la tekla magazine

Nota Editorial

A pesar de que el verano se prolongó m más frescos y algo lluviosos llegaron p agenda algo relajada en cuanto a evento Nos hemos dado sin embargo a la tare reseñas, artículos y ensayos, proyecto poesía, novela, teatro y algunas exposi siempre no solo el panorama local si proyectos más allá de nuestra ciudad y n

El tono final de la edición de este mes re lo inusual, que la psicología comúnm desconocido en relación con otras cult así decirlo universales, de donde se nutr el terror en el cine y otras manifestacion

colaboraciones Luca De´Aron kofi fosu forson Eduardo Gomez Carlos Olvera T. Virus Los Contrtistas David cano

Es también con ese mismo tono que l ocasiones a nivel cultural, como una experiencias lejanas o ajenas, que al m carácter efímero de las modas, nos reaf Será por ello que hoy que el mundo pare viejos ideales tienden a desvanecerse hacia otro momento en el tiempo, a vec a veces hacia adelante, en un intento p historia y lo que le depara al ser human los sueños del pasado y las más oscu ¿Cómo nos veremos a nosotros mismo desde el futuro?

más de lo usual este año, los días por fin, acompañados además una os y exposiciones. ea de traer a través de reportajes, os destacados en cuanto a arte, iciones, tomando en cuenta como ino también a los productores y nuestras fronteras.

escata las nociones de lo extraño y mente asocia con el temor a lo turas o modos de ver; miedos por ren el interés por lo sobrenatural y nes.

la estética del pasado retorna en visión fantasmal y misteriosa; de mismo tiempo que nos recuerdan el firman nuestra propia mortalidad. eciera acercarse a su fin y muchos e, sentimos la tentación de mirar ces atrás, a tiempos más simples; por predecir el curso que tomará la no. ¿Será el futuro una mezcla de uras predicciones apocalípticas? os, los seres humanos del 2011?,

IN THE EVENT OF

3 STEPS TO SURVI 1. Avoidance

1. Avoidance

2. Term

2. Termination

CARLOS OLVERA

OSTALGIA

BALAS EN LOS OJOS

Con Plomada y Nivel...

Generacional politics

F ZOMBIE ATACK

IVING INFESTATION

mination

3. Disposal

3. Disposal

El futuro del pasado y el museo de las cosas obsoletas.

Diseñando la Casa del Apocalipsis Zombie

Eduardo Gomez

Colectivo los Contratistas

Mi Regia Poesía

Lo Moustros que Somos

Perturbaron el Tiempo

Tolentino

LA TEKLA Cultura Independiente Convoca para su edición de Noviembre del 2011 a todos los involucrados en la producción artística, literaria, e interesados en la cultura en general, cualquiera que sea su origen, ocupación e idioma a participar con sus proyectos ya sean éstos ilustraciones, textos, reportajes, artículos, fotografías, stills de video, registros de proyecto u obra en sitio o cualquier otro proyecto que aplique para ser incluido en nuestro siguiente número.

La temática es libre, estando todos los proyectos sujetos a posterior revisión y selección por parte de la edición de la revista. Cada uno de ellos será revisado con detenimiento y posteriormente se recibirá un correo de confirmación de recibido del material que sea enviado, a más tardar tres días después de recibido. En caso de no recibir confirmación, favor de reenviar la propuesta.

Los textos o imágenes que no puedan ser incluidos en éste número serán tomados en cuenta para ediciones futuras.

Las propuestas se recibirán en formato Word de ser textos, o en formato JPG (MÁXIMO 4 megas en total por correo) En caso de que las imágenes sean seleccionadas se solicitará posteriormente éstas sean enviadas en alta resolución. Los proyectos enviados pueden así mismo corresponder a una imagen o un texto, o una serie de imágenes o textos , todos los cuales deben ser propiedad del autor y estar identificados con los datos que se enumeran a continuación para ser enviados antes de la fecha límite al correo: colaboracion@latekla.mx DATOS QUE DEBE INCLUIR LA PROPUESTA: 1. Nombre del autor 2. Título de la pieza o serie 3. Ciudad, país y año de nacimiento 4. Ocupación 5. Pagina web o blog si se cuenta con ella y un e-mail de contacto Cualquier duda o aclaración respecto a esta invitación favor de escribir a: contacto@latekla.mx FECHA LÍMITE PARA LA ENTREGA DEL MATERIAL PARA SER INCLUIDO EN LA EDICIÓN DE NOVIEMBRE: JUEVES 15 DE OCTUBRE.

i can make you a zombi Carlos Olvera

A

través de las redes sociales, llega hasta nosotros la convocatoria I can make you a zombi, de Carlos Olvera, la cual nos ofrece como espectadores, no solo apreciar o adquirir su trabajo, sino además participar en parte del proceso de su elaboración.

La base de la idea es enviar una imagen al artista, una fotografía de nuestra elección, la cual él posteriormente convertirá en un retrato nuestro, con la diferencia claro está, de que nuestra imagen como la conocemos será “contagiada” y nos habremos convertido en zombies.

Según palabras del artista, el proyecto surgió por el interés de “vender obra a gente que no fuera del tipo 'coleccionista serio', algo que fuera más accesible a la gente y que fuera totalmente personalizado”. Qué mejor medio para hablar de un fenómeno viral, contagioso y propagable que la misma web.

Usando su perfil de Facebook, Olvera invita a sus amigos a enviar sus fotos para ser zombificados.

El proyecto surge con una fotografía de su pareja, a la cual le realiza un retrato zombie.

Este tiene un éxito tal, que recibe al día siguiente de su aparición en la página del artista cerca de 70 notificaciones y múltiples pedidos de personas en la web queriendo adquirir un retrato similar.

Así las cosas, ya avanzada la pandemia y con muchos infectados nos encontramos con el proyecto, donde todos tenemos la posibilidad de convertirnos o convertir a un amigo. Quizás no a través de una mordida, tal vez a través de una simple notificación. Visita el proyecto de Carlos Olvera I can make you a zombi en Facebook y deléitate con más imágenes en este link: http://on.fb.me/pRheMU

Originario de Monterrey, Carlos Olvera es un artista joven, que sin embargo cuenta ya con una destacada carrera, exposiciones, reconocimientos y becas por parte de distintas instituciones.

Su producción está repleta de seres y objetos que parecieran descomponerse y derretirse, con una estética inspirada en lo mediático noventero, las caricaturas y la música de su infancia.

Charly, como lo conocen muchos, cuenta con una formación en artes visuales, pero también es músico y tatuador, elabora distintos proyectos paralelamente a su producción artística, logrando establecer conexiones y un diálogo entre distintas disciplinas o medios, algo que es corroborable para el mismo espectador o consumidor de su arte.

