Arte y Vida, Ciudad de Amereida.

Arte y vida Ciudad Abierta De

Amereida

Carola Hermosilla Emil Canales Johans Peñaloza Leyla Nieto Max Peña Nicole Droppelmann Valentina Piñones Valeria Rivero

Ingrid Wildi Merino Seminario de Arte Contemporáneo UNIACC

2018

Arte y vida Ciudad Abierta De

Amereida 2018

Prólogo Esta revista surge desde el marco teórico del seminario, Arte Contemporáneo Arte y vida en la Universidad de Artes, Ciencias y Comunicación UNIACC, en Santiago de Chile; donde se analizan por medio de lecturas de trabajos de artistas como: Allan Kaprow, Joseph Beuys, Hélio Oiticica, Lygia Clark, Fernando Bryce, León Ferrari y Pedro Reyes. Como también el análisis histórico de trabajos performáticos de artistas chilenos, desde el libro: Performance art en Chile de Francisco González Castro, Leonora López, Brian Smith. También como metodología y análisis de trabajo desde el seminario Arte y vida se visito la localidad de Ritoque, obra arquitectónica de Alberto Cruz Covarrubias y Godfredo Iommi “Ciudad Abierta”, en la Comuna de Quintero, en la Región de Valparaíso.

Pensando en la relación entre Arte y vida, donde se analiza la creatividad de procesos colectivos a partir de lecturas en clases y problematización de algunas tendencias en el Arte Contemporáneo desde diferentes contextos geográficos y culturales sobre: ¿Si el arte puede influir en la vida? o ¿Si el arte puede construir realidades?. En esta revista los estudiantes realizan diferentes ensayos reflexionando sobre las producciones de obras desde diferentes contextos culturales sea europeos, norteamericanos o latinoamericanos, y sus maneras de dar forma a sus ideas, producciones artísticas. Estos trabajos plantean, una identificación entre Arte y vida, proponiendo una mirada critica sobre las diferentes formas de producción para abrir un campo de reflexión desde un análisis situado localmente en Chile, sobre la producción artística contemporánea. Esto se demuestra con los textos de los estudiantes del seminario Arte y vida: Vivir y morir a la luz de la Eneida de Carolina Hermosilla, Arte y política y la relación con su entorno de Emil Canales, Civilizar de Johans Peñaloza, ¿El arte Sana? de Leila Nieto Pazzaro, La performance en Chile de Máximo Peña, Experiencia por contexto de Valentina Piñones Ocares, La vida como obra de arte de Nicole Droppelmann; y la relación del Happening mediante Allan Kaprow y P. Reyes. de Valeria Rivero.

Ingrid Wildi Merino.

Profesora del seminario Arte Contemporáneo, Arte y vida.

Universidad de Artes, Ciencias y Comunicación UNIACC Agosto 2018

“Vivir y morir a la luz de la Eneida” “La norma de esta gratitud, la forma de este amor para nosotros es asumir lo desconocido. Y lo desconocido en todos los niveles y en el nivel inmediato, general, concreto que tenemos a mano, podríamos hablar de lo desconocido de la gratitud, de lo desconocido del regalo, de lo desconocido de la muerte y por lo tanto de lo desconocido de las relaciones humanas, que deben aflorar un día con caracteres propios entre los seres de América, está lo desconocido, aún, geográfico. (...) Travesía de la carencia, travesía de lo impropio, travesía de los muertos, y el modo de vivir y de morir a la luz de La Eneida.”-1 “Eneida”, poema del poeta Virgilio, poema de la latinidad. Historia del héroe Eneas. Tras la destrucción de Troya, el héroe parte en búsqueda de una nueva patria. Posterior a lugares equívocos y naufragios en su larga travesía; ya en el “Mundo de los Muertos” se encuentra con su padre, quien esclarece el destino anhelado: Lazio, donde se fundaría Roma . Eneida otorgaría la claridad para ver a América, la cual sin haber sido buscada aparece como un presente inesperado. América es un regalo.

Alberto Cruz Covarrubias y Godofredo Iommi se unen para gestar y direccionar lo que sería este encuentro; el acto fundante poético que culminaría como el “Mito de América”. La “travesía de Amereida” fué el viaje que pretendió seguir el eje marcado en los cielos por la constelación de la Cruz del Sur, desde el Cabo de Hornos y Bolivia. El punto de encuentro y central de la cruz se halló precisamente en Santa Cruz de la Sierra, presentada como la capital poética y centro de América. Participaron arquitectos, artistas, filósofos y poetas, los que a lo largo del camino, llevaron a cabo obras y actos poéticos en los que se presentaba a la arquitectura y la forma como primera manifestación de habitar el continente.

Alberto Cruz Covarrubias (Chile; 1917-2013) fue un arquitecto sin obra; más aún, en su docencia en la Pontificia Universidad Católica de Valparaíso por más de 60 años, se han graduado generaciones de estudiantes bajo su revolucionaria y transformadora forma de enseñanza de la arquitectura, en la que se aúnan ARTE Y VIDA, de manera integral de la mano del estudio de la filosofía, las artes, matemáticas, la historia y la poesía…

Godofredo Iommi (Argentina; 1917-2001) poeta de las vanguardias surrealistas cual concebía una poesía capaz de ser hecha por todos; a los 21 años forma parte de “La Santa Hermandad de la Orquídea”, con quienes realiza una “aventura” en 1940 por el Amazonas. Este viaje se plantearía como el primer indicio para las futuras travesías por latinoamérica. Junto a Cruz Covarrubias dan inicio a un nuevo sentido de arquitectura, la que estaría directamente acoplada a la palabra y a la vida misma.

-1- Eneida - Amereida. Iommi, Godofredo.

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La poesía revela el lugar, y la arquitectura tomaría de ésta para construir conforme al lugar, por el lugar. Arquitectura no entendida más ni enseñada restringida a lo metódico. El aprendizaje se realiza en el “hacer”, el dibujo y la observación al entorno y lo cotidiano dan importante relevancia al contexto.

No solo se piensa la arquitectura desde las formas, sino desde quien y como las habita.

La colectividad y experimentación se practicó tanto desde los docentes de la escuela de Arquitectura de la PUCV y del Instituto de Arquitectura (cerro Castillo; 1952), quienes investigaban Valparaíso para enseñar, como por los estudiantes, a quienes se les entregaban métodos sobre los cuales debían trabajar.

La observación, dibujar lo observado y escribir lo que se piensa de ello transmutan la vivencia en reflexión; bautizada por Cruz Covarrubias como “EL ACTO”, una comprensión anterior a la forma.

Experiencia del espacio: Cómo el hombre puede habitar.

En esta concepción del habitar el continente; entendiéndose como tierra colonizada e inexplorada (Colón nunca llegó a América, buscaba las Indias), surge la Travesía de Amereida, y con ella (desde 1984) otras travesías hasta la actualidad. Se efectúan “ligeras” obras que generan símbolos, signos que se donan al lugar visitado y al camino con el mismo fin de lograr la habitacion del espacio Americano.

Deviniendo a la necesidad de la creación de un lugar propio de emplazamiento, en la convergencia de actos poéticos y el pensamiento colectivo en un espacio “único”, nace “Ciudad Abierta” (Ritoque; 1971); escuela de humanismo y vida. Esta ciudad fundada desde la utopía, atenta contra la solidez de las urbes de cemento, interviniendo de manera mínima el paisaje natural, erigiéndose sobre dunas. Las huellas del tránsito de sus habitantes se pierden con el viento. Todo parece leve, grácil, efímero.

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Las edificaciones de Ciudad Abierta han sido pensadas por la zona y su contexto. Ejecutadas por docentes y estudiantes de la escuela de Arquitectura y Diseño de la PUCV son construidas desde el interior hacia afuera, posibilitando una sincronía plena de las formas en relación al cuerpo con el espacio.

