27 lados issue by jose ujidos

lados No. Dan Deacon, Pond, Edwyn Collins, Lianne La Havas, 27 Delorean, Al Berkowitz, Franz Ferdinand, El Hombre Viento, Le贸n Benavente, Primal Scream, The Pastels, AlunaGeorge, LAV records, Blanca Mir贸, El Colmillo de Morsa. DELOREAN Igor Escudero desde 2007 ladosmagazine.com

índice En portada Delorean fotografiados por Cordova — Canillas

Igor Escudero

dan deacon pond edwyn collins delorean al berkowitz lianne la havas franz ferdinand león benavente el hombre viento discos blanca miró

Guillermo Astrain

Unai Lazcano

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Ekhi Lopetegi

36 camera obscura 40 lav records 84 primal scream 86 alunageorge this is not a love song 88 92 marques toliver 94 the pastels 96 espacio km.0 100 moda el colmillo de morsa 120 124 shopping

dan deacon Texto por Jaime Suárez.

Dan Deacon ha firmado uno de los discos del año, un sonido apabullante que acelera el corazón, regurgita la mente y remueve conciencias. “America” (PIAS, 2013) habla sobre lo que significa ser ciudadano de una democracia con problemas, pero además se puede bailar. Tras una carrera sustentada principalmente por la música instrumental, completa su repertorio con contenido y orquestación.

Dan Deacon es uno de los pocos artistas de música electrónica que se define a sí mismo como compositor, alguien capaz de transformar una reputación labrada con mucho sudor en diversión, regocĳo y cercanía con sus fieles, de comprometerse con causas justas siendo activista del movimiento “Occupy Wall Street” y de remezclar la histriónica carcajada del pájaro loco. Desde que en 2007 publicara su primer LP, su evolución ha sido manifiesta…”Soy el mismo Dan pero con cinco años más y todo lo que ello implica. No puedo congelar el tiempo ni tampoco podría volver a hacer un álbum como “Spiderman Of Rings” (2007), porque no volveré a ser aquella persona nunca más”. Asume el inexorable paso de los años y lo afronta con la cabeza alta, orgulloso del cambio, de saber adaptarse a los tiempos y de ver desde un prisma positivo las marcadas diferencias de sus trabajos. “Me siento afortunado de poder cambiar mi registro, pero de la misma forma cada uno tiene una marca, un método para hacer las cosas. Puedes escuchar mi primer disco y puedes escuchar “America”, encontrarás las diferencias inmediatamente, pero reconocerás que están hechos por la misma persona”. música

Deacon es considerado el magnate de la electrónica de Baltimore “La música electrónica es ilimitada, pero al mismo tiempo es una limitación en si mismo” Si hablábamos del progreso en su último álbum, es notorio el protagonismo que cobran los elementos acústicos… “En estos momentos me interesan los sonidos en si mismos sin etiquetas, me siento igualmente atraído por los elementos acústicos o electrónicos. Es cierto que los sintetizadores, los samplers, etc. ofrecen un rango de sonidos muy amplio, pero nunca sonarán como un violín o una flauta”. Más de tres decenas de músicos han participado en la creación del último largo de Deacon, un trabajo de orfebrería fina que sin embargo su visión espacial le permite afrontar con meridiana claridad “Me esfuerzo para que la música que retumba en mi cabeza se convierta en realidad. Me encantaría escribir un disco acústico, pero tendría que someter a gran parte de mis preferencias.” Ante la disyunción político-social contemporánea, para atender a la posibilidad de desligarse y proponerse a uno mismo desvincularse 04

de las preocupaciones mundanas, pensar en el presente, y así tener un camino más llevadero quizás sea mejor fijarse en los detalles que nos rodean, Deacon no pretende convencer a nadie de cómo ha de vivir… “Nadie tiene el derecho de decir a otra persona lo que ha de hacer, intento limitarme a ofrecer una visión positiva de aspectos de mi país que considero hermosos, paisajes lacónicos, desiertos psicodélicos, encontrar un significado a lo que hago”. El mensaje que propone Deacon es muy amplio, la opinión es subjetiva, las circunstancias que rodean a cada individuo son diferentes y la respuesta ante el impacto de la música o de otros estímulos en uno mismo pueden ser diametralmente opuestas al de otra persona. “En mis anteriores discos, elegía los títulos de los álbumes porque me gustaba su fonética, en este caso deseaba que significara un millón de cosas diferentes para un millón de personas diferentes”. Para algunas personas “América” no significa nada en absoluto, otras encarnan sentimientos encontrados y para otras en cambio significa orgullo y mando. “Vi el documental sobre la guerra civil americana “The West”, su

mensaje me caló hondo, habla de la belleza de esta tierra pero también de las atrocidades que se cometieron contra los indígenas, una mezcla de orgullo y vergüenza”.

ahora mismo, cuestiono mis realidades, veo el futuro en un sentido utópico, ¿qué puedo hacer yo para cambiar esto? ¿Cómo puedo cambiar mi realidad para no empeorar la realidad de otro?”.

El músico de Baltimore secundó el movimiento “Occupy”, una de las protestas que más repercusión han tenido en los últimos tiempos. “Nunca he tenido fe en el gobierno, pero me guste o no estoy dentro del sistema y si no participo activamente para intentar cambiar las cosas, entonces soy parte del problema”. Deacon cree en la música protesta, aunque la suya no pueda clasificarse dentro de ese cajón, “La música puede tener muchos fines, a veces escuchas música para evadirte y escapar de los problemas por un pequeño espacio de tiempo, eso está bien, pero no puede ser siempre así, hemos de dar la cara y no vivir en un sueño alejado de la realidad”

En sus actuaciones, el peso de estas cuestiones se distribuye entre el artista y el público, sus performances son celebraciones, colaboraciones donde la audiencia y el músico interactúan, una forma de trabajar juntos para que le experiencia sea completa y satisfactoria. “La primera vez que interactué con el público como lo hago ahora fue en un concierto para cincuenta personas en Nueva York, todo el mundo bailaba y de repente se fue la luz, entonces tuve que crear otro ambiente, llamar la atención de la gente, de otra forma hubiera perdido el concierto, de modo que creamos un concurso de baile, funcionó, entonces la luz volvió de nuevo. El contexto de la actuación había cambiado, desde entonces empecé a pensar en el público como un elemento compositivo, en última instancia la multitud es parte del rendimiento. Si el grupo es grande y el público es mediocre entonces el concier-

Si bien sus trabajos pretéritos tienen un carácter más festivo, “America” tiene un componente más profundo y un mensaje menos jovial “Espero que este álbum invite a reflexionar, eso es lo que está pasando en mi vida dan deacon

to sera mediocre. No existe el uno sin el otro. Un público es una multitud y un artista es un narcisista itinerante sin el otro.” Esta apreciación ha elevado los directos de Deacon a otra dimensión. Él mismo se deja rodear por el público, intenta que el individuo se sienta parte de un todo, de esta forma cada persona es componente activo. “Es mucho más divertido para mí, y obtengo un feedback instantáneo de lo que está ocurriendo a mi alrededor”. Probablemente Dan Deacon no levante una expectación directamente proporcional a su talento y mensaje, quizás nos dejemos llevar por la dictadura de la moda y no prestemos atención a personajes como este. A buen seguro el de Baltimore nunca alcanzará a las masas pero seduce a quien se acercan a él. ¿Qué crees que es más meritorio?

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pond Texto por Jaime Suárez y Lara Fernández. Algunas teorías sostienen que la Historia es cíclica. Que el hombre vive sumido en una espiral de la que no es consciente. Si en los años sesenta y setenta, la psicodelia emergía como una forma de oponerse a la cultura y al deterioro vital que provoca la rutina, hoy en día este tipo de arte experimenta otra vez su época dorada. Y quién mejor para perpetuarla que los hermanos siameses de Tame Impala. Siameses en sonido y procedencia, pero también en integrantes, los australianos Pond presentan su quinto disco, “Hobo Rocke” (Modular Records, 2013), que verá la luz el cinco de agosto. El nuevo LP de Pond supone un espaldarazo a este proyecto paralelo que cada vez tiene menos que ambicionar al de Kevin Parker. Poco a poco, Pond se descuelga la etiqueta de hermano menor, entre riffs de guitarras, reverbs, percusiones, y demás efectos psicotrópicos. “Es inevitable que nos comparen claro, a nosotros nos gusta. Quizá Pond es más rock and roll, más garage... Kevin es muy paisajista, crea música cargada de belleza. Tame Impala es pura psicodelia, nosotros algo menos no sé si somos la cara oscura de la moneda, pero más que psicodelia, hacemos locodelia”, bromea Cam Avery. Para hacer boca, ya disponemos de un primer tema del nuevo álbum: “Giant Tortoise”, una deliciosa explosión que proyecta el caótico mundo interior de sus creadores. “Grabamos “Hobo Rocket” en un fin de semana, cuatro días que vivimos intensamente. Nuestro objetivo era capturar en un disco la intensidad de una puesta en escena, un directo de Pond. Lo único que podemos hacer es intentar crear siempre discos excelentes y así, el día en que dejemos este mundo, estaremos orgullosos, al menos, de haber logrado aunque sea un disco bueno”. Hace ya cinco años que este grupo emergía en Perth, al oeste de Australia, lugar donde el garage-rock y la psicodelia encontraron suelo fértil allá por los 80, con virtuosas bandas precursoras como los Lime Spiders o Died Pretty, cuyo “Free Dirt” (1986) sonaba como una alea-

música

ción entre Neil Young y los Doors. Cargada de un contagioso hedonismo juvenil, Pond tiene su razón de ser en dar más alas a la libertad creativa y experimental. Añadiendo un plus de elementos tropicales reinventando los setenta, para conseguir la evolución más actual de este subgénero del pop. Fuertes principios y una personalidad inamovible siempre serán sus signos de identidad. Así se mantienen al margen de las tendencias del mercado y evitan que su trabajo esté atado a lucros financieros…“Ya tenemos a Tame Impala, así que Pond no necesita más dinero (risas). No, en serio, muchos sellos no respetan tu integridad como artista. ¡No pueden decirte qué tienes que grabar o no! Al final de tu vida lo único que vas a tener en mente es si has sido fiel a tu plenitud artística o si has cedido a las imposiciones comerciales para hacerte más rico”. Pond, desde luego, no las han transigido. Siguen tan ingenuos y utópicos como aquella tarde de verano en la que Joseph Ryan les propuso a Nick y Cam crear una crema lo-fi de sonidos que evocaran a palmeras. “Tal vez fueron las moras que comíamos, o la luz del sol, o que nos echaron algo en el té de aquella mañana lo que nos inspiró lo suficiente para crear el tropical pastiche psicodélico que luego se llamo “Psychedelic Mango”. Al final nuestra música es algo divertido”. Si bien cada álbum es un nuevo juguete para ellos, y les encanta seguir una línea paródica y desenfadada, el nivel de exigencia y calidad es cada vez más elevado. Nick Allbrook se ha convertido en el líder de la banda, y también en su miembro más extravagante y carismático. Con su aire andrógino, los fans de Tame Impala echarán ahora de menos ese rostro despistado e imberbe que agarraba el bajo. “Nick se ha centrado mucho en este álbum “Hobo Rocket”. Él quería que sonara más ácido, un rock más clásico, con guitarras que protagonicen las canciones, como en el tema “Alone A Flame A Flower”. También 06

pond

escribió todas las letras, de ahí esos títulos como “Midnight Mass (At The Market Street Payphone)” o “O Dharma”. Nadie sabe explicar por qué, sólo él, que es así de espiritual y religioso”, bromea Jay. Y es Nick quien pone el alma de niño, quien coloca las piezas del puzle y da rienda suelta a toda la imaginación de estos chavales de pelo sucio y enorme talento. Sus riffs hipnóticos nos recuerdan a Television, una de esas grandes bandas post-punk que nunca lograron el éxito comercial que merecían. “‘Elevation, ¡don’t go to my head!’ ¡Me flipan!”, dice Cam, tarareando la pegadiza melodía de “Elevation” (Marquee Moon, 1977), “sin duda, han sido y siempre serán una influencia, porque son de lo mejor de la escena estadounidense. Pero si tuviéramos que elegir a alguien, nos quedaríamos con Jesus & Mary Chain, o con Unknown Mortal Orchestra”. “Hobo Rocket” es un álbum completo, que recorre todas las facetas de la psicodelia sesentera: una pizca de pop, otra de funk, mucho garage y un rollito retro-futurista. Quien se anime a adentrarse en esta aventura colorista de ocho temas, hallará ecos de los primeros Pink Floyd, de los Byrds de Fifth Dimension o de 13th Floor Elevators. Las inquietudes de estos avispados muchachos nos gustan, y no sólo a nosotros. El año pasado fueron calificados como “la banda más sexy del mundo” por la NME, “Somos los más sexys, no hay más que vernos”, dice Jay. “Si nos han elegido a nosotros, es que el mundo de la música tiene serios problemas”, contesta Cam, jocoso. Sexys, ingeniosos y capaces de jugar con tu percepción del tiempo y el espacio. Y es que toda la realidad es susceptible de ser cuestionada, en cuanto un disco de Pond comienza a girar.

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edwyn collins Texto por Lara Fernández Gutiérrez. Pocos serán los que vivieron los noventa y no consiguen acordarse de aquella sugerente “A Girl Like You”, himno que lo encumbró a la cúspide del rock de la década, años más tarde, en 2005, dos hemorragias cerebrales le dejaron afásico y con medio cuerpo paralizado. Edwyn no podía hablar ni entender el lenguaje. La vida condenaba al músico al silencio perpetuo y casi al olvido. Pero el final de esta historia no es así de funesto, Edwyn no se rindió, poco a poco se a recuperado, publicando varios álbumes tras la enfermedad y volviendo a ofrecer actuaciones en vivo. Hay que estar sentado frente a él para ver cómo la ironía brilla aún con fuerza en sus ojos, mientras su boca no es capaz de exteriorizarla. Mientras que la mitad de su cuerpo no le responde y en ocasiones, no recuerda las letras de sus propias canciones. Pero su alma arrogante, heroica se aferra a una osadía innata que le ayuda a emerger de la catástrofe y afrontar la vida con fuerza y coraje. Tras su resurrección en 2010 con aquel “Loosing Sleep”, el escocés vuelve ahora a la carga con “Understated”( AED/Music as Usual , 2013): once sólidas canciones de rock, con bastantes virajes hacia el country, como en “Down The Line”. Un aprendizaje vital a la fuerza, el amor colosal que siente por su ángel de la guarda (a la par que esposa y representante), Grace Maxwell, y una codiciable fortaleza son los protagonistas de su lírica. Un disco magnífico que, compasiones y favoritismos aparte, se merece un sobresaliente. Lo primero que uno quiere cuando tiene la oportunidad de hablar con Collins, es saber cómo se encuentra. Él se limita a sonreír, a mirar a Grace y a preguntarle: “¿Cómo me encuentro Grace? Ella lo sabe mejor que yo”. Grace sonríe, llena de ternura y dice mirando fijamente a los ojos de Edwyn: “Mejorando, desde luego. Sus movimientos, y su habla también. música

¡Además, desde el accidente se ha vuelto muchísimo más sensible!” Él espeta, con una amplia sonrisa: “¿En serio? No, eso no es verdad, seguro que no”. Ha pasado tiempo desde su renacer y, aunque ahora está cargado de ánimo, Grace nos recuerda que tanto dolor no se olvida fácilmente… “Al principio me tenía asustadísima, era como si se hubiera transformado en un alienígena. Me daba mucho miedo, porque le veía caer hacia un lugar adonde no podía seguirle. Ahora hay gente que le dice: “Qué pena lo que te ocurrió”. Y él siempre responde: “¿Pena? ¿Por mí? ¡Lo que faltaba!” Collins: “Claro. Hay una posibilidad de un 1% de sobrevivir a esto, así que me siento tremendamente afortunado. Ya sé que tenía una carrera en marcha, y ahora tengo que tomar muchas pastillas al día y mis limitaciones son evidentes, pero lo estoy superando”.

was only a boy...” Todos le miramos con una mezcla de admiración .Y es que un milagro así no se ve todos los días: el rey del rock ha vuelto. Un disco, en definitiva, abarrotado de sentimientos. “For Sooth” y “In The Now” son dos temas que aparecen juntos por una razón: el primero es una elegía, expresa la gratitud que siente un alma amenazada cuando es consciente de que puede seguir respirando. Por su parte, la segunda es una mediación deliberada entre su “yo” presente, y ese pequeño “yo” que desapareció en 2005. “Las letras de este disco en concreto son muy importantes para mí. A veces, me asaltaban en mitad de la noche y tenía que ir corriendo a por la grabadora. Un día, a las cinco de la mañana, me levanté y grabé “Dilemma”. Y también algunas más, pero Grace un día las borró sin querer. Esa es la razón por la que odio la tecnología. ¿Verdad, Grace?”, cuenta entre risas.

Aun así, el de Edimburgo va tomando poco a poco las riendas de su vida profesional. Las ayudas externas tienen un papel cada vez “Understated” (AED/Music as Usual ) es un menor, así “Understated” ha sido lanzado punto de inflexión en la puesta a punto de por el propio sello del cantante AED Re- Edwyn Collins. Aún así, su esencia no ha cords. En este último trabajo Edwyn utiliza cambiado lo más mínimo. Sigue derrochando como arma la experiencia vital que guarda ingenio, inteligencia y sarcasmo. Quiere que del abismo para engendrar de nuevo su ca- le escuchemos con los mismos oídos de siemracterístico estilo elegante y unas guitarras pre. Que el criterio y la exigencia de sus fans que se remontan a los días gloriosos de Oran- se mantengan intactos. Aborrece cualquier ge Juice. Su voz, eso sí, suena más curtida, atisbo de compasión y sólo ansía regalarnos más pausada. Hay veteranía tras cada sílaba. otro grandioso álbum de rock: Como muestra, la balada: “It’s A Reason”, paradigma de días de paciencia y autorre“¡Rock como siempre! Con algo de soul, flexión… “Las canciones ya estaban ahí. Tras como ya hice en “Loosing Sleep”. Soul el accidente, perdí la imaginación. Pero norteño, un movimiento que emergió en desde 2008, tras tres años de recuperaInglaterra allá por los 60 y 70, importación, las canciones comenzaron a surgir. do de EEUU por la gente joven. Ahora La primera que me llegó de este nuevo busco la unión de ambos estilos, mis fadisco fue “Down The Line”. Para “Unvoritos”. derstated”, por ejemplo, me inspiré tan sólo recordando mi vida en Glasgow: el Y así, acabamos la entrevista embargados de edificio donde trabajaba, la gente que ganas por vivir. Edwyn es, más que nunca, un conocía, el artista gráfico que era...” terremoto de buenas vibraciones. Y en este punto, Edwyn se lanza a cantar el tema que da título al álbum: “Understated I am, I was only nineteen, Understated I am, I www.edwyncollins.com 08

edwyn collins

delorean Texto por Oscar Villalibre Vicente. Foto por Cordova — Canillas

Delorean son ya una de las bandas punteras de nuestro país. El éxito cosechado con “Ayrton Senna EP” (Mushroom Pillow, 2009) y “Subiza” (Mushroom Pillow, 2010), sumado al reconocimiento internacional conseguido, han hecho que los de Zarautz ocupen dicha consideración. Por ello no es de extrañar el interés y revuelo mediático suscitado por el anuncio de la publicación de su próximo LP, bautizado como “Apar”, también bajo seña de Mushroom Pillow, y que saldrá para el mes de septiembre. Lados Mag se zambulle de lleno entre sus notas para desgranar cada uno de los temas que componen el presente “Apar”, profundizando más allá del single de presentación “Spirit”, marca de la casa que deja entrever los aires renovados de unos temas que suponen sin duda una vuelta de tuerca más en la trayectoria de estos cuatro chicos vascos afincados en Barcelona y que tienen entre sus manos uno de los mejores discos dentro del panorama nacional para el presente 2013. Para hablar de los temas que conforman este nuevo y esperado lanzamiento mantenemos música

una conversación con el grupo arañándoles un hueco entre viajes de presentación y giras internacionales, Igor Escudero nos atiende en un receso de esta vorágine de medios, llamadas telefónicas, citas con promotores y todo el revuelo que se ha generado después de su reciente anuncio. En el punto de mira, las ganas de poder sacar a la luz el disco y poder defenderlo encima de los escenarios, hábitat natural de esta bestia de los escenarios que son Delorean. Días antes de nuestra charla, el grupo ofreció una actuación en el Sónar. Su directo fue una buena prueba de fuego para algunos temas nuevos y, además, contaron con la presencia de Isabel Fernández (Charades, Aries) haciendo coros. Una propuesta que gustó al público barcelonés, que bailó y disfrutó del directo llenando el escenario Sonar Lab. Igor se muestra contento con dicho concierto, asegurando que “preparamos mucho este directo, sobre todo por el hecho de llevar a una corista, es una propuesta con muchas luces, algo trabajado que nos dejó muy contentos. Y en particular sobre la corista, que en este 10

caso era Isabel, aunque en el disco aparecen otras cantantes, queremos que Isabel participe en los bolos puntuales que nos vayan surgiendo, y sobre todo, a partir de septiembre cuando empecemos a girar con el disco. Tenemos pensado preparar la producción de los próximos directos lo mejor posible para poder estar a la altura. La verdad es que nos encanta la voz de Isabel y es amiga nuestra desde hace años, con lo que esperemos que nos acompañe siempre que sea posible”.Y es que la introducción de voces femeninas es una de las grandes novedades que presenta “Apar”. Una bondad que realza la luminosidad de canciones como “Destitute Time” o “Unhold”, pilares de la primera parte del disco. Igor, en referencia a ello, explica que “queríamos aportar elementos novedosos. Estábamos un poco cansados de introducir “sampleos” de voz como habíamos hecho en discos anteriores. En este queríamos ir un poco más allá y probar otras cosas. La premisa era intentar evitar “sampleos” de voz e intentar trabajar con personas y voces de verdad”.