Para todos aquellos interesados en conocer más sobre la obra de este singular artista o que de plano quieran aventarse a llevar el arte en su propia piel, pueden hacer clic en: carlosolvera.tumblr.com o enviarle un correo a: thisiscarlosolvera@gmail.com

Piezas de la serie: "I CAN MAKE YOU A ZOMBI� de Carlos Olvera

Ostalgia En el New Museum de Nueva York

Esta exposición toma su título de la palabra alemana ostalgie , un término que surgió en la década de 1990 para describir una sensación de añoranza y nostalgia por la era antes de la caída del bloque comunista.

Hace veinte años, después de la caída del Muro de Berlín, un proceso de disolución condujo a la desintegración de la Unión Soviética y muchos otros países que se habían unido bajo gobiernos comunistas. De las repúblicas del Báltico a los Balcanes, de Europa Central a Asia Central, regiones y naciones enteras se reconfiguraron, reescribieron sus constituciones, y redibujaron sus fronteras.

"Ostalgia" busca en el arte producido en y alrededor de algunos de estos países, muchos de los cuales no existían formalmente hace dos décadas. Mezcla de confesiones privadas y traumas colectivos, la exposición traza un paisaje psicológico en el cual los individuos y las sociedades en su conjunto deben negociar nuevas relaciones con la historia, la geografía y la ideología.

"Ostalgia" reúne el trabajo de más de cincuenta artistas procedentes de veinte países de Europa del Este y las antiguas repúblicas soviéticas. Muchas de las obras ofrecen una serie de reportajes sobre aspectos de la vida y el arte bajo el comunismo y en los nuevos países post-soviéticos. La exposición presta especial atención al lugar único que el artista llegó a ocupar en los países socialistas, donde actuaba simultáneamente como paria, visionario, y testigo. A diferencia de un estudio geográfico convencional, la

exposición incluye obras producidas por artistas europeos occidentales que se han enfrentado con la realidad y el mito del este. Algunas de las preocupaciones que unen a los artistas de "Ostalgia" son una creencia romántica en el poder del arte como agente transformador, casi curativo, una obsesión con el lenguaje, la concepción de una nueva estética del cuerpo, la fascinación por las ruinas de la historia, representada por los monumentos y vestigios arquitectónicos, y la comprensión de obras de arte como una forma de documental sentimental que media entre las presiones culturales y las ansiedades individuales.

Una combinación de artistas establecidos y de artistas más jóvenes ", Ostalgia" no sigue una perspectiva cronológica, estableciendo en cambio una serie de diálogos entre las distintas generaciones y geografías.

En zigzag a través de lejanos paisajes culturales, la exposición expone las prácticas locales de vanguardia y pone de relieve las prácticas de las afinidades internacionales, lo que indirectamente cuestiona la centralidad de los paradigmas de la historia del arte occidental.

"Ostalgia" está comisariada por Massimiliano Gioni, Director Asociado y Director de Exposiciones, con Jarrett Gregory, curadora asistente y se expone en el New Museum de Nueva York hasta el 2 de Octubre del 2011. www.newmuseum.org/exhibitions/440#images_panel

Andrei Monastyrski, Slogan,

Andrei Monastyrski, quien representó a Rusia en la Bienal de Venecia 2011, instaló para la exposición una pancarta en Governors Island, en el lado frente a la Estatua de la Libertad, con un texto que habla en la voz de un extraño , quien podría ser un inmigrante: "No me quejo de nada y casi me gusta estar aquí, aunque nunca he estado aquí antes y no se nada acerca de este lugar."

1977, at Governors Island, New York, 2011. Photo: Naho Kubota

de gabriel rodríguez liceaga Por Edith Espinoza.

“Balas en los ojos. Historia de un suicidio”, escrita por Gabriel Rodríguez Liceaga es presentada como una comedia de humor negro, aunque a decir de su autor es más bien “una novela tristona”. Ciertamente algunos de los pasajes en el relato evocan la risa, pero más que burlona, sardónica.

La narrativa de Rodríguez Liceaga, mediante la miseria de sus personajes, acerca peligrosamente al lector a su propia mediocridad y como respuesta, este se ríe para no llorar ante el ejercicio de patetismo mostrado en la historia del libro, reflejo de su propia vida. Describiendo la aparente comedia de la obra, el escritor comenta que, si existe, es un humor como el de “escupirle por accidente a un vagabundo dormido en la banqueta”.

“Balas en los ojos…” presenta a Genaro, un hombre que tras la muerte de su madre -una pintora frustrada- se empeña en buscar algún cuadro restante de aquellos que ella pintara, aunque ni él mismo sepa para que quiere encontrarlo. Al mismo tiempo narra la vida de lo que queda de la familia: el padre, que se pasa los días “añorando guerras en las que no participó”, su hermana embarazada y Hugo, el perro violado.

La novela tiene un ritmo de rápida lectura que intercala en la narración los pensamientos, recuerdos y los extraños sueños que tiene Genaro. Gabriel describe el tema de la misma como “la mediocre búsqueda del origen” de uno. Hurga en la infancia del protagonista, quien describe las vergüenzas, traumas y odios que construyeron la mediocridad de su ser.

Gabriel Rodríguez Liceaga nació en 1981, es originario del barrio de Tepito, cosa que curiosamente todos recuerdan mencionar. Al respecto él agrega: “A la gente le entusiasman las historias de supervivencia. La verdad es que nací allá, crecí allá y luego mi padre nos sacó cuando la violencia se volvió insostenible. Le tengo mucho cariño al barrio”

Anteriormente había publicado en 2008 el libro de cuentos “El demonio perfecto” de la Editorial Benemérita Universidad Autónoma de Puebla.

“Balas en los ojos. Historia de un suicidio” de Ediciones B es su primer novela, ya disponible en librerías.

Con respecto a sus planes, y aunque su novela acaba de publicase, el escritor ya prepara proyectos futuros.

Sobre el tema comparte: “Ahora mismo ando esperando dictámenes editoriales de mi segundo tomo de cuentos, intitulado "Camaroncito de M aruchan" y en enero renunciaré a mi empleo para poder planear una segunda novela que, Dios mediante, tratará sobre el rencor” Aunque asegura que son dos cosas completamente distintas, también escribe el blog “No estoy borracho” donde la novela ha tenido una excelente acogida de parte de los visitantes, quienes han pasado de ser seguidores a ser lectores del autor. “Eso está chidísimo, porque realmente no entiendo qué lleva a la gente a hacer algo así. Como dice mi maestro Borja 'lo primero que todo escritor tiene que hacer es conseguir un grupo de lectores' un lector es más fiel que un perro o una mujer enamorada”, comenta.

Si bien, “Balas en los ojos…” es el trabajo de un escritor en crecimiento, está llena de frases cuya construcción invita al lector a habitarlas. Así mismo sus personajes se desarrollan en una antipatía que hace que uno desee apedrearlos en ciertos momentos, sin darnos cuenta que es nuestra “cadena de tristezas” la que está siendo descrita.

Con Plomada y Nivel.

El arte de Los contratistas.

Por Edith Espinoza.

