газета / искусство by Lera Shimchuk

#1 весна 2012

ИСКУССТВОестьИСКУССТВО

Колонка коллегии искусств номера »

текст: Якубова Мария фото: Ричард Гир

Сразу три выставки знаменитых фотографов открываются сегодня, 23 февраля, в рамках Фотобиеннале-2012 на площадке Мультимедиа Арт Музея: Мартин Парр и его «Последний приют. Фотографии НьюБрайтона», Ли Фридландер со снимками «Америка, взгляд из машины» и фотографии чеха Мирослава Тихого, впервые показанные в России.

Фридландер, мастер чернобелых кадров, показывает Америку совсем не так...

Фридландер, мастер черно-белых кадров, показывает Америку совсем не так, как это делает Мартин Парр. В трассах, вывесках и рекламных щитах, в автомобильных пейзажах есть что-то кинематографичное, четкое и притягивающее взгляд. Работы Парра привлекают своей реалистичностью, неприукрашенностью и несовершенством человеческих тел, побережья Нью-Брайтон и всего общества в целом. Сразу три выставки знаменитых фотографов открываются сегодня, 23 февраля, в рамках Фотобиеннале2012 на площадке Мультимедиа Арт Музея: Мартин Парр и его «Последний приют. Фотографии Нью-Брайтона», Ли Фридландер со снимками «Америка, взгляд из машины» и фотографии чеха Мирослава Тихого, впервые показанные в России. Фридландер, мастер черно-белых кадров, показывает Америку совсем не так, как это делает Мартин Парр. В трассах, вывесках и рекламных щитах, в автомобильных пейзажах есть что-то кинематографичное, четкое и притягивающее взгляд. Работы Парра привлекают своей реалистичностью, неприукрашенностью и несовершенством человеческих тел, побережья Нью-Брайтон и всего общества в целом. Сразу три выставки знаменитых фотографов открываются сегодня, 23 февраля, в рамках Фотобиеннале2012 на площадке Мультимедиа Арт Музея: Мартин Парр и его «Последний приют. Фотографии Нью-Брайтона», Ли Фридландер со снимками «Америка, взгляд из машины» и фотографии чеха Мирослава Тихого, впервые показанные в России. Фридландер, мастер черно-белых кадров, показывает Америку совсем не так, как это делает Мартин Парр. В трассах, вывесках и рекламных щитах, в автомобильных. *

дружеское общество любителей интересного *

* *О кураторе Клаус Бизенбах — директор центра MoMA PS1 и старший куратор специальных проектов Музея современного искусства Нью-Йорка (MoMA). В 2004 году Бизенбах был назначен куратором отдела фильмов и медиа MoMA и стал старшим куратором-советником в нью-йоркском MoMA PS1. С 2006 года он является старшим куратором нового отдела медиаискусства MoMA, который к 2009 году вырос в отдел искусства медиа и перформанса. В качестве старшего куратора отдела Бизенбах реализовал ряд новаторских проектов, в том числе запустил цикл новых выставок, посвященных искусству перформанса, серию регулярных семинаров для художников и кураторов, а также пополнил коллекцию музея новыми важными произведениями медиаискусства. В числе последних международных выставок, организованных Бизенбахом, — «Когда-либо еще» Райана Трекартена, «История обмана» Франсиса Алюса, выставка Лорел Накадате (2011); «В присутствии художника» Марины Абрамович (2010); «Перформанс 1» Тэчина Чэя (2009); «Вылей свое тело» Пипилотти Рист (площадью 7354 кубометров) (2008); выставка «Лунатики» Дуга Айткена, созданная в 2007 году при содействии Creative Time; выставка «Образцы террора: Фракция Красной Армии», проведенная в Берлине и Граце (2005); Шанхайская биеннале (2002); Венецианская биеннале (1995); выставочное пространство Hybrid Workspace на Documenta X в Касселе (1997) и 37 Rooms в Берлине (1992). В 2010 году Бизенбах организовал выставку «100 лет перформанса» в Центре современной культуры «Гараж». В 1991 году Бизенбах основал.В течение 12

Елена Пантелеева

Ирина Меглинская

Сотрудничала с изданиями ELLE, «Аргументы и Факты», «Собеседник». Участвовала в разработке первых номеров журнала «Артхроника». В течение 10 лет являлась редактором

Работала в холдинге «Совершенно секретно», в газете «Российские вести», сотрудничала с журналом L’Officiel, занимала должность редактора новостей в журнале BLACKSQUARE.

стр. 8 “журналист, искусствовед, читатель”

Софья Троценко

Кирилл Серебренников Ранее сотрудничала с Издательскими Домами «Царев», «Молл», Hachette Filipacchi Shkulev. Руководила стартапом проекта «Элитная мебель». Работала в крупном медийном

стр. 18 “режессеры, актеры, зрители”

стр. 14 “фотограф, камера, объектив”

Голое искусство

Сотрудничал с такими изданиями как Newsweek, F5, «Мир новостей». Работал дизайнером в журнале BLACKSQUARE

стр. 22 “художник, галерист, зритель”

текст: Якубова Мария фото: Ричард Гир

В перформанс художница саму жизнь превратила, причем в какой-то момент уже не вполне различаешь, что из них первично. Ее короновали импровизированным терновым венцом, а к голове приставляли пистолет. В рамках выставки будут представлены аналоги этих предметов, а также

Жизнь и смерть

Марины Абрамович «У меня есть теория: чем хуже у тебя детство, тем лучше твое искусство — если ты по-настоящему счастлив, то у тебя не получится создать хорошее произведение. Мои родители были карьеристами, стремились добиться успеха в области политики. Они оба после войны были признаны национальными героями. У них не было желания заниматься ребенком, и они отдали меня бабушке. Однажды, я ждала бабушку, когда она молилась в церкви

иестьи #1 весна 2012

» В Центре современной культуры «Гараж»

с 8 октября по 4 декабря 2011 года пройдет крупнейшая ретроспектива Марины Абрамович – одного из самых знаменитых художников современности, выдающегося мастера перформанса. На выставке, куратором которой выступает Клаус Бизенбах, будет представлено около 50 работ, созданных на протяжении четырех десятилетий, в том числе ранние эксперименты Абрамович: аудиофрагменты, видеоработы, инсталляции, фотографии, сольные и групповые перформансы. Получив международное признание как художник-новатор в области перформанса, Абрамович уже более 30 лет исследует границы этого искусства, создавая работы, которые физически и психологически являются серьезным испытанием и для самого художника, и для зрителя. С самого начала карьеры в Белграде в 1970-е главным объектом перформансов Абрамович было ее собственное тело. Желая изучить его границы и возможности, она переносила боль, изнеможение и опасности в поисках эмоционального и духовного преображения. Зрителям предстоит живо ощутить атмосферу творчества художника: на выставке будут в хронологическом порядке представлены четыре знаковые работы Абрамович, исполненных вживую российскими перформансистами. Их выступление будет сопровождаться видео- и фотоматериалами, аудиозаписями и объектами, использованными в изначальных перформансах. Со 2 по 6 октября 2011 года Марина Абрамович будет проводить специальный тренинг для участников перформансов. Центр «Гараж» приглашает зрителей понаблюдать за этим процессом, так как художник будет работать с российскими перформансистами по уникальной программе, призванной обучить их специальным навыкам и выносливости, которая понадобится им в ходе предстоящей выставки. Всего на выставке будет представлено четыре живых реперформанса Марины Абрамович. Термин реперформанс был введен самим художником, он обозначает повтор любого другого перформанаса, исполненного раньше. Выставку откроет знаменитая работа Абрамович и ее бывшего спутника жизни Улая (настоящее имя Уве Лейсипен, р. 1943) – Imponderabilia (1977 / 2010). Это название можно перевести как «непредсказуемый и не поддающийся определению фактор». Прямо в проходе, ведущем на выставку, будут стоять друг напротив друга два обнаженных человека, мужчина и женщина – таким образом каждый из зрителей, желающих попасть на экспозицию, будет поставлен в ситуацию вынужденного этического выбора – проходить или не проходить, а если да, то к кому из перформансистов повернуться лицом, проходить или не проходить, а если да, то к кому из перфор, В течение 12 лет Абрамович с Улаем изучали

*дружеское общество любителей интересного

*О художнике » Марина Абрамович родилась в Югославии в 1946 году. В конце 1960-х она начала эксперименты со звуком и пространством, создавая программы для воображаемых перформансов. В 1970-х она стала использовать собственное тело как объект и носитель своих работ, начав с серии длительных перформансов, содержавших протест против политического климата социалистической Югославии. В 29 лет Абрамович, не предупредив никого, уехала из Белграда в Амстердам, где встретила художника Улая, с которым они работали вместе следующие 12 лет. Свое сотрудничество они завершили в 1988 году перформансом: они шли навстречу друг другу с противоположных концов Великой китайской стены, чтобы встретиться на середине и разойтись. В 1990-х, в период конфликтов на Балканах, Абрамович выступала с сольными работами, переосмысляя собственный культурный опыт и культурно-исторические традиции своей страны. Переехав в 2001 году в Нью-Йорк, она изучала возможности повторных перформансов как способа показа и сохранения этого вида искусства, воспроизводила свои ранние работы и перформансы других художников. Эти идеи отражены в перформансе «В присутствии художника». Ее работы демонстрировались во многих странах мира, а в 2011 году она приняла участие в опере «Жизнь и смерть Марины Абрамович», поставленной по мотивам ее собственной жизни Робертом Уилсоном с участием Уиллема Дефо в рамках Манчестерского международного фестиваля. Переехав в 2001 году в Нью-Йорк, она изучала возможности повторных перформансов как способа показа и сохранения этого вида искусства, воспроизводила свои ранние работы и перформансы других художников.

