Lados Mag Issuu 25

Nยบ 25 Saint Etienne, Martha Wainwright, Benjamin Gibbard, Serial Cut, John Cale, Eltono, Hola A Todo El Mundo, Prats, Louise Bourgeois, Cosmic Birds, Efterklang

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Nยบ 25 Saint Etienne 4, Martha Wainwright 6, Benjamin Gibbard 12, Serial Cut 16, John Cale 22, Eltono 84, Hola A Todo El Mundo 92, Prats 94, Louise Bourgeois 108, Cosmic Birds 118, Efterklang 120 Imagen de Portada Martha Wainwright / Matthu Placek Imagen de Portada John Cale / Craig Mcdean

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Saint Etienne Texto Carla Linares / FotografĂ­a Elaine Constantine

Words And Music By Saint Etienne Existe algo mágico en los discos conceptuales. Canciones, títulos, letras, portada. Todo gira en torno a un único argumento, consiguiendo que mientras dure la escucha del álbum, entres a formar parte de la atmósfera que justo el artista buscaba crear para nosotros, para ti.

¿Es la ciudad de Londres una fuente de inspiración constante para vosotros?

Sí, trataba sobre la vida a las afueras de Londres, desde hace muchos años vivimos en Londres. Recuerdo como cuando tenía trece años, yo vivía a las afueras de la ciudad y tenía que coger el tren todos los días para ir a Londres. Cada día contemplaba el mismo paisaje pero siempre me parecía igual de magnético que la primera vez que vi ese paisaje. Londres es una ciudad envolvente, nunca para de cambiar y nunca dejas de encontrar cosas en sus rincones que pueden ser una clara fuente de inspiración.

Así de esta forma tan sencilla y a la vez difícil de conseguir podríamos definir lo que supone escuchar el nuevo trabajo de Saint Etienne: “Words And Music By Saint Etienne” (Heavenly Records, 2012), octavo LP que les reafirma más, si cabe, como grupo de culto de la escena musical pop–dance británica. Exquisitez y dulzura con toques disco, una joya.

Ya simplemente viendo la portada, podemos deducir que estamos ante un disco especial para vosotros y que también puede convertirse en algo muy especial para nosotros los fans, ¿Cómo ha sido para vosotros la creación del disco? ¿Habéis disfrutado con este reencuentro con vuestro pasado musical?

Sí, la verdad es que es un álbum completamente distinto a los otros. Hemos tratado de colaborar con diferentes tipos de personas para conseguir algo inusual, algo diferente. Las melodías se han conseguido siguiendo un proceso bastante similar al que utilizamos siempre en cada trabajo, pero dándole una vuelta más, al final creo que hemos conseguido algo muy bonito. Las canciones al tratar sobre la música, sobre todo lo que te hace sentir, hace que recuerdes cosas que de alguna manera han sido especiales para ti.

¿Cual seria vuestra calle favorita del mapa musical de “Words And Music By Saint Etienne”?

Uff, la verdad es que esta pregunta también me la debería de pensar un poco con calma… ¿Sólo una? Bueno, vale. Diría que “Devil Gate Drive”.

El tiempo pasa y como dicen, no perdona, desde “Tales From Tumpike House” (2005) han pasado siete largos años durante los cuales habéis sacado dos documentales, una banda sonora, Sarah, has sido madre… ¿Cómo habéis vivido esta etapa y cómo estáis viviendo esta vuelta tan “a lo grande”? ¿Cuáles son vuestros planes para el futuro a corto plazo?

Planes futuros a largo plazo aún no lo sabemos, bueno, yo personalmente, aún no lo sé. El sacar nuevo álbum es algo realmente orgánico, renovador, purificador… Así que estamos disfrutando mucho de esta etapa. A corto plazo… Pues en noviembre estaremos en España en varias ciudades como Madrid, Vigo, San Sebastian y Murcia, Creo que no me dejo ninguna, tenemos muchas ganas de volver.

Además de las trece canciones que forman este “Words And Music By Saint Etienne”, habéis sacado otro disco con remixes, con remezclas de Two Bears, White Horses, Summer Camp, Beat Connection, Kisses… ¿Estáis decididos a conquistar por completo todas las pistas de baile?

(Sarah se ríe y podemos certificar que su risa es igual de bonita que su voz). Eso estaría bastante bien, ¡¡¡sí!!! La verdad es que de siempre nos han gustado mucho los remixes. Es lo más diferente que puedes hacer de una versión original, y nos encanta el resultado.

La portada, los títulos de las canciones: “I’ve Got Your Music”, “DJ”, “Tonight” (que habla sobre la emoción que sientes justo antes de ir a un concierto…) todo es un homenaje a la música, una carta de amor a su innegable compañía. ¿Qué canciones son las que os acompañan últimamente? Últimamente escucho bastante a los Seabees. La cantante tiene una voz realmente poderosa. Pero suelo escuchar tanto canciones antiguas (de otros años) bastante. Una mezcla un poco de todo.

La canción que abre el álbum “Over The Border” despista un poco, es una canción deliciosa en la que utilizáis como recurso el “spoken song”, y Sarah va preguntándose poéticamente si dentro de veinticinco años, Marc Bolan seguirá siendo importante para ella, reflexionando sobre la importancia de la música en su vida. Claramente es una de las más calmadas del disco, que posteriormente se vuelve mucho Entonces, ¿Podemos afirmar sin miedo a equivocarnos que esmás bailable, pero sin dejar de hacer guiños a los ritmos tamos ante un disco de corte conceptual? más lentos (“I Threw It All Away”…) ¿Para qué momentos No, para nada, para nosotros, hacer un disco conceptual es algo bastante terapéutico. Es divertido. El escribir canciones que recomendáis escuchar este disco?

No sabría muy bien qué decirte la verdad… (tomándose su tiem- giran en torno a una misma idea, te da más oportunidades para po para contestar a la pregunta). Nos gusta que nuestros discos llegar a nuevas ideas. Nos gustan los discos conceptuales, sí… sean escuchados en su totalidad, desde el principio hasta el fin, (y vuelve a reír y nos vuelve a conquistar con su risa). desde la primera canción y no parar hasta la última. O bueno, es No daremos por terminada la entrevista sin preguntar por en lo que pensamos cada vez que sacamos algún trabajo nuevo. la canción favorita de Sarah para interpretar en directo de Creo que en cada canción los sentimientos que puedes encontrar este último disco: son bastante similares. Sí puede ser un disco melancólico, pero ¿quién dijo que la melancolía era un sentimiento malo? ¡Para no- “DJ” es genial interpretarla en directo. El ritmo de los bajos, su sosotros no lo es! Y el estar melancólico no tiene por qué significar nido. No sé, la gente con esta canción se vuelve bastante ¡¡¡loca!!! estar triste, o deprimido.

Saint Etienne estarán presentando los temas de “Words And Music By Saint Etienne” dentro del ciclo Son Estrella Vuestro anterior trabajo “Tales From Tumpike House” Galicia el 14 y 15 de noviembre en el Teatro Lara de Madrid.

(2005) trataba sobre la vida en un gran edificio de Londres.

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Texto Miguel Díaz Herrero / Fotografía Matthu Placek

Martha Wainwright

Come Home to Mama Que la canadiense Martha Wainwright tiene una de las voces más versátiles del panorama musical ya lo sabíamos. En “Come Home to Mama” (V2 Music, 2012), su primer disco con canciones propias en cuatro años, tras su particular homenaje a Edith Piaf, demuestra además una gran capacidad para exorcizar tragedias (su madre falleció hace dos años) y sentimientos de culpa.

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MÚ S IC A

“He utilizado a mi marido como un auténtico saco de boxeo. En el disco digo algunas cosas muy duras sobre el matrimonio” Aunque no todo es gris, ni mucho menos. Martha nos recibe sonriente en las madrileñas oficinas de Cooperative Music.

La tarde anterior había estado presentando el disco en acústico en FNAC Castellana. “Creo que fue bastante bien”, dice, después de excusarse por llegar media hora tarde a la entrevista.

Viste cómoda: suéter de lana negro de cuello alto y pantalones morados. Habla por los codos, explicándose con mucha claridad. “I talk a lot”, se disculpa al final. “Mejor”, le contesto.

mundo moderno, en el que todo gira alrededor de la tecnología.

Un mundo que cada vez me parece más oscuro y apocalíptico”.

Efectivamente, las letras son muy personales. “Everything Wrong” está dedicada a su hijo, una disculpa por no haber sido una buena madre, con frases tan bonitas como “I will try to stay alive / to see as much through your eyes”. Sin embargo, la estupenda “Can You Believe It?” aborda la necesidad de querer y ser queridos después de todo. Ya lo dijo Neil Young: “only En la portada del disco Martha aparece desnuda, apoyada so- love can break your heart”. El disco trasmite, por tanto, una bre sus piernas, sobre un fondo negro (“Es un poco tonto”, sensación más positiva de lo que parece. Martha me da la razón. bromea). No puedo evitar hacer una metáfora fácil, ya que “Totalmente. He utilizado a mi marido como un auténtico saco de se trata de un álbum muy confesional, autobiográfico, con boxeo. En el disco digo algunas cosas muy duras sobre el matrireproches a su marido (el productor Brad Albetta) incluidos. monio, pero creo que el tono global es “el matrimonio es difícil, Le pregunto si no siente haber “desnudado” sus sentimientos estemos juntos, sigamos intentándolo, estaremos bien si cuidamás que nunca… “Sí, después de que muriese mi madre tenía mos el uno del otro”. la responsabilidad de cuidar de un niño muy pequeño. Mi primer hijo. Y no quería llorar sobre él o entrar en depresión. Tenía Otra canción autobiográfica, al menos parcialmente, es “Four que ser responsable. Ser una buena madre. Cuando el niño era lo black sheep”, con una línea melódica que el día de la entresuficientemente mayor, pude empezar a subir a mi pequeña habi- vista no me podía quitar de la cabeza. “¡Sí! Es un poco como tación a escribir canciones. Fue entonces cuando dejé que todos “Eleanor Rigby” (tararea la famosa canción de los Beatles). Escrimis sentimientos salieran a la luz y les puse música, los filtré en el bí esta canción para un concurso, para la CBC, la televisión pública canadiense. Tenía que representar a la provincia de Quebec, tipo de disco que quería hacer” que es de donde soy. Pensaba escribir sobre Montreal, o sobre la El álbum, en el que han tocado su propio marido, Nels Cli- ciudad donde crecí. Pero en el contrato nos decían el lugar sobre ne de Wilco, la artista japonesa afincada en Nueva York Yuka el cual teníamos que escribir la canción. Era un local de concierHonda o Sean Lennon, fue grabado en la casa de este último tos, “The Black Sheep Inn”, un hotel en el campo, en Wakefield. en la Gran Manzana. “Hace mucho que conozco a Sean. Y Yuka ¿Qué iba a contar del jodido “The Black Sheep Inn”? Había toha sido su mejor amiga desde hace quince años. Es como una cado una vez allí, en un momento en el que todo el mundo en la extensión de una familia. Sean y yo nos queremos mucho como banda tenía problemas: uno era alcohólico, otro drogadicto… Un amigos y nos apreciamos mucho artísticamente. Su experiencia momento raro en nuestras vidas. La noche del concierto estaba vital es muy diferente de la mía, porque obviamente sus padres nevando, condujimos a casa y conseguimos llegara a Montreal. son quizá las personas más famosas del planeta. Eso es algo con Pero en la canción los cuatro morimos en un accidente (risas). lo que nunca me identificaré. Pero somos de la misma edad, y Tenía que ocurrir algo interesante, así que la llamé “The Four hemos luchado para encontrar nuestra propia identidad en la Black Sheep”. industria musical, sobre todo cuando teníamos veintitantos. Trabajar en su casa fue un gran regalo que él me dio, que me ahorró Parece momento de preguntarle si vendrá a presentar el disco mucho dinero y problemas. Además, siempre ha apoyado mucho con banda. “Vamos a intentar venir en marzo. Sé que es difícil por la situación económica, pero espero que la gente pueda venir. mi música, y eso es bonito”.

Serán mi marido al bajo, Jim White a la batería y Jared, el teclista Pasemos a hablar de las canciones, que las hay bien buenas. de este disco. Vamos a empezar la gira también con Andrew WhiMusicalmente, es un disco básicamente de folk–rock moder- teman, de Broken Social Scene. Estamos intentando poder venir. no. Tampoco falta la balada al piano de rigor “Proserpina”. Depende de cómo vaya el disco”.

Y luego está “Radio Star”, la rare avis del disco, con un ritmo y una forma de cantar poco convencional. Sin duda una de Para terminar, nos confiesa que le encanta conocer a pie las mis favoritas… “Me alegra mucho de oírlo, es una de las últimas ciudades que visita. “Lo hago siempre que puedo. He paseado canciones que escribí. Esta no es autobiográfica (sonríe). En rea- por el Retiro, el Palacio de Cristal… Quiero ver el Guernica el dolidad, no habla de la radio, sino más bien sobre el fin del mundo. mingo, que me han dicho que por la mañana es gratis… No sé, aún Una estrella intergaláctica que se dirige hacia nosotros para des- no tengo un lugar favorito en Madrid, porque es tan grande…”. truirnos (risas). La canción fue inspirada en parte por la película “Melancholia”, de Lars Von Trier, porque todo en esta película, Sí, definitivamente más que Montreal. ¡Nos vemos en marzo! el concepto, los planos, era tan bonito… Además, para este disco quería escribir algo divertido desde el punto de vista melódico, un poco loco. El resto de canciones son tan personales que quería escribir algo más ficcional, conceptual. Lo de “On the radio star/ we’ve travelled so far” se refiere al concepto del

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Texto Jaime Suárez Crespo

Benjamin Gibbard Former Lives “La nostalgia es la negación del doloroso presente”, así rezaba una frase de una película de Woody Allen y equivocadamente podríamos de esta manera entender el estado anímico de Benjamin Gibbard.

El otrora líder de The Postal Service acaba de editar su primer disco en solitario al que ha bautizado como “Former Lives” (City Slang, 2012), una recopilación de temas compuestos durante los últimos ocho años Texto en losJaime que no se marca como objetivo la búsqueda de Suárez / Fotografía David Black un nuevo principio, sino más bien cerrar la puerta de su pasado.

Peaking Lights

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Es la nostalgia y no otro sentimiento, el que en ocasiones invade al oyente al sumergirse en las letras y la voz del artista estadounidense. A menudo, estas han servido para allanar la empedrada senda que supone el paso de los años, la caída en el amor y la exploración de la esencia de la emoción humana. No sería extraño que aquellos que vivieron el cambio de siglo siendo unos adolescentes guarden en su colección alguna canción de Gibbard que les retrotraiga a los años dorados de la juventud.

Y es que a pesar de las numerosas colaboraciones en las que ha estado inmerso Benjamin Gibbard, durante todo estos años, jamás había dado el paso de grabar un álbum en solitario, hasta el presente “Former Lives” “Sentía que era el momento, tenía suficiente material para grabar un disco. Entendía que eran composiciones con un nivel muy alto. No merecían estar guardadas y no ser compartidas. Necesitaba anunciar a la gente lo que estaba haciendo”. Gibbard ha abierto el cajón donde escondía aquellos estilos que no encajaban con las inquietudes de su grupo, aquellas canciones que aunque fueron pensadas para la banda se quedaron en el camino. De esta forma se observa un estilo apartado del lígero aire etéreo y épico que destila Death Cab For Cutie. “No hay sitio en un disco de Death Cab para una canción que recuerde a Big Star o Teenage Fanclub, no seguimos ese camino”.

disco. Reconozco que al oyente le pueda resultar extraño que después de escuchar una canción interpretada por una banda de mariachis, le siga otra en acústico. La verdad es que estoy muy orgulloso del resultado, y me gusta pensar que eso es suficiente para justificar este trabajo”.

La falta de recursos en un determinado momento, la necesidad o posibilidad de pérdida de fuerza a exprimir nuestra imaginación y así encontrar fórmulas que permitan sacar adelante los proyectos que deseamos. Gibbard abre el disco, de una forma original, con “Shepherd’s Bush Lullaby”, grabada con un teléfono móvil y así se plasma en el disco, sin colorantes, de la misma forma en la que fue concebida, no cuenta Ben… “Fue el principio de todo, estaba de gira tocando en Sepherd Bush, me llegó la inspiración para una canción y el móvil era lo único que tenía en ese instante para grabar, así que saqué partido de las nuevas tecnologías. Además considero que es algo divertido y es una fórmula que no se encuentra muy en consonancia con los registros en los que he venido trabajando”.