Los planos son elaborados posterior a la construcción, no es el metodo quien rige las disposiciones materiales si no el hacer. En la ciudad se encuentran ágoras, hospederías, espacios para ser recorridos, capilla, anfiteatro y el cementerio. Lugares para hablar, pensar, vivir y morir en pos de la experiencia del aprendizaje y la creación en una visión desde la colectividad entre habitantes, huéspedes y visitantes de Ciudad Abierta.

Cuerpo, forma y espacio fluyen al unísono, en armonía. Arte, poesía y arquitectura, convergen como evidencia del oficio traducido al habitar el mundo, haciendo patria desde el ensueño de la autonomía continental. América anhelada, amada, experienciada y vivenciada por nosotros; hijos del mestizaje. Hoy descubridores y fundadores de esta tierra...

Eneida - Amereida. Edición anotada . Iommi, Godofredo https://wiki.ead.pucv.cl/Eneida_-_Amereida._Edici%C3%B3n_anotada Alberto Cruz: Arquitectura y pensamiento poético. Una belleza Nueva http://www.otrocanal.cl/video/alberto-cruz-arquitectura-y-pensamiento-potico Amereida I - 1967. Varios autores https://wiki.ead.pucv.cl/Amereida Eneida - Amereida. Iommi, Godofredo. https://www.ead.pucv.cl/1982/eneida-amereida/

Carola Hermosilla

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Arte y politica y la relación con su entorno

La distancia entre la idea de la vida y el arte se volvió más cercana durante el siglo XX, como una combinación de la forma en que vive un artista y entiende su trabajo dentro del margen de lo cotidiano. De esta forma, varias obras se relegaron por medio de acciones individuales o colectivas, influyendo en el día a día de sus comunidades, contextos y espacios públicos. Así mismo ¿Cómo el arte y la política, se relación con el entorno del artista? Para ahondar en ello, Joseph Beuys y Hélio Oiticica sirven como un claro ejemplo de este proceder artístico.

Dentro de las vanguardias artísticas, el grupo Fluxus fue un movimiento concebido por las artes visuales y con la música de la mano a otras disciplinas, cuestionando el lucro dentro del mercado del arte, la Guerra Fría y la situación en que se encontraba la sociedad en ese momento. Para estos artistas, la creación es vista como una experiencia de vida, abriendo la posibilidad optimista de que cualquier persona pueda ser artista. Manteniéndose en los años sesenta y setenta, generó respuestas en distintos lugares alrededor del mundo. De esta corriente emergieron artistas reconocidos como el artista alemán Joseph Beuys y el brasileño Hélio Oiticica.

En Brasil, tanto en el concepto como en la práctica, un grupo de variados artistas trabajaron con el arte y la vida afectando su forma de producir y entender una obra, respondiendo al contexto de su época. Entre ellos, Hélio Oiticica fue muy destacado como pilar fundamental en el arte contemporáneo brasileño. Durante 1959, funda el Neo-concretismo junto a otros artistas contraponiéndose al status quo del arte concreto y objetual, pensando la obra desde la relación espacio-espectador, tomando un carácter envolvente como es el caso de Grande Núcleo desar-

rollado entre 1960 y 1966. Consta de un camino de piedras, paneles amarillos combinados con otros en tonos de violeta, donde la instalación es la que te obliga ser parte de ella al contemplarla en su recorrido en vez de observar de forma externa. Además, consta de Invenção da cor, Penetrável Magic square # 5, De luxe que forma parte de un grupo de piezas que se articulan bajo la idea del square como figura y plaza pública. Si bien el artista no alcanzó a ejecutar este trabajo en vida, se preocupó de dejar instrucciones de su realización junto a una serie de diagramas.

Joseph Beuys trabajaba y entendía la vida desde el poder curativo que el arte puede efectuar sobre las personas, de manera personal o social. Su filosofía se entiende desde una experiencia que tuvo como militar del régimen alemán durante la Segunda Guerra Mundial. Siendo piloto de avión, en 1944 se estrella quedando al borde de la muerte. Bajo su suerte, fue salvado por unos nativos tártaros provenientes del lugar donde Beuys se accidentó. Envuelto en grasa y fieltro por esa comunidad, mantuvo su cuerpo sano y en calor, siendo este el motivo por el cual utiliza ambos materiales de forma reiterada en su obra.

El año 1974, I Like America and America Likes Me, sitúa al artista envuelto completamente en fieltro conviviendo tres días con un coyote, interactuando por medio de materiales (periódicos, bastón, fieltro) y conversaciones con el animal en la galería Rene Block de Nueva York, entendiéndolo como el reencuentro de la naturaleza con la cultura, o el indígena contra el colonizador. Por otro lado, la obra 7.000 Robles, consistió en plantar tal cantidad de árboles junto a una columna piedra basalto que fueron plantadas junto a los robles solo por voluntarios.

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con la praxis cotidiana, su efecto social”. De esta manera, llegó el arte a distintos públicos por el interés social de desplazarlo desde galerías y museos a las calles, tomando en cuenta el bienestar que logran generar en su entorno más que acentuar el desgaste o el problema detrás de su respectiva solución. La política siempre estuvo presente en ellos, sea ayudando y trabajando en sus espacios cotidianos o haciendo política directa como lo fue el Partido Alemán de Estudiantes de Beuys.

Es importante dejar en claro que al entablar relaciones con terceros se hace política, teniendo en cuenta que cada trabajo fue orientado a sanar y generar un bien público; demostrando el alto compromiso de estos dos artistas por hacer arte más allá del dinero, encontrando un punto en común entre su trabajo y la conciencia social.

Al fundir el arte con la vida, teniendo en cuenta la consecuencia y el compromiso de sus trabajos, generaron política al llevar su arte a públicos grandes y variados. La acción de por medio es lo que reafirma el enlace arte-vida, siendo la obra el resultado de la experiencia junto con el hecho concreto del artista. En lo que a Joseph Beuys conlleva, su acción define la obra en sí rompiendo el límite del espectador, el artista y la situación. Además, teniendo en cuenta que su intención en la performance del roble, es poner sobre la mesa el renacimiento en la naturaleza, ya que el roble es un árbol de crecimiento tardío y plantarlos en una gran cantidad es crear pulmones para el planeta.

También Helio Oiticica trabajó pensando en reutilizar y revivir ciertos elementos para el uso y contacto con terceros, afectando hasta el entorno en el cual convive su comunidad como es el caso de la plaza donde este espacio en sí, funciona para el espectador como área permanente de esparcimiento y convivencia, además acercarlos a la interacción entre forma, color, visualidad, en un espacio arquitectónico que se sitúa al aire libre. Citando a Andrea Giunta-1-, “la vanguardia quiere devolver al arte su relación

-1-Giunta, A. (2014). ¿Cuándo empieza el arte contemporáneo? p.18

Emil Canales 11

Civilizar

Para encontrar un palabra que se relacione con la vida en latinoamerica y lo que la hace ser lo que es, se me ocurrió Civilizar palabra que como verbo transitivo se refiere a -1-“Introducir en un país o en un pueblo la cultura de otro país o pueblo más desarrollado”; y en otros aspectos -2- “Mejorar el comportamiento de una persona y hacerla más sociable”.

) de la mano de como referentes como Fernando Bryce y León Ferrari, quienes a través de los propios medios de expresión y lenguaje que nos son propios; y que se nos entregó por la colonización, fomentan el análisis de este fenómeno, buscando así una reflexión sobre este acontecer en sus obras.

Actualmente gracias al acto de colonización, perdimos conexión con la identidad primitiva, referencias del pensamiento y las costumbres propias que pudieron darse en años anteriores a la colonización. Esto impulsa al imaginario asimilar las referencias culturales de occidente, como propia. Siendo este un método objetivo para interpelar al sistema social de que heredamos, creando nuevos símbolos, a través de los mismos símbolos que se constituyeron en el lugar de origen de la cultura colonizadora.

