mayo de 2015
en portada: “sonido bicicletero, 2013", llantas y rines de bicicleta, cadenas usadas como transmisión y bicicleta. pieza sonora interactiva, medidas variables + ésta pieza forma parte de la exposición; “turangalila”.
boletín trimestral de la coordinación de artes visuales ICL - CAVI
año 1 / número 004
¡querido arquitecto! turangalila daniel navarro 75° grados color suspense!! cazador de estrellas humberto zendejas paradise lost laura honse rayo de jalisko
bolet铆n trimestral de la coordinaci贸n de artes visuales ICL - CAVI
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Instituto Cultural de León DIRECCIÓN DE DESARROLLO EN LAS ARTES Coordinación de Artes Visuales
ยกQuerido arquitecto!
Esbozo emocionado de Carlos
Ashida Carlos Enrique Ashida Cueto MĂŠxico D.F. 1955 -Guadalajara Jalisco 2015.
De la misma manera en que vivió, elegante y discreto, así se fue Carlos Ashida… ¡Demasiado pronto! sería el único reproche… a la parca ciega y absurda. Su inesperada desaparición causó conmoción en el medio cultural y se ha reflejado en numerosas notas de prensa y en televisión, así como en comentarios elogiosos de sus colegas y de ins tuciones culturales diversas. Poco proclive a la búsqueda de aplausos y a los reflectores, quizás el propio Carlos se sen ría sorprendido por tan intensa reacción mediá ca tras su par da. El hecho indiscu ble es que se le reconoce como un pionero del arte contemporáneo en México y un especialista visionario. Seguramente Carlos tampoco imaginó la huella indeleble que dejaba en quienes lo conocimos y quisimos. En primer lugar como ser humano inteligente, respetuoso y humilde. No resulta sencillo describir la singular personalidad de Carlos. Su serenidad y contención caracterís cas fueron atributos de su lucidez intelectual, de su talento y de su generosidad para compar r conocimientos, por lo cual muchos lo consideran un tutor y un maestro. Lector asiduo, hombre de pocas palabras, empleaba siempre un lenguaje puntual y preciso. Su discurso, rico y estructurado, resultaba contundente sin que él asumiera tal pose ni adoptara ínfulas catequizantes. De esto, quedan como tes monio los textos que escribió para dis ntos catálogos así como las entrevistas en prensa. De trato suave y reservado, se volvía rápidamente entrañable. Las par cularidades de su carácter le daban un halo de encanto y misterio. Al mismo empo, disfrutaba de la amistad, el cariño y la diversión de gente desmesurada y bromista. Su voz era grave y profunda, su hablar pausado, su sen do del humor agudo y su carcajada luminosa. También era familiar; mantenía, una estrecha relación con su hermana Mónica, destacada curadora 17 años menor que él, quien asume haberse formado bajo su influencia. El apellido Ashida se convir ó en un sello indeleble para el arte contemporáneo en la ciudad de México y par cularmente en Jalisco, sobre todo a raíz de que fundara y dirigiera la Galería Arena México Arte Contemporáneo en colaboración con sus hermanos Jaime y Mónica, quienes terminaron manejándola con su asesoría en el aspecto curatorial, pues Carlos se consideraba a sí mismo un galerista fallido en la parte comercial. Impulsó el coleccionismo junto a Gabriela López Rocha con la realización en 1992 de Expo-Arte Guadalajara, la primera feria internacional de arte contemporáneo en México, que dio origen a la actual Zona Maco. También fue autor intelectual del Foro Internacional de Arte Contemporáneo FITAC. De 1998 hasta su par da formó parte del proyecto Talleres cuyo propósito es conver r a Guadalajara en un centro internacional del arte, aprovechando la rica tradición artesanal de la región así como las diversas opciones industriales y semi-industriales que la ciudad ofrece. El amplio criterio y la capacidad de ges ón de Carlos Ashida otorgaron así dinamismo y vitalidad a la capital tapa a como escenario del arte contemporáneo durante los años noventa. A pesar de estos logros de largo alcance, declaró: “Creo que ya es hora de que el arte conceptual asuma una ac tud autocrí ca. Llegó el momento de la mesura y la reflexión para que con núe su proceso de búsqueda”.
Imagen: Juan Rodrigo Llaguno Retrato de Carlos Ashida Dibujo vectorizado a par r de una fotogra a realizada por Juan Rodrigo Laguno.
Por convicción propia, Carlos establecía relaciones con los ar stas, lo cual enriquecía su aprendizaje, el diálogo con la obra y las posibilidades de potenciarla en un discurso curatorial y museográfico que revelaba su par cular lectura de las piezas, así como su brillante capacidad para contrastarlas y amplificar su eco. La curaduría era un ámbito en el cual daba rienda suelta a su sensibilidad y al ejercicio de la libertad, en busca de esté cas no convencionales y en ocasiones bizarras. Buscaba rutas alternas al mercado del arte y a las tendencias dominantes. Con ojo entrenado y perspicaz, descubrió a ar stas muy jóvenes, contribuyó a promover la carrera de creadores fundamentales como Adolfo Pa ño, Julio Galán, Germán Venegas, Francis Alÿs, Abraham Cruz Villegas, Rubén Or z Torres, Gabriel Orozco y Roberto Turnbull. Adquirió una vasta colección de arte, pendiente de catalogarse y considerada la más importante de Guadalajara junto a las colecciones Charpenel y Alma Colec va de los López Rocha. La ac tud disecreta y prudente de Carlos Ashida, su alejamiento de las mafias y las grillas, son rara avis en el mundo de los curadores, varios de los cuales buscan imponer su verbo y rivalizan en el afán de figurar. Sobre el tema expresó: “Lo que le urge a este país es la profesionalización en un medio como el arte, dominado por el protagonismo, la envidia y la competencia mezquina. Con las ins tuciones culturales sucede algo lamentable: si con Fernando Gamboa se construía un coleccionismo que daba tes monio del arte mexicano hasta los años setenta, las décadas posteriores no enen ningún po de presencia en los acervos públicos. El problema es que nadie ha asumido esa responsabilidad. Y no es por escasez de recursos sino por cobardía para establecer una posición con respecto a la escena nacional”. La trayectoria de Carlos Ashida es rica y di cil de sinte zar. Nació en 1955 en la ciudad de México y radicó la mayor parte de su vida en Guadalajara, Jalisco. Estudió Arquitectura – “por no haber tenido la valen a de intentarlo en las artes visuales”, según sus propias palabras- en el Ins tuto Tecnológico y de Estudios Superiores de Occidente (ITESO). Recibió el Premio UNESCO en un concurso de escuelas de arquitectura en 1978. Fue profesor, director de la Galería Clave y del Taller Mexicano de Gobelinos, así como de la sección de Artes Plás cas para el Departamento de Bellas Artes de Jalisco. Dirigió el Museo de las Artes de la Universidad de Guadalajara de 1998 a 2000, en donde presentó proyectos de arte contemporáneo audaces y polémicos que enfrentaron la resistencia de ar stas que empleaban técnicas “tradicionales” así como de ciertos públicos. Su proyecto América Foto La na ganó la beca del Fideicomiso para la Cultura México/Estados Unidos, con apoyo de BBVA Bancomer, Fundación Rockefeller y el Patronato Arte Contemporáneo (PAC). Posteriormente dirigió el Museo Carrillo Gil, en la Ciudad de México y el Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca. En 2005 fue comisario general de la presencia de México en ARCO, feria de arte celebrada en Madrid.