Soplos de aire fresco que demuestran las ganas de Delorean para evolucionar y seguir aportando cosas. Una premisa para aplaudir en el caso de todo aquel que no olvida su condición de artista, y empieza una carrera de manufacturación con disco-gira sucesivamente, como si produjera carne envasada. Ellos parecen no tomar este camino. De hecho han pasado tres años desde la publicación de “Subiza”, su último larga duración. Preguntado por ello, Igor nos explica que “quizás lo normal son dos años entre disco y disco, o al menos es lo que suele hacer la mayoría de la gente. Pero en nuestro caso giramos un montón con el “Ayrton Senna” y luego empalmamos con “Subiza”. Hicimos un montón de bolos. Viajamos mucho y en plan a lo loco. Era una experiencia nueva para nosotros y dĳimos que sí a todo. Y la verdad es que acabamos un poco quemados. Queríamos parar un poco. Por nosotros, sobretodo, y para dar descanso a nuestros seguidores también. Porque si tocas en Madrid seis veces en un solo año no tiene ningún sentido. La gente no te viene a ver porque sabe que te podrá volver a ver en dos meses, por decir algo. Así que queríamos dar un poco de descanso al público y un poco para nosotros también”. Así pues, un parón meditado y merecido. Una pausa que ha servido para calmar las aguas. Hacer la digestión como dios manda, como las clásicas dos horas después de comer para volver a la piscina, y que nuestras madres nos obligaban a cumplir religiosamente. Dicha espera ha conllevado cierto cambio de aires en Delorean. Al menos en la concepción del nuevo disco. La génesis y la naturaleza son las mismas. La esencia es impermutable. Pero los decorados, los vestidos, los outfits de las canciones han variado. El propio single “Spirit”, o temas como “Dominion” o “Keep Up” pueden ser buena muestra de ello. “Nuestra intención era romper un poco con el pasado. El grupo es el mismo y tiene bastantes señas de identidad, pero sí queríamos ampliar horizontes y depender muchísimo menos del ordenador. Especialmente queríamos dar mucho más protagonismo a las guitarras, a las voces, a las estructuras. Pero en este sentido las percepciones de la gente pueden ser diferentes. Muchas personas nos ha dicho que las nuevas canciones parecen más enfocadas a la pista de baile, pero lo que hemos hecho verdaderamente es bajar un poco los bombos, para hacerlo un poco menos presente, y que dé menos impresión de ser música electrónica delorean

o menos bailable. Pero está bien que la gente tenga percepciones diferentes a las nuestras. Al fin y al cabo, nosotros hemos escuchado los temas un millón de veces y puedes acabar un poco borracho de lo que tú haces”, reflexiona Igor. Y en relación al por qué de este cambio de enfoque (quizás sea atrevido llamarlo giro estilístico) añade que “”Subiza” lo escribimos en 2009, por lo que ha pasado mucho tiempo. Durante este periodo hemos escuchando muchas cosas nuevas que nos han gustando, descubierto nuevos instrumentos…, intentamos no repetirnos. De hecho con la fórmula de “Subiza” acabamos un poco quemados. Por eso dejamos de hacer remixes, porque ya no nos llenaba. Nos llegó un momento en el que nos parecía fácil seguir con esa fórmula. Al fin y al cabo uno necesita nuevos retos para que le emocione lo que hace”. Un trabajo de redefinición que, como decíamos, puede contemplarse en varias piezas del disco, pero que tiene su contrapeso en otros temas con más atmósferas, que más fácilmente nos llevan a los trabajos anteriores de Delorean. Ocurre en piezas como “You Know It’s Right”, donde se nos aparecen reminiscencias de las estructuras que argumentaban “Subiza”, con sus líneas sintetizadas, sus repiques electrónicos y aquellos teclados tan personalizados. Igor asiente a esta afirmación: “para este álbum, aunque sólo haya diez canciones, nosotros hemos escrito quizás unas cuarenta. Entre tanto material, pues al final algunas sí que pueden tener reminiscencias de canciones anteriores. En el caso de “You Know It’s Right” tiene una estructura más típica, aunque el tramo final es algo diferente, mucho más tranquilo”. En todo cambio de formas suele llegar también alguna reforma inmaterial. La unión de apariencia y mente siempre insistente. En el caso de “Apar” encontramos unas letras un poco más enfocadas al sustento amoroso. Una lírica un punto más trabajada, con un mensaje detrás, y que en este caso transita por el desamor y la necesidad humana del compromiso, junto con los sinsentidos que todo ello conlleva. En el supuesto de Delorean, aunque es Ekhi quien hace las letras, Igor nos cuenta que “en este caso sí que hay temas personales que evidentemente han afectado a las letras. Sí que se ha querido reflejar una situación personal vivida, aunque tampoco muy directamente, porque si te lees las letras también son bastante abiertas. No están relatadas en primera persona, 11

como si se explicara la vivencia propia. Pero sí que van un poco por ahí los tiros”. Ya entrados un poco en el ambiente literario preguntamos por el por qué del título. “Apar” significa espuma en euskera y también hace referencia a las cruces de la portada del disco, del escultor Jorge de Oteiza. “Con la composición de la portada del disco, con el agua creando espuma, y las dos cruces sobrepuestas, queríamos expresar que la unidad tiene que llegar a la muerte. Por eso hemos elegido las cruces de Oteiza y su mujer, que simbolizan una especie de “juntos hasta la muerte”. Luego al tirarlas al agua aparece la espuma. Y la espuma es algo un poco indestructible. Esta es un poco la concepción metafórica del por qué del título. Aunque lo que sí teníamos claro era que queríamos un título en euskera y la palabra “Apar” es la que más nos gustó. Para nosotros es tan importante la música como el mensaje. Más aun a día de hoy, que hemos tomado la decisión de poner las voces mucho más altas que antes. Entonces creemos que esto también tiene que tener sentido, no puede ser de otra manera”. Consideraciones diversas que nos llevan a mirar a “Apar” con buenos ojos. Por el trabajo que se le presiente detrás, y por el buen resultado final. Un disco compacto y sin altibajos. Un trabajo al que se le presupone una buena acogida. Algo que no ha pasado siempre en nuestro país con Delorean. Los de Zarautz no tuvieron el foco puesto encima de ellos hasta que los medios internacionales empezaron a alabar las bondades de la banda guipuzcoana, como ha pasado en otros casos nacionales como El Guincho o John Talabot. Al respecto, Igor comenta aquello de “nadie es profeta en su tierra. Sí que es cierto que esto sucede y no sé el por qué. A veces hasta que una cosa no aparece fuera no le hacemos caso aquí. Pienso que esto no debería ser así. No creo que la opinión de alguien de fuera sea más importante que la de alguien de aquí. Al fin y al cabo son sólo opiniones, expresiones particularizadas. Quizás lo llevamos en nuestro ADN. Por otra parte, también es cierto que esta vez hemos notado cierta presión a la hora de hacer los nuevos temas, después del éxito de los anteriores trabajos. Pero como artista eres el primero en exigirte. Para que las cosas salgan bien”. www.dlrn.net

al berkowitz Texto por José Ugidos. Un profesor de música, un psicólogo y un batería profesional conforman Al Berkowitz, la banda artífice del disco español más ambicioso e insólito del año. Fraccionado entre géneros tan, a priori, dispares como la psicodelia, el jazz, el rock progresivo o la bossa nova, su sonido, denso y decidido, fluye majestuosamente a lo largo de doce canciones, demuestran que los refranes a veces, erran. Al Berkowitz abarca muchas etiquetas y las aprieta todas, concibiendo así su propio universo sonoro. Nacho, Santiago y Lorenzo se encerraron un día en casa. Querían hacer un disco doble y querían hacerlo ellos mismos, echando mano de su creatividad innata. Ambos proyectos requerían tiempo y dinero por encima de sus posibilidades, pero es lo que tiene la obstinación del perfeccionista, que no conoce límite. Así arranca la historia de este “A Long Hereafter/ Nothing Beyond” mezclado por ellos mismos y en su propia casa. …“ el proceso fue largo, unos cinco o seis meses. Lo bueno de hacerlo en casa es que todo es nuestro: la idea, la producción..., el escenario era nuestro propio salón. Sobre cada cosa, íbamos grabando detalles que nos iban viniendo a la mente, a merced sólo de nuestra propia paciencia. No pensábamos en los directos posteriores porque los mejores discos, para mí, son aquellos de los Beach Boys o los Beatles que no tienen en cuenta eso. Yo tengo bastante experiencia en la música experimental y electrónica, mi intención fue unirlo al virtuosismo de la batería de Lorenzo y al rollo más rockero de Santi”, afirma Nacho, la voz del grupo. De esta amalgama artística nació una mezcla excelente. Y si bien no se pudo hacer un disco doble, sí se fundieron dos discos en uno, de ahí el doble título del álbum. En las entrañas de la capital de España y bajo la dirección del mismísimo bluesman Aldous Berkowitz, que les cedió su nombre, se engendraba su binaria obra magna…“A mitad de camino decidimos enfocarlo de este modo. Las primeras seis música

canciones conforman la primera parte: A Long Hereafter, que tiene un regustillo más luminoso, más antiguo y nostálgico. La segunda, Nothing Beyond, es más oscura y rítmica. Los ritmos son más principales, tiene más post-punk, y las letras también tienen más que ver con eso”.

fierno y a redimirse. Entonces Dios le daba una oportunidad: tenía que aferrarse a la cebolla y, si conseguía llegar hasta el cielo ayudada por un ángel, podría quedarse. Al final todos los pecadores tiran de ella hacia el averno y allí se queda. Me gusta mucho esa idea de la moral, creo que todos somos un poco buenos y un poco malos.” Ojito, que la ética alcanza también al título del álbum. Expresa una contradicción, una batalla que libramos todos y ninguno al mismo tiempo: la vital. “A Long Hereafter tiene un doble sentido: “más allá” y “largo porvenir”, mientras que Nothing Beyond significa “nada más allá”. Ambos títulos proceden de dos canciones antiguas, y simbolizan la discusión eterna entre la fe de los creyentes y los gnosticos. Por eso me gustó esa contradicción que surgía entre los títulos, y que tiene que ver con la propia esencia del disco: la luminosidad y las tinieblas, las dos ideas contrapuestas”.

Y es que en esta original apuesta, no sólo las melodías están amalgamadas. Nacho escribía letras sin parar en una libreta, a voleo, tormentas de ideas. Luego iba cogiendo de aquí y de allá, aunándolas a su gusto. Sin embargo, algunas las tuvo claras desde el principio y la escritura fue casi automática. Es el caso de “Father, I Think I Was Wrong” inspirada en un libro de Dostoievski: “Los hermanos Karamazov”. Ni más ni menos… “Es una de las letras más cerebrales y pensadas. Es sobre una anciana muy mala que nunca ha hecho nada por nadie y el día que se muere la mandan al infierno pero, cuando está llegando, recuerda que, una vez cuando era joven, le había dado una cebolla a una mendiga. Decía que, según el cristianismo, tenía derecho a no ir al in12

al berkowitz

Entendida un poco más la complejidad inherente al álbum, y no muy común en otras bandas de nuestro país, no podemos irnos sin antes averiguar qué piensan Al Berkowitz y sus intrépidos componentes sobre la escena musical española. .. “Está paralizada. Aquí, se aprovecha un patrón que funciona y se explota hasta rozar el ridículo. Aparece un grupo como Vetusta Morla, y durante los próximos diez años hay grupos tirando de eso. Si nuestro disco peca de algo es de excesiva variedad. Adentrarse en él requiere un esfuerzo, y eso es lo que me preocupa, pero creo que no defraudaremos a quien decida hacerlo”. Y una servidora corrobora que no lo harán.

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lianne la havas Texto por Lara Fernández Gutiérrez

Cuando Lianne te mira por primera vez con sus grandes ojos negros, percibes que más allá de su belleza hay una mente compleja y extremadamente sensible. Esta londinense, de padre griego y madre jamaicana, compone y fusiona R&B, soul y folk, aderezándolos con una de esas gloriosas voces negras que hacen de este mundo un lugar mejor. Con once años escribió su primera canción, y ahora, con veintitrés, nos regala su primer álbum en solitario, el honrado y regio “Is Your Love Big Enough?” (Warner Music 2012.) Lianne desprende una combinación de exuberancia e ingenuidad, de modestia y convicción. Sus letras autobiográficas, traslucen unas experiencias amorosas que no siempre han sido convenientes, pero que la han convertido en una mujer honesta y con los pies sobre la tierra. Las comparaciones son odiosas, pero ella es consciente de que ser una chica negra, con facciones perfectas y mucho potencial en el mundo del soul ya ha disparado toda clase de símiles: “Si Beyoncé y Amy Winehouse tuvieran una hĳa... ¡Creo que esa sería yo! Estoy enamorada de ambas. Beyoncé hace un trabajo duro, es una excelente bailarina, tiene un chorro de voz y canciones pop muy buenas. Pero es que Amy...hacía un soul fascinante. Su voz transmitía tantos matices...era tan bonita que hacía daño. Y eso es muy importante, usar tu voz para expresar. Nadie lo hacía mejor que ella.” Pero de los excesos de la maltrecha Amy, Lianne solo comparte el gusto por el eyeliner y una voz que cala hasta los huesos. Y ahora, encabezar las listas de éxitos de Reino Unido. No es de extrañar teniendo en cuenta que sus padres eran músicos y bebió de la fuente de la música negra desde niña: “Adoraba todas las cantantes femeninas, como Lauryn Hill, ella fue mi primer ídolo. También Erykah Badu, Jill Scott... luego Nina Simone y Peggy Lee. Pero siempre he tenido un gusto muy ecléctico: me gustan mucho, música

por ejemplo, los Red Hot Chili Peppers, Radiohead, Michael Jackson, Stevie Wonder...¡Y Prince! Me encantaría hacer un dúo con él y que me enseñe todo lo que sabe. Ya se lo he dicho, ojalá algún día ambos encontremos el momento para hacer algo juntos. ¡Le adoro! El primer día que nos conocimos hablamos durante horas, fue como hablar con un amigo de toda la vida”, recuerda. Niña mimada por crítica y público, para Lianne ser disco del año 2012 en iTunes no ha sido el único reconocimiento a su primer álbum, también ha estado nominado al Mercury Prize y a los Sound 2012 (los artistas revelación de la BBC). Junto a su compañero Matt Hales (de Aqualung), ella, con una sensatez y un juicio que a muchos les vendrían de perlas, aún digiere la fama con cuentagotas: “Afortunadamente, es fácil mantener los pies sobre la tierra, yo particularmente no me considero famosa. Depende de donde esté, si hago un concierto solo mío por ejemplo, sí, todo el mundo sabe quién soy. Pero hay otras veces donde veo entre el público mucha gente que me descubre por primera vez, y estoy encantada. Así que sí, tener la cabeza sobre los hombros, y bien amueblada, para mí es muy fácil. Cuando tengo mucho trabajo, me siento un poco estresada pero, al mismo tiempo, estoy muy, muy agradecida a todo lo que me está pasando. Es maravilloso.”

cosas no funcionan así..,.lo importante es que hagas bien lo que hagas. ¿Por qué no puedes tocar la guitarra y ser negro? No lo entiendo. Esto es algo que me frustra, yo no quiero encasillarme, tener que meterme en una caja sí o sí, hacer un único estilo de música, no poder experimentar y cambiar de genero. Claro que cada uno tiene que tener su propia identidad, pero no tienes por qué ponerle un nombre, una etiqueta”. Identidad y personalidad, sin duda son dos características de Lianne de las que no anda escasa, y en la suya, aún se pueden ver atisbos de aquella joven estudiante de arte que solía ser: “Decidí dejarlo porque, aunque me alucinaba, no estaba en la universidad que quería estar. Además, cuando acabé el instituto, me vi envuelta en varios proyectos musicales. Estuve en algunas bandas, era mi oportunidad y me di cuenta de que eso era lo que me hacía sentir pasión. Por eso, mis estudios pasaron a un segundo plano, y empecé a ser corista”. Después de corista de Paloma Faith, a alguien hechizó esta jovencita de voz aterciopelada, y así pudo contarnos a todos cómo su novio, bastante mayor que ella (“Qué importa si es mayor/ Si cumple lo que prometí”, confiesa en “Age”), le quebró el corazón: “Después de los conciertos siempre se me acercan fans femeninas, dándome las gracias por contar mis historias. Es importante para mí ser honesta y real en lo que canto, pero tampoco soy idiota. No pretendo poner a parir a nadie ni airear las miserias que cualquier vida, incluida la mía, tiene”, asegura.

La industria musical es dura y complicada, a esto se le añade que muchas artistas negras de Reino Unido se han sentido dejadas de lado por la industria musical. Quizás por el afán de los sellos discográficos de encasillar a los “Is Your Love Big Enough?” no sólo fluye entre cantantes, y explotar su lado, a priori, más co- diferentes estilos, también peregrina entre dismercial. “Eso me llama mucho la atención. tintos estados de ánimo: desde la profundidad Si eres una cantante negra, hay un pensar dichosa de “Everything Everything” hasta el generalizado de que tienes que hacer mú- alarido desesperado de “Lost & Found”. Un sica urbana, R&B, soul y nada más. Pero las trabajo austero, prendido del corazón de una 14

lianne la havas

niña que, tras la separación de sus padres, ha vivido con sus abuelos en lo que suena a una alegre y humilde infancia en el sur de Londres. El proceso de creación del álbum tampoco fue precisamente suntuoso: “Trabajé con mi mejor amigo (Matt), así que todo fue cercano y cálido. Hace como cuatro años que hablábamos de hacer algo juntos, y él es parte de mi familia. La etapa creativa fue preciosa..., estar con tu gente es el escenario perfecto para inventar cosas, sin presiones”, y añade, en un español que, si bien no domina, pronuncia mejor que algunos compatriotas, “todo fue muy fácil”. Pero no sólo de fraternidad vive la buena música, se necesitan muchas cosas más que Lianne rebosa. Una de ellas es ser muy autocrítica, saber cuáles son sus puntos débiles y, así, no esconderse tras excusas generadas por uno mismo. “Soy mi mayor jueza. Si no me convence algo del todo, entiendo que a los demás tampoco. Por eso trato de mejorarme constantemente, y seguir mi línea. No voy a hacer videoclips en discotecas ni a abordar temas superficiales, por mucho que eso venda. Mi forma de ser es sencilla, y así son mis letras. Hablo de temas reales que afectan a la gente, y si tengo un éxito modesto es gracias a eso”, nos cuenta. Lianne La Havas, sencilla, humilde y cercana, da un primer paso con el presente “Is Your Love Big Enough?” en una carrera que está aún en los prolegómenos, pero que ya se va abriendo un hueco con una personalidad que te arroya como un torbellino: de momento, un sin,n de conciertos y un segundo álbum entre los buenos propósitos. Esperamos que repita contexto musical íntimo y despejado de arreglos innecesarios. Con su voz brillando, más que suficiente.

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franz ferdinand Texto por Carla Linares.