Más allá de la línea introspectiva y autobiográfica del álbum podemos encontrar referencias a los gustos y debilidades del artista, así se desprende del corte más próximo al sonido de Death Cab for Cutie, “Bigger Than Love”, cuya letra de propiedades anacrónicas, perfectamente adaptable a cualquier “Former Lives” se presenta como un trabajo intimista, muy per- pareja contemporánea y moderna, está basada en las cartas de sonal y que ha sido llevado con sigilo por su autor, ni siquiera amor entre F. Scott y Zelda Fitzgerald. “Es importante entender las personas más cercanas conocían que estuviera trabajando las fuente de la que bebe la letra de esta canción para la compreen ello. “Creo que habrá gente que se sorprendería si supiera sión de la misma. ¿Quién podría imaginar que la temática que se cuando fueron escritas y hacia quien están dirigidas originalmen- trata procede de la obra de F. Scott Fitzgerald? He sido un gran te la canciones que han sido incluidas en este disco, los temas aficionado a las cartas que se escribieron el uno al otro durante que componen este trabajo son temas muy íntimos que me han mucho tiempo. Hay historias muy hermosas dentro ellos, siempre ayudado a sobreponerme a momentos amargos de mi vida, son te- había deseado poder plasmar parte de estas misivas, que en defimas que me han ayudado a poder expresar aquellas cosas que no nitiva son pedazos de sus sentimientos, en una canción”. Este es pude decir en su momento a la persona que debía”. Gibbard ha el punto álgido del largo, no sólo por la referencia a personajes convertido este proyecto en una antología que abarca casi diez históricos y la reflexión a la que invita el mensaje de sus letras años, en los cuales ha pasado por tres relaciones distintas, la sino también por la colaboración de la cantautora Aimee Mann. última con la celebre actriz Zooey Deschannel de la cual se ha “Nos une una gran relación, pensé que ella sería la persona ideal divorciado recientemente. “Las canciones en la mayoría de los para participar dentro de este trabajo. Me siento muy orgulloso casos no tratan los temas en los que piensa el oyente. Nunca he de su aportación, una vez comenzó a cantar supe que no había dado una hoja de ruta para que se conozca exactamente de lo que ninguna otra voz que pudiera encajar mejor que la suya”. estoy hablando, no creo que eso sea beneficioso. Ha de ser uno mismo quien en mayor o en menor medida contextualice el men- “Former Lives” una bocanada de aire fresco para la inquieta mente de Gibbard y al que no se le puede buscar mas intensaje que se intenta transmitir dentro de su propia experiencia”. ciones que las de revitalizar el alma y coger fuerzas y es que el Habiendo trabajado siempre dentro de bandas en las que es hecho de que Gibbard haya lanzado un disco en solitario no necesario debatir y justificar el porqué de las acciones, se significa un punto y aparte para Death Cab for Curtie, sino entiende como una liberación la posibilidad de hacer exacta- más bien un paréntesis. Un descanso más que merecido de la mente lo que uno desea, de trabajar individualmente sin dar nutrida gira que Ben y los suyos han llevado durante el último explicaciones a nadie. “Cuando estás haciendo un disco siempre año girando por todo el planeta presentado “Codes and Keys”. tienes la mirada puesta en el panorama general del álbum y en “Es probable que no vuelva a editar otro disco en solitario en diez como las canciones se complementan y cohesionan de un modo años. Estamos en nuestro mejor momento, la banda goza de un u otro. En “Former Lives” ha sido completamente diferente, he gran estado de salud. Han sido ocho años en los que he vivido en trabajado cada canción como un ente individual. Las letras del dos lugares distintos y he pasado por tres relaciones, es un modisco no tratan de un tema en particular, ni se pueden ubicar en mento en el que echado la vista atrás pero nunca dejo de mirar un determinado momento en el tiempo”. De este modo se en- hacia delante”. Vamos poniendo punto y final a la entrevista tiende la variedad y diversidad que humea el álbum. Desde el pero no sin antes refrescarle la memoria de un pasado mas country–folk de temas como “Lily”, “A Hard One To Know” o electrónico, mostrándole el anhelo que el respetable tiene por “Broken Young In the Western Sky”, hasta el pop de “Teardrop una vuelta de The Postal Service, aunque no entre en sus plaWindows” y “Lady Adelaide” pasando por la mariachi “So- nes retomar el proyecto que abandonó hace más de una década. mething Rattling (Cowpoke)”, así nos lo confirma Gibbard… “La idea de que The Postal Service lanzara otro disco sería más “Son canciones muy diferentes entre si, no fueron pensadas para seductora para el público que el propio álbum en sí. Nos creamos integrar un disco en concreto. Aún así no creo en la idea de que fantasías que la realidad no es capaz de satisfacer y así colmar exista un forma correcta o incorrecta para la construcción de un las expectativas”.

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Serial Cut Extrabold Sergio del Puerto o también más conocido dentro del mundo del diseño gráfico como Serial Cut™, es un profesional que se ha hecho a si mismo: tras sus primeros pasos en la revista Vanidad, su esfuerzo y constancia lo han recompensado como uno de los profesionales dentro del diseño gráfico más valorados del país y de los más solicitados fuera de nuestras fronteras.

Texto Pedro García Imágenes Sergio del Puerto

Su gran faceta comunicativa le proporciona sin duda un plus de intencionalidad a sus trabajos como diseñador, muy relacionado con el mundo de las tendencias, sus llamativos trabajos son siempre sinónimo de gran calidad visual. Ahora tras más de diez años de trayectoria y de numerosas campañas ejecutadas para grandes marcas recoge toda su trayectoria en ExtraBold, un magnífico recipiente en formato libro que contiene en trescientas veinte páginas impresas en diferentes clases de papel, una muestra de más de ciento cincuenta proyectos, desde los comienzos hasta la actualidad.

Hagamos memoria y pongamos la línea de salida para Sergio del Puerto. ¿Desde cuando te dedicas al diseño gráfico? Y¿Cómo recuerdas tus comienzos?

Creo que soy diseñador o director de arte desde que era muy pequeño. Nunca le di la importancia que le doy ahora mirándolo con perspectiva, pero llevo haciendo lo mismo toda la vida. Coger prestada a escondidas la cámara de fotos de mi padre para retratar las composiciones estilo bodegón (no era un niño que jugara a una batalla entre héroes y villanos), disfrutaba teniendo al final algo tangible, una foto, que inmortalizara todo el trabajo de composición de la escena. Puede parecer una tontería, pero en realidad esto, instintivamente, me dio la base para hacer lo que sigo haciendo ahora.

Se te conoce desde siempre como Serial Cut™, pero ¿quién es Sergio del Puerto y que o quién es Serial Cut™?

Sólo soy un chico manchego al que le gusta la paella de mi madre, montar en bici, el cine, el olor de los libros nuevos y el Espidifén, que nació en una familia de clase media, donde no había una descendencia artística ni nada por el estilo, pero que rápido supieron ver que era un niño muy inquieto, creativo y rebelde. Mis padres me apoyaron desde el principio y supieron conducirme para explorar mis inquietudes y dar rienda suelta a lo que me salía de la cabeza. Creo que la base de mi infancia mis recuerdos y vivencias junto con lo que aprendí en comunicación cuando empecé a estudiar Comunicación Audiovisual aquí en Madrid (y esa vena autodidacta que tengo) dieron lugar a lo que hago ahora. Pensé que la carrera no me ayudaría a lo que hago en la actualidad, pero pasando el tiempo me he dado cuenta que sí. Todo ha servido para formar las señas de identidad de Serial Cut™. ¿Cuándo y cómo surgió Serial Cut™? y ¿por qué “Serial Cut™”?

Serial Cut™ es el nombre de batalla con el que empecé a firmar mis trabajos freelance, cuando ya vivía en Madrid, allá por 1.999…

En esa época Serial Cut™ era proyecto unipersonal. Los comienzos fueron duros, pero desde casi el primer momento empezaron a dar sus frutos. Mi trabajo fue en la revista de tendencias Vanidad, donde llegué a ser director de arte. La revista fue un buen trampolín para conocer a figuras hoy en día consagradas de la fotografía, diseño e ilustración. Por esas fechas también empecé a colaborar con el periódico El País, donde hacía una ilustración semanal en el Tentaciones (actual EP3). Luego pasé por varios estudios de diseño y alguna agencia que otra, pero siempre compaginando mis trabajos freelance con el de full time. Nunca

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quise incluir en Serial Cut™ trabajos que había hecho para otros, siempre tuve claro que lo que tenía que mostrar en mi portfolio tenía que ser cien por cien proyectos encargados directamente a mí, además de llevar un estilo que cada vez iba perfilando más.

Fueron tiempos en los que dormía cuatro horas al día, pero tenía una fuerza increíble que hasta yo, mirándolo con la perspectiva actual, me quedo asustado. Siempre tuve la meta de montar mi propio estudio, y sobre todo crear un estilo fácilmente identificable y que fuera evolucionando poco a poco. Dar el salto a ser cien por cien freelance fue algo natural, porque la carga de trabajo era más grande y los proyectos parecían más interesantes que los que tenía en la agencia. Así que empecé compartiendo un despacho, y pasados los años, ya fui incorporando nuevos diseñadores y un nuevo espacio más grande y cómodo, donde estamos cinco diseñadores en la actualidad.

El por qué de ese nombre es algo que me preguntan bastante. En el momento que empecé a usarlo hacía honor al “corte en serie” que puede hacer alusión al proceso de impresión (en esa época la mayoría de mis trabajos eran impresos), pero también me gustaba porque sonaba a “serial-number” e incluso a mi propio nombre. Era un nombre fácil de recordar, directo que sonaba familiar, aunque no supieras exactamente de qué. No se me da mal el “naming”, en el trabajo y fuera de él. Pongo motes a la mayoría de la gente que me rodea según lo que me sugiera.

Los primeros años de trabajo en Vanidad, aún estaba estudiando Comunicación Audiovisual, donde tenía de compañera y amiga a Paloma Rincón, ella se dedicó más a fotografía, y yo al diseño gráfico, luego nuestros caminos han estado unidos desde los inicios.

Observando vuestros trabajos como Serial Cut™ se puede observar que sois un equipo creativo y multidisciplinar: ¿Donde buscáis la inspiración? ¿Consideras que tenéis un estilo personal muy definido?

En mi caso, me considero autodidacta, el tema de la búsqueda de inspiración es algo muy instintivo, aunque tiene sin duda un apoyo en la vida cotidiana, los viajes o un videojuego. Pero la verdad es que se me han ocurrido grandes ideas en la ducha, mientras estaba montando en bici o simplemente caminando por la calle pensando en mis cosas. Lo que si me ha atraído siempre es coger referencias de mi propia infancia y actualizarlas. Digamos que es un proceso de actualización y sofisticación de algo retro. En mis comienzos donde no existía internet me iba a la biblioteca de la Facultad a buscar referencias, luego compré revistas de tendencias y libros de diseño “enlatados” (recopilación de autores) pero ahora te diría que en Tumblr está todo si sabes añadir para reblogear, pero básicamente cada día que pasa en el estudio miramos muy pocas referencias y seguimos nuestro propio estilo, tal vez porque está más definido, pero eso es algo que lleva tiempo y bagaje. En mi libro cito muchísimos autores que me han servido, de una u otra manera, de inspiración. Es complicado citarlos a todos, pero los más destacados serían HerbLuballin, Mucha, AnishKapoor, Daniel Gil, Serge Lutens, Guy Bourdin o Lou Dorfsman… ¡pero sólo son unas cuantas referencias porque aquí el espacio es limitado!

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A la hora de afrontar un nuevo proyecto, ¿a qué le otorgas una mayor importancia: a la idea, al diseño, al mensaje que quieres transmitir…? ¿Te dan tus clientes plena libertad creativa?

La plena libertad creativa me recuerda más a esos proyectos en los que te puedes permitir el lujo de experimentar porque tienes más tiempo porque estás empezando. Los clientes que tocan a nuestra puerta vienen con un brief bastante exhaustivo, dejan pocos cabos sueltos. Eso sí, muchos de ellos vienen con referencias de nuestro propio trabajo y eso nos hace mucha gracia e ilusión porque han pensado que somos nosotros quienes tenemos que hacerlo. Hay muy buenas ideas que a veces vienen ya impuestas y nos llaman para hacer la dirección de arte, el último paso para que tenga el mejor resultado posible. Siempre una buena idea es de agradecer. Hacemos trabajos buenos pero a veces no tan buenos, y sólo unos pocos pasan para mostrarlos en el portfolio, y eso porque tiene un desarrollo visual que aporta algo nuevo.

Ciñéndonos en “ExpoBold” tu actual exposición que girará por diferentes ciudades, pero ¿qué es “ExtraBold”? ¿Podemos decir que “Extrabold” resume en cierto modo los mejores trabajos que Serial Cut™ ha realizado durante estos trece años de carrera profesional? ¡Claro! “ExtraBold” es el compendio de la selección de los mejores trabajos del estudio, desde los comienzos a la actualidad.

Es una selección de lo mejor de lo mejor, ordenado cronológicamente. Los cinco primeros años están comprimidos en diez páginas, porque el estilo no estaba tan definido como ahora. He sido muy valiente en poner los primeros diseños, pero en realidad es algo que forma parte del estudio y sirve para ver la evolución.

A partir del 2005, con la entrada de Paloma Rincón como la fotógrafa oficial del estudio y la llegada paulatina del 3D y de mejores clientes, se le da un mayor protagonismo a los trabajos, incluyendo además secuencias de making off. Pero el libro tiene varios atractivos muy especiales: el acceso a figuras virtuales, videos comerciales y maling off, websites e imágenes zoom a través de la realidad aumentada que funciona con un app gratuito. Y por último está la sección de remix, que cuenta con nuestros nueve diseñadores favoritos internacionales, los cuales eligieron una obra nuestra para reinterpretarla en su propio estilo.

Sin lugar a dudas vuestra ascensión ha sido meteórica, hasta el punto de haber trabajado para clientes de la talla de Nike, Channel 4, Microsoft, Adobe, Puma, Toyota o PlayStation, ¿algún cliente con el que no hayas trabajado todavía y por el que sientas una especial predilección?

Difícil pregunta, pero la verdad es que no. Estoy satisfecho con los clientes que tengo y he tenido. Realmente cuanto más grandes son el proceso es más complicado porque es el mismo efecto que trabajar en un Ministerio. Prefiero un cliente más pequeño y asequible, donde las ideas sean escuchadas por unos pocos y no pasen tantos filtros.

“Extrabold” se divide en cuatro partes: Intro, Works, Remix y Outro… Ponemos la lupa sobre la primera de las partes, donde encontramos un subíndice, que podría resumirse como los espacios para las aplicaciones que Serial Cut™ ha desarrollado durante estos años. ¿Por qué esta disposición del contenido?

Esta parte fue sin duda la más complicada. Ahora es un gusto verla porque está llena de datos y es muy atractiva visualmente, y sí, resume lo que es Serial Cut™, su filosofía. Fue muy complicado tanto a nivel de contenido como visual. A nivel de contenido es complicado determinar como englobar en cuatro partes lo que es

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el estudio, sin duda me llevó mucho tiempo. También escribir el texto, lo cambié muchas veces, pedí ayuda a Paloma, ella lograba darme su visión como parte del Estudio pero a la vez desde un punto de vista objetivo. Tampoco era algo que se pudiera encargar a un periodista, porque hablaba de la esencia del Estudio y quien mejor que yo para hacerlo, pero a la vez estar tan dentro te hace perder perspectiva y es curioso que los textos sólo pude escribirlos en casa, yo sólo, sin ruidos ni música… concentración total. No sé cuanta gente lo habrá leído, pero espero que también vean un valor de honestidad, que creo que lo tiene, y hasta didáctico, porque contar el proceso, las referencias de uno y el día a día es algo muy valioso que muchos se niegan a desvelar.

Dentro de “Extrabold” destaca especialmente Remix, un apartado para la colaboración y donde invitasteis a nueve diseñadores para realizar una pieza en exclusiva para el libro. ¿Cómo fue el proceso de selección de estos nueve artistas?

El criterio que seguimos fue muy sencillo: escoger a los diseñadores que además de ser muy top habían tenido de una u otra manera una relación con el estudio. Con otros simplemente había una relación de atracción visual mutua. Todos hicieron, dentro de su estilo, imágenes muy potentes y siempre les estaré agradecido porque es un homenaje con mayúsculas al estudio. Los diseñadores tenemos un punto muy altruista que se ve reflejado en casos como este. ¿Hubo alguna premisa para estas colaboraciones?

Simplemente ellos debían escoger una obra y que no hubiese sido elegida ya. Se les dejó absoluta libertad para hacer su interpretación, y ¡vaya si lo hicieron! Algunos sorprenden muchísimo. ¿Cuál crees que es el nexo de unión entre cada uno de los nueve magnificos diseñadores y artistas que han colaborado en el presente “Extrabold”?

Que todos son diseñadores reconocidos internacionalmente y que sobre todo son fan de Serial Cut™ ¿Por qué ciudades girara “ExtraBold”?

De momento las ciudades clave son Madrid, Londres y Nueva York, porque es donde más fans tenemos y donde más trabajamos. Pero puede que en el camino haya sorpresas y salga alguna ciudad inesperada. Todo es cuestión de organización. La gente pregunta mucho vía Facebook “pero cuando venís?”

Pasemos al presente y al futuro más cercano. ¿En qué proyectos andas sumergido en la actualidad?

En la actualidad tenemos una avalancha de proyectos y la verdad es que aún tengo resaca de “ExtraBold”, así que se ha solapado este proyecto de un año con proyectos importantes. Estamos haciendo trabajos para Nike USA, Nespresso, Rexona, Cornetto y hasta ¡Fairy!ciudad inesperada. Todo es cuestión de organización.

La gente pregunta mucho vía Facebook “¿pero cuando venís?”

Para terminar y como muestra para conocerte un poco más de Serial Cut™ en su día a día más rutinario: Una tipografía: Cualquiera que sea “ExtraBold”.

Una forma geométrica: Cualquiera que no sea circular.

Un color: Cualquiera, no me caso con ninguno.

Gracias por tu tiempo y dedicación. Un abrazo Gracias a ti, espero que por lo menos os haya ofrecido suficiente información como para que conozcáis mejor lo que se hace desde Serial Cut™.

