Sexta edición: Contornos – definimos cosas, lugares y personas. Arco K: conmemoramos un icono, To-Tie de Guglielmo Poletti, tejemos la luz con Marcel Wanders Studio, 265 se hace mini, una vuelta alrededor del mundo con Gustave de Vincent Van Duysen, el diseño de la luz con Ronan & Erwan Bouroullec, dos evoluciones de Bellhop, Flos toma las riendas de Orobia.
Homenaje a un icono
Flos conmemora con una edición limitada de 2022 unidades, con la base realizada en cristal, el icono de Achille & Pier Giacomo Castiglioni
Fotografía de Mattia Balsamini y C41
El icono del diseño por antonomasia cumple 60 años: una obra maestra el ingenio. Concebida en 1962 la historia de Arco sigue la evolución del diseño de interiores doméstico. Achille & Pier Giacomo Castiglioni inventaron una nueva tipología de lámpara en respuesta a la vida moderna. ‘El diseño de Arco reúne todo lo que un producto con un buen diseño debería tener: funcionalidad cuidadosamente proyectada y una marcada estética que convergen en un icono', afirma Fabio Calvi, curador del diseño de Flos junto con Paolo Brambilla.
La creación de Arco sigue la trayectoria del diseño de la iluminación contemporáneo. A partir de la lámpara de araña, con velas que iluminan el centro de una habitación, el concepto de iluminación de un espacio evolucionó hasta convertirse en una sola bombilla, alimentada por electricidad y colgada del centro del techo sobre una mesa. Inspirados en las farolas de la calle, los hermanos Castiglioni liberaron la luz del centro del techo para dejar que se moviera dentro de una estancia. ‘Liberaron la fuente de luz, en respuesta a la necesidad de crear un nuevo diseño de mobiliario dentro de una estancia, como resultado de la evolución de los interiores contemporáneos.’
En un estilo típicamente de Castiglioni, cada aspecto funcional del diseño se consideró a fondo con pragmatismo y un toque de humor: el eje telescópico proyecta con elegancia la sombra en forma de cúpula (cuya superficie está perforada con agujeros para evitar que el calor de la bombilla quede atrapado). Este detalle está firmemente sostenido por una base de mármol, que también fue concebida con detalles funcionales esenciales: esquinas cinceladas para evitar que el material se rompiese y un solo orificio que atravesaba el mármol. La idea consistía en que, al insertar un palo de escoba, dos personas pudiesen moverla fácilmente o girarla para iluminar cualquier zona en una estancia.
‘Entonces Arco se convirtió en un icono, un símbolo de estatus', continúa diciendo Calvi. ‘Tener Arco en casa significaba haber optado por una elección moderna, haber elegido un objeto que era excéntrico, que reflejaba el futuro.’
Damos un salto hasta 2022, y ahora Arco está siendo conmemorada por Flos con una edición limitada de 2022 unidades que rinden homenaje al diseño de los hermanos Castiglioni, destacando la silueta de la lámpara. ‘Arco fue el resultado de una de las intuiciones más acertadas de la historia del diseño
y está consagrada universalmente como una embajadora del Made in Italy en el mundo', afirma Brambilla. ‘El aniversario brinda la ocasión de reimaginar la lámpara y resaltar el gesto de diseño de los Castiglioni: el propio arco, la auténtica esencia del proyecto.’
Para la edición conmemorativa, la base de la lámpara desaparece y es sustituida por la misma forma ahora elaborada en cristal. ‘En 1962, año de concepción de la lámpara, el mármol era uno de los materiales más económicos, duraderos y pesados que había', nos explica Calvi. ‘Pero, a lo largo de los años, el aspecto icónico del mármol hizo sombra a algunas de las elecciones estilísticas más importantes de los diseñadores.’ Con el paso del tiempo, el mármol ha sido sinónimo de lujo, algo que no encajaba con la idea de los Castiglioni para este proyecto. Al convertirse en un material transparente, la base deja que el diseño de la lámpara luzca, que brille su aspecto de diseño original.
Brambilla añade: ‘La elección recayó en un material que no habría estado disponible hace 60 años: un cristal específico sin plomo que, gracias a su transparencia, desvela la mecánica de la lámpara.’ El material elegido es pesado, refinado, técnico y reciclable. Habitualmente utilizado para prismas ópticos en laboratorios y generadores láser, para fabricarlo a esta escala, Flos ha empleado una máquina especialmente construida para mantener la misma precisión.
Arco K se convierte en la conmemoración de un diseño icónico y de su historia. ‘Ha llovido mucho desde 1962 hasta hoy', comenta Giovanna Castiglioni. ‘Lo genial es que todos estos proyectos cuentan en su haber con historias muy interesantes, y ahora hay una nueva versión que ha capturado la esencia del movimiento de Arco. Para esta celebración, Arco se convierte en algo realmente esencial.’
Escanee el código QR para descubrir más información sobre el proceso de fabricación.
Durante el Fuorisalone de 2022, Flos ocupó los espacios industriales en desuso de Orobia 15: durante varias semanas, y por primera vez, las colecciones: decorativa, arquitectural, para exteriores y personalizada, se mostraron juntas bajo un mismo techo, demostrando la amplitud y profundidad de su pensamiento creativo y su enfoque innovador para con la iluminación en todos los niveles, desde las transportables hasta las instalaciones de iluminación. La exposición mostró a Flos como un receptáculo de luz e ideas, un esbozo de la iluminación contemporánea. Invitamos al fotógrafo Piotr Niepsuj a documentar el espacio y sus invitados: recorriendo sus estancias durante tres días, Piotr nos brindó una sincera visión de la capacidad aglutinadora de Flos (de diseños, personas y algún animal extraño). Su portafolio de 35 páginas es un testamento del potencial de Flos y su impacto en el diseño. Cada lámpara que aparece en estas páginas es el esbozo refinado de una idea, un marco para la luz. Como Arco K, un tributo al icono del diseño por antonomasia de Achille & Pier Giacomo Castiglioni: su base ahora es de cristal transparente sin plomo para que el contorno ingenioso de su brazo curvado pueda brillar. O To-Tie, el debut de Guglielmo Poletti en el ámbito de la
iluminación, que atrapa la luz en un círculo de cristal. Mientras tanto, el difusor tejido de Skynest enmarca la luz con un lenguaje entre la artesanía y la tecnología, y Bellhop de Barber & Osgerby regresa en una edición en negro mate, siendo el resultado una silueta suave y discreta y en brillantes colores, en la nueva edición Wall Up. A 265 de Paolo Rizzatto, un gesto mecánico inspirado en la arquitectura, se le une una interpretación más pequeña de su estructura rigurosamente concebida. Más formas de luz también incluyen Luce Orizzontale de Ronan & Erwan Bouroullec, una composición de robustos tubos de vidrio, y Belt, una línea mínima que ondea en el espacio (esta última fue galardonada con el “Compasso d’Oro” este año). Gustave de Vincent Van Duysen (su debut en las lámparas transportables) integra a la perfección estética y la tecnología en la forma más esencial. «Flos tiene una locura creativa que pocos poseen, además de un ingenio increíble, una visión y unos valores muy sólidos», nos cuenta Gabriele Chiave, director creativo de Marcel Wanders Studio. ‘En Orobia, vimos la amplitud y el impacto que Flos puede ejercer en el contexto de la luz, y el tipo de socio que es para un diseñador.’