Con motivo de la presentación de su nuevo trabajo “Right Thoughts, Right Words, Right Action” (PIAS, 2013) los escoceses Franz Ferdinand visitaron fugazmente Londres. Finalizada la rueda de prensa, los chicos de la discográfica me ofrecieron ser secuestrada por Franz Ferdinand acompañándoles de camino a lo que sería su próximo destino, así que sin dudarlo aproveche a meterme en la furgoneta rumbo al aeropuerto de Heathrow flanqueada por Bob Hardy a mi izquierda y Alex Kapranos a mi derecha. Cinturón de seguridad puesto, piernas temblando a un nivel adolescente en plena revolución hormonal y mi faceta más groupie en todo su esplendor, pude hablar con Alex y Bob (sí, me voy a permitir ese lujo) sobre su nuevo disco: “Right Thoughts, Right Words, Right Action”, un álbum “muy positivo, con muy buena energía. Ha sido un trabajo que ha salido de forma muy natural, muy fácil.” Para todos aquellos que hayan interpretado (al igual que lo hice yo) el título de este álbum de una forma irónica, que sepáis que nos equivocábamos de medio a medio: “El título es completamente sincero, pero no creo que busquemos difundir un mensaje moral. Puedes interpretarlo al contrario y tampoco sería una interpretación totalmente errónea, ya que a veces el ser malo, el portarse mal o continuar siendo un poco inmaduro es hacer lo correcto, ¿no?” Ríe travieso Alex Kapranos. música

En sus comienzos, tras la publicación de su primer larga duración de título homónimo, Franz Ferdinand comentaban que buscaban hacer un rock & roll esencial, música que hiciera bailar a las chicas; desde entonces han lanzado cuatro álbumes de estudio, numerosos Eps, incontables remixes... con la eterna duda en mi cabeza de si el objetivo de todo este nuevo material es esa aceptación del público o si, con el transcurso de los años se ha convertido en algo que ha pasado a un segundo plano: “Cuando grabamos se hizo todo en una sola toma, no sé si necesariamente pensando en cómo iban a quedar en directo, pero en cierto modo sé que el disco funcionará bastante bien en concierto. El conseguir que la gente baile con tu música es un objetivo bastante bueno para una banda de rock & roll, pero realmente no pensamos en ello, es algo más bien instintivo. La gente lo bailará, seguro que sí.” En esta ocasión y contrariamente a lo que hicieron con su anterior álbum “Tonight”, han mantenido un silencio absoluto durante todo el proceso de creación y producción del álbum, y hemos pasado de cero a nada en cuestión de días. Siete de las diez canciones que forman el álbum se han presentado en directo ya, además de revelarnos la portada, el tracklist y un trailer del álbum. “Lo hemos hecho por nuestro propio bien más que nada. Cuando haces algo, no quieres que la gente interfiera, que te diga esto o lo otro... Es muy duro cuando alguien constantemente te está mirando, 16

observando cada cosa que haces, como por encima de tu hombro. Tanto si estás grabando un álbum como creando cualquier cosa, debes de ser espontáneo, tú mismo. Tienes que evitar toda la contaminación externa.” Tras la escucha al completo del disco, la primera conclusión a la que llegas es que la banda ha vuelto a sus orígenes, ya en el segundo corte “Evil Eye” encontramos una línea de bajo completamente adictiva que nos recuerda inevitablemente a “You’re The Reason I’m Leaving” y pese a lo odioso de las comparaciones, la banda se muestra bastante de acuerdo conmigo en este aspecto, y es que a poca atención que se le preste al álbum te da la sensación de estar ante la esencia más pura de Franz Ferdinand. “Si este álbum es una vuelta a nuestros orígenes, es porque bueno, nosotros hicimos esos álbumes, esos discos anteriores, somos nosotros. Pero realmente no pienso en ellos como una fuente de inspiración literal. Lo que buscábamos desde un principio era eso, conseguir la esencia más pura de la banda. Como una versión concentrada de todas las características, de todas las cosas que Franz Ferdinand pone en un disco.” Franz Ferdinand en “Right Thoughts, Right Words, Right Action” es pop, rock & roll, hits bailables y coreables, ritmos rápidos y riffs de guitarras pegadizos. El propio trailer del álbum nos da pistas sobre ello. En él, vemos despertarse a cada miembro de la banda bruscamente; seguidamente comienzan a so-

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yani como

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nar los primeros acordes de “Right Action”, corte encargado de abrir el álbum y también single de presentación del mismo. Buscando algo de simbolismo en el vídeo, me pregunto si es porque con este disco han despertado de un letargo del que estuvieran ansiosos por salir... se ríen a carcajadas por mi interpretación y añaden divertidos: “el director es amigo nuestro, nos gustó la idea que tenía y el concepto del vídeo nos resultó divertido. Es algo así como si escuchas el disco, te levantarás así de rápido, no vas a quedarte en la cama vagueando y pensando ohhh qué hora es...” Para su inminente álbum, el cuarteto se ha rodeado de amigos y conocidos del mundo musical, y entre muchos nombres destacan por ejemplo Alexis Taylor y Joe Goddard de Hot Chip, que han aportado su granito de arena durante el proceso de producción del disco. ¿Hot Chip? ¿Franz Ferdinand? Ellos nos lo explican: “Existen algunas canciones con toques de electrónica, pero no todas... Por ejemplo en “Love Illumination” los sintetizadores son más marcados. La verdad es que no es un álbum electrónico para nada, es más desde el principio del proceso sabíamos cómo queríamos sonar, queríamos sonar como Franz Ferdinand suena. También hemos contado con la colaboración de Todd Terje, ha sido genial.” He de confesar que como seguidora de ambos, la combinación Hot Chip-Franz Ferdinand me resultó desde un primer momento intrigante e inquietante a partes iguales, aunque visto lo visto y escuchado lo escuchado, podemos decir que la mezcla ha dado como resultado un disco con un sonido delicioso… “El proceso ha sido más o menos el mismo, pero esta vez creo que probablemente este sea el álbum más rico que hemos hecho en cuanto a sonido se refiere. Hay diferentes texturas y las melodías y las letras son muy directas, no queríamos hacer algo di)cil, queremos que se disfrute de la música, sin más.” Para ello no han dudado en atreverse con distintos estilos e influencias sin olvidarse de su ya característico sonido... “Las influencias son muchas, hemos estado en muchos sitios durante la grabación del disco y las influencias vienen de todas partes. Ves diferentes culturas, gente distinta, películas... Todo. “Brief Encounters” tiene un ritmo de cumbia, pero no suena como una cumbia, sino como una canción de Franz Ferdinand. “Goodbye lovers & Friends” tiene un toque más funk, pero sigue sonando a Franz Ferdinand. “Evil música

Eye” tiene una clara influencia hip hop y ocurre lo mismo. Admiro las producciones de Dr Dre, Snoop Doog o LL Cool J, pero soy muy consciente de que no soy ningún rapero...” comenta Kapranos sin perder la sonrisa. Ante estas influencias tan dispares y consciente de la importancia del directo para ellos y para el público, me pregunto por la acogida que las canciones del nuevo álbum habrán tenido por parte de este último. Temas cómo “Right Action”, “Fresh Strawberries”, “Treason! Animals” destacan por su inmediatez rítmica y por su honestidad en unas letras capaces de revitalizar a esta banda, destaca sin duda en esta línea y en especial el trallazo titulado “Bullet”, un tema capaza de ponerte en pie desde el primer acorde y destinado a convertirse en todo un hitazo en sus directos, tal como se demostró recientemente en un concierto de la banda en Glasgow: “Bueno, la verdad es que fue un concierto muy pequeño pero en el que pudimos estrenar un puñado de temas y ver la reacción del publico, fue muy corto y nos supo a poco, pero diría que “Bullet” fue increíble, es probablemente la versión más concentrada sobre la energía en una banda y como tal es puro rock & roll, muy intensa y muy buena para interpretar en vivo. Son sólo dos guitarras, el bajo y las baterías y dudo que encuentres una representación más pura de lo que es el sonido de la banda como en esta canción. “Stand On The Horizon” suena genial en directo... “Right Action” y “Evil Eye” gustaron bastante al público también. Nuestra favorita de este álbum para el directo es “Goodbye Lovers & Friends”, es una canción completamente diferente del estudio al directo, y cada vez que la tocamos toma una dirección distinta. “Goodbye Lovers & Friends”, corte encargado de poner punto y final al disco llama la atención ya no sólo por su sonido, un poco mas pausado y cadencioso, sino también por el título, se me erizó un poco el vello de la nuca preguntándome por el mensaje que escondía esta canción... “No es un adiós o una despedida a la banda, para nada, es un adiós del personaje de la canción, el cierre del álbum.”

de “Covers” con colaboraciones con Debbie Harry, LCD Soundsystem, Peaches... parece ser que también buscan hacer bailar a la gente en discotecas... “Oh, si! Siempre hacemos música que queremos que la gente baile... Y la colaboración con Todd Terje es probablemente bastante indicativa de nuestro amor por las pistas de baile o por las discotecas en particular. Normalmente me gustan los remixes que hacen de nuestras canciones, es algo así como “oh, de modo que esto es lo que tú has escuchado en la canción”, es otro punto de vista. Y el Ep de “Covers” me gusta muchísimo, es genial que gente y bandas a las que admiramos utilicen nuestras canciones.” Es lo que tiene esta banda amigos, lo mismo se atreven con las pistas de baile, como que actúan en grandes festivales como Coachella o Lollapalooza, u ofrecen un concierto casi sorpresa en una sala pequeña de su ciudad natal… “Bueno, nos gustan tanto los festivales y grandes escenarios como las salas más pequeñas... Para nosotros es como si nos dieran a elegir entre una copa de vino tinto o un chupito de whisky, hay veces que prefieres una cosa antes que la otra y... normalmente prefieres las dos.” Y es que Franz Ferdinand siguen marcando el ritmo de su tiempo con un disco repleto de una energía y contundencia que hace pensar en un pacto con el diablo y es que los años han pasado pero no para Franz Ferdinand; ni ellos ni nosotros olvidamos que la frescura es necesaria y no sólo en verano, y auguramos que esta vuelta será una de las más divertidas y bailadas de lo que llevamos de 2013.

La charla distendida camino del aeropuerto continua y en un momento de debilidad me confiesan que en este momento están trabajando con un par de colaboraciones de las que tienen muchas ganas, pero poca más información pueden darme ya que todavía es alto secreto. Es entonces cuando les menciono su magnífico Ep 18

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león benavente Texto por Beatriz Buitrón Álvarez.

música

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León Benavente surgió a partir de una llamada desde una zona tan yerma como el páramo que separa León de Benavente. Parece un poco paradójico que un proyecto tan fructífero se originase en un lugar tan arduo y duro. Luis Rodríguez, bajista en la banda que acompaña a Nacho Vegas, se había quedado tirado con su Opel Corsa y, para amenizar la espera, se dedico a llamar al resto de los que iban a ser los integrantes de este proyecto. Ante la proposición de formar un nuevo grupo, todos respodieron sin dudarlo con un “sí” rotundo. “Luis es una persona muy convincente. En cualquier caso parecía natural que tras una larga amistad nuestros caminos nos llevasen a juntarnos para hacer canciones”. Esa fue la chispa que dio lugar a este nuevo grupo formado por el propio Luis Rodríguez (que ha abandonado momentaneamente su bajo en pos de la guitarra eléctrica), Abraham Boba, Cesar Verdú (Schwarz) y Edu Baos (Tachenko) “ Cada uno aporta sus influencias y su personalidad y eso es lo que da un carácter propio y especial al grupo”. Los cuatro compaginan este nuevo proyecto con los otros en los que ya estaban embarcados “El grupo no sonaría de esta manera si no viniésemos de donde venimos. Cada uno aporta sus influencias y su personalidad y eso es lo que aporta un carácter propio y especial al grupo”. Basta una escucha de este León Benavente (Marxophone 2013)para darse cuenta de que el primer disco homónimo de León Benavente es visceral, está asentado sobre letras llenas de rabia e indignación y la furia se canaliza a través del sonido de los instrumentos. “A todos nos apetecía enfocar las canciones y el sonido del grupo por una vía más agresiva que pausada, algo que también nos hiciese disfrutar tocando en directo”. Un trabajo que pone de manifiesto un raudal de emociones y que sin duda parece un disco muy acorde a los tiempos que corren…. “No intentamos lanzar ningún mensaje, sino hacer la música que nos gusta. Estas canciones se cuestionan ciertas cosas que están presentes en nuestras vidas, pero es el oyente el que ha de posicionarse y hacerlas suyas e interpretarlas a su gusto”. León Benavente ha llegado para poner los puntos sobre las ies, aunque, según ellos, no son los únicos… “En este momento hay bastantes músicos en nuestro país que, de una forma u otra, han dejado de lado el tono música

personal de sus canciones y hablan más del presente que estamos viviendo. Esto se puede hacer de muchas maneras, lo interesante no es de lo que se habla sino la forma en la que se dice”. León Benavente es un trabajo emocional respaldado por unas letras cargadas de ironía, ingenio y descaro. Ideadas y cocidas en la mente de Abraham Boba que nos confiesa… “Quería que estos textos se diferenciasen de los que escribo para mis canciones y para ello tuve que salir un poco de mi forma habitual [de plantear las letras] y escribir desde fuera”. A estas punzantes letras se une la base rítmica de sus canciones asentada en sintetizadores, bajos y percusiones, donde los riffs y arpegios que le saca Luis a la guitarra conformando de este modo los máximos exponentes del primer álbum de León Benavente, donde no hay cabida para los adornos ni las florituras. “Queríamos que las canciones fuesen directas y sencillas, tanto en los ritmos como en las estructuras, y no embellecerlas con arreglos que luego no sonarían en directo”.

El hecho de que sean artistas bien consolidados en el panorama español y la presencia de las citadas colaboraciones en su primer disco, ha hecho que sobre ellos recayera la etiqueta de “supergrupo” con la que no se sienten nada cómodos. Sin embargo, esa espectación que los medios de comunicación han creado entorno a León Benavente ha hecho que el público esperase su primer disco como agua de mayo. “El disco está gustando en general y sobre todo está sorprendiendo a la gente que nos conocía por separado, ya que nunca se imaginaban que iríamos por este camino”. Con el buen sabor de boca que deja este primer trabajo de León Benavente, apetece catar su directo… “El directo está sonando incluso mejor que el disco y para los cuatro está siendo una descarga de energía que necesitábamos”. Tienen varias fechas confirmadas y, por suerte para nuestros oídos, tendremos León Benvante para rato… “No tenemos intención de que sea algo puntual. Queremos que el grupo crezca y se desarrolle, seguir haciendo canciones, reuniéndonos para tocar y disfrutar”.

Destacar que aunque los integrantes de León Benavente son viejos conocidos de los escenarios, esta nueva andadura arranca apadrinada con unos apoyos y colaboraciones importantes, así fue Nacho Vegas el encargado de redactar la carta de presentación del grupo … “Nacho es de alguna manera el que ha hecho posible que este grupo exista, ya que los cuatro nos conocimos trabajando con él en sus dos últimas giras”. Además, han contado con las voces de Irantzu Valencia (ex vocalista de La Buena Vida) y Cristina Martínez (voz y guitarra en El Columpio Asesino). “Los cuatro conocemos muy bien a la gente del Columpio y César ha trabajado muchos años con La Buena Vida. Y en cierto modo hay guiños a ambos grupos a lo largo del disco. La melodía del tema “La Gran Desilusión” tiene algo de La Buena Vida y de hecho la voz de Irantzu encajó perfectamente. Incluso se le ocurrió una armonía que grabó y que era perfecta. En cuanto a la colaboración de Cristina es tan breve como necesaria. “Ser Brigada”, la canción en la que interviene, contiene un pequeño diálogo y pensamos que ese punto un poco macarra de Cristina le daría el carácter necesario al personaje que aparece en la canción”. 21

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el hombre viento Texto por Borja González-Ayllón.

León Battista Alberti afirmó que el artista no debería ser un simple artesano, sino un intelectual preparado en todas las disciplinas y en todos los terrenos. un Homo Universalis, un “Hombre Del Renacimiento”.

música que sigo escuchando y en la que trabajan grandísimos talentos. No todo es pose, pero es verdad que quizás fuera ése el aspecto que más me distanció. La mayoría de mis ex -compañeros raperos me querían pero pocos entendían mi música. Nunca he ofendido a nadie con ella y menos en público. Era de los pocos en el mundo del rap que no lo hacía y al no hacerlo, tampoco me he creado enemigos. No me gusta llevarme mal, no hace falta. Leí en un artículo un comentario sobre mi música que me gustó; decía que El Hombre Viento se mantenía al margen del hip-hop pero que se ganaba su respeto”.

Jeremías Pau Toledo (Pego, 1981) es multiinstrumentista, ilustrador, productor musical y video maker. Acaba de publicar su séptimo álbum como El Hombre Viento, “Vida” (Silbo Tormentas, 2013), un trabajo conceptual en el que explora las distintas edades de una persona, desde el nacimiento hasta la muerte.

A los diecisiete años se forjó como músico en la cultura del hip-hop, de la que ya no se siente parte activa, y de la que ha sabido evo- “Vida” cuenta con apenas veinte minutos de lucionar sin complejos hacia una identidad duración y pide de inmediato una segunda sonora, deudora en parte de la fiebre folkie. escucha. Destila la esencia de sus anteriores Licenciado en Bellas Artes, profesor de kick- trabajos, los también conceptuales “Tierra y boxing se declara cristiano y creyente. Circuitos”, en los que el tejido lírico supone una fina patina frágil que deja entrever cierto Llega a la entrevista en una Custom. No quie- romanticismo. Lejos quedan ya la lucha desre nada de beber, o le da igual. “Un zumo nuda y la rima cuesta abajo de los primeros o un agua están bien”. Con una mezcla de discos como “Viento” o “Aventuras Del Señor asombro y timidez, antes de empezar con el Bajito”… “Vida es la biogra)a de una persona cuestionario posa para una sesión de fotos en desde que nace hasta que muere. Es una la que se muestra algo tímido a pesar de haber cura que necesitaba hacer porque no he pertenecido a un movimiento musical donde tenido una vida sencilla para nada; lleproyectar arrogancia y seguridad ante la cágar hasta este momento en el que estamara era primordial. Y es que su trayectoria mos me ha costado mucho sufrimiento y y evolución cada vez están más alejadas de los esfuerzo. Si que hay lucha, pero a otro clichés del género en el que nos empeñamos nivel. La lucha es con uno mismo. Ya no en seguir encasillándole. me hace falta exteriorizarla como en el hip-hop; la gente ya sabe que luchas. Tú “Empecé en la cultura del hip-hop, una viste fragilidad y romanticismo, hay gente música

que ve un otoño y otros verán que estoy enamorado. Que cada cual describa lo que sienta cuando escuche mis canciones. Así es como debe ser.” Musicalmente es un disco pequeño construido a partir de latidos y atmósferas llenas de misticismo pero con ese toque humano tan propio del folk. Manos dejadas caer sobre el piano, brisas de cuerda y viento metal o los casi obligados xilófono y acordeón nos hace añorar un paisaje sonoro que recuerda a artistas como Bon Iver o Iron And Wine… “Me encantan esos músicos que mencionas. También Andrew Bird y especialmente Sufjan Stevens, quizás por su carácter cristiano… Sí, soy cristiano. No católico apostólico y romano en el sentido radical de la expresión, pero tengo muy presente el mensaje de Cristo y soy creyente. Tocar varios instrumentos nace simplemente de mi necesidad de experimentación sonora. Me gusta tratar el sonido desde el origen. No sigo un proceso creativo ordenado ni respondo a una lógica para componer. Soy muy anárquico en eso. A veces es la guitarra, a veces el teclado, incluso muchas melodías surgen de un silbido paseando con mi perro.” Ideas sencillas, bien ejecutadas, con maestría humilde que toman forma poco a poco, amasándolas, acariciándolas, ideas que paso a paso se abren camino para terminar de florecer. La clave sin duda el cariño y el control de un artesano que en el caso de Jeremías

vuelve a ejecutar por si mismo todo el proceso, desde la composición e instrumentación hasta la mezcla y el mastering. Las claves; control y responsabilidad absoluta sobre el material…”Me ocupo de todo el proceso porque siempre ha sido así desde que empecé con dieciséis años y no conozco otro modo de hacerlo. Disfruto muchísimo construyendo en soledad cada pieza del puzzle. Con los años he aprendido a delegar y confiar en otros músicos; son necesarios para arreglar un directo y para nutrirse de nuevos puntos de vista. Además, de compartir se aprende. ¿Has visto el videoclip? ¡Pues también lo he hecho yo! (Risas). Ha quedado muy bonito. Aparece gente saltando al mar desde un acantilado. Tenía muy claro que quería transmitir esa idea para “Obertura”, un nacimiento a la inversa, no saliendo del líquido sino sumergiéndose en él”. Parece imposible no atisbar en las letras un impulso autobiográfico. Hay una infancia difícil que emerge en muchos momentos de la conversación y de la que no le molesta hablar. Cada una de las siete canciones de “Vida” representa una edad. Así, “Obertura”, “Infancias” y “La Fuerza” nos hablan de los primeros treinta años; “Hoy” transcurre en el momento presente y “Cincuenta” desvela un desliz freudiano por la figura paterna. “Preámbulo Del Adiós” y “La Última Frontera”, que señala como sus predilectas, cierran el disco y representan Vejez y Muerte. el hombre viento

“Hacer este disco ha sido un ejercicio de re-cimentación, si es que existe esa palabra. A mi padre lo conocí con quince años y se me escaparon muchas cosas. No fui niño cuando tuve que ser niño, mi hermano y yo pasamos por momentos muy di)ciles en la infancia. A los dos últimos temas les he cogido un cariño especial porque surgen de visualizar a mi abuelo, al que quería muchísimo. Murió de un infarto en un autobús. Mi abuelo Amador era sabiduría y entereza. Supo mantenerse al margen de todo el mundo. Ese rasgo de sabiduría tozuda me fascinaba de mi abuelo. Me gustaría enfrentarme a la vejez y la muerte de la forma en la que lo hizo él, en plan “vamos a ver qué pasa”. Sentarse a esperar y disfrutar de cada momento, no arrepintiéndose de nada. La vida para mí no es lineal ni circular, es como una hélice, como un muelle que vuelve y continúa, pero avanza; donde se pueden corregir errores en cada vuelta, errores de tu padre, de tu abuelo y de tu hermano, errores que si no corriges tú, corregirá el que venga”. Hip-hop, Indie Folk, Smart Pop, las etiquetas son odiosas, pero nos encanta tatuárselas a los artistas para ubicarlos en un mercado tan segmentado como saturado; y es que la sana ilusión de vender unos pocos discos ya no puede ser el objetivo de editarlos y distribuirlos. Aún así los anhelos egoistas del reconocimiento siguen habitando en el músico. Han pasado diez años desde que viera la luz su primer LP y El 23

Hombre Viento sigue siendo un artista desconocido para la mayoría y es que hoy más que nunca, no hay fórmula ni etiqueta que te pueda garantizar el éxito en la industria musical. Sin embargo hay tres factores que no pueden fallar, el talento, el trabajo y un buen golpe de suerte… “Siempre hay un ego latente, llegar a más sitios. A todos los músicos nos gusta que nos escuchen, sobre todo si vuelcas tanto cariño como yo en lo que haces. Mi máxima aspiración es que a la gente le sirva de algo lo que hago. La música y la escritura de otros me ha servido de tanto, que con que una fracción de lo que yo he sentido se trasladara con mis canciones, la cadena de favores estaría completa. Obviamente las ventas importan, pero llevo desde los diecisiete en esto y me considero una persona con los pies en la tierra en lo que a este negocio se refiere. A veces surgen debates internos sobre si mis letras deberían ser más cercanas. A la gente le gustan las letras sencillas para identificarse, oigo a menudo. Pero a mi me gusta darles muchas vueltas, embarullarme. Quizás lo complico y me cierro puertas. A día de hoy no me preocupa. Ahora trabajo para las Naciones Unidas, he sido profesor de servicios sociales, he vendido condones y he sido barrendero. Con haber conseguido tiempo para sentarme a hacer mi música es suficiente”.

