar rumbo a grandes puertos sonoros y musicales, que muchas veces representan a sus tierras, lejos de ellas. Una ironía del Ser Humano, que lleva a su patria en el Alma. Vaya donde vaya, ella lo acompaña. Y más aún si los Estados Profundos se obsesionan por hacer la vida imposible a sus gentes, atormentando a las antiguas y nuevas generaciones. En este caso y en especial en Cuba, una de las islas del Caribe más vapuleada y vilipendiada dentro de la Historia de las obsesiones políticas.

Muchas veces con el objetivo de sacarse las espinas del Alma colectiva, que hace ganar empatía por pueblos enteros, sumidos en la esclavitud ideológica de sus gobernantes, y que,

de cierta forma, afectan a la población mundial sea de dónde fuere, es fundamental comunicarse con portavoces culturales de sus regiones.

Agradezco esa firmeza total, y nueva amistad, junto a Reynor Hernández Fernández aka El Chamaco de la Poma, otro baluarte cubano dentro del Rap y Hip Hop germinado en dicha región, donde la población se viene manteniendo e implorando por la libertad del comunismo o fundamentalismo castrista, del cual emana la migración de su población alrededor del globo.

El Chamaco de la Poma, Rap

Underground cubano

Mientras revientan los parlantes con los temas Por Si lo Dudas, El Tren, o Vivir con Honor del álbum Tengo Que Salir del Pozo, doy nuevamente las gracias por la presente exclusiva junto a LaCarne Magazine.

Poma

Luego de tres años en cuarentenas y la pandemia COVID19, personal y musicalmente, ¿cómo se encuentra? Han sido intensos estos años, sí, con toda la repercusión psíquica que conlleva y toda la magnitud de su frustración, más viéndolo desde el Underground, ángulo del inmigrante pobre y negro en Barcelona. Pero ha sido un tiempo en el que muchos hemos cambiado nuestras perspectivas, hemos aprendido -a la fuerza- que la vida no es como la dibujamos, y somos títeres ante las sociedades y que, si no hacemos nada, nada obtendremos.

Muchos también hemos tenido tiempo para hacer nuestras creaciones, y hemos conocido algo más de cómo interactuar por las redes. Yo he decidido cogerme unas vacaciones.

Una breve reseña de El Chamaco de la Poma aka Mahoma, que actualmente reside en Barcelona, España. ¿Cuál es su lugar de naci-

miento? ¿Por qué del aka de El Chamaco de la Poma? ¿Cuáles son sus inicios en la música? El Chamaco de La Poma proviene de Cuba, del grupo Underground de Rap Explosión Suprema. Mahoma proviene de una canción mía, que se llamaba Mahoma, y, gracias a su éxito, muchos seguidores comenzaron llamándome así.

Chamaco de La Poma proviene de una rima que adherí a Mahoma en repetidas ocasiones, creándole a su vez a mi AKA un apellido que a estas alturas desplazó a Mahoma como nombre artístico, quedándose solamente Chamaco de la Poma, que para mí simboliza “chamacos de mi barrio”, “micro X (10)” en Alamar, al este de Ciudad de La Habana.

¿Qué estilos musicales han influenciado en el sonido de El Chamaco de la Poma? Bueno, al ser cubano, por sobre todo traigo mi herencia afrocubana con casi todo lo que me rodea, o sea, me viene muy de cerca la Timba cubana, Rumba, Guaguancó, Boleros, etc. De hecho, fui hasta comparcero (bailador de comparsas en carnavales).

Y, obviamente, la música afroamericana me llega de la casa de al lado (Estados Unidos), y me identifiqué con la misma al instante, por la similitud y estilo de vida de nuestros viejos raperos impulsores, que vienen trepando desde el Underground, siendo las voces que representan a los barrios y calles generalmente.

¿Cuáles fueron sus referentes musicales? ¿Qué artistas lo han marcado? Busta Rhymes, Lauryn Hill ,2Pac, Notorious B.I.G., Anónimo Consejo, Primera Base, Coolio (+), Vico C, El General, etc.

¿Cuál es la discografía de El Chamaco de la Poma a la fecha? Bueno, a pesar de perder unas veinte o treinta canciones en los inicios que grabábamos en cassette, de cuando las bases eran americanas (no propias), logramos sacar el álbum Explosión Suprema y La Otra Cara.

Luego me vine a España, y mi grupo Explosión Suprema hizo otro álbum llamado la In-

justicia Tiembla, en el que pude grabar, pero estuve enfermo y al final no se dio la posibilidad. En España hice una colaboración en el álbum Malamarismo junto a Mala Rodríguez, que se llama Miedo.

Luego saqué como treinta canciones más en solitario, que andan sueltas por las redes, y otras ni las grabé, eran tiempos de depresión. Entre ellas están temas como Inmigración y Estoy Aquí

Más adelante y al fin pude sacar mi primer álbum como MC, y para mí, mi mejor trabajo hasta hoy, ya que ha sido un proyecto muy personal. El álbum se llama Tengo que Salir del Pozo, y lo hice junto a un súper Productor alemán que se llama KAB.

Luego choqué con otro Mega Productor llamado Raphox, y nos hicimos el otro álbum llamado La Próxima Prueba, que, gracias a la vida, también considero que me salió muy bien.

Además, con Raphox es muy fácil trabajar, ya que él tiene esa característica y paciencia para fluir con los que trabajan con él, y ahora, además, tengo varias canciones sueltas por la red con Mega productores, como los citados, más Manu aka Expensive, que es un crack Productor francés, que lleva trabajando con el Rap cubano desde los 90’s, así que imaginen.

He disfrutado en su canal YouTube Se Puede Resolver. ¿Qué nos pueden comentar del videoclip y de la canción? ¿Cómo fue el proceso de producción y realización?

Se Puede Resolver es una producción musical de Raphox, incluida en el álbum La Próxima Prueba, la idea del vídeo es de Zumbiman (rapero y cantador de Reggae), que es un polifacético. Y bueno, este vídeo es parte de su trabajo.