Aunque trabajan con todo tipo de materiales, prefieren el acrílico a la lata, la pared a un lienzo y por la cantidad de madera que hay en su taller, más que artistas, parecen carpinteros. “Cuando vamos por la calle, al lugar en el que trabajaremos, la impresión que damos al ir con escalera en mano, pintura, cintas adhesivas, madera, nivel…es más parecida a la de un albañil que a un artista”. De ese símil y con profunda admiración al oficio de la albañilería adoptan el nombre “Los contratistas”.

Propiamente como “Los contratistas”, Fidencio Constantino, Screw e Isauro comenzaron a trabajar desde el 2008 y aunque oficialmente solo ellos conforman el colectivo, constantemente realizan colaboraciones o trabajos grupales con otros artistas callejeros de la ciudad.

Confiesan que prefieren trabajar en la calle a crear obras más convencionales para ser expuestas en museos y galerías. Mediante la intervención de locales abandonados, ruinas, tejabanes y bardas reclaman espacios destinados al olvido y los transforman en obras que se apreciarán en el recorrido diario de cientos de personas.

Su estilo visual está muy influenciado por sus conocimientos en

arquitectura, a la cual se dedican formalmente. Así mismo, logran escapar del estigma “delincuente” que muchas veces cargan los artistas callejeros porque su metodología de trabajo y los materiales que utilizan distan mucho de ser una simple lata.

Además de la pintura como tal, sobresale su trabajo de instalación con madera.

Al respecto comentan: “La madera tiene una propiedad muy orgánica que nos agrada.

Aparte de servir como soporte y lienzo, tiene una maleabilidad especial que nos permite jugar con ella de muchas formas. Nos gusta trabajar con muchas diferentes texturas y eso es algo que aporta la madera.”

Su labor de rescate no se limita a los lugares en los que trabajan. Gracias a la inusitada cantidad de madera que utilizan en sus creaciones, continuamente se encuentran recolectando piezas que han sido tiradas a la basura o tablas abandonadas en talleres. Reutilizan lugares, lienzo y materiales, de esta manera gran parte de sus piezas tiene un fuerte carácter de reciclaje.

A pesar del sentimiento callejero que predomina en su obra, no les han faltado invitaciones a exposiciones más formales. Aparte de Monterrey y el área metropolitana han expuesto en galerías de Sinaloa, Baja California y el DF, entre ellas una en el aeropuerto de Monterrey en marzo del 2009 y “Concreto 2”, en el DF en octubre del mismo año.

Próximamente participarán en otra galería en el DF del 23 de septiembre al 26 de octubre junto a Jaime Martínez con su exposición “Ciencias sobrenaturales”. También han trabajado en espacios privados como restaurantes, galerías, cafés y locales comerciales.

Muchas de sus creaciones se alzan en lugares que la ciudad había olvidado y aunque gran parte de ellas podrían considerarse abstractas, su ubicación y los materiales de las que están compuestas las dota de un fuerte significado de rescate. Su obra impacta, más que por el cómo o el con qué, por el reclamo de lo ha sido abandonado.

VANESSA BEECROFT, VB67.007.RK, 2010-2011, C-print with Dias

sec, 177,8x229,3 cm - 70x90 inches

Generational Politics: The Punktitude of Pussy Posing Kofi Fosu Forson

We are not let to believe that young boys in the 1920's snuck out of their parent's homes and went to get laid. The theory of the CAVE MAN is more relevant:- that we BASH we BREAK we TAKE. No se se nos permite creer que los muchachos jóvenes de la década de 1920 escapaban de la casa de sus padres para irse a tener sexo. La teoría del HOMBRE DE LAS CAVERNAS es más relevante: - que nosotros ATACAMOS nosotros ROMPEMOS nosotros TOMAMOS. Seemingly the 1950's would suggest a reckless behavior from the setting of the nuclear family whether it'd be a hummed and reclusive drug culture or pronounced race baiting.

This was the era where young and old reached a divisibly and decisivesly blatant seperation.

Movies like Rebel without A Cause and icons such as James Dean would represent what was the politics of the day separate from presedential politics setting trends between youth culture and parenting probabilities.

Al parecer, la década de 1950 sugerirá una actitud temeraria desde la configuración de la familia nuclear ya fuera esta una secreta y solitaria cultura de drogas o de una pronunciada intimidación racial. Esta fue la época en la que jóvenes y viejos llegaron a una divisible decisiva y evidente separación. Películas como Rebelde sin causa e íconos como James Dean representa-

rían lo que fue la política del día separada de la política presidencial, marcando tendencia entre la cultura juvenil y las posibilidades de la paternidad.

Pronouncedly the areas where youth met mature or old was radio and television as in man landing on the moon or JFK getting shot, entertainment and topical news represented what outrageously brought children together with their parents. Outside of that, music was the one potential to form a difference from youth culture and what was more relevant to adults. At times this met a melting point. For example I discovered jazz by listening to my father's records. Miles Davis and Ornette Coleman became important to me because of my father. And yet there were means of tension as some of these jazz records were not to my liking and seemingly defined him more than did me, Stanley Turrentine and Quincy Jones among others.

Pronunciadamente las áreas donde los jóvenes encontraron la madurez o edad fue en la radio y la televisión, como en la llegada del hombre a la luna o JFK siendo asesinado, el entretenimiento y noticias de actualidad representaron lo que de manera inaudita reunió a padres e hijos. Fuera de eso, la música fue el potencial para formar una diferencia entre la cultura juvenil y lo que era más relevante para los adultos. A veces, esto conoció un punto de fusión. Por ejemplo, yo

descubrí el jazz escuchando discos de mi padre.

Miles Davis y Ornette Coleman se convirtieron en importantes para mí debido a mi padre. Y sin embargo, fueron punto de tensión ya que algunos de estos discos de jazz no eran de mi gusto y aparentemente lo definieron más a él que a mi, Stanley Turrentine y Quincy Jones, entre otros.

The WOODSTOCK era would then elevate that contension of youth. Whereas this defined the hippie culture it further expressed that notion of youth and freedom. The British Invasion, the Beatles and rock and roll had already established this.

La era de Woodstock acrecentaría la disputa de la juventud. Mientras esto definió la cultura hippie además expresó esa noción de juventud y libertad. La invasión británica, los Beatles y el rock and roll ya habían establecido esto.

Generational Politics of today is understandable as the fusion of world and internet politics has established where we are today.

What is life as a young person is totally removed from an adult in the day to day because the circumstances surrounding children is influenced by so much more unlike the 50's or 60's. The movie KIDS was able to portray the nature of a child. It has yet to be equaled although foreign films succeed at giving a voice to youth culture.

Las políticas generacionales de hoy son comprensibles, ya que la fusión de la política mundial y de Internet ha establecido donde estamos hoy. Lo qué es la vida como una persona joven es totalmente ajeno a un adulto en el día a día debido que las circunstancias que rodean a los chicos están influenciadas por mucho más, a diferencia de en los años 50 o 60. La película KIDS fue capaz de describir la naturaleza de un chico. Aún tiene que ser igualado aunque el cine extranjero ha tenido éxito en dar una voz a la cultura juvenil.

