Siglo XX VANGUARDIAS
Cubismo por Liliana Cortés
El cubismo es el movimiento más significativo y transcendente de la historia de la pintura occidental desde el Renacimiento. Su visión del arte es tan radicalmente diferente que conmocionó todo el mundo del arte. A partir del cubismo, el concepto de arte y de belleza cambia radicalmente, nada se podrá hacer igual, y las obras anteriores se mirarán de otra forma. El cubismo es un arte creado, es un nuevo lenguaje y una nueva estética, un replanteamiento integral de la pintura y las artes plásticas. Hasta el momento, ni los más radicales fovistas se habían atrevido a romper con el lenguaje convencional y sensitivo que representaba, en mayor o menor grado, la naturaleza, desde los tiempos griegos. Pero el cubismo rompe con todo eso; es un arte mental no sólo en las formas sino en la concepción de la obra. Para comprender un cuadro hay que pensarlo. Hará un replanteamiento de la obra de arte, de lo que son las formas, de la luz, la perspectiva, el movimiento, el
volumen, el espacio, el color, etc. Todo ello exige del espectador un esfuerzo mental para reconstruir la figura, que no se observa a simple vista. En el cubismo no es el color, sino la línea la que crea la figura y compone el cuadro. Sus obras no son producto de la casualidad sino de un proceso de creación meditado y consciente. El cubismo se pregunta, también, por los problemas del volumen y del espacio. Su ruptura con la tradición renacentista e impresionista es total, y busca un nuevo espacio pictórico para sus formas. Una de las características del cubismo es su representación en blanco y negro, consecuencia de su desvinculación con la naturaleza e influido por la fotografía, para facilitar la lectura del cuadro. El cubismo se preocupa por la representación del movimiento y la cuarta dimensión.
4ta Dimensión
El tiempo cobra un nuevo significado tras la teoría de la relatividad de Einstein. El cuadro cubista pretende representar, al mismo tiempo, todas las formas posibles de ver una figura, esto implica que el espectador está obligado a mover los ojos para recomponer la figura. El color ceniza, el blanco y el negro, ayudan a la reconstrucción del cuadro. La cuarta dimensión está en la mente humana.
Cubismo - Publicación 04 agosto 2017 1
Roy Lichtenstein por Wikipedia
Nosotros pensamos que la generación anterior intentaba alcanzar su subconsciente, mientras que los artistas pop intentamos distanciarnos de nuestra obra. Yo deseo que mi obra tenga un aire programado e impersonal, pero no creo ser impersonal mientras la realizo. Roy Lichtenstein
S
us primeras obras eran de estilo expresionista abstracto. En 1958 comenzó a experimentar con imágenes tomadas de los cómics que había en los papeles de envolver chicles de menta, l i b re m e n t e interpretadas y mezcladas con imágenes sacadas de los cuadros del Viejo Oeste de otro artista estadounidense, Frederic Remington. A partir de 1961 se dedicó por completo a producir arte mediante imágenes comerciales de producción masiva. Sus historietas de cómics, como Good Morning, Darling son ampliaciones de los
2 Roy Lichtenstein - Publicación 04 agosto 2017
personajes de los dibujos animados, reproducidas a mano, con la misma técnica de puntos y los mismos colores primarios y brillantes que se utilizan para imprimirlos. Sus últimas obras, entre las que están las reproducciones de personajes muy populares de la novela rosa, paisajes estilizados y copias de postales de templos clásicos, muestran la influencia de los artistas Henri Matisse y Pablo Picasso. También sus esculturas recrean los efectos de los cómics. Ha realizado, también, obras en cerámica. En 1993 el Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York expuso una retrospectiva de su obra que viajó por muchos otros países.
Exposiciones Fama Internacional Autor prolífico, durante sus últimos años alcanzó mayor presencia en museos de todo el mundo. En España hay obras en el Museo Thyssen-Bornemisza y en el Reina Sofía. Roy Lichtenstein es un nombre muy cotizado en las subastas, una de sus obras, Woman with flowered hat, fue adjudicada en la casa Christie’s de Nueva York por 43 776 525 euros.
La Forma La arquitectura moderna en lugar de originarse la forma a priori, plantea el problema de la construcción.