Por un parte tenemos la obra fernando bryce que parte desde su proceso “análisis mimético” un término práctico usado para definir la reproducción de imágenes de medios de comunicación de masas o fotografías tomadas por el mismo, en dibujos hechos en tinta. este proceso desemboca en series de dibujos que nos presentan un análisis de tiempo y circunstancias del estado humano en diferentes épocas y contextos de la historia.

Actualmente en latinoamérica nos encontramos en una edad post colonial, o como me gusta pensar post-civilizar, donde ya la el acto de colonización experimentado en el pasado, brinda a los herederos una modernidad que nos constituye a nivel de político, económico y social en el continente.

Gracias a esto crecemos en un entorno que toma como modelo los estilos de vida de las sociedades europeas y anglosajonas, puesto que fueron estos quienes nos Civilizaron. A raíz de esto, los individuos en latinoamérica crecieron durante 600 años sin dando como hecho este fenómeno. Engendrando mestizaje a nivel físico y de pensamiento. mestizaje que yuxtapone el lugar que ocupamos como individuos racional, haciéndonos habitantes civilizados por nuestros colonizadores, sin un vínculo históricamente válido para conectarnos con el pensamiento de las etnias originarias en este continente.

Este acto de poder ejercido sobre un pueblo por parte de las naciones colonizadoras occidentales, el cual es vital para comprender al individuo de este lado del mundo, surge como un hecho que a través del arte tiene su exposición de forma crítica. abriendo el diálogo al intelecto para posibles reconstituciones del devenir en el desarrollo humano.

-1- Real Academia Española. (2018). Diccionario de la lengua española (22.a ed.).

Consultado en http://dle.rae.es/srv/search?m=30&w=civilizar -2- Real Academia Española. (2018). Diccionario de la lengua española (22.a ed.).

Consultado en http://dle.rae.es/srv/search?m=30&w=civilizar

Es aquí donde tiene su origen manifestaciones del pensamiento que interpelan la vida de los latinoamericanos que han escogido el lenguaje del Artes ( expresión del pensamiento

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Materializando una diagramación de imágenes que dialogan entres si, proyectando de forma crítica la visión de Bryce sobre los acontecimientos que definieron la historia en la sociedades colonizadores (vale decir Europa y Estados Unidos) desde la visión que se da en la vida del colonizado (Latinoamerica).

Pertinentemente uno de los trabajos de Bryce que se crea en base a esta práctica de reproducción y que expresa un pensamiento desde la visión periférica del latinoamericano sobre el desarrollo de la humanidad sería su serie El Mundo en Llamas ( 2010-2011). pieza de 92 dibujos echos en tinta que reproducen imágenes de circulación en los medios de comunicación y de entretenimiento que en palabras del propio artista:

...El mundo en llamas que es la última serie grande que he hecho... aquí tengo dos categorías de imágenes no que son primeras planas de periódicos y imágenes del cine. Específicamente imagenes de la cartelera cinematográfica del diario el comercio de en este caso los años cuarenta, es decir es lo que e Lima se veía. Entonces me interesa contraponer, no; o yuxtaponer mejor dicho… los titulares de los periódicos que van un poco relatando, digamos, la guerra... el imaginario de ese momento del cine, y así surgió esta serie entonces así voy trabajando las series con distintos tipos de combinaciones de imágenes y buscando siempre como, una nueva perspectiva...-3 Es en esta yuxtaposición de escenarios, sujetos y creaciones del desarrollo humano plasmadas en portadas de diarios e imágenes del cine que Fernando Bryce disecciona y expone, cómo la guerra devasta al mundo y cómo el mundo escapa imaginariamente de esta devastación; un análisis del contraste de la realidad y el imaginario en los años de la segunda guerra mundial.

-3- Fundación Telefónica Perú. Fernando Bryce.(4 ene. 2012).”Fernando Bryce: Dibujando la historia moderna”. https:// www.youtube.com/watch?v=wMjwD_lvIgE

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0tro artista que ocupa una yuxtaposición de imágenes simbólicas para promover una crítica dura hacia el accionar de las potencias occidentales plasmada en su provocativa pieza “la sociedad occidental y cristiana”. Una figura de cristo montada sobre la réplica de un avión 107, usado en invasion de estados unidos a vietnam, la cual en su momento de exhibirse en el Instituto Di Tella en 1965, se convirtió en un escándalo y una ofensa a los valores cristianos, durante un convulsionado año a raíz de la guerra.

En palabras del propio León Ferrari, las cuales se usaron en el documental Leon Ferrari: Civilizacion, el artista afirma: -4-“el arte sirve para metamorfosear a los bombarderos norteamericanos en promotores de cultura... es un instrumento de dominación.”

Este instrumento de dominación símbolo que representa guerra, tecnología y una nación que domina el capital. Se contrapone con la imagen promotora de la moral y los buenos valores (Cristo).

Traduciendo el pensamiento sobre el autor de la obra en una crítica que ocupando la metáfora.

Trasciende la visión del arte sobre la vida y la condición humana en latinoamérica, tal como afirma ferrari -5-“como un atentado terrorista”, a las generaciones nacidas a fines de los ochenta, para los que el trabajo de León Ferrari cuestiona la sociedad que surge como consecuencia de una colonización tomando como medio para comunicar esta crítica los símbolos de la guerra, las formas de la violencia y la religión.

De estos pensamientos que surgen al analizar estas dos obras se presentan un problema en los métodos y guías de desarrollo para la humanidad, de la mano del pensamiento de dos creadores, estos dos artistas. Cuya relación con su vida y su arte, desembocó en una búsqueda por diseccionar y presentar, su propia visión crítica sobre el presente en latinoamérica.

El cual se sigue replicándose para mantener los intereses de las altas sociedades y la economía global. En una jerarquía continua, la cual continúa manteniendo la posición de poder de quienes buscaron Civilizar a la humanidad.

-4- Produc. Gastón Duprat, Mariano Cohn. Dir. Rubén Guzmán.(Abril, 2012).“León Ferrari: Civilización” . https://lalulula.tv/cine/no-ficcion/leon-ferrari-civilizacion -5- Produc. Gastón Duprat, Mariano Cohn. Dir. Rubén Guzmán.(Abril, 2012).“León Ferrari: Civilizaci ón”. https://lalulula.tv/cine/no-ficcion/leon-ferrari-civilizacion

Johans Peñaloza

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Clark, Pedro Reyes.

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-1- ROMERO, Alicia, GIMÉNEZ, Marcelo (sel.) [2004]. “Lygia Clark”, en ROMERO, Alicia (dir.). De Artes y Pasiones. Buenos Aires: 2005. www.deartesypasiones.com.ar

Lygia Clark, desde los principios de su carrera como artista, se interesó por las posibilidades terapéuticas que posee el arte, sus trabajos contenían elementos participativos, como el happening y la performance; la combinación artística y terapéutica en época de intensa creatividad espiritual fue muy influyente en el Brasil de los años 50 y posteriores-1-.

Buscó la liberación de las limitaciones de la pintura y su soporte, gradualmente pasó de la pintura a los objetos tridimensionales, anhelando una expresión orgánica básica.

Ubicándonos en las décadas del 50 y del 60 en Brasil, los concretistas comienzan a penetrar en las líneas de la abstracción europea apuntando a lo general y cósmico mientras profundizan en lo local y lo particular, en otras palabras, se basaron en la realidad de su contexto para abordar los dilemas contemporáneos; la vanguardia brasileña estaba expresando de manera explícita y sin precedentes la superación de un estancamiento constitutivo en la cultura occidental: la dualidad entre cuerpo y mente, entre lo sensorial y lo intelectual, entre el ojo y el espíritu cuando un grupo de artistas en Brasil (Lygia Clark, Helio Oiticica, Lygia Pape entre otros) daban inicio al movimiento artístico Neoconcretista.