собственные взаимоотношения, проходя через ряд сложный медиативных испытаний. Одним из них был перформанс 1980 года «Точка контакта», где они стояли лицом к лицу с согнутыми руками, едва касаясь друг друга указательными пальцами. Благодаря долгой медитации и взгляду глаза в глаза партнеры, по словам самой Абрамович, ощущают особую ауру и силовое поле друг друга, в момент почти неосязаемого прикосновения переживая чувство духовного очищения. Основанный на тибетских буддийских практиках перформанс «Обнаженная со скелетом» (2002–2005 / 2010), во время которого Марина «оживляет» лежащий на ней скелет, своим дыханием заставляя его двигаться, посвящен преодолению страха смерти. «Свечение» (1997 / 2010) пред-

теманомера

*О кураторе » Клаус Бизенбах — директор центра MoMA PS1 и старший куратор специальных проектов Музея современного искусства Нью-Йорка (MoMA). В 2004 году Бизенбах был назначен куратором отдела фильмов и медиа MoMA и стал старшим кураторомсоветником в ньюйоркском MoMA PS1. С 2006 года он является старшим куратором нового отдела медиаискусства MoMA, который к 2009 году вырос в отдел искусства медиа и перформанса. В качестве старшего куратора отдела Бизенбах реализовал ряд новаторских проектов, в том числе запустил цикл новых выставок, посвященных искусству перформанса, серию регулярных семинаров для художников и кураторов, а также пополнил коллекцию музея новыми важными произведениями медиаискусства. В числе последних международных выставок, организованных Бизенбахом, — «Когда-либо еще» Райана Трекартена, «История обмана» Франсиса Алюса, выставка Лорел Накадате (2011); «В присутствии художника» Марины Абрамович (2010); «Перформанс 1» Тэчина Чэя (2009); «Вылей свое тело» Пипилотти Рист (площадью 7354 кубометров) (2008); выставка «Лунатики» Дуга Айткена, созданная в 2007 году при содействии Creative Time; выставка «Образцы террора: Фракция Красной Армии», проведенная в Берлине и Граце (2005); Шанхайская биеннале (2002); Венецианская биеннале (1995); выставочное пространство Hybrid Workspace на Documenta X в Касселе (1997) и 37 Rooms в Берлине (1992). В 2010 году Бизенбах организовал выставку «100 лет перформанса» в Центре современной культуры «Гараж». В 1991 году Бизенбах основал Институт современного искусства Kunst-Werke в Берлине, а в 1996-м — Берлинскую биеннале, и до сих пор является директором-учредителем обеих институций.

ставляет собой как бы парящую на высоте двух метров обнаженную женскую фигуру. Именно обнаженное женское тело в форме звезды воплощает, по мнению художника, такие категории как «страдание, одиночество и духовные поиски». Специально отобранные Мариной Абрамович в России реперформансисты будут исполнять эти произведения в течение всей работы выставки реперформансисты будут исполнять эти произведения в течение всей работы выставки. Выставка делится на три логических блока. Первый посвящен раннему периоду творчества художника в Белграде (1969–1975). Самым знаменитым перформансом этого периода является «Ритм 0» (1974), где Абрамович разместила на столе 72 предмета, которые зрители могли исполь-

ставляет собой как бы парящую на высоте двух метров обнаженную женскую фигуру. Именно обнаженное женское тело в форме звезды воплощает, по мнению художника, такие категории как «страдание, одиночество и духовные поиски». Специально отобранные Мариной Абрамович в России реперформансисты будут исполнять эти произведения в течение всей работы выставки. Выставка делится на три логических блока. Первый посвящен раннему периоду творчества художника в Белграде (1969–1975). Самым знаменитым перформансом этого периода является «Ритм 0» (1974), где Абрамович разместила на столе 72 предмета, которые зрители могли использовать любым

В течение 12 лет Абрамович с Улаем изучали собственные взаимоотношения, проходя через ряд сложный медиативных испытаний. Одним из них был перформанс 1980 года «Точка контакта», где они стояли лицом к лицу с согнутыми руками, едва касаясь друг друга указательными пальцами. Благодаря долгой медитации и взгляду глаза в глаза партнеры, по словам самой Абрамович, ощущают особую ауру и силовое поле друг друга, в момент почти неосязаемого.

выбранным ими способом. Среди предметов были ножницы, нож, плеть, пистолет и пуля. В течение шести часов Абрамович позволяла зрителям использовать ее тело и выполнять с ним любые действия этими предметами. К концу перформанса вся ее одежда была искромсана, а тело порезано и разрисовано. Ее короновали импровизированным терновым венцом, а к голове приставляли пистолет. В рамках выставки будут представлены аналоги этих предметов, а также диапроекция документальных кадров первоначального перформанса. Во втором разделе выставки экспонируются совместные работы Абрамович и Улая. В их число входят перформанс «Энергия покоя» (1980), в котором Улай держит лук со стрелой, направленной прямо в сердце Абрамович, и серия из 22 перформансов «Ночной переход» (1981–1987), в которых Абрамович и Улай неподвижно сидят на противоположных концах прямоугольного стола в полной тишине. Третья часть выставки посвящена персональным работам Абрамович, приходящимся на период 1995–2005 годов. В этих работах Марина пытается постичь чувство одиночества, изучает собственные балканские корни — культурные, идеологические и духовные — и историю своей семьи, анализирует чувство позора и боли от жестокости, которая обрушилась на ее родную страну в 1990-х. Инсталляция «Балканское барокко» (1997), за которую она получила «Золотого льва» как лучший художник на Венецианской биеннале 1997 года, представляет собой трехканальную проекцию, демонстрирующую в натуральную величину изображения ее матери, отца и ее самой, две с половиной тонны коровьих костей и медный сосуд, наполненный темной водой. В ходе первоначального перформанса Абрамович сидела по шесть часов четыре дня подряд, отмывая кости от крови и пробуждая чувство боли и страдания, связанное с войной. Заключительная часть экспозиции включает последние работы Абрамович, созданные в Нью-Йорке, где она живет с 2001 года. В ходе демонстрации перформанса «Дом с видом на океан» (2002) она в течение двенадцати дней жила у всех на виду в моделях комнат, представленных зрителям в поперечном разрезе и установленных в нью-йоркской Sean Kelly Gallery. На выставке в Центре «Гараж» Абрамович впервые представит новый перформансинсталляцию, Измерение магии взгляда, являющийся результатом тесного сотрудничества художника с российскими и американскими учеными. Посетители смогут принять участие в эксперименте, в котором измеряется активность мозга при визуальном контакте - процесс, способствующий эмоциональному, а не физическому взаимодействию. Зрителям представится возможность наблюдать это действие и увидеть, какие зоны мозга физически стимулированы в моменты мысленного взаимодействия участников. Произведение отсылает к недавнему перформансу Абрамович В присутствие художника, исполненному в Музее современного искусства, Нью Йорк, когда, на протяжении нескольких месяцев посетители, сидя напротив, смотрели в глаза Марине. Изначальная идея выставки принадлежит Музею современного искусства Нью-Йорка Музею современного искусства Нью-Йорка. *

Рой Лихтенштейн в Gagosian Gallery

Русские художникипередвижники в Германии

Нью-Йорк ул. Эйхенбаум 56\34 проезд 5 www.sadsdksjn.com

Берлин ул. Эйхенбаум 56\34 проезд 5 www.sadsdksjn.com

Традиционные китайские пейзажи в стиле поп-арт Рой Лихтенштейн представляет на выставке в нью-йоркской галерее Ларри Гагосяна.

Работы Репина, Серова, Васнецова и других художниковпередвижников из Третьяковской галереи и Русского музея с 26 февраля можно увидеть в галерее Kunstsammlungen Chemnitz немецкого города Хемница.