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discos

She And Him, Volume 3” — Merge 2013 — Por si no lo hubiera

hecho antes, Zooey Deschanel se postula en su tercer disco junto a M Ward como una crooner moderna y cool que se atreve con

Vampire Weekend, Modern Vampires Of The City — XL 2013 —

lo que le echen. Desde el surf-pop de la inicial “I’ve Got Your Number,

Los niños pijos de Nueva York, los pseudo-alternativos que

Son” a baladas tan bonitas como “Turn To White”, pasando por las

no harán nada nuevo... Este grupo cuenta con no pocos detractores,

versiones. Las hay buenas (“Sunday Girl”, de Blondie) o sólo pasa-

pero ellos se mantienen desde 2006 al pie del cañón, avanzando

bles (“Hold Me, Kiss Me, Thrill Me”, de Karen Chandler). La pareja

rauda pero sigilosamente. Ya tienen muchísimos adeptos, que ven

echa mano de su talento compositivo para saquear cinco décadas

en su mix de afro-indie mucho talento y valoran trabajos como este,

de música popular, hacer que todo parezca suyo y salir por la puerta

cada vez más sólidos y ambiciosos. Este álbum es la suma de Ros-

grande (más o menos). Y es que, efectivamente, los clásicos serán

tam Batmanglij, multiinstrumentista y amante de los sonidos sintéti-

siempre modernos. por Miguel Díaz Herrero.

cos y Ezra Koenig, que exhibe una voz ya más madura y convincente. Hasta el momento, esta es su obra cumbre: un equilibrio entre febril adolescencia y sosiego. por Lara Fernández.

Bleached, Ride Your Heart — Dead Oceans 2013 — Bajo la nueva ola abanderada por Dum Dum Girls o Best Coast han

florecido multitud de grupos; Bleached es un de ellos. Chicas con

The Baptist Generals, Jackleg Devotional To The Heart — Sub Pop 2013 — Aunque en activo desde 1998, los tejanos The Bap-

guitarras y actitud que nos traen un disco de tracks de corta dura-

tist Generals nunca han recibido la atención o el reconocimiento que

desde The Raincoats a The Bangles. Un estilo particularmente difuso,

ción y fácil escucha al modo del punk clásico. Sus referencias van

discos como este “Jackleg Devotional” les hacen merecer. Partiendo

cosa que permite la moldeabilidad de la voz de Jennifer Calvin. En

de un indie-rock de cariz folk, al grupo le gusta la experimentación

“Looking For A Fight” se erigen herederas de un punk ochentero con

casera (por el disco suena cacharrería de todo tipo), no sin dejar de

más enjundia, para, en otros temas como “Dead In Your Heart”, pa-

perseguir cierta épica. Una épica que está presente en la enorme

sar a un sonido californiano mucho más afable. Con unas guitarras

“Oblivion”, con ese final en el que guitarras y teclados parecen dar

perfectamente calibradas, “Ride Your Heart” es un disco que, en su

vueltas y más vueltas, o incluso en la instrumental pero fantástica “Machine En Prolepsis” que abre el disco. Una buena manera de rom-

misma contradicción, mezcla la rebeldía y amabilidad adolescente con el mejor de los gustos. por Rafael C. Gardón.

per un silencio de diez años. por Miguel Díaz Herrero.

Camera Obscura, Desire Lines — 4AD 2013 — Será el verano 03

Born Ruffians, Birthmarks — Yep Roc/Paper Bag 2013 — Dema-

o a Camera Obscura les ha quedado un disco resplandecien-

siados vaivenes en busca de un sonido reconocible, sí, pero

te, que mira a la vida con una sonrisa. Desde la excelente apertura

imposible atribuírselo a estos canadienses. Empezamos por la intro

con “This Is Love (Feels Alright)” hasta la fantástica e irónica “I Mis-

de “Needle” donde escuchamos a los mismísimos Fleet Foxes, y se-

sed Your Party”. En medio, “William’s Heart”, con una de las letras

guimos con “6-5000” que presenta un inicio esperanzador, oscuro

más bonitas del álbum: “Tendrías que haber salido de un molde

y cuasi siniestro que se ve irrumpido por la alegría y ligereza de

mejor/ para morir en los brazos de una veinteañera”. Pero no todo

Vampire Weekend y la profunda voz de Hamilton Leithauser. A pesar

es indie-pop ultramelódico marca de la casa (del que en “New Year’s

de estas dicotomías, detrás de este laberinto de emociones e in-

Resolution” dan una lección magistral), también hay buen power-

fluencias se esconde un trabajo exquisito en la producción, logrando

pop rollo The Cars en “Do It Again”. Pues sí, a Tracyanne y los suyos

canciones con texturas muy compactas. por Jaime Suárez.

les ha quedado un muy buen disco, sí señor. por Miguel Díaz Herrero.

discos

N E I L YO U N G & CRAZY HORSE W U -TA N G C L A N THE BLOODY B E E T R O O T S GARY CLARK JR

ORELSAN BREAKBOT G E O R G E C L I N TO N &PARLIAMENT FUNKADELIC

BUSY P ED BANGER MEGAMIX KAVINSKY CASSIUS BAKERMAT

JORIS DELACROIX

BRODINSKI RONE THE DEDICATED NOTHING EROL ALKAN IS TROPICAL ANAI ARREBAK WANKELMUT

J O N AT H A N W I L S O N BOSS SOUNDSYSTEM FEAT.JOEYSTARR C H AT E AU MA RMO N T DJ PO N E SYNAPSON...

11 12 10 08

Editors, The Weight Of Your Love — PIAS Records 2013 — El

cuarto álbum de los de Birmingham finalmente ha visto la luz y tras el lanzamiento mundial de su single de presentación “A 07

Movimientos Invisibles Del Sol, I — Autoeditado 2013 — Las

Ton Of Love” podemos por fin disfrutar al completo su nuevo trabajo.

actual escena post-metal sigue dándonos nuevas degusta-

Tras haber escuchado las tres primeras canciones la conclusión es

ciones de placeres ocultos. Sutiles formas de demostrar la capaci-

clara: ni rastro del sonido inicial de la banda, y fíjate que prometía

dad de las cuerdas no vocales de entrar en la conciencia y resonar

la cosa. Las canciones nos hablan de amor sí, pero no llegan a decir

para despertar la inquietud de los deseosos de fuerza. El cuarteto

nada que no se haya dicho antes. Melódicamente nos encontramos

ha plasmado en este disco debut una estremecedora intimidad me-

con que estas parece que han sido hechas única y exclusivamente

lódica exaltada entre la densa potencia que adentra a los valliso-

pensando en grandes directos. En acabar llenando estadios de fút-

letanos por la ancha senda del sludge atmosférico haciéndolo suyo,

bol al más puro estilo Bon Jovi (que ojo, todos mis respetos) o The

pertenecientes a ella desde hace más tiempo de lo que creían y,

Killers, aquí ya no tanto. Violines, coros, guitarras marcadas, percu-

consecuentemente, permitiéndoles sentirse a la altura de las circuns-

sión... Encontramos casi todos los ingredientes necesarios para obte-

tancias por ellos creadas en el presente tras el lento y bello proceso

ner un disco sobresaliente pero que, lamentablemente se queda en

del crecimiento intelecto-musical. por Abel Molina.

un..., ¿seis? por Carla linares.

Team Ghost, Rituals — wSphere records 2013 — Nicolas Froma-

geau dejo a Anthony Gonzales solo al frente de M83. Esa de-

Thundercat, Apocalypse — Brainfeeder 2013 — Stephen Bruner, también conocido como Thundercat, presenta nuevo trabajo.

cisión quizás favoreció al proyecto que ambos habían iniciado, pero

Su segundo álbum de estudio cuenta de nuevo con la producción de

condujo a Fromageau por una senda mucho menos exitosa. Team

nada más y nada menos que de Flying Lotus. Ambos han consegui-

Ghost es el resultado de esa huida que ahora presenta su primer

do un disco de una exquisitez sonora importante, para muestra por

larga duración, un trabajo oscuro, lúgubre, un cóctel de electrónica

ejemplo “The Life Aquatic” o la deliciosamente funky groove “Oh

y psicodelia bastante dispar. Basado en el sonido de guitarras eléc-

Sheit It’s X”. Muy destacable también es el corte “Lotus And The Jon-

tricas feroces y estridentes, “Rituals” es un álbum heterogéneo don-

dy”, en la que Bruner muestra cómo hay veces que las palabras no

de la tenebrosidad de temas como “Dead Film Star” contrasta con

son importantes si la melodía es buena, y en este caso la melodía es

otros más bailables como “Montreuil”, pero que de forma general

excelente. El punto y final llega con “A Message For Austin / Praise

podriamos resumir que “Rituals” se revela como un trabajo áspero y

The Lord / Enter The Void”, pequeña trilogía de canciones con la que

tedioso. por Beatriz Buitrón Álvarez.

culmina esta joya imprescindible en todas las bibliotecas musicales de calidad. por Carla linares.

Wild Honey, Big Flash — Lovemonk 2013 — Después del maravillosos debut que supuso “Epic Handshakes And A Bear

Tunng, Turbines — Full Time Hobby 2013 — En su quinto disco,

Hug” Guillermo Farré no lo tenía nada fácil para superar un listón

Tunng han querido crear un mundo de fantasía formado por

tan alto. De la mano en la producción de Tim Gane, de Stereolab,

capas de sencillas y envolventes melodías capaces de transportarte

el delicado sonido sesentero de Wild Honey ha adquirido tintes más

allí donde tu imaginación lo desee. Los sonidos acústicos y electróni-

barrocos y psicodélicos gracias, entre otras cosas, al añadido de

cos se entremezclan con armonía a lo largo de los nueve cortes que

sintetizadores antiguos, que dotan a cada una de las canciones de

componen el colorista “Turbines”. Los juegos de voces, el punteo de

personalidad propia. Hay melodías de pop soleado como la de

las guitarras, tanto acústicas como eléctricas, y los sintetizadores

“Gothic Fiction”, aterciopelados medios tiempos en “The Kite And

con aire vintage crean una atmósfera etérea que aporta calidez a

The Captain John” y hasta toques de bossa nova en ‘Rogerio Duprat

este sofisticado trabajo difícil de categorizar. “Once”, “The Village”,

Looks Out The Window’. Un trabajo preciosista y sutil que nos deja

“Follow Follow” y “So Far From Here” son los puntos fuertes de Turbi-

un sabor de boca tan dulce como su nombre. por Sonsoles Pérez.

discos

nes. por Beatriz Buitrón Álvarez.

Robyn Hitchcock, Love From London — Yep Rock Records 2013 — Gracias a un goteo incesante de notables grabaciones y

Telekinesis, Dormarion — Merge Records 2013 — Michael Ben-

jamin Lerner, sin dejar atrás su característico power-pop

espectaculares conciertos, quizá llegue el líder de los seminales The

elegante, se lanza a experimentar los registros más dispares, sinte-

Soft Boys a sacudirse su estatus de figura de culto y consiga ser un

tizador en mano. Con una voz tan luminosa cualquier cosa sonaría

nombre conocido para el público español. En este último lanzamien-

bien, pero es que además estamos ante un gran trabajo, si bien con

to, se aleja del elegante noctambulismo de su anterior referencia,

algunos tracks innecesarios. Las joyas del disco residen justamente en

el brillante “Tromsø, Kapstein”, para sumergirse en un sonido elec-

los temas más arriesgados. El single “Ghosts And Creatures” es senci-

trónico y cristalino, que nos recuerda peligrosamente a Everything

llamente genial, la complejidad y hondura de sus acordes conmueven

But The Girl. Estrenado tres días después de su sesenta aniversario

a la primera escucha. Enternece la amabilidad y sencillez pop que

y grabado en una habitación de Londres, no encontraremos aquí

tan bien casan con su voz en temas como “Lean On Me”. Pero lo mejor,

las mejores canciones de R. Hitchcock, pero sí un disco digno que

sin duda, llega cuando se atreve con el sintetizador creando algo tan

aporta variedad a la brillante discografía del músico inglés. por Ig-

pegadizo como el synth-pop de “Ever True”. por Rafael C. Gardón.

nacio Simon. 17

Queens Of The Stone Age, …Like Clockwork — Matador/Everlasting 2013 — El nuevo disco de Josh Homme y compañía es

The Computers, Love Triangles, Hate Squares — One little indian 2013 — La banda de Exeter sigue dando rienda a su ori-

ginal fusión de soul, pop, hardcore, punk y garaje, pero en este tercer

todo un homenaje a su reverenciado rock 70’s, aunque esta vez con

disco las dos primeras etiquetas parecen haberle comido el terreno

una orientación más AOR de lo habitual en ellos. Tanto es así, que

a las siguientes y esto es una pena, porque sus dos primeras referen-

“Appear Missing” la podría haber firmado Meat Loaf. Pierden veloci-

cias fueron un revitalizante chorro de energía, sobrante de actitud y

dad y potencia en la base rítmica, ganan en densidad. Aunque este

mala leche. Podemos apreciar un encomiable esfuerzo por lograr un

comentarista se queda personalmente con el glam-punk de “My god

sonido más nítido y elegante, pero sin la fresca suciedad de sus ante-

is the sun”, que recuerda a los primeros Manic Street Preachers. Las

cesores, lo que pretende ser un híbrido de Stray Cats y los B52’s corre

colaboraciones estelares las firman el bueno de Elton John, que pone

el riesgo de acabar pareciéndose al hijo bastardo (pero talentoso)

su teatralidad al servicio de “Fairweather Friends”, y Alex Turner, que

de Katrina & The Waves y Panic at The Disco! por Ignacio Simon.

pone su granito de arena en “Kalopsia”. por Miguel Díaz Herrero.

Deerhunter, Monomania — 4AD 2013 — Luces de neón en la

Savages, Silent yourself — Matador/Pop Noire 2013 — Este ál-

portada, y también en las tripas del álbum: en su melodía de

bum es un puñetazo en la mesa, un rabioso y furibundo canto

guitarras entrelazadas que acompañan a la voz de Bradford Cox. Los

en pro de la dignidad de la mujer, y crítica a la anestesia que ador-

de Atlanta presentan un dream-pop bien entendido, con la dosis justa

mece a la sociedad. No es únicamente una pose, ni feminismo barato,

de narcóticos, con el que consiguen reiventar el indie-rock, desmar-

dejan a un lado los tópicos, y adoptan una personalidad contundente,

cándose de un patrón que otras bandas repiten hasta la saciedad. El

sin medias tintas. Una cita de “Opening Night” de Cassavetes abre el

carismático Cox brilla de nuevo con ese sonido distorsionado y sucio

álbum que continua con un hiper-vitaminado “Shut Up” despejando

que encarna descaradamente las pasiones más terrenales. Aún así,

así cualquier duda, directo y sin falsas pretensiones. La voz de Jehnny

algunos temas (véase “Sleepwalking”) son menos subversivos y vi-

Beth recuerda a Patti Smith, y al post punk sombrío de Siouxsie. Es

ran hacia el lado más pop, bucólico y sosegado de la banda. Uno

imposible que te deje indiferente. por Jaime Suárez.

de los mejores trabajos del año. por Lara Fernández.

discos

23 19

Stornoway, Tales From Terra Firma — 4AD, 2013 — Segundo disco de esta banda británica formada en el 2005, “Tales From

Terra Firma” resulta un trabajo más sofisticado que su álbum debut “Beachcomber´s Windowsill” (2010), con el que consiguieron el galardón de primer gran álbum del verano según The Times. En este “Tales From Terra Firma” el cuarteto de Oxford, conserva el encanto con el que conquistaron a un gran número de oyentes, desbordando imaginación musical, conmueve y atrapa desde la primera escucha, en el que existe

Primal Scream, More Light — First International 2013 — Dicen

un balance perfecto entre detalles electrónicos y el peso de los sintetiza-

que justo antes de morir tu vida entera pasa ante tus ojos.

dores. Stornoway dominan el pop melódico jugando en ocasiones con el

No sabemos si el final de Primal Scream está próximo, lo cierto es

folk, y su nuevo LP está lleno de canciones sencillas, cálidas y acogedo-

que en este trabajo han echado mano de todos los estilos presentes

ras que así lo demuestran, y que desprenden esa rotunda personalidad

a lo largo de su carrera, desde dub, rock, jazz, funk, electrónica

que los diferencia, sobre todo en la voz de su vocalista Brian Biggs y en

hasta trip-hop. Para muestra “2013”, un corte de nueve minutos que

las armonías creadas por Jon Ouin, cada vez más complejas pero muy

se hace eco del glamour hastiado de los escoceses y que termina en

cuidadas para no aplastar las canciones. Aviso: Es muy difícil no quedar

territorios de free jazz. Un documento extenso, lleno de desorden y

atrapado por la hermosura de su música. por José Ruiz.

no exento de talento, aunque a Bobby Gillespie le cueste explotarlo, este es el mejor álbum de la banda desde “XTRMNTR” (Astralwerks,

Stereophonics, Graffiti On The Train — Stylus Records 2013 — Una

2000). por Jaime Suárez.

enorme y agradable sorpresa es lo que ha conseguido dar Stereophonics a sus seguidores con el lanzamiento de su octavo álbum de

Heartless Bastards, Arrow — Partisan Records 2013 — Este cuar-

estudio “Graffiti On The Train”. Un disco muy esperado, ya que su último

teto de Cincinnati nos presenta su cuarto disco, el cual pa-

trabajo discográfico “Keep Calm And Carry On” data del año 2009. El

rece cocinado según una clásica receta de rock sureño al que se le

arranque del disco es sencillamente soberbio, ya que los galeses des-

añaden unas cucharadas de country y una pizca de blues, todo ello

pliegan toda su artillería para dejarte noqueado con sus primeros temas,

con un regusto al mítico sonido Motown. Y es que el álbum tiene

haciéndote olvidar aquella mezcla de ruido y grosería en la que se ha-

canciones para todo. Temas en las que la voz de Erika Wennerstrom

bían convertido sus últimos trabajos. Como siempre, imponente la voz

luce como en “Marathon”, “Only For You” o “Skin And Bones” donde

de Kelly Jones, que comparte protagonismo con esas guitarras que se

la guitarra acústica y la percusión acompañan a la perfección a la

mueven entre melancólicos riffs, como en “Take Me”, y despiadados soni-

melodía vocal (al alcance de sólo unos privilegiados), y otros como

dos rockeros con los que en “Catacomb” te consiguen poner los pelos de

“Parted Ways”, “Late In The Night” y sobre todo “Got To Have Rock

punta. Aunque con claro fondo pesimista en sus letras, este disco es un

And Roll” en donde la fuerza de guitarras y batería dan un do de

buen ejemplo de como la música puede ayudarte a sobrepasar malos

pecho y te recuerdan que it´s rock and roll. Y es que después de

momentos. por José Ruiz.

escuchar piezas como “The Arrow Killed The Beast” estos bastardos han conseguido hacerse un hueco en mi reproductor de música. por

Demonio González, Circus — Auto editado 2013 — Demonio Gon-

Nuno Torres.

zález firma con “Circus” su segundo trabajo: un álbum, confeccionado con siete trallazos energéticos cargados de funk vital y rock and

Big Deal, June Gloom — Mute 2013 — La combinación chico-

roll sucio y decadente. Siete nuevos temas con las que los de León nos

chica y guitarra acústica-eléctrica vuelve a demostrarnos en

adentran en el camino de guitarras rápidas y vigorosas como en “No

el caso de Big Deal que suele ser un acierto siempre. Con su segun-

Hay Mas Ayer” y “Special Man”, tema que da paso a los medios tiempos

do larga duración el dúo se distancia de su primer y vanagloriado

de “El Plan”, cabalgando a caballo de un quique González inspirado. El

trabajo: “Lights Out”, y nos presenta un álbum muy disfrutable, muy

viaje continua para llegar a puerto con un tema de marcado carácter

noventero, en el que tienen cabida desde los ritmos más shoegaze y

tragicómico que nos trae en los vientos el recuerdo de un Tarantino que

grunge hasta temas más melancólicos y calmados. “Swapping Spit”,

destila un soberbio spaghetti western moderno con aires fronterizos en

“Dream Machines” o “Teradactol” , pasando por “Pillow” o “Call and

la ciudad de Calexico. “Circus” supone un magnífico crisol de teclados

I’ll Come” son algunas de los temas que a lo largo de este disco

funk, guitarras rock y alma soul que es debidamente orquestado por el

brillan con luz propia y que le convierten en una escucha más que

blues que contiene la garganta de Demonio González para cargarse de

agradable y en una compañía idónea para estas tardes de verano

ritmo y electrizante energía que saben resolver con maestría y buena

al sol, bien sea el de California, el de Torrevieja, o el que abrasa en

mano. por Javier Mielgo.

la ciudad. por Carla linares.