2 Arco K A. & P.G. Castiglioni ↓
18 Maestro de la tensión: Guglielmo Poletti y To-Tie ↓ 70 Paolo Rizzatto: La 265 se hace mini ↑
80 Ronan & Erwan Bouroullec: Luce Orizzontale y Belt Fabric ↓
Pasatiempos por Sany
154 Cuestionario a Formafantasma
Tras graduarse en la Academia de Diseño de Eindhoven en 2016, Guglielmo Poletti empezó a experimentar con la creación de muebles, utilizando los contornos y la tensión como dispositivos de diseño para crear objetos funcionales con calidad escultórica. Este lenguaje preciso está definido por curvas, nudos, intersecciones de superficies finas como el papel, algo que podríamos llamar minimalismo, pero que oculta una consideración por la estructura y la construcción que añade un toque de complejidad a cada pieza.
Su obra saca a la luz lo esencial, y lo mismo puede decirse de To-Tie, una pieza cuya composición básica la convierte en el instrumento de iluminación perfecto. Un cilindro de vidrio sostiene una varilla de aluminio anodizado que oculta una fuente LED, el cable se duplica como el elemento estructural que los mantiene unidos.
To-Tie es una pieza que refleja la capacidad de Poletti para enmarcar el espacio vacío, la cumbre de su lenguaje de diseño, pero también el inicio de algo nuevo.
Fotografía de Bea De Giacomo Entrevista de Rosa Bertoli
ROSA BERTOLI Empecemos por el principio. ¿Puedes contarme cosas sobre tus principios en la vida del diseño y cómo te fuiste perfilando hasta convertirte en diseñador?
GUGLIELMO POLETTI No seguí una trayectoria lineal y, de hecho, me introduje en este mundo por la puerta de atrás: me sentí atraído por el diseño de forma autodidacta. Durante mi grado en gestión del arte, asistí a una ponencia sobre diseño que daba Philippe Daverio. Me fascinó profundamente y, desde ese momento, concebí el diseño como una pequeña llama, muy alejada. Intenté acercarme a ella de forma autónoma, sin referencias. Entendí de forma instintiva que debía estructurarme a mí mismo con algunas herramientas: En 2013, hice unas prácticas en el estudio Lissoni y la experiencia fue muy significativa porque aprendí mucho desde el punto de vista profesional, pero no estaba seguro de si era para mí, así que aquel mismo verano me fui a Boisbuchet a hacer un taller con Ron Gilad. Para mí ha sido alguien muy importante, me enseñó que puedes abordar el diseño de una forma más independiente y libre, que tu forma de pensar puede ser un poco perturbadora y así y todo puede llegar a la industria de algún modo. Estas dos personalidades del diseño me enseñaron formas muy diferentes de hacer lo mismo.
ROSA BERTOLI Llegados a este punto, no habías tenido ningún tipo de formación reglada en el ámbito del diseño todavía...
GUGLIELMO POLETTI Todavía no. Después de investigar un poco, decidí que la Academia de Diseño de Eindhoven sería el siguiente contexto en el que más podría crecer y descubrir qué me interesaba de verdad. Fue una experiencia muy analítica, a lo largo de dos años profundicé en lo que significa hacer diseño. Necesitaba tener una formación reglada, pero en Eindhoven no tienen ninguna fórmula, se trata de un tipo de docencia muy libre y son muy estrictos sobre cómo creas tu actitud.
ROSA BERTOLI ¿Hubo un punto de inflexión en tu obra?
GUGLIELMO POLETTI En mi caso, el punto de inflexión fue cuando me di cuenta de que me interesaban más la construcción y la estructura que las elecciones arbitrarias del diseño. Esto me ayudó a cambiar el chip y, en ese sentido, fue la base de todo lo que hice a partir de ese momento, conformando los criterios que siguen siendo hoy en día mis directrices.
ROSA BERTOLI La tensión mecánica siempre forma parte de tu obra. ¿Cómo llegaste a este tipo de composición?
GUGLIELMO POLETTI Empecé trabajando con estudios estructurales muy abstractos, no me centré en la funcionalidad. Me di cuenta de que estas composiciones de tensionado tenían cualidades más formales, en lugar de funcionales. Era una mezcla de diseño, arquitectura y escultura, yo estaba desatado y como en una nube, lo cual es una situación estupenda cuando todavía estás estudiando. Pero cuando terminé mi segundo año, las piezas del puzle encajaron, entendí la funcionalidad de mis piezas a un nivel más profundo.
ROSA BERTOLI Entonces, ¿el proceso fue bastante progresivo desde experimentar con estas composiciones hasta que te diste cuenta de que podrían ser muebles?
GUGLIELMO POLETTI Llegué a Eindhoven con una idea «italiana» muy clara sobre qué tenía que ser el diseño de mobiliario. Y fue genial poder olvidarse de ello durante dos años, y en su lugar pensar en experimentar. Y, luego, al final, la esencia de aquella pequeña llama me trajo de vuelta e hice muebles, que fue el inicio de mi carrera profesional.
ROSA BERTOLI Desde tu trabajo de graduación y las piezas de mobiliario que creaste para la Galería Rossana Orlandi, dibujaste una transición desde piezas experimentales al diseño industrial – ahora estás tendiendo puentes entre ambos mundos, ¿cómo conseguiste esta transición?
GUGLIELMO POLETTI Los dos años que pasé en Eindhoven fueron un rodeo para llegar al meollo de la cuestión que perseguía y que era crear muebles funcionales. De igual modo, las obras de edición limitada que hice fueron un rodeo para llegar a la industria con unos criterios más definidos y una identidad más fuerte. En ese sentido, si bien es cierto que las piezas iniciales que diseñé eran más libres y experimentales, siempre hubo rigor en la forma en que concebía las obras, y eso me permitió trasladarlas a la industria. Y a pesar de que con parte de mi obra anterior he intentado ir más allá de los límites de los muebles industriales, también ha encajado a la perfección en la producción industrial.
ROSA BERTOLI To-Tie, tu primera colaboración con Flos, parece encajar a la perfección en esta progresión.
GUGLIELMO POLETTI Creo que Calvi y Brambilla decidieron ponerse en contacto conmigo porque habían advertido esta progresión en mi obra y apreciaron mis criterios. La primera vez que vinieron a mi estudio, hicieron observaciones muy precisas sobre mis prototipos; estaba claro que habían llegado al meollo de lo que hago. Eso hizo que confiase en que entenderían mi proceso.
ROSA BERTOLI ¿Te dieron un guion con instrucciones?
GUGLIELMO POLETTI No lo hicieron y es precisamente por eso por lo que digo que me entienden. Creo que se dieron cuenta de que, en mi caso, un guion con instrucciones habría sido extremadamente contraproducente.
Estoy contento de haber hecho esta lámpara porque el resultado final es exactamente como la había visualizado originalmente. Para mí, es importante divertirme en mi estudio, divertirme durante el proceso. Y lo entendieron, así que no hubo guion con instrucciones, simplemente les interesaba lo que hago. Al cabo de mes y medio, les presenté varias ideas, y entre ellas estaba To-Tie.
ROSA BERTOLI ¿Puedes contarme cosas sobre el principio de diseño de ToTie? ¿Cómo llegaste a esta forma esencial?
GUGLIELMO POLETTI Fue un rodeo enorme: la idea de To-Tie empezó a partir de la mesa Equilibrium, de mi proyecto de graduación, que rehice por completo y convertí en una lámpara de suspensión, y, en cuestión
de un par de meses, Flos había hecho un primer prototipo. Entonces fue cuando mi entusiasmo se empezó a desatar: entendí que nos podíamos divertir juntos.