El Chamaco de la Poma, Por Si lo Dudas

Desde 1996, Reynor Hernández Fernández aka El Chamaco de la Poma viene representando Rap real y Underground junto a su grupo Explosión Suprema, del que pude apreciar Sandunguera, videoclip del álbum Las Razones de mi Hip Hop, también vacilé con Hitler.

¿Qué nos comenta del proyecto musical y su trayectoria?

Bueno, siempre ha sido y será mi mayor logro artístico, y, junto a Brebajeman, se hizo la luz, después de dos años y medio de Freestyle y retos en las calles, becas, discotecas, cumpleaños, etc. Se puede decir que Explosión Suprema fue la sede principal de mi Academia Hip Hopping, en donde surgieron mis temas únicos, todos para la Historia del Rap cubano.

Tengo Que Salir del Pozo es el álbum de El Chamaco de la Poma que he escuchado casi in extenso, con temas alucinantes como La Salvación, El Camino del Hip Hop o Marcando La Distancia. ¿Cómo se realizó la obra? ¿Algunos detalles de su producción y difusión?

Por lo general, mis canciones hablan de lo que vivo o vive a mi alrededor, pero en el caso de este álbum es para mí lo mejor que he hecho, porque se hizo en lo más profundo de mi depresión, y cada canción era una espina clavada que me sacaba. Para colmo apareció KAB, el

productor que hace estos mega backgrounds que me sacaban fácilmente las canciones, más lo ultra meticuloso que es él, ya saben los estrictos que son los alemanes, jajaja.

Aprovechando la ocasión y oportunidad, y tejiendo un poco las historias dentro del Hip Hop en Centro y Sudamérica, El Chamaco de la Poma ha dejado importantes obras o piezas, como Inmigración, entre otras. ¿Qué nos puede contar del tema?

De mis mejores canciones, que no la he valorado lo suficiente y tengo esa deuda con Inmigración, pues creo que el tema no me pertenece sólo a mí, sino a todos los identificados con la canción. Todos somos sus protagonistas, y me alegra mucho que sirva de apoyo para nuestras causas.

Pude conversar con compatriotas suyos, como Keren Kmanwey, El Discipulo o El Funky, quienes han sufrido las vejaciones del Estado Profundo cubano, y éste último lucha desde Miami

-ahora- por la libertad de su compañero musical, Maykel Osorbo, privado de libertad por la dictadura castrista comunista, que pretende instaurarse en Bolivia, por ejemplo. ¿Qué se puede comentar desde su experiencia?

En su momento, en Cuba era a diario. Mi perfil de Negrón, feo, rapero de barrio, contestón, era suficiente para que me hicieran «potencial delictivo», los policías te provocaban para cuando te enfadaras, pegarte y conducirte. Pedirte la documentación en la puerta de tu casa, y llevarte frente a tus padres, vecinos, hijos, por gusto. Iba a llegar claramente a esto, y puedo apostar que la gran mayoría, sobre todo, de las generaciones de 50 años para abajo, no soportan ya nada de lo que sucede en nuestro país.

Sabemos que en Cuba el Movimiento Hip Hop tiene grandes y firmes bandas, que representan con profesionalismo y pasión su actitud ante la vida, y ahora se encuentran por todas partes del Planeta o Mama Gaia. ¿Qué nos puede comentar El Chamaco de la Poma de la Escena

en su Región? ¿Qué agrupaciones o MC’s nos recomienda para tomar en cuenta?

Así es familia, y puedo presumir que aquí en Barcelona estoy con Pelón de Hermanos de Causa, Randy Acosta de Los Paisanos, Kumar Zumbi, Carlitos RCA, y un par más. A cada rato nos unimos, y ponemos orden por acá, jajaja. Además que acá en Barcelona, hay una gran masa de raperos nacionales e internacionales, muy buenos muchos.

Pude observarlo compartir escenario junto a La Mala Rodríguez dentro de su recorrido, ¿algún evento o festival que lo marcó en el Alma? Bueno, con Mala Rodríguez estuve trabajando por cinco años en sus giras gigantes, y gracias a ello he podido conocer veinte países, y cantar en casi todos esos escenarios que no esperaba conocer, debo reconocer. Bien, me quedé traumatizado al ver la magnitud de la Sala Caupolicán en Chile, e impactado por un Festival Mega Underground en Bulgaria.

El Chamaco de la Poma, Se Puede Resolver

El Chamaco de la Poma, luego de los años recorridos y la experiencia, ¿qué consejo le puede verter a la gente que quiere dedicarse a la música y Cultura Hip Hop?

Yo siempre intento decir que sean originales, y no una extensión de sus ídolos. Que toda persona es un mundo interesante, miren a su alrededor. Vivir es una historia constante, donde chocamos y compartimos con muchos navegantes, rodeados de historias propias. Cuenten lo que vean, y lo que sientan. Ayuden a buscar la solución, al fin y al cabo, somos los voceros de las calles, barrios y sociedades.

Yendo más allá de la música, e ingresado en el Séptimo Arte, ¿qué películas recomienda El Chamaco de la Poma dentro de sus favoritas? ¡Buena esa!, a ver, a mí me gustan muchos estilos, pero para saber de nuestros orígenes: Notorious, Straight Outta Compton, Avatar, Chico y Rita, y otras que no me recuerdo.

Hablando de la literatura y narrativa, ¿cuáles son los libros de referencia de El Chamaco de la Poma?

Hombres sin Mujer, Raza-Racismo, El Alquimista, y Soy un Delincuente de Ramón Antonio Brizuela.

¿Qué es la música para El Chamaco de la Poma?

La medicina del Alma.

¿Qué planes y proyectos tiene El Chamaco de la Poma para el final del 2022 rumbo al 2023? ¿Algún adelanto que pueda compartirnos? Algún tema que saldrá de manos de Raphox, que es el que me está poniendo las pilas. Pero ahora ando intentando aprender a producirme, y me cuesta. O sea, ando medio en vacaciones aún.

La despedida, un mensaje final para la gente que disfruta su música y para los nuevos seguidores de El Chamaco de la Poma. Mi frase favorita, y mía, es: “no hay mayor equilibrio que saber equilibrar su propio desequilibrio”. Sean originales, y no dejen que nadie use el cerebro que llevan, tú eres tu propio jefe. ¡Mucha salud!, y ¡que viva el Hip Hop!

