REVISTA CAFÉ, ARTE Y DISEÑO. 8va. Edición

• CORRIENTES FILOSÓFICAS DEL SIGLO XIX - XX • LA CENSURA EN EL DISEÑO• • EL ARTE POPULAR • REVOLUCIÓN MODERNA Y EL DISCURSO DE DISEÑO • •ART NOUVEAU Y SU TRASCENDENCIA • EL CARTELISMO Y SU EVOLUCIÓN •

Contenido Colaboradores Editorial Pensamiento y contexto de las corrientes

filosóficas entre los siglos XIX y XX

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La censura en el diseño

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El arte pop en la cultura visual

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Era de revolución moderna y el surgimiento del discurso de diseño

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Art Nouveau, el inicio de una nueva época

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El cartelismo, origen, evolución y tipos, a partir del siglo XV

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REVISTA CAFÉ, ARTE Y DISEÑO AÑO 8 NO. 8 GUATEMALA 2015 •

NÓMINA DE AUTORIDADES

DIRECCIÓN DE PROYECTO

DIRECCIÓN EDITORIAL

Msc. Byron Alfredo Rabé Rendón

Lic. Carlos Franco Licda. Isabel Meléndez Licda. María Ordóñez

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Arq. Edgar Armando López Pazos VOCAL II

Arq. Edgar Armando López Pazos VOCAL III

Br. Héctor Adrian Ponce Ayala VOCAL IV

DISEÑO VISUAL 7

Licda. Wendy Herrera Lic. Francisco Chang Licda. Ana María Saavedra DESARROLLO Y GESTIÓN DE PROYECTOS

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FILOSOFÍA DEL DISEÑO

Br. Luis Fernando Herrera Lara

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VOCAL V

TÉCNICAS DIGITALES 7

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SECRETARIO ACADÉMICO

MERCADEO 2

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Lic. César Padilla

SECRETARIO ADMINISTRATIVO

TÓPICOS ESPECÍFICOS 2

Lic. Luis Gustavo Jurado Duarte DIRECTOR ESCUELA DE DISEÑO GRÁFICO

Licda. Isabel Meléndez

Aida Ajcuc, Alba Hernández, Alejandro Reyes, Andrea Morales, Andrea Pinto, Carlos Rodríguez, Cindy García, Diego Monzón, Erick Pereira, Gabriela López, Héctor Ponce, Javier Navas, Jorge Caná, José Sierra, Juan José Oxcal, Kimi Gonzáles, Lander Estrada, Luis Armando Cruz, María Fernanda Leal, María José Cardona, Melissa Matzir, Mercedes Casasola, Nicté Montiel, Pablo Pivaral, Pedro Camey, Ronald Díaz, Rossana Del Cid, Samael Solórzano, Sara Jeanpierre

DISEÑO Y DIAGRAMACIÓN Alba Hernández Lander Estrada María José Cardona Nicté Montiel

ILUSTRACIONES Lander Estrada

Revista Café, Arte y Diseño es una publicación anual de estudiantes y profesores de la Escuela de Diseño Gráfico, Facultad de Arquitectura, Universidad de San Carlos. Los criterios que sustentan los artículos, son de exclusiva responsabilidad de los autores. Todos los derechos reservados, prohibida la reproducción de textos, imágenes y fotografías, sin previa autorización de la Facultad de Arquitectura.

Guatemala, octubre 2015.

ESCUELA DE DISEÑO GRÁFICO, FACULTAD DE ARQUITECTURA Ciudad Universitaria.

Campus Central, zona 12, edificio T-2.

PBX: 2418-9000

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EDITORIAL •

EDITORIAL A

lo largo de la historia si algo ha quedado más que claro es que el hombre se encuentra en constante búsqueda de respuestas para explicar la realidad en la que vivimos. Busca responder preguntas básicas acerca de la naturaleza, el universo, el ser, el saber y el haber.

Para esto se vale de una gran variedad de “trucos” y se coloca a si mismo en diferentes perspectivas para estimular y desarrollar un pensamiento.

Y el diseño gráfico no se ve excluido de este pensamiento humano; diversos momentos históricos y sociales han ayudado a generar las ideas que dieron, dan y darán sentido a la profesión del diseño en general.

En esta edición de la Revista Café, Arte y Diseño, seleccionamos los mejores artículos que ayuden a entender estos diferentes contextos que han ayudado a construir las bases del diseño gráfico, y cómo estos continúan replanteando las perspectivas de los diseña-

dores, tanto profesionales, como los que se encuentran en formación. En un mundo cada vez más globalizado es importante comprender el origen de esta profesión para ayudarle a evolucionar; y que mejor forma de entender las nuevas perspectivas, que con las palabras de aquellos que están empezando su camino en este mundo de diseño tan imponente, pero a la vez lleno de posibilidades para aquellos que se cuestionen la forma actual en la que se genera gráfica.

Revista Café, Arte y Diseño

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PENSAMIENTO Y CONTEXTO DE LAS

CORRIENTES FILOSÓFICAS ENTRE LOS SIGLOS XIX Y XX

“La filosofía implica una movilidad libre en el pensamiento, es un acto creador que disuelve las ideologías.”

- Martin Heidegger

A

lo largo de la historia han existido un sinfín de corrientes artísticas, sin embargo en muy pocas ocasiones se analiza el pensamiento que hay tras ellas y del cual surgen, mucho menos sus implicaciones y la forma en que estas afectan a las corrientes que las suceden, pero principalmente la forma en que han afectado al diseño gráfico actual ya que si bien la carrera no lleva mucho tiempo con el nombre de profesión como tal, ha existido desde siempre y desde siempre se ha visto afectada por el entorno que lo rodea incluyendo la forma de hacer arte en cada época de la historia. Des-

pués de la Revolución Industrial el arte tuvo un giro en el cual cambió su forma de expresión, creando consigo movimientos artísticos muy variados, a continuación se hará un análisis de algunos de estos.

El romanticismo, que ha sido uno de los más importantes movimientos artísticos de los últimos siglos, no solo por la impactante gráfica y el estilo tan propios que llegó a desarrollar, sino por la fuerte ideología que existía tras de él, la forma de pensamiento romántica fue una de las más drásticas y extravagante de la última época, tanto así que el ideologista ro-

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mántico comúnmente termina cometiendo suicidio, debido a que no soportaba la idea de vivir en un mundo que no era el ideal para él y debemos hacer énfasis en que su idea de un mundo “ideal” tenía una expectativa bastante alta, es de aquí donde proviene la frase común de decir que una idea es “romántica” cuando es hasta cierto punto irreal, pero ¿Qué tanto ha influenciado el romanticismo al diseño gráfico actual? Para responder esta pregunta debemos recordar uno de los ideales más característicos del movimiento, según el centro cervantes “Caracterizan la estética romántica una ferviente pasión por

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la libertad, que llevó a los escritores a rechazar reglas generales y universales” (2012) su gran patriotismo, el afán de exaltar el civismo y amor por una nación combinada con su incesante búsqueda de la libertad, a tal punto que una gran cantidad de obras representativas del género traten sobre guerras en pos de una patria libre tal como “La libertad guiando al pueblo” de Delacroix en el que encontramos a una mujer llevando la bandera de Francia sobre un ejército enemigo opresor, seguida de un pueblo que se nota no está preparado de manera alguna para partir a la guerra, marcaría las tendencias a seguir para un diseño gráfico posterior en épocas y carteles tales como los vistos durante la segunda guerra civil emitidos por los gobernantes de los países líderes de dicha batalla, incluso atreviéndose a mencionar que el mismo Adolf Hitler dentro de su forma de pensar llegaría a manifestar algunos rasgos de romanticismo ya que fue impulsado por la necesidad de ver a un mundo ideal para sus preceptos.

Otro de los principales aportes del romanticismo es que fue la primera cultura que incito a la rebeldía dentro de sus exponentes, esto más tarde influiría fuertemente en algunas de las manifestaciones culturales

y gráficas más importantes, como serían la cultura punk, ya que si el ideal romántico de no conformarse ante las ataduras que le imponían la sociedad no hubiera salido a luz una tendencia tan fuerte y marcada como esta, al igual que la cultura hippie, ambos tiene sus orígenes y principios en esta corriente, en el documento de Romeo menciona “La actitud idealista que no se corresponde con la realidad y que lleva al romántico a la rebeldía.

La sociedad pone trabas a su libertad, por ello adopta una actitud rebelde contra las normas y lo establecido.”

(2015) es así que aunque la profesión de diseño gráfico no se viera instituida como tal hasta muchos años después con la creación de la Bauhaus, el movimiento romancista ha sido base e inspiración para muchos de los movimientos gráficamente más representativos de los últimos tiempos.

Otro de los movimientos artísticos que se vieron afectados por el romanticismo fue el impresionismo, una generación de artistas que se oponían fuertemente a los mandatos plásticos impuestos por la academia y las grandes instituciones que representaban el arte en su época y que incluso fueron rechazados durante mucho tiempo por la sociedad en que se encontraban, Fcalzado menciona

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lo siguiente “Lo que estos artistas tenían en común era su desprecio por el arte tradicional oficial en favor de nuevas formas de expresión artística mucho más innovadoras.” (2012), es por esto que el impresionismo tiene mucha relación con lo mencionado anteriormente en el romanticismo. A pesar de que el romanticismo fue rechazado en sus inicios según la corporación cultural “Las Condes”, se trata de un momento fundacional del arte contemporáneo. Nada de lo que pasó en el siglo XX hubiera sido posible sin este movimiento generado por un grupo de pintores franceses.

Como podemos ver, la mayoría de grandes movimientos artísticos, se da cuando el intérprete se cansa de seguir lo ya estipulado y empieza a buscar una forma de innovar, este mismo pensamiento se busca día a día en el diseño gráfico actual, la necesidad de innovar es algo que puede lograr la generación de momentos que marcan el desarrollo de las artes como tales, en el impresionismo pudimos notar un completo cambio de técnica, un uso de color diferente e incluso el aprovechamiento de la tecnología ya que se sabe que fue un movimiento fuertemente influenciado por la fotografía, misma que aún estaba en desarrollo para ese

En el Romanticismo sus principales conflictos eran sobre la crisis religiosa y sobre todo, el conflicto existencial; esto nutre al Expresionismo, otro movimiento artístico el cual absorbe las semejanzas racionales del Romanticismo.

El artista expresionista despertaba en sus obras, sus sentimientos y emociones más no se preocupaba de la realidad objetiva; pues buscaba transmitir el mundo interior del artista, sus pasiones y angustia existencial para despertar las emociones del espectador esto se lee de manera más clara en el artículo de arte españa que dice “El Expresionismo es una corriente artística que busca la expresión de los sentimientos y las emociones del autor más que la representación de la reali-

dad objetiva. Revela el lado pesimista de la vida generado por las circunstancias históricas del momento” (2010).

Algunas de sus características eran el uso arbitrario de los colores, estridentes y puros, aplicados en largas y gruesas pinceladas. Las figuras dejan de ser bellas y se distorsionan en beneficio de la expresión. Las composiciones son dramáticas y agresivas. Con esto el artista da a conocer el lado triste de la vida formado por los acontecimientos históricos del momento. Toda expresión se ve reflejada a través de los colores fuertes y puros, las formas retorcidas en donde no importa ni la luz ni la representación que se altera intencionadamente.

El modernismo surgió como oposición al realismo, aunque este influyó en gran parte de Europa y América, tiene mucho más importancia en los países de habla hispana. El modernismo defiende la única finalidad de que el arte es el arte en sí mismo entendiendo este como el amor por la estética y la belleza. Aunque el modernismo tuvo influencia en distintos artes, tuvo mayor influencia dentro del ámbito literario aunque muchas de sus características son comunes a otras artes, dentro de esto destaca principalmente en la poesía.

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Hay que aclarar que en un comienzo el Modernismo no es necesariamente un movimiento literario, ya que no sólo se vincula a lo artístico, sino a una serie de actividades, expresiones sociales y pensamientos que adquirían mayor proporción sobre finales del siglo XIX y comienzos del siglo XX. La evolución del Modernismo se da por influencia de procesos e ideas que van tomando forma y generando conflictos sobre finales del siglo XIX, como por ejemplo: la industrialización, el positivismo filosófico, la politización creciente de la vida, la burguesía, utopías entre otros.

Este también se caracterizó por ser la expresión americana de la literatura que buscó la ruptura con respecto a una tradición que provenía de la literatura y el arte europeo, el modernismo persiguió el ideal de una búsqueda de la expresión de lo americano, para lograr expresar ese sentimiento de “lo americano”, el modernismo buscó la originalidad en la expresión, rompiendo con las viejas formas de escritura que todavía se utilizaban (y que venían de un movimiento anterior europeo: “El Romanticismo”) percibiendo así que en el modernismo hay una búsqueda de lo exótico.

PENSAMIENTO Y CONTEXTO DE LAS CORRIENTES FILOSÓFICAS ENTRE LOS SIGLOS XIX Y XX •

instante. Los movimientos vanguardistas empezaron a surgir en el primer cuarto del siglo XX, en el cual el arte es influenciado por lo político y lo social de ese tiempo (dos guerras mundiales) en donde la sociedad perdió la razón entrando en crisis creando movimientos artísticos de protesta.

En este cuarto de siglo las obras empezaron a ser más innovadoras y experimentales. En estos movimientos los artistas comunican y reflejan la libertad que ellos y la sociedad requieren.