La pregunta que surge por lo general cuando se piensa en el arte terapéutico es si acaso se puede considerar arte, o porqué es considerado arte, porqué genera dudas darle esa categoría e importancia a esta forma de expresión.

texto actual. Lygia

¿El arte Sana? Relación del Arte Terapéutico con el con-

Lygia Clark: Bicho, 1960/1984. Acero. Único.

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-1- Romero, Alicia, GIMÉNEZ, Marcelo (sel.) [2004]. “Lygia Clark”, De Artes y Pasiones.

Buenos Aires: 2005. www.deartesypasiones.com.ar -2- información extraída de https://en.wikipedia.org/wiki/Pedro_Reyes_(artist) -3- Reyes, P. (2013). Ideas peligrosas. Extraído de La Ciudad de las Ideas: https://www. youtube.com/watch?v=N-eJ4WIeNF8

Su trabajo que se orienta al estudio de las relaciones personales y el espacio físico y social, trata temas como las contradicciones de la vida que llevamos en el sistema neo liberal y desenfrenado.

…no es que pensara que el arte era una forma de expresar un sentimiento, sino una especie de experimento para comprobar una hipótesis […] Es un ejercicio de catarsis, porque para la mente una acción simbólica tiene un peso equivalente a una acción real…

Tratando de Pedro Reyes, (artista mexicano que utiliza la escultura, la arquitectura, el vídeo, la performance y la participación del público -2-) quien manifiesta que muchas veces el arte toca a la ciencia y viceversa, que esta relación nos enseña que es posible un mundo con mayor conciencia social, -3-

Según la Clark en el proceso de búsqueda de cambio de la sociedad, sus organismos vivientes (los objetos manipulables que formaban parte de su obra) adquirían forma y sentido cuando el cuerpo del espectador entraba en contacto con ellos. En su obra Bichos, se establece una interacción total y existencial, entre el espectador que se torna participante de la obra y su objeto orgánico.

Más tarde se aboca a la práctica psicoanalítica.

Junto a H. Oiticica se transforman en miembros claves para el movimiento neo-concretista-1- .

Entonces un poco lo que intenté hacer con mi obra que desarrollé durante el año pasado (2017) fue invitar a reflexionar, intentando comenzando un viaje, en el que se abriera el espacio tanto interior como exterior.

Partiendo de la base de que el Arte Contemporáneo es mi hogar, mi contexto más próximo en el cuál estoy inserta, es que nace mi necesidad de investigar acerca del autoconocimiento. Me llamaba la atención la vorágine en la que los artistas de estos tiempos se encuentran y como se espera que éste produzca obras, como si habláramos de autos en cadena de serie al mejor estilo fordista.

Ambos artistas apelan a otro enfoque entre ciencia y arte, entre espacio físico y comunicación personal. Uno y otro intentan llamar a una catarsis, a partir de ésta es que se puede contagiar las energías del cambio, el arte como forma de curar a la sociedad, y que ésta sea el motor de cambio resaltando que la obra se completa a través de una dinámica de grupo.

Su trabajo que se orienta al estudio de las relaciones personales y el espacio físico y social, trata temas como las contradicciones de la vida que llevamos en el sistema neo liberal y desenfrenado. Reyes realizó grandes proyectos como: “Palas por pistolas”, campaña para frenar el comercio de armas pequeñas en la ciudad de Culiacán, México; intercambiando estas armas de fuego por vales y electrodomésticos. La campaña rompió el récord nacional de donación voluntaria, y las armas de fuego fueron aplastadas por una aplanadora, fundidas y moldeadas en más de 1.000 herramientas de jardinería-2-. Con las que luego se plantaron más de mil árboles tratando de demostrar como un artefacto diseñado para provocar la muerte, podía llegar a ser transformado en vida.

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Leila Nieto Pazzaro

-4-Artista L. Nieto, obra “Viaje a ningún lado”, año 2017

La relación entre el Neo-Concretismo y el Arte Terapéutico se observa en cómo los artistas comienzan su análisis, investigación y desarrollo de obra inmediatamente en el contexto en el que están insertos. Ya sea como crítica institucional, socio-cultural, entiendo que recurriendo a los espectadores/participantes es que el mensaje de que el sistema actual reinante; son fundamentales como precursores para poder comenzar lo que puede llegar a ser un cambio en la presentación e interpretación del arte con referencia a los problemas y temáticas que nos constituyen como personas.

Pienso que habitando espacios en la oscuridad nos construimos (anulando el sentido de la vista, tal vez el más invasivo) con las percepciones alteradas al no poder percibir nuestro alrededor se comienza a fabricar el espacio que ocupamos. Aquí es donde observo una relación directa con el trabajo de los neo-concretos, quienes trabajaban la espacialidad y los cuerpos de otra manera, relacionándolo con el contexto.

Poder lograr una comunicación a base del conocimiento de cada uno. A partir de cómo habitamos los espacios interiores es que nos relacionamos con los espacios exteriores y con las otras personas, esperando así poder reconstruir canales e instancias de diálogo que, irónicamente, en la era de las comunicaciones están tan debilitadas. Mi objetivo es crear un espacio a partir de la poesía meditativa y habitarlo de manera consciente.

Lo iniciamos en la oscuridad, y buscando el centro de cada uno de nosotros, a partir del reconocimiento, es que se puede encontrar límites de cada persona, respirando se puede imaginar que éstos límites se desvanecen, y el aire se convierte en el transporte que nos ayuda a llegar a lo más profundo de nuestro consiente. Viajamos así para poder re-conocernos, entendernos y comunicarnos mejor.

La Performance en Chile

La performance cumple con la función de repensar críticamente los códigos sociales y sus funciones, mediante un dialogo provocativo que devela la naturaleza del asedio de la institucionalidad y su corrupción normalizada de la violencia y sus fracturas a la integridad de la autonomía del derecho comprendiéndola como una práctica que codifica nuestra relación con el poder y su discurso. Como a su ves, también la performance encarna la espontaneidad del tiempo, la relación presencial con el publico, la singularidad de cada momento, la imposibilidad de la repetición sin alteración. Creando un escenario en donde posee su propia realidad, en el que los hechos inscritos pueden existir de manera efímera, donde el cuerpo es el soporte de la obra en cuestión. “La independencia de arte respecto de la realidad y de la vida, la heterogeneidad entre arte y vida” -1-.

realidad y ficción, entre creador y espectador, entre pasividad y actividad”-2-. Entendiendo que lo observado responde más allá de la discursividad, tornando de manifiesto la sensibilidad como potencialidad estéticas de los/as sujetos artistas. Lo que puede problematizar el precepto de la identidad de género y/o artística, al estar en juego la identidad del/la propio/a artista que per forma. O sea, el/la performer produce potencias, tanto significacionales, en cuanto afectivas y libertarias que lo (des)representan.

Esta provoca una tensión en el orden hegemónico social – binario, en contextos de asimetrías y violencias de género. Son analizadas prácticas artísticas trans y del activismo latinoamericano. “Su objetivo como artistas no es motivar el disfrute estético en el receptor; consideran a la recepción tradicional como conducta pasiva y repetitiva. Pretenden en cambio transformar al arte en energía, en motivo para la actividad intelectual, en una fuerza que conduzca a un cambio en la percepción”-3-.

La performance toma lugar en el país en la década del 70. Bajo el alero del desarrollo experimental y rupturista de la literatura en el acto poético. Pioneros como Vicente Huidobro, Pablo de Rokha, Enrique Lihn, Rodrigo Lira. No obstante para su total desprendimiento que esta disciplina toma tras abandonar la cuna de la literatura.