Atodo volumen escucho Hashish, single que nos regala El Chamaco de la Poma junto a Raphox, así representar con actitud ante la escuela de la vida, llevan a voz en cuello la creatividad e identidad, para brillar entre tanta oscuridad que nos entrega el Matrix, donde flamean las banderas de la libertad por medio del arte musical.

Aprovecho de concluir la presente exclusiva al ponerle play al más reciente single Oíte (2022) de El Chamaco de la Poma, que me hace alucinar de manera plena. Muchos éxitos y bendiciones en el sendero que toca recorrer, nos sentimos orgullosos de compartir con un MC under que representa al Rap cubano y latinoamericano, con firmeza total, desde el continente europeo.

Who On Earth

musicalidad y actitud Hard Rock

Guardia, y con fulminantes melodías.

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Cuando la música te llega a primera escucha, y te hace decir ¡qué alucinante!, es por la magia que se siente desde las energías creativas hasta las receptivas. En ese trance, nos envolvemos en las melodías y la sucesión de sonidos para darle identidad a la obra, disfrutar al máximo.

Extendiendo las direcciones, y directo a United States of América, hemos contactado con Pete Rizzi, portavoz de la banda Who On Earth, que nos regala su álbum debut Blame, un poderoso disco que contiene 10 potentes canciones llenas de Hard Rock al mejor estilo de la Vieja

Agradecemos por la confianza y cordialidad, además de la humildad para con la presente entrevista, que se suma al festejo por el lanzamiento de la ópera prima intitulada Blame, un álbum que te entrega puro Hard Rock desde la mismísima Costa Este de los Estados Unidos. En efectiva y adepta melomanía, nos hacemos seguidores del grupo norteamericano, que, con temas como Unbeaten u On The Brink, entre otros, nos entrega una brillantez pura y total en el álbum completo.

Who On Earth, Hard Rock de USA

Despegando una nueva experiencia de remolque sónico, arrancamos el viaje desde La Paz – Bolivia, en el Sur del continente americano,

para conectar -con la Visa Musical- hasta New Jersey – EE.UU., en exclusiva para LaCarne Magazine. Voy disfrutando del álbum Blame, y alucino con temas como Black Swan, The Price, o Down & Out, material que fue estrenado a fines de octubre 2022. ¿Cómo les fue con su producción y realización?

El álbum tardó casi todo el año 2021 en completarse debido a los retrasos causados por el COVID19. Empezábamos a hacer buenos progresos, y, de repente, teníamos que parar durante unas semanas porque alguien se había contagiado de COVID o estaba en contacto con alguien que se había contagiado de COVID.

Fue una locura, pero en cierto modo nos obligó a tomarnos nuestro tiempo y nos dio la posibilidad de analizar realmente el progreso a cada paso.

¿Cómo nace el proyecto musical Who On Earth? ¿Por qué del nombre?

Who on Earth fue formado por mí y Coosh, nuestro cantante principal. Estábamos tocando en bandas de versiones y tributos que interpretaban música de otros artistas, y decidimos que era hora de escribir nuestras propias canciones. No escuchábamos nada nuevo que ofreciera un buen ritmo y melodía. Sentíamos que había que recuperar el Hard Rock de los 80 y los 90, pero con una producción moderna.

El nombre Who on Earth es esencialmente una pregunta abierta que en realidad está preguntando: ¿quién traerá de vuelta la buena música Rock de antaño con sus estribillos pegadizos, su sólida musicalidad y su actitud de Hard Rock? Pues bien, estamos intentando que nuestra música responda a esa pregunta. ¡Lo haremos!

¿Qué influencias musicales han moldeado el sonido y la actitud de Who On Earth? Hemos sido influenciados por todo, incluyendo el Rock clásico (Zeppelin, Lynyrd Skynyrd), el Metal temprano (Sabbath, Deep Purple), la Nueva Ola de Heavy Metal Británico (Maiden, Priest), el Grunge (Alice in Chains), Tool, Red Hot Chili Peppers y mucho más.

Toda la música que hemos escuchado, interpretado y analizado en nuestro pasado, ha influido de una u otra manera. Somos amantes y oyentes de la música en primer lugar, y nos convertimos en la suma de toda ella, expresándola con nuestra propia interpretación. ¡Es una sopa maravillosa con muchos sabores!

Who On Earth representan a la Costa Este desde USA. ¿En dónde reside la banda? ¿Quiénes integran Who On Earth?

La mayoría de los miembros viven actualmente en Nueva Jersey, y uno de nosotros vive en Florida (el más listo, porque hace calor todo el año). Yo (Pete Rizzi) toco el bajo, Joe D’Aqui es nuestro baterista y Coosh es nuestro cantante. Todo el trabajo de guitarra en Blame fue realizado por Mike Orlando (Adrenaline Mob), y también produjo y mezcló el álbum.

En su canal de YouTube vi la canción Black Swan, que tiene un videoclip muy chulo, que al verlo me hizo emocionar, al igual que Monster in a Jar, transmiten toda la energía y potencia de su música. ¿Cómo fue el proceso de producción y realización de los videoclips?

Son dos vídeos muy diferentes, y ambos fueron muy divertidos de hacer. Monster in A Jar se grabó en el Estudio de grabación de Mike Orlando, Sonic Stomp, en Nueva York. Tiene un gran material entre bastidores de nosotros grabando, escuchando, intercambiando ideas y, lo más importante, divirtiéndonos.

Con Black Swan queríamos mostrar la energía de la banda, y el poder y la actitud de esa canción en particular. Queríamos que la iluminación se pareciera a la de una puesta de sol y estábamos muy contentos con el aspecto que consiguió nuestro productor. Fue nuestra forma de presentar a la banda al completo con lo que creíamos que era nuestro single más fuerte hasta ese momento.