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Cabe mencionar al minimalismo, que según el diccionario de la Real Academia Española “es una corriente artística que utiliza elementos mínimos y básicos”. Surgió en la década de 1960 a partir de una economía de medios, el uso de la abstracción, el purismo funcional y estructural y la síntesis, cambiando así los esquemas tanto del arte y el diseño como del pensamiento. La intención del minimalismo, por lo tanto, es generar sentido a partir de lo mínimo, simplificar los elementos utilizados, apelando a un lenguaje sencillo, colores puros y líneas simples.

Se fundamenta en los aspectos reduccionistas del modernismo, y muchas veces interpretado como una reacción contra el expresionismo abstracto y un puente a las prácticas del arte posmoderno. El término “minimalista” a menudo es aplicado para designar a cualquier cosa que sea de recambio o despojado a sus elementos esenciales. El minimalismo es una manera de entender la estética, un paso más allá de la abstracción que lleva a la forma y al color a la máxima simplicidad. Centrándonos en su definición el minimalismo también tiene su reflejo en una filosofía o forma de vida, que propone dedicarse a lo importante

y descartar todo lo innecesario, esto como camino para alcanzar la realización personal, todos diseñamos nuestras vidas al decidir seguir un camino u otro o al tomar decisiones cruciales; pero el diseño de una vida hace referencia a una especial toma de conciencia sobre nuestras decisiones vitales y a la determinación de considerar la propia existencia como objeto de creación. Y por lo tanto es susceptible de ser inventado, diseñado y decidido.

Ya que el minimalismo se basa en la esencia de los elementos, tenemos que elegir nuestra esencia, en un mundo donde nunca ha habido tantos cambios en tan poco tiempo, tanta información, tanto conocimiento, tantas conexiones entre los seres humanos y tanta creatividad, tampoco nunca ha habido tanta complejidad: muchas más conexiones, muchas elecciones, mucha más dificultad para comprender el mundo, es en donde nuestra esencia debe sobresalir y donde nosotros debemos estar conscientes de esto.

De igual forma se inició en la década de los 60’s el Hiperrealismo. Donde se representan los elementos con exactitud minuciosa e impersonal en los detalles.

El propósito del Hiperrealismo es acercarse a una

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supuesta objetividad visual en la representación de retratos, naturalezas muertas, interiores y paisajes, a través de un singular método de trabajo que compagina técnica y disciplina. Cuando apreciamos una buena obra hiperrealista, vemos con exactitud la representación, debido a la máxima eficacia de esta técnica como modo de producción y método de apropiación de la realidad visible.

Contrasta en parte con el minimalismo, ya se producen en una época donde la abstracción era la tendencia dominante y el realismo estaba mal visto; se consideraba un arte que copiaba de fotografías o de la realidad y sin ningún interés. Contrasta en otro sentido ya que también es cierto que se produce saturación de la información visual, el apego a la representación exacta normalmente dificulta la apreciación y de un sentido de una imaginación mayor o divertirse cromáticamente, que permita las sugerencias poéticas o dejar a la interpretación las imágenes expuestas. El origen del minimalismo y el hiperrealismo no habría sido posible si no hubieran existido las bases de la Bauhaus, u originalmente conocida como “La Das Staatliches Bauhaus” (el nombre Bauhaus se crea a partir de la unión de las palabras

Los docentes dentro de la Bauhaus basaban sus enseñanzas en la continua investigación de las formas en todos los campos, está fundamentada en el racionalismo, la armonía y la ausencia de ornamentación. La Bauhaus no surgió de la noche a la mañana, su principal objetivo era como se marcó dentro de su manifiesto de fundación, una utopía de unificar las artes, tanto de forma teórica como social.

La Bauhaus, ha sido una de las escuelas de diseño, arte y arquitectura que ha tenido más trascendencia y ha dejado un gran aporte en estos campos. La Bauhaus fue la primera escuela oficial de diseño, la cual influyó en que se defendía la idea de dejar diferencias entre las bellas artes y la artesanía utilitaria. En ella se unieron las diferentes corrientes artísticas vanguardistas a la tecnología moderna, ya que buscaban un mayor impacto y oferta de diseño para todos los niveles socioeconómicos.

En la arquitectura influyó y se caracterizó por construcciones rectangulares, con escasa ornamentación. En el campo del diseño gráfico, la escuela de Bauhaus supone una renovación, esta renovación se produce principalmente en los campos de la tipografía y en el uso de la fotografía con carácter publicitario.

Así como la Bauhaus contribuyó y creó una gran influencia, esto mismo sucede con el expresionismo, ya que este contribuyó en el diseño gráfico a crear composiciones dinámicas con formas naturales, colores puros y delicados creando un ritmo y armonía.

Así el diseñador se enfocaría más en la forma y los colores para ser un poco

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“informal” en sus composiciones pues el expresionismo es como una actitud estética.

Otra de las vanguardias es el Cubismo el cual fue un movimiento más racional que por medio de formas geométricas y monocromía creaban sus obras. Ellos trataban de romper la visión clásica del arte y por medio de figuras geométricas crear una nueva figuración de los volúmenes en un plano. En contraparte con el expresionismo, ellos rechazaban las actitudes sentimentales. Ellos plantean la obra de arte, la perspectiva, el volumen, el movimiento, la forma, el espacio, el color, creando una relación nueva entre el receptor y la obra.

El receptor ya no puede observar sin más la obra, sino que tiene que reconstruirla en su mente para poder comprenderla. Se desliga de la interpretación y la naturaleza, la obra de arte se convierte en un medio de expresión de ideas.

La desvinculación con la naturaleza se consigue a través de la descomposición de la figura en sus partes mínimas, en planos, que serán estudiados en sí mismos y no en la visión global de volumen. Ya no existen las gradaciones de luz y sombra como tampoco los colores de la realidad.

Las formas geométricas in-

PENSAMIENTO Y CONTEXTO DE LAS CORRIENTES FILOSÓFICAS ENTRE LOS SIGLOS XIX Y XX •

alemanas “Bau”: construcción y “Haus”: casa) esta fue fundada por Walter Gropius en la ciudad alemana de Weimar bajo el lema de “La Escuela debe elevarse con el trabajo” esta fue una de las primeras escuelas de diseño, aunque también fue academia de arquitectura y arte contemporáneo en donde se aplicaba un nuevo modo de enseñanza y producción, está ejerció una importante influencia, no solo en la arquitectura moderna sino en todo tipo de diseños. Entre su origen y principios se encontraba la integración de las expresiones del hombre en las bellas artes, la decoración y el diseño gráfico, industrial y arquitectónico, desarrollando una estética constructiva y funcional que ésta respondiese a las diferentes necesidades de la industria moderna.

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vaden las composiciones.

Las formas de la naturaleza se simplifican en cubos, cilindros, esferas, pese a las figuras ellos nunca fueron abstractos porque la forma siempre fue respetada. Con el fin de evitar todo efecto naturalista y emocional, el cubismo utilizó una paleta de grises, marrones, verdes y amarillos, o recurrió a obras pintadas en diferentes tonalidades de un mismo color en la primera época del cubismo, después fue más amplía la gama de color. Al rechazar la perspectiva le dieron prioridad a la línea y la forma. Las ilusiones espaciales y de la perspectiva varían, observándose a la figura simultáneamente desde diferentes puntos de vista.

Una de las principales aportaciones al diseño, fue el collage, con la cual se da libertad de composición, agregándole textura que otorgan significados a los elementos. También al agregarle recortes de letras y palabras, se logra una asociación de formas visuales y significativas. El cubismo aporta al diseño una estructura, la cuadrícula. Sin el cubismo los diseñadores no podrían diseñar paradójicos diseños gráficos con formas abstractas, porque estaríamos encajonados en las leyes de la perspectiva y no podríamos apreciar los distintos puntos de vista de un

objeto a la vez, por ende solamente se crearían diseños más apegados a la realidad; en sí se configura el espacio.

Si no hubiera existido el cubismo no podríamos imaginar las obras surrealistas, el Pop Art y todo el arte abstracto. Sin embargo muchas personas no entendían el cubismo y a raíz de esto surge la corriente artística del Pop Art. Mediante mensajes de denuncia e ironía ante las modas y el consumismo, propone generar mensajes visuales con mayor impacto y enfocados a un grupo objetivo más amplio. Aunque su conceptualización no es tan congruente, hoy en día nos damos cuenta que su mayor aporte son las actitudes que conducen hacia el cambio u objetivo en relación a la problemática de un proyecto de comunicación podemos encontrar una explicación más detallada de esto en el artículo de Mainguez que dice “Surgió de algunos artistas como una reacción en contra del expresionismo abstracto, que consideraban que no era entendible para la persona común.

El Pop Art se caracterizó por utilizar temas y técnicas basados en la cultura popular de producción masiva como publicidad, comics, y otros objetos culturales.”(2013).

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Gracias a las manifestaciones del Pop Art se facilita la comprensión de los mensajes, porque el grupo objetivo conoce el contenido y se siente identificado con el mismo. Cada vez vemos más imágenes de sátira; ante las exigencias de comunicación de la sociedad y que siguen inspirándose en este tipo de corriente. Este movimiento causó que el arte ya no fuera tan artesanal y se enfocó en comunicar en masa, lo cual es la forma en que se promociona en muchas empresas de publicidad y forma parte importante en el diseño gráfico, porque genera polémica ante mensajes de denuncia lo cual hace que las personas que estén de acuerdo, como las que estén en desacuerdo, estén informadas de tema que se aborde. Retrata y resalta el valor iconográfico de la sociedad de consumo haciendo ver aspectos de la vida cotidiana pero con un enfoque de cambio cultural. Esto nos lleva a pensar que los mensajes visuales ya no se preocupan tanto de la belleza en sí, sino que va más allá y se preocupa por generar conciencia en la vida.

Es más fácil transmitir un mensaje relacionándolo con la cultura popular de un grupo de personas para que estos se involucren. Lo anterior se da porque muchas personas no entendían el

Surgen nuevas composiciones y mensajes más atractivos con enfoque de denuncia. Nos muestra que no es necesario crear piezas abstractas para crear impresión en el mensaje ya que mediante imágenes insignificantes, realistas, que representan objetos de desecho de la sociedad, imágenes de los medios de comunicación, la realidad urbana y de tecnología, se pueden crear mensajes más claros. Su mayor aporte es la parte experimental porque en aquella época los artistas se atrevían a pintar sus modelos, utilizar objetos de su entorno; para luego crear sus obras de arte y poder resolver de una mejor manera un problema de comunicación. No

es necesario recurrir a complicaciones de abstracción que sólo algunas personas podrían interpretar. Hoy en día muchos diseñadores buscan retomar a esas técnicas de experimentación, buscan generar imágenes con mayor impacto sin perder el objetivo de lo que se transmite.

Mediante las corrientes artísticas y su aporte, hemos podido evolucionar continuamente en un proceso de adición constante ya que cada nuevo estilo, es la base para el que le sigue, ya sea de una forma u otra, ya sea como modelo e inspiración o como conflicto y ente a superar, cualquiera que sea el caso, no cabe duda de que la gráfica no sería lo que hoy es si no se hubiera primero pasado por todo el proceso del cual se acaba de analizar una pequeña fracción, es por lo mismo que es tan importante voltear a dar una pequeña mirada al pasado y tratar de entender qué fue lo que movió, motivó e inspiró a cada uno de los representantes de los géneros y corrientes más importantes.

Por: Diego Monzón Luis Armando Cruz Erick Pereira José Sierra Juan José Oxcal

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• Centro virtual cervantes (2015). La poesía del romanticismo. Recuperado el 02 de septiembre de 2015 de: http://cvc.cervantes.es/aula/lecturas/avanzado/lectura_09/texto/

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Recuperado el 02 de septiembre 2015 de: http://definicion.de/minimalismo/ • Ecured (2015). Nuevo Realismo. Recuperado el 28 de Agosto de 2015 de: http://www.ecured.cu/index.php/Nuevo_realismo

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• Fundación Mapfre (2010). Impresionismo. Recuperado el 01 de septiembre de 2015 de: http://exposiciones.

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PENSAMIENTO Y CONTEXTO DE LAS CORRIENTES FILOSÓFICAS ENTRE LOS SIGLOS XIX Y XX •

arte abstracto y a lo mejor carecía de significado para muchos. El Pop Art busca que el diseño sea más funcional y más entendible. Sin embargo en la corriente del Nuevo Realismo se aclaran las ideas y se obtiene un enfoque diferente con aportes de retratar los problemas de la sociedad y generar pensamientos ya no solo subjetivos del autor, sino enfocados en el entorno social. Este avance genera que los diseñadores no plasmen en sus artes sus sentimientos; sino al contrario que tengan un fundamento real de la problemática que se está abordando.

LA CENSURA EN EL DISEÑO

“La censura, hermana de la ambición por el poder, es a la naturaleza humana, lo mismo que la energía es al universo.

La última ni se crea ni se destruye, sólo se transforma. La primera nació con el hombre y no se destruirá hasta que el hombre deje de existir. Su supervivencia exige que también se transforme.”

- Ignacio Pérez Álvarez.

Universidad de León. España

L

a censura ha formado parte de la humanidad desde sus principios; desde antes de establecerse las bases de la comunicación, la censura ya formaba parte de nuestra naturaleza.

Ella ha jugado un papel importante en la evolución y revolución de las sociedades; en todos los anales de la humanidad, siempre encontramos cómo diferentes poderes han establecido un tipo de censura que respondiera a sus ideales. Por esto siempre la hemos visto como la villana del cuento dando pelea a su contraparte, la libre expresión.