La Economía La nueva arquitectura
De Stijl y Neoplasticismo
es económica, utiliza los medios elementales más esenciales sin desgaste de medios y materiales.
por Carolina Costas
De Stijl, el estilo en holandés, fue una vanguardia artística que surgió en Holanda en 1917. Su nombre proviene de la revista fundada por Piet Mondrian y Theo Van Doesburg. Mondrián junto a Van Doesburg publicaban el Manifiesto De Stijl, es mimo quería la renovación total del arte de manera racional. Bajo el lema de Theo Van Doesburg “Desnudemos a la naturaleza de todas sus formas y sólo quedará el estilo”, las obras pertenecientes a De Stijl respetaban las siguientes características: simplificación radical, racionalización, líneas y ángulos rectos, formas planas, rectas y simples, colores p u r o s , ritmos asimétricos
equilibrados, colores saturados y primarios y fondos claros. Piet Mondrián y Theo Van Doesburg, fueron sus figuras principales, destacandose ademas arquitectos, diseñadores industriales y gráficos. La arquitectura se basó en el desarrollo de la técnica y la economía.
Gerrit Rietveld
y blanco. Sin embargo, más tarde fue cambiada para parecerse a las pinturas de Piet Mondrian cuando Rietveld entró en contacto con la obra del artista en 1918. Rietveld finalmente se unió al movimiento De Stijl en 1919. Por su concepción extremadamente simplificada, este modelo fue concebido para ser fabricado en serie. La silla está expuesta actualmente en el Museo de Arte Moderno en Nueva York.
The Red Blue Chair La silla roja y azul, The Red Blue Chair en inglés, fue diseñada en 1917 por el arquitecto Gerrit Rietveld. Representa una de las primeras exploraciones del movimiento de arte De Stijl en las tres dimensiones. La silla original tenía un acabado natural pero luego fue pintada con la paleta de colores primarios del De Stijl: negro, gris
la Planta Las paredes ya no sostienen De ello resulta una planta abierta, totalmente distinta donde los espacios se comunican.
De Sijl y Neoplasticismo - Publicación 04 agosto 2017 3
La alegría de vivir Henri Mattise Resume su aprendizaje de los clásicos, de Gaugain, de las estampas japonesas y de los iconos persas y bizantinos.
Fauvismo por Liliana Cortés
LA DANZA Henri Mattise simplificó los contornos de las figuras y redujo loscolores, pero a diferencia de Picasso, alcanzó un efecto lírico y sereno.
El Fauvismo es uno de los movimientos del siglo XX, se caracteriza por ser estético y sentimental, por ser un estado de espíritu ligado a las circunstancias del momento. El fauvismo fue un movimiento pictórico francés de escasa duración. Se desarrolló entre 1904-1908 aproximadamente. Características del Fauvismo son básicamente: la simplificación de las formas y énfasis en los colores para dar volumen, crear planos y perspectivas. Los temas de las pinturas casi siempre relacionados con una vida simple y feliz; se realizaban retratos, así como desnudos, el paisaje rural y urbano, pero muy raramente se hacia alguna crítica socio-política hacia la realidad. Las creaciones seguían los instintos primarios y no se preocupaban demasiado con la técnica o la perfección de la obra; el
objetivo era dar vida a los impulsos y traducirlos como sensaciones y sentimientos en su forma más elemental. Esa intención se creaba sobre todo con el color – gran protagonista del Fauvismo – utilizado de forma independiente y que generalmente no respetaba el color de la realidad; los artistas de esa vanguardia no se veían obligados a pintar un objeto de su color original y esa característica garantizaba cierto tono de rebeldía y a la vez una expresividad jamás vista. Quizás esa obsesión por el uso de los colores de manera apasionada y subjetiva hicieron que los artistas de ese movimiento
Henri Matisse
abierta, Collioure” y “Mujer con sombrero”, obras que causaron un enorme escándalo, como el resto de la muestra, y fueron objeto de una crítica muy dura y agresiva. En 1910 realizó un viaje a España, en el que visitó Madrid, quedando impactado en el Museo del Prado, Granada y Sevilla contribuyeron a acercarle a la estética oriental. En 1912 y 1913 viajó por el norte de África, visitando Marruecos, donde la luz le inspiró cuadros sobre paisajes mediterráneos de gran colorido.