John Cale Texto Arturo Jiménez Calvo / Fotografía Craig Mcdean

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Shifty Adventures in Nookie Wood Su estancia en Velvet Underground, banda que fundó junto a Lou Reed, duró tan sólo tres años. Pero eso le bastó para convertirse en una referencia mundial dentro de la creación de vanguardia.

en día. Y así Cale sabe dar un buen uso y exprime las posibilidades de Autotune en Mothra… “Bueno, la verdad es que todo el mundo lo hace ahora, ¡yo sólo lo utilicé un poco! Lo usamos por dos razones, una es que este efecto hace sonar la voz como un robot y quedaba bien musicalmente, y por otro lado, le daba un carácter solitario y desolado al personaje que canta la canción”.

Septuagenario y con una lucidez envidiable, nos presenta su nuevo disco,“Shifty Adventures in Nookie Wood” (Double Six, 2012), siete años después de su último trabajo editado, le tiende una mano a los nuevos sonidos y tendencias pero sin dejarse arrastrar inconscientemente por ellas.

Cale nos ofrece en este disco un conjunto de canciones que rejuvenecen al clásico. A ese clásico que lleva cincuenta años Alguien como Cale, criado en la vieja escuela, nos deja de sorsorprendiendo a todos los que le miran desde la platea terrenal. prende por no mantenerse al margen de los avances tecnológiPero ha sido una larga espera desde su último trabajo, “Black cos, ya que no solo los ve como una posibilidad de sonar más Acetate”, que salió en 2005. Todos sus seguidores, y los no tan- “moderno” sino que los asume e integra dentro de su universo to se preguntaban el por qué de esta espera… “En el momento creativo… “Intento estar al día ya que estoy rodeado de todo eso en el que pensé en ponerme con este nuevo disco estaba inmerso desde que tengo el estudio funcionando. Por ejemplo, una de las en montar mi estudio y eso me llevó bastante tiempo, como un cosas buenas de estar en un sello como Domino es que te animan año y medio. Intenté hacerlo lo más rápido posible, pero ya sabes a sacar EPs, singles… y por consecuencia caras B. Las caras B que a veces tardas más en hacer algo cuando más prisa intentas tienen que sonar diferentes al resto del disco y resulta que en darte. Una vez terminé con aquello empecé a trabajar con mi por- una semana nos dicen que necesitamos un par de ellas para un tátil, fui añadiendo cosas a los temas que tenía, pequeños arreglos lanzamiento. Así que tenemos que probar cosas diferentes y usar todas las herramientas disponibles en el estudio para conseguir para que el trabajo posterior fuese mucho más rápido”. ese sonido diferente”.

Sin duda todo un proceso muy duro, dilatado y meticuloso… ”Sí, sin duda después de todo eso me metí a grabar en el estudio, con mucha calma, al final acabamos de grabar unas cuarenta canciones el pasado diciembre, de las cuales teníamos que elegir unas quince o veinte. Nos dijeron en aquel momento que teníamos que posponer la fecha de lanzamiento del disco porque había que coordinar el lanzamiento en Europa y América así que nos encontramos con tres meses más de espera.” Tiempo que pudiste emplear para perfeccionar y pulir los temas, pero que Cabría preguntarse en qué manera, al margen de adoptar estos como alma inquieta decidiste darle otra salida … “Durante ese nuevos avances, ha cambiado entonces la forma de trabajar de tiempo grabamos más material, y resulto que los nuevos temas John Cale desde aquella “época analógica” hasta la invasión de me gustaban más que lo que teníamos ya hecho. Una vez finaliza- los ordenadores y nuevos aparatos en las vidas de los creadores mos las nuevas canciones empezamos a mezclar,cuando tuvimos musicales. “ La tecnología y la música han avanzado mucho, es las mezclas y lo escuchamos en el coche para asegurarnos de que muy diferente en muchos sentidos. Sólo hay una cosa que es muy todo se escuchaba correctamente dimos por terminado el trabajo. parecida, y es el improvisar al crear las canciones. Con la Velvet Finalmente estaba convencido de que lo que se oía en el estudio solíamos improvisar en el Hangar y ahora se hace en el estudio, era lo que fielmente iba sonar en el disco cuando saliera a la calle. donde además tienes más control sobre todo. Aparte de eso no Fue un proceso muy largo, la verdad, pero estoy muy contento creo que haya ninguna similitud con lo de antes porque, por con el resultado”. ejemplo, ya no escribo canciones sólo con el piano o con la guitarra como solía hacer para anteriores álbumes. Ahora compongo Muchos álbumes en solitario después, infinidad de trabajos con las herramientas del estudio”. Precisamente en este senticomo productor, arreglista y varias composiciones para pelícu- do en “Shifty Adventures in Nookie Wood” colabora Danger las a sus espaldas, le han colocado en el altar de las leyendas vi- Mouse, uno de los actuales gurus de esa nueva forma de trabavas de la música moderna. Y es que John ha vivido la transición jar en la composición musical, que produce la pista que abre de la industria musical por dentro y por fuera. Ha sido testigo el disco. “Sí, así es, esto fue una especie de intercambio que directo de los cambios, a mejor o a peor según se mire, que han hicimos. Hace tiempo él me pidió que participara en una canción marcado los diferentes estilos de las últimas décadas, por eso de una banda inglesa llamada ‘Shortwave Set’. Antes incluso de es interesante suponer cómo afrontó el proceso de mezcla de eso fuimos un día al estudio para probar algunas cosas partiendo este trabajo. Teniendo en cuenta de dónde viene es de suponer de una gran librería de pequeñas piezas que él había compuesto. que se hizo de forma analógica, la única tecnología disponible No eran canciones propiamente dichas, más bien fragmentos muen los tiempos de la Velvet. “Sí, me compré una consola de mez- sicales no acabados que tenía guardados. Pasamos un buen rato clas y estoy muy contento con ella. Es un aparato analógico que compartiendo ideas, nos lo pasamos muy bien…, teníamos algo suena muy bien. Es muy cálida”. de vodka… Entonces recuerdo que en diciembre, cuando terminamos de grabar los primeros temas, yo echaba en falta algo con Pero a pesar del refinamiento analógico que Cale se gasta “Shi- sonido Motown y precisamente uno de los tracks que habíamos fty Adventures in Nookie Wood” tampoco le hace ascos a las grabado en aquella sesión tenía ese aire que buscaba, así que le nuevas posibilidades que la tecnología ofrece a los músicos hoy busque y le dije: ‘terminemos aquello y hagamos una canción’.

“Las caras B tienen que sonar diferentes al resto del disco”

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Los demás músicos y yo grabamos las guitarras y teclados del resto del disco y esta pista acabó teniendo un feeling muy diferente a las demás canciones porque él toca de una forma muy suave. Es un intérprete muy delicado y dulce. Por el contrario, cuando yo toco suelo atacar al instrumento con mucha más fuerza”.

Sin embargo hay que admitir que se ha hecho una labor muy fina a la hora de homogeneizar esa diferencia entre las canciones… “Sin lugar a dudas, ¡eso es porque la puse en una muy buena posición en el disco! ¡La primera de todas! Si la hubiera colocado en el medio del disco se habría notado mucho más porque destacaría más entre el resto del conjunto, el orden de los temas en un disco también es importante, es quizás el toque que le confiere sentido y cohesión a un trabajo”.

“Las grandes corporaciones siempre están intentando manipular el curso del mercado”

Pero ahondando mas en el presente “Shifty Adventures in Nookie Wood” y yéndonos a otra canción de las que forman parte del álbum, no podemos por menos que comentar sobre una reseña de este trabajo en The Guardian en la que un afamado columnista expone que en el corte “Scotland Yard” hace referencia a las revueltas de Londres, de alguna manera el artista se siente ofendido ante esta temeraria apreciación e incluso cambia ligeramente el hasta ahora afable tono de conversación… “¡Vaya!, ¡pues realmente no hablo sobre las revueltas! Hablo sobre todo. Hablo sobre la confusión general, sobre cómo funciona la comunidad local donde todo el mundo conoce a su vecino y lo que le está pasando. Hablo sobre la situación de la gente que vive bajo una vigilancia constante, que aunque no hayan hecho nada malo viven como si lo hubieran hecho.

Y sobre la diferencia entre haber hecho algo malo y estar haciendo algo malo. Es una diferencia muy sutil, ¿sabes?, no puedes diferenciarlo fácilmente. Y sobre lo útil que es para los que nos vigilan el saber cómo la gente funciona y cómo pueden determinar y predecir cuándo va a brotar la violencia en algún lado”.

La sociedad que se encuentra bajo el control del sistema… “El tema es que están controlando muchas de estas cosas que están pasando y creen que por eso saben todo lo que ocurre, pero realmente no es así. Intentan predecir todos los movimientos de la gente, pero la gente es impredecible. La gente es demasiado inocente y espontánea como para poder meterse en sus cabezas. Esas son parcelas de la naturaleza humana que aún no entendemos”.

La conversación coge una dirección interesante, sin duda, y las ideas se agolpan en la lengua para meter un poco el dedo en la llaga y comenzamos a charlar sobre si los músicos o la propia industria musical hacen eco de este tipo de asuntos.

Prendemos la llama… “Creo que es muy útil para la industria musical permanecer ciega ante estos hechos. Realmente pasa en todo tipo de industrias, porque temen las sorpresas. A ellos les interesa saber lo que funciona. Las grandes corporaciones siempre están intentando manipular el curso del mercado. Quizá la industria musical simplemente deja que las cosas pasen y se intenta aprovechar. El hit del momento surge porque sí, nadie sabe por qué sucede. He oído todo tipo de explicaciones, pero realmente no creo que nadie sepa por qué ocurre lo que ocurre.

No hay una fórmula que diga que tienes que hacer esto o aquello con la guitarra, o quitar esta o esa otra parte… Sí que he llegado a darme cuenta de cómo las grandes compañías manipulan las cosas y repiten patrones aquí y allá, pero en realidad eso se hace por instinto. No hay una fórmula para que algo tenga éxito, por mucho que la intenten encontrar las compañías. Eso es trabajo de los músicos”.

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Pero todos sabemos que siguen en su empeño las grandes compañías buscando la fórmula mágica para dar, por ejemplo, con la canción pop “perfecta”, acudiendo incluso a estudios científicos muy complejos. “Ese es el tema. No tienen suficiente respeto por la individualidad”. A los más curiosos les recomiendo que “googleen” experimento Darwintunes y se preparen para echarse a temblar…En fin, saliéndonos un poco de estos jardines tan “políticos”, no podemos quedarnos sin saber que opina en señor Cale sobre el estado de la escena musical actual.

A nosotros nos parece estupendo, pero siempre es interesante el punto de vista de una persona que “ya lo ha visto casi todo”… “Están pasando un montón de cosas interesantes. Ahora encuentras infinidad de bandas por todas partes que no tienen mucho dinero, ni equipo, pero que hacen algo realmente único.

Tienen su propio estilo y su propio sonido totalmente diferente a todo lo demás. No tienen muchos recursos con los que trabajar, así que lo que ves es fruto de su ingenio”. De hecho hay incluso algunas bandas insurgentes que le han llamado especialmente la atención a alguien tan especial como él, aunque su mente se nos desvela aquí ya un poco dispersa, síntoma quizás de que es hora de ir rematando la entrevista… “Bueno, no se si siguen siendo underground porque ya han sacado discos. Sus canciones y su música son muy “evasivas”, aunque muy atractivas a la vez.

Hablo de Dirty Projectors. Y había otra banda…, pero lo siento, ahora mismo no me acuerdo del nombre…”

Cosas de la edad o simplemente una elegante forma de retirarse… En fin, una de las razones, y sin duda uno de los grandes apoyos, del surgimiento de este tipo de bandas es sin duda la gran cantidad de festivales, de propuestas al margen del circuito comercial que han surgido por todas partes del mundo en los últimos años. Este fenómeno, del que no pudo nuestro artista disfrutar por no existir aún en la época en la que daba sus primeros pasos en la carrera musical, a nosotros nos parece algo de los más normal pero para los creadores, sobre todo proviniendo como él del circuito underground, seguramente se les presente como una utopía materializada, aunque tenga sus pegas, lógicamente…” “Bueno, hay algunos festivales, como en el que acabo de estar en Chicago, que demuestra que hay gente que realmente conoce la escena alternativa y que sabe cómo ésta es capaz de atraer a la gente. Mira, tengo un nuevo equipo de técnicos que me acompaña en los directos de esta gira y el tío que se encarga de la música que suena antes de subirnos al escenario puso el otro día a Black Sabbath y más grupos de ese estilo, le aparté a un lado y le dije que no pinchara aquello otra vez antes de nuestras actuaciones. La gente que viene a mis conciertos no quiere escuchar eso. Hay una mezcla intergeneracional de público que viene a mis actuaciones, de la que estoy muy orgulloso, que reúne a algunos más mayores que me recuerdan de mi etapa en la Velvet Underground, pero hay otros muchos jóvenes que encuentran una conexión entre varios grupos actuales y mis canciones. Todos ellos saben muy bien lo que quieren”.

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1. The XX, Coexist Young Turks / Everlasting records 2012 Ya con su álbum debut, The XX nos transmitieron esa agradable sensación de escuchar algo extrañamente nuevo. Con “Coexist” el trío londinense vuelve a dar un paso al frente con su minimal pop en el que las voces acarician la música tratándola como un susurro, como un secreto en nuestro oído mientras la suave brisa sonora nos envuelve con sus cuerdas, con sus melodiosas sensaciones. “Coexist” continua los pasos, se gusta y sigue por la senda de una pulcra producción, de explosivas guitarras, de ambientes reberverizados, de intimidad, de silencio. Ahora respira, porque seguramente lo más interesante esté aun por llegar. Abel Molina 2. Skip & Die, Riots In The Jungle Crammed Disc 2012 Primer disco de este grupo multicultural que cantan en afrikaner, xhosa, zulu, inglés, español y portugués unas letras reivindicativas que se mezclan con bailables ritmos africanos y sudamericanos, todo ello amalgamado a traves de una electrónica que da como resultado una propuesta única que no deja indiferente tanto por el mensaje como por que tiene temazos para quemar zapatilla en la pista de baile. Para buscar una cercanía dentro del difuso término “world music” están más cercanos a grupos que usan y utilizan los ritmos étnicos para crear que a los que se los apropian. Antonio Moreno Casero 3. Al Berkowitz, A Long Hereafter / Nothing Beyond Temple Records / Taliban Music / Green Ufos 2012 Con mayor fuerza si cabe que en la entrega anterior, una vez más la sombra de Tim Buckley, Syd Barret y otros tantos coetáneos se posa sobre las composiciones de la banda, convirtiendo a este doble album en un viaje setentero alucinógeno en toda regla. Al igual que un ácido en un entorno controlado, estas doce canciones servidas en dosis de papel secante de doble gota nos llevan a un estado de conciencia diferente, donde las melodías de Ignacio Simón hacen de anfitrionas en una fiesta de ruidos, atmósferas y riffs siseantes.

Esto es una velada relajada de LSD. No te dará el subidón de la cocaina. Aquí no hay falsa euforia pasajera. Puede incluso que cobre más valor al recordarlo o al recomendarlo a los amigos, pero lo que está claro es que todo el mundo debería probarlo aunque fuera una vez en la vida. Arturo Jiménez 26

4. The New Raemon, Tinieblas, Por Fin Marxophone 2012 A nuestro querido Ramón no hay nada ni nadie que le detenga. Sus cuerdas vocales otorgan belleza a esas letras que su puño ha conjugado con habilidad, que plasman el descontento del autor con la sociedad actual, que encaran la realidad y le reprochan su iniquidad. Manteniéndose en la línea de su anterior trabajo; “La Libre Asociación”, aunque tropezando de vez en cuando con la monotonía, The New Raemon no deja títere con cabeza. Sin embargo, el mejor tema de “Tinieblas, Por Fin” es aquel que canta al amor y se sumerge en la mitología para olvidarse de la cruda realidad, “Galatea”. Beatriz Buitrón Álvarez 5. Amanda Palmer & The Grand Theft Orchestra, Theatre is Evil 8ft. Records 2012 La cantante americana, también conocida como Amanda “Fucking” Palmer ha dado su do de pecho, nunca mejor dicho, con su tercer disco. Desde la primera escucha, las alusiones a Siouxie, Tori Amos o incluso Kate Bush son inevitables y también políticamente incorrectas. Y es que en su nuevo álbum encontramos una Palmer más popera y experimental que en su anterior etapa en Dresden Dolls. Temas como “I’m Not The Killing Type” o “Bottomfeeder”, resultan ostentosos y barrocos, envueltos en glam–rock, punk y otros pastiches.

Amantes del exceso, pasen y escuchen. Caridad González 6. Alondra Bentley, The Garden Room Gran Derby Records 2012 El segundo capítulo de la historia de Alondra Bentley recupera su sonido folk más tradicional y representativo.