La lista de exposiciones que organizó como curador independiente es muy larga e incluye lo mismo a numerosos ar stas contemporáneos que a Juan Soriano, José Clemente Orozco, Rufino Tamayo, Chucho Reyes y Luis Barragán. Su impulso y visión como curador abrieron las puertas de los museos a creadores mexicanos de los 90: así fue como Germán Venegas figuró en el Museo de Arte Moderno con “Polvo de imágenes” (1992). “Lesa Natura. Reflexiones sobre ecología “(1993) incluyó obra de los jóvenes Francis Alÿs, Germán Venegas, Thomas Glassford, Silvia Gruner, Gabriel Orozco, entre otros, mientras en la controver da Acné o el nuevo contrato social ilustrado (1996) par ciparon ar stas como Pablo Vargas Lugo, Daniel Guzmán, Marco Arco y Abraham Cruzvillegas. Estas exposiciones- que obtuvieron muy buena recepción por parte de la crí ca- resultan ineludibles en su carrera y paradigmá cas en el ambiente de la época. Aparte de las muestras en el MAM, también curó exhibiciones para el Museo Tamayo Arte Contemporáneo y el del Palacio de Bellas Artes, así como para el An guo Colegio de San Ildefonso, el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, el Ins tuto Cultural Cabañas y el Centro Cultural Tijuana, entre otras ins tuciones. Personalmente comentaré que en mi papel como responsable del área de Artes Visuales en el Fes val Internacional Cervan no desde 2001, decidí aprovechar la vocación plural e incluyente de este evento mul disciplinario, dedicado a promover la excelencia en las artes de tradición y vanguardia. Es así como he buscado dar cabida a los más diversos lenguajes y tendencias de las artes visuales, lo cual implica desde luego- que el arte contemporáneo tenga presencia. Para este obje vo invité a par cipar a algunos de los curadores más pres giados en este ámbito, como Carlos y Mónica Ashida además de Leonardo Ramírez. Este aspecto de la carrera de Carlos Ashida se omite siempre en las semblanzas que se han elaborado a raíz de su fallecimiento. Durante los úl mos diez años se integró al equipo como curador y museógrafo para sa sfacción y orgullo de todos nosotros y de los ar stas con los cuales colaboró en este marco. En tanto que curador organizó exposiciones individuales de Germán Venegas, Iván Villaseñor, Helio Mon el y José Luis Sánchez Rull. También fue invitado como curador para exposiciones de César Mar nez Silva, Laura Anderson Barbata, Vicente Rojo, Roger von Gunten, Bela Gold y Rocío Maldonado. En la 42 edición del FIC, unos meses antes de su fallecimiento, fue curador y museógrafo de Miho Hagino y Taro Zorrilla así como del fotógrafo Rodrigo Moya. Al ser galardonado con la Presea Cervan na en 2010, Vicente Rojo le dedicó un agradecimiento especial durante su discurso: “Carlos Ashida presenta la exposición ‘Escrituras’, en la que reúno pintura, escultura y grabado reciente, y lo hace con un hermoso texto que tula justamente ‘En voz baja’, sen do que precisa mi intención de preferir los susurros a la estridencia. Sin embargo, con el permiso de Ashida y de ustedes, para responder a esta variada y conmovedora manifestación de afecto que hace el fes val, yo me permi ré decir sólo una frase, de únicamente dos palabras, pero esta vez la pronunciare en voz muy alta y en letras mayúsculas: Muchas gracias”. En 2014 y gracias al apoyo del Ins tuto Cultural de león y de su gran amigo y cómplice crea vo Leonardo Ramírez se llevó a cabo una de las curadurías que acarició durante largo empo “Las buenas intenciones”, integrada por pinturas de aficionados, de gente marginal y de ar stas reconocidos “un recordatorio de la persistencia de los afanes humanos por dignificar sus actos embelleciéndolos y sublimándolos; del conmovedor empeño de encarar las adversidades con la encantadora llaneza del ingenio y la alegría”.
En febrero de ése año, fue nombrado curador en jefe del Ins tuto Cultural Cabañas, inaugurando su úl mo proyecto la exposición “Dr. Atl. Rotación cósmica” a cincuenta años de la muerte del extraordinario creador tapa o. En entrevista explicó que esta exhibición se centra en dos lecturas:: “Una es la que él profesó, la convicción de que el ar sta es un protagonista dentro de la sociedad; no nada más posee una destreza excepcional para ejercer su arte, sino que tal acción debe tener una consecuencia social. Y la segunda es que Atl creía que el arte era una forma de conocimiento que ene la misma solvencia que la ciencia”. Nos queda el consuelo de saber que Carlos Ashida vivió como quiso, entregado a su pasión, la curaduría y la promoción del arte, y como le gustaba, de manera silenciosa, consistente y sin protagonismos frívolos, como su inteligencia y dis nción le dictaban. También tuvo la sa sfacción de constatar cómo muchos de los ar stas a los cuales les abrió las primeras oportunidades en espacios museológicos llegaron muy lejos y vio fruc ficar su tarea de haber contribuido al desarrollo ar s co de Guadalajara y de México. Pensemos que su misión en esta erra concluyó felizmente y que se adentró en el universo para buscar nuevas obras de arte.