Pongamos como ejemplo sobre el inicio de la humanidad y la censura, un evento muy importante para los cristianos y qué es universalmente conocido.

Al momento de la creación de Adán y Eva, Dios les otorgó el derecho a vivir en el paraíso, siempre y cuando no consumieran del fruto del Árbol del Conocimiento.

En este punto podemos ver, cómo desde el momento en el que aparecen los primeros humanos en la Tierra, una fuerza superior censuró un acto, no estamos diciendo que sea malo o bueno, simplemente

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estamos exponiendo cómo la historia universal se ha visto envuelto por el manto de la censura.

Pero como ya dijimos antes, juega un papel importante en el desarrollo social, por esta razón es necesario definir si la censura realmente es dañina para una sociedad, o solamente es cuestión de perspectiva.

Si una madre prohíbe, a su hijo de 6 años, ver una película con alto contenido sexual o violencia muy gráfica; ¿Está la madre cometiendo un error al censurar esta película?¿Está la madre protegiendo a su hijo de información dañina? La respuesta dependerá de lo

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que cada lector considere como bueno y malo, y no hay respuestas equívocas, al final son parte de la libre expresión a la que todos los humanos tienen derecho.

Para poder desarrollar el tema de la censura, es casi una obligación para todos los lectores, despojarse de todas las ideas preconcebidas, no solamente de si la censura es un elemento negativo o no, si no sobre todos los tipos de censura a los que previamente hemos sido expuestos, ya que si somos participes de un fanatismo, sea este religioso, político o moral; la lectura de este escrito será en vano y no se podrá realizar un análisis objetivo de lo expuesto. Con esto, primero es importante que manejemos una definición de censura para poder tener el mismo punto de partida, por ello recurrimos al Diccionario de la Real Academia Española, al ser la máxima representante de nuestro idioma: Intervención que practica el censor en el contenido o en la forma de una obra, atendiendo a razones ideológicas, morales o políticas. El mayor problema de la censura es que distorsiona los hechos para poder transmitir otro mensaje o una nueva versión según la conveniencia del productor y ejecutor de la misma.

Al momento de analizar como la censura ha formado parte importante y valiosa en la historia del diseño gráfico, podemos darnos cuenta que desde los principios de la imprenta se ha manipulado, tergiversado, y acomodado las intenciones y producciones del material visual a conveniencia de la parte implicada, ya sea esta por motivos religiosos, políticos, sexuales, de diversidad étnica o social. Con el paso de los años se ha infligido un fuerte poder en cada uno de los motivos antes mencionados; sumando con esto, que se ha hecho uso intencional de material sensible o se ha restado el desarrollo y evolución del ser humano como individuo, privando con esto al espectador de poder acceder a la información real sin ser manipulada.

La censura de un material visual no siempre suprime la información dejando al interlocutor sin información, sino también se ejecuta para no lastimar susceptibilidades sociales ante un tema en específico. Aunque podemos mencionar este punto como favorable para la censura este puede

confrontarse ya que como seres humanos adaptables, evolucionados y desarrollados no podemos aceptar que una parte de las personas no simpatizantes sobre un tema en específico tengan el poder de suprimir cualquier material, porque esto nos hace parar y retroceder como humanos, como sociedad, como país, como planeta, que se confronta a temas tabúes que son de contenido ofensivo según lo que se conozca y acepte del tema en cuestión, limitando que la sociedad conozca la información real sin manipulaciones.

La censura es un tema conflictivo ya que como tal, no es mala, simplemente se ha utilizado de la manera equivocada y por lo tanto se tiene un punto de vista negativo sobre ella, por lo cual es importante que “el poder” y la sociedad aprendan a ocuparla y analizar en dónde sí se debe aplicar y dónde no, para que así, el criterio de análisis sea más amplio y no nos quedemos con una sola visión de las cosas siendo conveniente a una parte de la historia global.

La censura es un tema conflictivo ya que como tal, no es mala, simplemente se ha utilizado de la manera equivocada y por lo tanto se tiene un punto de vista negativo sobre ella.

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Un gran paso para la libertad de expresión fue la Revolución Industrial ya que en esta época Europa estaba sometida a la censura y a

CENSURA EN EL DISEÑO •

Actualmente, la sociedad es controlada e influenciada por los medios masivos de comunicación; siendo este el punto de partida desde el inicio de los tiempos donde los diseñadores se han enfrentado a la censura del material visual, debido que aunque el tiempo se ha transformado y cambiado para que todos los individuos sean libres expresando sus pensamiento e ideales; siempre este material es censurado a partir del criterio de ciertas personas que consideran que el contenido de los medios es inapropiado para su difusión. Una característica importante para destacar es la influencia que los políticos y la iglesia tienen en esto, ya que en caso de que algún medio de comunicación o material gráfico divulgado en la sociedad hable mal de ellos o de sus intereses, estos tienden a eliminar o suprimir este tipo de información, presentando con ello una realidad manipulada según intereses propios; es por ello que la sociedad debe de conocer acerca del cómo los medios son censurados y como se cambia la información según sea la conveniencia del emisor.

las voluntades de los soberanos, por lo que la misma se derivó en una Revolución Liberal creando una iniciativa individual que limita a la intervención del estado y de los poderes públicos en la vía social, económica y cultural de la sociedad. Si este evento no se hubiera llevado a cabo, si la libertad de expresión no hubiera sido convertida en un derecho innato, las sociedades no podrían haber evolucionado de la manera en que se permitió todos los avances tecnológicos, artísticos y sociales, a nivel mundial.

Este fenómeno también se pudo observar en 1881, cuando una nueva ley francesa permitió eliminar restricciones de censura logrando que los carteles de los artistas y diseñadores de la época pudieran ser expuestos y por ende vistos por cualquier persona no importando su nivel de clase social. La popularización del cartel trajo consigo una floreciente industria que aumentó las ganancias de diseñadores e impresores, en la época del Art-Nouveau con nuevos aires al mundo del arte, rompiendo con los existentes.

El diseño gráfico, tal como lo conocemos ahora, desarrolla sus elementos esenciales en los años 20 y llega a obtener su perfil actual en los años 80, a

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Los editores del álbum de cromos que se ve a la derecha usaron la imagen promocional de Gilda (Charles Vidor, 1946) de la izda. Le taparon el muslo y el vientre, además de desaparecer el cigarrillo.

causa de la influencia de nuevos conocimientos desarrollados en tecnología, psicología, sociología, lingüística y comercialización, el objetivo del diseñador deja de ser la creación de una obra artística suprimida por la censura y pasa a

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ser la construcción de una comunicación visual eficaz.

El cambio que se evidencia entre los años 20 y los años 80 muestra la evolución y revolución que se evidencia desde una actitud que enfatiza lo estético y la libertad de expresión que se concentra en todo lo que sea material comunicacional.

Pero es también durante esta época donde se puede ver claramente a la censura, siempre como un elemento controlado por fuerzas políticas, ya la religión en este momento se mezcla con las ideologías de líderes políticos, creando una fuerza aún más difícil de combatir. Y el aumento de la demanda de carteles en casi todo el mundo, que ya de por sí son la rama del diseño gráfico más censurada desde que existe este diseño como tal, se ven afectados y manipulados por fuerzas políticas, generando como en casi todo lo tocado por la censura, una ruptura entre lo negativo y lo positivo. Se muestran estas dos tendencias en el diseño; un diseño censurado por sus líderes, pero también empieza a

crecer el número de diseñadores y artistas que buscan romper con esta censura y expresase libremente, sin importar las repercusiones.

En España, durante la época Franquista a principios de los años 40; una gran cantidad de carteles cinematográficos fueron objeto de censura y fueron modificados antes de ser publicados. Los motivos de estos cambios radicaban en tres características importantes: difusión de ideas políticas ajenas al sistema, muestra de posturas religiosas y la más común: el uso de mensajes “sexuales”.

Y muchas celebridades, sin importar su nivel de fama mundial, eran afectadas por la censura, si la imagen que transmitían era demasiado provocativa. Otro ejemplo de la censura, pero desde un aspecto negativo-positivo para el diseño gráfico, vemos a la Escuela Polaca del Cartel; Polonia durante los años 20, en un período entre guerras logra desarrollar su estilo cartelista con un enfoque publicitario y con influencia francesa;

Ejemplos de carteles polacos re-interpretados para la promoción de películas de Hollywood en Polonia.

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ya desde el siglo XIX, Polonia, Varsovia y Cracovia había llamado la atención de toda Europa, y se figuraban como entes culturales y artísticos. Es durante la Segunda Guerra Mundial que la Escuela Polaca debe cambiar el rumbo de sus carteles y convertirlos en carteles de propaganda influenciada por los intereses políticos que regían en estas ciudades.

Es después de la Segunda Guerra Mundial, a partir de los años 50, cuando Hollywood empieza a cobrar auge, y el diseño de carteles cinematográficos se vuelve tan importante como la película misma para su promoción. Pero al momento de llegar a Polonia con una industria cinematográfica controlada por el estado, los artistas polacos buscan una nueva forma de adaptar estos carteles para que no rompieran con la censura ya establecida, pero que siempre se mantuvieran las características de los carteles polacos, creando así piezas gráficas que mezclaban el surrealismo con el minimalismo, y es de esta forma en que la creatividad, en lugar de limitarse por la censura, forma parte importante junto con los otros elementos visuales, para la recreación de los carteles hollywoodenses, atrayendo la atención de nuevo sobre los artistas polacos.

En la actualidad la censura es utilizada para suprimir la realidad por la que está viviendo la sociedad, pero los diseñadores de hoy en día están más conscientes de los diseños que pueden ser censurados, sin embargo, son más atrevidos y apelan a los sentimientos del público que esperan encontrar una pieza que muestre “la verdad”.

Pero a pesar de este tipo de diseñadores y artistas que no tienen miedo de los líderes, hay algunos que se deben enfrentar a otro miedo, y es al de “la mano que les da de comer”; el miedo a perder un trabajo y la situación económica en la que se encuentren, son factores importantes al momento de cortar su propia libertad de expresión, existe el miedo de que a los patro-

nos no les guste el trabajo, y muchas veces se opta por mejor hacer lo que se pide, y no lo que se debe. Creando nosotros mismos un nuevo tipo de censura, que no existe realmente, pero igual de peligrosa si no se controla. Actualmente combatir todos estos tipos de censura, se ha visto favorecido gracias a la propagación de las redes sociales, nos permiten conocer diferentes puntos de vista, sociales, culturales, religiosos, políticos, morales; de una manera inmediata y limitando la censura de estos. Aún falta mucho para eliminar la censura negativa en el mundo, pero gracias al internet, se está aún más cerca de alcanzar este objetivo.

final todo esto es parte de la libre expresión a la que cada individuo tiene derecho. No buscamos dar respuestas, sino plantear dudas que converjan en la auto-investigación sobre este tema que creemos muy importante para el desarrollo del diseño gráfico en todas las sociedades y principalmente en un país como el nuestro, que si bien no se vive en una dictadura política, existe un gran porcentaje de censura cultural; pero como diseñadores gráficos, como comunicadores visuales, es nuestro deber y obligación tomar esta limitante, considerada un elemento negativo, y convertirla en un estimulante para el pensamiento creativo.

Como ya dijimos en un comienzo, la censura ha estado de la mano de la humanidad desde sus comienzos, por esto es que es un tema tan extenso como la historia universal, y la intención de este escrito no es dar a conocer todos lo detalles de este tema; sino que su único fin es presentar las ideas principales que colocan a la censura como un enemigo de la comunicación, pero también como un aliado de la creatividad; y que de esta manera cada lector se forme una idea personal que permita apoyarnos en nuestro planteamiento, pero también refutar lo que aquí se expone; al

Por: Lander Estrada María José Cardona Nicté Montiel Rossana Del Cid Sara Jeanpierre Gabriela López

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FUENTES: • Calvo, X. (2014). Carteles polacos: El estilo que rompió los esquemas del diseño gráfico. España. Recuperado el 12 de agosto de 2015 de CulturPlaza.com: http://www.valenciaplaza.

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Recuperado el 12 de agosto de 2015 de Cultura Colectiva: http://culturaco-

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Universidad de León: España.

CENSURA EN EL DISEÑO •

Durante mediados y finales del siglo XX, la censura del racismo fue muy pronunciada ya que en ese siglo se empezó la lucha por la igualdad del género humano, en siglos anteriores era muy común la discriminación a las personas por su color , preferencia sexual o nivel económico, que eran reflejados en su publicidad, situaciones que hoy en día en países desarrollados ya no se observa. Pero que siguen siendo temas susceptibles en la mayor parte del mundo.

ARTE POP EN LA

CULTURA VISUAL

““El pop art es popular, efímero, divertido, pasajero, sexy, juvenil.”

- Richard Hamilton

L

os movimientos y corrientes artísticas y de comunicación visual han sido a lo largo de la historia la forma de expresión sobre lo que acontece en las sociedades, o todo lo contrario, una forma de dar vuelta a las expresiones antagónicas como la guerra.

