A帽o 1
No. 001
Estilos & Arquitectura
www.estilos&arquitectura.com
El Renacimiento El Manierismo Estilo Barroco
Venezuela Bs. 250,00
Estilo Neocl谩sico, Neog贸tico y Ex贸tico
E d i t o r i a l
La arquitectura ha tenido una constante evolución desde la prehistoria hasta hoy. Durante este proceso se pueden identificar distintas etapas o tendencias en las que se establecieron pautas constructivas y de diseño que fueron utilizadas como patrones mas o menos fijos durante muchos años, e incluso siglos; a estas formas constructivas se ha convenido en llamar estilos arquitectónicos. Para el surgimiento de un nuevo estilo arquitectónico es necesario una serie de factores sociales, económicos, culturales y hasta políticos que han influido para su creación, todo esto unido a los sistemas constructivos y materiales disponibles en cada época y lugar. La intención de esta publicación es conocer a partir de diversos artículos los diferentes estilos que se desarrollaron a través de los siglos y en diversas partes del mundo, representados en esta revista en la escultura, pintura y arquitectura con la finalidad de poder entender cómo fueron sus orígenes, evolución y los elementos que los definieron.
I n D I C E
Sumario
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Arquitectura Neogótica
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El David, La obra maestra de la escultura Renacentista Arquitectura Neoclásica, la técnica sobre la inspiración Pintura del Estilo Barroco Arquitectura y escultura del Manierismo: Parque de los monstruos
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Arquitectura Exótica: El Taj Mahal
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Sumario
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7 Arquitectura Neogótica
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Arquitectura y escultura del manierismo
Arquitectura Neoclásica
11 Arquitectura Exótica: El Taj Mahal
Pintura del estilo Barroco
El David, La obra maestra de la escultura Renacentista
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Directorio Director: Arq. Estela Aguilar Editora: Liliana Timaure
Estilos & Arquitectura, C.A. Rif: J-0850930-8 Av. Venezuela, CC Barquisimeto, Oficina 34, Barquisimeto – Venezuela
Numero 1 Portada: Obras de Diversos
Estilos, Escultura del Renacimiento: El David, Arquitetura Neogótica: Basílica de Santa Clotilde (Francia) Pintura Neoclásica: La virgen de la Leche, Arquitectura Barroca: Plaza San Pedro
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ArquitecturA NeogóticA
El Neogótico es una de las categorías estéticas esenciales que produjo la arquitectura del siglo XIX. Siendo un movimiento artístico historicista, principalmente arquitectónico y decorativo que recupera el estilo gótico que tuvo lugar desde mediados del siglo xviii hasta comienzos del xix, el cual tiene importantes muestras en todos los países de Europa y en Estados Unidos. Este estilo también es denominado peyorativamente "pseudogótico" por las personas que lo consideraban una desvirtuación del estilo gótico original y se fundamenta en la imitación de la arquitectura gótica medieval para crear nuevas estructuras. Está ligado con el estilo nacionalista y el romanticismo. La evaluación en la Arquitectura gótica al neogótico se evidencio en el empleo de nuevas técnicas é industrialización en la construcción, mediante el hormigón, la mampostería y ornamentación imitación piedra, etc. Lo que difiere del sistema constructivo original del gótico, basado en la construcción en piedra, donde éste era el principal medio estructural.