Movies from earlier on celebrated youth in an honest way. 1980's BREAKFAST CLUB movies were true to nature although the sex comedies as a trend has lead to what I call the "White Boy" movies of today which demeans the original humor. Harry Potter can be said to have heightened the notion of entertainment for youth but at the same time it is not giving a voice to young men and women as to how they live and talk. Somehow these fantasy movies continue to be made and they fail to represent the youth of today.

Películas de mucho antes celebraron la juventud de una manera honesta. Filmes de los 1980´s como Breakfast Club fueron fieles a la naturaleza a pesar de que las comedias de sexo como una tendencia dieron lugar a lo que yo llamo las “White Boy Movies” de hoy, que degradaron el humor original.

Se puede decir que Harry Potter ha puesto en relieve el concepto de entretenimiento para los jóvenes, pero al mismo tiempo, no está dando una voz a los hombres y mujeres jóvenes en cuanto a la forma en estos viven y hablan. De alguna manera estas películas de fantasía se siguen realizando y fracasan en representar a la juventud de hoy.

While mature men and women continue to watch CNN and worry about gender issues, young men and women live a life outside of this. FASHION, SEX and MUSIC are areas where the elements of both come together in marketing and campaigns to sell commercial products for the sake of a dollar.

Mientras que los hombres y mujeres maduros siguen viendo CNN y preocupándose por cuestiones de género, hombres y mujeres jóvenes viven una vida fuera de esto. MODA, SEXO y MÚSICA son áreas en las que los elementos de ambos se unen en campañas y marketing para vender productos comerciales por el bien de un dólar.

Otherwise there will continue to be limits between what is young and what is old. This as a conscientious world has been dimmed enough to allow for little introspection furthering a higher cause for internet sex, technology issues and money management.

Por lo demás, seguirán existiendo límites entre lo que es joven y lo que es viejo. Esto ya que un mundo de conciencia ha sido atenuado lo suficiente como para permitir una mínima introspección que persiga una causa más allá del sexo en Internet, las cuestiones de tecnología y de administración del dinero.

The understanding of who we are, where we come from and where we are going somehow is not important any more.

La comprensión de quiénes somos, de dónde venimos y hacia dónde vamos de alguna manera ya no es importante.

Kofi Fosu Forson, New York, 2011.

Kofi Forson is an artist, performer, writer, philosopher and director living in NYC. He colaborates with Whitehot Magazine, an international art magazine: www.whitehotmagazine.com You can also read more of his work on his blog: BLACK COCTEAU where he writes about philosophy and art on modern culture.

Kofi Forson es un artista, actor, escritor y filósofo que vive en Nueva York. Colabora con la revista Whitehot, una revista internacional de arte: www.whitehotmagazine.com Puedes leer más de su trabajo en su blog: BLACK COCTEAU donde escribe acerca de la filosofía y el arte en la cultura moderna.

Orchestra www.perrotin.com

Paris

Orchestra

Sept. 10 - Nov.12, 2011

la Galeria Perrotin de Paris nos presenta la obra de Xavier Veilhan que es un artista multidisciplinario poseedor de un universo artístico muy personal, habitado por una heterodoxa gama de personajes, objetos y animales. A través de juguetes sobredimensionados o artilugios con cierto aire infantil, el componente lúdico aparece como elemento fundamental para acercarse a una realidad poblada de símbolos, metáforas y otras ambigüedades semánticas.

México Estructuras y Fragmentos Sept. 09 - Oct. 23, 2011 La galería Enrique Guerrero tiene el gusto de presentar la exposición individual de Quirarte + Ornelas, con piezas que abarcan pintura (óleo y acuarela), dibujo (tinta) y objetos. compartiendo con nosotros un proyecto que se enfoca en los objetos que forman parte de su proceso de investigación y producción, en el que desvinculan de su función utilitaria tomándolos como material de trabajo.

México RON MUECK / HIPERREA

El museo de San Ildefonso nos presen distinguido en el ámbito del arte contempo deslumbrante realismo que caracterizan figurativa como un recurso con el que, re modelos según lo requiera el tema, logra exposición nos presenta esculturas elab como silicón, fibra de vidrio y acrílico que explota su dominio de la anatomía y su inmutables, exclamaciones así como reflex artificio, entre lo revelado y lo oculto, e ausencia.

Con obras de proporciones poco convenci emociones con relación al cuerpo, resaltan pigmentación de la piel, la más sutil de faciales, que sin dificultad crean de inmedia

ALISMO DE ALTO IMPACTO

nta la exposición del artista Ron Mueck, oráneo por la fascinante verosimilitud y el n sus obras. Explora la representación educiendo o aumentando la escala de sus a imprimir vida a sus creaciones. En esta boradas en técnica mixta con materiales el artista realizó del 2000 al 2009. Mueck u talento para detonar, ante estos seres xiones sobre el límite entre la realidad y el el vínculo palpable que une presencia y

ionales, busca recrear la magnitud de las ndo los más minuciosos detalles, desde la las arrugas, los vellos y las expresiones ato un vínculo con una “realidad”.

Berlín

Asia: LOOKING SOUTH

Sept. 09 - Oct. 27, 2011

La galería ARNDT presenta la exposición "ASIA: Mirando al Sur" que cuenta con obras de ocho artistas de Indonesia, Filipinas, Singapur y Tailandia, mostrándonos un estudio concienzudo del arte tradicional y contemporáneo del sudeste asiático. La gran variedad de estilos artísticos, cada uno enraizado en la historia de su región y sobre la base del insondables depósitos de las artes tradicionales, que son simplemente abrumadoras.

Nueva York POP OBJECTS AND ICONS

Sept. 30,011–Feb. 8,012

El Museo Guggenheim presenta "Pop Objetos e Iconos de la Colección Guggenheim". El movimiento del arte pop estadounidense despegó por primera vez en Europa a finales de 1950, después de encontrar el apoyo de críticos, tales como Guggenheim y el curador Lawrence Alloway.

Alentado por la vitalidad de la economía y la cultura consumista tras la Segunda Guerra Mundial, artistas como Roy Lichtenstein, Claes Oldenburg y Andy Warhol exploraron el mundo de la imagen de la cultura popular y se inspiraron en anuncios, revistas, vallas publicitarias, películas, televisión y cómic. Esta exposición se centró en los artistas que tenian el compromiso con el arte pop y el interés permanente del Guggenheim en el legado del estilo.

El futuro del pasado y el museo de las cosas obsoletas.

Lorena Flores

Merodeando por la web me topo con un link en youtube de un pequeño proyecto de diseño llamado El museo de las cosas obsoletas, el MOOJVM: www.youtube.com/mooojvm

Un museo virtual dedicado a objetos considerados obsoletos tanto por el desuso, como por su sustitución a través del tiempo por objetos más eficientes tecnológicamente hablando.