El caso del Pop Art describe específicamente un intento de renovación y reivindicación a favor de las expresiones idóneas para todo público, luego del surgimiento del expresionismo abstracto, que era clasista y estaba compuesto por intelectuales que no estaban cerca del desarrollo post – guerra. Era una corriente visual que pretendía ser en-

tendible y extenderse hasta la persona común, se caracterizó por utilizar temas y técnicas basadas en los recortes, superposición y el uso de medios de comunicación masiva. Era de fácil consumo debido a que sus precursores llevaban buenas relaciones interpersonales y lograron difundir a lo largo de Estados Unidos y Europa, el mensaje de reivindicación de los periódicos, comics, televisión y figuras populares de culto.

Es un movimiento que representa las grandes ciudades, sin tocar en ningún momento lo natural por concepción. Su fin es sin duda estético, pero sobre todo, para criticar las sociedades

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de consumo. De hecho, el término “Pop” se concibe a partir de lo “popular” y particular objetivo.

Lo que se vivía para entonces era una situación inentendible para los intelectuales, por lo que era un deber manifestar los cambios surgidos a raíz de la Segunda Guerra Mundial y el inicio de la Guerra Fría. Su representación podría parecer fría, sin embargo, conlleva una serie de limitantes que definen a los verdaderos artistas y pensadores del tema, de los aficionados a la aplicación relativa de información.

El pop art es un movimiento del siglo pasado se caracteriza por utilizar

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imágenes populares desde medios de comunicación, sin embargo no es su única característica, existen varios aspectos dentro de este arte que serán analizados. La realidad objetual es evidente, esta corriente rechaza totalmente el expresionismo abstracto y busca devolver la realidad del mundo y sus objetos en sus artes. A esto se suma el lenguaje realista y figurativo muy característico de esta corriente, tanto como las ideas de esa misma época, en algunos artes se hace presente incluso el lenguaje onomatopéyico que no necesariamente es contemporáneo.

Se trataba también de un pensamiento socialista y cultural, que se presentaba en revistas, periódicos, comics etc. básicamente artículos que eran de consumo social; la crítica no se hacía presente, este movimiento filosofaba sobre sus pinturas como sencillos “motivos”, lo que fundamentaba el objetivo de las piezas. La palabra “pop” era frecuente en fotografías, folletos, anuncios, carteles y anuncios publicitaros en los cuales utilizaban escenas eróticas pero escondidas entre una gran cantidad de imágenes con objetos o elementos. Entre los objetos de uso cotidiano y domésticos aparecían fotos de personas semidesnudas o totalmente desnudas, en algunos se observaban imágenes de Mangas, que son

comics japoneses en donde el erotismo y la sexualidad se llevaban a niveles exuberantes. La siguiente característica se puede definir como “Tratamiento pictórico de forma no tradicional: aunque el lenguaje es figurativo y representa objetos reales, no se concentra exclusivamente en sus cualidades formales, sino que las combina con sus cualidades abstractas intrínsecas gracias al empleo de imágenes familiares y fácilmente reconocibles”. (A little of pop art, 2011).

Es decir que esta corriente tenía un sentido significativo en cuanto a la representación de los objetos que presentaba, una mezcla de lo real con lo abstracto, lo racional y lo emocional, ambos conceptos se podían percibir en las artes. Combino gráficamente en las composiciones de sus obras materiales reales como botellas, integrándolos a un ambiente radical, de protesta, de fantasía y que pone a juicio cualquier tipo de expresión tradicional tal como el dadaísmo.

El pensamiento de esta corriente se enfocaba en los status social contemporáneo, como la violencia, la fama, tragedias, sexualidad, erotismo, etc. y como se mencionó anteriormente la sociedad del consumo.

También se caracterizaba por figuras ampliadas y a su escala por naturaleza, utili-

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zaba figuras planas y e iconos estilizados. Los objetos cotidianos eran utilizados en fotografía tanto como en esculturas, mostrando la cotidianidad con la que se vivía, en diversas obras se presentaban productos de limpieza, cigarrillos, planchas, lámparas, refrigeradores, televisores etc. Otra inspiración del pop art eran las figuras famosas del momento, entre ellos John F Kennedy, Michael Jackson, Mao Tse Tung, etc. se veían combinaciones de los rostros de los famosos aplicados a estatuas y esculturas públicas.

En cuanto a las técnicas empleadas, esta corriente buscó mezclar diferentes objetos y elementos aplicándoles diferentes texturas y una paleta de colores puros, fluorescentes brillantes y encendidos que contrastaban de gran manera, que desafiaban lo tradicional, acabados llamativos eran característicos del pop art.

Como técnicas de realización era común utilizar desde silkscreen, o serigrafía, que es un método de impresión de patrones por medio de presionar pintura sobre un tipo de maya o película delgada hacia papel o tela, hasta el empleo del óleo. Sin embargo también se hizo popular la producción masiva, mostrando ironía e irreverencia ante una nueva sociedad de la industria empleaban fotografías y collages. “En sus obras los rasgos expresionis-

Las técnicas utilizadas son de yuxtaposicion de varios elementos, como la cera, óleo, pintura plástica, junto con materiales de desecho como fotografías, trapos viejos, collages, y assemblages.

Esta corriente se sirve de objetos industriales principalmente como los carteles, embalajes etc. Utiliza también imágenes populares con una diferente perspectiva que logra una postura estética o una crítica acerca del consumismo, así también se hacen presentes elementos retro como nuevos que son muy característicos de la post-modernidad. Esta corriente presentó además esculturas, tiras de comic, latas de sopa, etc. Se utilizaban materiales como el poliéster, la pintura acrílica, y la goma espuma como elementos para realizar piezas, las cuales iban cargadas de ironía e irreverencia frente a la sociedad que cada vez era más industrializada. El mecanismo que utiliza fundamentalmente este movimiento es la serigrafía, “debido a la evolución de técnicas, aquellas muestras alcanzaron la máxima despersonalización, cuando pasó a utilizar como método de trabajo un pro-

ceso mecánico de serigrafía, con esta tónica de trabajo reprodujo sistemáticamente mitos de la sociedad contemporánea.” (Pop art 2010).

Utiliza un material símil, que es una fina malla que la pintura logra atravesar para plasmar sobre papel o tela, la pintura se aplicaba en tonalidades contrastantes y llamativas. La malla para la serigrafía y el papel deben ser fijados a un marco para asegurar que no se muevan durante el proceso de impresión. La tinta es colocada en el marco sobre el borde inferior y aplicada a la malla usando una escobilla de goma para obligar a la tinta a pasar a través de cada uno de los orificios abiertos de la malla. Esta forma de impresión era importante, ya que dotaba de imperfección a lo estético, reafirmando que el arte pop es humano, irreverente y rebelde. Como característica del pop art se presentaban los patrones con imágenes o símbolos estilizados o sin expresión, para esto se utilizaba la técnica del sellado acompañado de la serigrafía. Las técnicas artísticas de serigrafía para la creación de un patrón incluyen el sellado de áreas que no puedan ser coloreadas con la tinta. Cada vez que una tinta de color es aplicada sobre una pantalla, se debe utilizar una nueva malla. Las áreas de la pantalla que no deben ser coloreadas por una cierta tinta pueden ser

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selladas manualmente o a través de un proceso químico. El proceso de sellado manual se realiza mediante la unión de esténciles de papel o de papel de aluminio sobre la pantalla para evitar que la tinta penetre estas áreas.

Las primeras técnicas de serigrafía para el arte pop utilizaron tinta a base de aceite. En las técnicas modernas se utilizan más comúnmente tintas a base de agua las cuales son menos tóxicas que sus homólogas que están hechas a base de aceite. La técnica original de serigrafía requiere que la pantalla de la malla sea fabricada partir de la seda, pero las pantallas de serigrafía que se fabrican actualmente están hechas con materiales sintéticos más baratos, como el nailon y poliéster.

Los patrones son creados en la serigrafía mediante el uso de medios tonos para simular alteraciones en el color sin tener que usar diferentes tintas o cambiar las pantallas. La técnica de medios tonos varía la distancia entre los puntos de color que son forzados a atravesar la malla con tres propósitos principales para la serigrafía.

En primer lugar, es para crear tonos de un color o de color para teñir los espacios más grandes que quedan entre los puntos de color para suavizar la sombra sin tener que cambiar las tintas. El segundo uso de medios tonos es

EL ARTE POP EN LA CULTURA VISUAL •

tas se eliminaron de manera progresiva hasta reducir su trabajo a una repetición seriada de un elemento popular procedente de la cultura de masas, que hacía evidente el mundo del consumo.”

(Pop art 2010).

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para graduar a un color desde oscuro a claro mediante el aumento de la distancia entre los puntos de color sobre la pantalla de serigrafía.

Por último, mediante la colocación de bloques de color y la superposición de medios tonos crean la ilusión de que diferentes colores pueden ser creados dentro de un diseño serigrafiado estampado.

El nacimiento de esta tendencia fue a partir de la necesidad de contar historias propias de las sociedades establecidas en la época e inicios de los años 50, cuando al entrar a la Guerra Fría, muchas de las culturas habían requerido cambios.

La desolación vivida a través de la Segunda Guerra Mundial fue devastadora y dejó un espacio de intercambio que solo se podía ejecutar a través de las artes. La influencia de las inteligencias de diversos países logró converger en una forma que no fue idónea: el expresionismo abstracto. Es por eso que los elementos generales de este arte fueron de alcance a nivel de una “cultura” particular.

“El Pop art, al inspirarse en las imágenes de la publicidad y al ser ovacionado por un público de masas, encantado de reconocer objetos corrientes en los cuadros y de ahorrarse el esfuerzo que representaba la interpretación de las obras del expre-

sionismo abstracto, se vio en una situación que hacía difícil comprender su carga de ironía y de ambigüedad.”

(El Arte de las Vanguardias, 2013). La constante aplicación de imágenes que las personas veían en sus alrededores y en las calles generó una tendencia a acatar más los espacios personales y cotidianos para tener estética. La fascinación que ejerció sobre todo en los estadounidenses fue tal que desbordó los estandartes en cuanto a ejecuciones artísticas en espacios públicos, además de nostalgia por las influencias de su juventud, del desasosiego para ejecutar sus tareas y lo que era congruente en las vidas de todos.

El pop art ejerció una influencia de igualdad en materia de memorias objetivas. Era una memoria colectiva y evidenció lo fácil que se concebía con anterioridad lo que se tenía en el entorno; en los espacios de trabajo, en los hogares y en las escuelas, se frecuentó el análisis sobre las ejecuciones que ayudaran a estereotipar las mentes con ideales de infancia.

Se enfatizó el estudio de los materiales y las composiciones que se podían crear al mezclar diferentes aspectos referentes al arte, como el color, el estilo, la composición y el diseño como tal cobró inspiración en la publicidad masiva del entonces. La

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resultante de apoyarse en la aparición y ejecución a través de elementos y personas influyentes en la forma de pensar y actuar, fue elemental para distribuir la influencia visual que se veía deteriorada dadas las circunstancias de estos años. “Por otro lado, la elección deliberada de objetos manufacturados para figurar en sus cuadros, y la insistencia realista en el mundo que nos rodea, no significa falta de imaginación ni de creatividad en los artistas Pop.” (El Arte de las Vanguardias, 2013).

Asimismo, vale la pena tomar en cuenta que a pesar de ser una contramanifestación artística contra el expresionismo abstracto, por sus influencias específicas sobre las sociedades intelectuales, el pop art generó piezas de arte de gran escala. “El fenómeno se pareció (también) al primer Dadá, sobre todo por utilizar elementos recuperados que eran triviales y aestéticos.” (Hernández, 2013).

Es así como el pop art se convirtió en una manera de recuperar elementos estéticos de los medios de comunicación que por entonces distribuían masivamente la información, (televisión, radios, carteles, mupis, etc.).

En consecuencia, podemos afirmar que de hecho, el hilo conductor hacia el concepto que se manejó con el Pop Art, fue no enfatizar el arte como tal, sino las acti-

Inició como un movimiento que surge a raíz del intelectualismo marcado en las personas que discuten y exploran el expresionismo abstracto después de la Segunda Guerra Mundial y en los albores de la Guerra Fría.

“Es un movimiento que subraya el valor iconográfico de la sociedad de consumo”.

(Arte Siglo XX: Arte Pop, 2010.) El movimiento desarrollaba en base a elementos inequívocos de las grandes urbes, como productos y personajes emblemáticos que formaban los ideales de belleza y calidad en la época (y algunos lo siguen haciendo). Del mismo modo, el arte popular revistió la utilización de la propaganda para publicitar estos espacios que además de vender productos y personajes con un fondo de ideas, vendían arte.

El enlace se encontraba en los medios publicitarios masivos, con los que algunos

de sus principales precursores, como Andy Warhol, llevaban una excelente relación. Es pertinente además, recalcar que el papel del pop art se desenvolvió, no a costas del arte en sí, sino de su fondo y lo que llevaba a su realización.

Es un arte completamente citadino; “utiliza las imágenes conocidas con un sentido diferente para lograr una postura estética o alcanzar una postura crítica de la sociedad de consumo.” (Arte Siglo XX: Arte Pop, 2010). Por esta razón, utilizar cualquier material y composición era válido, ya que era un tributo a la susceptibilidad de encontrar belleza en cualquier objeto de consumo: plásticos, papeles, cartones, latas y envases de vidrio y plástico.