Who On Earth, Ver arder los fuegos

He podido disfrutar de canciones como Monster in a Jar, y el álbum Blame in extenso, ¿qué temáticas presentas en sus producciones? Somos una banda con historias que contar y experiencias vitales que compartir. Monster in a Jar trata de la ira y el resentimiento, y de mantenerlos reprimidos. On the Brink es una canción con la que todo el mundo en Estados Unidos puede identificarse, ya que nos enfrentamos a la alta inflación, a la manipulación política constante, y a las noticias falsas y a la mierda de los medios de comunicación.

Cada canción tiene su propia historia o tema, pero el concepto de la culpa sigue apareciendo. En Black Swan, el narrador asume la culpa de sus propios actos, y al hacerlo es capaz de aprender y crecer a partir de sus errores, y puede apreciar realmente que, si esos desafortunados acontecimientos no hubieran tenido lugar, no sería el hombre que es hoy.

En Watch the Fires Burn se habla de cómo todo el mundo culpa a los demás de la destrucción del medio ambiente, pero al final ¿no somos todos culpables en parte? H8-Triarch habla de

culpar a nuestros padres por los errores que algunos de ellos han cometido al criarnos como hijos. Al final, la culpa adopta muchas formas y ninguna de ellas es saludable.

Me encantó la portada de Blame, y el disco es completamente increíble. Para los que aman y aprecian el buen Rock, una joya. ¿Cómo fue el proceso creativo del arte de la portada, y quién fue el autor?

El artista de la portada del álbum es Ken Adams. Ha hecho todo el trabajo artístico de Lamb of God y realizó el trabajo artístico de nuestros singles Black Swan, Down & Out y Monster in A Jar. Es un verdadero profesional con un talento y una imaginación increíbles. A Coosh y a mí se nos ocurrió el concepto de la portada, que consiste en un grupo de indigentes que beben y se calientan alrededor de un fuego en un basurero de acero.

Están brindando por el fin del mundo, como se puede ver en el fondo, con los meteoritos golpeando la Tierra y el mundo en llamas. El mensaje es esencialmente este: “por toda la culpa que hemos hecho; todos somos iguales cuando se trata de la última consecuencia. Y los oprimidos que fueron despreciados por la sociedad, están ahora en igualdad de condiciones. Se han librado de la carrera sin sentido por la riqueza material y el estatus social”.

Me imagino que se vienen nuevas fechas para Who on Earth, una excelente oportunidad para seguir difundiendo el material que producen, ¿qué expectativas vienen recabando de los shows en vivo?

Actualmente estamos reservando shows a lo largo de la Costa Este de los Estados Unidos, y esperamos que nuestra música siga atrayen-

do a nuevos fans. Estamos empezando, ya que somos una banda nueva, y será emocionante conocer gente nueva y ver nuevos lugares mientras hacemos lo que más nos gusta.

Hoy en día hay una infinidad de músicas y propuestas. Según sus gustos, ¿qué álbumes o grupos nos recomiendan para adjuntar al playlist y coleccionar?

Creo que encajaríamos bien en una lista de reproducción de Iron Maiden, Black Sabbath, Alice in Chains, Shinedown, Pantera y Lynyrd Skynyrd, por nombrar algunos.

Antes de tomar escenarios, ¿tienen algún grito de guerra o cábala que les gusta practicar? ¡Ja! Gran pregunta, pero no, no tenemos gritos de guerra. ¿Pero sabes qué? Ahora que lo mencionas, ¡deberíamos crear uno! ¡Ja! Nos juntamos antes de un concierto, y nos anima-

mos unos a otros antes de salir al escenario.

Tras su experiencia y recorrido personal, un mensaje para los amantes del género musical y su actitud ante la vida, ¿qué les pueden aconsejar para adentrarse en la movida y conformar sus propios proyectos?

Haz tu música lo mejor que puedas, promuévela lo mejor que puedas, y diviértete haciéndolo lo mejor que puedas. Pero mantén tus expectativas bajas. Hay mucha competencia y eso puede ser desalentador, sobre todo porque muchos grupos antiguos están sacando música nueva. Eso hace que sea más difícil para las nuevas bandas hacerse notar. Sé paciente, perseverante y positivo, y puede que los dioses te sonrían.

Who On Earth, El Monstruo en una jarra

He visto en vuestras redes sociales que tenéis un bonito merchandising disponible, la gente ya está empezando a comprar vuestras camisetas, ¿cómo lo lleváis hasta ahora con la distribución? ¿Dónde se puede comprar vuestro merchandising?

Estamos empezando a vender cada vez más camisetas, y ahora posters y gorras. Estamos trabajando en la distribución en Europa, pero actualmente hemos estado vendiendo principalmente en los Estados Unidos. Se ha vuelto

terriblemente caro enviar al extranjero.

Me impactaron muchas piezas como On The brink, o Watch The Fires Burn, entre las ya mencionadas anteriormente, ¿cuáles son sus canciones favoritas para tocar?

Mi favorita para tocar es Watch the Fires Burn Tiene bastantes cambios musicales, y hay algo en ella para todo el mundo: ¡groove, potencia, melodía y un buen mosh!

¿Algún proyecto o primicia que queráis compartir con nosotros de cara a 2023?

Venimos de una época en la que las bandas sacaban un nuevo disco cada año. Queremos restablecer esa tradición, así que ya estamos trabajando en nuevo material mientras seguimos promocionando Blame. Tenemos alrededor de 12 canciones en una etapa de producción u otra, y las nuevas ideas siguen llegando, así que busca nueva música de nosotros en 2023.

Sus palabras de despedida para los seguidores de Who On Earth, y para los lectores de LaCarne Magazine. Queremos agradeceros mucho el interés que habéis mostrado por la banda y nuestra música, y os agradecemos la oportunidad de compartir un poco sobre nosotros con los lectores de LaCarne Magazine. ¡Esperamos conoceros algún día y os deseamos lo mejor desde Who on Earth! ¡Sigan rockeando!

Seguimos roqueando sin parar con el álbum Blame a todo parlante, levantando las buenas vibras para seguir en el camino de la vida, con bastante energía, optimista principalmente.

Deseamos el mejor de los éxitos a la banda Who On Earth, que su música se plasme en nuevas producciones para el 2023, y que definitivamente sigamos conectando con su Hard Rock, que, desde ya, es un regalo fundamental para este fin de año.