Традиционные китайские пейзажи в стиле поп-арт Рой Лихтенштейн представляет на выставке в нью-йоркской галерее Ларри Гагосяна. Экспозиция Landscapes in chinese style, побывавшая до этого в Gagosian Gallery Гонконга, открывается в Нью-Йорке 1 марта и будет доступна для посетителей до 7 апреля. Яркий представитель поп-арта, американец Рой Лихтенштейн известен всем своими картинами-комиксами с четко перерисованными растровыми точками в основных цветах, выполненными в 60-70-х годах. К восточной живописи и философии Рой приобщился в конце века: вдохновившись картинами династии Сун (960-1279 гг.) и вообще китайским изобразительным искусством, он создал серию работ, интерпретируя их классические пейзажные сюжеты. Не то чтобы стоило искать в этих работах тонкость и глубину восточного искусства — Лихтенштейн не настолько погрузился в поэтичную философию Китая. Но в них есть некая безмятежность и гармония, достигнутая плавными переходами размера точек, близкими сочетаниями цветов и символами Востока, так хорошо узнаваемыми во всем мире. Бонсай, бамбук или Гонгши (одиночный декоративный камень), горные хребты и узкие ленты рек Рой использовал в своем творчестве впервые.

Выставку сопровождает выход альбома с «китайскими» работами Лихтенштейна в роскошном чехле с репродукцией картины иестьи #1 весна 2012

90 работ второй половины XIX века показывают новый русский реализм, свободный от торжества консервативной академической живописи. Все эти полотна редко или совсем не выставлялись в Германии. Передвижники как движение возникли в 1860-х, их идеей был самостоятельный перевоз выставок по русским городам, чтобы приобщить людей к искусству. Это были художники, независимые от государства, навязанных стандартов и устаревших традиций, они творили в совершенно разных жанрах, от исторического и бытового до пейзажей и портретов. Иванов, Ге, Суриков, Перов и десяток других членов общества передвижников вдохнули жизнь, яркость и ощущение реальности в самые разные жанры и сюжеты полотен. Иван Крамской, один из главных вдохновителей товарищества мобильных выставок, писал о картине передвижника Саврасова “Грачи прилетели”: “...пейзажи Шишкина, Клодта, Боголюбова — все это деревья, вода и даже воздух, а душа есть только в “Грачах”.

Но в них есть некая безмятежность и гармония, достигнутая плавными переходами размера точек, близкими сочетаниями цветов и символами Востока *дружеское общество любителей интересного

Ранние работы Джонатана Ласкера *О кураторе Клаус Бизенбах — директор центра MoMA PS1 и старший куратор специальных проектов Музея современного искусства Нью-Йорка (MoMA). В 2004 году Бизенбах был назначен куратором отдела фильмов и медиа MoMA и стал старшим куратором-советником в нью-йоркском MoMA PS1. С 2006 года он является старшим куратором нового отдела медиаискусства MoMA, который к 2009 году вырос в отдел искусства медиа и перформанса. В качестве старшего куратора отдела Бизенбах реализовал ряд новаторских проектов, в том числе запустил цикл новых выставок, посвященных искусству перформанса, серию регулярных семинаров для художников и кураторов, а также пополнил коллекцию музея новыми важными произведениями медиаискусства.

*Об авторе В числе последних международных выставок, организованных Бизенбахом, — «Когда-либо еще» Райана Трекартена, «История обмана» Франсиса Алюса, выставка Лорел Накадате (2011); «В присутствии художника» Марины Абрамович (2010); «Перформанс 1» Тэчина Чэя (2009); «Вылей свое тело» Пипилотти Рист (площадью 7354 кубометров) (2008); выставка «Лунатики» Дуга Айткена, созданная в 2007 году при содействии Creative Time; выставка «Образцы террора: Фракция Красной Армии», проведенная в Берлине и Граце (2005); Шанхайская биеннале (2002); Венецианская биеннале (1995); выставочное пространство Hybrid Workspace на Documenta X в Касселе (1997) и 37 Rooms в Берлине (1992). В 2010 году Бизенбах организовал выставку «100 лет перформанса» в Центре современной культуры «Гараж». В 1991 году Бизенбах основал Институт современного искусства KunstWerke в Берлине, а в 1996-м — Берлинскую биеннале, и до сих пор является директоромучредителем.

Париж ул. Эйхенбаум 56\34 проезд 5 www.sadsdksjn.com

В нью-йоркской галерее Cheim & Read 23 февраля открылась выставка американского художника Джонатана Ласкера, на которой показаны его ранние работы 19771985 годов. Уже тогда в них главенствовали абстракция и фигуры странной формы, тогда сформировался художественный язык Ласкера, так хорошо узнаваемый сейчас. В экспозицию вошли двадцать самых ярких работ художника. Уроженец Нью-Джерси, Ласкер получил отличное художественное образование, важным пунктом которого стало вступление в CalArts (Калифорнийский институт искусств), совпавшее с расцветом школы концептуализма. В конце 70-х живопись многие считали “умершей” еще в эпоху постмодернизма, Ласкер же защищал свою живописную технику, идя вразрез с требованиями преподавателей и вызывая серьезные споры. Противоречия в CalArts отразились на его манере рисования, в которой одновременно сосуществовали реальность и иллюзии, буквы и символы, пространство и плоскость и которые предоставили ему большое поле для творчества. Ласкер сознательно избегает традиционных и “приевшихся” форм, он ассоциирует свои работы с частями паззла, собрав который, каждый зритель делает свои выводы. Уроженец Нью-Джерси, Ласкер получил отличное художественное образование, важным пунктом которого стало вступление в CalArts (Калифорнийский институт искусств), совпавшее с расцветом школы концептуализма. В конце 70-х живопись многие считали “умершей” еще в эпоху постмодернизма, Ласкер же защищал свою живописную технику, идя вразрез с требованиями преподавателей и вызывая серьезные споры.

Выставка Jonathan Lasker: Early Works будет открыта для посетителей до 24 марта

новостиискусствамир

Яеи Кусама в галерее “Тейт” *О кураторе Клаус Бизенбах — директор центра MoMA PS1 и старший куратор специальных проектов Музея современного искусства Нью-Йорка (MoMA). В 2004 году Бизенбах был назначен куратором отдела фильмов и медиа MoMA и стал старшим куратором-советником в нью-йоркском MoMA PS1. С 2006 года он является старшим куратором нового отдела медиаискусства MoMA, который к 2009 году вырос в отдел искусства медиа и перформанса. В качестве старшего куратора отдела Бизенбах реализовал ряд новаторских проектов, в том числе запустил цикл новых выставок, посвященных искусству перформанса, серию регулярных семинаров для художников и кураторов, а также пополнил коллекцию музея новыми важными произведениями медиаискусства.

*Об авторе В числе последних международных выставок, организованных Бизенбахом, — «Когдалибо еще» Райана Трекартена, «История обмана» Франсиса Алюса, выставка Лорел Накадате (2011); «В присутствии художника» Марины Абрамович (2010); «Образцы террора: Фракция Красной Армии», проведенная в Берлине и Граце (2005); Шанхайская биеннале (2002); Венецианская биеннале (1995); выставочное пространство Hybrid Workspace на Documenta X в Касселе (1997) и 37 Rooms в Берлине (1992).

*О музыке В 2010 году Бизенбах организовал выставку «100 лет перформанса» в Центре современной культуры «Гараж». В 1991 году Бизенбах основал Институт современного искусства Kunst-Werke в Берлине. институций. В течение 12 лет Абрамович с Улаем изучали собственные взаимо-

Лондон ул. Эйхенбаум 56\34 проезд 5 www.sadsdksjn.com

Японская художница Яеи Кусама всем известна своей любовью к рисунку в горошек, который она размещает абсолютно везде: от стен и скульптур до собственной одежды. Работами Кусамы вдохновлялся Дэмиен Херст, они выставлялись в галереях наравне с Энди Уорхолом, Класом Ольденбургом и Джаспером Джонсом. Теперь в галерее Tate Modern открылась ретроспективная выставка Яеи Кусамы, которой уже за 80 и которая по-прежнему творит в своей токийской студии. Она покорила Нью-Йорк своей авангардностью и безбашенностью, переехав туда в 1957 году. Хеппенинги на Бруклинском мосту с участием обнаженных людей, огромные пространства, покрытые ровными пятнышками краски или белыми фаллическими символами — все это дело рук Яеи Кусамы. Она была уникальным персонажем среди деятелей искусства: женщина из Японии на Западе, где творили преимущественно мужчины, жертва невротических и психических заболеваний и большой талант. Кусама вернулась в Японию в 1973 году, и ее имя постепенно забыли, но в 90-х японскую художницу накрыла новая волна популярности и череда ретроспективных выставок.

Работами Кусамы вдохновлялся Дэмиен Херст, они выставлялись в галереях наравне с Энди Уорхолом, Класом Ольденбургом и Джаспером Джонсом

“Крик” Эдварда Мунка на торгах Sotheby’s Франкфурт ул. Эйхенбаум 56\34 проезд 5 www.sadsdksjn.com

Эстетика фотобудки в Musee de l’Elysee Москва ул. Эйхенбаум 56\34 проезд 5 www.sadsdksjn.com

Самую известную картину экспрессиониста Эдварда Мунка “Крик”, существующую в четырех версиях, продадут на аукционе Sotheby’s 2 мая 2012 года и покажут на выставках в Франкфурте и Лондоне.