“One Friday Morning” inaugura de forma elegante y melancólica este“ The Garden Room”, el cual se compone de un conjunto diez canciones que destaca por su sonido tranquilo, su ambiente familiar y su esencia americana y de época. En “Spring Rhyme” encontramos lo que podríamos denominar el punto más dulce del disco y en “Autumn Rhyme” el tema que cierra el círculo de esta conspiración entre genes de Murcia y Lancaster. Jesús María Velázquez

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7. Jason Lytle, Dept. Of Dissapearance Anti– 2012 Desde la disolución de Grandaddy en 2006, Jason no ha apostado por un cambio drástico de ciclo en su terreno creativo, no sabemos donde estuvo el final y donde está el principio. En su segundo “solo” se presentan los mismos trucos y recursos que hemos podido observar a lo largo de su carrera admitiendo sintetizadores que parecen descifrar su idílico paradero. No es fácil reinventarse pero tampoco lo es encontrar la fórmula definitiva. Su nuevo trabajo suena extrañamente complaciente a la vez que monocromático, la amalgama de estilos e instrumentos le hacen perfectamente reconocible en “Mattherhorn”. Jaime Suárez 8. Ryat, Totem Brainfeeder 2012 La sombra de Björk es alargada. Pero a Christina Ryat parece que le da lo mismo. “Totem” es un caleidoscopio sonoro con un aire a los trabajos de la islandesa (y eso sin siquiera hablar del asombroso parecido entre las voces de las dos artistas).

Mezclando electrónica y elementos orquestales, el disco es un complejo puzzle que se desintegra y recompone una y otra vez. Que cada tema se corresponda con el “espíritu de un animal” ya da un poco idea de la paranoia ante la que estamos: un experimento de preparado caos, algo arduo pero con momentos interesantes. Miguel Gabaldón 9. Two Gallants, The Bloom and Bright Fargo Records 2012 Recuerdo que, después de escuchar “What The Toll Tells”, el magnífico segundo disco de Two Gallants, escribí que quería comprarme una armónica. Me di cuenta de que se trataba de un grupo único, con un montón de cosas que les distinguían de otros grupos de Americana. Su sonido crudo (ahora que Black Keys se han convertido en un hype), su rabia y unas letras absolutamente increíbles, ahora más rock que folk, el dúo californiano sigue sonando rabioso “Ride Away”, pero cediendo paso también a la melancolía como en la hermosa “Broken eyes”. Donde aparece de nuevo, uf, esa armónica… Miguel Díaz Herrero

10. Matthew White, Big Inner Hometapes / Spacebomb 2012 Matthew White es uno de esos tipos que rezuman rareza y rica idiosincrasia propia. Pobladísima barba, pelo largo y lentes imposibles. Uno de aquellos personajes que transmiten vida interior a raudales. Rasgos que uno puede desprender de su disco de debut “Big Inner”, un combo de sonoridades múltiples con una ineludible pátina a 70’s. Rock clásico, soul, experimental y hasta trazos de góspel pueden encontrarse en el esperanzador debut de este chico extraño proveniente de Virginia. Habrá que seguirle la pista. Oscar Villalibre Vicente 11. ∆ (Alt–J), An Awesome Wave Infectious Music 2012 Vanguardia absoluta. Un triángulo equilátero: afroindie, electrónica y folk en los vértices. Creación que ha tardado cinco años en ver la luz, con trece canciones repletas de matices, juegos de sonidos, voces y silencios. Empezando, cómo no, por “Intro”, y pasando por tres Interludios, cada cancion es un tema y nos demuestra que los de Leeds controlan de geometría musical, el resultado: un álbum primogénito que llega con un prestigioso Mercury Prize bajo el brazo. “Tessellate”, “Matilda” y “Taro”, son bucles inevitables en cualquier escucha. Disco y género revelación. Teresa del Hoyo 12. Stubborn Heart, Stubborn Heart One Little Indian Records 2012 Luca Santucci y Ben Fitzgerald nos conducen por una amplia línea de aromas, desde los más ácidos empapados de una sutil oscuridad hasta las dulces melodías de fácil ubicación mental, pasando por amargos pasajes, densos, rabiosos de ritmo. El debut del dúo de Londres está ubicado dentro de una de esas etiquetas derivadas del Trip Hop. La continua evolución creativa propagada a partir de artistas que crecieron con Massive attack, Portishead ó Tricky hace que las ramificaciones de ciertos géneros sigan creciendo incontrolables tocando sus extremos y constituyendo así sonidos complejos en su concepción y minimalistas en su resultado. Un placer. Abel Molina

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13. Dos Gajos, Y seis canciones Repetidor disc 2012 EP del dúo formado por Juan Carlos Fernández y Esperanza Collado con una propuesta que continua la senda de su anterior disco “Dos Gajos” (Repetidor disc 2012) rock árido, blues primitivo con pocas concesiones y artificios.

En “Y Seis Canciones” nos encontramos melodías simples y unas letras sencillas que dan como resultado la banda sonora de una tarde de un redneck perdido en la meseta castellana. Antonio Moreno Casero 14. Ryan Francesconi, Mirabai Peart, Road To Palios Bella Union 2012 Surgido a raíz de un viaje que esta pareja hizo a Grecia allá por el 2010. Lo que nos traen es un disco instrumental con inspiración adriática muy sugerente y de una delicadez muy apreciable. Como bien apuntó Joanna Newsom, con quien Francesconi ha colaborado en el pasado, parece increíble que el guitarrista sólo use una mano para tocar las cuerdas. La otra mitad del dúo la conforma, principalmente acompañando, el violín de Peart, que se me antoja algo más celta que las líneas de su partenaire. Quizá los fragmentos con el tempo más acelerado sean las que más sorprendan en unas primeras escuchas, debido a la maestría de Ryan a las seis cuerdas, pero los momentos más sosegados, donde el violín toma en esta ocasión las riendas, también tienen detalles cautivadores.

Un trabajo muy cálido. Arturo Jiménez 15. Havalina, H Origami Records 2012 El trío madrileño liderado por el omnipresente Manuel Cabezalí, presenta su séptimo disco, ahí es nada. Havalina levanta un muro de sonido a través de la solidez de sus guitarras eléctricas, protagonistas indiscutibles. Cada uno de los nueve temas que componen “H” da paso al siguiente, formando una cadena de ruido en el que cada instrumento se muestra perfectamente definido y la voz de Cabezalí aporta matices de crudeza y oscuridad. El rock sobrio de Havalina alcanza momentos de esplendor en temas como “Norte”, con el que abren el disco, “Viaje al sol” o “Compañía felina”. Beatriz Buitrón Álvarez

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16. Shrag, Canine Fortuna Pop! 2012 La banda de Brighton nos revela en su tercer disco una madurez musical que, al contrario de lo que ocurre con las bandas de sus contemporáneos, evoluciona hacia el caos, la tensión, el control descontrolado y algún que otro tema bailable. Como unos Belle & Sebastian descarnados y menos educados, temas como “Show Us Your Canines” o “Tendons In The Night”, nos dejan a nuestra suerte acompañados de armonías de voces a veces estridentes y riffs de guitarra a medio camino entre el punk y el brit pop de toda la vida.

Lo bueno es que después de escucharlo, volvemos casi al mismo sitio. Y, entonces nos damos cuenta, de que nunca nos llevaron musicalmente muy lejos. Caridad González 17. My Best Fiend, In Ghostlike Fading Warp Records 2011 Es tan fácil como darle al play y escuchar los primeros compases “Higher Palms” para darse cuenta de que este “In Ghostlike Fading” es algo mágico, algo más que un pop tranquilo y fácil de escuchar. Un álbum capaz de transformar la inocencia de un teclado “axilofonado” en un ritmo intenso adornado por la voz apagada y triste de la musa del soul y la psicodelia mezclada. El momento acústico de mayor impacto viene de la mano de “Cool Doves” una canción que podríamos llamar capicúa con una guitarra idéntica al principio y al final. Jesús María Velazquez 18. The Chevin, Borderland So Recordings 2012 Este cuarteto de Leeds, que toma su nombre de un monte cercano a localidad de Yorkshire, dice que sus influencias beben de grupos tan reconocidos como The Killers, Mumford & Sons y The Maccabees. A priori puede parecer atractivo e inquietante, pero cuando uno se sumerge en sus canciones se cerciora de que su propuesta no aporta nada que pueda calificarse de interesante o novedoso. La encargada de abrir el LP es “Champion”, uno de los pocos aciertos, que nos creará expectativas y enganchará en la escucha pero pronto comenzará a desinflarse y a mostrar las carencias que presenta este álbum. Jaime Suárez

19. Sera Cahoone, Deer Creek Canyon Sub Pop 2012 El tercer disco de la cantante afincada en Seattle Sera Cahoone suena a otoño y melancolía. Un trabajo country folk, tranquilo y sosegado que, sin llegar a desgarrar, contiene nostálgicas letras sobre relaciones pasadas y lugares a los que se anhela retornar. Destacan el tema que abre el disco, la cautivadora “Worry All Your Life”, además de “Naked” o la pieza que da nombre al trabajo, en la que Cahoone despliega toda la morriña por su hogar en Colorado. En definitiva, doce temas afincados en la Americana, aconsejables para relajarse en una tarde lluviosa. Miguel Gabaldón

22. Kiev Cuando Nieva, Parece Doble Repetidor Disc 2012 Parece y lo es. En directo y desde el festival Periferias 2011 se lanza esta valiente propuesta, once versiones de los outsiders favoritos de los de Huesca. Doble apuesta.

Presentado en vinilo más DVD en el que caben Daniel Johnston, Jonathan Richman y los más cercanos The Beach Boys. Pasen y redescubran “Walking The Cow”, “The New Teller” o “Don’t Worry, Baby” tras haber sido cuidadosamente traducidos al castellano y bañados en pop. A destacar el trabajo del realizador Orencio Boix, ensamblando vídeos del concierto y especiales intros. Teresa del Hoyo

20. David Byrne & St.Vincent, Love This Giant 4AD 2012 A David Byrne nunca le ha ido eso de la nostalgia. Annie Clark (a.k.a. St Vincent) tampoco se sentía cómoda dentro del corsé cantautora indie y el año pasado sorprendió positivamente a crítica y público con “Strange Mercy”. El resultado de este matrimonio musical no podía ser, obviamente, un disco de pop accesible y convencional. En “Love This Giant”, los dos desafían las formas, jugando a la deconstrucción de principio a fin. El ecléctico sonido está entre el new wave juguetón, con esas trompetas, el jazz fusión y el funk. ¿Las mejores? “Who”, con su poderoso groove inicial, y “The One Who Broke Your Heart”. Para dejarse llevar totalmente. Miguel Díaz Herrero

23. Miaoux Miaoux, Light Of The North Chemikal Underground 2012 La capacidad de abstraer el frío y la insensibilidad de lo distante agrupado en la electrónica de baile y transmitirlo con un cálido molde de sensaciones es una cualidad que Julian Corrie logra demostrar en su, oficialmente, segundo larga duración. El de Glasgow tiene la virtud de combinar pasajes llenapistas en la línea LCD ó Hot Chip con ambientaciones pop muy en la onda de los carismáticos Mew amén de ciertas incursiones por lo retro y las acertadas colaboraciones que inyectan al álbum un interesante punto de “inclasificabilidad”. Abel Molina

21. Iamamiwhoami, Kin Cooperative Music 2012 Debajo del nombre de iamamiwhoami se encuentra la cantante sueca Jonna Lee. Un críptico proyecto que empezó a gestarse sobre 2009, mediante la publicación de varios vídeos virales con una intrigante banda sonora. Lanzado a base de sencillos colgados paulatinamente en la red, “Kin” ha acabado siendo un disco. Un trabajo que combina el pop más frío y enigmático, con collages electrónicos densos, conformando un tapiz variado e interesante. Piezas como “Good Worker” son la punta de lanza de este curioso proyecto. Oscar Villalibre Vicente

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24. Paul Banks, Banks Matador 2012 Paul Banks, otrora Julian Plenti, ha dado a luz a su segundo disco en solitario, en un momento en el que el lanzamiento del recopilatorio de interpol “Anticis”, ha sido más que bien recibido. En este disco homónimo, Banks nos descubre una sensibilidad más diáfana y experimental y unas letras de corte más naïve de lo habitual. Samplers, coqueteos con la electrónica, guitarras menos obvias y con más matices son la esencia de temas como “The Base” o “Arise, Awake”, además de recuperar “Summer Is Coming” de su anterior disco. Merece la pena asomarse al calidoscopio sonoro del líder de Interpol, aunque sólo sea para verle reflejado ante mil espejos. Caridad González

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25. Madness, Oui Oui Si Si Ja Ja Da Da Lucky 7 Records / Cooking Vinyl 2012 Décimo álbum de la celebradísima banda de ska–pop inglesa que no ha tardado en meterse en lo alto de las listas de ventas de su país. Un trabajo exquisito donde la sencillez de los temas brilla con tanta fuerza como la de los elegantes arreglos que las acompañan. El buen hacer de una madura banda que, admitámoslo, siempre supieron hacerlo bien. Quizá ya es tarde como para que composiciones de este estilo se lleguen a convertir en clásicos contemporáneos, pero eso no les quita ni un ápice de valor. Un disco muy entretenido, con un sonido impecable y que desde el principio te arrancará una sonrisa de satisfacción. Arturo Jiménez 26. Mumford and Sons, Babel Island / Glassnote 2012 En “Babel”, los ingleses continúan haciendo uso de la fórmula, encapsulada en su primer trabajo, que los catapultó a la cima del folk. Este segundo álbum comienza con fuerza, temas enérgicos como “Babel” o “I Will Wait” condensan la esencia del cuarteto londinense; guitarras, mandolinas, banjos y dobros vibrando vigorosamente. “Holland Rolland” genera un punto de inflexión, siendo continuada por una cascada de canciones que no son lo que, en un principio, parecen. Pueden comenzar con un punteo de guitarra suave, seductor, para luego transformarse en un ciclón sonoridad, véase “Hopeless Wanderer”. “Babel” es un disco previsible, cómodo, aunque más épico que su predecesor. Beatriz Buitrón Álvarez 27. Will Spector y Los Fatus, Bicáberut Repetidor Disc 2012 Ecléctico es la mejor definición para el primer disco de estos aragoneses. Lo mismo tienes una jota pasada por el turbofolk como ocurre en “Que La Nieve Ardia” que pasamos a una canción de pop naive en “Me Encanta Verte Fatal” incluso hay tiempo para la canción–protesta como en “Las Chicas Guapas” o temas de clara inspiración freudiana como “Your Mother And Your Father Follan” es un disco que necesita varias escuchas para realmente disfrutarlo. Antonio Moreno Casero

28. Yani Como, Eso Sí Que Lo Sé Art De Troya 2012 Tras el éxito de su anterior Lp, los arandinos presentan un nuevo trabajo con el que reivindican un lugar más reconocido dentro del indie nacional. Un álbum cálido y romántico, sin empalagos ni excesiva melancolía, cuyas letras cargadas de realidad nos hacen sentir protagonista. Un trabajo intenso y sincero donde se combinan delicadamente momentos intensos y reposados, “Lo Que Nos Une”, “Volea Plegable” y “Apocalipsis” como muestra. El omnipresente Ricky Falkner ha sido el encargado de producir el disco, cuyo pop sencillo y sin excesivos elementos ornamentales ponen de relieve la sensibilidad y la cercanía de la banda. Jaime Suárez 29. Patterson Hood, Heat Lightning Rumbles In The Distance Pias / ATO 2012 No sabemos de donde saca las fuerzas el colíder de los Drive–By Truckers, pero lo cierto es que a pesar del alto nivel de actividad y desgaste que supuso la recién terminada gira de la banda de Athens, Hood se mantiene en la primera línea. En este trabajo la energía que se libera no es tan rockera y vibrante, pero se siguen apreciando sus raíces country. Doce cortes que hablan de depresión, historias rebuscadas e irónicas, lucha de clases y desorden, donde sobresalen por su carácter reflexivo y oscuro “Betty Ford” y “Come Back Little Star”, esta última cuenta con la colaboración de Kelly Hogan. Jaime Suárez 30. Jesse Boykins III & Melo–X, Zulu Guru Ninja Tune 2012 Zulu Guru es un crisol futurista en que se mezclan el hip–hop, r&b, electrónica, afro–beat, trip–hop… Jesse Boykins III y Melo–X se elevan en gurús de nuevos caminos, uniéndose y fusionando atmósferas, culturas, música y palabras en un viaje lírico y romántico en el que sumergirse de lleno. Zulu Guru supone un mosaico rico en sensaciones, con temas de influencias diversas pero potente en cohesión. Un disco rebosante de piezas etéreas, como “The Perfect Blues”. Un primer single que, al igual que su título, es un perfecto ejemplo de este atmosférico y evocador disco. Miguel Gabaldón

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31. Lawrence Arabia, The Sparrow Bella Union/ Music as Usual 2012 El neozelandés James Milne (en su currículo figuran el grupo The Brunettes o salir de gira con Feist) se marca un tercer disco en solitario francamente elegante, ensoñador y bonito. “The Sparrow” suena a ratos al pop de cámara de The Divine Comedy, a la ingenuidad de unos Belle and Sebastian con la voz más engolada, o incluso a los Beatles de “A Day In The Life” en “Bicycle Riding”. Aquí hay muchos violines y canciones francamente bonitas, la mencionada o “The 03”, pero también riesgo formal. Un pequeño y breve (34 minutos) gran disco. Miguel Díaz Herrero 32. Efterklang, Piramida 4AD 2012 Efterklang es una de aquellas bandas con aroma especial, predestinada a hacer cosas diferentes. Un trío danés, con residencia en Berlín, que a parte de hacer canciones, colabora con directores audiovisuales y tienen su propio sello con el que publican a bandas como a Grizzly Bear. Su trabajo perseverante les ha llevado hasta este “Piramida” el que es su cuarto disco, y que se conforma como una propuesta pensada en grande. Música que mezcla experimentación, partes frágiles con rocosas, y un sonido rico lleno de pequeñas sorpresas para avezados oídos. Oscar Villalibre Vicente 33. Cory Chisel & the Wandering Sons, Old Believers Readymade Records 2012 La dulce teclista Adriel Denae abre con “This Is How It Goes” el telón de este disco dando paso a la fiesta del sentimiento y el Rock and Roll. Podríamos estar ante un mixtape de Dylan, Van Morrison, Sam Cooke y Tom Waits y es que suena a carretera y kilómetros, a pura personalidad americana. Grabado en Nashville con Brendon Benson (The Raconteurs), y con un optimismo de agradecer en su ritmo y palabras, sobresalen temas como “I’ve Been Acused”, “Foxgloves” o el genial toque western blues en “Over Jordan”. Un detalle imprescindible, el acompañamiento en voz. Teresa del Hoyo

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34. Asustadizo, Nutrición Animal Molecula Records 2012 Este quinteto de Albacete (qué tendrá Albacete para dar tantos grupos y tan buenos) nos presenta su primer disco de indie bailable y divertido con auténticos hitazos como “Nos Aplaudían”, “Decidme Algo”, “Putada” o con canciones alegres y positivas como “Cura”. Gran variedad de temas donde incluso hay letras donde se mezcla magistralmente la poesía, la biología y la vida diaría como en “Isoflavonas”.