Una invitación a los nuevos seguidores, les sugerimos visitar su Website y redes sociales YouTube y Facebook. Ahí encontrarán información de primera mano.

Responsables No Inscriptos Punk picante y enérgico

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Nuevamente preparamos el equipaje musical para despegar del altiplano boliviano rumbo al gran Buenos Aires – Argentina, así aterrizar en suelos llenos de artes y exponentes musicales, que destellan luces y melodías por doquier.

La originalidad e irreverencia de la banda Responsables No Inscriptos hace flamear las banderas del Punk con una picante energía lírica que nos induce a retomar consciencia y abrir los ojos ante los juegos o sistemas que nos imponen o exponen a participar.

Gracias a la magia de las redes sociales, pasamos del Instagram de la agrupación bonaerense al WhatsApp personal de Batra, bajista y portavoz de la banda, para poder realizar la

conversación musical enmarcada siempre en el respeto y la cordialidad.

Responsables No Inscriptos, Punk argentino contra corriente Agradezco la confianza y colaboración en exclusiva para LaCarne Mágazine. Voy disfrutando de su álbum Guía Para Combatir las Causas de la Infelicidad, y temas como Seres Que Aman Demasiado nos encandilan en el viaje sonoro de la banda, ¿cómo les fue con ese genial material? ¿Algunas anécdotas de la producción, realización y difusión?

¡Qué decir! Honestamente la receptividad que tuvo fue tan grata como inesperada para nosotros, más sabiendo que el discurso que esgrime la banda, y el imaginario que representa, lejos está de lo que en teoría debería encajar dentro del sistema Rock / Espectáculo / Ego / Rebeldía / Comercio.

Del proceso de grabación no hay mucho para

Inscriptos

decir, puesto que fue una época por demás traumática para los que lo hicimos. Por ese motivo lo dejamos de lado un par de años hasta volver a retomarlo.

En el primer trimestre del 2022 presentaron en cassette una reedición de la mencionada obra musical, una joya para apreciar con el mejor sonido posible. La portada es muy genial, inspirada en el libro Tus Zonas Erróneas del Dr. Wayne W. Dyer, libro que tengo en la biblioteca de autoayuda, ¿cómo surge la inquietud de la cinta? ¿Por qué del cover art?

Editar el cassette fue una propuesta del sello -TV +RV que se encargó de todo. La verdad, quedamos muy conformes con el resultado. Con respecto al Arte del CD (que se realizó como un libro real), era el devenir lógico después de El Juego o La Vida, nuestro disco doble, el cual simuló al mentado juego, y se editó en una caja con tablero y fichas incluidas. El détournement realizado de dicho juego nos dio la posibilidad de desplegar, además de la mú-

sica y letras, un sin fin de lecturas personales sobre el consumismo costumbrista y emocional de la realidad que descifrábamos en ese momento.

Siempre hacíamos chistes sobre retroceder o avanzar casilleros en El Juego de la Vida, y así surgió la idea, y, para el siguiente disco, los chistes internos se referían a que éramos más un “grupo de autoayuda” que uno de Rock, y lo de Guía decantó sólo por Tus Zonas Erróneas. ¿Cómo, cuándo y dónde nace el proyecto musical Responsables No Inscriptos? ¿En qué se inspiraron para el nombre? El grupo se creó en el seno del Salón Pueyrredón, a principios de siglo. La idea era ir cambiándole el nombre a cada recital, pero a la hora de editar nuestro Demo, necesitábamos uno.

Dado que la temática era el consumismo, la idea fue ponerle “Consumidor Final”, que es un término que se usa para el destinatario final de un producto en este lado del mundo, pero sonaba como “consumidor de drogas en plan de suicidio”, así que a Batra (nuestro bajista), que en ese momento no era parte del grupo, se le ocurrió Responsables No Inscriptos, que es otro término usado para las obligaciones impositivas. Evidentemente con la dirección intencional del grupo, ese nombre era más que acertado.

¿Quiénes integran en la actualidad Responsables No Inscriptos y qué instrumentos interpretan?

Juanjo (batería y coros), Termi (guitarra y coros), Cesar (guitarra y coros), Batra (bajo y coros), Guti (guitarra, programación y voz).

¿Qué influencias musicales y artísticas han recibido para darle sonido y personalidad a Responsables No Inscriptos?

En un principio el grupo se formó tocando temas de The Clash, de Jam, Buzzcoks, Stiff Little Fingers y toda esa camada de Punk inglés. Debe ser que por eso la música es tan ecléctica. Sin embargo, las letras son un ingrediente fundamental de la receta.

Responsables No Inscriptos, Superación Personal

Luego de la pandemia COVID19, ¿cómo se encuentran actualmente Responsables No Inscriptos?

En este momento estamos terminando nuestro próximo disco. Hicimos algunas presentaciones que nos dejaron contentos y motivados para lo que se viene.

Vienen adelantando temas del nuevo disco en sus presentaciones, ¿cómo se encuentra su nueva producción? ¿Algunos detalles o primicias que nos quieran compartir?

La idea nuestra es no generar expectativas ni intentar caer en los clichés de los métodos de promoción. Nos interesa que lo que hacemos hable por sí solo, y que encuentre empatía y respeto -si se puede-. Este viaje nos ha acercado a personas que vibran como nosotros, sería una tontería de nuestra parte tratar de inducir a alguien a que nos consuma como un fan.

En su canal YouTube pude apreciar una gran variedad de material audiovisual, como el videoclip de La Culpa No Perdona, que me presentó a la banda en imagen y narrativa creativa. ¿Qué producciones nos recomiendan para conocer un poco más a Responsables No Inscriptos?

Los videos son collage que realizamos con imágenes robadas, que pueden transformarse

o no en otra cosa a favor de lo que se cuenta. Los videos de Cómo Conseguir Amigos e Influir en las Personas, Guía para Combatir las Causas de la Infelicidad, o 33 Leyes Espirituales del Éxito, darán un panorama bastante concreto de lo que exponemos.