Pero aquel primer prototipo no funcionaba. Fue entonces cuando Andrea Gregis, del departamento de I+D, me enseñó una lámpara de 1975 de Castiglioni, Aoy, una lámpara de mesa que era un cilindro de vidrio con un pequeño orificio por debajo. Medité sobre la lámpara y reelaboré el concepto, creando un nuevo prototipo de To-Tie como lámpara de mesa. Me pareció interesante trabajar sobre la idea de la junta, que formaba parte íntegra del nuevo prototipo: un pequeño cilindro acrílico con un LED muy duro. Corté un tubo de metal y lo uní todo. Cuando encendí la lámpara en mi mesa de trabajo, pensé: «Bueno, esto ahora sí que parece algo». No me lo imaginé racionalmente: fue el proceso lo que lo hizo por mí.
ROSA BERTOLI ¿De qué manera están dispuestos y unidos los componentes para que esta composición funcione? ¿Descubriste algo mediante este proceso?
GUGLIELMO POLETTI To-Tie es mucho menos abstracta en comparación con otras obras que he hecho, lo cual hace que sea más madura. La luz está hecha de esta forma porque se tiene que hacer de esta forma, de forma que el cable proporcione en primer lugar el elemento estructural que mantiene unido el cilindro de vidrio con la barra LED, solo a través de tensión mecánica, sin tornillos ni juntas, se trata simplemente del tensionado del cable lo que hace que estén unidos. Y luego el cable proporciona la electricidad. Un elemento inesperado en el que no habría caído de no haber hecho el primer prototipo yo mismo en el estudio es el hecho de que la barra que está suspendida en el centro del cilindro se puede usar a modo de mango. Así que, de hecho, puedes transportar la lámpara por la barra LED, lo que significa que no tienes por qué tocar el vidrio y así no dejarás huellas. Luego, la luz viene desde arriba y va a un cilindro de vidrio, y esta proyección de la luz se queda atrapada dentro del vidrio, creando el círculo de luz en la superficie. Y esto también es inesperado: como el vidrio es transparente, crees que la luz simplemente se escapará, o se difuminará alrededor. Pero, en lugar de eso, se queda como atrapada. Así que To-Tie no es solo un objeto bonito, sino que también tiene un valor añadido como objeto de diseño de iluminación. Estos son pequeños detalles que hacen que la obra sea mucho más completa.
ROSA BERTOLI ¿Cómo trabajaste con el equipo de Flos para desarrollar To-Tie y que tuviese su forma final, a partir de aquel primer prototipo?
GUGLIELMO POLETTI La mesa Equilibrium ya estaba hecha a partir de nada y para realizar la lámpara, quitamos aún más cosas y nos quedamos con tan solo unos pocos elementos, pero todos y cada uno de ellos cumple una función muy precisa, todo tiene una funcionalidad doble. El objeto final está desnudo: dedicamos un año y medio para pasar desde mi pequeño prototipo, que ya presentaba parte del núcleo de la idea, hasta la obra final. La cosa consistía en profundizar milímetro a milímetro, algo que me encanta, funciona bien con mi forma de pensar en ocasiones obsesiva. A veces, en un proceso como este, te sientes limitado, tu interlocutor no siempre te sigue el ritmo. Pero con Flos era como un partido de pimpón, y para
mí eso era increíble. Realmente me tocó la fibra ver que hablábamos el mismo idioma, todos nos divertíamos entrando en los detalles.
ROSA BERTOLI ¿Puedes hablarme sobre los materiales y los acabados de To-Tie?
GUGLIELMO POLETTI To-Tie se desarrolló como un objeto precioso: los bordes del cilindro de vidrio de borosilicato están terminados a mano; el cable eléctrico está cubierto con tela y forma un nudo que es armonioso, a la vez que funcional. Los sujetacables que lo fijan en la parte inferior del cilindro se diseñaron específicamente para este proyecto. Por último, la barra de aluminio anodizado está caracterizada por una superficie discretamente estriada.
ROSA BERTOLI ¿Era esta tu primera experiencia con el diseño en el ámbito de la iluminación?
GUGLIELMO POLETTI Había coqueteado con ello un poco, hice un proyecto con Schloss Hollenegg en 2018, pero fue más bien un objeto estructural que emitía luz. Enseguida me di cuenta de que la iluminación es algo serio. Y eso no quiere decir que no trate mis muebles como algo muy serio, pero en el caso de estos últimos, puedes experimentar hasta llegar adonde quieres llegar, pero con la iluminación no puedes hacer lo mismo. Puedes hacer que el hardware sea bonito de verdad, ¿pero qué pones en su interior? Esa parte, la innovación tecnológica, es algo que no puedes improvisar. A veces, la iluminación de edición limitada consiste en gran medida en la estructura. Mientras estaba en Eindhoven, hice un taller con Nacho Carbonell. Sus lámparas son como mundos increíbles. Me acuerdo de que dijo que se puede crear una pieza y la luz está ahí para iluminar la pieza en sí. Pero si quieres trabajar con la industria de la iluminación y proporcionar una buena iluminación a un entorno arquitectónico, tienes que adoptar un enfoque distinto. Con Flos, fue la primera vez que trabajaba con la luz de forma técnica.
ROSA BERTOLI El propio nombre de la lámpara forma parte de la pureza del diseño: simplemente describe su función.
GUGLIELMO POLETTI Tiene que ver con el hecho de que también intento ser más esencial, porque así es como puedes ofrecer el núcleo de lo que crees que resulta interesante. No me interesa conceptualizar mi obra, lo que me interesa es que se explique por sí misma. La idea de llamar a la pieza To-Tie te lleva directamente a lo que es: un gesto alrededor del que se desarrolla toda la obra. Este gesto de atar es clave para la pieza. Y, en ese sentido, el nombre debería completar la obra: si vinculas el nombre con la obra, entonces se explica por sí misma.
ROSA BERTOLI ¿Cómo trabajas a la hora de crear estos prototipos en tu taller? ¿Qué materiales y herramientas utilizas?
GUGLIELMO POLETTI Mi taller es una versión en miniatura de Eindhoven, que era un taller enorme en el que podías trabajar con cualquier material, desde la madera, pasando por el metal, hasta el plástico. Aquí dispongo de todo lo que necesito para unir las cosas hasta el punto de estar satisfecho para dar forma a una idea. El prototipo de To-Tie se hizo a grandes rasgos en mi oficina, pero me bastó para entender del todo cómo funcionaría. Tengo varios materiales, desde madera y
PREPARADA PARA EL FUTURO
To-Tie está diseñada según los principios del diseño circular. Sus piezas clave están hechas de materiales reciclables y se mantienen unidas por tensión mecánica, sin usar ningún adhesivo ni soldadura. La lámpara se puede desmontar del todo para repararla, sustituir piezas y reciclarla debidamente al final de su vida útil. Fuente LED sustituible.
Descubre más en flos.com/sustainability
metal, hasta cartón y silicona —me interesa organizar mi laboratorio de forma que pueda experimentar, jugar con algo con lo que no estoy familiarizado y sorprenderme.
Mi trabajo suele seguir este patrón: me golpea una intuición sobre algo y lo hago. Y, nueve de cada diez veces, esa intuición no me lleva donde pensé que me llevaría. Pero sigue siendo interesante, y, cuando empiezas a aprender a confiar en este proceso, ya no puedes dar marcha atrás. De hecho, si no trabajo de esta forma, sé que el proceso no funcionará. No hay atajos, no se puede vaguear. Este es el motivo principal por la que me divierto tanto con esto. También da un poco de miedo porque no se trata de continuidad, no es el refinamiento de un idioma de diseño predecible. A veces realmente buscas algo, una sorpresa desconocida.
ROSA BERTOLI Diseñaste tú mismo tu estudio de Milán, ¿puedes hablarme de tu trabajo en este espacio?