Gloria Maldonado Asó Ciudad de México Mayo de 2015
Fotogra a: Cortesía de Lourdes Méndez
Coordinación de Artes Visuales Ciclo de exposiciones mayo-agosto de 2015
Del 21 de mayo al 16 de agosto de 2015
INAUGURACIÓN: Jueves 21 de mayo de 2015 19:00 horas Recorrido Inaugural: 19:00 horas - Salas Eloísa Jiménez 19:30 horas - Salas del Teatro María Grever 20:00 horas - Galería Jesús Gallardo
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TURANGALILA Canto de amor y contraste entre lo absoluto y lo rela vo Daniel Navarro Del 21 de mayo al 16 de agosto de 2015 Coordinadores: Leonardo Ramírez e Irazú Páramo
INAUGURACIÓN: jueves 21 de mayo, 20:00 horas. Galería Jesús Gallardo Planta alta Pedro Moreno 202, esquina Hermanos Aldama León, Guanajuato México. Horario de atención al público: Martes, Miércoles, viernes y Sábado de 10:00 a 18:30 hrs Jueves, horario especial de 10:00 a 20:00 Horas Domingo de 11:00 a 18:30 hrs Entrada general $10.00 pesos Estudiantes, profesores e INAPAM $5.00 pesos
En Turangalila el público se convierte en agente dinámico que ac va, completa y determina la manera en que acontece la pieza misma. Turangalila es una obra de dimensiones lúdicas en la que Navarro integra sus conocimientos musicales, espaciales, visuales y electrónicos. La posición y el tránsito del espectador, así como la can dad de público y su comportamiento dentro del espacio, determinan las notas musicales que se ejecutan. El tulo de la obra Turangalila está inspirado en la sinfonía homónima del músico francés Olivier Messiaen (1908-1992), compuesta entre 1946 y 1948. Esta pieza sinfónica de diez movimientos requiere una instrumentación específica en la que se incluyen instrumentos de viento, cuerda, percusiones y un generador de ondas Martenot. El vínculo entre ambas obras resulta evidente debido al potencial musical de la pieza de Navarro; sin embargo la ejecución en este caso queda en manos del comportamiento de quien circule en el espacio. La palabra Turangalila es un neologismo creado por Messiaen con dos términos tomados del sánscrito: “turanga” = canto de amor y “lila” = contraste entre lo absoluto y lo rela vo, un concepto que presenta elementos de espontaneidad y libertad dentro del universo. En este sen do la pieza de Navarro conserva el espíritu de la palabra al ofrecer posibilidades de creación libre y espontánea al público que la visita. Josefa Orteg7a
Daniel Navarro cursó durante tres años estudios profesionales en música. Posteriormente, tomó el taller de teoría de la esté ca impar do por el curador y ar sta Guillermo Santamarina. Con un trabajo mul disciplinario que va desde la fotogra a, la pintura, la instalación, el video y la escultura, entre otros, Daniel ha sido premiado en dis ntas ocasiones con reconocimientos al primer lugar como el premio ArtFest, en la Ciudad de México; el premio Omnilife y Picasso, en Guadalajara, y el premio de fotogra a en la Galería de Arte Moderno. En 1993 y 1998 fue seleccionado en la Bienal de Fotogra a del Centro de la Imagen. Dentro de su trayectoria ar s ca destacan sus exposiciones individuales curadas por Leonardo Ramírez, Carlos Ashida y Guillermo Santamarina. Lo social, lo urbano y lo ar ficial son ejes neurales en la obra de Daniel Navarro. Su obra mul facé ca, erige composiciones con sen dos comunes que infieren a una crí ca de las dis ntas esferas de la sociedad actual, entre ellas, la polí ca, la económica, y la ar s ca. Desde esta perspec va, los tulos de sus piezas cons tuyen una pauta para la lectura que, lejos de cerrar el diálogo, subrayan la intención de crear juegos metafóricos con el lenguaje visual. De igual manera, cada una de sus composiciones versa sobre la contextualización de objetos a través de la representación de ellos mismos: transfigura simbólicamente llantas de bicicletas, muros de ladrillos y vehículos al mismo empo que los construye en virtud de su propia concepción. Sus piezas recuerdan aquel famoso pasaje de Hamlet en el que sus ojos contemplan nada y todo lo que hay.
2.
75° Color Taller y colección de serigra as de Arturo Negrete Curador: Jorge Ortega del Campo Del 21 de mayo al 16 de agosto de 2015 INAUGURACIÓN: jueves 21 de mayo, 20:00 horas. Galería Jesús Gallardo Planta baja Pedro Moreno 202, Esquina Hermanos Aldama León, Guanajuato México. Horario de atención al público: Martes, Miércoles, viernes y Sábado de 10:00 a 18:30 hrs Jueves, horario especial de 10:00 a 20:00 Horas Domingo de 11:00 a 18:30 hrs Entrada general $10.00 pesos Estudiantes, profesores e INAPAM $5.00 pesos h ps://vimeo.com/37611488
Imagen: Burendo Design Cortesía taller 75 grados.
Cuando se imprime en serigra a en cuatricromía, cada color debe tener cierta inclinación para evitar que las ntas se encimen. El color negro y el amarillo deben imprimirse a 75° u 82.5°. 75° también es la inclinación adecuada del rasero al momento de imprimir y es ésta la que da su nombre al taller cuyo trabajo, aunque sea una pequeña muestra, vemos en esta exposición 75° Color es el taller de Arturo Negrete que fue fundado hace poco mas de 30 años, en 1984, por el diseñador Jaliciense Rafael López Castro, quien fuera alumno de La Esmeralda y miembro del Grupo Madero bajo la dirección de Vicente Rojo en la importan sima, para la historia de las artes gráficas y diseño gráfico mexicano, Imprenta Madero. El taller 75° Color es uno de los ejemplos de la excelencia técnica en serigra a. No sólo domina la impresión en grandes formatos, sino que también es fácil encontrar entre sus proyectos ejemplares de perfecta impresión en decenas de ntas (hasta 40) y maravillosas impresiones en selección de color. Un buen taller no se dirige solo. Arturo Negrete no solamente es uno de los serigra stas más experimentados y diestros en el ámbito nacional sino que se ha encargado de mantener viva y difundir la impresión serigráfica entre las nuevas generaciones de creadores. Se hizo merecedor de un reconocimiento del Museo Franz Mayer en 2011 por su aporte a la cultura del cartel social y cultural. También se ha ocupado en generar un gran interés entre ilustradores, diseñadores y ar stas mexicanos y visitantes –sobre todo los más jóvenes–, con dinámicas que actualmente son muy conocidas en el medio, por ejemplo, el Taller en Vida, donde ar stas como Dhear, Saner, Dr. Alderete, Raúl Urias o José Quintero han podido convivir directamente con los asistentes que se acercan al taller con la intención de adquirir una de sus obras. Arturo Negrete también ha colaborado en la producción de obra de grandes autores como Vicente Rojo, Germán Montalvo, Alberto Castro Leñero, Félix Beltrán, Pedro Coronel entre muchos otros. Es además un ser humano entrañable según mi propia opinión y la de muchos de los que han tenido la oportunidad de trabajar y convivir con él. Arturo Negrete y su taller 75° Color se han conver do en una especie de faro para una muy interesante y amplia comunidad de crea vos. Su trabajo ha sido reseñado en mul tud de revistas de arte y diseño y ha sido expuesto en numerosos recintos del país. Se han conver do desde hace empo una pieza clave de la ac vidad cultural de la ciudad de México. Como crea vo, espero pronto poder hacer una obra lo suficientemente buena para pedirle que me la imprima. Jorge Ortega del Campo curador México, D. F.
Jorge Armando Ortega del Campo (Durango, Dgo. 1980) Diseñador gráfico, ar sta visual, museógrafo y curador. Licenciado en diseño gráfico por la Universidad de Guanajuato con maestría en la Universitat Pompeu Fabra en Barcelona. Ha desempeñado diversos cargos de ges ón y promoción cultural en ins tuciones como la Dirección General de Publicaciones de Conaculta, el Centro Cultural San Carlos de la UNAM, el Centro Cultural del México Contemporáneo, elIMAC de Durango y la Universidad de Guanajuato. Ha trabajado con el Fes val Internacional Cervan no en proyectos específicos. Es beneficiario del PECDA en la categoría creadores con trayectoria en 2011 y en la categoría de jóvenes creadores en sus emisiones 2008 y 2006 en el estado de Durango; ob ene el mismo es mulo en el estado de Guanajuato en 2003. Le es otorgado el Premio Municipal de la Juventud Sahuatoba 2007 en el área de arte y cultura en Durango, Dgo., y en 2006, en Durango, el Premio Estatal de la Juventud en el área de ac vidades ar s cas. Ha impar do junto a Bárbara Perea y Adriana de Carvalho las úl mas dos ediciones del taller de curaduría y museografia del Centro Cultural Border. Cuenta en su trayectoria con más de 40 exposiciones colec vas y 10 individuales de su obra como ar sta plás co en varias ciudades de México, España, Estados Unidos, Canadá y Francia.Pertenece al colec vo Las muertas / Proyectos Espaciales.