Gracias a su facilidad de lectura y asociación inmediata con los entornos de las grandes urbes, la esencia superficial de sus obras respectivas tomó aún más auge cuando fue apreciado por un público por demás vulgar. Vulgar en términos de popular, como el mismo nombre denomina, y no solo por no ser intelectuales. “Al inspirarse en las imágenes de la publicidad y al ser ovacionado por un público de masas, encantado de reconocer objetos corrientes en los cuadros y de ahorrarse el esfuerzo que representaba la interpretación de las obras

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del expresionismo abstracto, se vio en una situación que hacía difícil comprender su carga de ironía y de ambigüedad.” (El Arte de las Vanguardias, 2013).

Como explica Luis Fernández, “la filosofía Pop representa dos cosas: una filosofía exotérica y una filosofía que piensa a través de objetos de la cultura pop”. (LDFLounge, 2011). Básicamente, se refiere a que es apta para cualquier persona, debido a sus influencias de elementos vulgares y clásicos, pero también que no piensa en los elementos como tales, sino a partir de ellos.

Para estudiar los componentes del Pop Art, debemos conocer las bases del Pop, que fuera de cualquier estilo y estética, se basan en principios de cultura y desafío al intelectualismo. ¿Qué es real? Influenciada por los desafíos de los estudios frecuentes en lo asociado a las lenguas, ciencias exactas y economía, el arte desafía las tendencias, creando a partir de lo existente, una nueva corriente que nubla lo poco convencional con nueva manera de vender productos y publicitar casi cualquier cosa de uso cotidiano. Asociada a la condición filosófica tradicional, podemos hablar de que nos representa el mundo, la verdad y la subjetividad.

EL ARTE POP EN LA CULTURA VISUAL •

tudes que lo conducen. Ver todo lo complejo como un solo ente que obedece a una estructura informativa basada en las imágenes que nos rodean constantemente. El pop art obedece a los impactos visuales que ocurren todos los días, y que en esos días respondían a reivindicar el papel de los medios y virar la cabeza hacia donde no existía la ira, rencor, agravio (por las guerras desatadas) y falta de trascendencia en la manifestación artística.

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Como cultura de masas, se apropia del “lenguaje ordinario”, además de “ir en contra de todo idealismo o metafísica, a favor de la vida cotidiana... empleando canales masivos de comunicación.” (LDFLounge, 2011).

Como arma de marketing, infunde una nueva manera de solventar los problemas esenciales de las marcas y la forma de ofrecer y vender sus productos a una nueva etapa económica que abolía el trabajo manual y trataba de salir adelante con la innovación a través de la hidráulica y mecánica. La cultura pop es un estandarte para tener ideas y generar herramientas de contrabandeo de maneras y artes de vivir a fin de ser realmente plurales y libertarios. “El pop desarrolla sus propuestas a partir de la desacreditación de imágenes tomadas de la cultura de masas. Se fundamenta en la idea de que las pantallas cinematográficas, las excesivas reproducciones y popularización de las obras maestras han modificado los hábitos visuales contemporáneos.” (Ayala, 2012).

Es por eso que se reconcilia el lado vulgar y ligero con el de los bienes de consumo, brindando estética a cualquiera que sea el producto. Se concentraba en verificar todos aquellos elementos que parecían faltos de atención, y hasta cierto punto, que quedaban fuera de los límites del arte. No

creaban algo del vacío de sus canvas, más bien tomaban las esencias fundamentales y tomar esas imágenes para concebir nuevas. La cultura pop no desarrolló una tendencia, escuela o tradición, sino más un enfoque de cómo hacer filosofía. Enfocar todo a lo popular y ver a partir de lo objetivo, lo más singular de lo subjetivo e individualista. El evidente odio al objeto, causó desenfrenadamente que se pudiera utilizar cualquier elemento que, ya fuera unido a otros mediante collages o utilizado de forma repetida, causara una revolución visual.

Descontextualizar es quizá el mejor término para desambiguar la cultura pop, que desarrolló una nueva forma de interpretar lo esencial; lo cotidiano. Podemos hablar, además de su base filosófica como la desarticulación de los objetos. Buscar una nueva perspectiva y posición respecto de un elemento específico. “Cuando lo superficial deja de ser una característica trivial para convertirse en un cumplido, habrá que poner en duda los principios estéticos que la modernidad proponía para involucrarse con otros, que tienen que ver con una forma más inmediata de ver las cosas.

La transparencia pura (puritana) ha sido reemplazada ahora por la veladura, el significado por el sentido, la esencia por la presencia y la profundidad por la in-

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tensidad superficial.” (Ayala, 2012). La superficialidad de los elementos estudiados para poderse colocar en un orden aparente de jerarquía visual en contraste con colores planos, brindaba una estética aparente para toda la sustancia de lo material.

La sociedad sabía que vivía manipulada por la opulencia, y que todo producto que se le vendiera como arte igual que publicidad, podía ser una intervención visual.

“En el ámbito de la cultura popular, en el que se inscriben la mayoría de los productos mediáticos, ha prevalecido una visión técnica de sus objetos desde que teóricos como Adorno y Horkheimer sentaron el juicio dominante sobre la sociedad de masas y la cultura que le es propia mediado el siglo XX. Hablamos de “técnica” en el sentido que Aristóteles dio al término téchne.

Que los contenidos populares y los medios tecnológicos que los difunden sean medio para unos fines socioeconómicos preestablecidos, como postularon los teóricos de Frankfurt, significa que, en su calidad de artefactos o cosas fabricadas, hechas, objetos de una acción técnica, deben responder eficazmente al fin para el que fueron confeccionados: reflejar e incluso simular ideológicamente los intereses, ideas, afectos, creencias o modos de vida

Luego de este repaso en el estudio de la filosofía que aportó el arte pop en las sociedades de consumo, encontramos que finalmente no todos los productos de la industria cultural respondieron plenamente a la categoría de bienes de consumo, ya que no llegaron a consumirse. Se idolatró la lata de Warhol, se teorizó acerca de todo lo que hablaban los intelectuales y personajes de la época. El arte terminó considerándose como un medio para los fines materiales de la sociedad moderna, invistiendo a las formas populares de un significado ideológico, por ayudar a enfatizar todo lo inherente del arte, mas no a la cultura. Son un producto más de mercado.

El respaldo presentado por el arte pop fue la creación de una nueva cultura tendenciosa, con enfoque mercadológico y desarrollo de productos desde lo más elemental, preparando el camino a una personalización del humano como usuario y no solo como consumidor.

La intelectualidad se cambió por expresión pero con un fondo estético y manejable a favor de la revolución de las ideas. Este movimiento que surgió en Londres, que celebraba el consumismo a diferencia de la cultura eli-

tista de las bellas artes, fue una de las corrientes probablemente más rebeldes e incomprendidas en la historia.

Se basa en temas sociales, como la sexualidad, el consumo, la industrialización, y la fama, pinturas famosas de Marilyn Monroe, y Elvis marcan esta corriente. Sin embargo algunas piezas tienen un pensamiento un tanto más banal y aparentemente sin valor, utilizando objetos de uso diario o cotidiano, objetos únicos como una famosa lata de sopa. El uso del collage es característico del pop art, donde combina fotografía, pintura, objetos reales etc. aplicándoles colores vivos y llamativos y diferentes texturas.

Esta corriente presentó además esculturas, tiras de comic, latas de sopa etc. Utilizando materiales como el poliéster, la pintura acrílica, y la goma espuma como elementos para realizar piezas, las cuales iban cargadas de ironía e irreverencia frente a la sociedad que cada vez era más industrializada. En la actualidad existe una tendencia por usar obras clásicas del pop art en playeras y posters decorativos, principalmente para ambientar escenas con un denominado “estilo retro”.

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EL ARTE POP EN LA CULTURA VISUAL •

de la sociedad capitalista que los consume. (Luengo, 2011, 65).

REVOLUCIÓN MODERNA SURGIMIENTO DEL DISCURSO DE DISEÑO Y EL

Debido a la inestabilidad natural de una disciplina durante un período de crisis, el futuro de los discursos es incierto, por lo que no se puede afirmar si estas propuestas permanecerán a lo largo del tiempo.

E

l diseño como tal se remonta hasta los orígenes mismos del ser humano, pues el diseño en su amplitud abarca prácticamente la totalidad de la percepción material de la realidad, desde el momento mismo del surgimiento de la inteligencia, y ha estado presente desde entonces durante el desarrollo del ser humano.

Es tan importante el diseño para el ser humano que prácticamente abarca la universalidad de su conocimiento, siendo una proyección de la labor creativa del ser humano.

A pesar de la gran importancia del diseño, este hace su aparición formal como oficio y posteriormente como profesión a mediados del siglo XIX. ¿Qué circunstancias determinan el nacimiento del diseño en una época tardía de la historia humana?

El diseño gráfico según la Real Academia de la Lengua Española, “Diseño.

(Del it. disegno). m. Traza o delineación de un edificio o de una figura. || 2. Proyecto, plan. Diseño urbanístico. || 3. Concepción original de un objeto u obra destinados a la producción en serie.

Diseño gráfico, de modas, industrial. || 4. Forma de

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cada uno de estos objetos.

El diseño de esta silla es de inspiración modernista. || 5. Descripción o bosquejo verbal de algo. || 6. Disposición de manchas, colores o dibujos que caracterizan exteriormente a diversos animales y plantas.”

El término anteriormente mencionado hace alusión a los conceptos englobados por el diseño en su totalidad sin embargo, es importante entender que, el idioma en el que se plantea un concepto lingüístico determina un valor de sesgo en el cual la variable cultural interviene en el significado del signo remitido, es decir, este tiende a

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modificarse dependiendo el contexto, siendo pues la palabra Diseño más compleja que el significado propio de un idioma. En el idioma inglés, según el Oxford Dictionary en el inglés la palabra design es sustantivo y verbo, y afirma que: “como sustantivo significa, “intención”, “plan”, “propósito”, “meta”, “conspiración malévola”, “conjura”, “forma”, “estructura , mientras que en contraste con la lengua alemana, refiere a aspectos creativos y el concepto de diseño en gran medida cosificado, incluyendo también la definición anglosajona del concepto de diseño y complementándolo con conceptos enlazados a diseño técnico y conceptual de las acciones.

La definición de diseño es importante en un marco contextual determinado, pues esta puede variar o adaptarse a ese contexto determinado, y es necesario entender la plenitud del concepto para poder definir lo que comprende este concepto. Según las distintas definiciones que buscan responder a la pregunta planteada, el diseño es prácticamente un proceso estructurado de eventos, para simplificarlo de “creación” característica propia del ser humano.

El modernismo por su parte, nace en Bélgica de la mano de Van de Velde y Víctor Horta aunque las ideas estéticas de John Ruskin y William Morris fueron en gran medida las aspiraciones en las que se basó esta corriente de renovación artística.

Lo que se acabó llamando movimiento moderno, que dio origen al término anglosajón modernist (“moderno”) en arquitectura y diseño, está ampliamente documentado. En su introducción al libro titulado Modernism and Design, que él editó, Paul Greenhalgh explicaba que, en lo que concierne a su influencia sobre el diseño, el movimiento moderno tuvo dos etapas históricas principales: una entre 1914 y 1929 y otra en la década de los años treinta. Greenhalgh sostenía que “la primera etapa consistió básicamente en un conjunto de ideas, en una visión de la capacidad del entorno diseñado para transformar la percepción humana y mejorar las condiciones materiales”, mientras que “la segunda etapa fue menos una idea que un estilo”. Los años treinta se pueden considerar como el periodo de la difusión internacional del “objeto” del movimiento moderno, la simple “estética de la máquina”, que se introdujo en ambientes y espacios

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interiores de todo el mundo. Fue también la época en que algunos regímenes políticos, incluyendo los de Alemania e Italia, la utilizaron para adoptar ideologías totalmente opuestas a las creencias democráticas que había generado inicialmente. Sus normas claramente delimitadas creaban un instrumento eficaz de control autoritario, independientemente de la ideología política que lo sustentara.

“Todo ser humano es diseñador”, en el complejo proceso cognoscitivo de todo ser humano existe la capacidad de diseño pues, básicamente el simple hecho de pensar se transforma en diseño, aun si este no tiene un objetivo de diseño, pues el diseño es la consecuencia de la acción creadora, es eso que representa la forma.

Pero realmente el diseño es algo conceptual, ya que, como en el idioma, nuestra percepción del concepto diseño, está determinada por la realidad. La realidad desde un punto de vista Semiótico es un conjunto de signos, un conjunto de signos que sirven para nombrar a las formas materiales y conceptuales, como en la teoría de Saussure, en la que, un significado es la idea mental o concepto mientras que el significante es el conjunto de palabras

Al existir múltiples puntos de vista, tanto individuales como colectivos, es necesario que un concepto posea una definición convencional tal cual lo hace un lenguaje, y esto es importante para realizar jerarquías de significación.

El diseño conforma la realidad, incluso se puede ver obviamente en la naturaleza cosas en las que no interviene el ser humano de manera directa ¿Es diseño esto si se dice que el diseño es un acto humano? Por supuesto, pero el ser humano no ha sido el artífice de tal diseño pero si designa un significado a este, la labor es de interpretación entonces este proceso mental sí es un acto humano.

Definir “diseño” cobra importancia a partir de la segunda mitad del siglo XIX tras la revolución industrial en la que los objetos creados a través de máquinas solo buscaban la funciona-

lidad del objeto producido y carecían de un valor estético, era necesaria una reacción que devolviera a los objetos de la vida cotidiana esa dimensión estética, que acompañase a las funciones naturales para las que eran fabricados. Esa reacción se denominó Arts and Crafts, Artes y Oficios, ya que pretendió elevar la dignidad social y estética del diseño y de todas las artes aplicadas, integrándolas en un entorno armonioso y bello. Esta búsqueda de la esencia del diseño en las artes y artesanías llevó a este movimiento a desarrollar un vasto trabajo artesanal y artístico con el fin de restituir el valor deontológico de los objetos, en sí, dotarlos nuevamente de una estética afín a la ética y cultura con un fin humanístico.