25 26

Austra, Olympia — Domino/Paper Bag Records 2013 — “So I dan-

25 ce with nothing/So I dance for free/And there is a no glamor stumbling down clear” Así se inicia “Olympia”, el segundo trabajo de Austra. Los canadienses cuentan con tres caras nuevas en sus filas, dos de ellas, las hermanas Lightman que, con sus voces, respaldan las deliciosas armonías vocales que Katie Stelmanis traza con una voz educada en la ópera. La primera frase del disco nos indica que este está pensado para ser bailado de manera rítmica, siguiendo los poderosos beats que protagonizan los doce temas cargados de matices, sensualidad y emoción. “What we done?”, “Painful Like” y “Home” se erigen como auténticos hits. por Beatriz Buitrón Álvarez. 26

Bill Ryder-Jones, A Bad Wind Blows In My Heart — Domino Records — Toca hablar del segundo álbum del ex-guitarrista

de The Coral, Bill Ryder-Jones. Un trabajo íntimo, sensible y melancólico, en el que a través de la triste y sensual “Hanging Song”, la increíblemente solitaria “There´S A World Between Us”, la mordaz e irónica “You’re Getting Like Your Sister” o la genial “The Lemon Trees”, entre otras, viajaremos por recuerdos de adolescencia. Once cuidados temas que se presentan más susurrados que cantados, en el que nos encontraremos deliciosos pianos y magistrales arreglos de cuerda, que combinan a la perfección el folk con el pop británico. Un disco sencillo en su brillantez que conseguirá inevitablemente tocarte la fibra. por Nuno Torres.

Cheek Montain Thief, Cheek Montain Thief — Full Time Hobby 2013 — Mike Lindsay, líder del grupo Tunng, comienza su

andadura como solista con este trabajo. Un álbum en el que la electrónica queda aparcada, pero no el folk. Lindsay nos presenta un disco con guitarras acústicas, violines, una percusión muy cercana al jazz, arreglos de viento, xilófonos y marimbas..., toda una instrumentación perfectamente orquestada y acompañada con unas armonías vocales magistrales, basadas en las cosas que hacen grande la vida: los encuentros, los viajes y el amor. Un disco de fácil escucha pero no por ello menos sobresaliente. Diez canciones llegadas desde la campiña islandesa que ya desde el primer acorde y a través de cortes como “Showdown”, “Spirit Fight”, “Strain”, “Wake Him” te dibujan una sonrisa en el rostro e insuflan una sensación de buen rollo. Lo escucharas una y mil veces. por Nuno Torres. 28

Estúpida Erikah, Fora Les Cendres — Temps Record 2013 — Es-

túpidah Erikah presentan su segundo disco con este “Fora Les Cendres” publicado por Temps Record. Los catalanes parecen haber hecho un pequeño giro estilístico, acercándose a las orillas del pop-rock más académico. Esta variación les puede hacer ganar algunas cosas y perder algunas otras. De primeras su música resulta más accesible y generalista, menos costosa, podríamos decir. Pero de segundas, su música se vuelve más previsible. Pierden un punto de frescura que lucían en sus inicios. Algunas canciones nos hacen perder el hilo, aunque otras como “Fora Les Cendres” (Parte 1 y 2) consiguen sobresalir sobre el resto. por Oscar Villalibre Vicente.

discos

Mick Harvey, Four (Acts Of Love) — Mute 2013 — El trabajo 29 en solitario del miembro de los Bad Seeds tiene ese tono de ternura inquietante, de amor que conduce a la perdición, que tan bien sabe hacer su excamarada Nick Cave. Cuando Harvey dejó el grupo, vio la luz un excelente multiinstrumentista que había apostado por grandes artistas pero, sorprendentemente, había aportado poco de sus propias virtudes como cantautor. Pues aquí lo tenemos: con baladas desgarradoras que servirían de BSO en alguna novela de Allan Poe, pero también mucha cándida reflexión sobre el amor y nuestro cometido en el Universo. En definitiva, una voz honesta que interpreta la vida. por Lara Fernández. 30

Fresneda, Isc — Autoproducido — El cantautor madrileño Fres-

neda, después de un periplo viajero por varios lugares del mundo, reemprende su proyecto en solitario con su segundo EP. “Isc” es una propuesta muy personal, donde podemos ver que hay mucho de entraña e implicación en primera persona del singular. Canciones delicadas, de pop ligero, y en las que la lírica juega mucho a favor del resultado final. Tintes de originalidad para contar aquellas pequeñas historias cotidianas, que por sabidas por todos, necesitan de un toque diferenciador. Fresneda consigue lograrlo, especialmente en canciones tan redondas como “A Lo Rocky Balboa”. por Oscar

Villalibre Vicente. JBM, Stray Ashes — Fargo Records, 2013 — Detrás del nombre

31 de JBM se encuentra el canadiense Jesse Marchant. Un cantautor de tintes clásicos que lleva desde 2008 haciendo un hueco en la música con su proyecto. Este “Stray Ashes” es su segundo larga duración y en él presenta diez canciones que nos transportan a la tradición del folk anglosajón. Tiempos lentos, guitarras delicadas, y una poderosa y angulosa voz que consigue ocupar el protagonismo. Un disco con pasajes evocadores y bellos, como la canción que lleva por título “Forests”, y otros más oscuros e introspectivos como “You Always Keep Around”. Un bonito viaje sonoro para los atardeceres de verano. por Oscar Villalibre Vicente.

The Cave Singers, Naomi — Jagjaguwar,2013 — El sello de Indiana Jagjaguwar tiene en su historial el inmenso honor de haber publicado los dos primeros discos de Bon Iver. Este hecho ya nos muestra por donde van los tiros cuando hablamos de otra de las bandas que edita, en este caso The Cave Singers. Ellos son procedentes de Seattle y “Naomi” es su cuarta referencia. Partiendo del folk y transitando hacia el pop y el rock, este disco consigue, sobretodo, sonar auténtico. Todo parece bien puesto, no se palpan anclajes impostados; todo fluye. Todas sus canciones tienen ese regusto norteamericano que nos recuerda a otras bandas como Megafun. Rústico y clasista. por Oscar Villalibre Vicente. 32

36 35

Daughter, If You Leave — 4AD 2013 — Una voz femenina de

33 folk muy semejante a Florence And The Machine, pero con un fondo instrumental tremendamente poderoso, progresivo y plagado de matices. Así es el nuevo trabajo de Elena Tonra y sus compañeros Igor y Remi. Como el propio título refleja, este disco habla de ausencias, mezclando armonías de post-rock y letras perturbadoras. Como ejemplo: “Smother”, el track estrella, que aborda el tema del suicidio, de la impenetrable decisión de irse de este mundo para no regresar jamás. De cómo el hombre continúa sin entender los misterios de la vida, tan rutinarios como inconcebibles, pese al paso de los siglos. por Lara Fernández. 34

Bikimel, Farrera, Can-Sons D.O. — Temps Record 2013 — Des-

pués de un tiempo sin saber de ella, la cantautora catalana Vicky de Clascà vuelve a la carga con su proyecto, bajo el nombre de Bikimel. En este caso, con un disco dedicado a la población de Farrera, situada en el Pirineo catalán. Un trabajo que ha contado con generosos medios para ser producido, bajo la batuta del siempre genial Tomás Robisco. El resultado, un puñado de canciones muy bien estructuradas, con composiciones orquestales, y la voz omnipresente y muy capaz de Vicky. Un álbum reposado, con matices y de agradable escucha, siempre que apacible sea un adjetivo que se le antoje al oyente. Ideal para huir del calor. por Oscar Villalibre Vicente.

Mount Kimbie, Cold Spring Fault Less Youth — Warp Records 2013 — El dúo formado por Dominic Maker y Kai Campos

vuelve a la carga con su segundo disco, después de las buenas sensaciones de su debut, “Crooks & Lovers” (Hotflush Recordings, 2010). Los británicos presentan este “Cold Spring Fault Less Youth” como la confirmación de su talento. Se alejan de la estela sonora de James Blake y se atreven con una apuesta más experimental. Coqueteando con el nuevo hip-hop en cortes como “You Took Your Time”, o creando atmósferas delirantes como en “So Many Times, So Many Ways”. Un collage imaginativo, vigoroso y a rebozar de matices. En definitiva, un poderoso y brillante muestrario de la nueva electrónica. por

Valerie June, Pushin’ Against A Stone — Sunday Best 2013 —

Aunque su nombre empiece a sonar ahora, la música siempre ha acompañado a esta multiinstrumentista de Memphis. Su deslumbrante talento tuvo la suerte de cruzarse con Dan Auerbach de The Black Keys, bajo cuya producción nace su primer gran trabajo. Con excelentes arreglos instrumentales, Valerie June renueva una música de claras raíces sureñas desdibujándolas con estribillos pop. La profundidad y los matices de su voz nos trasladan a las tesituras de Bessie Smith, al tiempo que su parecido con Joanna Newsom se hace innegable. Dotada de un amplio registro interpretativo, puede mostrar toda la dureza del blues en temas como “Pushin’ Against A Stone” a la vez que la dulzura impregna otros como “Somebody To Love”. por Rafael C. Gardón.

Kurt Vile, Walking On A Pretty Daze — Matador Records — Pa-

38 rece que a este músico de Filadelfia le sentó bien abandonar “The War On Drugs”, a finales de 2008, y buena prueba de ello son los tres discos en solitario que ha grabado desde entonces. Como ya hacía presagiar su predecesor “Smoke For My Halo”, Kurt Vile sigue dando la espalda a la épica de sus primeras grabaciones y deambulando entre la risueña experimentación del primer Beck y un rock americano rebosante de jovialidad y nostalgia. Con un orden de canciones más que discutible, el disco va cogiendo fuerza desde la anodina dupla inicial al lánguido cénit de “Snowflaked Are Dancing”, para cerrar con el memorable “Gold Town”. por Ignacio Simon.

Oscar Villalibre Vicente. Alison Moyet, The Minutes — Cooking Vynil 2013 — Después

The Leisure Society, Alone Aboard The Alk — Full Time Lobby 2013 — The Leisure Society es de esos grupos que uno elige el

de un par de últimos trabajos olvidables, y cuando ya no esperábamos gran cosa de ella, Alison Moyet ha decidido sacar el que sea posiblemente el mejor álbum de toda su carrera. De la mano de Guy Sigsworth, con el que ha co-escrito todas las canciones, la inglesa rescata las raíces electrónicas de su fantástico primer disco “Alf”. La compleja voz de Moyet, las poéticas y exquisitas letras y un sonido experimental y arriesgado explotan en nuestros oídos desde el envolvente y sofisticado primer corte, “Horizon Flame”. Modernidad, elegancia, un toque de dramatismo y electrónica es su justa medida. La diva Moyet ha marcado territorio. por Sonsoles Pérez.

día que necesita una inyección de energía positiva. De buen rollismo que también se llama. En estos dos años de espera, Nick Humming y los suyos han gestado un disco de escucha rápida, sencilla y agradable. En este tercer trabajo han plagado su folk de melodías pegadizas, canciones saltarinas de arreglos abundantes y Acompañamientos Instrumentales Más Orquestados. Ya En Su Single De Presentación “Fight For Everyone” muestran intenciones con guitarras floreadas y vientos juguetones. El travieso vals “All I Have Seen” o la apertura de piano de “Everyone Understands” nos invitan a ver el mundo como lo ve The Leisure Society, de color de rosa. por Sonsoles Pérez.

39 36

44 40 41

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Darwin Deez, Song For Imaginative People — Lucky Numbers 2013 — Lo de Darwin Deeze es otra cosa. El neoyorkino

y su banda gustan de hacer pop personal con toques lo-fi y riffs de guitarra enloquecidos. En este segundo trabajo, mantienen esa línea tan característica y estudiadamente caótica añadiendo sintetizadores retro a sus rasgueos de guitarra, lo que resulta en sonidos extraños y un tanto inclasificables. Su tema “Moonlit” es buen ejemplo de ello. No faltan temas de personalidad Ryth&Blues como “Redshift” o de corte romántico como “Chelsea´s Hotel”. El disco perfecto para pasar un buen rato en la piscina, sin mayor pretensión. por Sonsoles Pérez.

British Sea Power, Machineries Of Joy — Rough Trade 2013 — 41 Cuarenta minutos de escalas. Un sinfín de movimientos en todas las direcciones sin ubicación ninguna. Oscilación. Difícilmente, letras que describen desde monjes franciscanos, ketamina, hasta a féminas culturistas francesas convirtiéndose en estrellas del cine erótico desembocan en buen puerto. Todo es una digresión incesante: pop de cámara, krautrock, loops redundantes, tragicomedia... El colectivo asentado en Brighton recopila lo más destacado de sus seis últimos EPs para dar a luz un larga duración de caras B que suena a caras C. Ni rastro de artillería pesada. Hubo un tiempo en el que el imperio británico tiranizaba, subyugaba y sometía hasta allá por los mares más remotos; BSP no logra colonizar suelo firme con su última ofensiva. por Alejandro Rubio Rodríguez. 42

These New Puritans, Field Of Reeds — Infectius 2013 — These

New Puritans se reinventan en su tercer álbum. En esta ocasión nos presenta un disco que huye de ritmos y melodías preconcebidas. Cierto es que nos encontramos ante un trabajo en el que el piano y los arreglos vocales y de viento están presentes, pero no busquéis la sonora y estruendosa percusión presente en sus antecesores. Y no seré yo el que diga que este no es un buen disco, pues es innegable el preciosismo de cortes como “Dreams”, la montaña rusa a la que pareces subir en “Spiral”, el encanto de “Organ Eternal” (digna sucesora de “Tubular Bells” de Mike Olfield) o el estupendo remate que supone “Field Of Reeds”, pero creo (desde mi humilde opinión) que se trata más bien de un punto de partida. Este será un álbum de difícil aceptación, en el que durante su escucha, sin querer e inevitablemente y coincidiendo con los cortes más largos del álbum “V (Island Song)” y “Nothing Else”, desconectas en alguna ocasión. por Nuno Torres.

discos

!!!, Thri!!!er — WARP 2013 — !!! no están dispuestos a aban43 donar su lugar preferente como cabeza de cartel de todo festival. Tanto esperan de este último trabajo que, ya sólo en el título, juegan con Michael Jackson y su gran éxito de ventas. “Thr!!!er” se articula en torno a la idea de verano; temas que se sumergen en la despreocupación propia de la temporada. Daft Punk ha declarado la vuelta del funk y los !!!, sabios, han sabido oír con presteza el aviso. Dejando atrás sus guitarras, el funk les sirve para representar todos los lugares comunes del verano. El positivo single “One Boy/ One Girl”, lo mejor del disco, es todo un atardecer; “Careful” un complicado chill-out; mientras que “Californiayeah” te enseñará cómo se debe andar bajo el sol de la costa oeste. por Rafael C. Gardón. 44

Mudhoney, Vanishing Point — Sub Pop 2013 — Son pocos los

rockeros que saben reinventarse sin transmutar su ADN, sin sonar casposos, fuera de lugar. Entrados en los cincuenta, la banda norteamericana tiene más potencia que muchos grupos pseudopunks contemporáneos. El álbum se abre con “Slipping Away”, una pista intensa y refinada a partes iguales, la cual es simplemente un esbozo de la agresividad desbordante que humea “Chardonnay”. En ocasiones acusados de ser una banda inmovilista y poco versátil, en la postrimerías resurge “Sing This Song Of Joy”, donde se recrean bajo un manto lleno de detalles. Un trabajo digno de la vieja escuela. por Jaime Suárez.

Aufgang, Istiklaliya — Infiné, 2013 — Extraordinario desde el

45 minuto uno. El nuevo álbum del trío francés nace de la confluencia de géneros opuestos. Un organismo con arterias de música clásica barroca y músculo de techno, un pincel propio que dibuja a Las Meninas bailando al ritmo de Kraftwerk. Y es que para usar el sintetizador hay que saber más que pulsar teclas: Francesco Tristano y Rami Khalifé son pianistas profesionales que, encima, manejan la electrónica. De ese doble virtuosismo, nace el androide más humano. Con dos pianos de cola y una batería consiguen un sonido no visto hasta el momento, inclasificable, contemporáneo y muy atractivo. por Lara Fernández.

The Pastels, Slow Summits — Domino Records 2013 — Con sólo dos de sus miembros originales (el cantante Stephen McRobbie y la batería Katrina Mitchell, aunque esta se incorporó en 1990), los de Glasgow rompen el silencio que mantenían desde 1997. Su nueva entrega recuerda más a lo que venían haciendo en los 90 que al indie-rock abrasivo y seminal de sus comienzos. Tomen nota, porque aquí están algunos de los mejores momentos musicales de lo que llevamos de año, en especial el triunvirato formado por “Night Made Us”, el single “Check My Heart” y la maravillosa “Summer Rain”, con la voz de McRobbie meciéndonos en cinco minutos de indie-pop cálido y elegante, del que cura las penas y hasta el alma. por Miguel Díaz Herrero. 46

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primal scream “Los músicos viven en un mundo aparte, de ensueño. ¿Hay crisis? ¿De qué hablas? Ni se han enterado”. Primal Scream llevan desde el 85 dando guerra, desde que el controvertido Bobby Gillespie (ex - batería de Jesus and Mary Chain) se fusionara con Jim Beattie en la capital de Escocia. Casi treinta años después, el espíritu de Bobby no se ha amainado lo más mínimo. Ya ha cumplido el medio siglo, pero sigue paseando los pitillo y su melena negra por los escenarios de medio mundo. Su mirada es soberbia, y ostenta ese aire seventies que tanto nos gusta. “More Light” (First/PIAS 2013) es su nueva creación, un álbum de electro rock paranoico, concebido a su imagen y semejanza, altivo pero honesto, arrogante pero íntimo. Por el disco fluye un sonido sombrío, amenazador, donde las melodías materializan algún tipo de mal presagio. Banda sonora perfecta para alguna de las demencias del mismísimo Stanley Kubrick, como La Naranja Mecánica, el clásico del celuloide que sirvió de inspiración al punk. De hecho, el primer single, “2013”, cobĳa una letra lúgubre pero, sobre todo, desesperanzada. El de Glasgow grita en él que somos los esclavos del siglo XXI, de la televisión y la propaganda. ¿La solución? No existe. No la hallarás. El obstáculo está dentro del propio sistema… “Todo esto de los gobiernos, los parados, el jodido euro, la pobreza..., forma parte de la cultura occidental. Cada vez tenemos menos individualismo y menos derechos humanos. Los gobiernos de Occidente se creen los mejores y no aseguran nada: ni condiciones laborales decentes ni, mucho menos, un futuro seguro. La gente no sabe si la semana que viene seguirá teniendo trabajo, si seguirá pudiendo mantener a su familia. Esta es la sociedad que ha creado el sistema capitalista. El mundo entero está en decadencia perpetua. Y luego dicen: “Necesitamos música

austeridad”. ¡Lo que necesitamos es Salud y Educación! La gente no se hace pobre, los empobrece el sistema. Tenemos que adquirir plena conciencia de eso y no lo estamos haciendo”. ¿Y la música independiente? ¿Qué fue de la cultura underground que criticaba la falta de compromiso político? Con este asunto, Bobby se enfurece... “Los músicos viven en un mundo de ensueño, en uno aparte. ¿Hay crisis? ¿De qué hablas? Ni se han enterado”.

dominante y se ha vuelto conformista y normal”. Primal Scream sigue haciendo música sin concesiones, obstinada y muy reflexiva: arte basado en la realidad, en la crítica poética, el arma quizá más letal. En sus letras, Gillespie se lanza al océano con la intención de espantar a los tiburones, y seguir su camino con la cabeza bien alta. Le enerva que la mayor parte de las bandas de música procedan de clases altas y que, por consiguiente, no tengan absolutamente nada que decir.