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Basílica de Santa Clotilde (Francia)
Palacio de Westminster en Londres
Abadía de Maredsous en Bélgica
El neogótico posee múltiples características siendo la principal la utilización de las formas góticas. Otras características relevantes son: Reducción de la estructura sustentante al mínimo imprescindible para colocar Gran cantidad de ventanas, vidrieras y rosetones para dar paso a la luz, multiplicación de las arquivoltas en algunos casos son decoradas, uso de Contrafuertes angulados a escuadra, arbotantes y Arco apuntado, también llamado arco ojival, colocación de múltiples pináculos, la utilización de las bóvedas de crucería y cimborrio Algunos ejemplos de la Arquitectura del Neogótico son: • Abadía de Maredsous en Bélgica. • La Iglesia Votiva, en Viena. • La fachada de la Catedral de Barcelona. • El ábside de la Sagrada Familia, y el Palacio Episcopal de Astorga, en España. • La Catedral de La Plata, en Argentina. • Basílica de Santa Clotilde (Francia) • Edificios colegiales en Cambridge y en Oxford • El Palacio de Westminster en Londres. • Catedral de María Inmaculada de Vitoria, en España. • Catedral de Santa Eulalia de Barcelona • La iglesia de Santa Bárbara de Rubio (Venezuela) estado Táchira.
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Haciendo realidad los sue単os
Ultrasonido Barquisimeto - Venezuela
EL DAVID
La obra maestra de la escultura renacentista Es una escultura de mármol blanco de 5,17 metros de altura y 5.572 kilogramos de masa, realizada por el gran genio del arte escultórico Miguel Ángel Buonarroti entre 1501 y 1504. La escultura representa al Rey David bíblico en el momento previo a enfrentarse con Goliat, el cual espera con furia y miedo a su gigantesco oponente. Esta obra, influida por la antigüedad clásica, muestra una intensidad dramática desconocida hasta el renacimiento. Esta obra también es considerada un estudio del desnudo masculino ya que se caracteriza por centrarse en la representación del cuerpo humano. En ella se puede observar el arte sensorial ya que representa una figura bella (el desnudo masculino), esta menos ligado a la religión y más a los valores de la belleza. Su cuerpo se encuentra girado con un ligero contrapposto: la pierna izquierda se adelanta a la derecha, el brazo izquierdo se eleva y se curva hasta que la mano casi toca el hombro, mientras que el brazo derecho se deja caer hasta que la mano toca el muslo, el torso se curva sutilmente, la cabeza mira hacia su izquierda, manteniendo los ojos fijos en su objetivo, con el ceño fruncido. 7
Vista Lateral
Vista Lateral
Vista Inferior Frontal
Vista Inferior Trasera
Las múltiples fracturas y fallas que tenía el bloque fueron encaminando a Miguel Ángel hacia la forma final de la escultura. El gran hueco que tenía el bloque en su flanco izquierdo origina que la escultura se apoye completamente en el pie derecho, generando un contrapposto en la figura y haciendo que la parte izquierda de la figura se balancee hacia la parte derecha del cuerpo. La cabeza de David se gira hacia su izquierda, mientras que sus hombros se escoran hacia la derecha, en sentido opuesto a sus caderas. En el Alto Renacimiento, el contrapposto era considerado un símbolo de la escultura antigua, muy apreciada en la época. El David llegó a convertirse en el paradigma de la escultura renacentista gracias a su inteligente uso del contrapposto. El trabajo de preparación de la escultura definitiva incluyó bocetos, dibujos y modelos a pequeña escala de cera o terracota. Miguel Ángel pasó directamente de estos estudios preliminares al trabajo sobre el mármol. El David fue esculpido mediante cincel desde distintos puntos de vista, puesto que Miguel Ángel lo diseñó para que fuese admirado desde cualquier punto de su perímetro, de forma diametralmente opuesta a la manera medieval que diseñaba las esculturas para ser vistas exclusivamente desde el frente. Actualmente se encuentra expuesta en la Galería de la Academia de Florencia
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Arquitectura Neoclásica
La técnica sobre la inspiración Es un estilo arquitectónico que produjo el movimiento neoclásico que comenzó a mediados del siglo XVIII, por una reacción contra el estilo barroco de ornamentación naturalista así como por el resultado de algunos rasgos clasicistas nacidos en el barroco tardío. Es importante señalar que el incrementos en este periodo de las construcciones al servicio de la sociedad y a mejorar la calidad de vida de las personas propicio un rechazo a la arquitectura del estilo barroco, por lo que comienza a observase las construcciones de la antigüedad greco-romana en búsqueda de una arquitectura con un estilo más enfocado en la universalidad.. Dichos modelos greco-romanos dieron lugar a una arquitectura monumental que imita frecuentemente el templo clásico para darle un nuevo sentido en la sociedad civil.. Todos los arquitectos parten de unos supuestos comunes como son la racionalidad en las construcciones y la vuelta al pasado. Se buscó dar un carácter más científico a las artes, por lo que los artistas debieron ser técnicos más que inventores, e imitadores más que creadores. 9
Puerta de Alcalá (Madrid)
Dicho espíritu científico, llevó a considerar al arte clásico como un arte progresista, porque estaba desprovisto de adornos sin sentido y buscaba la perfección de las leyes inmutables sin depender de las impresiones subjetivas e imperfectas del artista.