El Modernismo representara una ruptura con los estilos arbitrarios en la época, tanto los de tradición academicista (el historicismo o el eclecticismo) como los rupturistas (realismo o impresionismo). La estética nueva que se trató de crear se inspiró en la naturaleza a la vez que se incorporaban novedades derivadas de la revolución industrial, como el hierro y el cristal.

En este periodo convulso luego de los movimientos independentistas de los territorios del nuevo

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mundo, las revoluciones en continente Europeo, la rebelión de la ilustración y el imparable avance científico la sociedad empezó a transformarse de forma acelerada, las corrientes artísticas que venían evolucionando de una manera lineal poco a poco fueron perdiendo adeptos y muchos de estos nuevos artistas estaban en desacuerdo al tradicional arte académico el cual parecía solo ser una reinterpretación de lo que todo el tiempo se había hecho.

La sociedad industrial libre de la opresión monárquica y lejos del trabajo agrario ahora adolecía de un nuevo fenómeno, la explotación y la deshumanización del proletariado.

El nuevo sistema de producción capitalista trajo consigo el auge de las nuevas potencias económicas, pero consigo la miseria de la clase obrera, a raíz de estos problemas sociales surgieron pensadores que, revolucionarían el mundo industrial y que, darían el impulso definitivo a la necesidad de diseño en los años posteriores.

En este contexto, el trabajo de los tres grandes maestros dé la sospecha sea el que quizá haya influido más en la sociedad de finales del siglo XIX y principios del siglo XX. Karl

ERA DE REVOLUCIÓN MODERNA Y EL SURGIMIENTO DEL DISCURSO DE DISEÑO •

o signos que se refieren a la imagen mental y el referente es el objeto real al que se refiere la imagen mental, de igual forma el concepto diseño está condicionado por los signos remitentes a él, a diferencia de los signos lingüísticos existen más signos que remiten al concepto diseño y estos están determinados por el punto de vista del observador.

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Marx quien fue testigo de la crisis del capitalismo de 1830 se propuso desarrollar un sistema económico que favoreciese a la clase obrera, en esa búsqueda desarrolló un pensamiento basado en la dialéctica de Hegel para construir una filosofía crítica, hacia la economía y organizaciones políticas, en la cual el materialismo fue el centro de su estudio, derivando obras y escritos que cambiarían el mundo como “La lucha de clases” en la cual analizaría el papel de los distintos estratos sociales. Su obra tendrá un gran valor en las Vanguardias denominadas Ismos del arte del siglo XX que harán del arte algo anti académico y democrático, teniendo como máxima representación el constructivismo Ruso.

El cual en su manifiesto sostenían que: “El arte debe ser funcional” “El arte es para el pueblo”.

Por su parte Friedrich Nietzsche y su crítica a la moral y a la sociedad, trajo una reorganización del pensamiento filosófico de finales del siglo XIX y el siglo XX su planteamiento filosófico era una crítica al sistema social establecido y su discurso se centraba en el regreso al estado natural consiente del ser humano, ya que para él como para Marx y Freud, el problema

del hombre radica en la conciencia. Las Vanguardias del Siglo XX tomaron parte de la filosofía de Nietzsche para crear su propio discurso, la aportación que las Vanguardias realizaron no fue sólo la de un movimiento artístico, sino la de una manera de pensar, de vivir superando el pasado, y de reglas establecidas, donde el arte y la filosofía unían sus caminos. En las Vanguardias hay que destacar la importancia del individuo sobre la sociedad y que se soporta en las teorías, como se va a tratar de desarrollar en este trabajo, del nihilismo Nietzscheniano desde una concepción del mundo en la que se rompen todos los cánones establecidos, más allá de un sentido del bien y el mal determinado por el fallo de la consciencia, con la trasgresión de los límites.

El psicoanálisis de Freud dentro del pensamiento de finales del siglo XIX y principios del siglo XX supuso un cambio de paradigmas sociales, filosóficos, científicos e inclusive artísticos. Las Vanguardias se basaron sus estudios y el inconsciente en los cuales abordó múltiples temas basados en la consciencia, en el cual identificó las etapas del preconsciente, consiente e inconsciente y cómo en cada cual se desarrollan procesos de la psique, ade-

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más de estudiar múltiples fenómenos del pensamiento Freud propuso una nueva forma de interpretación del ser que sería objeto de representación por las Vanguardias. El surrealismo quizá haya sido el movimiento de vanguardia más apegado a la filosofía Freudiana ya que, se basa en las técnicas de Freud para entender el inconsciente y la interpretación de sueños, para así, convertirlas en material artístico.

Es evidente la gran influencia de estos pensadores en la revolución artística de principios del siglo XX ya que determinaron el panorama para que estas nuevas formas de expresión florecieran, los problemas del siglo XIX fueron los que obligaron a esta nueva revolución, una revolución intelectual, entre las cuales, el arte dejaría atrás su pasado académico para convertirse en un nueva forma de interpretación y expresión buscando cada corriente un ideal basados en una filosofía propia construida a partir de la interpretación de la realidad, las necesidades del yo, y la sociedad.

Esta nueva era del arte, la revolución del pensamiento y los cambios sociales permitieron el desarrollo y la dignificación del diseño, creándose movimientos que buscarían,

FUENTES: • Discursos del Diseño: La revista Summa y el desarrollo del campo disciplinar del Diseño Gráfico en la Argentina (1963-1993)1 - Laura Corti.

Recuperado de http://www.iaa.fadu.uba. ar/publicaciones/critica/0178.pdf

• Historia del diseño – Francelia Brown Sánchez 1º Diseño Gráfico EASD, Valencia. Recuperado de http://

• Uno de los objetivos esenciales del modernismo fue hacer desaparecer los límites entre las diferentes artes: el modernismo, dirigido por arquitectos y artistas libres, pretendió una renovación estéticamente consciente del arte.

historiadeldisseny.weebly.com/modernismo. html

• Historia, Modernidad y Diseño – Diego Giovanni Bermúdez Aguirre.

Recuperado de http://fido.palermo.edu/

servicios_dyc/encuentro2007/02_auspicios_ publicaciones/actas_diseno/articulos_pdf/ A050.pdf

• Penny Sparke: Diseño y Cultura: Una Introducción. Desde 1900 hasta la actualidad. Ed. Gustavo Gili. Barcelona 2010. Págs. 89-110. Recuperado de

• La evolución de las artes tuvo una actitud tendente a la sensualidad en donde encontramos el uso de la línea curva y la asimetría.

https://sites.google.com/site/historiadeldisenografico1/estilosdelsigloxx/modernidadydiseno

• En algunas especialidades del diseño, como lo es el de la comunicación visual, se argumenta que, en realidad, su verdadero propósito siempre ha sido el de la generación de signos; de aquí la necesidad de dominar conocimientos relativos a la semiótica, retórica y hermenéutica.

Por: Alejandro Reyes Andrea Pinto Jorge Caná Pedro Camey

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ERA DE REVOLUCIÓN MODERNA Y EL SURGIMIENTO DEL DISCURSO DE DISEÑO •

basados en los cambios del siglo entender el diseño e instituirlo como una rama del saber, como lo haría posteriormente La Bauhaus.

ART NOUVEAU INICIO DE UNA NUEVA ÉPOCA EL

“Todo sale del gran libro de la naturaleza; las obras de los hombres son ya un libro impreso.”

- Antoni Gaudí

A

través de los años hemos visto como diferentes movimientos han influenciado en el desarrollo histórico de la humanidad, las tendencias o corrientes artísticas no son excepción a esto.

En este escrito vamos a abordar el tema del Art Nouveau o Arte Nuevo y mostrar la influencia filosófica que ha tenido y la huella que ha dejado en la nueva época del diseño gráfico, ya que, más que ser un estilo artístico se le puede considerar como una nueva manera de ver las cosas. Pero ¿Cómo podemos demostrar la trascendencia que ha tenido el Art Nou-

veau en el campo filosófico y profesional del diseño gráfico?

Desde los años 1800 hasta la primer Guerra mundial, los países europeos y Estados Unidos fueron testigos del nacimiento de un nuevo movimiento artístico, el Art Nouveau, arte que tomó por inspiración las formas presentes en el mundo natural.

A raíz de esto, y en un periodo de constante modernidad, el Art Nouveau según menciona Rosales, M. (2009): “Quiso conseguir una autenticidad en la estética, buscando la manera de hacer arte con lo cotidiano,

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respetando lo tradicional para hacerlo moderno. Esto influenció en la arquitectura, en la literatura y también en las artes aplicadas como la ilustración, el diseño, la escultura, el trabajo en metal, etc.”

El término viene desde 1895 cuando Siegfried Bing abrió una galería llamada “La Maison de L’Art Nouveau” que era una galería para el arte contemporáneo, esto generó una popularización tanto del nombre como del arte en sí.

Alcanzó una audiencia mundial, debido a que favorece el consumismo, en especial con las vibrantes

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cipalmente el Arts & Crafts, creando así un nuevo estilo que tenía como objetivo la innovación.

Fachada de la galería “La Maison de L’Art Nouveau”

artes impresas como periódicos, ilustraciones de libros, carteles o posters (publicitarios e informativos), así mismo en las piezas de joyería.

Debido a su presencia en todos los países de Europa, el art nouveau tuvo diferente nombre en cada región, esto permitió que se mantuviera como característica principal la inspiración en formas naturales y orgánicas del mundo natural, pero cada país utiliza estilos propios de cada región para poder mezclar estos con el art nouveau y mejorar el arte en sí. Esto generó un movimiento artístico que buscó siempre la autenticidad, evitando las corrientes clásicas y luchando contra el historicismo de la época victoriana; sin embargo, el movimiento es una emulación de ideologías y postulados que se fueron desarrollando como antecesores, prin-

Aun así, el Art Nouveau no es el resultado únicamente de una historia exclusiva de Europa sino que también es la mezcla de algunos estilos orientales y clásicos que pretendían demostrar un quiebre con lo tradicional y lo viejo. Es por esto que el Art Nouveau se transforma en una corriente filosófica importante que influye no solo en el arte sino que también en cómo la arquitectura, el mobiliario y el diseño gráfico y de productos. Viéndolo desde un punto de vista filosófico, este arte hace uso de muchas formas y movimientos que eran parte del siglo XIX, los artistas de esta época consideraban que todas las artes y trabajos manuales debían ser tomados como iguales, accesibles y todos debían disfrutar del arte como tal: “se creía en hacer arte por el bien del arte” Pasando a discutir las características de movimiento podemos recordar lo dicho por Gaudí en 1880, todo sale del gran libro de la naturaleza; las obras de los hombres son ya un libro impreso. El Art Nouveau tuvo como objetivo modernizar el arte y diseño, tratando de escapar de los estilos históricos estáticos

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que previamente habían sido popular. Los artistas se inspiraron en ambas formas orgánicas y geométricas, diseños elegantes y evolucionados con fluidez, formas naturales con contornos más angulares. El movimiento se ha comprometido a abolir la jerarquía tradicional de las artes, tales como la pintura y la escultura, para darle importancia a las artes decorativas a base de artesanía.

Existían ideales de una liberación por medio de una creación de un arte nuevo que deje atrás la existencia de una diferenciación de clases, ya que pretendía que todas las artes fueran una sola gran arte. Las distintas ramas del diseño se encuentran a nuestro alrededor, en todo con lo que nos relacionamos día a día, como menciona Mucha: “Para muchos artistas lo esencial era que el arte afecta y unificar la vida de la gente, no sólo en las pinturas de aceite caro en las paredes de los ricos (…), sino en los objetos esenciales de su vida diaria, sus casas, muebles y vasos, los anuncios, cortinas e incluso rejillas de alcantarillado.

Incluso puramente objetos funcionales”.

A partir de ciertos estudios botánicos y biológicos se estableció la naturaleza como fuente primaria

publicidad y propaganda lanzadas, esto dio paso a un medio masivo de comunicación, al ser un tipo de arte nuevo; los artistas se tomaban su tiempo para experimentar esta nueva forma.

Las tipografías que se utilizaban eran basadas también en formas florales y eran hechas a mano alzada así como también las imágenes que se realizaban.

Según De La Cuesta, M. (2011) el Art Nouveau es: “Una decoración naturalista de abundantes motivos de flores y animales que no eran meros adornos en los objetos, sino el medio para dar la forma. La función y el uso se convierten así en un placer estético.” Desde ese entonces, podemos encontrar un registro sobre la importancia que se le daba a crear algo que no solo fuera estéticamente agradable, sino que también cumpliera su función. En la actualidad, rescatar este pensamiento es darle fortaleza a la carrera, que esté codificado de acuerdo con el grupo objetivo al que va dirigido.

está pasando en el mundo del diseño, el Art Nouveau por su enfoque a la aplicación comercial, le dio su particular atractivo y duradera presencia. A pesar de ser una aplicación del arte, busca también ser comercial y de esa forma satisfacer y permanecer.

En un mundo cambiante es importante adaptarse a las nuevas tecnologías y estar pendiente de lo que

Las piezas impresas que se crearon en esta época son consideradas como los primeros medios de

Ejemplo de las formas florales que se manejaban durante este movimiento artístico.