Como no podía ser de otra manera, las críticas ya se han abalanzado a comparar, erróneamente, “More Light” con “Screamadelica”, su glorioso tercer álbum que revolucionó el panorama de la música alternativa. Si bien el último single del nuevo trabajo, “It’s Alright, It’s Ok” evoca aquellos años 90, Primal Scream siempre ha labrado su propio camino, según su actitud y las circunstancias del momento. Ellos se despachan a gusto, al margen de apreciaciones ajenas. Además, les importa un comino que haya quien los considere los grandes herejes del rock…. “La música rock es electrónica, porque se hace con guitarras eléctricas. La tecnología está aquí, y es una tontería enorme no usarla también para crear música. Hay gente que cree que usar sintetizadores ya supone que no haces música.... ¡Qué idiotas! ¡Qué les jodan! Todo son máquinas. Nosotros siempre hemos hecho rock, pero experimentamos con la psicodelia y todo lo electrónico.”

Así, “More Light” refleja el éxtasis hedonista de la década de los 80, aquella vanguardia juvenil sucesora del punk y los Sex Pistols de la década previa. Giros y cábalas sonoras que Bobby interpreta como nadie. El primer single, ‘2013’, ya tiene video: un preciosista poema visual que brotó de una mente española… “La artista es una chica joven española que vive en Londres, Rei Nadal. Me encantó su trabajo con Reptile Youth y quise contar con ella. Tiene mucho talento y ha conseguido plasmar en imágenes el significado de esa canción: la disidencia, el descontento, la ira... Es un video oscuramente explícito, muy directo, como las letras”.

Más que vivo, el lozano Bobby se ha convertido sin paliativos en un componente vital de la industria musical. En una de las estrellas más carismáticas, en su papel de frontman sin pelos en la lengua… “En el rock actual no hay ambición. Uno lee entrevistas con bandas y todo se trata de ser famosos y de ser la banda más grande del mundo. La música rock ya no es tomada en serio por la gente creativa. Ha sido absorbida por la cultura 84

Para percibir bien las entrañas de su nuevo trabajo más te vale ahondar, porque esta vez Gillespie regresa con fundamento. Producido por David Holmes, en él las guitarras entrelazadas, los riffs trillados y un punteo repetitivo, dan paso a un Art Rock que, en ocasiones, nos recuerda a aquel fantástico “Marquee Moon” de Television. “Este disco es diferente a los anteriores, porque si hay algo que odiamos es rescatar sonidos. Nunca me inspiro en nada para hacer música, ni antiguos trabajos nuestros ni discos de otros, sólo cojo los instrumentos y experimento. En “More Light” hemos utilizado, por ejemplo, instrumentos hindúes. Sólo hay que poner un poco a prueba a tu imaginación,

Texto por Lara Fernández.

y las cosas funcionan. “River Of Pain”, para mí la más poderosa del disco, es muy innovadora. Tiene una parte instrumental compleja, pero bellísima. Suena como un desierto dentro del alma, es muy oscura”. Sin duda, “River Of Pain” es magnética, envuelta en una bruma exótica, y tenebrosamente sexy, que te atrapa. Uno de los tesoros del disco junto a “Tenement Kid” o “Relativity” y, por supuesto, la tierna “Walking With The Beast”. Y en esta amalgama de buena música, política y disconformidad, han contado con nombres excelentes: “En “2013”, tenemos la guitarra de Kevin (Shields). Lo echábamos mucho de menos: a él y a su rollito psicodélico. El otro gran nombre es nuestro Robert (Plant), que pone la voz en “Elimination Blues”. Me enteré de que estaba de viaje por Londres y tuve que llamarlo y decirle: “Robert, ven ahora mismo a cantar!”... Fue así de fortuito. Es una persona muy importante para nosotros”. “More Light” fueron las últimas palabras del genio alemán, Goethe, antes de morir, pero de eso ellos no tenían ni idea antes de hacer público el título. La elección fue casual, y la de “2013”, por ejemplo, sigue la estela de los Stooges, que acostumbraban a utilizar como nombre el año siguiente a la composición de los temas. Sea como fuere, si hemos podido vincular a Goethe, los Stooges y Gillespie en un sólo concepto, no puede ser otra cosa sino magnífico. Aquí está el último aullido de Bobby: eslóganes sobre la juventud, arengados por un cincuentón para quién la música ha denotado siempre punk y revolución.

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Una de la voces femeninas más sexys de Gran Bretaña, Aluna Francis, y su camarada George Reid, dicen que su último disco, “Body Music” (Universal / Island 2013) es relajado, idóneo para escuchar entre las cuatro paredes de tu habitación, un trabajo que busca hacerte pasar un buen rato. Nosotros más bien venderíamos el alma porque nos pusieran alguno de los temas que conforman este “Body Music” alguna noche mientras estamos de guateque. Mientras tanto, disfrutemos de los temas pegadizos y futuristas de este dúo revelación desde casa, y escuchemos qué tienen que contarnos sobre su candoroso R&B. Una primera escucha ya produce una reacción casi erótica, pero George, la media naranja que pone el zumo de la producción, no sabría muy bien cómo describir su creación: “Es di)cil definir mi sonido. Tan sólo plasmó mis ideas en la música. Intento crear algo diferente siempre… Todo depende del contexto en el que estoy produciendo”. Sus temas están llenos de ritmos nerviosos, latidos fulminantes y un buen rollo vagamente inquietante. George tiene un talento bestial, y simplemente ha decidido aprovechar un momento de la escena musical, en el que los productores parecían temer arrojarse al abismo para poner en marcha algo que se salga de la pauta. Con influencias como Timbaland y The Neptunes, George conoció a esta mulata de voz aniñada cuando le hizo un remix del tema “Sweetheart” para su grupo “My Toys Like Me’s”: “El remix me dejó muy sorprendida, porque suponía escuchar mi voz de otra manera, en otro estilo, fue genial. Me encantó como resultó mi voz con su producción. Después de sacar el vídeo de “You Know You Like It” mucha gente lo vio y lo escuchó. Notamos que calábamos en mucha gente. A partir de ese momento, el público empezó a venir hacia nosotros y a darnos su apoyo. Realmente fue un gran momento para nosotros. Otro momentazo fue a principios de este año, cuando anunciamos la publicación del álbum, y por supuesto, la nominación de la BBC Sound 2013, donde quedamos segundos. Eso fue genial porque no nos lo esperábamos. Somos unos afortunados, la verdad”, confiesa Aluna. Además de suerte, tienen capacidad, y junto a artistas recientes como Grimes, Nite Jewel, Disclosure o Purity Ring, están abanderando la metamorfosis del sonido, uno sonido en el que la tendencia se enraizada en el R&B y el música

pop de almíbar que azucaraba las ondas de radio cuando ellos aún estaban casi en etapa pre-puberal. Justo el estilo que la generación indie previa rechazó por completo. En este caso, Aluna nos cuenta que el infractor fue George: “La verdad es que yo rechacé el R&B durante un tiempo, lo confieso. Cuando empecé a trabajar con él, yo aún estaba tratando de hacer y ser otra cosa. Pero la verdad es que estaba tan dentro de mí que nuestra música acabó sonando a eso, casi sin quererlo. Ahora estamos muy contentos por poder sacar nuestro disco. Hemos trabajado mucho y cada canción tiene una historia que contar. Hemos compuesto catorce canciones con las que estamos muy satisfechos y contentos con cada una de ellas. El álbum tiene un sonido realmente bueno”. Así nos lo puede confirmar el tercer tema de este trabajo de debut, “You Know You Like It’’, un trallazo poderoso que recrea una atmósfera sintética espeluznante muy al estilo The Knife, pero con un pop que brilla sobre todas las cosas. Francis te susurra en el estribillo “Sabes que te gusta/ pero te asusta la vergüenza”, en lo que podría ser una clara alusión a ese pop mainstream que ella y Reid tanto adoran. Y en “Bad Idea”, otro de los temas, el dúo de sonido excitado se mece bajo la voz quebrada de la bella Aluna, protagonizando un sonido bass menos denso y más iluminado por el synth-pop. Pero donde realmente encontramos la esencia de Aluna George es sin duda en “Attracting Flies”, tema que cuenta con una producción excelente, limpia, sofisticada , marca de la casa de George y que contrasta con una lírica de Aluna más soul que nunca, brillando con una fuerza natural que pone el broche de oro a un tema dedicado a una historia verídica con su exnovio. Es esa sinergia el armamento que acoraza a este dúo prometedor. Y que se puede ver en la canción que da título al disco, la homónima, “Body Music”: “No es simplemente una canción normal, si no que es algo más experimental que puede no gustar a la primera. Nos encanta el estilo que tiene y el nombre tiene un significado más emocional. Cada canción tiene sus particularidades y sus cosas”, cuenta Aluna.

viajar y tocar. Antes el álbum no estaba acabado, pero ahora sí y queremos concentrarnos en la gira. Queremos ir por el mundo y hacer disfrutar a la gente. Ahora no tenemos que pensar en la producción del disco. Cuando supimos que hemos vendido más de 100.000 copias del último single, “Attracting Flies”, no nos lo podíamos creer. Nuestra música es un híbrido un poco extraño, nunca imaginamos que triunfaríamos así. Estamos muy contentos”, confiesan. En realidad, es una historia bastante común en nuestros días: dos amigos de veinticuatro años, con inquietudes, se juntan en una habitación, que deciden ponerse un rato a juguetear con el Mac. De repente, se dan cuenta de que pueden hacer música, y muy, muy decente. E incluso abrirse un camino profesional paradisíaco, cobrando por disfrutar. Algunos triunfan, otros se quedan a mitad del itinerario: AlunaGeorge tenían todas las papeletas para lo primero. Una voz complaciente y una producción impecable que revaloriza el R&B futurista y roza lo mejor de lo experimental. “Body Music”, que verá la luz el 29 de julio, irá por seguro, directamente al número uno, convirtiéndose en el tercer álbum de baile del año (de los gratos, queremos decir), junto al “Settle” de Disclosure y el “Hackney” de Rudimental. Si bien este dúo londinense no son Boards of Canada ni se aproximan a la sobredosis de sintetizadores de Com Truise, por qué no ceder, al menos por un momento, al placer culpable de todo aquello que contiene algo de sustancia comercial.

Y así, por pura serendipia, sigue adelante esta aventura musical que, tras paradas como Sónar o Glastonbury, se presenta con un periodo estival más que ajetreado: “Queremos dedicarnos a hacer conciertos. Durante el año pasado estuvimos haciéndolos, pero es ahora cuando tenemos tiempo para 86

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alunageorge Texto por Joan Coloma.

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this is not a love song Interferencias entre videocreación y música pop — En la exposición

“This is Not a Love Song”, que actualmente puede visitarse en La Virreina Centre de la Imatge (Barcelona), se traza una genealogía de las relaciones entre música pop y videocreación desde los años 60 del pasado siglo hasta la actualidad, poniendo énfasis en aquellos momentos en que ambas manifestaciones se retroalimentaron y se movieron en el territorio de la experimentación, la utopía o la incorrección política. Texto por Javier Panera.

Es preciso recordar que aunque las historias del arte académicas suelen pasar de puntillas sobre este tema, las relaciones entre las artes visuales y la música popular a lo largo del siglo XX han sido muy fecundas y son ya varias las generaciones de artistas de vanguardia que han integrado en los procesos de producción de sus obras elementos que se relacionan de modo directo o indirecto con las actitudes e imaginarios desarrollados por géneros como el rock and roll, el pop, la psicodelia, el glam, el punk, el soul, la música disco, el hip-hop, el indie pop, la electrónica o cualquiera de los subgéneros y tendencias musicales más fugaces desarrollados en los últimos cincuenta años. Del Pop Art al Arte Conceptual, de la Performance y el Body Art al videoarte y el cine experimental, del movimiento situacionista a las prácticas activistas del nuevo milenio, pasando por tendencias más recientes como el Young British Art, la Estética Relacional y las teorías de la posproducción… Artistas tan relevantes como Joseph Beuys, Andy Warhol, Vito Acconci, Dan Graham, Nam June Paik, John Baldessari, Rodney Graham, Tony Oursarte

ler, Christian Marclay, Mike Kelley, Douglas industria del espectáculo…, no es por ello exGordon, Matthew Barney, Jeremy Deller o Da- traño que en diversos momentos del siglo XX mien Hirst entre un largo etc que llega hasta las prácticas artísticas y las musicales hayan hoy, se han aproximado a este género en algu- generado su propio feedback y donde lo expenos de sus trabajos más destacados, llegando rimental y lo subversivo tienen encuentros tan en ocasiones a colaborar con diferentes bandas inesperados como paradójicos, pues a nadie de rock o incluso a grabar sus propios discos, se le oculta que tanto la “industria musical” del mismo modo que músicos tan significa- como el “sistema del arte” tienden a mixtificar, tivos como John Lennon, David Bowie, Pete y en consecuencia desactivar, las corrientes Townshend, Syd Barret, Brian Eno, Alan Vega, musicales y las tendencias artísticas más inDavid Byrne, Laurie Anderson o miembros de cómodas transformando cualquier revuelta bandas imprescindibles de las dos últimas dé- juvenil en “cultura de consumo”. cadas como Sonic Youth, REM, Blur, Franz Ferdinand o The Kills se formaron en escuelas “This is Not a Love Song” no elude estas conde arte antes de dedicarse profesionalmente a tradicciones poniendo en evidencia que tanto la música. En esto, el particular sistema aca- los músicos como los creadores audiovisuales démico de las Art Schools anglosajonas le lleva pueden llegar a posicionarse: bien como actoaños luz de ventaja a las facultades de Bellas res del sistema cultural hegemónico (pensemos artes españolas. en el considerable número de artistas que han colaborado con la MTV), o bien como agentes Género híbrido por excelencia, el rock -mucho críticos capaces de producir pequeñas formas antes que las artes visuales- se perfila como el de resistencia. Lo sucedido hace unos meses primer movimiento cultural posmoderno en con las integrantes de la banda punk femeel cual se dinamitan las barreras entre la alta y nina The Pussy Riot en Rusia, encarceladas la baja cultura, el escenario y la vida cotidiana, por improvisar un concierto en la catedral los “nuevos comportamientos artísticos” y la de Cristo Salvador de Moscú, para protestar 88

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por la connivencia de la iglesia ortodoxa con la política corrupta de Putin, podría ser un ejemplo significativo de este otro polo cuyo rastro, como diría Greil Marcus, puede ser tan intenso y e,mero “como una mancha de carmín que se borra pero deja una profunda huella en nuestra memoria (…)” En este sentido, una de las obras más contundentes de esta exposición es la videoinstalación Crash!!! de Largen & Bread. Hablamos con su cara visible, Javier Largen, un joven artista leonés que se autodefine como “francotirador de la cultura audiovisual”, y cuya obra ya se ha visto en importantes exposiciones colectivas como “Barrocos y Neobarrocos” o “Rock My Religión”.

pieza minimalista…, en la segunda parte esta secuencia se funde con otra pieza de Steve Reich realizada en la misma fecha que Hendrix, a la que sometemos a un parecido proceso de distorsión... Me gustaría pensar que hemos logrado hacer una pieza que está a mitad de camino entre la música noise y el minimalismo. Hay otra pieza que lleva el mismo título que la exposición… En efecto, “This is Not a Love Song (Character Appropriation)” fue producida ex profeso para el show de La Virreina y explora las relaciones entre las estrategias performativas del rock y el grupo FLUXUS. El “solo de violín” de Nam June Paik, encuentra su némesis en las guitarras destrozadas por PeteTownshend, las acciones AntiTv del colectivo Ant Farm se confunden con el Shock Rock de Wendy O Williams y el Phonoguitar de Christian Marclay se convierte en primo organológico del Viophonograph de Laurie Anderson y el Tv Cello de Charlotte Moorman. Persistiendo en la estrategia apropiacionista de Crash!!! (2008) el título fusiona citas textuales y fragmentos sonoros extraídos de una célebre canción de PIL (1983), la banda postpunk de John Lydon (exvocalista de los Sex Pistols) y una famosa serie fotográfica del artista conceptual argentino David Lamelas “Rock Star (Character Appropriation)” (1974) en la que ironiza sobre los arquetipos de autenticidad roquera que promovía la industria musical en los años 70. Ah! y los 4’33’’ que dura el vídeo son también un homenaje a la pieza del mismo título de John Cage... Ha sido divertido y revelador crear esta pieza, la verdad…

Define a Largen & Bread. Largen & Bread experimentan con la imagen y el sonido, su campo de juego es la iconogra)a popular y la saturación visual de los mass media en esta era de circulación promiscua de imágenes en que vivimos. ¿Cuál era el objetivo de “Crash!!!”? Esta obra opera en un territorio similar al de artistas que admiramos como Dan Graham o Christian Marclay y también se relaciona con las teorías de la Postproducción a las que se refieren teóricos como Nicolás Bourriaud. Para nosotros toda la historia de la música pop, lo mismo que la del cine, o la propia historia del arte funciona como una caja de herramientas. En este caso nos hemos “apropiado” de imágenes míticas de músicos de rock destrozando sus instrumentos y las hemos remezclado cacofónicamente con el fin de poner al descubierto cuanto hay de artificio en los impulsos autodestructivos de las estrellas del rock… Tengo la sensación de que en vuestro trabajo la parte sonora es tan importante como la visual. ¿Me equivoco? En realidad no pueden separarse. En el caso de Crash!!! las imágenes de músicos rompiendo guitarras van mutando hasta disolverse en formas abstractas al ritmo sincopado de un fragmento musical del sonido de feedback de Jimy Hendrix grabado en 1968 que escuchamos secuenciado de modo repetitivo, como si fuera una arte

había un material más que interesante para realizar una videocreación paralela, que es lo que se colgó en Vimeo. Respecto a la repercusión considero que toda acción en el espacio público busca despertar la reacción de la gente, pero en este caso no se trataba de una provocación gratuita, sino de generar un dispositivo de reflexión en un espacio simbólico: la universidad, donde el debate de cualquier tipo de idea debería verse de un modo positivo… por eso nos parecieron un poco exageradas las reacciones de las autoridades académicas, más aún cuando reconocían que ni siquiera habían visto el vídeo…

Hace unos meses fuiste objeto de polémica por una controvertida acción de “pornoterrorismo” en colaboración con Manuel AO en la Universidad de León. La institución académica estuvo a punto de denunciaros, ¿cómo valoras un acto de esas características y su repercusión social? “Pornoterrorismo era una actividad enmarcada dentro del Festival: I Desencuentro Post-Porno de León. Acordé con el performer documentar su acción en la Universidad y me pareció tan intensa, y oportuna para el momento de crisis que estamos viviendo, que me di cuenta que 91

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Créditos de las imágenes: Largen & Bread This is not a Love Song (Character Appropriation) 2013. Videinstalación en tres canales. 4’ 33’’ Cortesía Javier Largen

marques toliver Texto por Oscar Villalibre.