La performance expone el cuerpo como duración, en donde la duración es la resistencia del cuerpo con su propia carnalidad, el cuerpo deviene tiempo material y en ello consiste la tensión escénica. Es el propio cuerpo el relato como exposición de su tiempo de duración en una acción. Por ende la descripción por medio de la acción nos remonta a la consolidación de la perdida que adjudica de tal forma significado y despierta el motivo de restitución no sólo del objeto y para el objeto, sino para el que ejecuta el acto de recordar. La desaparición del objeto es fundamental a la performance; ensaya y repite la desaparición del sujeto que siempre anhela ser recordado. Aspectos del todo únicamente validos para lo que en este caso se entendería como modelo de reproducción. La Performance ha de trastocar la maquinaria de representación reproductiva necesaria a la circulación del capital. “Se buscaba la identificación entre arte y vida, superar la dicotomía sujeto-objeto, la oposición dentro-fuera, las diferencias entre

-1-“Arte y Vida”. Algunos reflexiones sobre tendencias contemporáneas; Margarita schultz.

-2- “Arte y Vida”. Algunos reflexiones sobre tendencias contemporáneas. Ambientes y acontecimientos; Margarita Schultz.

- 3- -3- “Arte y Vida”. Algunos reflexiones sobre tendencias contemporáneas. Ambientes y acontecimientos; Margarita Schultz.

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La modalidad de la performance se extiende haciendo su total apertura a los cambios abruptos de la organización socio-política en el país. Se coartó la libertad al estar el arte sistematizada por restricciones culturales, sobre todo en el caso de no pertenecer a los organismos institucionales inscritos en la circulación artística regulada por el oficialismo. Tras el quiebre político efectuado por las fuerzas Armadas, que establecen la opresión, segregación y discriminación en los cuerpos sociales del país.

apertura de crear desde los cimientos del propio Cuerpo, intervenido con discursos que acentúan la realidad socio-política de la dictadura militar.

“En lugar de crear obras, los artistas producen cada vez mas acontecimientos” -5-.

La performance se llevo acabo como un lenguaje clandestino, por motivos a la época en cuestión (el golpe militar). Se da lugar a la conjunción de una resistencia en desmedro a la dictadura con acciones que reflejan una realidad prohibida, marginada, penalizada y principalmente borrada de los espacios públicos, que en consecuencia, datan una problemática sobre la identidad que se dispone de manera sesgada a los exponentes de la performance chilena. La apropiación del espacio público es el escenario del acto revolucionario de resistencia al poder, ya que en Chile, las intervenciones de carácter artístico en la calle son clasificadas terroristas.

Insistir en la huella de lugares cargados de historia, sufrimiento y muerte, compromete un tema delicado perteneciente a la memoria colectiva.

Una represión Ideológica que se opuso y persiguió a partidos políticos de izquierda; como también ha grupos homosexuales, travestis y de prostitución así mismo al género femenino; Cultural en el control del sistema educativo, mas aun la manipulación de los medios de comunicación masivos. En base a los teóricos Milán Ivelic, Gaspar Galaz, y Nelly Richard, la Performance se inaugura con la Escena de Avanzada ( Nelly Richard) compuesta por Carlos Leppe, Diamela Eltit y Raúl Zurita.

Por otra parte, Francisco Copello y las Yeguas del Apocalipsis Dúo conformado por Pedro Lemebel y Francisco Casas. Quienes reformulan las mecánicas de producción artística en el marco de la práctica contrainstitucional. La

-4-“Arte y Vida”. Algunos reflexiones sobre tendencias contemporáneas; Margarita schultz.

-5- “Performance art en Chile”; Leonora López .Pag. 73.

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El hecho más controversial para abordar el acontecimiento sanguinario de la dictadura fue en el momento en que el artista decide transformarse en obra, disponiendo de tal forma su humanidad como materialidad, como soporte, y su inmersión al Body Art. El artista es sujeto y objeto a la vez, una totalidad en conjunto. En relación al arte y vida, consolidada y completa.

Desde el revuelo a la democracia durante los años 90, además del suceso del cambio de poder. Tendría lugar, una serie de modificaciones que afectaron también a toda la comunidad artística, como a su vez toda la estructura política nacional.

Los artistas que usaron la performance como una herramienta socio-política o como estrategia personal durante los años de dictadura, se volvieron parte de las instituciones durante los años 90 en universidades, museos y galerías.

La condición estaría en los límites del cuerpo, en los riesgos que asume el artista al utilizar su cuerpo como soporte asumiendo la marca como huella que señala un antes y un después, incorpora ha la vivencia de la acción en algunos casos provisoriamente y en otros de manera permanente con una lesión, se patenta la experiencia de la incisión. La experimentación que coloca a prueba la resistencia y capacidades del material empleado, lo que habita, el como racciona, como lo asocia y se manifiesta. Así mismo seria una actuación liberada de los cánones o técnica impuesta por la tradición teatral. La performance que es insubordinada a mi juicio en lo que concierne a nuestra historia es sin duda el manifiesto poético de los lazos sanguíneos que remonta el revolucionario para dar testimonio de lucha como una ceremonia de transición y de hibridación despoja la palabra y la muta a la acción, a la manipulación de factores que ordenan la urbe. Soberanía del cuerpo irrepetible y a su memoria táctil violentada .

No obstante las diferencias entre la generación de los 80 y la generación contemporánea en la huella de la performance.

La Performance atrae en su estado de suspensión, fractura la realidad y su cotidianidad, la vida sistematizada, regulada por el poder. Para sumergir al espectador a un intersticio que nubla su temporalidad rodeándolo de un espacio alternativo, cautiva por medio de la acción.

Por otra parte, da cabida a los artistas para que transgredan los límites, impulsado en lo interdisciplinario que propone, problematizando las clasificaciones tradicionales instruidas por las universidades o Escuelas de Arte. Al mantenerse en los márgenes se funde en una indemnidad difícil de solidificar. El cuerpo lo hace visible, lo liminal se esparce y difunde en lo contemporáneo, da lugar al umbral de la performance. En la consigna del altar de la vida. Que es esta, mas que el memorial transeúnte de los puntazos asolapados de la muerte, el testimonio de existencia. Su huella en los ramillados codos de nuestra historia. La performance bajo el contexto espacial en el que se escribió fue el papel social de la utopía para nada enajenada del rol político.

Convoca al futuro y vuelve la mirada al alma.

Principalmente; responde a un particular contexto socio-político (la dictadura), sin embargo, las generaciones siguientes enfrentan una mirada de contextos sociales y políticos. Esto hace que, una vez que la dictadura termina, la generación del 80 deja de producir obras, resumiéndose en una generación “reactiva”. La generación del 80 “utiliza” performance con fines instrumentales, desde los 90, la performance se valida como disciplina en sí misma, por lo cual su existencia no depende del contexto socio-político ni necesita “reaccionar” frente a algo para existir.

-5-“Performance art en Chile”; Leonora López .Pag. 73.

Máximo Peña Vera

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“LA VIDA COMO OBRA DE ARTE”

Comfort Zones, Kaprow, 1975

“Estimo que el arte debe defender el límite que lo separa de la realidad concreta de la vida para

poder seguir siendo un campo donde el sentido de la vida encuentra un espacio de discusión.” (Schultz 2016: 119)

Allan Kaprow habla de una construcción de sistemas de pensamiento, revelando a la vida como

arte, siendo este un artificio no natural. Para Kaprow este artificio tiene una conexión con una parte poética y otra con la poiesis; la fabricación o creación en donde la vida vivida junto con su producción estética, es igual a un artificio. Este artificio es un mecanismo de protección frente a la vida, por lo tanto no hay una completa naturalidad, en donde se desarrolla un límite que a lo largo de la historia ha sido interpretado e interpelado, gestando diferencias en cuanto a la libertad con la cual se crea.