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Como hemos podido comprobar el Art Nouveau fue una corriente de liberación para el artista, pero ¿cómo podemos decir que influye tan intrínsecamente en el diseñador si es un movimiento artístico y tan natural? El aporte del Art Nouveau en el diseño gráfico resalta un cambio al mundo, el término Art Nouveau ya indica de por sí un espíritu de reforma, rebelión y libertad.

Nos transfiere esa corriente de pensamiento, no estar conforme con lo establecido y ser curiosos para encontrar nuevas soluciones.

Si bien el diseño involucra más análisis que el arte, exige constantemente una capacidad creativa de innovar, crear lo aún no creado; a su vez, el principal objetivo es comunicar a través del arte, saber conseguir y aprovechar la inspiración,

ART NOUVEAU, EL INICIO DE UNA NUEVA ÉPOCA •

de inspiración, pretendían romper las cadenas con los estilos pasados, estas líneas fluidas pretenden trabajar como una metáfora para ese rompimiento o liberación de expectativas y críticas. En la contemporaneidad, se observa una tendencia que favorece las líneas rectas y simples. Pero la postura que el diseñador contemporáneo debe ser un criterio responsable en donde no escoja la tendencia orgánica o lineal en base a sus gustos personales y se incline por romper los estilos, desarrollando el propio.

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modo restarle importancia a las críticas. Llegaron a alcanzar una firmeza en lo que creían, esto es uno de los grandes legados que nos dejó el Art Nouveau, ya que, logra la individualidad y de este modo también se busca evitar el plagio, debido a que al contar con un estilo de pensamiento y generar un estilo propio (que refleja ese pensamiento), se hace evidente cuando alguien más intenta copiar dicho estilo.

Publicidad de Dove, que utiliza a modelos “reales”. Esto con el fin de mostrar las diferentes formas femeninas naturales.

para luego crearnos un sello personal, características que fueron generadas por la base del Art Nouveau.

Uno de los pensamientos generados por el Art Nouveau es que el arte o diseño no debería ser analizado con parámetros tan rígidos como la ciencia o las matemáticas sino que nace del alma, pasando por la conciencia y transmitiendo su belleza en la vida.

En la actualidad podemos afirmar que gracias a este pensamiento se generan los estilos propios que utilizamos los diseñadores, ya que nos mantenemos en una constante búsqueda de poder generar algo que nos represente, una característica particular que sea

la firma de nuestro diseño.

Intentamos ser innovadores no solo en nuestro conocimiento sino en lo que producimos como diseño y esta sigue siendo la chispa del Art Nouveau en nuestro gremio de diseño.

Este movimiento y las artes que proliferaron durante esta época abren las puertas hacia la producción industrial y los movimientos de comunicación masiva.

Mostrando desde ese entonces el panorama de lo que sería el diseño hoy en día, una rama dirigida a las masas. La firmeza en lo que creían los pioneros del Art Nouveau los hizo alcanzar la libertad de pensamiento, dejando atrás las expectativas de los demás y de ese

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La otra encomienda para la contemporaneidad de parte del Art Nouveau es que mostró a la mujer al natural, con sus curvas y su figura lozana. Este aspecto que pide ser aplicado en la actualidad, para mitigar el exceso de retoque fotográfico. Al hojear una revista o catálogo, las modelos presentadas tienen las mismas características físicas, su morfología es similar, pero es una utopía. Las pocas campañas en donde se muestra la belleza de la mujer real, han sido recibidas satisfactoriamente.

El diseñador gráfico debe de ser responsable del mensaje que va a transmitir.

Se trata siempre de buscar la originalidad, también se debe incluir eso en las fotografías, mostrando la diversidad morfológica que existe en el mundo.

El art nouveau marca el inicio de una época porque dio lugar a la separación entre disciplina y profesión, ósea la especialización de una persona en un área específica del arte. Como por ejemplo; la creación de artículos de decoración se comenzó ya a conocer como diseño industrial. Se hace necesario que un diseñador sea un “todólogo” ya que para ser parte de un

proyecto nuevo es necesario que indague cada uno de los aspectos del tema que se va a manejar, pero aun así el diseñador sigue siendo específicamente un diseñador gráfico.

El Art Nouveau ha tenido un revaloramiento en los últimos 20 años con el nacimiento del diseño postmodernista. Los artistas de todo el mundo están utilizando hoy elementos de este estilo como sus líneas sinuosas, elementos naturales y florales, así como sus colores característicos.

Uno de los elementos característicos más inspiradores del Art Nouveau son los carteles de ninfas con elementos naturales, flores y ornamentos, estos son de los elementos del Art Nouveau que más influencia ha tenido en los diseñadores gráficos y sus trabajos. Algunos de los más bellos trabajos impresos representan ninfas con elementos florales, con los colores específicos del Art Nouveau como el verde olivo y el ocre y las sinuosas líneas de la tipografía Art Nouveau.

Para terminar, podemos concluir que el Art Nouveau, busca romper las cadenas con los estilos pasados, por lo cual el diseñador contemporáneo debe tener un criterio responsable, en donde no es-

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coja la tendencia en base a sus gustos personales o por moda sino que se incline por romper los estilos, genere un pensamiento firme y en base a este desarrolle el estilo propio; además cabe recordar, si bien buscamos dejar nuestra marca en nuestros diseños, debemos velar por la funcionalidad de ellos creando así piezas altamente estéticas y funcionales.

Por: Alba Hernández María Fernanda Leal Mercedes Casasola Melissa Matzir

FUENTES: • De La Cuesta, M. (2011). Encuentros con el arte: ART NOUVEAU. La utopía. Tallerdeencuentros.blogspot. com. Recuperado 6 Septiembre 2015, desde http://tallerdeencuentros.blogspot. com/2011/02/art-nouveau-la-utopia.html

• Ochoa Miguel (2012). .: La influencia de Arte en el diseño moderno: El Art Nouveau. Recuperado el 5 de Septiembre del 2015, desde http://

adventurgraphics.blogspot.com/2012/03/lainfluencia-de-arte-en-el-diseno.html

• Rosales, M. (2009). Art Nouveau Artnouveau-mariorosales.blogspot. com. Recuperado el 4 de Septiembre del 2015, desde: http://artnouveau-mariorosales.blogspot.com/2009/06/introd

• The Art Story,. (2015). Art Nouveau Movement, Artists and Major Works.

Recuperado el 6 de Septiembre del 2015, desde: http://www.thertstory.org/

movement-ar t-nouveau.htm#key_ideas _ header

ART NOUVEAU, EL INICIO DE UNA NUEVA ÉPOCA •

La tipografía utilizada también tenía relación con las curvas de la figura femenina. Predominaban las líneas orgánicas y onduladas, se utilizaban también motivos y la búsqueda de la asimetría en los caracteres, seguían de esta forma siendo fieles a su principal inspiración, la naturaleza.

Se buscaba la combinación de la imagen y la tipografía para que fuera armónico visualmente, en la actualidad no solamente se busca que se armónico sino que también sea funcional.

Como su eje principal es la naturaleza, los colores que se utilizaban eran sutiles y apagados, predominando los tonos tierra, pasteles y agua, en contraposición de un café oxidado y un ocre. Lo importante a resaltar es que nunca se desvía su eje, tanto en su manera de ilustrar, la tipografía y color utilizado, todo tenía una razón para estar presente en la pieza.

CARTELISMO ORÍGEN, EVOLUCIÓN Y TIPOS A PARTIR DEL SIGLO XV

“Sin duda uno de los carteles de propaganda más famosos y duraderos de todos los tiempos. “I Want You for U.S. Army“, ... resultó tan eficaz, que su utilización se extendió a la Segunda Guerra Mundial. ” - Emmanuel, H.

E

l origen del cartel se remonta en el siglo XV, pero este adquiere gran impulso y relevancia con la evolución de las artes gráficas y el descubrimiento de técnicas de reproducción de la imagen a través de la litografía hasta en el siglo XIX. Se vuelve una técnica de difusión altamente funcional debido a sus posibilidades comunicativas además de no necesitar inversión de grandes recursos. La capacidad de combinar palabra e imagen en un formato atractivo y económico impulsó el cartelismo a ser innovador y así tener un impacto de mayor alcance.

Este medio informativo era conocido como panfleto o bando de ordenanza que

se colocaban en las paredes de las plazas públicas para ser vistos por el pueblo y de esta manera ser advertidos de las nuevas obligaciones o impuestos o para anunciar algún espectáculo que podrían presenciar.

Con el paso del tiempo se fue reconociendo como un atractivo visual de gran fuerza emotiva capaz de hacer que las personas respondieran a su mensaje. Por esta razón, ha pasado a ocupar en los medios de comunicación un importante lugar. Su objetivo principal siempre ha sido informativo.

El grito en la pared, como algunos estudiosos han llamado al cartelismo, cumple con la función de

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transmitir un mensaje integrando ilustraciones de impacto con un breve texto que lo respalde, pero ¿Por qué el cartelismo, a pesar de ser un medio de siglos de uso, aún sigue aplicándose?

Pues este medio informativo era conocido porque se colocaban en las paredes de las plazas públicas para ser vistos por el pueblo y de esta manera ser advertidos de las nuevas obligaciones o impuestos o para anunciar algún espectáculo que podrían presenciar.

Con el paso del tiempo se fue reconociendo como un atractivo visual de gran fuerza emotiva capaz de hacer que las personas respondieran a su mensaje. Por esta

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razón, ha pasado a ocupar en los medios de comunicación un importante lugar. Su objetivo principal siempre ha sido informativo de una forma directa, sencilla y muy llamativa, dando como consecuencia una forma de comunicación bastante efectiva además de ser de masas.

La evolución de las artes gráficas va a permitir que el cartel consiga excelentes cotas artísticas, siendo objeto de interés de renombrados artistas hasta hoy en día.

El cartelismo comercial y político adquiere gran desarrollo en España a partir del siglo XIX, debido al impulso y relevancia que se le da con la evolución de las artes gráficas y el descubrimiento de técnicas de reproducción de la imagen. El cartel se vuelve una técnica de difusión altamente funcional debido a sus posibilidades comunicativas.

Es por esto que se debe destacar el cartelismo publicitario francés del siglo XIX y la abundante producción que adquiere el cartel político en España durante la República y la Guerra civil debido que le dan un nuevo impulso y giro a la creación del cartel, adoptando así una forma muy semejante a lo que se conoce el cartel hoy en día. Es acá en donde se da el nacimiento del cartel moderno y se debe básicamente a la suma de dos factores: Jules Cheret y las mejoras técnicas en la impresión litográfica.

Jules Cheret comienza a trazar la evolución del cartel a través de página impresa (litografía), manejando un estilo nuevo y sobrio en el cual se comienza a ver composiciones que constan solo de formas planas y simétricas en donde adquiere un carácter dinámico, hace uso de formas curvas, utilización del color negro para creación de contrastes, además de formas lisas y la ilusión de formas en relieve. Cheret inunda las calles de carteles utilizando la figura de una mujer bella y estilizada la cual es utilizada como reclamo publicitario, siendo esto un claro indicador del nacimiento del cartel publicitario moderno.

Toulouse Lautrec. Durante la República y la Guerra Civil españolas el cartel político tuvo una gran difusión como medio de propaganda política de todas las tendencias.

El cartelismo publicitario y político antes de dar un nuevo impulso y giro a la creación del cartel pasa antes por toda una serie de conflictos mundiales por necesidad de alistamiento a las fuerzas armadas para la participación en la primera guerra mundial y aspectos de superioridad y dominio sobre el enemigo.

“Los resultados eran unos carteles claros, contundentes y visualmente bellos que serán parte fundamental del nuevo diseño de carteles.

Se empieza a entender el cartel como un nuevo lenguaje en el que se transmiten mensajes e ideas de forma sencilla y directa, creando vínculos con los espectadores y haciéndoles responder así, a una serie de estímulos concretos”. (Guzmán, U. 2007)

Los ilustradores del cartelismo político poseían la capacidad de mover gente para la unión ya sea de un bando político o la participación en la guerra, en los movimientos donde se desarrollan y llegan a lo que hoy conocemos como propaganda es durante la primera guerra mundial y la revolución rusa, las piezas gráficas que surgieron en esa época eran explícitas, con poco texto, debido a que muchas personas eran analfabetas además de que la ilustración debía comunicar el mensaje por sí solo.

A la vez, la evolución de las artes gráficas permite que el cartel consiga excelentes cotas artísticas, siendo objeto de interés de renombrados artistas que van desde Toulouse Lautrec Gaudí.

En el ámbito comercial cabe destacar, por su calidad artística, la obra de Ramón Casas muy influido por

Buscando la movilización de las masas, desde las instancias políticas se pretende hacer ver cualquier conflicto armado como una gran lucha por las libertades, contra la injusticia social. La publicidad se llena de grises o de color según sea para desprestigiar al enemigo o para enlazar las virtudes de la

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En definitiva el cartel constituye un grito, un espacio físico de pensamiento, una de las armas más básicas y efectivas de la publicidad. Y es en eso precisamente que se convierte el cartel durante las guerras, en un arma de alcance masivo.

Pero más allá de un clásico ataque directo, el cartel de guerra hace su aparición en el plano emotivo, apelando a la relación jerárquica heredada a los combatientes. El cartel de guerra pasa a ser la orden de ataque, la frase de apoyo, la palmada en el hombro por parte del superior e incluso el agradecimiento directo del más alto mando por la defensa de los ideales.