Es así como a través de una pequeña animación en flash y una estética inspirada en los días de la infancia del diseño vemos desfilar objetos como el fonógrafo, el radio, el teléfono o la máquina de escribir. Lo que hace la situación un tanto enrarecida atractiva e interesante además del diseño retro es no solo que se trata de objetos que alguna vez utilizamos, lo cual siempre es

raro ya que de la mano del recuerdo de la imagen icónica de un antiguo teléfono o radio van recuerdos personales, generalmente. En el caso de nunca haber utilizado alguno, hay otra sensación: la de ser ajeno a ese tiempo y estar viendo pertenencias de seres que no existen o parecieran ser de otro planeta.

La monótona voz robótica de una mujer describiendo cada objeto y un par de manos sin rostro intervienen en una serie de videos para cada uno de estos objetos tecnológicos caducos y hacen la experiencia aún más fría y distante.

En ese momento decido que quiero escribir sobre la idea de un museo de cosas obsoletas, me imagino incluso a cada persona abriendo su propio museo con objetos de su propia colección. Sería bastante normal que muchas personas incluso ya lo hagan de algún modo, sobre todo en estos momentos en que el pasado está, paradójicamente más presente que el mismo presente, o incluso que el futuro. Esto sobre todo en la iconografía, el diseño, el arte, la publicidad, el cine y la moda contemporáneas. Así que decido que iniciaré hablando de eso pero hablaré de mucho más.

La influencia de la estética retro ha movido tanto a investigadores y teóricos alrededor del mundo durante los últimos treinta años a realizar una aproximación a este continuo interés por el pasado y por cierto tipo de imágenes e iconografía que algunos dicen contribuye a la configuración de nuestra realidad hoy en día y que otros ven incluso como un síntoma de algo mayor.

Todo esto ha representado según los estudiosos cambios a nivel cultural y social que han ido de la mano de lo que pareciera ser una desilusión de lo real, del presente, y una continua vuelta nostálgica hacia atrás, nuestro pasado inmediato.

Cómo es que hemos pasado de hablar de una estética “retro” en el arte o el diseño, a verlo cada vez más y más presente en los objetos de consumo de nuestra vida cotidiana es una tendencia más antigua de lo que parece.

Desde los 60´s, el Pop Art trazó el camino para los artistas de hoy al hacer difusa la

línea entre el llamado arte de la alta cultura y la cultura popular. Es importante recordar que el Pop Art se caracterizó por voltear a ver fenómenos e imágenes de la vida cotidiana, simples empaques de alimentos, fotografías de estrellas de cine en revistas, para incorporarlos en el arte.

Hoy, la cultura popular de nuestro tiempo y el ajeno, el que no nos tocó ver, sirven al mismo tiempo de referencia a los artistas y diseñadores contemporáneos. Esto se refleja no solo en el arte sino en la publicidad, la moda y la música. Empaques de productos inspirados en viejos diseños de los 50´s y 60´s, sonidos y prendas que retoman los valores de la estética cincuentera, u ochentera, Pareciera de pronto que nos encontramos en una realidad extraña y atemporal, donde la actualidad no parece tener un estilo o una imagen definida, todo lo que vemos parece familiar pero extraño a la vez. Los padres y abuelos ven a sus hijos escuchando música con la que a ellos les tocó crecer, las niñas asaltan el ropero

de la abuela, el coleccionismo crece y se convierte en una actividad común, donde cada ciudadano puede conectarse a e-bay y comenzar como antropólogo o historiador aficionado. El pasado es sometido a una continua disección, donde inclusive lo que no se apreció en el momento que surgió, tiene más valor y encuentra su lugar ahora.

Pero más allá de ser una simple nostalgia, o anhelo de revivir los “viejos tiempos”, ¿existen motivaciones más profundas dentro de estas manifestaciones? Muchos se preguntan si es una simple ocurrencia o incluso si está obsesión por el pasado no responde a una cierta crisis de originalidad o incapacidad para generar nuevas propuestas.

Muchos músicos y productores visuales parten de premisas e ideas que tienen su origen en el arte contemporáneo y el trabajo de ciertos teóricos de la posmodernidad. Umberto Eco, Lyotard o Jean Baudrillard han hablado acerca de lo retro como una desmitificación del pasado, un cuestionamiento de los valores y preceptos que se tenían no solo por ciertos sino como incuestionables en las sociedades civilizadas desde la época de la ilustración y la revolución industrial. Académicos e investigadores como Isabel Guffey, en los Estados Unidos coinciden al creer que el término cuestiona la idea misma de modernidad, donde la búsqueda constante de progreso era el principal motor de las sociedades industrializadas. Lo que esto podría llegar a significar es que el clavado

"La melancol铆a es la calidad inherente del modo de la desaparici贸n del sentido .... Y todos somos melanc贸licos"

en la historia y la iconografía antiguas no son un acto pasivo o de mero plagio. La cuestión aquí es que en el arte contemporáneo la apropiación es algo común desde principios de siglo, no solo desde los dadaístas y Duchamp, el mismo Picasso estaba familiarizado con este término. Es tan así que las mismas vanguardias artísticas se “nutrían” de sus antecesoras y a su vez servían de base para sus sucesoras.

Es importante además que cada una de las vanguardias artísticas del siglo XX a pesar de todo tenían aún presente este afán por la originalidad en el arte, aún hasta mediados del siglo XX. Todos los “ismos” impresionismo, expresionismo, surrealismo, dadaísmo etc, van a tener en común con los movimientos políticos como el socialismo, comunismo y capitalismo esta misma búsqueda por superar lo que el antiguo régimen o movimiento artístico habían trazado.

Fueron este afán de progreso, esta búsqueda, esta sed o necesidad de originalidad las que dejaron de tener sentido. De ello va a hablar Baudrillard al mencionar una crisis cultural de la modernidad. Los movimientos políticos fracasaron, las guerras y la violencia se sucedieron igual que un régimen tras otro.

Todos cada uno con la promesa de una realidad mejor que la anterior. Algunos creen que nuestra nostalgia es la nostalgia por esa época, esa parte de la modernidad donde esos ideales y posibilidades estaban aún en la mente de las personas, se habla incluso de un cierto tipo de ingenuidad. Los artistas contemporáneos están conscientes de ello pero su mirada hacia atrás no es definitivamente la del viejo que recuerda anhelante los tiempos en que fue joven y las cosas eran mejores. Podría decirse que la mirada del arte

contemporáneo hacia el pasado es más fría y con más ironía. Es más una crítica y un cuestionamiento hacia lo que queda de la modernidad.

Lo cierto es que lo retro, como menciona Guffey es digno al menos de un análisis corto, pues reta de algún modo los puntos de vista positivistas que se tienen acerca de la tecnología, la industria y, sobre todo, de la misma idea de progreso que nos heredó la modernidad. En palabras de la autora lo retro es “en parte irónico, en parte un anhelo, no se molesta con la tradición y con tratar de reforzar los valores sociales. Por el contrario, a menudo sugiere una forma de subversión, así como esquivar la precisión histórica”.