En definitiva un disco totalmente recomendable con una cuidada producción y unos músicos que demuestran su valía y sentimiento en cada nota que tocan. Antonio Moreno Casero 35. Los Mambo Jambo, Los Mambo Jambo Buen Ritmo 2012 Arranca la primera nota de este cuarteto de ases y una orgía de surf, rock´n´roll, boogie y todas esas cosas que tanto animan el espíritu invade mi cuerpo. Me documento para saber de donde viene estos genios del revival y resulta que están editados por un sello de aquí, que la mitad de la banda son españoles y que queréis que os diga…, ¡ha despertado mi orgullo patrio! Vale que sus influencias son básicamente americanas, pero captan tan bien ese feeling, que se rompen las todas las barreras.

No sólo son unos exquisitos interpretes sino que además sus composiciones se mantienen durante los nueve cortes a un altísimo nivel. En directo tienen que ser de lo mejor que nos podamos echar a los pies en la actualidad, pero tranquilos, que el disco también nos pondrá a bailar. Arturo Jiménez 36. The Nightingales, No Love Lost Cooking Vinyl 2012 Pese a que esta banda británica lleva desde 1979 en funcionamiento, si bien es cierto que se tomaron un nada desdeñable descanso de dieciocho años, pero el paso del tiempo no ha hecho mella en sus energías y ahora presentan un disco potente y ruidoso. Su portada anuncia una cierta irritabilidad que se va confirmando a medida que avanza el disco. Una calma ficticia despunta en temas como “The Done Thing”, aunque la grave voz de Robert Lloyd, la contundencia de los riffs de guitarra y la persistencia de la percusión son constantes inalterables en la mayor parte del los temas. Beatriz Buitrón Álvarez

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37. RNDM, Acts Indian Records 2012 Cualquier cosa en la que pueda figurar Pearl Jam como referencia genera de inmediato unas expectativas muy altas, aunque, evidentemente, no tienen porqué ser cumplidas.

Por eso el nuevo proyecto de Jeff Ament, Joseph Arthur y Richard Stuverud puede parecer inesperado, al abrirse paso entre ritmos bailables, el funky, voces cálidas e incluso unas líneas de bajo vulnerables. Temas como “Modern Times” o “The Disappearing Ones” son como una agradable sorpresa que realmente no pensabas escuchar viniendo de una formación como esta. Pero en realidad, esa es su auténtica grandeza, el dejar de lado el pasado y vivir un presente más brillante y también más predecible. Caridad González 38. Benjamin Gibbard, Former Lives City Slang 2012 La introspección que destilan las letras de este álbum parecen no estar dirigidas hacia Zooey Deschanel pese a lo que muchos podrían esperar. En su primer disco en solitario encontraremos una recopilación de canciones que el líder de Death Cab For Cutie ha ido acumulando a lo largo de los últimos ocho años, hecho que niega coherencia entre las mismas. Gibbard muestra entereza y fragilidad, es fascinante la cantidad de emoción que reprime, angustia a la perfección y demasiado placer perverso en ello. Destaca “Bigger Than Love” con golpes de sintetizadores y una lirica filosa, a dúo con Aimee Mann. Jaime Suárez 39. Race Horses, Furniture Stolen Recordings / PIAS 2012 Los caballos de carreras de Cardiff tienen su segundo disco recién salido del horno. Su consolidación como grupo amante del pop electrónico se consuma con este “Furniture”. Diez canciones que rezuman aroma disco por los cuatro costados.

Propuesta bienintencionada de correcta ejecución técnica pero que descoloca muchas veces con canciones como “Nobody’s Son”, que de tan parecida a “Radio Ga Ga” de Queen, puede llegar a oler a caricatura. Otras, como “Mates” parecen más acertadas en su intención bailonga. Oscar Villalibre Vicente

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40. Rufus T. Firefly, Ø Lago Naranja Records 2012 Subiendo peldaños hacia la excelencia y de la mano de Manuel Cabezalí como productor (Habalina, The Cabriolets), los madrileños nos regalan su segundo trabajo de larga duración. Mucha letra cuidada y bien medida, sin miedo a desnudarse en sinceridad. Grandes referencias cinéfilas en “Asa Nisi Masa” o “Test de Voight–Kampff ”, aliñadas con sintetizadores, y un potente single, “Incendiosuicida” digno de primera división en su género, llenan este supuesto conjunto vacío (Ø). Once canciones listas para explotar y hacer explotar con un directo a la altura. Teresa del Hoyo 41. John Cale, Shifty Adventures In Nookie Wood Double Six Records 2012 El legendario músico galés, miembro de la Velvet Underground durante un tiempo, vuelve a publicar un LP, después de varios años sin hacerlo. Cale, leyenda musical donde las haya, parece no sentir el peso de los años y sigue fabricando buenos discos.

Este “Shifty Adventures In Nooki Wood” es una reivindicación de su basto poso rockero, y su buena afinidad con las nuevas maquinitas para hacer música. Quizás el disco tenga altibajos, pera las cumbres, como “I Wanna Talk 2 U”, son auténticas bendiciones. Oscar Villalibre Vicente 42. Marc Carroll, Stone Beads And Silver Indian Records 2012 El artista que nos compete se ha rodeado de músicos que acompañan a Bob Dylan, Brian Wilson y The Morning Jacket.

Estamos hablando de grandes representantes de la música folk americana. Desde el primer corte “Muskingum River” todo huele a llaneras desérticas y alcohol de destilación casera. La América profunda en su máximo esplendor. Banjos, violines, chasquidos, por supuesto infinidad de guitarras arpegiadas, y una voz agrietada que empasta como lamentablemente no se ve últimamente en este resurgimiento de la música de raíz del nuevo continente. Es duro decirlo, pero obras como ésta ponen en su sitio a los muchos experimentos surgidos porla reciente moda de revitalizar por narices a este singular género. A destacar la genial mezcla del disco, que consigue una textura tan espesa que casi se puede masticar. Arturo Jiménez

Artelados

Marta Cerdà Marta Cerdà Alimbau (Barcelona 1980) entró en el mundo del diseño después de dar un drástico giro a sus planes iniciales. Iba para psicóloga, pero a mitad de carrera se dio cuenta de que allí no estaba su verdadera vocación. Fue cuando decidió estudiar diseño gráfico en Elisava. A finales del 2008 ganó un ADC Young Guns, decidió poner en marcha su propio estudio.

Ha trabajado a nivel internacional para proyectos artísticos, culturales y publicitarios, combinando tareas de dirección de arte, tipografía customizada, ilustración y diseño gráfico. Ha colaborado con marcas como Ray Ban o Coca Cola, cantantes y bandas musicales como Dave Matthews Band o MF Doom, con editoriales, revistas y varias de las agencias de publicidad más destacadas de España, Inglaterra o Estados Unidos. Su estilo combina simpleza y complejidad de formas, y se caracteriza por un sofisticado uso del color.

Para Artelados Marta Cerdà ha interpretado el tronco de una cepa, las aguas que se forman en su madera, las astillas y las protuberancias que brotan desde su interior. Altera los colores del tronco, y deja entrever la estructura de las astillas en los extremos, parece casi como un brochazo. De esta manera se vuelve una imagen abstracta, ácida, que contrasta elementos orgánicos con digitales en una imagen sintética a la vez que barroca.

Lados Mag premia tu fidelidad, regalando 5 packs de botellas de vino de la colección especial Artelados para Bodegas y Viñedos Neo personalizadas con diseños originales. Para entrar en el sorteo, envía un correo electrónico a artelados@ladosmagazine.com incluyendo en el mismo el nombre del artista musical que protagonizó la portadadel número 24 de Lados Mag.

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Eltono

Pinturas independientes Nacido en 1975, Eltono arranca su incursi贸n en el mundo del arte urbano en el 89 con el graffiti. Su firma por aquel entonces y durante casi diez a帽os Otone, simplificaci贸n de la palabra automne, oto帽o.

Texto Javier Mielgo Fotografía Eltono

El graffiti le llevo a formar parte del activista grupo fran- y esta solución efímera y transitoria dio lugar a un camcés GAP, tiempo durante el cual ejecuto numerosas pie- bio más profundo, no sólo era necesario a nivel estético zas sencillas y legibles que tenían como escenario habi- si no también a nivel logístico y de técnica así ElTono lletual la línea de tren que une París con su suburbio natal, vo a cabo sus primeros experimentos con pintura plástica Cergy–Pontoise. La inquietud y el insatisfacción por evo- enmascarada con cinta de pintor y aplicada con pincel… lucionar le llevo a estudiar artes plásticas en Saint Denis, “No se bien como surgió ese cambio, yo iba experimentando por de donde dando el salto a las paredes de Madrid en la calle y un día, en abril del 2000, salí con cinta, pintura plástica septiembre de 1999 para un intercambio de un año en la y brocha; lo que me sorprendió es que de repente mis piezas eran Universidad Complutense, convirtiéndose esta estancia muy visibles. Tenía mucho menos que las ejecutadas con spray transitoria en una adopción permanente y dando lugar pero la gente se detenía para mirarlas, esas formas blancas, simtanto a un cambio estético como de proceso de creación ples y depuradas creaban intriga. Es en ese momento que entendí e identidad… “Para mí, el cambio a una obra más reflexionada que con ese simple cambio de materiales, mi trabajo se abrió a fue natural. Después de años escribiendo mi nombre por la calle, un nuevo público. Para mí, el graffiti siempre ha sido una forma llego un momento en que necesitaba algo más. No quería dejar de jugar con la ciudad, pero sólo es una y quedan muchas otras de trabajar en la calle pero tenía nuevas inquietudes y necesitaba por descubrir; buscando nuevos materiales, el juego se diversifica explorar más allá de la firma. Mi formación académica (licencia- y se hace más interesante”. do en Artes Plásticas en París y Madrid) y los grafiteros que conocí en la universidad también me hicieron ver el graffiti desde otra Sin duda, el empleo de estos nuevos materiales exentos perspectiva. Alrededor de los años 1997–1998, aún no se hablaba de estigmatización social dieron como fruto otras solude Arte Callejero pero ya éramos unos cuantos buscando alterna- ciones hasta ahora nunca relacionas con el mundo del graffiti, así es como la ya esquemática firma del diapativas al spray para intervenir en la calle”. són se simplifico convirtiéndose en una figura geométriOtone (léase otón) dio paso a Eltono y este se desnudo ca con la que Eltono juega abrazando la pared con un después de varios intensos meses escribiendo graffiti conjunto de líneas negativas y positivas que trasmiten buscando una alternativa para su identidad, Eltono de- un flujo continuo para generar un dibujo cambiante imcidió experimentar con el uso de un icono, buscando la posible de definir ni de etiquetar dentro de las corrienesencia, la firma da paso a la figura de un diapasón tes artísticas… “Me defino como artista del espacio público. El como trascripción gráfica de su nombre, reflexionando graffiti ha sido mi escuela pero hace ya doce años que deje de sobre el mundo del arte y lo que le rodea… “Siempre he pintar mi nombre por la calle, hoy, lo que hago está orientado buscado mi identidad, trabajo a mi ritmo, sin dejarme orientar hacia el espacio público y lo que ocurre en él. El graffiti me ha por necesidades comerciales o compromisos ajenos al proceso enseñado a observar y entender la ciudad; si con “Postgraffiti” se creativo. Contemplo, experimento y aprendo”. Así Eltono des- entiende a artistas que fueron formados en el graffiti y que hoy tila en sus piezas la esencia más pura del graffiti, gene- tienen una producción artística influida por él, entonces entro rando una dualidad entre el arte y la trasgresión, entre en esa etiqueta”. lo ilegal y el trabajo reconocido y apreciado., la calle como la galería más plural y democrática… “Mi produc- Así paso a paso Eltono con más de una década dentro ción más importante sigue siendo las pinturas “independientes” de este mundo del arte urbano, buscando ampliar el por la calle (a eso me refiero a ilegales y no–encargadas). Son propio concepto de arte urbano, expresándose con enobviamente graffiti al ser realizadas sobre superficie ajena, furti- tidad propia, llevándolo fuera de su ámbito esperado, vamente y sin permiso. Luego, en paralelo, desarrollo diferentes ocupando paredes de importantes galerías y museos, experimentos para museos y galerías pero siempre con la calle en puede llegar el momento de hacer balance y ver todo medio. Me gusta crear un intercambio entre el mundo del arte lo que uno ha conseguido… “Para mi ambos espacios, galería contemporáneo y el de la calle, que los públicos se mezclen: que y calle, están siempre conectados, no concibo una exposición en los asiduos al arte vayan a ver obras por la calle y que la gente de una ciudad sin haber transitado horas por sus calles; que sea para la calle entre en espacios expositivos. Me gusta la calle porque es recoger materiales, instalar obras, pintar o simplemente inspirardonde he empezado a trabajar y es donde aprendí a disfrutar de me. No soy un artista de taller, en cada exposición, fabrico todo su libertad, poder exponer obras sin filtro entre el artista y el es- lo que voy a exponer en el mismo lugar del proyecto”. pectador. Por eso sigo trabajando en la calle, te permite trabajar de forma más espontánea y ofrecer al público un acceso directo Obras con las que siempre pareces buscar la interacción del arte con el medio de exposición, así, en muchos hacia el arte”. de tus trabajos para galerías y eventos artísticos no púSus primeros pasos en esta simplificación son muestras blicos parece que tienen como prioritario tender lazos icónicas de graffiti donde simplemente sustituye las le- de unión entre el interior y el exterior… “Observar durante tras por una imagen, resueltas desde la vieja escuela años mis pinturas desaparecer o ser estropeadas o recubiertas con los materiales y soluciones formales del graffiti: re- me enseñó a no ser dueño de mis obras. Siempre he documenlleno y borde. La evolución era constante y necesaria tado los cambios que afectaban mis pinturas. Pronto dejaron de

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molestarme y me empezaron a gustar hasta tal punto que terminé provocando esos desgastes y deterioros para generar obra. Cuando hago una instalación interactiva, es para recrear esa interacción que existe en la calle y poder seguir siendo observador de mis obras y generar resultados inesperados”. Sin duda un claro ejemplo de esto son obras como “Astilla” y “Pubblico” nos cuenta Eltono, “Pubblico” es el ejemplo perfecto de puesta en marcha de ese proceso voluntario de desgaste de obras. Como planteamiento artístico, me resulta más interesante generar obra siguiendo las reglas de un experimento que crear una obra controlando todos los parámetros de principio a fin. Otro ejemplo son los dibujos que resultaron del experimento “Chinchetas” que hice este verano para el museo Artium en Vitoria: la documentación de la degradación de las piezas instaladas en la calle me dictaban como hacer los dibujos que se iban exponiendo en la sala de exposición. Trabajar de esa forma me permite aprender mucho y explorar nuevas áreas. Me interesa generar composiciones de forma y color que conscientemente nunca haría.

Intentando definir la obra de Eltono encontramos otra característica principal en el espacio físico donde la obra se lleva a cabo y toma forma, así son numerosos países los que ha desarrollado su trayectoria, así podemos encontrar sus trazos en lugares tan dispares como en Madrid, Paris, Toulouse, Venecia, Milán, Manchester, Londres, Oslo, Amsterdam, Zurich, Berlín, Sevilla, Barcelona, Tarifa, Tokio, Seúl, Rio de Janeiro, Sao Paulo, Buenos Aires, Rosario, Bogotá, Mexico DF, Espinazo, Nueva York, Austin, Hanoi, Beijing… “No hay una calle igual ni una ciudad igual, entonces encontrarse pintando de forma furtiva en cualquier lugar es una experiencia nueva. En unas ciudades te tienes que proteger de los policías para que no te pillen y en otras ¡para que no te roben! Es otra razón por la cual no soy un pintor de taller, trabajando fuera, ningún soporte es igual y sobre todo, lo que te rodea, el ambiente, la atmósfera. Una obra pintada de forma furtiva no se puede comparar a otra pintada en un taller aunque el sujeto pintado sea el mismo, la quietud y la protección de un taller no transmite lo mismo que el ruido y la inseguridad de la calle, la obra resultará siempre distinta. La pintura por la calle está impregnada de una vitalidad y no se puede separar las dos cosas. Cada ciudad es una experiencia nueva y son nuevos estímulos que observar, me inspira mucho conocer nuevas ciudades”.