El Fauvista del color En 1905 expuso en el Salón de Otoño junto a los fauvistas, con sus colores salvajes y disonantes; de la muestra diría el famoso crítico de arte Louis Vauxcelles: “Donatello au milieu des fauves!” (Donatello entre bestias salvajes), refiriéndose a una escultura de tipo renacentista que se encontraba en el salón de la muestra. Matisse presentó en dicho Salón “Ventana
4 Fauvismo - Publicación 04 agosto 2017
Puente de Waterloo André Derain Derain, arrebatado por la atmósfera londinense, pintó una treintena de espectaculares vistas de las orillas del Támesis
olvidasen el modelado, el claroscuro enfatizando solamente en la manera despojada de hacer arte. Las pinturas están impregnadas de pinceladas violentas, espontáneas y definitivas. Uso de colores de forma exagerada, plasmando la sensación física de los colores que muchas veces no correspondían a la realidad. Podemos encontrar manchas largas que formaban grandes planos, así como el uso de colores puros. El término “Fauvismo” – que en buen francés significa “fieras” – surgió casi como una crítica y una forma de definir ciertas obras que no eran clasificadas y tampoco se encajaban en ningunas de las vanguardias hasta entonces existentes. La crítica de Louis Vauxcelles al definir esas obras, que al parecer de muchos parece incluso peyorativo y negativo – acabó convirtiéndose en la descripción de ese trabajo tan singular.
Los artistas más destacados son: Henri Matisse, André Derain, Maurice Vlamink, Braque, Friesz, Rouault, Marquet, Dufy y van Dongen. Quien dio nombre al fauvismo a fue Louis Vauxcelles, en su crítica hecha en el Salón de Otoño de 1905. El arte fauvista, si bien podemos observar en las imágenes y videos de este blog, no busca la perfección de formas, paisajes, retratos, etc, sino que expresa sentimientos representados por formas mediante un juego cromático, donde plasma colores saturados, fuertes, alegres, que logran llamar la atención. Al no buscar la perfección, este movimiento artístico se destaca por su sencillez. Utiliza la imaginación, mezclando el mundo real con el mudo interior. El Fauve, deja fluir su intuición al momento de crear una obra, de interpretación libre, lo que la hace subjetiva. Destaca las formas y paisajes a través del contraste de colores,
André Derain
una educación universal. Fue el alma del fovismo con su inclinación a los matices, su juventud impetuosa y su febril perseverancia. Derain demostraba su receptividad al nuevo dogma de “forma a través del color” admirando a Vincent Van Gogh y a Paul Cézanne. Realizó una serie de pinturas de este estilo, primero en Collioure, en 1905, y luego en Londres en 1906, entre las que pintó “Una Esquina de Hyde Park”, ”El Puente de Westminster” y “El London Bridge”.
El Fauvista de la forma En 1905 expuso en la primera exposición de Fovismo, en la que se expresaba emoción con color, visitada por el público Francés. Derain era pintor, escultor, hacía diseños especiales para escenarios de teatro, disfraces, para las bailarinas rusas, y, a parte, coleccionaba obras. Era un ser muy inteligente y preparado, no sólo en el arte de la pintura, sino que también tenía
iglesia de Chatou subtitulo caja Representa el regreso a su paisaje natal tras una larga itinerancia, en la que desplegó sus capacidades de colorista,
Fauvismo - Publicación 04 agosto 2017 5
Tirol Franz Marc
IG. Auers-sur-Oise Vincent Van Gogh
Expresionismo por Dino Masiero
El Expresionismo es una corriente artística que busca la expresión de los sentimientos y las emociones del autor más que la representación de la realidad objetiva.
jinete circense Ernst Ludwig Kirchner
Revela el lado pesimista de la vida generado por las circunstancias históricas del momento. La cara oculta de la modernización, la alineación, el aislamiento, la masificación, se hizo patente en las grandes ciudades y los artistas, creyeron que debían captar los sentimientos más íntimos del ser humano. La angustia existencial es el principal motor de su estética. El fin es potenciar el impacto emocional del espectador distorsionando y exagerando los temas. Representan las emociones sin preocuparse de la realidad externa, sino de la naturaleza interna y de las impresiones
que despierta en el observador. La fuerza psicológica y expresiva se plasma a través de los colores fuertes y puros, las formas retorcidas y la composición agresiva. No importa ni la luz ni la perspectiva, que se altera intencionadamente. La obra de arte expresionista presenta una escena dramática, una tragedia interior. De aquí que los personajes que aparecen más que seres humanos concretos reproduzcan tipos. El primitivismo de las esculturas y máscaras de África y Oceanía también supuso para los artistas una gran fuente de inspiración.
El grito
Esta obra es parte de una serie denominada “El friso de la vida”. Fue en Berlín donde pintó el cuadro, inspirado por un instante irrepetible que Munch resumió: “Caminaba por un sendero con dos amigos. Se ponía el sol, y de pronto el cielo se tornó de un color rojo sangre. Hice una pausa, sintiéndome exhausto, y me apoyé en la cerca. Había sangre y lenguas de fuego sobre el agua y sobre la ciudad. Me quedé temblando de ansiedad y sentí un grito infinito que atravesaba la naturaleza”.