GUGLIELMO POLETTI Era un espacio industrial que estaba manga por hombro cuando lo compré, una constructora lo había usado para almacenamiento y estaba abarrotado de materiales hasta más no poder. Pero tenía potencial, y planeaba mudarme otra vez a Milán después de estar cinco años en Eindhoven. Este lugar lo tenía todo: quería tener un taller, no me interesaba una simple oficina limpia y pulcra, así que me arremangué y lo reestructuré. Fue un proceso de aprendizaje ligeramente doloroso, ya que era la primera vez que hacía algo del ámbito de la arquitectura. Llevé a cabo una reestructuración de base del espacio, abría tragaluces en la parte superior para tener más luz natural, y estos tragaluces marcaron las pautas de toda la red eléctrica a partir de la que se diseñó la oficina. El espacio tiene una altura de 3,75 metros, es decir, no bastaba para dividirlo en dos pisos, pero quería usar esta altura de algún modo. Me inspiró un viaje que hice a Corea, donde usan mucho esta estructura de media altura para almacenamiento y otras funciones. Así que pensé en crear una plataforma modular elevada de madera contrachapada de abedul y vidrio con almacenamiento y un dormitorio en la planta baja, y una oficina en la parte superior. Cuando cierras el espacio, la privacidad es total, desde fuera no sabes qué es lo que hay, pero cuando te acercas más ves que se divide en distintos elementos, y que en un lateral hay una escalera que rompe la simetría. Trabajar en el ámbito de la arquitectura a pequeña escala fue un reto interesante. Espero tener tiempo y energía para crecer y experimentar en esa dirección en el futuro.
El lenguaje irreverente y poético de Marcel Wanders Studio encuentra una nueva expresión en Skynest, el último proyecto de iluminación para Flos. Skynest, unión de elegancia formal e innovación técnica, presenta una revolucionaria tira LED, entrelazada con un elemento tubular de tela para crear una forma de cesta que es artesanal a la vez que sofisticada. Adoptando el enfoque decorativo de Skygarden (un proyecto que el estudio completó para Flos en 2007, una cúpula en cuyo interior hay una decoración floral en relieve), Skynest lleva el trabajo de Marcel Wanders Studio a nuevos horizontes, enriqueciendo su enfoque humanístico y poético con un nuevo modo de crear: innovación, sostenibilidad y tecnología. El director creativo del estudio, Gabriele Chiave, nos habla sobre la doble naturaleza de Skynest y la experiencia de diseñar con la luz.
Entrevista de Rosa Bertoli
ROSA BERTOLI ¿Cómo nace la idea de Skynest?
GABRIELE CHIAVE Skynest nació en el trascurso de una conversación con Flos sobre nuevas tecnologías de luz: qué elementos, qué nuevas fuentes de iluminación LED podemos explorar, ¿qué novedades hay en el plano de la iluminación?
La luz es uno de los campos del diseño que sufre una evolución más rápida, desmaterializándose cada vez más. Antiguamente, el hardware era mucho más físico, mientras que ahora la tecnología nos lleva a disponer de una fuente luminosa que desaparece, haciendo que sea siempre más mágica y etérea, menos física. Flos nos propuso este «spaghetti» de luz: un filamento luminoso flexible y blando, con una longitud aproximada de un metro, y fue desde aquí desde donde pusimos en marcha el proceso que nos ha llevado hasta Skynest.
ROSA BERTOLI ¿Cómo habéis trabajado alrededor de este «spaghetti» y qué os ha inspirado en el proceso creativo?
GABRIELE CHIAVE Pensamos en el propio filamento: ¿qué se suele hacer habitualmente con un filamento? Bueno, se hacen telas, se teje.
Skynest es, básicamente, luz entretejida, una reinterpretación de los tejidos artesanales, pero también de las cestas en general, de las redes de pesca. Todo surgió de esta primera inspiración, tras la cual empezamos a jugar con estas composiciones.
ROSA BERTOLI Se trata de una lámpara muy tecnológica, pero con una fuerte expresión artesanal: queda clara la referencia a estos métodos antiguos de trabajar los materiales, pero creados con un material moderno. ¿Qué técnicas de tejido habéis estudiado y cómo habéis llegado al resultado final?
GABRIELE CHIAVE Skynest nace de un lenguaje artesanal típico de las cestas, pero sofisticado de forma que se convirtiese en una lámpara contemporánea. Buscábamos un objeto que se identificase con Flos, que no fuese demasiado rústico. Realizamos un estudio histórico y geográfico de diversos tipos de tejidos: rejillas de madera rígidas, mimbre, telas, sombreros, cestas japonesas de bambú, que fueron después el punto de partida para tejer Skynest. El resultado final es un equilibrio entre el tejido artesanal y una decoración que fuese reflejo un poco de Marcel Wanders y un poco de Flos, siempre sofisticada y contemporánea.
ROSA BERTOLI ¿Cómo habéis desarrollado la parte técnica, para conseguir el máximo efecto de la fuente luminosa?
GABRIELE CHIAVE Al principio, el filamento daba demasiada luz, y apagado era amarillento, parecía un “spaghetti” demasiado cocido. Así que desarrollamos recipientes, como calcetines, que fabricamos con plástico reciclado. En estos calcetines bicolores (la mitad blanco puro y la otra mitad de color), introdujimos el filamento de luz. Este proceso enriqueció la tecnología. A partir de ahí, entrelazamos todas las piezas. Skynest proporciona una luz de 360 grados. La lámpara no tiene sombras, sino solo una luz perfecta y muy calibrada. La tela brilla con un efecto refractario dotado de una fuerte profundidad escandalosa. Se trata de una experiencia de luz muy innovadora. El resultado es esta cesta de tela entrelazada que se ilumina por arte de magia y donde el origen de la fuente luminosa no salta a la vista.
ROSA BERTOLI ¿Cuáles son los puntos fuertes de Skynest?
GABRIELE CHIAVE La fuerza del proyecto reside en haber conseguido combinar el aspecto supertecnológico e innovador con el aspecto más artesanal. Porque a primera vista es un objeto artesanal, con un toque humanista, pero se trata de una lámpara supertecnológica, hay como mínimo diez pequeños inventos que la conforman, que hacen que funcione como objeto. La tecnología queda oculta. Es completamente reciclable, cada pieza se desmonta y se quita, cada brazo LED está conectado con una conexión USB y una pequeña conexión electrosoldada que se introduce en el disco central de aluminio. En caso de que sea preciso cambiar un hilo, basta con desmontarlo y cambiarlo. Es ligerísima; el peso de los materiales es mínimo, si se condensa, te cabe en la mano, una pequeña bola de tela y LED.
ROSA BERTOLI Este es un punto sobre el que Flos trabaja cada vez más, de la mano de los nombres del diseño contemporáneo, innovando dentro del propio lenguaje del diseño.
GABRIELE CHIAVE Poseen una rara locura creativa que pocos tienen, sin olvidar su increíble ingenio, una visión y valores muy fuertes. En Orobia vimos la amplitud y el impacto que Flos puede tener en el ámbito de la iluminación y qué tipo de socio es para un diseñador.
ROSA BERTOLI ¿Qué papel juega la tecnología en el diseño?
GABRIELE CHIAVE La tecnología siempre va por delante de nosotros, cada día más. Sin embargo, lo bello del diseño es que nos gusta esconder la tecnología. Empleamos la tecnología para convertirnos en magos, la escondemos detrás de la poesía, creamos asombro. Este tema está siempre más presente en el ámbito de la arquitectura y el diseño de interiores: la luz es como el pincel sobre el lienzo, como si fuese pintura. En el caso de Skynest, al estar oculta dentro de una tela, la tela se ilumina y confiere una profundidad increíble al objeto. Por eso es poética, pero también es diseño industrial. Es artesanal, pero también tecnología y sostenibilidad elegante. Son muchas cosas combinadas.