Arturo Negrete es uno de los impresores más reconocidos en toda la república, no sólo por su larga trayectoria sino también porque ese mismo empo que ha estado dentro del medio le ha permi do mejorar la calidad de su trabajo hasta hacerlo impecable y muy similar a lo que podría ser la perfección dentro de la impresión. Pasión, respeto y convicción por no detenerse, son algunas de las muchas cualidades que el oficio de la serigra a nos enseña, y en 75º Color parecen ser una ley de vida.
1. ¿Cuál es la verdadera historia de uno de los talleres más viejos e importantes de México? El taller ene 27 años, primero empecé imprimiendo tarjetas, playeras, etc. Afortunadamente tuve el placer de conocer a ar stas importantes en la Imprenta Madero donde se imprimía más arte. Yo comencé a imprimir cartel informa vo con un es lo más ar s co. Pasaron los años y con mucho esfuerzo empezamos a darle a la serigra a en cartel tamaño grande. Me di cuenta que pasaron 12 años y yo aprendí serigra a, por tanto trabajo diferente de mucha gente. Pasaron otros 12-14 años y yo me di cuenta que había ajustado mi oficio, siempre pensando que soy únicamente impresor y respetando el trabajo de los demás. Aunque me pregunten mi opinión personal yo no me involucro, sólo imprimo el diseño que me piden con todo el gusto del mundo. 2. ¿Cómo surgió el proyecto de “Taller en vida”? Tantos años como impresor tomé la elección de ayudar a la gráfica mexicana y decidí nombrar a mi taller 75º Color, posteriormente nació Taller en vida. Es un proyecto para que los jóvenes que vienen hagan una impresión en vivo, yo abro las puertas para que la gente conozca el taller y vea lo que pueden hacer para apoyar a la gráfica mexicana. Aunque cuando yo hago ese po de impresiones cuesta dinero, en vez de cobrar la entrada al taller hacemos como un acuerdo, en donde la pieza se vende a un precio razonable para que el joven o estudiante que venga tenga una pieza del ar sta en turno. Tenemos la fortuna de que quienes han par cipado aquí han sido personas reconocidas; estoy esperando con ansia que los jóvenes se acerquen para par cipar en un taller, además no es solamente gráfica lo que es Taller en Vida, es para alguien que quiera y sepa dibujar para que luego pueda hacer una serigra a. Ha sido un éxito, se ha oído muchísimo y no sabía a donde iba a llegar pero este es un proyecto en el que nos diver mos todos. 3. ¿Cuál es el mayor reto o diferencia que has notado al imprimir un cartel con fines informa vos a uno más ar s co? El cartel informa vo me tocó que seguía siendo ar s co porque la gente los diseñaba con un fin crea vo. Pero la diferencia que veo es que pasa la modernidad del diseño, aparecen ilustradores conocidos y la gente comienza a imitar un poco, además con la herramienta de la computadora que ayuda a hacer ese po de ilustraciones. Sigue habiendo cartel informa vo sólo que con un diseño diferente, un cartel con texto que informa que sólo se pega y muy di cilmente se venden. Más bien cuando un cartel es ar s co e informa, la gente lo suele tomar y llevárselo; la ilustración ahora es vendible, ahora el diseño es más joven.
Imagen: the city loves you Taller 75 grados.
4. ¿Cómo fue el acercamiento con ar stas como News, Smithe, Dhear, etc? Ellos se acercaron a un proyecto de Taller en Vida. La oportunidad que dio el taller fue que ellos mismos se acercaran, ya que se volvió una manera de difundirse. Yo no necesito ver el trabajo de nadie para decidir qué es lo que se imprime y que no, eso los atrajo más porque yo permito la entrada al taller a quien quiera par cipar, no importando como sean, yo no invito a la gente, la gente ene que venir aquí y ser valiente para par cipar en el taller. 5. ¿Cuál es uno de sus aspectos favoritos sobre su trabajo? A mí me apasiona la serigra a y el trabajo de los diseñadores, pintores etc, a mí me encanta interpretarlos. Me gusta “manosear” el trabajo en el sen do de que me gusta tener un contacto con ellos y tener una relación fija con la gente que se emociona con mi trabajo (al igual que yo con el suyo). Lo que más me gusta es la sa sfacción de un trabajo perfecto que aseguro por los años que tengo dentro del oficio. También el hecho de que estamos levantando la gráfica mexicana a través de estos talleres, no sólo yo sino todos los impresores del país como Señor Jalapeño o algunos otros que están en zonas como Oaxaca. Hay diversidad de diseño y de trabajo y esto es el alma que da este país. 6. Dado que su taller es uno de los más an guos de la ciudad, ¿Cómo ha manejado usted la introducción de la tecnología a este oficio? Es un cambio importante y muy bueno. A mí me tocó ver maestros hacer el trabajo a mano y era emocionante hacer los posi vos con una cámara de fotolitos, cuando posteriormente aparece la computadora la gente no le gusta pero es una herramienta que sirve y funciona, y la gente que diseña también sabe hacer cosas manuales. Esa transición para mi es emocionante, tenía que darse. Aunque mucha gente está descontenta, ese cambio ayuda para hacer cosas más rápido. Aunque me gusta el proceso artesanal y me haya costado este cambio, ahora el empo de producción se reduce y eso es muy bueno. Me parece formidable esa transición.
7. ¿Cómo es su experiencia al venir al taller todos los días? Yo siempre vengo emocionado con ganas de trabajar, afortunadamente tengo trabajo diario diferente y me emociona, yo no hubiera podido ser un serigra sta el cual nada más haga un producto que una empresa importante pague y esté haciéndolo todo el año. Es una alegría trabajar en esto por que conozco a gente diferente y sigo teniendo amigos de la vieja vanguardia. No me gusta decirle trabajadores a mis amigos pero todos par cipamos y preparamos las cosas. Me hubiera gustado que esta difusión se hubiera dado antes para poder ayudar más a la gráfica mexicana.
8. ¿Qué es lo que sigue para 75º Color y Taller en Vida? Me gusta acompañarlos a ustedes con mi trabajo de impresión. No sé donde va a llegar Taller en Vida ó 75º Color, es mi trabajo diario y hasta donde llegue estará bien. Uno no lo sabe, es el espacio donde vengo trabajar todos los días. No sé a donde vayan a llegar ambos proyectos, lo único que sé es que aunque yo quería terminarlo no puedo por que ahora formo parte de este asunto y la gente se ha emocionado. Y mientras la gente lo pida yo seguiré con el.