Фотобудки были на пике популярности в середине XX века: каждый уважающий себя человек, будь то Энди Уорхол или офисный работник, садился в кабинку, закрывал шторку, а затем получал полоску напечатанных снимков.

Вариацию картины 1895 года эксперты планируют продать на торгах в Нью-Йорке более чем за 80 миллионов долларов. Расстанется с шедевром Мунка норвежский миллиардер Петтер Олсон, до сих пор единственное частное лицо, владеющее полотном “Крик” (три других принадлежат музеям Норвегии). Его отец, Томас Олсон, был другом, соседом и покровителем Мунка, поэтому ему досталась версия “Крика” 1895 года.

В начале XXI столетия к фотобудкам, как и к другим ретропредметам, возникла новая волна интереса. Историю фотографий, сделанных в узких кабинках, Musee de l’Elysee в Лозанне представляет на новой ретроспективной выставке The Aesthetics of the Photobooth, открывшейся 17 февраля.

Полотно Мунка, ставшее символом отчаяния, ужаса, исступления, висело в столовой дома Олсона почти век наряду с другими работами норвежского экспрессиониста, включающими портрет матери Петтера (1932). Он решил расстаться с картиной, потому что, по словам Олсена, “владение столь ценным предметом искусства — это огромная ответственность”. Свою близость к личности художника Петтер Олсен выразил особенно: он решил потратить вырученные от продажи деньги на строительство культурного центра в 25 милях к югу от Осло, где Мунк жил с 1910 по 1944 год, до самой смерти. Галерея будет тесно связана с Музеем Осло, планируются совместные выставки, в том числе и работ Эдварда Мунка. Олсен собирается также привести в порядок дом и мастерскую художника и открыть их для публичного посещения.

«Крик — это уникальная картина», — сказал Олсен в интервью

Первые будки появились в Париже в 1928 году, и сюрреалисты сразу же подхватили новое веяние, радуясь необычным моментальным снимкам за смешную цену. Концепция Photobooth вдохновляла как Синди Шерман, так и Томаса Раффа, как Энди Уорхола, так и Арнюльфа Райнера. Полоса из фотобудки — это не просто серия фотографий, это история конкретного человека, пары или группы людей, которую можно проследить, переводя взгляд с одного кадра на другой. Классифицировав эти “истории”, организаторы выставки разделили ее на 6 частей: the booth, the automated process, the strip, who am I?, who are you?, who are we?. В первой выставке такого рода участвуют 60 художников из разных стран мира.

Каждый уважающий себя человек, будь то Энди Уорхол или офисный работник, садился в кабинку, закрывал шторку, а затем получал полоску

Уличный художник Fintan Magee Австралийский стрит-арт художник Финтан Мэги (Fintan Magee), создает довольно оригинальные картины. На многих его работах главными героями являются дети, игрушки и, как ни странно, картонные коробки, создает довольно оригинальные картины главными героями являются дети. текст: Якубова Мария фото: Ричард Гир

* Привет! Расскажите нам немного о себе. Откуда родом, сколько вам лет, где живете, ваше семейное положение. В общем, краткая автобиография. Меня зовут Бобби Чу, я художник и иллюстратор компьютерной графики, живу в городе Торонто, провинция Онтарио, Канада. Мне 30 лет и я не женат, но у меня есть девушка, она со мной уже много лет, и мы вместе воспитываем очаровательную маленькую морскую свинку, которую я считаю прекрасным символом нашей взаимной привязанности. Когда я был маленьким, я имел привычку рисовать все подряд на всем, что попадет под руку, используя при этом свои любимые восковые мелки. Под руку попадались также и белые стены нашей квартиры. Впрочем, вместо того, чтобы наказать меня, мама просто обклеила стенку бумагой для рисования (бумага

иестьи #1 весна 2012

была в рулонах, приклеивалась с помощью скотча), так, чтобы это бумага закрывала пространство приблизительно вровень с моим ростом. И все это для того, чтобы я продолжал рисовать! Я думаю, что все, что я сегодня делаю, началось с этого. Я до сих пор рисую на своем рабочем столе, на книжах, на скатерти и т.д. * Где ты учился искусству и чему учился, или, может, ты - самоучка? Давно ли занимаешься рисунком всерьез? Хотелось бы узнать, какой путь ты прошел, чтобы стать тем, кем ты есть сейчас, и как долго длился твой путь от художника-любителя до профессионала своего дела? Я изучал рисование, классическую анимацию и компьютерную анимацию в Колледже Шеридан в городе Оаквилль, провинция Онтарио. Моя профессиональная карьера художника началась на самом деле на пару лет раньше, когда я получил работу в компании Thinkway Toys в городе Маркхем, Онтарио. Я думаю, путь, который я прошел, можно описать одним словом.

*дружеское общество любителей интересного

Thinkway имела лицензии на производство игрушек для различных известных брендов, таких как Pixar, Disney, Star Wars, а также некоторых персонажей DC Comics, например, Бэтмэна. Когда я там работал, мы занимались производством продукции. Мне было всего 17 лет тогда, и работал я совсем не в группе дизайна, но все равно постоянно тусовался с ребятами из этой группы, сам сделал множество набросков, и, на мою удачу, пара скетчей понравилась одному парню. Таким вот образом меня приняли в команду и так я получил мою первую «профессиональную» работу. С тех пор, как я помогал разрабатывать игрушки для Disney и Pixar, прошло уже 13 лет. С точки зрения искусства я теперь совсем не тот, каким был в 17 лет. Я думаю, путь, который я прошел, можно описать одним словом: непрекращающийся. Я думаю, путь, который я прошел, можно описать одним словом: непрекращающийся.

* » Финтан Мэги родился в г. Лисмор, Австралия. Окончил в 2009 г колледж искусств в Квинсленде. Рисованием занимается с детства, так как его родители связаны творчеством. Мать архитектор, а отец художник. В данное время живет и работает в городе Брисбэн. Дело в том, что «Стена», как и предшествующие ей проекты, функционирует на грани противоположностей — отделяя «открытую» санкционированную территорию ЦСИ от независимого «общественного» пространства авто-пешеходных артерий, она вынуждена перманентно балансировать между авангардом и официозом, независимостью и подчиненностью, «чистотой» андеграунда и коммерциализованностью мейнстрима.

» Я изучал рисование, классическую анимацию и компьютерную анимацию в Колледже Шеридан в городе Оаквилль, провинция Онтарио. Моя профессиональная карьера художника началась на самом деле на пару лет раньше, когда я получил работу в компании Thinkway Toys в городе Маркхем, Онтарио. Я думаю, путь, который я прошел, можно описать одним словом. Thinkway имела лицензии на производство игрушек для различных известных брендов, таких как Pixar, Disney, Star Wars, а также некоторых персонажей DC Comics, например, Бэтмэна. Когда я там работал, мы занимались производством продукции. Мне было всего 17 лет тогда, и работал я совсем не в группе дизайна, но все равно постоянно тусовался с ребятами из этой группы, сам сделал множество набросков, и, на мою удачу, пара скетчей понравилась одному парню. Таким вот образом меня приняли в команду и так я получил мою первую «профессиональную» работу. С тех пор, как я помогал разрабатывать игрушки для Disney и Pixar, прошло уже 13 лет. С точки зрения искусства я теперь совсем не тот, каким был в 17 лет. Я думаю, путь, который я прошел, можно описать одним словом: непрекращающийся. Я думаю, путь, который я прошел, можно описать

интервьюперсона

Когда я был маленьким, я имел привычку рисовать все подряд на всем, что попадет под руку, используя при этом свои любимые восковые мелки.

* Как ты считаешь, необходимо ли профессиональное художественное образование для того, чтобы добиться больших результатов? Это очень хитрый вопрос. Нет, я не считаю, что диплом художественного института абсолютно необходим, чтобы достичь действительно больших результатов, потому что я встречался с великими художниками, которые не получили никакого формального художественного образования. Говорю это, подразумевая, что большинству художников все-таки необходима школа. Не для того, чтобы они могли научиться искусству, а для того, чтобы они могли научиться учиться искусству. Между этими понятиями есть очень большая разница.

» Единственно возможный способ показать уличное искусство на территории ЦСИ, не вызвав при этом смеха со стороны адептов и не уничтожив при этом его природу и дух — попытаться поговорить об этом с позиции дистанцированной аналитики, критически осмыслить ситуацию, в которой сегодня оказывается уличное искусство, преследуемое вожделенным взглядом галеристов, коллекционеров и маркетологов. При этом проект не стремиться загнать автора в концептуальные рамки, он лишь очерчивает проблемное поле, предлагая высказаться и артикулировать свою позицию. Вне зависимости от степени погруженности в субкультурный контекст, проект адресован ко всем участникам современного художественного процесса, практикующим свободные формы самовыражения в уличной среде.