Es evidente que en todos estos lugares, tu implicación con el entorno parece muy arraigada, la duda surge cuando uno tiene en cuenta los colectivos que desarrollan su trabajo de forma habitual en cada una de esas ciudades. Eltono nos cuenta el por qué de colaboraciones como con Equipo Plástico, GAP y el por qué de la ausencia de otras… “El grupo GAP es de cuando pintaba por las líneas de tren en Francia, el grupo sigue vivo pero yo, aunque sigo siendo parte de él, ya no soy miembro activo. El Equipo Plástico es un colectivo de amigos y artistas que nos gusta trabajar juntos; somos Nuria Mora, Nano 4814, Sixe y yo. Hacemos un proyecto al año donde cada uno se olvida de su trabajo personal y creamos obras conceptuales en común. Es un muy buen ejercicio. Es cuando más he aprendido últimamente. Es verdad que pinto poco en colaboración con otros artistas y eso por una

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simple razón: la gran mayoría de artistas que pintan por la calle son figurativos; componer formas geométricas juntas con sujetos de boca y ojos no me sale, el figurativo ofrece una imagen inmediatamente digerible mientras que lo abstracto deja lugar a un poco de interpretación y misterio, los dos procesos juntos, figurativo y abstracto, deja simplemente lo abstracto como relleno de fondo de lo figurativo. Colaboro mucho con el estadounidense MOMO porque usa el mismo lenguaje que yo, está enfocado en lo experimental y no en lo estético y nuestras ideas se complementan”.

Pero estas colaboraciones son llevadas un paso mas, interactuando de forma permanente y decisoria en la obra final con el público, así piezas como “Autotono” o “Automatic Painting” mutan y se adecuan al espectador dejándose manipular para formar la pieza final, recreando o desfigurando el icono del artista mediante partes móviles u otros recursos… “Me parece más interesante interactuar con gente que no tenga formación artística, las acciones son menos calculadas y quizás más espontáneas; por esa misma razón he hecho unos cuantos experimentos interactivos con niños. La verdad es que lo que más me interesa es cuando el que participa ni siquiera sabe que se trata de algo artístico, no está condicionado y no le tiene respeto ninguno. Me gusta usar la calle y su gente como un flujo, una fuerza que pueda utilizar para generar obras”.

Sin duda Eltono se caracteriza por un criterio constructivo y de especial sensibilidad para la rehabilitación de los ubicaciones que elige para la creación de sus piezas, una sensibilidad especial para la localización de los entornos y para crear in situ las formas y colores que se pegan a la piel de los edificios, ventanas, puertas, integrándose en la realidad existente, aprovechando la fuerza de estas texturas envejecidas, repletas de vivencias, dignificándolas y dotándolas de un valor añadido que va más allá del mero valor estético, vivencias que se trasmiten de forma bidireccional de la obra al artista y viceversa. Ejemplo de esto es el interesante y espectacular proyecto “Thâng Long Hotel España”… “Muchas veces el resultado, en este caso la fachada pintada de un hotel en Hanoi, es sólo la mitad del proyecto, es la parte visible. La otra mitad que pocas veces se comparte es la experiencia. Esas tres semanas en Vietnam trabajando muchas horas bajo un calor asfixiante con cuatro ayudantes que no hablaban ni una palabra de inglés fueron para mi increíbles… Son gente que marca tu vida (y tu la suya), descubrí Vietnam desde el interior. Valoro mucho la experiencia humana de un proyecto, casi tanto como la artística”.

Nos cuenta Eltono para quien el encuentro fortuito de sus obras con el espectador es motivo de proximidad y privacidad entre el espectador y la obra pero aumentando sin duda la penetración del mensaje de la misma en el espectador. Así ahondado en la calle como núcleo de tus obras desarrolla otra línea de trabajo, que de alguna forma pudiera recordar tu etapa graffitera, por su insurrección, en este proyecto emplea como soporte carteles fotocopiados donde trabajadores autónomos se ofrecen para “chapuzas” domésticas y pegatinas de cerrajeros… “Este proyecto que empecé en el 2002 surge de una simple observación. Cuando llegue a España, esas pegatinas eran algo que nunca había visto en otro lugar (ahora sí pero antes no)

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y estaban por todos lados. Siempre me ha fascinado la comunicación callejera fuera de los canales oficiales donde cada uno se busca la vida y se promociona de forma barata. Hacer mi propia campaña usando los mismos recursos me parecía interesante, tiene mucho en común con el graffiti. Hice otra campaña donde pintaba un logo mío en los contenedores de obras, imitando su técnica de plantilla como si de una nueva empresa se tratase”.

Eltono reconocido activista plástico urbano es hoy en día toda una figura dentro de la escena internacional y su reconocimiento no ha dejado de crecer, así lo avala un inconmensurable portfolio personal que tiene en internet el soporte ideal para contener todas las imágenes que documentan el gran número de proyectos y exposiciones que el artista ejecuta por todo el mundo, y que por humano no deja de tener un favorito o proyecto más cercano a sus sentimientos y donde el puente entre cruda realidad y ficción controlada es mas profunda…

“El más emocional es sin duda la residencia que hice de dos meses en Tampiquito, un barrio popular en Monterrey, México. Me hice del barrio, la gente me acogió de una forma muy abierta y generosa. Fue una experiencia inolvidable. Ya que hablas de emoción, cuando más me emocioné fue cuando inauguramos la exposición mostrando el resultado al final de la residencia, vino la gente de la escena artística de Monterrey pero también vinieron

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todos los residentes de Tampiquito. Ver esos dos mundos mezclándose me lleno de emoción y no podía parar de repetir “¡Aquí hemos conseguido algo!””.

El presente de este artista pasa actualmente por Beijing, donde reside y donde ponemos el punto y seguido a su obra, una obra en constante evolución para su adaptación al medio donde se desarrolla para buscar su máxima expresión, “Pekín es un muy buen terreno de juego, las calles están casi vírgenes de arte callejero. Hay siempre movimientos y mucha gente pasando por todos los lados, eso da pié a muchos experimentos. Desde que vivo en China, nunca he tenido tantos estímulos en cuanto a comunicación callejera espontánea, es un sin parar, innovan siempre para no ser borrado o multado, me paso horas observando y perdiéndome por barrios raros. Empecé mis estampaciones en la calle (usando el paso de los coches) en Pekín y en junio de 2012 tuve mi primera exposición individual en la galería C–Space. En unas pocas semanas vuelvo para allá, tengo experimentos nuevos en curso por mi barrio y espero poder observar resultados satisfactorios”.

Hola A Todo El Mundo Texto Jaime Suárez / Fotografía Jimena Roquero

Ultraviolet Catastrophe Es el momento de crecer, de buscar más allá.

HATEM busca nuevos caminos con el mismo espíritu, sin descomponerse, avanzando,más electrónica, menos folklore, más sintetizador, menos ukelele. Se enfundan la camiseta de Mushroom Pillow para otear nuevos horizontes.

No hay descanso, apenas sin haber terminado vuestra última gira, ya se conoce la fecha para el lanzamiento de “Ultraviolet Catastrophe” (Mushroom Pillow, 2012). Es un buen momento para mirar atrás y hacer una valoración del trabajo llevado a cabo en los directos así como de los resultados cosechados con “Hola A Todo El Mundo” (HATEM Prayer Team, 2010) y el EP “Estela Castiza” (2011).

Efectivamente, acabamos de finalizar la gira del primer disco y el EP en septiembre y por determinadas circunstancias hemos enlazado ahora con la publicación del nuevo trabajo. Hasta el momento las cosas van muy bien, estamos contentos con la labor que hemos desarrollado en la gira pero sobre todo con la cantidad de gente que ha acudido a nuestros conciertos, hemos disfrutado mucho, solamente esperamos que la gira que corresponde al nuevo álbum sea igual de fructífera y satisfactoria.

Desde la nota de prensa de Mushroom Pillow se afirma que el disco es el resultado de la unión de dos universos diferentes con el único propósito de crear magia. ¿Estás de acuerdo? ¿Qué crees que puede aportar la magia en los días que vivimos?

Creo sinceramente que en los últimos tiempos tenemos sobredosis de realidad y la magia nos permite digerir, afrontar y entender la realidad en la que vivimos de una forma más saludable. En este disco pretendemos ahondar sobre esta idea y aportar nuestro granito de arena con la magia que hemos intentado se desprenda en cada una de las canciones.

Hablamos de combinar dos universos, música y poesía.

Siempre ha existido una estrecha relación entre la poesía y Hola A Todo El Mundo, pero si cabe con este disco se va un poco mas allá, se trata de una fusión en su máxima expresión. ¿Qué inspiran los poemas de Roy Tiger Milton a la banda? ¿Cómo ha sido el trabajo de interpretar el mensaje del poeta a la hora de darle una música acorde con los sentimientos que se desean transmitir?

Las letras del disco son la adaptación literal del poema de Roy Tiger Milton “Ultraviolet Catastrophe”. Lo que nos atrae y nos inspira es la nostalgia y la melancolía que rezuman los poemas de este poeta anglosajón. El mensaje impregnado en la letras viene a decir que la realidad es en parte una ilusión, una ficción. Para el poeta esto significa una búsqueda constante de la verdadera realidad que no logra encontrar. Trasladar estos sentimientos a la música es una tarea complicada, hemos interpretado los poemas de una forma personal, pero también tratamos de incorporar lo que realmente quiere trasladar el poeta con sus letras. Intentamos componer una melodía un poco menos luminosa, más introspectiva y ambiental, la hemos dotado de cierto carácter etéreo a través de arreglos y delays, quizás puede parecer algo más triste que en discos anteriores. Esa es la manera de la que creemos se puede reproducir la visión nostálgica y solitaria del autor.

Encontramos muchas diferencias respecto a trabajos anteriores en la parte instrumental. En este disco se percibe un acercamiento a los sintetizadores y un alejamiento del ukelele, todo sin perder la esencia y el ADN de la banda. ¿Es un paso firme hacia adelante?

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Es algo que hemos tenido en cuenta, cambios sí, pero no deseamos que se vea alterada la identidad de la banda, intentamos mantener el estilo y las señas de identidad que nos caracterizan, seguimos siendo un grupo de música pop. En el disco anterior recurríamos a instrumentos más orgánicos, folclóricos como el banjo, el ukelele, el violín y el acordeón. En “Estela Castiza” ganaban peso las guitarras eléctricas y ahora en el nuevo trabajo usamos mucho más los sintetizadores. Creo que se trata de una evolución natural, básicamente por las influencias y la música que venimos escuchando.

En alguna entrevistas afirmas que te sientes más cómodo cantando en inglés, Sin embargo no tienes la sensación que con “Estela Castiza” habéis conseguido calar mejor entre el público. ¿Crees posible una proyección más internacional de la banda?

Puede ser que “Estela Castiza” haya llegado mejor al público español, pero el hecho de cantar en inglés tiene su fundamento en la facilidad que encuentro al componer música en este idioma, por varias razones, entre ellas el de que la mayoría de música que he escuchado a lo largo de mi vida ha sido en inglés. El haber seguido componiendo en castellano hubiera sido continuar un senda de un modo antinatural. No queremos poner barreras, ya desde el lanzamiento del primer disco nuestra intención era que la música que componíamos no se quedara únicamente en España sino que tuviera cabida dentro de otros públicos. Sin el apoyo de una discografía ese objetivo se antoja complicado. Ahora bajo la etiqueta de la Mushroom Pillow tenemos más posibilidades de penetrar en otros mercados, este segundo disco se lanzará entre otros países en Japón. A principios de diciembre estaremos en Francia, esperamos que sirva de escaparate para que podamos seguir creciendo y dándonos a conocer.

Al sumergirnos en “Ultraviolet Catastrophe” tenemos la sensación de que hay varios cortes que poseen características para que hubieran podido ser elegidas como single, entre ellas incluyo “My Tender Love” y “Oh Lord Tell Them Wind Blows Far From Me”. ¿Qué tiene de especial “They Won’t Let Me Grow” para que sea esta la canción escogida?

Precisamente una de las cosas que más nos han gustado cuando teníamos finalizado el disco, era observar, sentir que no había ninguna canción que sobresaliera en exceso sobre el resto. Todas las canciones guardan una línea bastante uniforme. Queríamos hacer un disco sin singles y que fuera el conjunto del disco lo que primara por encima de todo. Inevitablemente había que escoger una canción porque es así como funciona la industria musical, para promoción en radios etc., finalmente decidimos entre la discográfica y nosotros que el single fuera “They Won’t Let Me Grow” pero podría a ver sido cualquier otra.

Para terminar y atendiendo a la última subida del IVA en este país.¿Qué futuro cortoplacista le auguras a la música en directo?

Otro inconveniente más. La música lleva siendo un sector castigado desde hace tiempo, mucho antes de la crisis debido a las descargas ilegales de discos, la piratería etc. En otros países donde se puso esta medida tuvo que corregirse porque resultó contraproducente. Veremos a ver que pasa.

Prats Texto Oscar Villalibre Vicente / FotografĂ­a Biel Capllonch

Pla B Después de haber estado durante años en la extinta banda Madee, y de formar parte del proyecto de The New Raemon tocando el teclado, Marc Prats ha decidido complicarse un poco la vida y meterse en el embrollo musical.

Para ello ha montado una banda con Lluís Cots y Pep Masíques (Madee) y ha reclutado a algún amigo como Dani Vega (Mishima). A esta alineación le puso el nombre de Prats. Y se puso a componer canciones. El fruto ha sido un disco de pop cantado en catalán y de bella factura, que lleva por título “Pla B” (BCore, 2012). Y para conocer este proyecto más de cerca, nada mejor que hablar con su precursor, el propio Marc.

A Marc Prats y a un servidor se les nota su acento catalán al hablar en castellano. Pero la conversación fluye distendidamente.

Cuando se le pregunta sobre música, Marc tiene ganas de contar cosas y explicar su experiencia. Más al hablar de su primer proyecto en solitario, en el que decidió embarcarse después de haber empezado a componer canciones y ver viabilidad a la propuesta. De su tenacidad surgió este ‘Pla B’, cantado íntegramente en catalán, y que parece tener una buena acogida.

“Las sensaciones entre nosotros son buenas. Hace tiempo que estábamos tocando en otras bandas, pero cada proyecto es distinto, y en este caso estamos viviendo algo muy bonito y de forma natural. Desde empezar a componer hasta la promoción con BCore todo ha sido un proceso muy natural y progresivo, y estamos muy contentos con ello”, comenta Marc. El encanto de las primeras veces sigue intacto, pues es la vez iniciática que el teclista de The New Raemon y Madee se pone a liderar una banda. Sobre ello nos explica que “ahora todo es una historia distinta. Tienes que llevar más la responsabilidad de el directo. Yo estaba muy acostumbrado a estar en una segunda línea, y el hecho de estar ahora en el centro, que todos te miren a ti, presiona un poco pero forma parte del juego, entonces lo acepto y lo intento hacer con alegría. Teniendo en cuenta que, dada mi personalidad y la de la banda, no somos la alegría de la huerta. Pero lo asumimos e intentamos ser coherentes con nuestro carácter más sobrio y serio.” Seriedad profesional con respeto ancho para la profesión.

Elementos ineludibles para formar parte del entramado musical. Para hacer discos y conciertos. Directos como el que Prats ofrecieron el pasado 4 de octubre en el Apolo 2 de Barcelona para presentar su disco. Sobre este Marc Prats se muestra contento por poder empezar a girar con el nuevo trabajo, ya que hasta la fecha sólo habían ofrecido dos recitales más. Aunque precisamente este hecho, la falta de rodaje, puede ser el detonante de cierta falta de presencia en el escenario. Hecho que Marc asume con digna profesionalidad y no esquiva. “Vamos trabajando. Sin prisa pero sin pausa, para ir mejorando el directo.

No hay que poner excusas respeto a la falta de rodaje. Es normal que cuando te metes en un proyecto nuevo hace falta un rodaje para que aquello funcione al cien por cien. Ha pasado siempre en todas las bandas que he tocado. Primero vas más tieso y luego te vas relajando y sintiendo más cómodo. Se aceptan las críticas y es cuestión de ir tocando”.

Pop académico, cortinas de guitarras y lirismo introspectivo.

Producto conocido pero al que aún pueden mostrarse muchos prismas. Para la grabación del disco, Marc Prats contó con la sabia mente de Ricky Falkner a los mandos de la producción.

Sobre la aportación de este nos comenta que “cuando tu mismo haces un puñado de canciones llegas a un punto en qué no sabes si éstas podrían mejorar o podrían tener otro estilo, y llegas a plantearte muchas dudas. Llegados a ese punto necesitas una voz autorizada que te guie en este tramo del camino. Que te aporte seguridad. Y en este sentido Ricky era el hombre ideal, puesto que conocía su trabajo, había colaborado con él y sabía de su buen gusto. Ello te permite relajarte a la hora de grabar el disco. Podía centrarme en cantar e interpretar sin perderme en estructuras o formas de las canciones”.

““Pla B” cuenta con buenas maneras y augura un buen futuro”

Con todo, a pesar de los desajustes de todo principio, Prats han sido capaces de sacar un disco adelante. Un larga duración que cuenta con buenas maneras y augura buen futuro.