ROSA BERTOLI ¿Cómo ha cambiado el trabajo del diseñador en relación con la luz y la propia luz en relación con los objetos y a la experiencia en el espacio?
GABRIELE CHIAVE Al principio del proyecto, tenía un pro- totipo en la mano y era muy ligero: habida cuenta de su ligereza, pensamos proyectar esta cesta de diversos modos. Por lo tanto, con una única forma, consegui- mos crear todas las tipologías típicas de la iluminación, pero también típicas de Flos. Así, creamos una “Arco”, con un tubo calandrado y curvado; una “Paréntesis”, que sube y baja sobre hilos de acero y puede girar 360 grados; y luego también un plafón de pared y de te- cho. De este modo, Skynest se ha convertido en una colección completa, tanto en términos de color como de tipología.
ROSA BERTOLI ¿En qué dirección se está desarrollando el trabajo de iluminación del estudio?
GABRIELE CHIAVE
El mundo de la iluminación ha cambiado drásticamente, y todavía sigue cambiando. En los últimos 20 años, la evolución ha sido constante: de los OLED a los LED, pasando por la difusión y la calidad de la luz, asi como del ahorro energético. La luz tiene una importancia enorme: estoy pensando en la luz natural, en el sol y en la luna, que determinan los ciclos de la vida, el origen de todo. La luz natural y la artificial son un todo, tratamos de replicar con luz artificial lo que vemos en la naturaleza, por lo que también el trabajo del que diseña la luz sufre esta evolución. Antiguamente, el objeto era mucho más importante, era más mecánico, hacía falta una estructura que sujetase la lámpara, algo muy elemental, y así ha sido durante muchos años. Más recientemente, con la introducción de los LED, se ha producido una enorme revolución a escala del diseño industrial y de la concepción.
La belleza de los objetos consiste en hacerlos mágicos, usando la luz de forma poética, escondiendo la tecnología, ensalzando el objeto y la luz. Para un diseñador, se trata de un proceso fantástico: antes nuestro trabajo era mucho más escultórico, ahora está guiado por la tecnología.
ROSA BERTOLI La lámpara está disponible en distintas versiones: ¿puedes explicarme cómo se ha desarrollado su presencia en el espacio?
GABRIELE CHIAVE Marcel Wanders Studio siempre se ha fijado en el romanticismo en el diseño, en una poéti- ca que destaca por un lenguaje de diseño escandinavo y modernista basta con echar un vistazo a Skygarden para entender de qué estoy hablando. Para Marcel, es importante diseñar proporcionando a las personas emociones que vayan más allá de la pura función del objeto; los objetos se transforman así en portadores de recuerdos, emociones y poesía. El estudio ha evolucionado en ese sentido, y ahora he- mos llegado a Skynest, que representa el culmen de los últimos años, además de un enorme trabajo conjunto entre nuestro equipo y el de Flos. Ya no es meramente un trabajo artístico, se trata de un trabajo en grupo en el que cada uno ha conseguido aportar su experiencia para llevar hasta el máximo la idea de diseño, tecnolo- gía, artesanía y poesía. Skynest es, además, una expre- sión de sostenibilidad, de calidad de la luz, artesanía y memoria colectiva: su riqueza reside en una serie de elementos muy pertinentes en el contexto actual.
ROSA BERTOLI ¿En qué espacios te gusta imaginártela?, ¿cómo esperas que la gente la perciba en un entorno?
GABRIELE CHIAVE Fue muy bonito verla por primera vez en Orobia, en todas sus versiones, para demostrar su versatilidad. El espacio circundante era perfecto: in- dustrial, un poco tosco, paredes blancas se hizo un trabajo muy bueno para sacar el mejor partido de las lámparas, el espacio ensalzaba muy bien el proyecto. En el futuro, la imagino en composiciones, por ejem- plo, con ocho elementos en la pared del vestíbulo de un hotel, para conseguir un efecto más potente. Y se- guramente también en espacios muy arquitectónicos, en los que su ligereza y elegancia consigan expresar una personalidad de un determinado tipo, porque es una lámpara discreta, tiene una presencia-no presencia. Una presencia delicada, hecha con transparencia, pero que resulta imposible pasar por alto.
PREPARADA PARA EL FUTURO
El tejido utilizado para Skynest proviene de poliéster reciclado y es completamente reciclable. Los microconectores permiten sustituir cada fuente luminosa individual.
DISEÑADA PENSANDO EN LA SOSTENIBILIDAD
La lámpara se puede desmontar del todo para repararla, sustituir sus piezas y reciclarla debidamente al final de su vida útil.
Descubre más en flos.com/sustainability
Fotografía de Ambra Crociani Entrevista de Eugenio Cirmi
Diseño de E. Barber & J. Osgerby
“El negro me hace sentir arraigo. Me encanta crear los cimientos de una idea que tengo directamente sobre papel con un rotulador negro. Pueden ser palabras, o un boceto, o una ilustración. Pero empieza con tinta negra. El negro hace que mi obra parezca tangible, real. Y me baso en eso como punto de partida cada mañana.”
“Pienso en los colores inconscientemente cuando creo. El negro se puede relacionar fácilmente con la tristeza, pero también puede evocar simplicidad, lujo y elegancia. Es audaz y potente. Para mí, el color negro puede ser sofisticado y clásico.”
“Intento ponerme a prueba para ponerle más color a mi vida; sin embargo, el negro me llena de creatividad: lo veo como una pizarra en blanco, calma y es íntimo. El negro es sinónimo de clasicismo. Por ejemplo, el «Little Black Dress». Algo tan atemporal debido al color se considera lo más versátil y sostenible que alguien puede tener en el armario. Es atemporal.”
El mismo diseño ingenioso, pero con un tamaño más pequeño. La lámpara 265 de Paolo Rizzatto vuelve en una versión diminuta, una compañera de la original que mantiene sus precisas proporciones pero con una forma más compacta.
En 1973, Rizzatto aplicó a la iluminación su mente de arquitecto. Intuitivo, técnico y riguroso, el resultado es tan simple como parece: una lámpara de pared suspendida, básicamente hecha de un cabezal y un peso, cada uno equilibrado en los extremos de un brazo ajustable, y acoplada a la pared en una posición asimétrica. Para resaltar su composición, Rizzatto la había dibujado originariamente en colores primarios (cada uno identificava uno de los tres elementos del diseño: cabezal, brazo y peso). Su diseño democrático (disponible en negro, blanco y Chromatica) ahora es aún más versátil gracias a las proporciones reducidas.
Fotografía de Federico Torra Diseño de escenografía de Elena Mora
Luce Orizzontale de Ronan & Erwan Bouroullec es una lámpara escultórica que combina una artesanía exquisita y una tecnología de fabricación de vanguardia.
El diseño de Luce Orizzontale, que tiene su origen en un ambicioso proyecto Flos Bespoke, destila la complejidad artesanal del concepto: una estructura modular y encajada compuesta por elementos tubulares de vidrio grueso, mínimamente suspendidos del techo.
La configuración modular de la lámpara incluye 8, 10 o 12 tubos de vidrio fundido (su tamaño varía desde un metro y medio hasta dos metros y medio), así como estructuras colgantes de distintas longitudes. Los cilindros de vidrio están sujetados por una barra de aluminio pulido, mientras que las fuentes de luz, dos tiras LED que envían la luz hacia arriba y hacia abajo, están introducidas en la barra, y se pueden regular en intensidad a través de un sistema situado en uno de los extremos de dicha barra.