Una de las tácticas era infundir odio, miedo y denigrar al enemigo a través de la sátira con el cartel de tinte racista, por supuesto se requería que tanto el combatiente y la nación entera repudiara al otro bando. Así es como nacen los carteles más fuertes y directos conocidos en publicidad. Un ejemplo es el cartel “This is the enemy” de la primera guerra mundial mostrando un combatiente asiático de manera desagradable raptando a una mujer estadounidense

El uso del cartel durante la primera guerra mundial es obligatorio, hasta entonces constituía uno de las principales soportes de la publicidad, y son precisamente los publicistas los encargados de generar esos sentimientos de valor, odio, lealtad, esperanza, etc. los cuales constituyen el pan diario de los combatientes. Una muestra es el despliegue de propaganda por parte de EEUU, conformado por más de 2500 diseños trasladados a más de 20 millones de carteles durante la primera guerra mundial.

Un ejemplo muy difundido es el clásico cartel “I Want You for U.S. Army“ : “Sin duda uno de los carteles de propaganda más famosos y duraderos de todos los tiempos.

“I Want You for U.S. Army“, realmente fue requerido para la Primera Guerra Mundial.

Imitando a un cartel de reclutamiento de la Gran Bretaña, también icónico, esta imagen indeleble resultó tan eficaz, que su utilización se extendió a la Segunda Guerra Mundial. ” (Emmanuel, H. 2013)

El cartel de guerra extiende su impacto a ambos bandos, desde el campo de batalla hasta los compatriotas en los países de origen, ya que no sólamente los combatientes necesitaban contagiarse de valor, odio y esperanza, sino también sus familiares, amigos, conocidos.

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“Además de la evidente necesidad de convencer a los ciudadanos de inscribirse para el servicio militar, los gobiernos también tenían que convencer a las personas que se quedaron atrás de la importancia de sus esfuerzos de guerra. [...] Por mucho, el más emblemático fue “We Can Do It“. Un simple cartel de una mujer trabajadora (basado en el personaje real de “Rosie, la remachadora”) flexionando sus músculos, que dejaba en claro la nueva posición que ocupaban las mujeres en los Estados Unidos. ” (Emmanuel, H. 2013)

El cartelismo ayuda a persuadir a la población de la necesidad de una guerra en cuatro frentes distintos como lo son el aislamiento, justificación de guerra, demostrar poder sobre el enemigo y pacificación.

Un año antes de que termine la primera guerra mundial, en 1917 , inicia la revolución rusa, lugar del cartel contra-revolucionario con un fuerte estilo expresionista, asombrosas yuxtaposiciones donde estas “No buscaban la estabilidad, sino el cambio”.

P.L Ruiz (1997) párrafo 20.

Más allá de las trincheras, el cartelismo sigue evolucionando, atravesando etapas artísticas y deportivas donde se ve influenciado por las generaciones y tendencias que evolucionan cada cierto tiempo. Pero desde este punto podemos estable-

EL CARTELISMO, ORÍGEN, EVOLUCIÓN Y TIPOS, A PARTIR DEL SIGLO XV •

guerra. Se intenta que en el cartel, lo gráfico e ilustrativo, no sea percibido como una apariencia a la realidad, sino como la realidad misma.

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cer que su prioridad era promover el florecimiento pleno de sus potencialidades, y que se dedicaban a la búsqueda de esquemas de convivencia social y global.

Sus imágenes mostraban cuerpos esculturales y dignos de admirar. También han servido para identificar a la ciudada anfitriona y la estética particular ligada a la imagen global de los juegos. La prioridad del cartel era proporcionar una historia visual de la imagen de cada edición de los Juegos Olímpicos. Actuando como testigos de los estilos y de los valores de su tiempo así como el contexto social y político en el que estuvo inmerso. muestran no sólo la evolución del deporte sino también del diseño y del arte del cartel a partir de 1896 a nuestros días.

La presencia de la Segunda Guerra Mundial se sintió con fuerza en el logotipo a partir de 1936. Ninguno de los símbolos que aparecen buscan representar la idea de que los Juegos son un evento deportivo que pretende la unión de naciones. La ausencia de colores, el águila y la campana da una sensación de un ambiente triste y muerto. También se intervino en la imagen creada para las olimpiadas de Helsinki 1952 y Melbourne 1956 continuó la tendencia de usar un diseño de un solo color. Los aros olímpicos se consolidan como símbolo y se presentan

en la parte superior de los edificios, que es el icono de la ciudad en 1952. Hay menos detalle respecto al diseño utilizado en Londres cuatro años atrás. Los diseñadores empezaron a introducir el color en el logo de una manera conservadora.

Estas gráficas contienen una ideología humanista donde su mayor protagonista es el ser humano en su habilidad de progreso tanto física como social. Valiéndonos de la necesidad humana de comunicar un mensaje podemos decir que el cartelismo fue una parte esencial al distribuir el mensaje que influenció a toda una sociedad en su momento podemos decir que la tendencia del cartelismo llegó a ser tan grande en este siglo que se comenzó a utilizar en diferentes industrias e incluso en industrias en crecimiento tomando como ejemplo claro, el cartelismo en la industria cinematográfica.

El cine fue oficialmente inaugurado como espectáculo en París, el 28 de diciembre de 1895. Desde entonces ha experimentado una serie de cambios en varios sentidos.

Por un lado, la tecnología del cine ha evolucionado mucho, desde el primitivo cinematógrafo mudo de los hermanos Lumière, hasta el cine digital del siglo XXI. Por otro lado, ha evolucionado el lenguaje cinematográfico, incluyendo las convenciones del género, creando así los géneros

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cinematográficos. En tercer lugar, ha evolucionado con la sociedad, surgiendo así distintos movimientos cinematográficos y cinematografías nacionales.

Luego de este movimiento en auge, nacen nuevas tendencias, tales como la de buscar la forma de poder promocionar las funciones cinematográficas de una manera efectiva y es ahí cuando aparece el uso del cartelismo para el cine.

Aunque la publicidad en papel ya estaba inventada.

Los recintos feriales y teatros ya se anunciaban con imágenes publicitarias. El espectáculo cinematográfico enseguida crea un género autónomo en la cartelería. Y fue justamente Thomas Edison el que ajusta el tamaño estándar de póster, conocido como “el general” que sería utilizado en las vitrinas de vidrio del interior y exterior de las salas de cine.

Luego de esto, las empresas francesas como Gaumont Pathé editaban y producían sus propios carteles que realizaban ellos mismos o encargan a artistas o talleres especializados. Ellos fueron los que instauraron la firma del artista, artesano que intervenía en ese nuevo género independiente.

Algunas veces, el estudio mostraba una fotografía para ser utilizada en el cartel.

Había reglas estrictas de cen-

nocidos artistas y se encargan de diseñar retratos de las estrellas famosas y es en este punto donde los carteles comienzan a contar y adentrarnos dentro de la película anunciada. Esto con el fin de poder darnos una especulación de lo que será el film.

En la década de 1910, los “nickelodeons” se empezaron a reemplazar por las salas de cine. En el interior de las salas, los poster de los vestíbulos se cambiaron por grupos de 8 fotogramas que mostraban escenas de la película.

Al principio eran en blanco y negro, después se sustituirán por fotogramas en color. A este tipo de imágenes se les llama Lobby cards.

A medida que avanza la década, surge el cine sonoro y con esto se dispara positivamente la atención del público, haciendo que la industria del cine alcance su punto más alto de plenitud, alcanzando la conocida “Edad de oro”, en donde se consigue producir las películas más importantes y de mayor grandeza tales como: “Monte Carlo”

A finales de la década, el público lo que quería era conocer los nombres de los actores y actrices y se comenzaron a dar créditos correspondientes en el ejemplar ya impreso. Se internacionaliza el cine y la nueva industria norteamericana comienza a convertir en estrellas a los actores siendo esta una nueva dimensión del cine coincidiendo con la evolución de la tecnología de impresión dándole un nuevo lugar al “Cartel de cine” con las características que conocemos en la actualidad.

En la década de 1920, las salas de cine se transforman en hermosos edificios.

Las ilustraciones de antaño se transforman en carteles artísticos que realizaban co-

“Los carteles de los años 30 estaban influenciados por el Art Decó, popular en ese momento. Este arte se caracteriza por los diseños geométricos y colores muy llamativos. Había variaciones de tamaños y formas de letras. Cada productora fabricaba sus propios carteles con características particulares.”

(José Cervera, 2012 p.10).

Al principio de los años cincuenta surgen los enfoques conceptuales, se hace énfasis en la tipografía y se dan pistas sutiles en cuanto al contenido de la película que forma el fondo del tipo.

A mitad de la década, surgen las revistas de cine que tenían grandes fotografías en color de las grandes estrellas de cine. Estas revistas pioneras fueron las que originaron que

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las compañías cinematográficas adoptaran carteles más parecidos a fotografías. Fue el comienzo de los carteles fotográficos.

Si se ve acerca del cartelismo de circos, ha evolucionado poco, pues lo que ha hecho tradicionalmente es plasmar de manera gráfica actos y actividades que se realizan durante el entretenimiento que son imágenes de portentos, acrobacias y bufonadas, por lo que se han desarrollado siempre por el lado imaginativo de la ilustración popular.

Con el paso del tiempo se ha ido superando en técnica, ya que cuando se dio inicio eran carteles sumamente sencillos y fueron evolucionando con el aparecimiento de la litografía y ahora con la tecnología del siglo actual.

De esa manera, este tipo de carteles se fueron volviendo más ostentosos.

Entre anuncios y carteles del siglo XVIII se exhibían ya las funciones características: saltos mortales, equilibrios, payasos y exhibiciones de fieras. La ingenuidad con la que están tratadas las imágenes les proporciona un encanto que todavía se mantiene en las ilustraciones litográficas de estos Carteles Históricos.

Han crecido en tamaño, utilizan la “nueva tecnología” litográfica, se han enriquecido en ocasiones con el color, pero siguen transmitiendo, en su misma ostentación y

EL CARTELISMO, ORÍGEN, EVOLUCIÓN Y TIPOS, A PARTIR DEL SIGLO XV •

sura que obligaban a que los dibujos fueran inocentes y no mostraran escenas que resultan atrevidas, dentro del contexto de esa época. Ya que no era habitual que hubiera estrellas de cine en las primeras películas. Los actores eran anónimos.

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excentricidad, un idéntico candor. Las imágenes son, por tanto, las convencionales del circo, con dominio de los equilibristas y de las funciones con animales sobre otras tradicionales figuras del circo como los payasos y los magos.

Parte de los grandes carteles, dentro del tono popular del circo, contienen ilustraciones de gran belleza que siguen ejerciendo su poder de seducción, pero no todos los carteles artísticos europeos que se produjeron alrededor de 1900 alcanzan la belleza y la calidad de estos precursores. Tanto por el dibujo y el color como por la factura, son además de una inequívoca modernidad.

Muchos artistas circenses viajaban de país en país actuando en los escenarios locales. Como parte de su equipaje incluían un atado de carteles que se habían hecho imprimir relatando las excelencias de su arte y que servirían para amenizar las grandes sabanas tipográficas con los detalles de la función.

Según Ojeda (2011), los carteles se imprimían en Milán, Marsella, Hamburgo, París, Nueva York y en otros lugares. Y entre los impresores encontramos alguno tan prestigioso como Charles Lévy, en cuyos talleres se estampó el primer cartel de Toulouse Lautrec, o como la Strobridge Litho. Co., de Cincinnati y Nueva York, casa

donde se imprimieron los famosos carteles del circo Barnum & Bailey provistos de magníficas ilustraciones litográficas y del lema “Greatest Show on Earth”, y también los del Ringling Bros., Sells Brothers y otros.

Es difícil imaginar una sociedad en donde todo deba ser solamente leído o hablado, es por esto que cuando nos adentramos en la tendencia/fenómeno del cartelismo, nos damos cuenta lo importante del diseño gráfico en una sociedad, ya que a través del cartelismo el mensaje llega de forma más directa a las personas, compartiendo información valiosa, educativa, revolucionaria y hasta entretenida, cumpliendo así uno de los deseos que el ser humano siempre ha tenido, el deseo y necesidad de comunicar.

El cartelismo ha renovado sus inicios en cuanto a las tendencias gráficas que argumenta, dado que el ser humano pudo desarrollar su habilidad visual para conocer el contexto de alguna imagen. A fin de cuentas estas gráficas contienen una ideología humanista donde su mayor protagonista es el ser humano en su habilidad de progreso tanto física como social, que en comparación al tiempo actual se ha dejado influenciar por la industria que los patrocina y ya no a la esencia que es el crecimiento y pasión por la habilidad que desarrolla el ser humano.

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También identificamos como motivo de la creación del cartel ilustrativo en el aspecto político o de propaganda es la movilización de masas, alistamiento a las fuerzas armadas para la participación en la guerra, consideramos es el que mejor grafica la condición y motivos de la propaganda impresa con la capacidad de mover toda una nación, o varias naciones, resultando en una de las máximas del ejercicio de diseño y publicidad.

Por: Aida Ajcuc Pablo Pivaral Andrea Morales Ronald Díaz Samael Solórzano Javier Navas FUENTES: • Biblioteca Nacional de España (2015) Historia de la colección: Carteles. Madrid, España Recuperado el 4 de septiembre de 2015 de: http://www.

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