4. 3.

* Какую из своих работ ты считаешь удачнее остальных? И вообще, каково отношение к своим работам? Я считаю, что самый успешный проект, который я выполнил на нынешний день, это наша серия книг по искусству «Наброски». Мне говорили, что я сам являюсь самым строгим своим критиком (я считаю, что для художника очень опасно слишком потакать своему искусству, потому что тогда мы прекращаем свое развитие и наши умения перестают прогрессировать), но я горжусь тем, как много мы смогли вложить в эти книжки. Они были очень популярны среди нашей постоянной аудитории, как в интернете, так и на выставках. Кроме того, я очень доволен своими проектами для кино и телевидения, которые я выполнил.

Под руку также и белые наши стены нашей квартиры. Впрочем, вместо того чтобы наказать меня мама просто обклеила стенку бумагой для рисования (бумага была в рулонах, приклеивалась

Таким образом, под «стеной» подразумевается условно автономное пространство, ориентированное не только на репрезентацию уличного искусства как свободной формы художественного самовыражения, публичного высказывания и образа жизни (way of life), но и на аналитику его актуальных проблем и внутрикультурных процессов. Я изучал рисование, классическую анимацию и компьютерную анимацию в Колледже Шеридан в городе Оаквилль, провинция Онтарио. Моя профессиональная карьера художника началась на самом деле на пару лет раньше, когда я получил работу в компании Thinkway Toys в городе Маркхем, Онтарио. Я думаю, путь, который я прошел, можно описать одним словом. Thinkway имела лицензии на производство игрушек для различных известных брендов, таких как Pixar, Disney, Star Wars, а также некоторых персонажей DC Comics, например, Бэтмэна. Когда я там работал, мы занимались производством продукции. Мне было всего 17 лет тогда, и работал я совсем не в группе дизайна, но все равно постоянно тусовался с ребятами из этой группы, сам сделал множество набросков, и, на мою удачу, пара скетчей понравилась одному парню. Таким вот образом меня приняли в команду и так я получил мою первую «профессиональную» работу. С тех пор, как я помогал разрабатывать игрушки для Disney и Pixar, прошло уже 13 лет. С точки зрения искусства я теперь совсем не тот, каким был в 17 лет. Я думаю, путь, который я прошел, можно описать одним словом: непрекращающийся.

* Сравнение ведет к соревнованию, а соревнование порождает совершенство. Очень мало людей может соревноваться с самим собой и самостоятельно мотивировать свой рост, и такие люди неизбежно очень талантливы. Им не нужно идти в школу и зарабатывать диплом. Когда я был маленьким, я имел привычку рисовать все подряд на всем, что попадет под руку, используя при этом свои любимые восковые мелки. Под руку попадались также и белые стены нашей квартиры.

« * Привет! Расскажите нам немного о себе. От-

куда родом, сколько вам лет, где живете, ваше семейное положение. В общем, краткая автобиография. Меня зовут Бобби Чу, я художник и иллюстратор компьютерной графики, живу в городе Торонто, провинция Онтарио, Канада. Мне 30 лет и я не женат, но у меня есть девушка, она со мной уже много лет, и мы вместе воспитываем очаровательную маленькую морскую свинку, которую я считаю прекрасным символом нашей взаимной привязанности. Когда я был маленьким, я имел привычку рисовать все подряд на всем, что попадет под руку, используя при этом свои любимые восковые мелки. Под руку попадались также и белые стены нашей квартиры. Впрочем, вместо того, чтобы наказать меня, мама просто обклеила стенку бумагой для рисования (бумага была в рулонах, приклеивалась с помощью скотча), так, чтобы это бумага закрывала пространство приблизительно вровень с моим ростом. И все это для того, чтобы я продолжал рисовать! Я думаю, что все, что я сегодня делаю, началось с этого. Я до сих пор рисую на своем рабочем столе, на книжах, на скатерти и т.д. * Где ты учился искусству и чему учился, или, может, ты - самоучка? Давно ли занимаешься рисунком всерьез? Хотелось бы узнать, какой путь ты прошел, чтобы стать тем, кем ты есть сейчас, и как долго длился твой путь от художника-любителя до профессионала своего дела? Я изучал рисование, классическую анимацию и компьютерную анимацию в Колледже Шеридан в городе Оаквилль, провинция Онтарио. Моя профессиональная карьера художника началась на самом деле на пару лет раньше, когда я получил работу в компании Thinkway Toys в городе Маркхем, Онтарио. Thinkway имела лицензии на производство игрушек для различных известных брендов, таких как Pixar, Disney, Star Wars, а также некоторых персонажей DC Comics, например, Бэтмэна. Когда я там работал, мы занимались производством продукции для мультика История Игрушек (Toy Story). Мне было всего 17 лет тогда, и работал я совсем не в группе дизайна, но все равно постоянно тусовался с ребятами из этой группы, сам сделал множество набросков, и, на мою удачу, пара скетчей понравилась одному парню. Таким вот образом меня приняли в команду и так я получил мою

иестьи #1 весна 2012

первую «профессиональную» работу. С тех пор, как я помогал разрабатывать игрушки для Disney и Pixar, прошло уже 13 лет. С точки зрения искусства я теперь совсем не тот, каким был в 17 лет. Я думаю, путь, который я прошел, можно описать одним словом: непрекращающийся. Нельзя сказать, что моя карьера была какой-то особенно счастливой или наоборот. Начав с дизайна игрушек, я сам создал себе некие возможности для роста, а получив такие возможности, выжал из них все, что можно было выжать. Стать хорошим профессиональным художником невозможно просто по мановению волшебной палочки. Я встречал множество художников, которых я лично очень уважаю, и самыми успешными из них всегда оказывались те, что работали больше всех. Пока что мне потребовалось 13 лет профессионального роста, однако я не считаю, что мой рост закончен. Я хочу научиться очень многому и хочу еще большего достичь в искусстве. * Как ты считаешь, необходимо ли профессиональное художественное образование для того, чтобы добиться больших результатов? Это очень хитрый вопрос. Нет, я не считаю, что диплом художественного института абсолютно необходим, чтобы достичь действительно больших результатов, потому что я встречался с великими художниками, которые не получили никакого формального художественного образования. Говорю это, подразумевая, что большинству художников все-таки необходима школа. Не для того, чтобы они могли научиться искусству, а для того, чтобы они могли научиться учиться искусству. Между этими понятиями есть очень большая разница. Институт научил меня правильно распределять свое время, работать эффективно, а также дал мне желание стать лучше, чем я был вчера. В институте студенты всегда невольно сравнивают себя с сокурсниками. Сравнение ведет к соревнованию, а соревнование порождает совершенство. Очень мало людей может соревноваться с самим собой и самостоятельно мотивировать свой рост, и такие люди неизбежно очень талантливы. Им не нужно идти в школу и зарабатывать диплом. Поэтому я бы всем советовал пойти учиться, хотя бы на пару лет, чтобы выработать основополагающие навыки и самодисциплину, необходимые для того, чтобы выжить в художественной индустрии.

*дружеское общество любителей интересного

Я изучал рисование, классическую анимацию и компьютерную анимацию в Колледже Шеридан в городе Оаквилль, провинция Онтарио. Моя профессиональная карьера художника началась на самом деле на пару лет раньше, когда я получил работу в компании Thinkway Toys в городе Маркхем, Онтарио. Thinkway имела лицензии на производство игрушек для различных известных брендов, таких как Pixar, Disney, Star Wars, а также некоторых персонажей DC Comics, например, Бэтмэна. Когда я там работал, мы занимались производством продукции для мультика История Игрушек (Toy Story). Мне было всего 17 лет тогда, и работал я совсем не в группе дизайна, но все равно постоянно

интервьюискусстваперсона 2

5 4

* Много ли ты рисуешь в день просто так, для себя? Продолжаешь ли саморазвитие? Делаешь ли ты штудии по анатомии и просто натурные зарисовки? Перерисовываешь ли ты работы других художников, для анализа и разбора их техники, композиций и т.д.? Или твои рисунки сейчас в основном касаются работы и заказов? На самом деле, штудируя анатомию, изучая искусство других художников, рисуя с натуры, отрабатывая личные проекты, я начинаю свой день каждое утро. Это моя ежедневная зарядка. Я обычно выделяю себе на нее пару часов, чтобы как следует «разогреться» и прийти в наилучшее состоянии мысли для последующей плодотворной работы в течение всего дня. * Можешь ли рассказать о распорядке твоего дня и много ли времени есть для творчества? Мой обычный рабочий день начинается приблизительно в 8-00 утра. Я прихожу в студию и в течение пары часов делаю свою «художественную разминку». Потом я трачу остаток утра, работая над различными проектами, которые находятся на повестке дня. После обеда я могу продолжать работу над проектом, если мне кажется, что сегодня очень хороший день для рисования и мне все легко и быстро удается. В противном случае, я могу поработать над чем-нибудь для себя лично, чисто ради смены занятия, а также чтобы стимулировать мозги. * Какую из своих работ ты считаешь удачнее остальных? И вообще, каково отношение к своим работам? Я считаю, что самый успешный проект, который я выполнил на нынешний день, это наша серия книг по искусству «Наброски». Мне говорили, что я сам являюсь самым строгим своим критиком (я считаю, что для художника очень опасно слишком потакать своему искусству, потому что тогда мы прекращаем свое развитие и наши умения перестают прогрессировать), но я горжусь тем, как много мы смогли вложить в эти книжки. Они были очень популярны среди нашей постоянной аудитории, как в интернете, так и на выставках. Кроме того, я очень доволен своими проектами для кино и телевидения, которые я выполнил в прошлом году. К сожалению, они еще пока находятся в разработке, поэтому я мало что могу сказать о них сейчас. Но когда они будут готовы к выпуску, я обязательно объявлю об этом на нашем сайте www.imaginismstudios.com .