Cortesía: the city loves you. h p://www.thecitylovesyou.com/
3.
Suspense!! Marcel Duchamp, Ito Takashi, Thomas Demand, Sam Taylor Wood, Nam June Paik,Reynold Reynolds, Joseph Beuys, Ann Sco Wilson y Agus n Solórzano. Curador: Leonardo Ramírez Del 21 de mayo al 16 de agosto de 2015 INAUGURACIÓN: jueves 21 de mayo, 20:00 horas. Galería Jesús Gallardo Video sala y sala blanco y negro Pedro Moreno 202, esquina Hermanos Aldama León, Guanajuato México. Horario de atención al público: Martes, Miércoles, viernes y Sábado de 10:00 a 18:30 hrs Jueves, horario especial de 10:00 a 20:00 Horas Domingo de 11:00 a 18:30 hrs Entrada general $10.00 pesos Estudiantes, profesores e INAPAM $5.00 pesos
Imagen: s ll de la película; Anemic Cinema, 1926 5.09 Marcel Duchamp (1887-1968) Con la colaboración de Man Ray , Mac Allégret y Rros Sélavy
Con el ánimo de mordernos las uñas. Suspense es una exhibición conformada por 10 piezas en video -realizadas entre 1926 y el año 2000- que permite la contemplación dinámica de narra vas cíclicas y elíp cas que no llevan a ninguna parte o que no enen ninguna conclusión aparente. Es decir; las piezas de esta exhibición no tratan de contar una historia completa por sí mismas o como fragmentos de una historia contada en 10 episodios, sino que se encuentran en un punto de inflexión que sólo se establece a par r de la tensa con nuidad en una serie de narra vas sin desenlaces aparentes. La interrupción del empo y el espacio así como la impresión de momentos congelados son temas recurrentes en la obra de todos estos ar stas. Cada uno explora y registra el movimiento como un proceso reiterado de un nuevo comienzo o como la exploración de momentos de gran confusión, tratando de dar forma a una compleja y desconcertante maraña de imágenes y secuencias, en donde, en muchos de los casos se observan patrones de caos y acciones azarosas aparentes (aunque todos los videos han sido perfectamente planificados). Suspense es un obvio homenaje a Alfred Hitchcock y a su forma de encontrar, en acciones muy su les e inteligentes, la manera de prolongar el sufrimiento que provoca la tensión dramá ca en una secuencia lmica. Una definición amplia de suspense sería, que surge, cuando el espectador se preocupa por la falta de conocimiento sobre el desarrollo de un evento significa vo; suspense sería, por tanto, la combinación en la an cipación de desenlaces desagradables, mezclados con incer dumbre y oscuridad respecto a ciertos acontecimientos futuros. Me parece importante no confundir misterio con suspense. Suspense funciona cuando al público se le proporciona la información necesaria previa a los acontecimientos que suceden en una secuencia; de esa forma se le man ene a la expecta va todo el empo. Mientras que el misterio se consigue solamente provocando miedo a la audiencia. Muchos pueden afirmar que sin misterio no hay suspense pero Alfred Hitchcock desmiente esa idea: “La telefonista en el film Easy Virtue* escucha a un hombre y una mujer que hablan de matrimonio.-Esta telefonista está cargada de suspense- ¿La mujer que está al otro extremo del teléfono aceptará casarse con el hombre que le llama? La telefonista queda completamente aliviada cuando la mujer da el sí al hombre con el que habla, haciendo que su propio suspense termine. Éste es, un ejemplo de suspense que no está ligado al miedo”. La exposición suspense podría categorizarse a manera de extraña y tartamuda narración, donde un sinuoso recorrido nos permite ser par cipes de una especie de rompecabezas intelectual donde se reúnen en una aparente acción orgánica, curiosidad, tensión y un ingrediente esencial de desconcierto. Que disfruten el recorrido. Leonardo Ramírez
*Easy Virtue, (1928) película silente de Alfred Hitchcock.
Leonardo Ramírez 1969, Guanajuato, Gto., México. Ar sta y curador De 1990 a la fecha ha producido y curado más de 120 exposiciones, apoyando y difundiendo el arte actual, tradicional, el diseño industrial, arquitectónico y gráfico entre otras disciplinas crea vas. Su trabajo ar s co ha sido expuesto en varios museos y galerías de la República Mexicana así como en diferentes países como: Estados Unidos, Italia, Canadá, Portugal, Argen na, España, Turquía, Emiratos Árabes Unidos, entre otros. Ha sido coordinador de exposiciones y curador en jefe del Museo de Arte Carrillo Gil, director de Espacios de Arte en la Universidad de Guanajuato, curador de la galería arte 3 en la ciudad de León, Guanajuato, curador de exposiciones en varias ediciones del Fes val Internacional Cervan no, curador invitado en varios espacios de México, Canadá y los Estados Unidos. Desde el año 2008 a la fecha es coordinador de artes visuales del Ins tuto Cultural de León. Par cipó en varios foros de discusión de artes visuales entre los que destacan; 2008 V Foro Internacional de Artes Visuales, Inves gación y Arte Contemporáneo en la Universidad del Estado de México,2005 Zonas de Indeterminación, Curaduría y Ges ón Cultural, dentro del XXXV Fes val Internacional Cervan no, fue jurado de selección para el Fes val Expresión en Corto de Guanajuato en el área de video experimental en los años de 2004 y 2005, par cipó como jurado en la Bienal de Dibujo Diego Rivera de la Ciudad de Guanajuato en el año 2008 y en la Bienal de Pintura Alfonso López Saénz en el año 2007. Ha publicado textos sobre exposiciones de arte contemporáneo en catálogos, díp cos y publicaciones periódicas. Es fundador del colec vo Las Muertas Proyectos Espaciales. En 2014 fue seleccionado como uno de los 12 curadores la noamericanos par cipantes en el Intensivo curatorial que imparte el Independent Curators Interna onal ICI de Nueva York en el Museo Júmex la Ciudad de México.
Imagen: Laura Honse Retrato de Leonardo Ramírez, 2015. León, Guanajuato, México.
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Humberto Zendejas Cazador de estrellas. Curadora: Gloria Maldonado Ansó Del 21 de mayo al 16 de agosto de 2015 INAUGURACIÓN: Jueves 21 de mayo de 2015, 19:00 horas. Sala Eloísa Jiménez Portal delicias sin número Zona peatonal León, Guanajuato, México. Horario de atención al público: de Martes, Miércoles, viernes y Sábado de 10:00 a 18:30 hrs Jueves, horario especial de 10:00 a 20:00 Horas Domingo de 11:00 a 18:30 hrs.
Entrada libre
Imagen: Humberto Zendejas Marilyn Monroe en el hotel Hilton, de la ciudad de México, 1962. plata sobre gela na.