Se entiende que la condición humana es contextual e histórica, por lo tanto los años ´60s, ´70s

en que Joseph Beuys y Allan Kaprow se presentan, es arte de acción, el arte entendida como la vida misma, van de la mano y ambas pueden considerarse como una experiencia inseparable. “La identificación entre arte y vida borra los límites, empareja y disuelve la –realidad-arte- en la –realidad-vida-. “ (Schultz 2016: 119)

Enfrentados a las situaciones contextuales de esta época se desarrolla una connotación de

arte político, el arte no vista meramente como un producto estético o comercial, si no como una provocación de vida, la importancia del momento presente y el cotidiano que nos conecta con nuestras propias experiencias y con el otro. “El arte expresa lo vivenciado y va mucho más allá de la comprensión de un contenido lógico, y es que el arte descansa sobre vivencias personales, y las vivencias deben tender naturalmente a la objetiva liberación de vivencias que tienen contenidos universales.” (Beuys, 2006:59)

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Ver el arte bajo la comprensión de Joseph Beuys como una <<estructura social>> en donde se abre un campo de reflexión, permitiendo también incluir temas de índole social de gran importancia con respecto de la vida, el cuerpo, el arte, la política y las formas de enseñanza se transformen en la masa crítica del sistema occidental; donde Beuys describe como un movimiento esta estructura social de la siguiente y significativa manera: “«El principio de resurrección, transformando la vieja estructura, que muere o se estanca, en una vibrante forma que mejora la vida y hace evolucionar el alma y el espíritu. Éste es el concepto expandido de arte.» ” (Rosenthal, 2004:25). El conocimiento se basa en la capacidad artística del ser humano y el arte se entiende como una simbiosis de las vivencias y experiencias autobiográficas. Estructura creativa de la obra de Joseph Beuys.

tipo de vivencia o experiencia, en donde hay una inmersión en el aquí y el ahora. <<El happening>> se gesta desde actos cotidianos y subjetividades que generan una fuerte energía. El dominio del cuerpo y los movimientos al momento de poner en acción alguna realización de obra, al relacionarse con actos de intercambio por ejemplo, se evidencian los límites en cuanto al dentro-afuera, al creador-espectador, lo activo y pasivo, generando un aumento de estímulos y convocando a experiencias artísticas lúdicas.

Podemos ver que Kaprow y Beuys se relacionan con respecto a este tema de la transmisión de energía, de forma que no solamente era la producción del objeto, sino que también un pensar mucho más amplio, de identificar que el ser humano no está aparte del mundo o de las cosas materiales, si no que las materias son transmisoras de energía y que esto en combinación con el cuerpo va a tener una interacción.

Es por esto que Beuys trata directamente en su obra la estructura social política, en donde otros artistas de su época y contexto no toman en cuenta. Beuys logra hacer una universidad libre, donde empezó a instalar su discurso pedagógico tomando a los estudiantes como individuos que logren generar su propia crítica frente a la sociedad, enseñándoles que hacer arte tiene que ver con la vida misma, entablando lugares de creación y aprendizajes libres en nuestra sociedad.

Por los continuos cambios que se presentan en la sociedad es como se ven evidenciadas en el arte. Nuevos discursos, mecanismos lingüísticos de expresión, otras formas y usos de materiales. Para Beuys la importancia de la materialidad está sujeta a su propia biografía; Fue piloto de guerra, tras caer y ser salvado por unos campesinos, regresa a la vida para transformar su experiencia traumática estableciendo relaciones con la naturaleza. A partir de aquí se genera el vínculo con el arte el cual definirá las materialidades con las que trabaja; fieltro, grasa, cera y el cobre por tener gran conductividad de energía.

Analizar la estructura social como escultor, la provocación generada por los materiales que utiliza pertenece a sus métodos artísticos.

Sus materiales son símbolos de pensamiento y energías en el contexto de la sociedad del trabajo humano. “El organismo humano está sujeto a procesar sustancias como la grasa” (Vaquero: 2017, abril 20), según Beuys un fenómeno escultural transforma el alimento en sustancia física y en energía intelectual que es base del trabajo humano.

La obra de Kaprow consiste en la producción conjunta con personas, un arte que invita a la colectividad de individuos y a la participación de gestos artísticos. Estas acciones o happenings tienen una relación simbólica, el contenido de lo que se está haciendo es mucho más importante, ya que existe una mayor observación al ver como se relacionan las personas entre ellas y con el espacio. Es por esto que para el artista la <<vida y arte>>, la percibe como un

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Además el artista liga su obra con las teorías de Rudolf Steiner de antroposofía, “un escultor revela en la forma humana lo que la naturaleza esconde” (Vaquero: 2017, abril 20) entendiendo que arte y vida se componen de una manera similar, por esto, la principal atención de su trabajo es tomar en cuenta toda la vida humana, entendiendo sus procesos y cuestionamientos como el futuro del hombre, de dónde viene y a dónde va. Ampliando su concepto del arte en la llamada estructura social, esto entendido como un organismo social, que garantiza a cada persona determinar su destino y la cohesión entre los ámbitos de la cultura, justicia y economía. Por lo tanto un hombre libre.

Para Beuys y Kaprow la vida está constituida por una conexión de experiencias, sucesos, acciones interrelacionadas, dando gran importancia a sus propuestas artísticas enfocadas a identificarse con la vida y difundir.

Acontecimientos activos de desplazamiento y expansión, desarrollando un espacio de comunicación social abierto que invita a la reflexión. Buscando democratizar la expresión y sensibilidad artística. Donde finalmente el arte se transforma en un fenómeno social que intenta interpelar, por medio de la interacción, la creatividad y reflexión del observador.

Beuys, Joseph, 2006 “Preguntas a Joseph Beuys”, Bernd Klüser (ed.), Joseph Beuys. Ensayos y entrevistas, Bernd Klüser (ed.), Madrid: Síntesis, 45-70 pp.

Rosenthal, Mark 2004 “Joseph Beuys: Staging Sculpture”, Mark Rosenthal (with Sea Rainbird and Claudia Schmuckli), Joseph Beuys.

Actions, Vitrines, Environments, Londres: Tate Publishing, pp 10-135.

Margarita Schultz 2016, Ensayo, Arte y vida: Algunas reflexiones sobre tendencias contemporáneas. Recuperado dehttps://www.cepchile. cl/cep/site/artic/20160303/asocfile/20160303184742/ rev14_schultz.pdf Vaquero, Roma. Youtube (2017, abril 20) “Joseph Beuys, todo hombre es un artista”. Recuperado de: https://www.youtube.com/ watch?v=4MaF0woynvc

I like America and America likes Me, Beuys, 1974

Nicole Droppelmann

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Experiencia por contexto (Lygia Clark, Joseph Beuys)

La vida y el arte, la cotidianidad y la espontaneidad, conceptos que surgen desde nuestro interior. Normalmente la vida de un artista y de las personas que no están ligadas a estas prácticas las perciben como objetos o situaciones ajenas a su realidad. En este, breve ensayo hablare como la práctica cotidiana se hace parte de un gesto artístico, tomando en referencia a Joseph Beuys y Lygia Clark.

Estos dos artistas importantes cada uno con una historia y contexto diferente, nos mostrarán su perspectiva de ver el arte en su vida. Tomando siempre en cuenta como nuestras costumbres, experiencias, manera de ver nuestra vida es lo que moldea nuestros pensamientos. Es a partir de esto que comenzó mi interés por estos artistas.

Primero analizaremos brevemente sobre Joseph Beuys (Krefeld, 12 de mayo de 1921 - Düsseldorf, Alemania. 23 de enero de 1986), un artista que desarrollo diversas técnicas a lo largo de toda su vida, escultura, performance, vídeo, instalaciones, entre muchas otras. Perteneció al grupo Fluxus palabra latina que significa flujo, Tuvo su momento más activo entre la década de los 60 y los 70 del siglo XX -1-) es un movimiento artístico de las artes visuales en especial, pero también de la música, la literatura y la danza.