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Una ayuda inestimable, pero que no ha sido la única. Marc Prats se ha contado con varias colaboraciones para sacar adelante este “Pla B”, como el guitarrista de Mishima, Dani Vega.

Aportaciones que hacen crecer el conjunto, aunque los músicos que graban y los que tocan pueden no acabar siendo los mismos. “Dani era el guitarrista que tenía en mente para tocar este disco. Soy admirador de su forma de tocar. Por su gusto a la hora de interpretar con la guitarra y por su forma de grabar, porqué es un tío que se involucra. Sin conocer mucho la canción se mete, se arriesga, prueba cosas, y esto lo necesitábamos para encontrar el sonido que buscábamos”, comenta Marc en este sentido. Y ello ha dado lugar a buenas canciones, como el single “Pla delirant”. Una de aquellas piezas redondas que dan la sensación de haberse compuesto rápidamente y casi de forma espontánea. Marc Prats nos lo confirma, y añade que es la canción que menos trabajo le supuso componer, pero que una vez acabada olía a single. Aunque otras canciones también consiguen hacernos parar el oído, como “Sookie”, encargada de abrir el disco y que narra una de aquellas oscuras historias de vampiros y que recoge el guante de la protagonista de la serie televisiva True Blood. O también la bella “Petita y blanca”, versión del músico catalán Toti Soler. Quién resulta ser familia del propio Marc, pero ello no quita la importancia de la figura de músicos como él. Héroes caídos que cuestan de recuperar en este país. Sobre la canción, el líder de Prats nos explica que “tenía ganas de hacer una versión de una canción que yo pudiera llevar a mi terreno. La pieza original es más sobria, y hemos quedado muy contentos de cómo ha quedado la cover, tanto en el disco como en el directo. Y no deja de ser una forma de reconocimiento a estos artistas, que a veces no se reconocen tanto como se merecerían”.

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G a n a d o r a d e l a e d i c i ó n 2 0 1 2 / 2 0 1 3 d e t h e I n t e r n at i o n a l A I P P Awa r d s

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Espacio Km. 0 con Levi’s

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Ricardo Cavolo Levi’s® en Espacio km0 de Lados Mag nos muestra el trabajo de Ricardo Cavolo, uno de los artistas seleccionados por Levi’s® para la realización una de sus obras tomando como elemento base los jeans Levi’s® 501®.

En breve podrás ser partícipe de todo el proceso de creación de la obra de Ricardo Cavolo en: www.ladosmagazine.com Ricardo Cavolo desarrolla todo su trabajo bajo el interés por establecer y propiciar relaciones de afecto y proximidad, aplicado tanto a los modos de hacer como a las herramientas y conceptos que maneja. Partiendo de esta actitud, termina conjugando acontecimientos de pequeña o gran escala mediante objetos y relaciones que son a su vez concretas e imprecisas, sencillas y trascendentes, táctiles y enigmáticas, comunes y extrañas…

Su principal virtud es trabajar con lo que le resulta familiar y cercano, tanto en el aspecto material y estético de las obras, como en el proceso de realización, que atiende al interés por las relaciones de proximidad y el gusto por la elaboración manual.

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Louise Bourgeois Honni soit qui mal y pensĂŠ

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Texto Beatriz Ahijón Fotografía Christopher Burke & Manuel Blanco

Louise Bourgeois nació en Paris en 1911, en el seno de una familia de artesanos del tapiz. La frágil salud de su madre hizo que pronto se pusiera al corriente del oficio y preparara su ingreso para la École de Beaux Arts. De esta tradición familiar le vino su amor por el arte, pasión a la cual pudo dar rienda suelta en Nueva York, a donde emigró tras contraer matrimonio con el historiador americano Robert Goldwater, en 1938. Imbuida del ambiente intelectual de aquellos años, Louise se interesó por la inconsciente, que intentó plasmar en su obra. Artista y escritora a un mismo tiempo, ella misma nos revela la fuente de su angustia, nos explica los significados de su obra, y relata el comienzo de su carrera artística, una huida hacia delante movida por la intensidad de su psique, que impregnó y fue el alma mater de toda su obra: “Me sentí atraída por el arte porque me aislaba de las difíciles conversaciones de la mesa donde mi padre se jactaba de lo bueno y maravilloso que era (…). Cogí un pedazo de pan blanco, lo mezclé con saliva y moldeé una figura de mi padre. Cuando estaba hecha la figura, empecé a amputarle los miembros con un cuchillo. Considero esto como mi primera solución escultórica.

Fue apropiada para el momento y me ayudó. Fue una importante experiencia y determinó ciertamente mi dirección futura”.

La artista hizo uso de las distintas disciplinas del bordado, la pintura, la escultura y la instalación, y utilizó un amplio abanico de materiales como la madera, el bronce o el hilo, para dar forma concreta a sus traumas y hacerlos revivir. Su obra es un simulacro mediante el que Louise adquiere la posibilidad de tomar el control de lo que la atormenta. Aunque la artista nos dejó en 2010, su obra es como un aliento que reactiva sus constantes vitales. La anciana burlona que fotografió Mapplethorpe vive a través de las pulsiones de su obra, y de los numerosos diarios que dejó.

Una casa de muñecas para Louise “Honni soit qui mal y pense. Mal haya quien mal piense”. Con el lema de la orden de la Jarretera (The Most Noble Order of the Garter) como advertencia pendiendo sobre nuestras cabezas, se abre la exposición dedicada a la artista Louise Bourgeois (París 1911- Nueva York 2010) en La Casa Encendida, Madrid. Obra de la curadoría de Danielle Tilkin, la muestra reúne más de cincuenta piezas, entre las que se encuentran instalaciones, pinturas, esculturas y grabados realizadas durante los últimos diez años de vida de la artista, y nunca antes vistas en Madrid. Bourgeois, que inicialmente se formó en el arte de la pintura y el grabado en

Francia, finalmente consolidó su lenguaje artístico a través de las posibilidades narrativas que le brindó la escultura, técnica que le descubrió su maestro Fernand Léger, y que finalmente adoptó hacia 1940, instalada ya en Estados Unidos. Sus esculturas e instalaciones ocuparon el vacío que tanto la aterraba y lo llenaron de sus obsesiones. Su obra vuelve una y otra vez sobre sus recuerdos traumáticos de infancia, en lo que supone un acto de repetición compulsiva, a un tiempo punitiva y catártica. Hay en su obra, que podíamos calificar de intimista, un sesgo misterioso que nos traslada al borde de su abismo existencial.

Por las noches tengo miedo Decía Louise que existimos sobre todo por ausencia y, de hecho, su obra retorna constantemente a tiempos pretéritos. Como la memoria, también su obra es fragmentaria, presa de una nostalgia que nos lleva a recomponer en una imagen mental de lo que falta, lo que se ha perdido o no se dice, como ante una ruina.

Las dimensiones que adquieren estos recuerdos náufragos producen la sensación de extrañeza que habita detrás de lo familiar y cotidiano: Su hogar de la infancia, motivo de muchas de sus representaciones, es el escenario del drama de su niñez; con muñecos de trapo que le sirven para representar todo aquello que la turba desde entonces. Con la obra de Bourgeois, el arte vuelve al sentido primordial del tótem, la plasmación de aquello que nos aterra porque no entendemos, aquello que nos obsesiona durante el día y que nos persigue en nuestros sueños y que, mediante su representación, pretendemos dominar y no convertirnos así en sus víctimas.

Atrapados en sus redes Proveniente de una familia de artesanos del tapiz, la tela y el hilo son citas autobiográficas constantes de su obra, tanto a nivel formal como expresivo. Al igual que una araña, muy presente en su obra, Bourgeois teje su historia personal y nos invita a deslizarnos por los viscosos hilos de los que penden sus recuerdos.

Y así, mientras que su obra rezuma su vida y su esencia por todos sus poros, nosotros como espectadores somos convertidos en voyeurs de los mismos. La temática en torno al sexo y los clichés de género, dominante en su producción, podría fácilmente interpretarse como feminista y, si bien es cierto que refleja cómo la mujer es encadenada al ámbito doméstico, y limitada a su rol reproductivo y la realización de ciertas artes menores, también de esto se libera Louise, esta vez por medio de la ironía, bordando cuidadosamente sus iniciales en muchas de sus obras. Sus creaciones destilan un intenso psiquismo del que resulta fácil quedar prendido. Al fin y al cabo ¿qué es una tela de araña sino una trampa sutil?

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pá g . 1 1 3 C a m i s a c u a d r o s Z Z e g n a C a m i s a va q u e r a L e e Colgante y anillo Thom as Sabo

Pá g . 1 1 4 C a m i s a L e e C o lg a n t e T h o m a s S a b o E S TA Pá g . Pa n ta l ó n L e v i ’ s C a m i s a y c h a q u e ta L e e Z a pat o s Va n s R e loj J e r e m y S cot t f o r S watc h

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Cosmic Birds Texto Teresa del Hoyo Alonso Pimentel

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Chronicles of the Windwar Sin ser un experto en ornitología te dascuenta, que los chicos de Cosmic Birds son cuatro ejemplares que con su opera prima.“Chronicles of the Windwar”, están preparados para comerse el mundo sorprendiendo y enamorando allá donde suenen con sus atmósferas mágicas.

Es innegable, con “Chronicles of the Windwar” nos encontramos ante un trabajo de mayor complejidad a los Eps publicados anteriormente, el nuevo trabajo de Cosmic Birds está repleto de matices, propios de aquellos que se esfuerzan por ampliar fronteras, evolucionar para crecer y experimentar por paisajes sonoros más diversos. Sin embargo admiten “el proceso de composición no ha cambiado, pero cuando hace un año grabamos “Hello Earth” en casa, con las limitaciones del “do it yourself ” no pudimos llevar a cabo todas las ideas que teníamos”.

“Chronicles of the Windwar” es la entrega de una de las mejores y con más proyección bandas noveles del momento: un álbum que suena a álbum. A un todo que llama a ser escuchado desde el tema uno al décimo tercero en modo nonstop. “Gracias, “Chronicles of the Windwar” es una historia que abre con el “Woke Up Alone” de “Failure” y cierra con “The Story is Over, The Storm’s Come and Gone” en “The Sinner and the Musical Graves” y “Secret Garden”, de algún modo con este trabajo es como terminar el trayecto y cerrar el círculo”.

Las melodías de Cosmic Birds respiran ese aire especial y mágico entre unas cuerdas de naturaleza de folk y el piano con un alma nocturna y urbana, indie–pop–experimental. En “Down to the city”, el estribillo reza “I’ll never go down to the city anymore / They tell me there’s light in the city but I know / that I don’t belong”. Un estribillo que no hace si no ahondar en la duda de donde esta el nido para estos pájaros cósmicos…

“La ciudad sin duda nos condiciona porque es nuestro entorno, quizá de ahí proceda la fascinación por algo más orgánico. El actual estilo de vida urbano nos bombardea con imágenes, ruidos, publicidad… de hecho el silencio absoluto parece inalcanzable.

Por eso el contacto con la naturaleza nos parece esencial, muy saludable para el coco, y esa necesidad de escapismo se ve reflejado en temas como ‘The Planets’”.

Fieles al inglés, los Cosmic Birds se desenvuelven en este nuevo trabajo bajo la capa de un idioma que da licencia para tratar temas íntimos, cercanos a los sentimientos personales y que en castellano parece más complicado, “En realidad no echamos de menos cantar en castellano porque nunca lo hemos hecho. En cierto modo, cantar en la lengua materna es más valiente, porque igual que la música es el reflejo de tus emociones, las letras lo son de tu mente, y parece menos embarazoso salir a tocar desnudo a que alguien tenga pueda diseccionar tu cerebro y lo que vea le parezca feo”. Honestidad y sinceridad cualidades envidiable que Mario y David como almas Mater del proyecto hacen constantemente empleo de ellas, granjeándose sin temor a equivocarse de nuestro cariño y respeto.

Cosmic Birds generadores de un universo propio, particular, lo demuestran desde dentro del corazón del disco hasta el último detalle preciosista del exterior, así una vez más cuentan con las ilustraciones y artwork de Isabel Calvo Ferrara, amiga de la banda, “Para nosotros la atención a los detalles es muy importante e Isabel capta perfectamente la dirección artística que buscamos y conoce nuestras referencias, así que se puede confiar plenamente en ella. Para este álbum queríamos una estética que combinase la inocencia y lo retorcido de los cuentos clásicos”. Minuciosidad en unos detalles que llegan a lo mas profundo de “Chronicles of the Windwar” contando con una producción detallista y limpia, detrás de la que se esconde Pablo Giral, que con acierto en septiembre rescató la grabación cuando después de tener grabadas las baquetas de Guille, la guitarra de David y el piano de César tuvieron que cambiar de sonoridades,“Sí, fue entonces cuando los tambores del grupo de ska con el que compartimos local se empezó a colar en las grabaciones, exiliando la grabación a la academia Pianísimo y a la casa del productor, grabar con Pablo ha sido un placer porque hace muy bien su trabajo, tiene una paciencia infinita y, al ser un buen amigo, nos hemos sentido muy cómodos grabando con él, que es algo esencial para unos novatos como nosotros”.

“Chronicles of the Windwar” es un plan magistral donde pocas cosas se dejan en manos del azar, la esencia es pura, pero estudiada, y estas ideas vuelven a aparecer en la conversación “Es cierto que tomamos ese recurso de la naturaleza como reflejo “Chronicles of the Windwar” son trece temas sinceros cardel estado de ánimo, tan característico de la poesía del Roman- gados de emociones y sentimientos que tienen la capacidad ticismo, y es curioso también cómo percibimos la meteorología de sobrecogerte y asilarte del frío emocional de esta sociedad, y el entorno de manera diferente según nuestras emociones. En solo tienes que escoger tu el momento ideal y el donde soñado definitiva, si el mundillo de la música nos vuelve locos es más para hacerles susurrar en directo los temas de este delicado probable que acabemos sólos en una casa de campo hablando con trabajo… los geranios a que nos encuentren en un callejón con sobredosis”. Un plan contenedor de pistas como “Deep in the Woods” Y asi sin agobios de futuro, los Cosmic Birds quieren creen y que encajarían perfectamente dentro de una banda sonora, en si mismos en sus propias fuerzas para escapar de colaboragénero en el que David admite adorar a Yann Tiersen (Tabarly) ciones imposible e inverosimilies “El camino es muy largo, y lo y las obras de Philip Glass mientras que Mario nombra El Bos- mejor para afrontarlo es medir tus propias fuerzas para intentar que, La Joven del Agua y a Danny Elfman, componente impor- llegar al objetivo deseado. De momento estamos más interesados en experimentar con nuestro sonido que en colaborar con otros tante de su infancia gracias a Beetlejuice. grupos”. Otro asunto es compartir cartel, dónde ya han conviAl preguntarles acerca de sus preferencias musicales e influen- vido con dos de sus grupos nacionales favoritos: Hola A Todo cias, infinidad de bandas demuestran que son grandes consu- El Mundo y Marcus Doo & The Secret Family. Eso sí, si se les midores de música “Arcade Fire, Bat for Lashes, Fleet Foxes, plantea compartir un backstage imaginario, algo con lo que The Knife, Beach House o Patrick Wolf, pero no nos podemos soñar, el nombre es unísono e inequívoco… “Sufjan Stevens”. librar de mencionar a los Backstreet Boys. ¿Nadie más piensa que Larga vida a unos Cosmic Birds que prometen volar alto.

“The Call” está terriblemente infravalorada? (Risas)”

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Efterklang Texto Oscar Villalibre / FotografĂ­a Nikolaj Holm Moller

Piramida Efterklang, a parte de ser un mote de compleja pronunciación para hablares latinos, es el nombre de una banda danesa de buenas maneras y prometedor futuro.

Son una de aquellas bandas relacionadas con el post–rock y la experimentación que pueden pasar desapercibidas, pero que parar atención en ellas puede darnos alguna que otra alegría.

Acaban de publicar el que es ya su cuarto álbum. Lleva por nombre “Piramida” y ha salido al mercado de la mano del sello británico 4AD. Para conocer un poco sobre este grupo y sobre su nuevo disco hemos charlado con Stolberg Rasmus, uno de sus miembros.

Uno de los tres componentes fijos del grupo, junto a Mads Brauer y Casper Clausen. Dado que Efterklang suele contar con músicos invitados para realizar sus proyectos y sus conciertos. Sobre la gente que ha participado en la ejecución de este nuevo material Rasmus comenta “esta vez hemos tenido menos invitados para colaborar de lo habitual. Earl Harvin de Tindersticks ha tocado la batería, Nils Frahm con el piano en cuatro canciones, Peter Broderick el violín y el piano en unas cuantas canciones más. En anteriores trabajos, también teníamos algunos bajistas de la Andromeda Mega Express Orchestra y un nutrido coro femenino para las voces proveniente de la ciudad de Dinamarca donde nosotros crecimos”. Un conglomerado de artistas y una forma de funcionar que dicen mucho del concepto que persigue esta banda. Su disco “Piramida” (4AD, 2012) está plagado de numerosas texturas y coloridades en el sonido, elemento clásico de aquellos que trabajan con la experimentación.

“Nosotros estamos muy interesados en las texturas de la música, nos encanta recorrer los diferentes matices de los sonido, y destinamos mucho tiempo a conseguir el mayor número de capas posible, para vestir de la forma más interesante posible nuestra manera de tocar” comenta Rasmus en este sentido.