Luego de tres años en cuarentenas y restricciones sanitarias, la forma de vivir en el mundo y sus sistemas ha cambiado. Aquí y ahora, ¿qué es la música para Responsables No Inscriptos? La música es todo. La música es un medio para presentar una visión de interpretación del entorno, que trata de reflexionarlo, a la vez que intenta no ser parte del embrutecimiento cultural al que estamos sometidos. Creemos en la música como mecanismo de resistencia y de encuentro, más allá de toda mezquindad con la pulsión de tratar de hacernos cargo de nuestra propia duda, sabiendo que aquello que nos aleja de todo está acercándonos.

¿Qué nos sugieren, según sus gustos o regiones, para adjuntar al playlist y prestarle oído de corazón melómano?

Recomendaciones: Verano Perdido, Los Atomizantes, Los Putos y El Sepulcro Punk.

Hasta la fecha, ¿cuál es el Festival o evento que los dejó marcados en el Espíritu?

El Festival Reggae Punkie Party (2006) en Capilla del Monte, al aire libre frente a las sierras. Uno de los primeros viajes del grupo des-

pués de la salida de El Juego o la Vida. Fuimos muy felices, ahí bajo las estrellas, con Cristian en la batería (quien hoy por hoy sigue siendo un entrañable y muy cercano amigo), y nuestro guitarrista Gamexane, quien murió unos años después. Apenas estábamos terminando Guía.

Según sus experiencias y trayectos, ¿qué mensajes le dan a la nueva generación que quiera dedicarse a la música?

El camino de la música es subjetivo, y el logro principal es mantenerse haciéndolo. Los que hacemos música, de cualquier manera, o estilo, simplemente la tenemos, tenemos la música, y eso solamente nos trae emoción y dicha. Todo lo demás sólo es parte del decorado.

Responsables No Inscriptos, Seres Que

Aman Demasiado

¿Algún grito de guerra o cábala antes de tomar Escenarios?

Sí, ¡somos Spinal Tap! (jajaja).

Disfruté de temas como Guía Para Combatir las Causas de la Infelicidad, Cómo Ganar Amigos e Influir en las personas, El Arte De Sufrir o Gente Politóxica, y, mi preferida I Turned out A Punk (BAD), entre otros ya mencionados. Dentro de su repertorio, ¿qué temas se han convertido en sus preferidos para interpretar En Vivo? ¿Algunas canciones que formen parte de su audiencia?

Los que nombraste y algunos más, como La Horca, Res n Roll, Vicisitudes de un Mercenario Post Revolución Industrial y Superación Personal

Sabemos que el merchan es muy importante para las bandas autogestionadas e independientes, ¿cómo les ha ido con sus llamativas remeras? ¿Cuál la respuesta de la hinchada? Evidentemente si las hacemos, alguien las compra (jajaja), aunque también en una época teníamos una línea de merchandising ficticia, en la que ofrecíamos desde toallas hasta llaveros luminosos, y eso no lo compraba nadie. Decidimos hacer camisetas porque otros las hacían, y no estaban tan buenas.

¿Qué planes o proyectos tienen Responsables No Inscriptos para fin del 2022 rumbo al 2023? ¿Algún adelanto o primicia que nos quieran compartir?

El plan es sacar dos adelantos más, y después el disco completo en todos los formatos posibles. En diciembre tenemos algunas fechas en otras ciudades.

Sus palabras de despedida para los seguidores de Responsables No Inscriptos, y para los lectores de LaCarne Magazine. Nada más que gracias y más gracias a todos, seguidores, lectores y la revista, por brindarnos este espacio. ¡Saludos desde Buenos Aires!

Cerramos la presente edición retornando de las tierras Punk argentinas, escuchando La Culpa No Perdona, sencillo adelanto del próximo álbum que viene preparando la banda Responsables No Inscriptos, que en 2023 nos entregará otra obra de alta envergadura y consistencia musical.

El viernes 2 de diciembre Responsables No Inscriptos se estarán presentando en Paraná junto a sus amigos de @bombatomika.oficial. Les deseamos éxitos en sus actuaciones y grabaciones.

Gonzalo Paz

Historia viva del Thrash Metal hecho en Bolivia

Gonzalo Paz, Historia viva del Thrash Metal hecho en Bolivia

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Conocí la música de Gonzalo Paz junto a sus proyectos Metalmania primeramente, y Krams posteriormente, donde me adentré para siempre, con solvencia y soltura, al ritmo del Heavy Metal y Rock Pesado, allá a mediados de los 90’s, épocas de encuentros y fundamentos, ante todo para las escenas contraculturales de las ciudades troncales de Bolivia.

La movida local fue muy reducida en aquel Siglo pasado, y, aunque lo siga siendo, lo que prevalece son los amigos y músicos conocidos, quienes, a la par de los holas y chaos, fuimos cimentando el Movimiento, que hoy por hoy goza de bienestar y salud musical en toda la geografía patria.

En este duro panorama musical que nos ha encomendado la vida y sus dioses, es como si nos tragara el pantano del olvido, o las aguas de la insensatez colmen espacios, así nos desaparecemos unos de otros, preguntándonos muchas veces, ¿qué será de tal o cual?

Y para saldar las dudas e intrigas del corazón, viajamos por las redes sociales, que siguen ayudando a encontrarnos entre grupo de pares y amigos infaltables, fundamental reencontrarnos en abrazos y saludos a la distancia.

Mientras disfruto del álbum ¡Ya Basta! (remix) con potentes temas como Helena de Troya, o el track homónimo que da título al disco, nos desplazamos desde el occidente hasta el oriente boliviano para contactar con el virtuoso guitarrista y productor musical Gonzalo Paz, a

Bolivia

quien agradecemos su confianza y colaboración en exclusiva para LaCarne Magazine.

Han pasado tres años desde que llegó la pandemia y sus cuarentenas, nada es igual desde que apareció el COVID19, ¿cómo te encuentras actualmente?

Un gusto saludarte, querido Alfonso. Gracias por tomarme en cuenta para esta entrevista. Pues actualmente me encuentro muy bien de salud, con mucho trabajo en la música y disfrutando de la vida, viajando en moto.