* С чего ты начинаешь разработку персонажа? Схарактера персонажа, жанра или ситуации? Я могу приближаться к персонажу разными путями, в зависимости от того, какова моя исходная идея. Иногда это ситуация, как в моей картинке «Передовая линия обороны» (“The First Line of Defense”), вся ирония которой заключается в том, что солдаты выталкивают короля (который обычно должен находиться в безопасности, в тылу, подальше от битвы) вперед, чтобы он сражался с драконом ( прим. пер. -http:// www.imaginismstudios.com/images/forums/ dragon02.jpg). Иногда идея начинается с создания характера, как в моей работе « Побег морковки» (“Carrot Run”), где я сначала представил себе такого смешного коротышку, который бежит в костюме морковки, и подумал, что вот будет забавно, если я создам кого-то, кто гонится за ним, и на этом построил всю остальную картинку. Неважно, откуда начинается вдохновение, от персонажа или от ситуации, все годится, если вы сможете как следует развить начальную идею. * Как ты продвигал свои работы и когда пришло признание, после какой твоей работы о тебе заговорили всерьез? К мысли о том, что мои работы надо продвигать, я пришел, можно сказать, случайно. Компания Alias Wavefront, создатели Alias Sketchbook Pro, объявили конкурс на лучшую работу, созданную с помощью их софта. Я зарегистрировался и нарисовал картинку «Чувство необъяснимого страха» (“Eerie Feeling”) (прим. пер. - http://www. imaginismstudios.com/images/port/eeriefeeling-girl-portrait.jpg ). Я потратил около 6 часов на всю работу и, закончив ее, страшно возгордился, но совершенно не подумал о том, что я действительно могу выиграть с ней конкурс. Я предполагал только, что, делая конкурсный рисунок, я потренируюсь в том, чтобы выставлять свои работы для обширной аудитории. (Для начинающего художника очень страшно бывает долго работать над своим произведением, а потом отдать его на растерзание критики.) Конечно, я надеялся выиграть какой-нибудь приз, но не осмеливался думать о первом месте, что, самое удивительное, и случилось на самом деле. Больше того, «Чувство необъяснимого страха» стало обложкой для программы Sketchbook Pro, чем я очень горжусь. С этого и началась реклама моих работ. «Чувство необъяснимого страха» ста-

ло также основным уроком в альбоме «Как рисовать девушек» (“Girl Sketches”), первом альбоме нашей студии. * Что ты больше предпочитаешь: CG или традиционный рисунок и живопись, и почему? Какие твои любимые инструменты и материалы, которые ты используешь при рисовании? На этот вопрос очень трудно ответить, поскольку я считаю, что каждый метод может найти применение, поэтому я не думаю, что какой-то из них может быть приоритетным, а все зависит от ваших собственных пристрастий. Лично я определенно нахожу, что цифровая живопись дает мне большую свободу для претворения моего видения в жизнь. Впрочем, вынужден признать, что я также много рисую и делаю наброски в традиционной технике, потому что это дает основные навыки, которые, по моему мнению, каждому художнику необходимо развивать и практиковаться в них, чтобы быть на уровне в других, более сложных областях. У меня нет предпочтений в традиционных материалах. В зависимости от этапа я могу в основном работать мягким карандашом, а на следующей неделе больше пользоваться пастелью, или еще как-нибудь. Мой обычный стандарт – это шариковая ручка на обычной бумаге для набросков, поскольку это то, что можно легче всего найти под рукой или носить с собой. * Расскажи, на основании чего ты создаешь своих персонажей и каким образом рождаются идеи? Используешь ли какие-нибудь определенные методы или, может, подсматриваешь формы и идеи в природе? В общем, хотелось бы узнать твои приемы создания персонажей и много ли времени уходит на создание каждого? Я беру идеи от всего, что меня окружает, и трудно назвать какой-то конкретный, более предпочтительный метод. Я думаю, лучший « вдохновительный инструмент», которому художник может сам себя научить, это свободная ассоциация. Мы ежедневно видим вокруг себя множество необычных вещей. Весь прикол в том, чтобы определить эту необычность и суметь использовать ее в стартовой точке, а потом освободить ваше воображение. Я уже говорил, что идея моего «Побега морковки» началась. малыша в морковкином костюме. Так вот, этот коротышка пришел мне на ум, когда я стоял в овощном отделе супермаркета и пялился на самую короткую и самую толстую. *

1. На этот вопрос очень трудно ответить, поскольку я считаю, что каждый метод может найти применение, поэтому я не думаю, что какой-то из них может быть приоритетным, а все зависит от ваших собственных пристрастий. 2. Лично я определенно нахожу, что цифровая живопись дает мне большую свободу для претворения моего видения в жизнь. 3. У меня нет предпочтений в традиционных материалах. В зависимости от этапа я могу в основном работать мягким карандашом, а на следующей неделе больше пользоваться пастелью, или еще как-нибудь. 4. Мой обычный стандарт – это шариковая ручка на обычной бумаге для набросков, поскольку это то, что можно легче всего найти под рукой или носить с собой. 5. Впрочем, вынужден признать, что я также много рисую и делаю наброски в традиционной технике, потому что это дает основные навыки, которые, по моему мнению, каждому художнику необходимо развивать и практиковаться в них, чтобы быть на уровне в других, более сложных областях.

Дело «Войны» возобновлено

«Политеатр» к :К

Политехнический музей и театр «Практика» объявили об открытии «Политеатра», который разместится в Большой аудитории музея. «”Политеатр” призван продолжить традицию Большой аудитории, исторически сочетавшей просветительство и современное искусство, и вернуть особую роль этого места в российской культурной жизни, — говорится в пресс-релизе проекта. — Большая аудитория стала ключевой площадкой новой русской поэзии начала ХХ века, а позже – символом оттепели 60-х, временем взлета советской поэзии». Политехнический музей и театр «Практика» объявили об открытии «Политеатра», который разместится в Большой аудитории музея. «”Политеатр” призван продолжить традицию Большой аудитории, исторически сочетавшей просветительство и современное искусство, и вернуть особую роль этого места в российской культурной жизни, — говорится в пресс-релизе проекта. — Большая аудитория стала ключевой площадкой новой русской поэзии начала ХХ века, а позже – символом оттепели 60-х, временем взлета советской поэзии». Арт-директором «Политеатра» станет Эдуард Бояков, режиссер, продюсер, художественный руководитель театра «Практика», арт-директор пермского театра «Сцена-Молот». Репертуар театра составят театральные постановки, поэтические и музыкальные концерты c участием Вениамина Смехова, Алисы Хазановой, Алисы Гребенщиковой, Владимира Мартынова, Владимира Агеева, Филиппа Григорьяна, Веры Полозковой и других артистов. «Обращение к современной культуре исторически закономерно для Политехнического музея и созвучно сегодняшнему дню, — заявил генеральный директор Политехнического музея Борис Салтыков. — Мы ищем новые формы диалога со своей аудиторией и вовлекаем в него тех, кто к нашей аудитории до сих пор не относился». Открытие «Политеатра» состоится 16 марта 2012 года. Большая аудитория Политехнического музея была открыта в 1907 году в Северном корпусе здания. Здесь проходили научные лекции, публичные дискуссии, поэтические чтения и т.п. Арт-директором «Политеатра» станет Эдуард Бояков, режиссер, продюсер, художественный руководитель театра «Практика», арт-директор пермского театра «Сцена-Молот». Репертуар театра