“Todo ser humano es un artista, un ser libre, llamado a participar en la transformación y la reorganización de las condiciones, el pensamiento y las estructuras que dan forma e informan nuestras vidas”-2- cito las palabras de Joseph Beuys, que tan ciertas que son. Una persona por necesidad natural tiene el deseo de expresar sus sentimientos y su visión de la vida, el arte es una faceta para lograr expresar lo que realmente somos mediante representaciones o acciones. Como estudiante al pasar ya tres años empapada en la área de las artes visuales, puedo notar lo vital que se convierte producir, ya sea por alguna reflexión en específico o simplemente porque si.

Pensemos en las personas que no consideran el arte parte de su vida, o sienten cierta lejanía cuando visitan los museos, estas no se están dando cuenta, pero ejecutan gestos artísticos o performáticos en todo momento. Lo podemos ver en nuestra familia o amigos, personas que no tengan arraigada en su cotidiano la cultura del arte, estas producen acciones, objetos hasta pensamientos que provienen de una reflexión mucho más profunda que solo un sentido banal. Por ejemplo; el simple gesto de volver al hogar después de la rutina se forma un acto performático, ya que en este recorrido se convierte en algo repetitivo, lleno de significados y simbolismos. Tener rutina te crea un ejemplo de ritual en que nos agrada por simple necesidad, esta se vuelve constante y se arraiga a nuestra costumbre. Pensada como acto artístico o no se vuelve un gesto lleno de acciones y símbolos que nos muestran nuestra perspectiva del mundo.

-1-Información extraída de: https://es.wikipedia.org/wiki/Fluxus -2- Aurora Dominguez • 17 febrero 2017 https://www.neo2.com/joseph-beuys-en-la-berlinale-2017/

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Volviendo a Joseph, su contexto y modo de vivir definen la persona que se convirtió, su creatividad era la fuente de sus recursos que no se desligaba de su cotidiano, al igual que las acciones, sus decisiones y la forma de percibir la sociedad, nos mostraba la fuerza revolucionaria que se encontraba en su interior e imaginario, fue un artista capaz de traspasar su taller al museo, de tomar los símbolos que aparecieron en su vida como el fieltro y hacerlo parte de él por siempre. Aspectos básicos como el sombrero de Joseph Beuys que siempre tenía en su cabeza es una muestra que su vida era una performance, aunque no lo percibamos conscientemente cada uno tiene sus objetos en los que se vuelven una característica de uno, esto hace que los objeto se vuelvan importantes y de importancia para nosotros.

Traje de fieltro y sombrero.

https://es.wikipedia.org/wiki/Joseph_ Beuys lo salvan de la muerte segura untando sus heridas con grasa de animal y protegiéndolo del frío con fieltro, una experiencia que marcaría el resto de su vida.

Un ejemplo particular de nuestra época podría ser el teléfono celular, las personas se han vuelto muy cercana a este aparato por diversas razones, algunas llegando hasta tener una enfermedad por ellas, pero vemos que esta atracción tan cercana con el objeto, se ha vuelto vital y de necesidad para cada uno de nosotros.

Si pensamos, este objeto tiene nuestro trabajo, información y comunicación. Quizás para Beuys así era de importante tus objetos característicos. Contenían el factor; trabajo, comunicación, información. Por lo que, el acto revolucionario puede estar en lo más mínimo de nuestras expresiones.

Este hecho entre real y mítico marca la relación principal entre el arte y vida. Tener presente siempre las vivencias es lo que nos contribuye como personas, cada quien tiene su método para expresarlo y desahogarse. Para él, el arte era el medio por el cuerpo hacia contacto con su vida y experiencia.

La niñez, la crianza es lo que nos forja como personas también, de esto me he dado cuenta en el taller de obra, aquí nos toca abordar un tema en que nos sintamos relacionados, puede haber dos trabajos de dos compañeros diferentes que toquen un tema similar, pero la forma en que lo desarrollan y abordan es lo que hace la diferencia, esto quiere decir su contexto y experiencia.

Al igual que Lygia nos ha mostrado que el arte puede ser una faceta para sanarse y no solo para expresarse.

Para Beuys los sucesos personales se fueron convirtiendo en una marca permanente en sus trabajos. La historia basada en hechos reales nos muestra que así es. En 1943, su avión Stuka es derribado sobre Crimea. Beuys sufre graves heridas, por lo que, un grupo de nómadas tártaros lo encuentran, inconsciente, y

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Lygia desde los años 1947 comenzó a desarrollar su trabajo artístico en donde se dedicó a la abstracción geométrica. Una de sus series más emblemáticas fue en su serie “Bichos”, que consiste en interactuar directamente con el espectador, estas piezas son totalmente manipulables y se pueden interactuar con ellas. Lygia veía el arte como una forma terapéutica, como una escapatoria de la realidad hacia la realidad, esto quiere decir de traspasar nuestros problemas a un objeto o una acción. En la serie “Bichos” desarrolló varios modelos en diferentes tamaños que sugerían múltiples contenidos simbólicos en títulos como “Reloj de Sol”, “Arquitectura Fantástica”, “Pan-Cubismo” o “Monumento”.

Para Clark, “la disposición de las placas de metal determina las posiciones del Bicho, que a primera vista parece ilimitado. Cuando preguntan cuántos movimientos puede hacer el Bicho, yo contesto, ‘No lo sé, tú no lo sabes, pero él sabe”-3 Esta acción hace una dislocación en el sentido de los objetos que normalmente cumplen en el museo, en donde están dispuestos en un plinto solo para ser observados, ahora pueden están en las manos y contener una vida a través de del espectador. Dice Suely Rolnik (Teórica que han profundizados en los trabajos de Lygia) dice “su trabajo fue movido por la conciencia de que la experiencia del vacío-lleno debía ser incorporada por la existencia, ser vivida y producida como una obra de arte”-4-*.

La idea de sus obras era crear situaciones que ayudaran al espectador a liberarse, de esta forma sus obras se centraban en ser arte terapéutico. Aquí vemos que el arte más que una forma de expresar nuestra emociones, contexto o experiencia se centra en la persona en traspasar alguna carencia, dificultad física mediante el arte. Esto también incluye todo lo demás pero abordado desde la perspectiva de salud y sanación.

Arte terapéutico. “El artista ahora realizaba proposiciones para que fueran otros las que las experimentaran. Y lo que es más importante, para Clark esa experiencia no se limitaba al campo estético, sino que se inmiscuía en el amplio terreno de la vida”-5-.

Lygia buscaba, la liberación del espectador a través de la experiencia. Estos gestos en sus trabajos nos recuerdan la conexión que se debe tener con el entorno, la vida personal, la colectividad con las personas y que el cuerpo tiene memoria por lo que se traspasa energía a los objetos que realiza.

Toda lo que nos sucede diariamente repercute en nosotros afectando nuestro interior.

El arte está en cada expresión, acción que realicemos, tiene que ver mucho con lo que somos y la vida que llevamos, todos tenemos permitido ser artistas como nos muestra Beuys. El arte sanatorio es una salida de la realidad como dice Lygia. Cada gesto, cada reacción que tengamos proviene de un lugar, de alguna experiencia, esto es lo que ha forjado nuestra cotidianidad y forma de vivir. El conjunto de objetos, de banalidades que consideramos tiene una respuesta en nuestra mente, ya que proviene de nuestro contexto y experiencia.

-3- Carolina Castro Jorquera, Jun 19, 2014 http://artishockrevista.com/2014/06/19/lygia-clark-el-abandono-del-arte-laestructuracion-del-yo/ -4- Suely Rolnik http://artishockrevista.com/2014/06/19/lygia-clark-el-abandono-del-arte-la-estructuracion-del-yo/ -5- Marta Muñoz Recarte, Julio 2004 http://www.continuumlivearts.com/wp/?p=1198

Valentina Piñones Ocares 30

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En su trayectoria Kaprow comienza en el campo de la pintura que, a contar de 1952, comienza a dejar el impresionismo abstracto y posteriormente sumergirse en el collage, experimentando en diversas materialidades, así disponiendo una forma diferente de instalación.