Como bien te presentas en redes sociales, eres un músico, guitarrista profesional, compositor, Maestro, Técnico de Sonido, Productor Musical, Arreglista, Músico de Sesión, y Motociclista. Una breve reseña de Gonzalo Paz, ¿cuáles son tus inicios en la música?

Me inicié tocando la guitarra a la edad de 14 años, y mi primer show En Vivo fue a los 15 con mi banda Game Over en la ciudad de Cocha-

bamba. Hicimos el primer concierto de Thrash Metal en dicha ciudad, y fue increíble para todos los que conformábamos la banda.

Al año siguiente me fui a vivir a La Paz, y entré a tocar con Black Mass, pionera en el Thrash boliviano, con la cual grabamos un Demo en cassette de 6 temas. Todas las canciones eran de autoría de la banda, y, bueno, luego fui cambiándome de ciudad en ciudad por el tema laboral de mi papá, y toqué en muchas bandas, como León Heráldico, Black Jack, Krams, Metalmania, etc.

También tuve la oportunidad de vivir en el extranjero y tocar con grandes personalidades. En Dallas – Texas con War Toys, en Buenos Aires – Argentina con Nucrectos, en Londres con Caamora, donde tocaba con nosotros Hugh McDowell, cellista en Electric Light Orchestra. También tuve la oportunidad de acompañar a Manolo Otero y Nicola Di Bari en sus giras por Bolivia.

¿Qué estilos han influenciado en la carrera profesional de Gonzalo Paz? ¿Cuáles fueron tus referentes musicales y artistas que te han marcado?

En un inicio me influencié mucho por el Thrash Metal de la época, bandas como Slayer, Exodus, Testament, Metallica, Megadeth, Anthrax. Luego me fui más al Heavy porque consideré que sus guitarristas eran muy buenos, y que me serviría estudiarlos para aprender más en el tema de los solos. En esa época enloquecí con Yngwie Malmsteen, Deep Purple, Whitesnake, Ozzy, Dio, Van Halen, Track, etc.

Gonzalo Paz, de propia voz, e incluyendo tus bandas o proyectos, ¿cuál es la discografía de Gonzalo Paz a la fecha?

En 1991 grabamos el Demo Have No Fear con Black Mass, con León Heráldico en 1992, teníamos 5 temas que al final no se grabaron nunca (ya te hablaré más adelante de eso). El año 2000 grabamos 3 temas de Deep Purple, con la banda con la que hice el Tributo a ellos, para promocionar la gira nacional, de ahí toqué en muchas bandas que más eran de trabajo, así que eran covers y no grabamos nada.

Recién el año 2011 lancé mi primer disco en solitario titulado ¡Ya Basta!, donde incluía temas de varios estilos como Música Barroca, Heavy, Power, Thrash, Rock and Roll, Balada Rock. En 2018 lancé mi segundo álbum solista, Call Of Victory, con un estilo totalmente Power Metal y dos temas instrumentales barrocos en Guitarra Clásica, y en el cual tuve el placer de que el gran cantante chileno Eric Galdyanz viniera a Santa Cruz a grabar las voces del disco. En 2020 saqué un EP con mi dúo The Salchi Papas Rock Band. Actualmente estoy en proceso de composición y grabación con una de mis bandas (Metalheart).

También hice muchas colaboraciones en temas de otros artistas como Cesar Espada, Erick Cuevas, Glen Vargas, Martin Arias, etc. El año 2008 grabé dos temas en uno de los álbumes de la banda -de Rock Opera ProgresivoCaamora

Mientras disfruto de Call Of Victory, ochos temas inmortales, un excelente álbum que nos regalas, y que pude escuchar in extenso. ¡Alucinante! ¿Qué nos puedes comentar de la realización? ¿Cómo te fue en el proceso de producción?

Ese álbum me encanta. La verdad que lo compuse en un par de semanas. Me metía al Estudio, componía la base, armaba la estructura y ese momento lo grababa, ponía las baterías, grababa el bajo, guitarras, solos y teclados. Cada dos días hacía un tema, se lo mandaba al cantante en la mañana, y en la noche ya me mandaba la idea de la letra y melodía. Luego él vino, y en una semana grabamos las voces. Toda la Producción la hice yo exclusivamente, es decir, composición de las armonías, grabación, mezcla y Mastering en mi Estudio.

La Mezcla y Masterización me llevó tres meses, luego subí a las plataformas e hice fabricar -en el exterior- CD’s originales para la venta.

Hace más de dos décadas atrás, aproximadamente, entablamos amistad en el qué hacer cultural y musical de la movida paceña. Ahora radicas en la región del Oriente boliviano, concretando proyectos, y consolidando sueños. ¿Cómo te ha ido en Santa Cruz desde el arte y la música?

Santa Cruz es una tierra productiva, todo puedes hacer aquí, simplemente que es Bolivia y aquí no tenemos mercado, no hay productores, ni empresas discográficas -grandes- ni nada, cada uno tiene que hacer su propia producción.

El Rock aquí es muy limitado, hay muy poco, pero dentro de eso he podido abrirme puertas, tocar en todo lado, y trabajar con grandes artistas, tanto en colaboraciones como de Productor Musical en mi Estudio.

Sabemos que en Santa Cruz has logrado montar el Estudio PAZ A RECORDS, apoyando de manera importante con la región, y creando Escuela, como se dice, ¿qué experiencia te deja

el proceso de producción y realización musical? El proceso de producción musical es muy interesante, te abre la cabeza, ya que tienes que escuchar muchos otros géneros musicales para tener ideas de lo que se trabajará con los artistas que vienen al Estudio. Tienes que escuchar mucha música.

Muchas veces termino grabando partes de algunos músicos porque algo salió mal en la grabación o no me convenció del todo, y trato de que llegue a un resultado en que ambas partes, artista y productor, quedemos conformes.

Gonzalo Paz, El León Heráldico 92

Tuviste la oportunidad de regresar al “En Vivo y Directo” con tu proyecto The Salchi Papas Rock Band, ¿cómo les fue? ¿Algunas anécdotas que nos puedan compartir? Salchi Papas Rock Band es el dúo con el que tengo mucho trabajo. Volver a los escenarios realmente fue bueno. Mi cantante (Roberto García) y yo nos llevamos muy bien, y trabajamos tanto en Pubs como en fiestas privadas.