иестьи #1 весна 2012

: .Чк

П :М кФ

составят театральные постановки, поэтические и музыкальные концерты c участием Вениамина Смехова, Алисы Хазановой, Алисы Гребенщиковой, Владимира Мартынова, Владимира Агеева, Филиппа Григорьяна, Веры Полозковой и других артистов. «Обращение к современной культуре исторически закономерно для Политехнического музея и созвучно сегодняшнему дню, — заявил генеральный директор Политехнического музея Борис Салтыков. — Мы ищем новые формы диалога со своей аудиторией и вовлекаем в него тех, кто к нашей аудитории до сих пор не относился». Открытие «Политеатра» состоится 16 марта 2012 года. Большая аудитория Политехнического музея была открыта в 1907 году в Северном корпусе здания. Здесь проходили научные лекции, публичные дискуссии, поэтические чтения и т.п. Политехнический музей и театр «Практика» объявили об открытии «Политеатра», который разместится в Большой аудитории музея. «”Политеатр” призван продолжить традицию Большой аудитории, исторически сочетавшей просветительство и современное искусство, и вернуть особую роль этого места в российской культурной жизни, — говорится в пресс-релизе проекта. — Большая аудитория стала ключевой площадкой новой русской поэзии начала ХХ века, а позже – символом оттепели 60-х, временем взлета советской поэзии». Арт-директором «Политеатра» станет Эдуард Бояков, режиссер, продюсер, художественный руководитель театра «Практика», арт-директор пермского театра «Сцена-Молот». Репертуар театра составят театральные постановки, поэтические и музыкальные концерты c участием Вениамина Смехова, Алисы Хазановой, Алисы Гребенщиковой, Владимира Мартынова, Владимира Агеева, Филиппа Григорьяна, Веры Полозковой и других артистов. «Обращение к современной культуре исторически закономерно для Политехнического музея и созвучно сегодняшнему дню, — заявил генеральный директор Политехнического музея Борис Салтыков. — Мы ищем новые формы диалога со своей аудиторией и вовлекаем в него тех, кто к нашей аудитории до сих пор не относился». Открытие «Политеатра» состоится 16 марта 2012 года. Большая аудитория Политехнического музея была открыта в 1907 году в Северном корпусе здания. Здесь проходили научные лекции, публичные дискуссии.

*дружеское общество любителей интересного

география: м. Пушкинская текст: Карина Пагосян фото: Маск Фильс

20 февраля стало известно об очередном возобновлении уголовного дела в отношении активистов группы «Война» в связи с акцией «Дворцовый переворот», сообщает сайт free-voina.org. Дмитрий Динзе узнал о возобновлении от следователя СК Р. Рудя. «Я вчера позвонил следователю Рудю, чтобы забрать по доверенности вещи Леонида и спросил о дальнейшей судьбе уголовного дела, — рассказал Динзе. — Мне следователь ответил, что прокуратура признала прекращение уголовного дела в отношении Николаева и Воротникова незаконным и необоснованным и дала указание продолжить следствие по машинкам. Следователь сказал, что обвиняемые по уголовному делу его не интересуют, он допрашивает свидетелей и проводит иные следственные мероприятия, соответственно какие-либо вещи пока возвращать не будет. Договорились созвониться в понедельник». Акция «Дворцовый переворот» состоялась в сентябре 2010 года. Участники группы перевернули несколько милицейских машин. 24 сентября против активистов Олега Воротникова и Леонида Николаева было возбуждено уголовное дело по статье 213 УК РФ (хулиганство). В октябре 2011 года Следственный комитет РФ принял решение о прекращении расследований в отношении Воротникова и Николаева, однако позже дела были возобновлены. В ноябре 2011 года социологическая экспертиза, проведенная по инициативе следствия, показала, что в акции «Дворцовый переворот» арт-группы «Война» мотивов разжигания ненависти по политическим, идеологическим, национальным, расовым или религиозным признакам нет. В январе 2012 года появилась информация об очередном прекращении преследования активистов.

* Уголовные дела активистов группы «Война» Олега Воротникова и Леонида Николаева, обвинявшихся в хулиганстве по статье 213 УК РФ за акцию «Дворцовый переворот», прекращены. Об этом сообщается на официальном сайте группы. На сайте также выложены копии постановлений о приостановлении предварительного расследования. «Я вчера позвонил следователю Рудю, чтобы забрать по доверенности вещи Леонида и спросил о дальнейшей судьбе уголовного дела, — рассказал Динзе. — Мне следователь ответил, что прокуратура признала прекращение уголовного дела в отношении Николаева и Воротникова незаконным и необоснованным и дала указание продолжить следствие по машинкам. Следователь сказал, что обвиняемые по уголовному делу его не интересуют, он допрашивает свидетелей и проводит иные следственные мероприятия, соответственно какие-либо вещи пока возвращать не будет. Договорились созвониться в понедельник». Акция «Дворцовый переворот» состоялась в сентябре 2010 года. Участники группы перевернули несколько милицейских машин. 24 сентября против активистов Олега Воротникова и Леонида Николаева было возбуждено уголовное дело по статье 213 УК РФ (хулиганство). В октябре 2011 года Следственный комитет РФ принял решение о прекращении расследований в отношении Воротникова и Николаева, однако позже дела были возобновлены. В ноябре 2011 года социологическая экспертиза, проведенная по инициативе следствия, показала, что в акции «Дворцовый переворот» арт-группы «Война». мотивов разжигания ненависти по политическим, идеологическим.

новостиискусствамосква

Вездесущая Кусама

Клоуны остались

география: м. Сокол текст: Карина Пагосян фото: Маск Фильс

Творчество Яои Кусама можно свести к двум мотивам: «полька дот» (узор в горошек) и скульптурные композиции-аккумуляции. Все остальное лишь дело медиума, с помощью которого эти мотивы реализуются. Им может оказаться холст, мебель, человек, кинопленка, зеркало – одним словом, весь арсенал поверхностей, используемых современным искусством. Обычно выставки Кусама порождают настоящие вспышки эпидемий, заражая деревья, парки и площадки около музеев своим узором в крапинку. Но ретроспектива, проходящая сейчас в Тейт Модерн, выглядит на редкость скромно. Куратор реконструирует траекторию развития стиля художницы со всеми его превратностями: сменой техник, перемежением мотивов, переездами из Японии в Нью-Йорк и обратно. Но, к сожалению, выставка не стремится добавить ничего нового к сказанному самой Кусама, и все эти «прыжки» в цвете, размере и технике сопровождаются лишь пояснительными биографическими сносками. Здесь нет ни четко обозначенной темы, ни свежего взгляда на известные работы, ни неожиданных противопоставлений. Яои Кусама позирует на фоне одной из своих агрегаций на выставке «Тысяча лодок». 1963. Галерея Гертруда Штайн, Нью-Йорк© Yayoi Kusama and © Yayoi Kusama Studios Inc. И если куратор не предлагает нового прочтения, то от художницы его тем более не стоит ожидать. Тот, кому попадалась хотя бы одна статья про Кусама, прекрасно знает об ее имидже безумной художницы. Если верить словам художницы, она с юности страдает галлюцинациями. Говорит она об этом так часто, что начинает казаться, что если Кусама от чего и страдает, то от ипохондрического расстройства. Некоторые дотошные критики даже специально исследуют все высказывания художницы, чтобы подловить ее на нелепицах и противоречиях. Если же проанализировать «обсессивные» работы Кусама, то и они вызывают подозрения в спекуляции. Как полагал специалист по искусству аутсайдеров Ханс Принцхорн, орнаментальная проработка, навязчивое копирование и узорчатый порядок – отличительные черты искусства душевнобольных. Но несмотря на то, что эти характеристики подходят Кусама. от ее картин не веет потусторонностью. , как это обычно бывает с творчеством аут-

география: м. Курская текст: Карина Пагосян фото: Маск Фильс * Съемочная группа тоже была готова ко многому – кроме того, что рука судьбы окажется главным продюсером фильма. Фатум вмешивался всюду, даже в кастинг, хотя с самого начала было решено, что играть в фильме должны только свои, друзья, и многие персонажи вообще писались под конкретных людей. Но люди – штука ненадежная. Они отказывались, уезжали или просто исчезали. Например, роль про ходимца-продюсера, цитирующего по памяти Уорхола, Макларена и Беньямина, должен был играть питерский человеклегенда Глеб Михайлов (звезда трэшрежиссуры, снявший два фильма-пародии – боевик «Черный фраер» и зомбифэнтези «Маша Портер и волшебное кольцо»). Одно время Михайлов действительно носился с идеей раскрутки двойника Цоя (питерская группа «Виктор», именно ее песни поет в фильме имперсонатор Рома-легенда) и даже снял на одолженные у серьезных людей.

Деньги концертный зал в Питере. Какой-то момент стало ясно, что герой должен цитировать Уорхола и вообще быть человеком сложноватым, а неведающий обходных путей эгоцентрик Михайлов мог говорить только от собственного лица. Так что роль переписали под интеллектуала Сергея Попова (московский художник и режиссер, ученик Владимира Кобрина). Съемочная группа тоже была готова ко многому – кроме того, что рука судьбы окажется главным продюсером фильма.