Marques Toliver, quédense con su nombre señores, porque será sin duda uno de aquellos nombres que en breve empezarán a sonar con fuerza en la constelación musical. Su precocidad, su talento y su sonido tan personal, capaz de hacer reverberar la música clásica a caballo entre la música negra y el pop, son elementos sobrantes para prever su abandono del anonimato artístico. Marques, vestido con camisa y corbata, llega puntual a nuestra cita en un apartado de un pequeño bar en el barrio de PobleSec de Barcelona, un Marques humilde y sincero que nos cuenta su experiencia dentro de este mundo de la música / su experiencia dentro de la feria que es la industria musical . Y es que sin duda lo primero que destaca desde las primeras palabras que nos cruzamos, es esa corrección y trato tan cercano como cortes con la que Toliver se muestra, hecho que sorprende si tenemos en cuenta los destacados de un currículum, que cuenta entre sus líneas momentos como estar apadrinado musicalmente por Kyp Malone de TV OnThe Radio, ser telonero del grupo del momento como es Beach House o como el espaldarazo que puede suponer el hecho de que Adelle hubiese dicho que era su nuevo artista favorito. Hechos que ya podrían hacer sacar un poco de pecho de palomino al bueno de Marques, pero no es el caso de Toliver, al contrario, de sus gestos y sus palabras sólo puede desprenderse respeto y educación. Algo a valorar viniendo de un músico que empieza a acariciar ciertas cuotas de éxito y que musical y socialmente está rodeado de lo mejor

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de cada casa. En este sentido, al preguntarle por la experiencia de tocar al lado de Beach House responde: “Es una experiencia increíble. Con ellos había tocado alguna vez y compartimos el mismo sello, Bella Union, se acordaban de mí y de mi música. Entonces me ofrecieron salir a girar con ellos. Y está siendo todo maravilloso. A los conciertos acude un montón de gente, siempre hay cola fuera de las salas. Esto está haciendo que pueda llegar a mucha más gente”. Hablando de sus compañeros de escenario y del nuevo público que puede ver cada día se le nota la emoción asomando el hocico. Esta emoción casi púber le lleva hacia sus orígenes musicales y al largo camino recorrido. Un trayecto que empezó gracias a Kyp Malone de TV OnThe Radio, que le apadrinó en la escena “underground”. “Para mí Kyp es mi hermano musical. Él me escuchó una vez tocando el violín cuando yo actuaba por las calles de Nueva York. Le gusté y me ofreció colaborar con él en el disco de Miles Benjamin Anthony Robinson, grabando el violín. Posteriormente con Miles giramos por Estados Unidos y también por el Reino Unido, donde yo no había estado nunca. Fue allí, mediante un amigo común, donde la cantante Adelle me escuchó. Vio mis vídeos en Youtube y se interesó por mí. Aquello fue una publicidad brutal. Entonces me mudé a Gran Bretaña. Fue todo una experiencia bastante loca, la verdad.” Historia repetida, y no por eso menos evocadora, del chico que toca en las calles, se hace famoso por sus vídeos que devienen virales y acaba codeán-

dose con grandes artistas. Ello le hace ser un cantante de la clase trabajadora, un igual entre los comunes, le digo. Él me contesta que “claro que sí. Todos somos iguales. Todos hacemos las mismas cosas seas tú o el rey de España. O un gran torero. A pesar de ser alguien muy famoso, también ha sido un chico pequeño como tú y como yo. Hasta la Princesa Diana era alguien como nosotros. Por eso creo que a la gente le gusta leer las revistas de celebridades. Ven que una estrella va a la playa y piensan “¡Yo también voy a la playa!” Yo tengo muchos amigos famosos y te puedo asegurar que son gente normal. Yo me considero una persona normal.” Escucho sus palabras y afirmo mentalmente. Sí, parece normal. Sorbe el café como el resto de mortales, y sale a la calle a pasar frío para poder fumarse un cigarrillo, como todo hĳo de vecino adicto a la nicotina. Y es esta normalidad la que le ha llevado hasta la publicación de su primer disco titulado “Lord Of CanaAan” (Bella Union, 2013). Un trabajo para presentarse en sociedad y que ha de servir para reafirmar las buenas expectativas generadas. Diez canciones donde encontramos su famoso violín, su voz a lo Motown, y un sonido cálido capaz de mezclar, como saben hacer pocos, las mieles del pop con las del sonido más rythm & blues. Respecto a ello Marques comenta que “tanto mi música como la de grupos como TV On The Radio me parecen similares en el sentido de qué es algo que no escuchas habitualmente. Es un sonido relativamente nuevo. Quizás en el futuro ya no lo sea tanto. Pero en el mo-

mento actual tienes que ser un amante de la música para conocer propuestas como las de TV OnThe Radio, a pesar de ser una de las bandas más potentes que hay. La gente no los conoce, sólo saben sobre Shakira. Y sobre esta mezcla de sonidos que comentas lamentablemente sólo lo puedes encontrar en el “underground”, hoy por hoy.” Y centrándose un poco más en el propio disco, sobre lo qué podemos esperar encontrar en él, añade: “en mi disco podréis encontrar violines, instrumentos de cuerda, percusiones, batería y ritmo. Y a nivel de influencias hay sobretodo música clásica como Bach, en concreto “Three Sonatas & Three Partitas” para los solos de violín. Esto ha sido una gran influencia para el álbum. Por otra parte, también la colaboración de Adelle ha sido muy importante, y su mano puede notarse en tres de las composiciones del disco. A nivel conceptual “Lord Of CanaAn”(2013) es una especie de viaje, donde para entenderme un poco como músico debes escuchar todas las piezas del disco, no sólo alguna canción por separado. Además este trabajo puede servir para ayudar al público a entender la música clásica, a saber apreciar su gran capacidad para el ritmo y la musicalidad.”

Sobre como surgieron estas colaboraciones nos cuenta que “conocí a Natasha (BatforLashes) cuando estaba en Nueva York a través de un amigo mutuo. Y rápidamente congeniamos y empezamos a hacer cosas juntos. Y a Chris Taylor de Grizzly Bear lo conocí cuando trabajaba en bar de Brooklyn. Él me invitó a tocar con ellos el violín para su álbum “Veckatemist” (Warp Records, 2009). A partir de aquí estuvimos siempre en contacto y hacemos cosas cuando podemos. En cualquier caso todas estas colaboraciones son una ayuda para mí”. Sus referencias, sus grandes amigos y conexiones en el mundo de la música nos llevan a hablar de multitud de artistas y nombres propios. Marques es un hombre con grandes amigos, todos ellos conocidos. Y mientras sigue removiendo el azúcar de su café se muestra contento de

Esta referencia a la música clásica es una pieza importante para entender la figura de Marques Toliver. Él es, primeramente, un violinista y su formación clásica es el sustento de su creación. Pero su mano y su tino hacen combinar estos elementos tradicionalistas con una música capaz de rezumar actualidad, y atemporalidad al mismo tiempo, por los cuatro costados. En este sentido, cuando le pregunto sobre la complejidad de ensamblar instrumentos clásicos en su música, niega rápidamente con la cabeza. Empieza a soltar nombres propios que ejemplifican a la perfección por donde van los tiros creativos que fluyen por su cabeza. “Motown, Quincy Jones, TheSupremes, Aretha Franklin, StevieWonder, Ray Charles, James Brown. Toda esta época donde la música se hacía sin ordenadores, y los instrumentistas de cuerda eran los reyes. Una época donde el sonido era más orgánico y puro. Todo este tipo de música que siempre ha estado allí pero que muchas veces hemos ignorado o olvidado.” Sin duda un poso referencial que habla por si solo. Pero la clasicidad de éste no ha impedido a Marques seguir la estela de la vanguardia. Su capacidad creativa y su constante curiosidad le han llevado a colaborar con artistas como Grizzly Bear o Bat for Lashes.

marques toliver

poder contar su experiencia. Su comodidad en la entrevista alcanza la mayor cuota cuando suena Withney Houston en la radio del bar donde nos encontramos, cantando la mítica canción de “El Guardaespaldas”, y él empieza a entonar la melodía sin ningún pudor. El momento desenfadado nos lleva a hablar de sus planes de futuro. Y rápidamente muestra sus ganas para volver a Barcelona, esta vez con espectáculo propio, quizás para el próximo otoño. Se siente muy feliz por poder viajar por todo el mundo y expresarse con su música. Marques es un muchacho amigable y cercano. No le ha prestado importancia a mi inglés macarrónico. Servidor, agradecido, le dice que espera volver a verlo pronto por la ciudad condal.

www.marquestoliver.com

En los años 80, los escoceses The Pastels lograperfecto que los demás. Es un disco muy Nos encanta este estilo de música y por ron un estatus de culto gracias a su indie-rock natural y sigue teniendo nuestro estilo eso es obvio que funcione como single, crudo y atmosférico, que les hizo formar parThe Pastels.” para que suene en la radio y así intentar te de aquel mítico recopilatorio C86 lanzado buscar el impacto sobre la gente.” por la New Musical Express. En los 90 dieron “Slow Summits” está formado por nueve canrienda suelta a un sonido extraño, pero a la ciones realmente especiales, con momentos Otra canción a destacar sería el instrumental vez cálido y cautivador. Ahora regresan con tan mágicos como “Summer Rain”, en la “After Image”, contrapunto a otros temas más un trabajo tan arrebatador como emotivo, tan que es imposible no dejarse llevar por la voz luminosos, y que trae a nuestros oídos un rock reflexivo como arriesgado, Stephen Mc Robiie de McRobbie, o “Night Time Made Us” y experimental de sonido oscuro y enigmático se reafirma con un disco tan esperado como “Wrong Light”, joyas de un pop naif con un que poco a poco te va atrapando…. “A veces magnífico. hermoso poso de años pretéritos, pero que entenemos ganas de tocar sonidos oscuros contramos actualizadas a un tiempo preseny otra veces todo lo contrario. Queríamos Así dieciséis años después de su último largo te. Canciones que quizás puedan representar expresar el momento en el que nos enlos de Glasgow, publican “Slow Summits” un rejuvenecer de The Pastels y su sonido… contrábamos. Una situación no tan alegre (Domino 2013), un trabajo con el que pro“Creo que estas canciones nos aportan como en otras canciones. En la vida tú vas fundizan en la línea que abrieran con “Mobile algo más nuevo, pero que también nos cambiando de estado de ánimo. A veces Safari” allá por 1995 pero con un toque se recuerda la música que hacíamos en el todo es bueno y a veces no, y queremos serenidad capaz de otorgarle más calidez y pasado. A los Pastels de los 80 y 90. Tocareflejar esto en nuestras canciones. En los belleza si cabe a unos temas que se antojan mos la música que queremos y algunas de anteriores discos, como “Illumination” o exquisitos y delicados. Stephen McRobbie, las nuevas canciones nos conectan mu“Mobile Safari”, es lo mismo. Crear las cantante, compositor y único miembro de chísimo con nuestra música del pasado”. canciones con tus pensamientos personala banda en activo desde sus comienzos, in- Responde Stephen McRobbie. les. Seguimos creando las canciones del tenta explicar el por qué de esta espera “No mismo modo. Y canciones como “Check estoy seguro de por qué tanto tiempo… La charla con Stephen va animandos poco a My Heart” o “Come To The Dance” son A mí no me han parecido dieciseis años. poco, relajándose y permitiendonos cotas de momentos geniales y alegres, igual que la Hemos estado haciendo otros trabajos, mayor sinceridad, momento perfecto para melancolía en otras”. Confiesa Stephen. como la banda sonora para la película profundizar en este “Slow Summits” del que “The Last Great Wildemess” y también podríamos decir que los acordes de guitarra Lo que sin duda sigue siendo marca de la para la obra de teatro “12 Stars”. Cola- (muy notables, sobre en todo en las canciones casa es esa forma tan naif y dulce de cantar boramos con Tenniscoats (en el disco instrumentales) son el hilo conductor de un de McRobbie y Katrina Mitchell, siempre “Two Sunsets”). Pero la verdad es que sí, disco humilde y cercano. Acordes muy bien con esa inocencia en las formas pero no en ha pasado mucho tiempo entre el último acompañados y armonizados por los arreglos el contenido… “No importa el estilo, sino lo álbum y este. Y han pasado muchas cosas de viento y cuerda para destacar y ofrecer el que estás diciendo de verdad. Cantamos durante este tiempo. Cambias, tu fami- contrapunto necesario a una batería siempre los que sentimos y expresamos nuestros lia cambia y crece. La gente de la banda muy presente, con un sonido vigoroso y seco. A sentimientos personales en las canciones. tiene hĳos. Te haces mayor, te vuelves lo que Stephen nos aclara… “Para mi el sonido Intentamos transmitir nuestra sensación más reflexivo y te piensas más las cosas. que tiene el disco es genial… Creo que en todo momento. Tratamos de cantar Todo cambia, pero sigues componiendo la batería es muy buena. John McEntihonestamente y Katrina lo hace perfeccosas útiles. Se puede componer una canre es realmente un especialista. Estoy tamente.” ción con cualquier cosa, sólo tienes que satisfecho de toda la grabación y con la pensar. Ahora ya somos más grandes y lo producción del álbum. Muy orgulloso de “Slow summits” (Domino 2013) un regreso que hemos pensado todo paso a paso.” todo el proceso. Este disco tiene muchas sabe a victoria, a batalla ganada al tiempo, un perspectivas de sonido diferente, es muy trabajo conpuesto por nueve temas en los que Un regreso pausado y meditado, un regreso accesible.” Stephen sólo nos cuenta como se siente, como que nos entrega a “Slow Summits”, quizá el le ha tratado la vida en estos largos diecies años disco más mimado, producido y cuidado en En general, el álbum deja muy buen cuerpo, de espera, sólo eso. la carrera de The Pastels. En él todo suena es de esos discos que genera buen rollo. Pero fabulosamente mágico. Algo contradictorio si deberíamos destacar el single “Check My tenemos en cuenta que sus anteriores trabajos Heart”, que nos trae el recuerdo del pop lumidestilaban una imperfección y naturalidad tan noso y alegre de los sesenta…. “En esa canción cercana y honesta…“Queríamos que este disco queríamos hacer algo que fuera más pop. fuera más realista que nuestros anteriores Un estilo de pop diferente, alejado de lo trabajos. Pero bueno, nos siguen encanque estábamos haciendo en ese momento. tando nuestros álbumes de les ochenta y Algo que conectara con la música que hanoventa, más punkies. La gente cambia cíamos al principio de The Pastels. Con un y tu música cambia con el tiempo. Es sonido más exuberante y melódico, para normal. Si no, se convierte en algo artihacerlo atractivo y emocionante. La elegificial. Pero no creo que este disco sea más mos como single porque nos gustó mucho. www.thepastels.org música

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Texto por Joan Coloma y Miguel Herrero.

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el colmillo de morsa Texto por María Mateos. Pese a ser relativamente joven, la firma de Elisabeth Vallecillo y Javier Blanco, o lo que es lo mismo El Colmillo de Morsa, se ha convertido en poco tiempo en la favorita de críticos y público. Sus presentaciones de nuevas colecciones son sin duda, de las más esperadas y aplaudidas, sus propuestas coloridas dejan a todo el mundo suspirando por poder vestir sus estupendas prendas en las que los tonos pastel y las estructuras rectas basada en monos, blusas y vestidos muy naïve, alegre y vitalista con estampados de auténtica locura. Prendas que en definitiva prendas se puede ver el cuidado por el detalle que siempre caracteriza a sus colecciones, esa inspiración nórdica que respiran pero con un aire deliciosamente mediterráneo es el máximo protagonita. Recién aterrizada entre viaje y desfile Elisabet nos responde a nuestras preguntas sobre su trayectoria y sus últimas colecciones. Y como todo tiene un principio El Colmillo de Morsa nos cuentan el suyo y el proceso hasta convertirse en una realidad…“Fue a finales de 2009, poco después de graduarnos, decidimos crear un proyecto en común que más tarde dio lugar a El Colmillo de Morsa. Durante esa primera etapa aún no teníamos muy claro que quisiéramos formar una marca. Fue en febrero de 2011 con nuestro primer desfile en el Ego de Cibeles cuando se formalizó y decidimos volcar todas nuestras fuerzas en ello. Desde entonces hemos participado en numerosos eventos, showrooms y concursos, hemos colaborado con otros creativos y desarrollado proyectos para otras empresas. Ha sido un camino muy ajetreado, lleno de cambios y al que hemos dedicado mucho trabajo. Estamos muy ilusionados con los pasos que estamos dando y los resultados de las dos últimas ferias moda

nos han animado a seguir creyendo y dedicando cada día más.” Una trayectoria con proyección , pero que sin duda tambien ha estado aderezada por momentos duros e insabores en los que te planteas todo, dudas existencialistas como: ¿qué es la moda? ¿Cómo ve la moda la gente? ¿La moda es algo mas? ¿arte?... “La moda es un modo de expresión, un elemento vehicular con el que transmitir tu sensibilidad personal y valores, y al igual que la expresión artística refleja las inquietudes de una sociedad. No me siento cómoda ligándolo al concepto de arte, aunque si se puede encontrar similitudes con nuestro proceso de trabajo. Buscamos la atemporalidad alejándonos del aspecto tendencioso, nuestra tarea creativa se basa en la investigación y experimentación, ponemos en énfasis los valores tradicionales incorporando las técnicas artesanales perdidas en el proceso industrial...”

el que coordine toda la colección. Nos centramos en el estudio de color, la investigación en los efectos y acabados, la selección de materiales, el trabajo de estampados, líneas de la colección..., este es el proceso al que dedicamos la mayor parte; una vez definidos estos puntos, diseñar es mucho mas fácil.” Un punto interesante en vuestros trabajos es la influencia apreciable, reconocida por vosotros, del diseño nórdico, las líneas de corte, el respeto a la sencillez, la simpleza bella que cuida el detalle... “Tomamos como referente el buen hacer del diseño nórdico en lo que se refiere al proceso de proyección, al modelo de desarrollo conceptual. Pero siempre tienes unas referencias más amplias y abstractas , en nuestro caso nos identificamos con las ideas de la Bauhaus, de Morris y las Arts & Crafts. Pretendemos rescatar ese modelo, la idea de taller y pequeño artesano que aúna tradición y modernidad aunque suene muy tópico últimamente.”

Así en la última propuesta para S/S 2013, Hablando de los procesos de investigación y “Pangea”, introducis los prints con seres vivos, experimentación que suponen vuestras co- aves, peces..., una evolución quizás desde otras lecciones, el paso previo a una colección es colecciones en las que lo inerte, los minerales uno de los momentos más angustiosos de este han sido los protagonistas... “La naturaleza sector, momento en el que se define la línea de es un elemento recurrente en todas trabajo para una larga temporada y que hasta nuestras colecciones. Para nosotros es el final, hasta el momento del desfile uno no un foco inagotable de inspiración. Desde sabe el resultado definitivo, el triunfo de una los estampados que reflejan el efecto colección o el frío recibimiento del desfile… de los minerales, cactus fotográficos, ¿Cuando os enfrentáis a la creación de una reproducciones de mármol y piedras de nueva colección cuál es el proceso que seguís? río, hasta las aves y los peces de Pangea.” “Principalmente ponemos sobre la mesa ideas o conceptos que nos hayan estado rondando para escoger un tema que será 120

Piedra angular de El Colmilo de Morsa es también la calidad de vuestras prendas y la fabricación artesanal, algo esencial dentro de

yani como

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vuestra filoso,a de marca y que poco a poco va calando como hecho diferenciador de la moda de calidad y seña de autor… “Sí es verdad, queremos que estos materiales sean también parte de nuestra seña como marca, habitualmente nos decantamos por el uso de materiales naturales. Algodones, lino, cashmere, mohair, alpaca, lana virgen y sobre todo sedas y piel. En las sedas solemos emplear seda salvaje y las pieles cuentan con los certificados de procedencia del consumo alimentario...”

colaboramos con la marca de joyas Après Ski, que nos hizo toda una serie de botones esmaltados a mano para las prendas. En “Pangea” colaboramos con HO where’s alice? Una marca de sombrerería artesanal para que desarrollara una línea de viseras.

y es imprescindible vender fuera. Propia supervivencia. “Pangea” S/S 2013 se venderá en Moscú y para el próximo invierno contamos con puntos de venta en Shangai, Hong Kong, Taiwan, New York y Arabia Saudi. A la espera de cerrar un pedido con una tienda de Berlín, el mercado europeo se nos resite.”

Pero un desfile del Colmillo de Morsa es algo más, puesta en escena, música, accesorios, calzado, aspectos de un desfile que encajan bajo la etiqueta de las colaboraciones, como la realizada dentro del sector del calzado y ejecuatada por “Deux Souliers”…“Tenemos mucha afinidad con Deux Souliers, compartimos muchos de nuestros valores y además se ha forjado una gran amistad. Por eso es que los diseños de Deux Souliers encajan a la perfección con nuestras colecciones.”