Por otro lado Baudrillard pinta un panorama un poco más sombrío de nuestra condición actual, con el argumento de que hemos perdido el contacto con lo "real" de varias maneras, de tal modo que no nos queda nada sino una continua fascinación con su desaparición.

La visión de Baudrillard es una de supremo nihilismo y melancolía: "La melancolía es la calidad inherente del modo de la desaparición del sentido .... Y todos somos melancólicos" En "Historia: un escenario Retro" menciona:"La historia es nuestra referencia pérdida, es decir, nuestro mito. El gran acontecimiento de este período, el gran trauma, es esta caída de los referenciales fuertes, estos dolores de la muerte de lo real y de lo racional que se abren a la era de la simulación".

"Flying Nightmare" 2011 Digital, de la serie "De Sueños y Pesadillas"

EDUARDO GÓMEZ

“Cinema Dream (or the climax)" 2011 Digital, De la serie "De sueĂąos y pesadillas"

"Bluish Fuckness" 2009 Digital

Obra realizada con el apoyo FONECA 2009 J贸venes Creadores Fotograf铆a con el proyecto "Dispar

ro de Compras"

Eduardo Gómez es egresado de la Universidad Autónoma de Nuevo León y de la escuela de Teatro FFyL UANL. Su trabajo se ha expuesto individualmente en “La Miscelánea” y “Disparo de Compras”, (FONECA 2009, Jovenes Creadores, Fotografía) en la Galería de CONARTE, y en exposiciones colectivas en el Centro Nacional de las Artes, la Casa de la Cultura de Nuevo León, CCF1116, entre otros. Su trabajo aparece así mismo publicado en "Los Spontaneous Fakers" (2008) y "FACES, Gente que se Atreve a Jugar" (2011).

Su producción destaca por el uso lúdico de los elementos de la fotografía, el cine y el teatro para hacer de la fantasía el medio para describir frustraciones e intensidades humanas. A través de un espontaneo pero a la vez complejo trabajo con la figura humana, las emociones, así como con escenarios y situaciones específicos, el artista busca crear una atmosfera que refleje momentos de tensión y enfrentamiento, exploración y aceptación a la extroversión.

Su obra más reciente está influenciada por elementos plásticos como la pintura, así como por el arte dramático, contando con instalaciones fotográficas enteramente expresivas, dentro de un campo multidisciplinario.

Para conocer más sobre su trabajo visita su fan page en Facebook:

www.facebook.com/EduardoGomezFotografia

“FACES, Gente que se Atreve a Jugar”,, 2011 Digital

“Fashion is a form of ugliness so intolerable that we have to alter it every six monts�

Oscar Wilde

Perturbaron el tiempo.

“Rocky Horror.

El musical” Por Edith Espinoza.

“The Rocky-Horror Picture Show” es una película de 1975 dirigida por Jim Sharman.

Tanto la fotografía e historia de la película remiten a la psicotronía de las películas de ciencia ficción y horror de bajo presupuesto.

Tras su lanzamiento y posterior exhibición en las barras nocturnas de televisión, el gusto del público la convirtió en una película de culto. El largometraje está basado en el musical de 1973 “The Rocky-Horror Show” escrito por Richard O'Brien, quien también colaboró en el guión de la película.

Los pasados 10-12 de septiembre Telón Producciones presentó en el Teatro Municipal Sara García una adaptación de la película a la que simplemente llamaron “Rocky Horror. El musical”.

La historia cuenta cómo los enamorados Brad y Janet van a buscar a su viejo amigo y antiguo profesor, el Dr. Everett V. Scott, en el camino se les avería una rueda del coche por lo que van a pedir ayuda a un castillo que han visto. Allí los recibe un mayordomo y los transilvanos que celebran La Convención Anual Transilvana.

Después se presenta el Dr. Frank-N-Furter quien ha creando una criatura para satisfacer sus necesidades sexuales.

La adaptación regiomontana, dirigida por Elton Fernández se destacó por presentarse con todas las canciones de la obra ejecutadas por una banda en vivo, liderada por Zammy Kenner. Así mismo porque la traducción de las mismas se realizó de tal manera que se respetó la intención de las letras en la versión original. Destacaron “Ciencia Ficción” y “Perturbemos el tiempo” interpretadas al inició de la obra. De igual forma, las coreografías, que fueron montadas por

Bernardo Juárez se mostraron similares a las de la versión cinematográfica y realizadas de modo limpio, enérgico y con excelente ejecución.

Si bien en la puesta en escena del lunes 12 hubo varios errores (diálogos perdidos, caídas épicas y escenas saltadas) el elenco subo sobrellevarlas con buen humor, improvisación y comedia involuntaria.

Aunque el montaje estuvo lleno de chistes locales y regionalismos, se respetó la intención de la película. Quizá “Rocky Horror. El musical” no es la quintaesencia del arte dramatúrgico, pero sobresale entre las comedias regias por el transfondo de la historia escrita por O'Brien y la buena “mexicanización” de la misma.

La obra volverá a presentarse los días 29, 30 y 31 de octubre en el Teatro Municipal Sara García, en Guadalupe.

Diseñando la casa del apocalipsis zombie T. Virus

Un momento sin ubicar en el futuro, un mundo postapocalíptico donde una extraña epidemia que aparentemente surgió de la nada convirtió a todos a tu alrededor: amigos, vecinos, compañeros de trabajo, en zombies sin alma que se alimentarán de ti sin dudarlo, entrarán a tu casa rompiendo puertas y ventanas y si no estás lo suficientemente preparado te arrastrarán para convertirte en uno de ellos. ¿existe la posibilidad de vivir en el futuro un apocalipsis zombie? Nadie lo sabe con seguridad pero si fuera así, ¿cómo te las arreglarías para ser uno de los supervivientes? ¿construirías quizás un refugio a prueba de muertos vivientes con altos muros impenetrables? ¿tal vez uno con una torre desde donde disfrutar la vista de descerebrados cayendo presa de trampas que tú mismo previamente has diseñado?

No es algo que muchos no hayan pensado.

Todos los años architecs southwest, una agencia de arquitectura en los angeles auspicia el concurso de arquitectura zombie safe house, un certamen abierto no solo a diseñadores y

arquitectos, sino al público en general. Inspirado en el fenómeno zombie y el interés generado por eventos como zomb-con y las marchas zombies, architects southwest ha creado este espacio para que cada diseñador elabore su visión personal de cómo debería o podría construirse un refugio antizombies que permitiera asegurar nuestra supervivencia, así como de ser posible la de otros suertudos elegidos que se encontrarán cerca de nosotros en ese momento apocalíptico.

Algunos de las preguntas en base a las cuales construir un refugio zombie: ¿cuánta gente albergará? ¿cómo obtendrás recursos, energía y alimentos? ¿cómo estarán diseñados el acceso y salidas de emergencia en caso de una intrusión zombie? ¿cuánto tiempo permitiría tu plan vivir en el refugio?