Se trata de una escultura poética a la vez que técnica, un objeto de iluminación funcional que transmite la capacidad de los hermanos Bouroullec de simplificar a través del diseño, abrazando la complejidad técnica y transformando la artesanía en su expresión más moderna.
‘No se trata de un vidrio técnico', explican Ronan & Erwan Bouroullec, ‘sino de un material siempre cambiante, casi vivo, con extrusiones de aluminio introducidas en él. El resultado que queríamos conseguir era preciso, pero también que fluyera y fuese vibrante.’
El ingenioso sistema de iluminación Belt de Ronan & Erwan Bouroullec para Flos Architectural se alza con el Compasso d’Oro 2022. En sus obras de iluminación, a Ronan & Erwan Bouroullec les gusta ir en pos de lo inesperado. Este es especialmente el caso de Belt, un diseño de iluminación de 2020 que cuenta con un arnés de cuero (inspirado en la equitación) que oculta el cable de alimentación de la lámpara, dibujando una sinuosa transición hacia los haces rígidos de los LED. Las formas orgánicas se fusionan con líneas rectas, creando un baile de formas que caen desde el techo, giran, crecen en múltiples direcciones y se mueven libremente en el espacio. Un cinturón que crece, se mueve, juguetea con la arquitectura, ofreciendo una sensación de encanto habitual en la obra de los Bouroullec.
Originariamente disponible en cuero artesanal con acabados negro, verde y natural, en 2022 el cinturón se convirtió en una nueva versión en tela.
La armonía inteligente de Belt recibió el premio Compasso d’Oro ADI 2022, uno de los galardones más prestigiosos en el ámbito del diseño, que va ya por su 27.ª edición. Se trata la 10.ª Compasso d’Oro que se adjudica a un producto de Flos y fue otorgado por un jurado internacional que quedó cautivado por la sensibilidad medioambiental de Belt y la originalidad de su concepción, tendiendo puentes entre la iluminación técnica y decorativa y adoptando la filosofía de innovación, artesanía y diseño de Flos.
Introducida en 2022, Belt Fabric (la versión en tela) está compuesta por un tejido elástico duradero y reciclable verde oliva y copper brown.
Desde el lanzamiento de Bellhop Table en 2017, el diseño de Barber & Osgerby ha evolucionado hasta convertirse en una familia de objetos que se diversifican en distintas áreas y funciones de iluminación. De ser una lámpara compacta recargable, Bellhop se ha convertido en una luminaria con luz dirigida hacia arriba de pie y en una luz para exteriores. Ahora, en su última iteración, Bellhop se integra en la arquitectura, encaramada con colores divertidos a la pared y emitiendo luz hacia arriba gracias a la nueva tecnología óptica de alto rendimiento de Flos. El nuevo diseño preserva la forma característica de la lámpara, con el difusor invertido hacia arriba y se presenta en una serie de ricas tonalidades que complementan muy bien su diseño atrevido.
Para rendir homenaje a la primera luz portátil de Vincent Van Duysen para Flos, nos la llevamos de viaje a tres restaurantes: Rosetta en Ciudad de México, Lode & Stijn en Berlín, y Saga en Nueva York, poniendo a prueba sus posibilidades de diseño y su capacidad de adaptación en una serie de contextos diversos. En cada ubicación, el brillo suave de la lámpara realza con encanto las mesas, contribuyendo a crear una atmósfera única.
Gustave se concibió como el compañero perfecto para cenar. Compacta, elegante y adaptativa, la luz portátil de Van Duysen se adapta a distintos interiores y estados de ánimo. Versátil, inconfundible y mínima, esta lámpara se inspiró en las icónicas lámparas de mesa de Adolf Loos, y recibió su nombre en honor a D. Gustave H., el legendario conserje de la obra maestra estética de Wes Anderson, el Grand Budapest Hotel.
Sus formas suaves y compactas ocultan una combinación de LED y lentes patentadas, cuyo posicionamiento único da como resultado un haz brillante que cae en oblicuo en la superficie que hay debajo y se extiende alrededor del mástil con un efecto iluminador uniforme de 360°.
Elena Reygadas, la dueña del local, describe Rosetta como ‘un organismo vivo’: ubicada en una enorme mansión en el barrio de Roma de Ciudad de México, la carta del restaurante se basa en los productos de temporada y en la disponibilidad de ingredientes frescos.
La disposición del restaurante se compone de distintas salas; cada uno de los espacios con un carácter único. ‘Siempre he pensado que hay dos Rosettas: una por el día y otra por la noche. Ambas tienen algo muy especial’, señala Reygadas.
Los clientes almuerzan en una atmósfera tropical durante el día, rodeados por plantas y luz natural. Por la noche, la iluminación tenue contribuye a una atmósfera íntima y misteriosa. ‘Lo más importante es la experiencia dentro del restaurante’, comenta Reygadas.
‘Tras la pandemia por la Covid-19, decidí transformar la tercera planta de Rosetta en un bar llamado Salón Rosetta’, continúa diciendo Reygadas. ‘Uno de los retos más importantes fue la iluminación. Es un bar pequeño, que esperaba que se convirtiera en un lugar en el que todo el mundo se sentiría cómodo y relajado.’ Paola José, directora del estudio de diseño de iluminación Sombra, creó algunas lámparas especialmente diseñadas para este espacio, para dar vida a los antiguos paneles chinos que cubren las paredes. ‘Estas piezas’, continúa Reygadas, ‘permiten que las escenas bucólicas de los paneles se manifiesten en el bar como presencias fantasmagóricas’.
‘En mi restaurante, intento usar un tipo de iluminación que genere atmósferas agradables e invite a los clientes a disfrutar del lugar. No me interesa tanto que las fotos que hagan sean excelentes, sino más bien que tengan una experiencia gratificante’.
Fotografía de Pia Riverola
‘Comer en Saga es como comer en casa de un amigo chic’, afirma James Kent, chef ejecutivo y socio. Situado en las cuatro últimas plantas de un edificio art déco de Nueva York (un espacio concebido originariamente como un piso de soltero), sus interiores íntimos ofrecen unas vistas ininterrumpidas de la ciudad y se diseñaron pensando en la iluminación.
La luz es algo muy importante en el Saga: ‘Nunca soy más consciente de la luz que cuando estoy sentado en el comedor’, continúa diciendo Kent, a quien le gusta pasar todo el tiempo posible en el lugar, desde reuniones a servicio, para observar cómo cambia a lo largo del día. ‘Veo cómo las sombras se mueven por la alfombra a última hora de la tarde y luego veo el sol ponerse sobre el horizonte y cómo se encienden en cascada las luces de los rascacielos de Manhattan.’
Los clientes llegan por la noche, para el servicio de la cena (en Saga no dan comidas): en verano, aún es de día y, a medida que la luz cambia, el espacio adquiere dramatismo. Kent explica que los diseñadores del espacio, el despacho de arquitectos MN DPC, modificó su diseño para asegurarse de que brillase en el momento propicio. De noche, el espacio debe dar la sensación de estar iluminado por velas: ‘ Gran parte de nuestro trabajo consiste en hacer que la experiencia de restauración sea más íntima. Hay pocas cosas más eficaces a la hora de crear una sensación de intimidad que la luz: la iluminación de un restaurante consiste en crear un estado de ánimo, así que tiendo a las opciones más cálidas. Siempre y cuando los comensales puedan ver lo que hay en el plato, estoy satisfecho.’
Lode van Zuylen y Stijn Remi llevan este pequeño restaurante berlinés especializado en la cocina de mercado con ingredientes de origen local obtenidos lo más directamente posible, servidos en una atmósfera relajada.