Фатум вмешивался всюду, даже в кастинг, хотя с самого начала было решено. Что играть в фильме должны только свои, друзья, и многие персонажи вообще писались под конкретных людей. Но люди – штука ненадежная. Они отказывались, уезжали или просто исчезали.

На протяжении последних лет пяти конкурс Московского кинофестиваля имеет двух по бедителей. Если официально статуэтку Георгия Победоносца получает какое-нибудь сенильноблагопристойное кино, то неофи циальным победителем становится дичайшая экстраваганза, включенная в программу проказниками из отборочной комиссии. В этом году такой дулей стал фильм Сергея Лобана «Шапитошоу». Впрочем, жюри тоже прониклось симпатией к «Шапито» и вручило Лобану Спецприз. Следуя апокрифическому завету Ильича, «Шапито-шоу» соединяет в себе два из важнейших для нас искусств – кино и цирк. Композиционно это полиптих, каждая из четырех частей которого посвящена основным формам человеческих отноше ний: любви (между шизоидным рохлей Киберстранником и живой девочкой Верой), дружбе (между глухонемыми), уважению (тут имеется в виду конфликт отца и сына) и сотрудничеству (несколько занудная, но полная авантюрного шарма история раскрутки двойника Виктора Цоя). Все персонажи сквозные – с окончанием своего сюжета они не теряются, а отступают на второй план, появляясь в качестве второстепенных героев в других историях. Действие всех четырех новелл происходит в Крыму, куда герои, каждый своей дорогой, прибывают, чтобы начать другую жизнь с новыми друзьями и неожиданно обретенными близкими. Увы, курорт сталкивает их со старой сартровской максимой «ад – это другие». В финале каждой из частей протагонист выходит на сцену шапито-шоу и поет проникновенную исповедальную песню о злой судьбе и потере иллюзий. В перерывах между ламен тациями в шапито проходит невыносимо смешное шоу двойников. Фильм длится почти четыре часа, и этот циклопический размах – прямое следствие маргинального положения режиссера Лобана и сценаристки Марины Потаповой. Как и всякое выстраданное, сделанное словно в последний раз произведение, «Шапито» бросает отсвет на все стороны жизни, в том числе и конкретной жизни конкретных людей. Актеры и персонажи тут неотделимы друг от друга, каждый герой – резонер, а за любым каламбуром, звучащим с экрана, стоит какой-то случай из жизни. Авторы

были готовы говорить о съемках часами, мы же постарались выбрать из их воспоминаний все наименее эзотерическое. Крым. Вы, конечно, думаете, что все это будет цирк? Ну да, «Шапито-шоу» и вправду собрано из эйзенштейновских аттракционов: вот киберпридурок в майке с лошадками идет топиться в картину Айвазовского, вот девочка-припевочка впервые в жизни обнимает бутылку портвейна и плачет, вот Петр Николаевич Мамонов превращается в лысого черта, а вот двойник Виктора Цоя байроническим инкогнито ходит по курортному пляжу. Действительно смешно. Но вообще-то это, конечно, драма – и достаточно надрывная. Четыре комические новеллы о москвичах, которые отправились на курорт, чтобы найти себя, а вместо этого растеряли друзей, иллюзии, любовь и капитал, отравлены бытовым экзистенциализмом – печальным ощущением потерянности и одиночества в земном раю. Да и рай ли вообще этот Крым? И почему именно Крым? Отвечает сценаристка Марина Потапова: Я очень долго не могла понять, чем хорош Симеиз. Года три. Мы же туда же несколько раз ездили, знакомились со всеми. Привез нас в Симеиз Бобер (Алексей Левин, ассоциативный продюсер фильма. – «Артхроника»), который там с 1987 года отдыхает. Он нас так уговаривал, что, мол, там парадиз. И вот мы стоим, перед нами какое-то говнокафе с караоке, в небе прожектора танцуют и пьяные отдыхающие повсюду. Приехали. Дальнейшее знакомство с достоприме чательностями, судя по скупым полевым сводкам, было похоже на удаленную сцену из самого фильма. Вино, новые друзья, Се вастополь, Симеиз, «в первый день на море ходят только лохи». В итоге группа остает ся ночевать на автостанции: в разгар сезона в Крыму невозможно снять даже собачью будку – в них ютятся сами местные. О кри зисе жилья на полуострове свидетельствует режиссер Сергей Лобан: Вот те сараи с голубыми дверьми, в котором вписывается Киберстранник с Верой, – это Гурзуф. Там на самом деле живут не отдыхающие, а хозяева. Рядом дом двухэтажный, с нормальными квартирами. Вот эти квартиры они сдают, а сами все лето ютятся в сараюшках. Мы, как приехали, увидели, что люди заходят в этот сарайчик, и тут же в сценарии. прописали эту халабуду. Они, конечно, поначалу нас туда пускать не хотели, потому что никто про это вроде не должен знать. Теневая экономка!

Dust and Scratches Gallery

текст: Якубова Мария фото: Ричард Гир

1. Фатум вмешивался всюду, даже в кастинг, хотя с самого начала было решено. Что играть в фильме должны только свои, друзья, и многие персонажи вообще писались под конкретных людей. 2. Но люди – штука ненадежная. Они отказывались, уезжали или просто исчезали. 3. Например, роль про ходимца-продюсера, цитирующего по па мяти Уорхола, Макларена и Беньямина, должен был играть питерский человек-легенда Глеб Михайлов (звезда трэшрежиссуры, снявший два фильма-пародии – боевик «Черный фраер» и зомбифэнтези «Маша Портер и волшебное кольцо»). 4. Одно время Михайлов действительно носился с идеей раскрутки двойника Цоя (питерская группа «Виктор», именно ее песни поет в фильме имперсонатор Рома-легенда) и даже снял на одолженные у серьезных людей деньги концертный зал в Питере. 5. Но в какой-то момент стало ясно, что герой должен цитировать Уорхола и вообще быть человеком сложноватым, а неведающий обходных путей эгоцентрик Михайлов мог говорить только от собственного лица.

6. Так что роль переписали под интеллектуала Сергея Попова (московский художник и режиссер, ученик Владимира Кобрина).

*дружеское общество любителей интересного

20 ноября 1989 года, в понедельник, в южном районе Лондона, не отличавшемся высокой преступностью, Кэрол Диксон, девятнадцатилетняя подсобная работница в магазине, была забита до смерти между десятью пятнадцатью вечера и полуночью. Примерно в девять пятьдесят она попрощалась с подружкой Линдзиэнн Троттер, у которой смотрела «Коронейшн-стрит», «Бруксайд» и «Дар судьбы». Она жила с родителями в комплексе «Рейлендс», и домой ей идти было ярдов семьсот, но она не пришла. Родители, решив, что они с Линдзиэнн, несмотря на понедельник, отправились в дискотеку, легли в одиннадцать, как ложились обычно, хоть Кэрол была дома, хоть нет. Тело их дочери обнаружил наутро мойщик окон. Оно лежало на палой листве и разбросанных голых кустиках ки-

7. Но в какой-то момент стало ясно, что герой должен цитировать Уорхола и вообще быть человеком сложноватым, а неведающий обходных путей эгоцентрик Михайлов мог говорить только от собственного лица. 8. Уорхола и вообще быть человеком сложноватым, а неведающий обходных путей эгоцентрик Михайлов мог говорить только от собственного лица.

репортажискусствасобытие

зильника в полутора с лишним милях от «Рейлендс» — на улице Олд-Энджин-уэй. Не захотев, как он потом сказал, «ни во что такое ввязываться», мойщик вновь уселся на велосипед и поехал дальше; час спустя о том, что в кустах на Олд-Энджин-уэй лежит труп, донесли школьники. Поскольку было известно, что мойщик — его звали Рональд Крэйг Томас — в будни каждое утро ездит по этой улице, его позднее оторвали от работы и допросили. В радиосообщении о трагедии, прозвучавшем в середине дня, этот факт был отражен: полиция, мол, уже располагает полезными показаниями одного мужчины. Сказали еще, что Кэрол Диксон перед смертью подверглась изнасилованию. На радио либо что-то недопоняли, либо домыслили от себя. Изнасилования не было. 20 ноября 1989 года, в понедельник,

в южном районе Лондона, не отличавшемся высокой преступностью, Кэрол Диксон, девятнадцатилетняя подсобная работница в магазине, была забита до смерти между десятью пятнадцатью вечера и полуночью. Примерно в девять пятьдесят она попрощалась с подружкой Линдзиэнн Троттер, у которой смотрела «Коронейшн-стрит», «Бруксайд» и «Дар судьбы». Она жила с родителями в комплексе «Рейлендс», и домой ей идти было ярдов семьсот, но она не пришла. Родители, решив, что они с Линдзиэнн, несмотря на понедельник, отправились в дискотеку, легли в одиннадцать, как ложились обычно, хоть Кэрол была дома, хоть нет. Тело их дочери обнаружил наутро мойщик окон. Оно лежало на палой листве и разбросанных голых кустиках кизильника в полутора с лишним милях. *