Pach O’ Hounds, When The Lights Blind, Pain, A Simple Man, son algunas de las canciones de Gonzalo Paz que me encantaron escuchar y apreciar en el canal Spotify. ¿Qué temas se han convertido en épicos o legendarios al momento de interpretarlos?

Te voy a ser sincero, los temas de mi primer álbum los toqué En Vivo una sola vez, en Sonilum, año 2009, antes de que salga el álbum, y de mi segundo disco nunca los toqué con una banda. Pasa que es difícil meterse aquí a los “colectivos musicales” donde sólo tocan ciertos grupos, algo así como roscas, y mi música no es muy comercial como para tocarla en Pubs. Son temas para conciertos, y aquí también eso escasea, sin olvidarme lo que es lidiar con los músicos. Hay mucha informalidad.

Lo que sí, con Salchi Papas, siempre tocamos nuestros temas porque son más Rock Pop, pero hay que mencionar algo importante, como te dije anteriormente: ¡aquí no hay mercado!, y uno de los factores es que el boliviano no consume producto nacional, y los que lo hacen, son contados, al menos en mi género.

Tienes que lidiar con muchos factores, y uno de esos es el tiempo, y las responsabilidades. Por ejemplo, si quiero tocar en algún Festival, tengo que “invitar” amigos músicos u ofrecerles pago por ensayos y el show. Y en los conciertos donde vas a mostrar tu música no te pagan, así que al final inviertes tiempo y dinero sin motivo, porque tampoco te compran tus CD’s. Es complicado.

Tu canal YouTube tiene una amplia gama de información audiovisual que nos enriquece el trayecto y experiencia recorrido, ¿qué nos recomiendas o invitas para apreciar? Sí (jeje), hay de todo ahí, desde mi primer concierto En Vivo, que es algo que deberían ver, mis shows con León Heráldico, Metalmania, Black Mass, Manolo Otero, Nicola Di Bari, algunos video clips con otros artistas, los videos -on line- que hice con artistas nacionales en los tiempos del encierro por pandemia, ¡uf! hay de todo.

Dentro de tu amplio y apasionante recorrido, ¿algún evento o Festival que te marcó en el Alma?

Creo que cada show te marca, sea en un Pub o un concierto, ya que estas mostrando tu Alma a la gente a través de tu instrumento, pero si tuviera que mencionar alguno en especial, fue con Caamora, donde éramos grupo de Rock, Orquesta Sinfónica pequeña, Coro, 4 cantantes y cuerpo de baile. Eso para mí fue una de las cosas más importantes que hice con la música.

¿Tal vez alguna cábala o grito de guerra para entrar al Escenario? ¡Vamos a darle al Mosh! (jajaja).

Yendo más allá de la música, y adentrándonos en el Séptimo Arte, ¿qué películas recomiendas dentro de tus preferidas?

Hombre En Llamas, Efecto Mariposa, Seven Caminando por la vereda de la literatura y narrativa, ¿cuáles son tus libros de referencia o escritores icónicos?

Caballo de Troya (J.J. Benítez), Uno (Richard Wagner), 1000 años de Filosofía (Rom Arre), 100 años de Soledad (Gabriel García Már-

quez).

Regresando al planeta de la música, en el aquí y ahora, ¿qué artistas o álbumes nos recomiendas para prestar atención y disfrutar de su música?

Rising Force de Yngwie Malmsteen, Deep Purple (Machine Head), Dio (Holy Diver), Testament (The Legacy), Nightwish, Gamma Ray, los 24 Caprices de Paganini, Dark Side of the Moon de Pink Floyd.

¿Qué le puedes recomendar a las nuevas ge-

neraciones que quieren incursionar en el Arte musical como profesión, estilo o forma de vida? Que estudien música, trabajen duro, no se rindan, sean persistentes, práctica, práctica y más práctica; que produzcan su material.

¿Qué es la música para Gonzalo Paz?

La música para mí es como el aire que respiramos, sin ella me muero. Es mi vida, es mi Alma, ya que, a través de ella, puedo generar muchas emociones y sentimientos. Si logras transmitir eso, estás haciendo Arte.

¿Qué planes y proyectos tiene Gonzalo Paz para el fin de año 2022 rumbo al 2023? ¿Algún adelanto que puedas compartirnos? Ahora te contaré lo que quedó pendiente. Estoy en proceso de grabación de esos temas de León Heráldico, que no se grabaron en la época que yo estuve en la banda y quedaron colgados. Eric Galdyanz, el que grabó mi segundo disco, y actualmente vive en Brasil, trabajando con el ex bajista de Hammerfall, pondrá las voces, ya que Billy Bilbao, ex cantante de León, ya no está con nosotros, así que será una cosa muy buena para los que se quedaron esperando ese material. Lo sacaré como solista, pero el álbum se llamará León Heráldico 1992.

La despedida, un mensaje final para la gente que disfruta de tu música, y para los nuevos seguidores de Gonzalo Paz. Agradecerte, querido Alfonso, por esta oportunidad, y mi mensaje a todas las personas que puedan leer esto es que consuman lo nuestro, apoyen a nuestros artistas, vayan a sus conciertos, compren sus CD’s, souvenirs… De ustedes depende el futuro de nuestro Arte.

Ycomparto las palabras del músico y productor que ha entregado su vida al Metal, elevando en sus guitarras la Historia viva del Thrash Metal hecho en Bolivia, y que hoy en día debate en justa palabra su existencia, desde la voz de la experiencia, pasando al Power Metal, en un Estado Plurinacional con una sobre crisis estatista en la que se ve sumida la sociedad y sus públicos, donde parecemos “quijotes” perdidos en mares de utopías, y simbiosis antagónicas a la pasión que se siente al ser y hacer música.

Nos desvelaremos hasta escuchar esas gemas nacidas hace 30 años, cuando León Heráldico era referente del Metal Pesado desde Santa Cruz de La Sierra, en pleno Oriente boliviano. Éxitos, querido Gonzalo Paz. ¡Que el Metal siga iluminando a la humanidad!