Cuando abrieron el restaurante, la pareja confiesa que la iluminación no fue una de sus prioridades. «Realmente, no pensamos mucho en un plan de iluminación perfecto», confiesa van Zuylen. Por fortuna, sus amigos del estudio de diseño multidisciplinario neerlandés La Bolleur se ocuparon del diseño del espacio, que incluye la lámpara Frisbi de Achille Castiglioni para Flos. ‘Estas luces realmente no son solo objetos bonitos, sino que la luz que se refleja es realmente perfecta para una mesa, ya que no es un foco. Permite que las personas sentadas a una mesa establezcan vínculos.’
Los interiores del restaurante son cálidos y minimalistas: suelos de madera, mobiliario de inspiración de mediados de siglo, obras de arte geométricas y grandes ventanales mirando a la calle, que ofrecen luz natural del sol durante toda la mañana. ‘Así y todo, la transición del día a la noche, especialmente entre los meses de abril y octubre, es algo digno de ver por su belleza’, añade van Zuylen. ‘Establece un tono que resulta difícil de describir, más si cabe cuando el sol brilla con un color anaranjado oscuro que se refleja en el edificio de enfrente y entra en nuestro comedor’.
A la pregunta de cuál es la luz perfecta para servir comida, van Zuylen responde entusiasmado: ‘De hecho, las luces que tenemos son perfectas: da la sensación como si la mesa estuviese dentro de su propia esfera debido a la forma de la luz’.
Fotografía de Volker Conradus
AMPLIA COBERTURA LUMÍNICA
Lentes patentadas diseñadas para maximizar la iluminación hasta 1 metro al mismo tiempo que garantizan un confort visual sorprendente con su haz de luz asimétrico de 360º.
Opción USB-C para la carga a través de la electricidad.
Para reponer durante el servicio sin interrupciones.
La lámpara se ha diseñado para estar preparada para el futuro. Todas las piezas se pueden sustituir fácilmente en caso de necesidad.
La ausencia de tornillos y pegamento permite desmontar la lámpara de manera sencilla para sustituir los componentes individuales o para eliminarlos correctamente.
Descubre más en flos.com/sustainability
ALIMENTADA POR USB-C USB - C para recargarla.
BOTÓN TÁCTIL CAPACITIVO
Enciende y apaga la luz de forma sencilla la lámpara y atenúa la intensidad de la luz.
ADECUADA PARA SU USO EN EXTERIORES Certificación IP54.
Dejemos las cosas claras desde el principio — soy fotógrafo y no sé mucho sobre el mundo del diseño, pero, por alguna razón, una empresa tan reconocida como Flos me pidió que documentase su 60º aniversario, que celebraron este año durante la Milan Design Week. Las siguientes páginas son el diario de lo que oí, vi y a quién vi en Orobia 15 — un complejo postindustrial de 6000 metros cuadrados al sur de Milán que Flos ha transformado por completo en un centro multifuncional para dar charlas, talleres, música, libros, bebidas, comida y, por supuesto, ¡lámparas! Muchas lámparas.
Entre flores, Roberta Silva, CEO de Flos durante su discurso de apertura.2022 (desde los ojos y con las palabras de Piotr Niepsuj)
Está bien. Si he de ser sincero del todo, aunque no soy un aficionado al diseño, conozco las lámparas de Flos. Como lugareño milanés que soy (de hecho, no nací aquí, pero he vivido aquí lo bastante como para decir que lo soy), Ias he visto tantas veces en las casas de mis amigos que me he dado cuenta de que estas lámparas son... importantes (las he visto tantas veces que hasta me sé los nombres de algunas de ellas).
Cuando Flos se puso en contacto conmigo para realizar este reportaje, por un lado estaba un poco receloso y estresado (¿bastaba con conocer Arco, Parentesi y Toio?), pero, por otro lado, estaba emocionado y sentía curiosidad. Normalmente, huyo de la ciudad durante la Milan Design Week, ya que las multitudes pueden conmigo (al parecer, este año han llegado en masa unas 600 000 personas) pero, oye, ¿cómo iba a perderme esta gran oportunidad? Así que decidí quedarme los tres primeros días antes de que llegase todo el mundo, y aunque me perdí las charlas, talleres y la fiesta que hubo después, al menos tuve la ocasión de verlo todo sin demasiadas distracciones y de hablar con un montón de gente (¡simpática!) y de entender en qué consiste realmente Flos (“spoiler”: consiste en tradición, innovación, sostenibilidad y arduo trabajo) y qué hace falta para organizar un evento tan mastodóntico (otro “spoiler”: mucho tiempo, gente y trabajo duro).
Espero que nadie se sienta ofendido.
El evento recibió el nombre de «See the Stars again» (#seethestarsagain) y supongo que se referían a las lámparas, porque había tantas que realmente parecían estrellas de un cielo de verano. También Flos — ¿cómo puedo conseguir este modelito?
Arco — la estrella más importante de este evento (en la foto, junto con Giovanna Castiglioni)
El personal de Flos se refería a ella como «nuestro bebé». En mi opinión, era raro llamar bebé a una lámpara que tiene 60 años, pero oye, ¡ es una cosa de familia!
Cuando todo estaba a punto a dar inicio... empezó a llover.
Konstantin Grcic llevando por sombrero su icónica lámpara MayDay. Tras 20 años, ahora también está disponible la versión para exteriores de Mayday y, dado que pasó la prueba de fuego con la lluvia que cayó en la Milan Design Week, doy fe de que es totalmente impermeable.
Marcel Wanders y Gabriele Chiave buscan OVNIs. (en realidad, en la foto con Skynest, la nueva lámpara diseñada por el estudio).
El hombre detrás del diseño (Michael Anastassiades).
Nota al margen: Si yo fuese diseñador, esta sería «mi idea» de la lámpara (a la derecha) y «referencia» (a la izquierda). ¡Afortunadamente, no soy diseñador!
¡Por fortuna, Patricia Urquiola es diseñadora! Patricia Urquiola debajo de su lámpara Almendra, casi como si estuviese sentada debajo de un almendro.
Jay
Osgerby imagina un posado con Edward Barber, quien había pillado un atasco (¿o finge ser Arco?).
Momento muy exclusivo en el que Arco es sólo una línea recta.
Una fotografía muy exclusiva de Erwan Bouroullec cambiando la bombilla LED de Luce Orizzontale, diseñada por él y su hermano Ronan .
La multitud (en la página opuesta) frente al estadio (en esta página) iluminada por lámparas Oblique de Vincent Van Duysen.
¡Un pájaro DE VERDAD! Por algún motivo, alguien invitó a una familia de patos al evento.
Mi parte favorita de la exposición —luces diseñadas para no asustar a los animales. Me alegra descubrir que Flos piensa en todo el planeta.
Al diseño también le gustan los colores.
Y, por último, pero no por ello menos importante —la última lámpara en los 6000 metros cuadrados que no estaba diseñada por Flos. ¿Qué pasa, he encontrado un hueco en el mercado?
Ilustraciones de Sany
¿Qué To-Tie alcanza la meta más pronto? Ten en cuenta la rapidez, el tiempo y la velocidad. To-Tie de Guglielmo Poletti
Une los puntos y dibuja una Skynest.