Humberto Zendejas, cazador de estrellas. El fotógrafo mexicano Humberto Zendejas Vargas, nacido en 1933 en el popular barrio de La Lagunilla de la Ciudad de México, fue un personaje ignorado por la fama. Cercano a cumplir ochenta años y aquejado por diversos males de salud, sobrevivió vendiendo fotogra as en la calle -su único escaparate- los fines de semana durante seis años, hasta varios meses antes de su fallecimiento ocurrido en sep embre de 2012. Atendió a clientes anónimos y a algunos escasos compradores de relumbrón como Carlos Monsiváis -su coleccionista-, los hijos de Blue Demon, el musicólogo Jaime Almeida, el fotógrafo Pedro Val erra y el periodista Jorge Saldaña. La exposición rudimentaria que instalaba sobre el camellón representaba sólo una pequeña muestra de su archivo, que resguarda más de cinco mil nega vos. Sin embargo, la amplia lista de luminarias retratadas en blanco y negro habla con elocuencia de una trayectoria que deja un rico tes monio del acontecer cultural y ar s co de México en los años sesenta y setenta. Humberto Zendejas Vargas inició su experiencia profesional a los 18 años y culminó su labor como fotorreportero en 1986, tras haber reunido un variopinto y sorprendente archivo de personajes nacionales e internacionales. Su padre, el laboratorista y fotógrafo Luis Zendejas, le descubrió los secretos del revelado de nega vos. Posteriormente trabajó como asistente de fotógrafo en el ambiente taurino. Ahí conoció al cronista Pepe Alameda, director del semanario DF. Zendejas, en su afán de tomar fotogra as, tomó prestada la cámara de su padre, una Speed Reflex, que usaba placas de 4 x 5. Empezó a trabajar en el diario La Hora y así nació de su lente el nutrido desfile de personalidades mexicanas y extranjeras del espectáculo, el deporte y la polí ca que conforman su acervo. Lo mismo figuran Frank Sinatra con sombrero de charro que Nat King Cole, Brigi e Bardot, Plácido Domingo, Celia Cruz, Dámaso Pérez Prado, Agus n Lara, Tongolele, el Santo, Tin Tán, Ninón Sevilla y Chavela Vargas, por mencionar sólo unos cuantos. Fue también retra sta en bodas y graduaciones, en teatros, realizó s lls para el cine mexicano y fotogra as en los estudios de grabación de Televicentro, así como para fotonovelas. Zendejas sólo presentó una exposición en vida, Tal y como era: Marilyn Monroe en México en las vitrinas del metro Pino Suárez en 2009. En ella exhibió el trabajo que marcó su vida, cuando tuvo la oportunidad de retratar a la diva más glamorosa de Hollywood, Marilyn Monroe, durante la visita que realizó a México en 1962. El fotorreportero de 28 años fue comisionado por el periódico semanal Órbita, que dirigía Héctor Pérez Verduzco, para acudir el 22 de febrero de ese año a la conferencia que ofreció a la prensa en el Hotel Con nental Hilton la estrella que muchos consideran, incluso hoy, el símbolo inamovible de la belleza y la sensualidad femeninas. Tomó aproximadamente dos rollos, de los cuales conservó 18 nega vos en formato 6x6. Cinco meses después, el 4 de agosto, la polémica muerte de la actriz estremecía al planeta. En sus juergas y andanzas nocturnas setenteras, en compañía de amigos colegas como Héctor García y Ernesto Lodoza, Humberto Zendejas acudió a cabarets y burlesques como el Kin Kon, el Azteca y el Follies, y a teatros como el Lírico, en donde fotografió espectáculos y puestas en escena. Ahí retrató a vede es y actrices como la Princesa Lea, Thelma Tixou, Liza D´Liz, Jane e Mass, Claudia Tate, Isela Vega e Irma Serrano, entre otras. En su propio departamento de la colonia Doctores, acondicionado como set para sesiones de desnudo, fotografió también a jóvenes aspirantes a ar stas que nunca llegaron a consagrarse.
En la década de los 80, colaboró en No mex cubriendo polí ca y deportes. Conoció a Nelson Vargas, quien lo acreditó para fotografiar a numerosos depor stas nacionales e internacionales. Sus imágenes han sido publicadas en periódicos como Excélsior, Ovaciones, Esto y La Jornada, así como en las revistas Gente y Cuartoscuro (especializada en fotogra a), las cuales le dedicaron portada e interiores. Hace pocos años, cerca de 40 fotogra as de su autoría fueron donadas por el escritor y coleccionista Carlos Monsiváis a la colección del Museo El Estanquillo. No se casó ni tuvo hijos, de tal forma que llegó al final de su existencia sin contar con apoyos para ordenar su archivo y dejar un tes monio escrito con las inagotables historias que surgían de su memoria cuando explicaba cada imagen. Conocí a Humberto Zendejas mientras paseaba un domingo en la avenida Álvaro Obregón de la colonia Roma con mi padre. Nos detuvimos a mirar sus fotos; después de cierto empo empezamos a hacerle preguntas y contestó de manera afable. Con un solo vistazo a la mercancía-impresiones de nega vo en 8x10, la gran mayoría en blanco y negro- nada permi a saber que él era autor de las fotogra as, no lo anunciaba en forma alguna; parecía uno más de los vendedores del bazar que ofrecen reproducciones de imágenes tomadas de libros de cine o "pirateadas" a otros fotógrafos. Quizás sólo su atuendo de fotorreportero de otra época, con boina inglesa y zapatos bostonianos, hubiera podido delatarlo para un ojo avezado. La plá ca se volvió cada vez más animada y se prolongó al punto de que los demás comerciantes empezaron a recoger sus puestos. Casi al final, Humberto Zendejas nos contó que él había retratado a Marilyn Monroe en México, así como anécdotas en torno a semejante acontecimiento. Sacó de unas bolsas de plás co escondidas unas impresiones con la diva en el Hotel Hilton de la ciudad de México. Mi padre compró dos, el precio al público era de 70 pesos por foto. Yo no daba crédito, tenía la certeza de haber hecho un hallazgo, me sen a entusiasmada. Empecé a visitarlo todos los fines de semana, le compraba fotogra as para intentar ayudarlo, pues las ventas eran muy bajas, y así fui formando mi propia colección. También llevé a diversos amigos para que le hicieran la compra. En el bazar, sus vecinos me reconocían y en ocasiones pla cábamos entre todos. Lo querían y cuidaban pues sabían que la salud del maestro Zendejas era frágil, después de cuatro infartos y un agudo problema de riñón que según los médicos exigía diálisis, tratamiento al cual no estaba dispuesto a someterse. Con cierta frecuencia, lo esperaba hasta las cinco de la tarde, al final de la jornada de trabajo, para ir a comer juntos. Él colocaba en un diablito su vieja mochila y unas estructuras improvisadas con las fotogra as protegidas en micas para carpeta escolar; así, emprendíamos camino para acudir a nuestro restaurante favorito en la calle Chihuahua. Ahí no sólo compar amos amenas charlas si no una de nuestras aficiones comunes, la buena comida. Tenía un excelente ape to y elegíamos siempre el mismo menú: un sustancioso caldo de gallina, quesadillas de cuitlacoche, nopales asados y un rebosante plato de plátanos fritos con crema. Después lo acompañaba a pie a su departamento a unas cuadras de ahí, en la calle Doctor Lucio de la colonia Doctores, en donde aún existe el nostálgico laboratorio en el cual imprimía sus fotogra as.