En el recorrido artístico de Allan, el espectador comienza a tener un papel fundamental en las obras, gracias al curso experimental de John Cage (artista, compositor, poeta, músico, filósofo e instrumentista. Este fue uno de los pioneros de la música aleatoria y electrónica), comienza a tener una influencia importante en los intereses de Allan, quien comienza a investigar la forma de poder crear una forma artística que aproximara el arte con la vida.

El happening no se considera parte del teatro, otorgándole un libreto al espectador, sino que intenta que él público se sumerja en sus sensaciones acomodándolas a su criterio. Uno de los pioneros más importantes de este proceso fue Allan Kaprow llamado por algunos el padre del Happening, este nació en Atlantic City en los Estados Unidos y fue estudiante de John Cage, Hans Hoffman, los cuales fueron artistas que sobresalieron en el siglo XX, al estar relacionado en los inicios y el progreso artístico que nombramos como Happening.

El término happening significa acontecimiento, ocurrente o suceso, este se dispuso como una propuesta de integración del espectador al medio artístico, esta terminología tiene como objetivo el integrar al público con el proceso de creación de una obra artística. El happening comienza hacer una forma de extensión de la sensibilidad y del azar.

-1- Kaprow, A. (1958). sin titulo. New Jersey.

Sus obras comienzan a destacarse por empezar a hacer evidentes los gestos que son cotidianos y comprometer de esta forma a los participantes espontáneamente o provocándolos.

Sumergiéndonos en el ensayo Sin Título, de Allan Kaprow, podemos evidenciar la forma de pensar y de actuar.

Allan en 1958, intenta buscar relación entre el arte y la vida, intenta integrar la participación entre el objeto (dentro) y sujeto (afuera), intentar cambiar la diferencia entre el artista (creador) y espectador. Uno de los happenings más importantes realizado por Kaprow es “18 happening in 6 parts”, este fue un acontecimiento innovador presentando en Reuben Gallery en New York en el año 1959, Kaprow comienza a sintetizar la información de las acciones mediante el estudio que tuvo en los eventos de Cage.

Sus environments se empiezan a mostrar inicialmente en galerías y museos, sus primeros happenings comienzan a realizarse en lugares que se encuentra fuera de los circuitos artísticos como por ejemplo espacios que eran parte de la vida cotidiana de un sujeto, como casas, departamentos, almacenes, etc., Kaprow definió el Happening como una forma de -1-“collage de acontecimientos¨ y comienza a nombrarlas como actividades, en un principio este, entregaba un guión que posteriormente al desarrollar el acto artístico y mediante la ejecución de este, comenzaban a suceder resultados imprevistos.

Relación del Happening mediante Allan Kaprow y Pedro Reyes

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-2- Combalia, V. (2006 de 04 de 12). Allan Kaprow, el creador del ¨Happening¨. El país.

-3- YouTuber. (s.f.). Pedro reyes. Obtenido de https://www.youtube.com/results?search_query=pedro+reyes+artista++

Este intenta crear una dinámica entre el grupo participante, como por ejemplo el 3“sombrero, ya que tomando un objeto que su uso es individual, lo convierte en un sobrero que debe ser usado por un grupo, poniendo en como principal objetivo la forma en que las personas tienen que consensuar” un objeto como, por ejemplo, si se mueven para la derecha o para la izquierda, si bajan o suben, etc.…

Por lo general sus obras se relacionan de tal manera que el espectador pueda interactuar, es decir esto depende de la interacción que tenga el sujeto va a depender el resultado y de esta forma el resultado no siempre queda permanente si no que se irá modificando.

Citaremos el encabezado del Ensayo -2-“(Este ensayo fue impreso sin ningún título a lado de El Demiurgo, el primer escenario de Happening publicado, y cuyo encabezado se usa por primera vez la palabra con su significado actual. Este escenario puede encontrarse en Happenings, de Michael Kirby, publicado por E.P. Dutton, nuevo york)”.

En este texto comienza a dar su punto de vista, diciendo que para crear o escribir sobre arte, uno debería comenzar por lo que estime conveniente, el creer en si mismo, el poder encontrarse con uno mismo para poder encantar a otros.

Pero por el otro lado veremos a Pedro Reyes arquitecto, escultor y dibujante este nacio en la Cuidad de México en el año 1972, este es un artista mexicano, el hace que sus obras tengan una forma de participación en la que pueda influir en lo social y lo psicológico de un colectivo.

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El segundo antes mencionado aplica el performance como método de “sanación social”, al contrario de Kaprow invita al espectador en masa para designarle en un grupo a potenciar la colaboración y llegar a un consenso entre los mismos, por otro lado, lo similar entre Kaprow y Reyes es el uso del arte balancea-

Tal como esta investigación lo ha demostrado, tanto Allan Kaprow como Pedro Reyes lograron un gran auge de reconocimiento dentro del mundo de happening y la Performance, el primero lo logro en base a sus presentaciones que invitan al espectador a sumergirse en una realidad envolvente en donde un individuo dentro de una masa, puede ser parte de la misma, Allan Kaprow desarrollo a su vez escritos sobre sus propios happenings que tenían como base su vida equilibrada con el arte.

Viendo la obra del Sanatorium, esta es una clínica pasajera que brinda tratamientos cortos e imprevisibles, mezclando la psicología y el arte, esta pieza inicialmente era para el Guggenheim museum en (Nuevo York). Reyes toma como forma el arte a modo de terapia enfocando el arte como forma de curar una sociedad, ya que tiene una participación de un conjunto de personas que interactúan con la obra. El sanatorio intenta ser una especie de consulta en la que un sujeto se acerca a personas que están vestidas como doctores exponiendo problemas existenciales, dependiendo el problema que tiene, las personas son derivadas a distintas salas donde los curarán, podemos ver que hasta ahora han asistido más de 20.000 espectadores los cuales han participado en estas terapias individuales así mismo como grupales dirigido por los voluntarios que entrenaron durante el periodo de este proyecto. También tenemos que recalcar que Reyes intenta que sus obras sean más bien curativas para la sociedad, Reyes inicia tomando interacción de lo físico y social, haciendo palpable la forma de relacionarnos como seres humanos, también la contradicción cognitiva de la vida moderna, viendo que el problema de esta modernidad es el individualismo de el sujeto, Reyes busca la posibilidad de incrementar la interacción colectiva, haciendo interactuar la vida con el arte.

search_query=pedro+reyes+artista++

Valeria Rivero Contreras

YouTube. (s.f.). Pedro reyes. Obtenido de https://www.youtube.com/results?-

dro-reyes#imagen-1

cultura/artes-visuales/2017/06/19/la-escultura-publica-esta-monopolizada-pe-

ca está monopolizada: Pedro Reyes: http://www.eluniversal.com.mx/articulo/

Sierra, S. (18 de 06 de 2017). el universal. Obtenido de la escultura públi-

poraneo.

Schultz, M. (s.f.). Arte y vida: Algunas reflexiones sobre tendencias contem-

Kaprow, A. (1958). sin titulo. New Jersey.

la economia del entusiasmo. artishock.

Guadarrama, I. L. (8 de 10 de 2014). Pedro Reyes sobre el arte experiencial y

El país.

Combalia, V. (2006 de 04 de 12). Allan Kaprow, el creador del ¨Happening¨.

.wikipedia.org/wiki/John_Cage

Anónimo. (17 de 03 de 2018). wikipedia. Obtenido de wikipedia: https://es-

www.medienkunstnetz.de/works/18-happenings-in-6-parts/&prev=search

ing in 6 parts: https://translate.google.cl/translate?hl=es-419&sl=en&u=http://

Anónimo. (22 de 02 de 2005). 18 happening in 6 parts. Obtenido de 18 happen-

do con la vida para un equilibrio espiritual y construcción de un organismo social como una obra de arte, aunque sin tener la misma finalidad, ya que, Kaprow lo utiliza como terapia personal y Reyes como terapia colectiva.

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