Skynest de Marcel Wander Studio
Andrea Trimarchi y Simone Farresin de Formafantasma aplican su enfoque basado en la investigación a todos los aspectos del diseño, cuestionando su papel a través del prisma de la ecología, la historia, la política y la cultura. Su obra equilibra una estética bien considerada y minimalista con una constante atención a todos los aspectos de la práctica del diseño – a modo de ejemplo, sirva su lámpara suspendida WIRELINE para Flos, en la que el cable de alimentación se convierte en un guiño al diseño. Les preguntamos a Andrea y a Simone cómo viven y qué cosas les encantan. Fotografía de Olya Oleinic.
¿Qué es lo más preciado para vosotros? ¿Cómo trabajáis juntos?
El último libro que habéis leído.
¿Qué hacéis para relajaros?
¿De qué signos del zodiaco sois?
Si no fueseis seres humanos, ¿qué seríais?
¿Cómo empezáis el día? Dibujad vuestro utensilio favorito.
Contadnos algo que no hayáis hecho nunca. ¿Dónde os gustaría vivir?
Colaboradores
Mattia Balsamini ha fotografiado Arco K, un tributo a la lámpara de Achille & Pier Giacomo Castiglioni que cambió las reglas del juego, en el 60.º aniversario de su creación (cover)
Eugenio Cirmi ha entrevistado a tres creativos afincados en Nueva York, y les planteó preguntas sobre el color negro y por qué es importante en sus vidas y trabajo, con ocasión del lanzamiento de la lámpara Bellhop de Barber & Osgerby en negro mate (p.58)
El fotógrafo afincado en Berlín Volker Conradus inmortalizala la iluminación portátil de Vincent Van Duysen en el restaurante Lode & Stijn de la ciudad (p.100)
Para el n.º 6 de Flos Stories, la fotógrafa milanesa Ambra Crociani hace una sesión fotográfica inspirada en la nueva Bellhop Matte Black, en la que mezcla creativos de Nueva York, la naturaleza y objetos inanimados (p.58)
Stilema Studio ha trabajado con Ambra Crociani para crear una narrativa evocadora que da vida al nuevo Bellhop Matte Black (p.58)
Bea De Giacomo visitaal diseñador Guglielmo Poletti en su estudio de Milán, donde es testigo de sus actividades cotidianas y descubre To-Tie, su debut en el ámbito de la iluminación para Flos (p.18)
Brian W. Ferry es un fotógrafo afincado en Nueva York. Ha acudido al restaurante local Saga, donde ha fotografiado Gustave en un entorno sofisticado (p.100)
La escenógrafa Elena Mora crea composiciones esenciales para enmarcar Luce Orizzontale y Belt Fabric de Ronan & Erwan Bouroullec (p.80)
En junio, el fotógrafo afincado en Milán Piotr Niepsuj se metió de lleno en el mundo del diseño: documentando la instalación de Orobia de Flos durante el Fuorisalone, nos brinda un punto de vista único y encantador del evento y sus participantes (p.116)
La tecnología y la artesanía se funden en Skynest, de Marcel Wanders Studio, sabiamente fotografiada por Alessandro Oliva para destacar el diseño sencillo, a la vez que intrincado, de la lámpara (p.40)
La fotógrafa nacida en Barcelona pero afincada en la ciudad de México Pia Riverola, ha visitado Rosetta, donde captura a la lámpara portátil Gustave en el cautivador entorno del restaurante (p.100)
El ilustrador sueco Andreas Samuelsson recibe el encargo de contar la historia de la nueva 265, un clásico del diseño ahora disponible en un tamaño más pequeño (p.70)
El ilustrador y artista Samuel Nyhold, también conocido como Sany, está afincado en Estocolmo. Para este número, le pedimos que ideara algo para ofrecer al lector un poco de diversión y entretenimiento con las lámparas de Flos: To-Tie, Skynest, Bellhop Wall Up y Arco K (p.152)
Las imágenes del fotógrafo de interiores y arquitectura Federico Torra destacanla sencillez formal de las lámparas Luce Orizzontale y de la ganadora del Compasso d’Oro, Belt Fabric, de Ronan & Erwan Bouroullec. (p.80)
Idea y dirección creativa Apartamento Studios
Managing Editor
Rosa Bertoli
Diseño gráfico Apartamento Studios
Equipo de Flos
Barbara Corti
Rosaria Bernardi
Elisa Bodei
Silvia Delaini
Donatella Matteoni
Francesco Funari
Diletta Dincao
Traducciones
Equipo de Agiliz@ tu gestion
Agradecimientos
Pablo Amati
Ronan & Erwan Bouroullec
Paolo Brambilla
Fabio Calvi
Ángel Cánovas Celdrán
Gabriele Chiave
Jessi Frederic
James Kent
Serena Matarrese
Shereen Mohammad
Beverly Nguyen
Guglielmo Poletti
Olya Oleinic
Elena Reygadas
Paolo Rizzatto
Vincent Van Duysen
Lode van Zuylen and Stijn Remi
Impresión
Graficart, Treviso
Septiembre 2022
Arco K
A. & P. Castiglioni, 1962
Materiales: cristal, aluminio
Potencia: MAX 100W
Voltaje: 220-250V
Fuente luminosa: LED 11W 1060lm 2700K
265 Small Paolo Rizzatto, 2022
Material: steel
Potencia: MAX 75W
Voltaje: 220-250V
Fuente luminosa excluded: LED 11,5W E27 1100lm Available in: black, white, chromatica
Skynest S
Marcel Wanders, 2022
Materiales: nylon, fibra de vidrio, poliéster reciclado, LATAMID, aluminio lacado
Potencia: 78W
Voltaje: 100-240V
Fuente luminosa: LED 78W 6650lm 3500K CRI90
Available in: antracite, blue tomaline, almond, rojo teja
Luce Orizzontale
Ronan & Erwan Bouroullec, 2022
Materiales: vidrio, aluminio, acero, policarbonato, PMMA
Potencia: S1 100W / S2 145W / S3 165W
Voltaje: 100-240V
Fuente
Edward Barber & Jay Osgerby, 2022
Materiales: policarbonato, aluminio
Potencia: 17W
Voltaje: 220-240V
Fuente luminosa: LED 17W 1600lm 2700K CRI90
Available in: cioko, grey blue, gris, blanco, rojo teja, amarillo
Edward Barber & Jay Osgerby, 2022
Material: policarbonato
Potencia: 2.5W
Voltaje: IN 5V
Fuente luminosa excluida: 84 LED 2.5W 109lm 2700K CRI90 6/24 HORAS DE VIDA ÚTIL DE LA BATERÍA, RECARGABLE CON KIT MICRO-USB-C Disponible en: matte black
Materiales: vidrio de borosilicato, aluminio anodizado
Potencia: T1 & T2 7W / T3 10W
Voltaje: 24V
Fuente luminosa: T1 & T2 LED module 7W 350lm / T3 LED module 10W 515lm 2700K CRI 90
Disponibile en: anodized natural, anodized black
Gustave
Vincent Van Duysen, 2022Materiales: aluminio fundido, metacrilato
Potencia: hospitality 2.3W / residential 2.5W
Fuente luminosa: LED Array DC60 mA 221lm 2700K* / 235lm 3000K** CRI90 USB-C CONNECTION INTEGRATED / RECHARGEABLE BATTERIES
Disponible en: polished silver, matte anthracite, lacquered brown, titan blue, lacquered green, raw aluminium, matte white
Ronan & Erwan Bouroullec, 2022
Materiale: aluminio extruido revestido de tejido de poliéster reciclable, policarbonato opal
Potencia: 55.5W
Voltaje: 48V
Fuente luminosa: TOP LED 55.5W 1830lm UP 4000lm DOWN 2700K CRI95 CASAMBI DIMMABLE
Nuevo acabado en tela: olive green, copper brown
También disponible en piel: negro, verde, cuero natural
Para obtener más información visite flos.com