Así los desfiles se pueden ver como una suerte donde un diseñador se juega el trabajo de “Pangea”madre de toda la naturaleza posterior; seis meses y la opcion de poder seguir y dar un inspiración constante en la trayectoria de este paso mas ene sta carrera de l fondo, y desfiles par de diseñadores catalanes donde la fusión de como vuestra presencia en la ultima MBFWM formas y colores son el alma de una colección ha sido clave… “Todo lo que nos ha aportado la marcada por la amalgama entre el azul con el MBFWM es muy positivo, tanto a nivel verde, el verde con el naranja, el naranja con personal como profesional. En los desfiles el print de animales. “Pangea” es una sucete lo juegas todo, son momento de mucha sión de tonos lavados, en los que se opta por tensión. Nos gusta cuidar mucho los deta- el movimieto relajado y suave de las prendas. lles. Desde la música, el orden de salidas, Salidas cadenciosas a la pasarela que tomaban hasta cómo sientan las prendas a las modelos materiales organicos como nexo de unión. los. La idea es que el desfile sea algo fluido, gasa, algodón, seda; apuestan y ganan la mano que se desenvuelva de un modo casi natu- en una colección, en general, que gana en las ral aunque siempre hay retoques la noche distancias cortas. La de El Colmillo de Morsa antes de un desfile, bajos que se acortan, supone un trabajo calmado, que brota una coprendas que se entallan...” lección repleta de piezas ponibles.

Y es que podríamos afirmar sin equivocarnos que los accesorios ayudan a dar con el equilibrio, a acertar en el matiz y en el caso del Colmillo de Morsa no podría ser de otra forma… “Los complementos son los que definen el look y le otorgan la actitud. En la colección de “Caminos de Nopal”

Así poco a poco y paso a paso El Colmillo de Morsa va creciendo, ampliando fronteras y puede verse ya en tiendas de distintas capitales europeas... “Hoy en día, para nosotros, conquistar el mercado internacional es una necesidad. Lamentablemente, el mercado Español no ofrece muchas oportunidades

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jesĂşs ramiro Viajar, vivir, degustar restaurante agua

cocineros: walter y cristiano

gastronomĂa

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Muchas veces pensamos en el paraíso y nos imaginamos en una preciosa isla desierta con nuestra pareja, una isla como la que nos ocupa en esta oportunidad, las Islas Caiman, territorio Británico de Ultramar dependiente del Reino Unido, ubicado al noroeste de Jamaica, entre la isla de Cuba y la costa de Honduras, en aguas del Mar Caribe.

Pero en cuanto a la cocina , el ramillete de Arroces, Lechón y pescado conforma su trio de ases , y es que sin duda una cosa que casi siempre sucede en las cocinas caribeñas es lo bien que hacen los arroces, los dominan a la perfección… y un simple arroz cocido (blanco como decimos nosotros) sin añadirle nada, ¡ya está riquísimo!

Grand Cayman es una isla muy pequeña que sólo tiene unos 30.000 habitantes pero con una playa de las más bonitas el mundo: Seven Milles.

Como deciamos otro producto muy común en la cocina caribeña es el cochinillo o lechón como dicen por allí (será porque es más grande que los nuestros). En Agua lo preparaban a la perfección bien jugoso en su interior y la piel crujiente.

Esta isla muy de moda ultimamente, sobre todo como paraíso fiscal, porque es un lugar donde no preguntan por el origen del dinero; y más con la crisis actual, cuando escuchamos que el “pillo” de cuello blanco de turno tiene allí su dinero a buen recaudo… Pero, no penséis mal, yo estuve allí en relación a mis actividades gastronómicas por el Caribe, zona en la que llevo trabajando casi treinta años. Parece mentira que una isla tan pequeña tenga tantos restaurantes de calidad y con unas listas de vinos tan espectaculares. Ese es el caso del Restaurante Agua, donde sus dueños Walter y Cristiano desarrollan un trabajo de alto nivel ofreciendo una Cocina Internacional con influencias Italianas y Caribeñas sin olvidar la Cocina Española. Aparte del restaurante que cuenta con capacidad para unas 80 personas, es de destacar una barra donde uno puede disfrutar de un buen Vino de la Tierra de Castilla y León, acompañada de una buena Tapa, a la altura de los mejores bares de cualquier rincón de nuestro país. En este restaurante, como en muchos del mundo en los que se cuidan bien los productos, tienen muy en cuenta los vinos, por lo que disponen de una cava climatizada donde no sólo les conservan en buen estado sino que eso ayuda a servirlos a la temperatura adecuada… y más en un país tan caluroso como este. Al respecto de la temperatura de los vinos, aprovecho para realizar una reflexión: puedo asegurar que ese es un asunto que cuidan en muchos lugares del mundo mejor que aquí, ya que la primera inversión que suelen hacer en muchos restaurantes es una buena cava de vinos. Cuestión que muchas veces no se produce en España, toda una paradoja que un país que produce los mejores vinos del mundo no cuide precisamente su adecuada temperatura hasta el momento de ser servidos. Y es que en muchos restaurantes españoles se piensa, por ejemplo, que el pescado sí tiene que estar refrigerado pero que el vino hay que servirlo a temperatura ambiente… y yo me pregunto: ¿qué ambiente? ¿ de invierno o de verano? ¿de España o del Caribe... en diciembre o en agosto? Pero recuperemos el sentido de las paginas que nos ocupan, durante los días de mi permanencia tuve la oportunidad no sólo de probar su cocina, sino que además pude cocinar en ella. Cuando uno se encuentra en una cocina del Caribe, observa que todas parecen iguales, bien equipadas pero con un formato típico de hotel. Se nota que la mayoría de los cocineros ejecutivos de los restaurantes se han formado en las cocinas de los hoteles. También hay un buen número de cocineros para lo acostumbrado en Europa y sobre todo muy, muy movidas, “sin respiro”… claro ¡es el Caribe, no podía ser de otra manera!

jesús ramiro

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Pero el plato que más me sorprendio y que me impresionó especialmente del restaurante Agua, fueron sus ceviches. Los tenían de varios tipos: desde el clásico peruano, al tailandés, pasando por el típico de la Isla, el ceviche Cayman style. Dentro del pescado destaca lo bien que trabajan la tuna (atún rojo) elaborándole con gran maestría, bien dorado por fuera pero en su punto rosado en su interior. El restaurante Agua es una muestra más de que el Caribe tiene una gran cocina resultado de las muchas influencias gastronómicas y culturales que a lo largo de la historia han recibido esas “paradisíacas” tierras. Y en este caso la mezcla de dos mundos tan diferentes como son la cocina Europea y la del Caribe, hace que esta resulte una comida muy especial. En fin toda una experiencia que repetire y que aconsejo en cuanto podamos escaparnos una semanita a tan paradisiacas playas.

RECETA: MIXTO CEVICHE

35g de Pescado Blanco Fresco Crudo 35g de Camarrones Hervidos 35g de Pulpo Hervidos ¼ de Cebolla Roja 1 Pizca de Cilantro POR LA SALSA

1 Cucharada de Puree de Aji Amarillo (Pimento de Peru?) 1 Cucharadita de Pasta de Aji Amarillo 1 Cucharadita de Aceite de Oliva 1 Cucharadita de Miel 1 Cucharada de Zumo de Lima Mezclar todos los ingredientes para obtener una salsa cremosa. Elaboración cortar el pescado, el pulpo y los camarones en dados y mezclar con la salsa, servir con chips de harina crujientes.

evaluación comida 8,5 / servicio 8,5 / vino 8,5 / ambiente 8,5 / media 8,5

Galleria Plaza ⁄ Cayman Islands Tfno (345) 9492482 ⁄ E-mail: info@agua.ky

noticias Festival De La Luz — Otro evento a destacar esta vez por tierras gallegas es el Festival de la Luz, un evento muy especial que tendrá a Luz Casal como anfitriona en su casa natal de Boimorto (A Coruña) acogerá los días 14 y 15 de septiembre un magnífico cartel en el que destacan artistas y grupos amigos de la calidad de Fito & Fitipaldis, Rosendo, Carlos Nuñez, Spin Doctors, Riff Raff, Novedades Carminha, Dover y muchos más . El Festival de la Luz es sin duda una experiencia singular. La infraestructura de un gran festival trasladada a una pequeña localidad del interior de Galicia: Boimorto. En la aldea de Andabao se encuentra la casa natal de Luz Casal, rodeada de campos agrícolas que, por unos días, se transformarán en el escenario de una de las citas culturales más atractivas del año. Pero el Festival de la Luz no es sólo música. Es un festival multidisciplinar en el que tienen cabida actividades de todo tipo dirigidas al público de todas las edades y en el que se da cita la mejor gastronomía de Galicia. En línea con el carácter comprometido del Festival de la Luz, la recaudación de taquilla se destinará al Banco de Alimentos de Galicia. www.festivaldelaluz.es ••• BIG Festival — La quinta edición del Big Festival de Biarriz, que se celebrará entre el 18 y 19 de julio, este año tiene como gran protagonista a una de las leyendas del rock, el canadiense Neil Young, que actuará con su banda, Crazy Horse. lo hará en el Estadio Aguilera, uno de los escenarios principales de los conciertos junto al Big Village frente al mar y la discoteca Big. Un certamen que pretende combinar artistas relevantes con grupos y solistas emergentes. Y es que Durante cinco días, entre el 17 y el 21 de julio, la música tomará las calles y la playa de Biarritz, a parte del canadiense también están confirmados Wu Tang Clan, Jonathan Wilson y Gary Clark y un largo etc., porque el BIG es un certamen que pretende combinar artistas relevantes con grupos y solistas emergentes. Por ello, entre el plantel de artistas enorme destacar a George Clinton & Parliament Funkadelic, The Bloody Beetroots, Orelsan, Breakbot, Is Tropical, Wankelmut, Joris Delacroix, Brodinski, The Dedicated Nothing, Busy

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P Ed banger Megamix, Château Marmont, Erol Alkan, Bakermat, Rone, Synapson y Anai Arrebak, por citar unos cuantos. Big Festival son cinco días y cinco noches de fiesta y de música, una sucesión de conciertos excepcionales que van de mediodía al alba, de la playa a los clubs, entre el BIG Village frente al océano, al Estadio de Aguilera, y la BIG Disco, en el Halle d´Iraty.

www.bigfest.fr ••• Ecopop — Y es que en la agenda de todo indie de pro no pueden ser todo super festivales como el PS13 , el Fib ,BBK o Sónar. También hay y tiene que haber cabida para esos festivales más modestos que guardan en su cartel la esencia de un buen fin de semana de festival. Este es el caso del Ecopop que nos ha alegrado tener tan buenas noticias de un pequeño festival con el que hemos colaborado en anteriores ediciones y al que tenemos gran cariño. Se trata del Ecopop, que para esta edición 2013 se desplaza a Candeleda (Ávila). Y es que aparte de confirmar lugar y fechas (del 9 al 10 de agosto), el Ecopop ha dado un paso adelante con cartel mas que respetable: Xoel López, Corizonas, Sidonie, Dorian, Izal, Grises y Modelo de Respuesta Polar, además de VecinosDJs y Pico y Pala DJs. El precio, muy reducido para el cartel que muestran, ya que se venderán a 30 euros, pero ¡ojo! que hay una oferta de lanzamiento irresistible, y es que los cien primeros abonos se venden a mitad de precio.

www.ecopop.es ••• Ebrovisión — el Ebrovision, con doce ediciones a sus espaldas apuesta un año más por un cartel de vértigo pese a las dificultades socio-económicas. Un avance donde encontramos las confirmaciones para esta décimo tercera edición son, The Sounds, Lori Meyers, Fuel Fandango, Chucho, Niños Mutantes, La Bien Querida, L.A, Sr. Chinarro, Los Coronas, Jero Romero, Mendetz, Izal, Álex Ferreira de momento. Un cartel de calidad, que como siempre llenará durante los días 5, 6, y 7 de septiembre a Miranda de Ebro de buena música y actividades para todos. Además este año volverá a llegar, Ebropeque (festival para niños) en lo que

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será ya su cuarta edición, comida popular, exposiciones, mercadillo, conciertos gratuitos, escenarios móviles, acampada cubierta o al aire libre al gusto del acampado (con agua caliente en las duchas), piscinas…

www.ebrovision.com ••• BBK LIVE — Del 11 al 13 de julio, en un enclave privilegiado en plena naturaleza, Kobetamendi, Bilbao, se convertirá en el epicentro musical del país porque una vez más llega la octava edición del Bilbao BBK Live , una edición cargada de propuestas de estilos muy diferentes, Depeche Mode, Kings of Leon y Green Day encabezan el cartel del festival, pero por sus cuatro escenarios pasarán muchos otros grupos, entre consagrados, nuevas promesas, artistas nacionales e internacionales: The Vaccines, Editors, Klaxons, The Hives, Twin Shadow, Vampire Weekend, Kings of Leon, Mark Lanegan, Little Boots, We Are Standard… Además, como novedad, este año el festival colabora con el Bilbao Mini Maker Faire, una feria de inventores y creadores de todo el mundo que coincide con la octava edición del Bilbao BBK Live donde podremos ver robots, instalaciones interactivas… y hasta una orquesta de lavadoras. www.bilbaobbklive.com ••• FIB — Después de muchos vaivenes y diretes parece ser que la décimonovena edición del fib se celebrara entre el 18 y el 21 de julio y para este año el Fib te trae a Queens Of The Stone Age, Beady Eye, Primal Scream, Arctic Monkeys o The Killers. Un año más, los cabezas de cartel pasarán por el escenario Maravillas, uno de los tres escenarios en lo que se repartirán los más de ochenta grupos confirmados para esta edición 2013. Con la llegada del verano muchos apuestan por pasar unos días en Benicassim y vivir experiencias irrepetibles gracias a la música, a las playas, y al paradisíaco enclave donde se celebra el FIB. Además, quienes asistan al Festival Internacional de Benicassim y podrán disfrutar de cuatro días de conciertos y ocho de zona de acampada. Este año se celebrarán más de ochenta conciertos y sesiones de DJ’s en tres escenarios. Además, de los cabeza de

cartel en el escenario Maravillas, actuarán artistas como Dizzee Rascal, Primal Scream, Beach House, Miles Kane, y muchos más.

www.fiberfib.com ••• Euroyeyé — La cita indispensable de cientos de aficionados a la cultura mod y jóvenes sesenteros de todo el mundo cumple su décimo novena edición en plena forma. Se trata, como ya sabéis, de la reunión 60’s más grande de Europa, decano de los festivales underground asturianos. El Euroyeyé es más que música. Es una actitud y un modo de vida celebrado y revivido en Gijón mediante conciertos, allnighters, muestras de cine de culto, exposiciones, pase de modelos, mercadillos de ropa y complementos, ferias del vinilo y reuniones de scooters clásicos. Este año, el gran evento se celebrará entre el 1 y el 4 de agosto y contará con las actuaciones de Derek Martin, Sex Museum, The See See, The Allnight Workers, Los Wallas, The Aardvarks, The Black Beltones y Lewis Floyd Henry. Toda la información en: www.euroyeye.wordpress.com ••• Sonorama — El festival arandino Sonorama se reafirma año tras año con la incorporación de grandes bandas del pop británico, para esta decimosexta edición el festival contara como cabeza de su cartel a la banda a la banda escocesa de los noventa Travis. En el cartel destacan también otros escoceses como son Belle & Sebastian. El cartel del Sonorama 2013 se engrosa con toda una tanda de bandas nacionales, que como cada año, predominan tanto en número como en importancia. En el Sonorama 2013 podremos disfrutar desde vacas sagradas como Loquillo (y amigos), que se encontrará con viejos conocidos como Jaime Urrutia, experimentados como Los Evangelistas junto a Soleá Morente y nuevos proyectos como León Benavente que justo este mes han estrenado su primer trabajo. Pero también estarán sobre los escenarios del festival Dorian, Autumn Comets, Cyan, Edredón, Egon Soda, Estereotypo, Izal, L.A., Los Madison, Pumuky, Stay, Tokyo Sex Destruction, Tuya, Última Experiencia, Egon Soda, Jane Joyd, Standstill, Havalina, Tiki Phantoms. Todo un conjunto de nombres sumamente atractivo motivo por el cual las entradas están volando. Mención destacada y emocionada hacemos a grupos con una gran proyección como son Trajano!, MiNE! y Pasajero, el maño estará presentado un gran disco como es “Radiografías”. La decimosexta edición del Sonorama se celebrará los días 15, 16 y 17 de agosto en la localidad burgalesa de Aranda de Duero. http://www.sonorama-aranda.com Pirineos Sur — Ni un festival de músicas étnicas, ni de músicas del mundo, ni de world

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music, este año el festival Pirineos Sur orbita en torno al concepto “la metrópolis”. Más de sesenta actividades conforman el festival de este año, con los ocho conciertos de Lanuza como principal centro de interés. Pasacalles, conciertos, performances, circo, actividades infantiles y familiares, exposiciones y el ya tradicional Mercado del mundo configuran este “festival dentro del festival” cuyas actividades serán gratuitas. Como novedad Zaragoza acogerá este verano seis conciertos complementarios a la programación oficial del festival. Tendrán lugar a lo largo del mes de julio en el Teatro Arbolé.

Deportivo Cantarranas, situado en la Universidad Complutense de Madrid, que cuenta con una buena comunicación de transporte público: varias líneas de Metro y autobuses, así como la posibilidad de ir a pie desde Moncloa. Grupos como Foals, Vampire Weekend, Reptile Youth, Kostrok o Franz Ferdinand presentarán en directo sus nuevos trabajos discográficos. Capital Cities, John Grant, Reptile Youth y Mo son otros de los artistas que tendrán cabida. Además, las actuaciones de Franz Ferdinand y Amaral en el festival serán las únicas que ambos grupos realicen este año en la península.

www.dcodefest.com www.pirineos-sur.es ••• Santander Music Festival — La música independiente, rock y electrónica protagonizará estas tres jornadas en la Campa de la Magdalena de Santander en una edición muy especial del festival, su quinto Aniversario. Tres días que comenzarán el jueves 1 de agosto con las actuaciones de Fangoria, Hidrogenesse, Manel, The Bright, Tuya y Joan Luna, al precio de 20 €, seguidos del viernes 2, con las actuaciones de Calvin Harris, Keane, Reptile Youth, Dorian, Virginia Díaz y La Chica & La Grande, al precio de 40 €, finalizando el sábado 3 de agosto, donde los protagonistas serán Lori Meyers, The Zombie Kids, Dover, Willy Moon, L.A. y Dj Coco y el precio de la entrada de 30 €. El festival ofrece también una zona de acampada oficial al precio añadido de 10€ más.

www.santandermusic.es ••• Dcode — Este 2013 Madrid dice hasta luego al verano con el Dcode, un festival que celebra este año su tercera edición y que tendrá lugar el 14 de septiembre en el Campus de la Complétense. Lo que arranco tímidamente en 2011 con grupos como My Chemical Romance o The Zombie Kids. Y que posteriormente se confirmó en le 2012 con The Killers y The Kooks arrasando en el festival, se ha convertido este año por derecho propio, dando un puñetazo de autoridad sobre la mesa, en un Festival con mayúsculas, DCODE nos regala un cartel que está a la altura de solo los grandes: Franz Ferdinand, Vampire Weekend y Foals son la parte fuerte de la representación internacional y Amaral, Love of Lesbian y L.A, de la nacional. En cuanto a la ubicación del evento de nuevo será en el campus de la Universidad Complutense de Madrid en el Complejo

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••• Arenal Sound — El festival Arenal Sound, que se celebrará del 1 al 4 de agosto en la localidad castellonense de Burriana, y que ha agotado ya todas las entradas, batiendo así un récord histórico abrirá sus puertas el 30 de julio para acoger las dos fiestas de bienvenida. Fiestas en las que Artistas como Xoel López, Second, Skip&Die, Dinero, Kill The Hipsters, Cyan, Mucho o Alex Ferreira serán los encargados de inaugurar el festival en los días previos. El grueso del festival contara con artistas de la talla de Editors, The Kooks, The Drums, The Fratellis, Steve Aoki, The Bloody Beetroots, White Lies, Lori Meyers, Iván Ferreiro, Dorian y Manel, son solo un breve ejemplo de los artistas que visitaran Burriana.

www.arenalsound.com ••• Low Cost — Low Cost festival celebra su 5ª Aniversario los días 26,27 y 28 de Julio de 2013, en uno de los mejores recintos festivaleros de la península, una magnífica propuesta para disfrutar de un cartel de lo más espectacular de su reciente historia. Desde Portishead, que dará su único concierto en España de 2013, pasando por Two Door Cinema Club, Belle and Sebastian, Love Of Lesbian, Lori Meyers, !!! (chk chk chk) un fieston al que se suman también Glasvegas, Simiam Mobile Disco en versión DJ Set, Headbirds, Gomad & Monster! y Les Castizos y muchos más. www.lowcostfestival.es

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