Los premios incluyen pases a zomb-con, así como boletos de avión incluidos y hospedaje en hotel para asistir al evento, un premio no muy atractivo quizás para algunos, pero sí para todos los fans de los no-vivos.

Así que si quieres ganar la pala de oro, el machete de plata o el garrote ensangrentado que corresponden al primero segundo y tercer lugar, la convocatoria abre cada mes de septiembre. Sí, tristemente ya ha cerrado, pero por lo pronto te mostramos un ejemplo de los ganadores anteriores para que juzgues por ti mismo si a ti se te ocurriría una mejor idea y el año que viene te vayas a los angeles al zomb-con, lo más cercano por ahora que tendrás de ver muertos vivientes en vivo y a todo color.

www.zombiesafehouse.wordpress.com/rules-program/

Colectivo Los Contratistas

MI REGIA POESÍA

Soy un hombre duro con risa de niña y alma de pecador Yo Yo Yo Yo Soy esto, esto y lo otro y más que esto que llamamos realidad Yo yo yo Que vuelva y vuelva a venir La estética del yoyo El intelectual de revistas adulteradas Con muchos myself y tan pocos nopales Porque yo soy un espejo después del reflejo Porque yo soy un parido por los dioses Soy el no me toques Mírame que es a lo más que vas a llegar babe Yo yo yo yo Que las letras no existieran sin mis manos maricas Que es tiempos de hipster y estoy de moda papá Y estoy de lujo mamá Que estoy Porque antes de los prefijos y sufijos yo ya soñaba con ser una ecuación difícil Y me redimen las matemáticas de ser una minoría Que en otras partes sería una pérdida de tiempo y acá me dicen elite Porque yo yo yo Yo escribo… regiamente escribo…

David Cano, Sep. 2011 www.1-2-3-pormi.blogspot.com

Lo Moustros Que Somos.

Luca De´Aron

Es difícil o casi imposible encontrar una cultura que histórica o geográficamente no haya tenido interés en algún punto por la idea del monstruo, esta criatura o personaje de ficción que aún hoy tiene un éxito rotundo en las taquillas de los cines, y de las que en tiempos más remotos contaban los patriarcas de la aldea o los abuelos para asustar y “educar” a los niños e inevitablemente causarles horribles pesadillas. Lo más interesante además de su presencia en distintos mitos, historias y leyendas es que muchos de ellos son técnicamente los mismos, independientemente del lugar de donde proviene el mito, (existe por ejemplo una variante de la leyenda de los vampiros en cada cultura). ¿A qué se debe la fascinación que tenemos los seres humanos con esta idea, que a la vez que nos seduce nos causa terror? ¿Es acaso el monstruo una forma para los seres humanos de lidiar psicológicamente con todo lo que es diferente y representa un cambio en el orden natural de las cosas? ¿Es un rasgo social de xenofobia y discriminación disfrazado de inocente entretenimiento para las masas?

La historia podría señalar que sí, quizás en parte, y la lengua otro poco, aunque todos los autores tienden a suponer nada más.

En su origen etimolĂłgico la palabra monstruo, del latĂ­n monstrum ya conllevaba algo negativo, significaba un hecho aberrante, una seĂąal de que algo andaba mal en la realidad como la conocemos. El que inclusive se aplique la palabra monstruo para hablar de personas que realizan actos terribles o aberrantes nos lo clarifica un poco en este sentido.

Uno de los monstruos o personajes de ficción mil años y que hace mención a muertos que más salen a mencionarse en fechas como levantándose y alimentándose de la gente. No las que nos atañen este mes son las brujas. Es es para sorprendernos que el mito de los interesante, de nuevo hablando de antece- zombies no sea algo novedoso cuando incluso dentes históricos, que los acusados de bruje- en el mismísimo antiguo testamento se les ría en los juicios de Salem casi siempre eran menciona. Hay algunos que han llegado mujeres jóvenes o viudas, de quienes se creía incluso a jugar con esa idea de los zombies y que por estar solas estaban más tentadas a lo religioso en la web, señalando que el mismo caer en manos del mal. Además de los escla- Jesús es una especie de zombie. No refiriénvos, que también fueron víctimas de acusa- dose a que se alimentara de carne humana, ciones, ambos representaban una minoría sino a que se levantó de su tumba claro está. pero además una amenaza a nivel cultural Obviamente a muchos grupos religiosos no por ser diferentes. Si soy un colono en el les ha gustado nada la idea. Pero sin salirnos Salem del siglo XVII, una comunidad de del tema, el mito del zombie, uno de los puritanos conservadores donde existe poca monstruos que se pusieron nuevamente de tolerancia a lo que se sale de moda, ha puesto a pensar a la norma y regla religiosa, los expertos, cuerdas en “Levantaré a los moral o simplemente antropología, psicología, aprobada por la comunidad, sociología, etc.; acerca de la muertos y ellos será factible acusar de razón por la que la gente no comerán de los brujería a mi vecina, una solo disfruta las historias de anciana extraña que no zombies, sino que hay vivos…

Haré que habla con nadie, tiene muy algunos que incluso creen, mal carácter y gusta de como en una nueva religión, los muertos sean rodearse de gatos y tratar que la llegada de los zombies más que los vivos” mal a los niños. Quizás de veras llegará y que hay también es candidata a la que prepararse para ella horca la esclava de otro como si la llegada del nuevo vecino, que ya por ser extranjera y venir de mesías se tratara. Pero estos en lugar de una cultura exótica tiene costumbres raras y traernos paz y amor nos traerían una delicioreprobables, dioses extraños y lenguaje que sa oportunidad de violencia gratuita y sin no es de Dios. Esto sin contar los intereses culpa. Cuantas veces no hemos querido económicos que motivaban las ejecuciones, partirle la cabeza con una pala al vecino por ya que la vecina rara y anciana del pueblo poner música horrorosa a las diez de la también poseía una propiedad y bienes muy mañana en domingo; lo cual está mal, muy envidiables. mal, no lo hagan, la violencia es terrible, la vida es preciosa blah blah blah, amor y paz.

“Levantaré a los muertos y ellos comerán de Pero si ese vecino se convierte en zombie, los vivos… Haré que los muertos sean más Dios no lo quiera, si así fuera no lo dudamos que los vivos” Esta cita es de una antigua dos veces, le damos mate. Correríamos felices epopeya babilónica que fue escrita hace cinco gritando: amor, ¿dónde está la motosierra?

Es esto una crítica a los amantes de los zombies? No, definitivamente no lo es, amamos a los zombies, y esto es porque como el juego en que la niña maltrataba a su muñeca mientras la “educa” para a su vez lidiar con las tundas que le daba su madre para también “educarla”, la ficción con zombies y monstruos en general, sí, quizás sea un reflejo de nuestros miedos a todo lo que es distinto, (algunos autores mencionan que es el temor de la izquierda liberal a la derecha conservadora), pero también son una manera legal e inocente entre comillas, en que las sociedades resuelven sus broncas psicológicamente hablando.