Edvard Munch (1863-1944) Existen 4 versiones del mismo autor: dos óleos y dos acuarelas. La más antigua, de 1893, lo tiene el Museo Nacional de Noruega; dos versiones del cuadro se hallan en el Museo Munch, también en Oslo; y la cuarta versión se encuentra en una colección particular. Los especialistas cuentan que existe una litografía de Munch con el mismo título, que data de 1895.
6 Expresionismo - Publicación 04 agosto 2017
Siglo XX Arquitectura expresionista
La arquitectura expresionista fue un movimiento arquitectónico que se desarrolló en Europa durante las primeras décadas del siglo XX, en paralelo al Expresionismo. El término se comenzó a usar englobando una serie de creaciones vanguardistas en Alemania, Países Bajos, Austria, Checoslovaquia y Dinamarca entre 1910 y 1924. Posteriormente, se aceptó que la arquitectura expresionista también abarcaba obras desde el año 1905, y no solamente de esos países, sino también del resto de Europa. Hoy en día, el sentido del término se considera válido para la arquitectura que, independientemente del lugar de procedencia y la época de construcción, cumple con una serie de características como la distorsión, la fragmentación, o la manifestación de una emoción violenta. Este estilo tuvo amplias similitudes con lo que hoy podríamos llamar premodernismo, tanto en el uso de nuevos materiales, como en la innovación formal, suscitada en ocasiones por el uso de formas biomórficas, o por la ampliación de posibilidades ofrecida por la fabricación en masa de materiales de construcción como el ladrillo, el acero, o el vidrio. Mu-
chos arquitectos expresionistas combatieron en la Primera Guerra Mundial, y su experiencia, combinada con los cambios políticos y sociales producto de la Revolución alemana de 1919, desembocaron en perspectivas utópicas, y un programa socialista romántico. Las condiciones económicas dieron lugar a una limitación en el número de construcciones entre 1914 y mediados de los años 20, cuyo resultado fue que muchas importantes obras expresionistas se quedaron en el papel, como la Architecture Alpine de Bruno Taut, o el Formspiels de Hermann Finsterlin. Los edificios destinados a exhibiciones fueron numerosos, alcanzando una cifra significativa durante este periodo. La escenografía para el teatro y el cine, fue otra gran fuente de imaginación expresionista. La arquitectura expresionista ha estado marcada por importantes eventos, como la exposición del Deutscher Werkbund en Colonia, en el año 1914
Torre Einstein
Obra del arquitecto Erich Mendelsohn, ubicada en Potsdam, es el icono de la arquitectura expresionista. Desde 1925, la mayoría de las principales figuras de la arquitectura expresionista como Bruno Taut, Hans Poelzig o el propio Erich Mendelsohn, dieron un giro hacia la Nueva objetividad, una visión más práctica y pragmática que huía de la agitación emocional del expresionismo.
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Contenido Cubismo.......................................................................................................1 El cubismo es el movimiento más significativo y transcendente de la historia de la pintura occidental desde el Renacimiento.
Roy Lichtenstein........................................................................................2 Nosotros pensamos que la generación anterior intentaba alcanzar su subconsciente, mientras que los artistas pop intentamos distanciarnos de nuestra obra. Yo deseo que mi obra tenga un aire programado e impersonal, pero no creo ser impersonal mientras la realizo. Roy Lichtenstein
De Stijl y Neoplasticismo..........................................................................3 De Stijl, el estilo en holandés, fue una vanguardia artística que surgió en Holanda en 1917. Su nombre proviene de la revista fundada por Piet Mondrian y Theo Van Doesburg.
Fauvismo.....................................................................................................4 El Fauvismo es uno de los movimientos del siglo XX, se caracteriza por ser estético y sentimental, por ser un estado de espíritu ligado a las circunstancias del momento.
Expresionismo............................................................................................6 El Expresionismo es una corriente artística que busca la expresión de los sentimientos y las emociones del autor más que la representación de la realidad objetiva.
Arquitectura expresionista....................................................................7 La arquitectura expresionista fue un movimiento arquitectónico que se desarrolló en Europa durante las primeras décadas del siglo XX, en paralelo al Expresionismo.
8 Expresionismo - Publicación 04 agosto 2017