Empecé entonces a visitarlo en su departamento los sábados con amigos y con mi equipo de trabajo, integrado por Guillermo Arana, Carla Herrera, Miguel Ángel Corona y Eduardo Cabrera. Le hacíamos compañía, charlábamos con él y con su hermano Luis durante horas, comprábamos fotos y revisábamos con ellos los nega vos, guardados en viejas cajas de zapatos. Tuvimos así la oportunidad de seleccionar, digitalizar y retocar cerca de 300 imágenes. Inventábamos proyectos, realizamos la maqueta para un libro -aún por publicar-y emprendimos ges ones para que la Fototeca Nacional del INAH adquiriera el archivo, trámite que se prolongó debido a cues ones burocrá cas y que finalmente se vio interrumpido por el cambio de sexenio. También buscamos que lo entrevistaran, lo cual le subía mucho el ánimo. El periódico La Jornada le dedicó reportajes así como la Revista de la UAM y se produjo una cápsula sobre él para Un minuto con el arte en canal 40, sección a cargo de mi padre Víctor Alfonso Maldonado hasta su reciente fallecimiento. Las tertulias semanales resultaron tan diver das que empezaron a unirse otros amigos suyos como el fotógrafo Ernesto Lodoza. También lo visitaron los periodistas Fabrizio León y Ana Mónica Rodríguez de la Jornada, así como el curador Horacio Muñoz. Llegó el momento en que Humberto Zendejas no pudo permanecer más solo, por lo cual se vio obligado a vivir en casa de su hermana América. Tuvo que alquilar su departamento, pero la buena fortuna hizo que su inquilino fuera el estupendo ilustrador Edgar Clément. Generosamente, éste siguió resguardando tanto el archivo como sus muebles y no sólo eso, sino que nos permi ó seguir acudiendo a nuestras citas saba nas en el departamento. Sin embargo, los problemas de salud de Humberto Zendejas no dieron tregua y lo debilitaron hasta que no pudo volver. Finalmente murió en sep embre de 2012, reconfortado por el cariño de nuevos amigos y con la ilusión de sueños y proyectos por venir. En 2013, un año después de su fallecimiento, el Fes val Internacional Cervan no rindió homenaje póstumo a Humberto Zendejas en una exposición presentada en las vallas del foro de la Alhóndiga de Granaditas, espacio al aire libre en el que un público masivo de todas las edades pudo disfrutar y reapropiarse de este legado. Gloria Maldonado Ansó Ciudad de México.
Imagen: Humberto Zendejas Autorretrato (de perfil con telescopio), s/f. plata sobre gela na.
Gloria Maldonado Ansó (México DF, 1964) socióloga y promotora cultural. De 1987 a 1989 fue Jefa de Artes Plás cas del Centro Cultural de la SHCP, de 1995 a 2001 Directora de Difusión del Museo José Luis Cuevas y desde 2001 es Subdirectora de Artes Visuales en el Fes val Internacional Cervan no. A lo largo de su trayectoria ha coordinado la organización de cerca más 300 exposiciones nacionales e internacionales, con una visión incluyente y plural alejada de los impera vos del mainstream y de los dictados del mercado del arte. Busca contemplar los lenguajes más diversos de las artes visuales, par endo desde el arte popular hasta las úl mas tendencias. Ha sido curadora de diversas exposiciones, entre las cuales se pueden mencionar : "Homenaje a Ernesto García Cabral, maestro de la línea", "Apuntes sobre tanatología: urnas funerarias ar s cas contemporáneas", "Insurrectas y estridentes a cien años de Simone de Beauvoir", "Walter Reuter: la memoria lúcida"," Inmersiones: arte contemporáneo y agua" y "Daños colaterales: arte contra la violencia". Ha escrito más de 50 guiones para las cápsulas televisivas "Un minuto con el arte" de TV Azteca. Desde 2002, acompañada por un equipo de especialistas, se ha dedicado al rescate y promoción de importantes archivos, entre los cuales destacan los de Ernesto "El Chango" García Cabral, David Alfaro Siqueiros, Rodrigo Moya, Walter Reuter y Ezequiel Carrasco. Desde 2010 se ha abocado también al rescate del archivo del fotógrafo Humberto Zendejas, quien retrató la farándula en México durante la década de los 60; figuran ar stas como Marylin Monroe, Frank Sinatra, Nat King Cole, Plácido Domingo, Celia Cruz, Tin Tán, el Santo, Blue Demon, Tongolele y Agus n Lara
Paradise lost Laura Honse Curador: Alejandro Castellanos Del 21 de mayo al 16 de agosto de 2015 INAUGURACIÓN: jueves 21 de mayo de 2015, 19:30 horas. Salas 1 y 2 del Teatro María Grever Álvaro Obregón #217 Zona peatonal centro León, Guanajuato, México. Horario de atención al público: de Martes, Miércoles, viernes y Sábado de 10:00 a 18:30 hrs Jueves, horario especial de 10:00 a 20:00 Horas Domingo de 11:00 a 18:30 hrs. ¡Entrada Libre!
Imagen: Laura Honse Sinhue, 2014. San Miguel de Allende, México. fotogra a digital impresa en papel fotográfico HP premium Sa n.
Mirada mundo La pieza central de la exposición Paraíso perdido sinte za una parte de la experiencia de Laura Honse en México, par cularmente en San Miguel de Allende, Guanajuato. No hace concesiones a la promoción turís ca que ha hecho de aquella ciudad un reducto globalizado singular, donde el imaginario mexicano se confunde con el estadounidense para formar un híbrido cultural cuya complejidad no puede quedar reducida a una campaña promocional. Como lo refiere en el statement que escribió sobre su serie, esta es su versión del paraíso perdido que para la cultura occidental es México, un país cuya basura refleja el contraste de su riqueza y su pobreza. Como pensamos algunos, la cornucopia mexicana ha sido un mito donde la geogra a, la historia y el deseo se han confundido, y aun ahora sigue siendo, en buena medida, el sostén del legendario “aguante” del mexicano frente a sus problemas, sus carencias y la corrupción que atraviesa el sistema polí co y social creado durante el siglo XX para integrar al país. Si en un territorio como el nuestro se encuentra una de las mayores biodiversidades del planeta, ¿por qué preocuparnos por el deterioro ecológico? De lo social a lo individual, la mirada de Laura Honse deriva en una serie de reflejos de su iden dad, perdida entre las diversas experiencias nacionales que ha vivido (Estados Unidos, Brasil, España, Alemania, México), y que han dejado en ella la huella del desarraigo, de la no pertenencia a una erra que observa crí camente porque no se ata a otro con nente que no sea su mirada como ar sta. Por ello es necesario ver la exposición Paraíso perdido más allá de su pieza central, y observar los retratos contenidos también en ella, ya que muestran el que quizás es su más grande interés, acicateado por la soledad que implica el des erro: el encuentro con el otro. Sin depender de su edad, condición social, nacionalidad o sexo, las imágenes de quienes posaron para Laura Honse refieren un diálogo con su imaginación, pero también se abren a quien observe estas efigies como propuestas de los propios representados hacia su individualidad, más allá de la mirada de quien los reconoció para crear su fotogra a. Esa mirada, presente y ausente en sus dos autorretratos integrados a Paraíso perdido, es la clave que le permite a Laura Honse integrarse, hacerse parte del paisaje al que anhela pertenecer: no a un territorio sino a un mundo, el mundo. Alejandro Castellanos. Ciudad de México.