Si los zombies nos recuerdan a estúpidos y torpes seres que no piensan por sí mismos, que forman una horda y una mayoría que devora todo a su paso, no es culpa de ellos asemejarse a una masa de consumidores sin mente. Masa ansiosa de devorar todo lo que ve, que al igual que en las películas y los mitos donde los zombies siempre son más, representa una mayoría. Terror de las sociedades capitalistas como la americana, la mexicana y en muchas otras partes: díganme donde no ha llegado el capitalismo para mencionarlo mejor. Aunque es en la cultura americana donde el zombie encontró mejor recibimiento y esto es una herencia para nosotros, ciudad casi fronteriza.

Todo esto no es un secreto, ni descubrimiento nuestro, diversos autores y directores han inclusive utilizado a los vampiros y a los zombies, los adorados de la cinematografía gringa, para hacer analogías de la izquierda y derecha políticas. El mismo Romero, creador de la serie de películas Night of the Living Dead usó a los zombies para hablar del comunismo (la primera película) y una metáfora del consumismo en masa del capitalismo en las siguientes.

Volvemos de nuevo a la hipótesis de que lo que nos asusta de un determinado grupo o cultura ajena a la nuestra lo moustrificamos, y lo usamos para asustar a los niños. Los padres preocupados de la derecha temen que sus hijas o hijos sean seducidos por sensuales vampiros lujuriosos y decadentes que tras el mote de liberales o de izquierda pervierten los sagrados valores de la familia y la comunidad, los de izquierda que sus hijos se conviertan en extremistas religiosos o consumidores sin cerebro que se lanzan a las calles en hordas para comprar el nuevo i phone, protestar por la pastilla anticonceptiva o a la defensa del político tal, que es bien tranza pero eso si bien católico.

El origen de todos estos miedo zombies puede explorarse desd sin embargo volveremos a la in temor principal que han compa sociedades, que es la habilidad nuestros hijos, amigos y gente q no nos cuidamos nosotros somo ble es que creamos que este pu tan ridículo e inhumano, pueda pasamos mucho tiempo con alg bres o creencias nos volveremo ver el mundo a su manera, nos g

Y si un monstruo del tipo del z ser curados, deben ser destruid ¿es esto a lo que queremos llegar

Un saludo de noche de brujas a ya sean estos vampiros, zombie toparse con ellas, no le hagan e mejor celebran el día de muert los felicito, esta idea de muertos tar comida, tomar tequila y no vivos pacíficamente es muy civ mexicanos. Y generosa, ya que a vivo comparte del altar lo que le su cerebro intacto.

os, ya sea a brujas, vampiros o de muy distintas perspectivas, nicial que nos habla acerca de el artido a lo largo de la historia las d de estos seres de convertir a que amamos en uno de ellos; y si os los siguientes. Lo más increíunto de vista que encontramos a ser la vez contagioso, y que si guien que tiene ciertas costumos como él y seremos forzados a guste o no.

zombie o el vampiro no pueden dos. Es la lógica del filme, pero r?

a los amantes de lo monstruoso es o cualquier otro. En caso de el feo a una que otra bruja, y si tos porque son muy mexicanos s que salen de la tumba a disfrucerebros mientras visitan a los vilizada de parte de los muertos aparte tiene la ventaja de que el e tocaba al muerto… y conserva

Tolentino, Sin Titulo

Tolentino de lo onírico a lo carnal.

so: representar y simbolizar actitudes de las distintas personalidades de la salvaje naturaleza: humanas y animales.”

Jadite en Nueva York, junto a su maestro Rubén Andreu. Acerca de sus proyectos comenta en entrevista:

Otra cosa destacable en su obra es un elemento erótico, sexual y carnal presente en la mayoría de los personajes que crea, muchos de los cuales pueden identificarse como mujeres que recuerdan a la Venus de Willendorf.

“Mis planes actuales apuntalan hacia la internacionalización.

Rosafest, es un proyecto urbano dentro del marco de los Juegos P a n a m e r i c a n o s 2 0 11 e n Guadalajara que recupera el famoso nombre de 'Guadalajara Cuidad De las Rosas'. Son 42 artistas convocados y el mismo número de países que participan en la contienda olímpica, juntos, conjugan un magno proyecto cultural y deportivo.

Por Edith Espinoza.

Tolentino es una artista nacida el 17 de Julio 1977 en Zapopan Jalisco. Cuando se le pregunta por sus inicios en el arte responde: “Siendo niña, comienzo de manera natural e instintiva.

Empapada de los libros de arte de mi papá, a quien le gusta la pintura, me asombro con las biografías de los maestros y eso me trasciende y me incuba para siempre en este medio”

“Como mujer tengo la necesidad conciente de exponer mi postura ante temas poco ventilados por las propias mujeres. Tengo algo que decir sobre el aborto y sobre la masturbación y sobre los nuevos roles adquiridos, las responsabilidades que traen y recalcar y reavivar los derechos que tenemos”, agrega.

Su estética se destaca por mostrar figuras antropomórficas deformes, estilizadas, exageradas, deformes y mutantes; así mismo por que todos sus cuadros poseen una atmósfera onírica propia de los artistas surrealistas, aunque su trabajo nunca se aleja de un mensaje que nos llega nítido aunque de manera no expresable. Entre las influencias más notorias en su trabajo se puede apreciar a Dalí, Egon Schiele y a Francisco Toledo.

Muchos de los seres que habitan sus creaciones y la estética de éstas se antojan caricaturescos e irreales, pero en el fondo evocan sensaciones escondidas y negadas. “Considero trabajo siempre desde una vista social: le imprimo critica y mofa, sí, pero también seriedad”

En sus pinturas predominan familias cromáticas avivadas por sombras y desvanecimientos, pero sobre todo abundan los rostros; al respecto comenta: “es el mero gusto alegórico y fabulo-

La pintora tapatía ha participado en numerosas exposiciones tanto colectivas como individuales en Jalisco y otras nueve ciudades de la república. También estuvo siendo exhibida en la Galería

Me he adentrado con los literatos, poetas y músicos así pronto serán publicados varios libros en los que he tenido el honor de participar con la portada así como un CD y estoy buscando opciones dentro de otras ramas del arte” A pesar de estar aún en el camino hacia el reconocimiento internacional, la fertilidad que se adivina en muchas de las obras de Tolentino ha dado a luz a una gran cantidad de proyectos. No sería de extrañar que dentro de poco “el mundo de la creatividad y los sueños” que evoca su trabajo dé vida a un legado que pocos puedan ignorar.

Saliva Azucarada Sin Titulo Pachuco La polla Juguete sexual

Siempre he pensado en los zombies como representantes de una perversa xenofobia americana

ÂżEn serio? Siempre nos he considerado como una metĂĄfora del consumismo desbocado

hay algo en la idea que nos ilustra la tenue lĂ­nea entre la civilizaciĂłn y el barbarismo Ahora me siento realmente estĂşpido por haber ordenado sesos...