Hablamos pues de un sonido capaz de combinar momentos de serenidad con otros de atormentada densidad. Canciones hechas para y desde el frío. Un halo melancólico que a veces nos puede recordar a The National. Aunque también un poso de producción medida y repensada que puede llevar nuestro imaginario hasta Feist o el segundo álbum de Bon Iver. Sobre estas referencias personales Rasmus nos dice que The National sí puede ser una banda inspiradora para ellos, pero las otras referencias mentadas, a pesar de gustarles, no las consideran influyentes. “Muchas de nuestras inspiraciones han sido Einstürzende Neubauten, el último álbum de Talk Talk y el disco en solitario de Mark Hollis. Aunque también nos suelen gustar The Talking Heads y otros muchos grupos de música electrónica como Mira Calix, y bandas relacionadas con el post–rock como Godspeed You Black Emperor, que ha tenido una gran influencia en nosotros”, añade.

“Piramida” hace poco que ha empezado a andar, pero los conciertos de esta gira hace un tiempo que van tomando cuerpo.

Tanto es así que el pasado mes de mayo Efterklang realizaron un concierto muy especial en la Opera House de Sydney, bajo el título “The Piramida Concert”, y que sirvió de punto de partida para la plasmación en vivo de su nuevo trabajo. En relación a este concierto Rasmus explica que “ha sido una de las

experiencias más grandes que hemos vivido como banda. Mientras el concierto iba sucediendo nos venían muchos sentimientos y pensamientos a la cabeza. Tocar el nuevo álbum entero antes de qué nadie hubiera escuchado ni una sola nota nos hizo estar realmente nerviosos, pero a la hora de la verdad todo fue realmente bien y nos sentimos muy aliviados cuando el concierto ya había pasado”. El punto inicial de una gira que prosiguió en Dinamarca y en lugares exóticos como Tokyo, pero que no tiene fijada fecha en España, aunque el grupo asegura que esperan poder anunciar una visita a nuestro país en 2013, pues les haría mucha ilusión. Sitios variados dónde poder exponer su trabajo fuera de casa. Un hogar que tienen en Alemania, aunque todos ellos son procedentes de Dinamarca. Un país que vive una buena salud musical. Al preguntarle sobre la escena musical danesa, Stolberg Rasmus nos dice que ésta “es impresionante. Hay muchísimas bandas buenas. Crecimos escuchando a Kashmir, aunque nosotros estamos más conectados personalmente con bandas como Slaraffenland, Sleep Party People, Cody, When Saints Go Machine. Turboweekend, Pinku Noizu, The William Blakes, Murder, I Got You On Tape y The Late Great Fitzcarraldos”.

Efterklang conforman un conglomerado nutrido de muchas fuentes proyectado en múltiples aristas

Con todo, Efterklang conforman un conglomerado nutrido de muchas fuentes proyectado en múltiples aristas, como sus canciones. Su voluntad creativa más allá de lo musical se ve reflejada en su participación en otros proyectos. Por ejemplo, en el pequeño sello que llevan un tiempo haciendo crecer y publicando con él a bandas de la talla de Grizzly Bear. Sobre éste, Rasmus nos cuenta que “ahora mismo hemos tomado un descanso para sacar a otras bandas que no sean Efterklang. Todo ello da mucho trabajo y ahora estamos viajando mucho con la gira de nuestro propio grupo y no nos deja demasiado tiempo para poder hacer otras cosas”. Proyectos en paralelo, como la participación en el film “An island” del director Vincent Moon, o el documental titulado “The Ghost of Piramida”, el cual sigue a la banda hasta la ciudad de Spitsbergen y que es donde empezaron ha realizar su último disco. Todas estas actividades forman parte de la idiosincrasia de la banda, como nos cuentan: “Nos encanta tocar nuestras canciones y nos entusiasme colaborar con directores de cine, tocar en teatros y lugares especiales y hacer este tipo de cosas. ¿Por qué no deberíamos hacerlo?”. Pues sí, deberían. La creatividad es algo que hay que dejar fluir, y estos chicos daneses afincados en Berlín parecen muy capacitados para hacerlo.

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Shopping Autum / Winter 2012 – 2013

Jersey Franklin & Marshall

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Camisa – Madox Calzado – Keds Jersey – Levi’s Guantes – Lacoste

Calzado – DC Suéter – Carhartt WIP Calzado – Onitsuka Tiger Camisa – Dr. Denim Correspondencia de créditos de prendas por columnas.

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Chaqueta – Franklin & Marshall Calzado – Palladium Camisa – Levi’s Suéter – Franklin & Marshall

Chaqueta – Lacoste Live Calzado – TST Shoes Pantalón – Levi’s Pajarita – Dr. Denim

Calzado – Keds Camiseta – Diesel Camisa – Bench Parka – Franklin & Marshall Correspondencia de créditos de prendas por columnas.

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Camisa – Wrangler Calzado – Converse Pantalón – Nudie Jeans Chaqueta – Hugo Boss Orange

Jersey Diesel

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Calzado Keds

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Vestido – Levi’s Calzado – Keds Abrigo – Odd Molly Camisa – Yono Taola

Calzado – Reebok Chaqueta – Protest Calzado – United Nude Parka – Odd Molly Correspondencia de créditos de prendas por columnas.

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Jersei – Franklin & Marshall Calzado – Keds Jersei – Hugo Boss Orange Pantalón – Madox

Noticias Patrick Evoke en Montana Gallery El artista presenta en Montana Gallery Barcelona una nueva serie de obras bajo el título “Paisajes”, tras lo cual se trasladará Guanlan (China) durante tres meses con el fin de desarrollar un proyecto de grabado. Patrick Evoke desde hace ya más de veinte años, va generando una pieza tras otra al mismo ritmo que se traslada de una localización a la siguiente. Patrick graba en su memoria estas experiencias visuales que se encuentran entre lo real e irreal, lo visible y lo invisible, y comparte, a través de su obra, todo aquello que queda entre medias.

Las imágenes que puedes ver en su obra son el resultado de lo que queda entre medias de sus viajes por más de treinta países o de los múltiples paisajes de su Canadá natal. Como resultado de su trabajo tanto en el estudio como en la calle, Patrick desarrolla un estilo personal que él mismo denomina como “Mistakism”, en el que la memoria, los sentimientos, las frases y otros fragmentos, son la chispa necesaria para arrancar nuevos proyectos. Su trabajo se ha mostrado en exhibiciones internacionales como BAC! 07(Barcelona), “Mistakism” en The Trace Gallery (Zurich, Suiza), así como “Housepaint” en el museo Royal Ontario (Instituto de Cultura Contemporánea en Toronto, Canadá). El veterano artista canadiense de la escena del Street Art expone desde el pasado 18 de octubre hasta el 8 de diciembre de 2012 en las instalaciones que Montana tiene en la calle Comerç de Barcelona.

Interactivos?’13: Herramientas para un Mundo Legible y Editable Medialab–Prado y Libre Graphics Research Unit abren una convocatoria para proyectos que propongan la creación de herramientas de diseño, edición, dibujo y escritura colectiva para su desarrollo colaborativo en el taller internacional que tendrá lugar en Medialab-Prado (Madrid) del 13 al 27 de abril de 2013. La convocatoria se abrió el pasado 31 octubre 2012 hasta el próximo 15 enero del 2013. La presente edición se centrará en la (re)-invención de un proceso de trabajo de Libre Graphics que refuerce la colaboración y el intercambio. Medialab-Prado y Libre Graphics Research Unit buscan proyectos para

desarrollarlos colaborativamente a lo largo de un taller de dos semanas, que tendrá lugar en Madrid del 13 al 27 de abril de 2013, interesados en ideas para desarrollo de herramientas de diseño, edición, dibujo y escritura colectiva. La experiencia se completara con un taller que será una plataforma colaborativa dedicada a la investigación, producción y aprendizaje. Apoyará el desarrollo de prototipos basados en las propuestas seleccionadas. El trabajo se llevará a cabo en grupos multidisciplinares que contarán con promotores de proyecto y colaboradores interesados, así como un equipo de asesores que contribuirán con sus conocimientos conceptuales y técnicos.

Más información: www.medialab–prado.es

Lara Almarcegui, seleccionada para representar a España en la 55 Bienal de Venecia, expondrá en el MUSAC a partir de enero de 2013 su último proyecto individual A partir del próximo 19 de enero de 2013 Lara Almarcegui expondrá en el MUSAC un proyecto específico para el Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León, este será comisariado por Agustín Pérez Rubio y Manuel Segade La joven artista zaragozana residente en Rotterdam, Lara Almarcegui, recientemente a sido seleccionada para representar a España en la próxima Bienal de Venecia, que se celebrará del 1 de junio al 24 de noviembre de 2013.

Si en la pasada edición fue la vallisoletana Dora García, con su proyecto “Lo Inadecuado”, en 2013 Octavio Zaya ha optando por un solo artista para que exponga en el pabellón español, decantándose por la joven Lara Almarcegui. Así España es continuista con su propuestas artísticas apostando por un perfil muy similar. Ambas mujeres, jóvenes, arte conceptual y ambas formadas en Holanda en importantes centros de residencia de artistas y con una trayectoria internacional reconocida. Lara Almarcegui es una de las artistas españolas con mayor presencia internacional. Sus proyectos tienen como contexto la ciudad contemporánea y sus condiciones de desarrollo. Sus guías de ruinas modernas en Holanda o Borgoña, de descampados urbanos en Londres o Sao Paulo, sus trabajos con

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montañas de escombros en Viena o Dijon, o sobre el peso de ciudades como Sao Paulo, la han llevado a participar en los más importantes eventos internacionales del arte contemporáneo de la última década. En 2013 tendrá exposiciones individuales en el MUSAC y el Crédac, Centro de Arte Contemporáneo de Ivry (Francia).

Purple Weekend, motor para León los días 6, 7 y 8 de diciembre Conciertos, scooter run, allnighters, alldayers, y exposiciones conforman la propuesta cultural del Purple Weekend 2012 durante los días 6, 7 y 8 de diciembre que acogerá la 24ª edición del Festival Internacional Purple Weekend de León. En lo estrictamente musical el Purple contará con un cartel en el que destaca tanto la presencia que tienen el valor de lo único y lo histórico, con nombres legendarios que forman parte del Olimpo de la música moderna como el mítico Roky Erickson de los 13th Floor Elevators, como la nueva sabia que refuerza el cartel con el joven californiano Nick Waterhouse que con solo 25 años irrumpió en escena con dos explosivos singles que cautivaron a los seguidores del Rhythmn Blues de corte añejo y que presentara en el Purple su álbum de debut “Times All Gone”, un disco repleto de sonido negroide y saxofónico.

Así, el cartel está formado por cinco bandas norteamericanas, dos holandesas, una en representación de Francia, Escocia y Uruguay, respectivamente, además de seis bandas españolas. Así, se podrá escuchar a The Rezillos, The Kik Midnight Shots, Jacco Gardner, The Ripe, Bart Davenport&Biscuit, Gentleman Jesse, Los Mockers, Tald!, Stanley Road, Les Terribles, Nick Watherhouse, The Phantom Keys y los leoneses Arsen Randez y Los Cuervos. De esta manera, en el Purple Weekend, con su orientación sixties tan clara y definida, tienen cabida multitud de estilos que pertenecen cronológicamente a esta época o bien beben directamente de su influencia: desde las mejores referencias R&B, Garage, Beat, Soul, Powerpop y Revival.

Girando Por Salas Arrancan los conciertos de la iniciativa Girando por Salas, donde cincuenta y seis seleccionados entre más de mil trescientas propuestas tendrán la oportunidad de tocar fuera de los ámbitos de su comunidad.

Para la ocasión y para conocer un poco más en profundidad este iniciativa hemos charlado con ambas partes, organización y músico emergente reflejado en la figura de Fabián, el resultado, en las siguientes líneas nos contaran sus pareceres y expectativas…

Pero primero conozcamos a las partes, la iniciativa Girando por Salas es el resultado de una agrupación de asociaciones en la que participa además del INAEM la federación del Circuito de Músicas populares que gestiona el proyecto, esta la conforman ocho asociaciones profesionales del mundo de la música que abarcan todos los “gremios” de la misma y son: Promusicae y UFI como representantes de las discográficas, Musicat y Unió de Musics representando a los músicos, ARTE en representación de los mánagers, APM y ARC de los promotores y ACCES de las salas de conciertos de todo el país. En el otro lado de la película hablamos con Fabián, joven leones con tres discos a sus espaldas y que encierres publicara su cuatro trabajo (La Brisa Leve) La Luz Distinta. Fabián es sin duda de esas personas que hace las cosas poco a poco y con mucho cuidado. Tras el Ep “Plegarias” vino “Espera a la Primavera”, después “Adiós Tormenta”. El cual dio paso, tras mucho esfuerzo, a su tercer disco de estudio “Después del incendio y otras cosas así”.

Una vez conocidas las partes arranquemos desde el principio ¿Cuándo y por qué surge Girando por Salas?

GPS: En el año 2010 varias asociaciones profesionales del mundo de la música consiguen concretar una antigua reivindicación que venían haciendo al Ministerio de Cultura (a través del INAEM).

Pedían apoyo a la música popular y lo consiguen de la forma que consideran la base de la cultura popular: apoyando a los grupos que empiezan a tocar fuera de su ámbito de influencia. ¿Qué aporta una iniciativa como Girando por Salas al actual panorama musical y discográfico?

Fabian: Es una gran ayuda a la hora de salir a tocar con una banda al completo. Tal y como están las cosas, es muy complicado mover a cinco o seis personas para hacer un directo. Además, el dinero para promoción es un apoyo realmente útil.

GPS: Somos conscientes que es un pequeño granito en un sector con dificultades más allá de la crisis global en la que nos encontramos. Pero aún así consideramos importante varios puntos.

Ya el hecho de que el Ministerio de Educación Cultura y Deporte apoye la música popular y en su forma más de base como son los conciertos de artistas emergentes en pequeñas salas de conciertos nos parece un paso importante en la valoración de este tipo de música como parte de la cultura de un país. Y siendo más prácticos es un pequeño apoyo a estos grupos creando un circuito de invierno que es el momento en que menos posibilidades de hacer conciertos tienen ya que en primavera verano es cuando se concentran la mayoría de festivales y festividades y dejan estos meses un poco huérfanos de música en directo.

Con el gran número de solicitudes presentadas, elegir cincuenta y seis grupos entre mil trescientas candidaturas, tiene que ser realmente complicado. ¿Cómo es el proceso de

selección de Girando Por Salas? ¿Cuáles son los criterios principales que ayudan a pasar el corte y así poder formar parte de los cincuenta y seis elegidos?

GPS: Efectivamente es una pena que solo se puedan seleccionar cincuenta y seis candidaturas lo que hace que muchos artistas tan válidos como los seleccionados se queden fuera de la iniciativa.

En términos estrictos la selección es el resultado de la votación de las asociaciones que gestionan el proyecto. Cada asociación vota los artistas que consideran más adecuados y con el resultado final son los cincuenta y seis artistas más votados. Existe además el voto del público que se añade, como si de otra asociación más se tratara, a los votos del resto de asociaciones.

Cada asociación determina sus criterios de selección pero hay una líneas generales que intentan que existan representantes de todos los estilos musicales (rock, pop, jazz, canción de autor, hip hop,…) y de todas las comunidades autónomas.

De los cincuenta y seis grupos seleccionados, ¿cuál crees que es el nexo común, o la característica que se puede encontrar en ellos?

Fabián: La verdad es que no los conozco a todos, pero me imagino que el nexo común es el respeto y el amor por una profesión, la de músico, que no siempre es entendida y respetada por todo el mundo. Y las ganas de hacer cosas, y de hacerlas bien.

GPS: Representan la energía y la motivación de quien está empezando en una actividad y que cualquiera de ellos pueden ser alguno de los futuros artistas nacionales consagrados. De hecho esperamos que lo sean muchos de ellos. ¿Qué puedes echar en falta dentro de la lista final de seleccionados conformada por estos cincuenta y seis seleccionados?

Fabián: Bueno, se que somos muchos los que nos hemos presentado, no se muy bien la distribución por territorios, pero quizás si existe una concentración de bandas de zonas como Madrid, Cataluña… de hecho creo que yo soy el único representante de Castilla y León. Sé que había gente con mucho talento que se había presentado y estoy seguro de que participarán en futuras ediciones. ¿Cómo tienes previsto plantear los conciertos de Fabián en GPS? ¿presentarás temas de tu próximo trabajo?

Fabián: Van a ser unos conciertos muy intensos, con toda la banda. También habrá momentos más íntimos. Sí, si todo va bien, presentaremos las nuevas canciones en esta serie de directos. ¿Cómo describirías la propuesta de Fabián dentro del GPS? Fabián: Yo diría que nuestra propuesta es honesta y atractiva, siempre y cuando te guste el folk, el pop y las letras en castellano.

En un momento de incertidumbre como el actual momento político y económico, plagado de recortes sociales. ¿Cuál es el futuro de una iniciativa como Girando por Salas?

GPS: Confiamos en que la iniciativa se consolide en el futuro y que sea un apoyo más para que los artistas puedan iniciar sus carreras profesionales. De hecho en estos difíciles momentos de recortes hemos conseguido que el Ministerio siga confiando en que, aun en momentos de dificultades económicas, sea necesario seguir apoyando la cultura, y en este caso la cultura popular.

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