Paraíso perdido Uno de los primeros impactos que me causó San Miguel de Allende fue la can dad de lotes baldíos con hierba quemada llenos de basura, los cuales miré mientras me trasladaba de la central de autobuses a la casa que deseaba rentar cuando estaba considerando vivir allí. Era durante la temporada de sequía y pensé: no, es imposible que yo viva aquí, es como una zona de guerra. Pero lo hice, y comencé a explorar algunos de los lotes abandonados cerca de mi casa. Me sen a como si estuviera inves gando la escena de un crimen, o como un arqueólogo descubriendo un mundo remoto: animales muertos, muñecas quemadas y otros desperdicios, recuerdos de una vida pasada. Tuve hasta la sensación de que quizás encontraría un cadáver… Estos lotes vacíos reflejan para mí la violencia y la crudeza de México, el abuso ecológico, la pobreza…, y sin embargo, también, toda la belleza. Me pregunté porque un ves do negro corto yacía en uno de esos espacios usados como estacionamiento, completamente aplanado por las ruedas de los coches, apelmazado con barro seco. ¿De quién era ese ves do?, ¿Porque estaba allí? Pensé en las mujeres desaparecidas de Juárez. En pros tutas ves das con esos reveladores ves dos, desaparecidas. Y eventualmente incorporé el ves do en un paisaje, un ves do flotante vacío de cuerpo pero no de alma. Traje a casa un globo rojo que encontré en la calle, y también lo incorporé a un paisaje como montañas, como volcanes en erupción sangrienta: un espejo de la famosa novela Bajo el volcán, que me recuerda el peligro que he sen do en muchas ocasiones como gringa en México. Un pedazo de cerámica floreada entre cenizas. Una pantalla de computadora quemada y un cráneo de vaca. Una muñeca con su cráneo roto, abierto y con sus brazos en una postura de tortura. Muchas víc mas del abuso, de la crueldad infan l, del incesto. Inocencia perdida. Paraíso perdido. Un gato muerto, momificado, con el pelaje esparciéndose en el aire como pelusas de diente de león. Una caja de cerillos vacía con una calavera advir endo su peligro para los niños. Cosas alguna vez amadas y apreciadas, abandonadas y olvidadas. Un autorretrato con amaranto cubriendo mi cara, queriendo desaparecer, mezclarme con mi nuevo ambiente en vez de ser siempre reconocida inmediatamente como no-mexicana. Deseando confundirme con el paisaje, renacer. El ciclo del nacimiento y de la muerte, de la infancia y la madurez. Miro a mi alrededor como un paraíso que hemos dejado destruir. Guerra, corrupción, codicia, consumismo…olvidamos donde reside la verdadera belleza. Estamos completamente sintonizados a los medios masivos. Como debemos mirarnos, lo que debemos comprar, donde debemos ir, lo que debemos hacer. Este planeta nuestro, como una sucia pelota infan l arrumbada. Laura Honse San Miguel de Allende, Guanajuato. 2015
Nací en 1960 en Pennsylvania, EE.UU.. Cuando yo tenía dos meses de edad, mi familia se mudó al extranjero para vivir en Nueva Zelanda, Australia, las Bahamas, Uruguay y Brasil. Me gradué de la escuela de María Inmaculada en Sao Paulo, Brasil en 1978 y regresé a los EE.UU. para estudiar en la Isla de la Escuela de Diseño de Rhode en Providence, Rhode Island. Me gradué en 1983 con una Licenciatura en Bellas Artes después de estudiar pintura y la fotogra a. Entonces viví y trabajé en Nueva York, San Francisco, Barcelona y Hamburgo, donde en 2008 abrí la Galería Atómica Salón como un espacio de producción para presentar mi trabajo. A finales de 2010, La Galería Atómica Salón cerró debido a la renovación de edificios. Actualmente, resido en San Miguel de Allende, México.
Imagen: Laura Honse Autorretrato en el hotel, 2015. León, Guanajuato, México.
5.
Monster mash a.k.a Rayo de Jalisko Programa de intervenciones sonoras Única presentación: Jueves 21 de mayo de 2015 a par r de las 20.00 horas Ves bulo de la galería Jesús Gallardo Planta baja Pedro Moreno 202, esquina Hermanos Aldama León, Guanajuato México. Entrada libre Durante la inauguración del primer ciclo de exposiciones del año 2015. Recorrido Inaugural: 19:00 horas - Salas Eloísa Jiménez 19:30 horas - Salas del Teatro María Grever 20:00 horas - Galería Jesús Gallardo Imagen cortesía: Rayo de Jalisko
Monster Mash a.k.a Rayo de Jalisko Pinchadiscos orgulloso, Leonés por excelencia, melómano de afición amante de los ritmos duros pegajosos y bailongueros de la época de los 60, vive los 365 días del año rescatando discos de viejos cuartos, arrumbados (llenos de polvo y caca de cucaracha y ratón) mercaditos callejeros, tétricas habitaciones con olor a moho y humedad, incluso por bazares ciberné cos de las redes sociales, tratando de hacer que la amable concurrencia mueva la nalga con mis selecciones musicales excitantes, caprichosas y seguramente desconcertantes, que van del rockabilly, garaje, rock, soul funk, boogaloo y sin pasar por alto ese sublime ritmo representa vo de la ciudad de León -además de las guacamayas y el ware- La cumbia y todo ritmo sabroso y movidón que se deje pinchar. Como Rayo de Jalisko he estado en las tornamesas de grandes eventos a nivel nacional como el vinilfest de Guadalajara, en el revival mes de puebla y en la feria de san Marcos en Aguascalientes, además de los eventos de calidad local como la fiesta del cerdo violeta y garage punknowns en este úl ma como pinche pinchadiscos residente. ¡NO PUEDES PERDERTE MI TOQUÍN!
Doctor Augusto Villasana Del n PRESIDENTE MUNICIPAL DE LEÓN
INSTITUTO CULTURAL DE LEÓN Rodolfo Horner García Presidente del Consejo Direc vo del Ins tuto cultural de León Luis Castrejón Durán Director General Ins tuto Cultural de León Fidel Valdivia Bretón Director de Administración y Finanzas
DIRECCIÓN DE DESARROLLO EN LAS ARTES Manuel Meza Cuervo Director de Desarrollo en las Artes Concepción Ney Ramírez Asistente de Dirección de Desarrollo en las Artes Gisela Rojas Ponce Encargada de la Coordinación de Desarrollo de públicos Daniela Yáñez Coordinación Proyectos Especiales Georgina del Carmen de León Coordinación Académica Rafael Centeno Vinculación Ar s co-Cultural Leonardo Ramírez Coordinación de Artes Visuales
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