Todo ello trajo como consecuencia el nacimiento de movimientos que promueven la crítica y establecen la necesidad de crear una arquitectura más funcional y menos decorada. Este estilo creado es un intento de someter la inspiración artística a reglas racionales y de elaborar modelos de validez universal, por lo que carece de fuerza creadora y resulta un arte poco original en donde prima la técnica sobre la inspiración.
Cabe señalar, que dicho estilo se refiere principalmente a la arquitectura pero sin olvidar en su totalidad a la pintura y a la escultura, en donde se observa además, el empleo de materiales clásicos como el mármol y la piedra, el predominio de volúmenes geométricos y proporciones sujetas a las leyes de la medida y las matemáticas. Iglesia de San Vicente de Paúl (Paris)
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Pintura del Estilo Barroco La mejor y más importante pintura del estilo Barroco se desarrolla durante el período que comienza alrededor del año 1600 y continúa a lo largo de todo el siglo XVII. En dicho periodo la pintura adquirió un papel prioritario dentro de las manifestaciones artísticas. La pintura barroca se caracteriza por el realismo, los colores ricos e intensos, la insinuación de enormes espacios, fuertes luces y sombras.
El rapto de Europa, Rembrandt (1632)
Una intensa espiritualidad aparece con frecuencia en las escenas de éxtasis, martirios y apariciones milagrosas. Se desarrollan nuevos géneros como los bodegones, paisajes, retratos, Vanitas, cuadros de género o costumbristas, así como se enriquece la iconografía de temas religiosos. Existe una tendencia y una búsqueda del realismo que se conjuga con lo teatral y lo efectista. Se pretende transmitir sensación de movimiento. Las composiciones se complican, se adoptan perspectivas insólitas y los volúmenes se distribuyen de manera asimétrica. Mientras que la dinámica del espacio, la visión de las escenas en profundidad, la estructuración de las composiciones mediante diagonales y la distribución de manchas de luz y de color, configuran el espacio como algo dinámico, donde contornos se diluyen y las figuras pierden relevancia frente a la unidad de La vocación de San Mateo la escena. Caravaggio, 1601 11
La tasadora de perlas, Johannes Vermeer (1665)
Las Meninas, Diego Velázquez, 1656
Las tres Gracias, Peter Paul Rubens, 1636-1639
Crucifixión de San Pedro Caravaggio, 1601
Se produce en esta época un dominio absoluto de la técnica pictórica, tanto en la pintura al óleo sobre lienzo como en la pintura al fresco. Ello permite alcanzar un gran realismo en la representación pictórica. Se logra la imitación de la realidad teorizada por los renacentistas pero sin la idealización y concepción propias del siglo anterior. La pintura al fresco de bóvedas y techos mediante la creación de ilusiones perspectivas y grandes escenas unitarias vistas de abajo a arriba fue una técnica muy empleada por los pintores del pleno barroco. Entre los más grandes pintores del período barroco se encuentran Caravaggio, Rembrandt, Rubens, Velázquez, Poussin, y Vermeer El desarrollo de la pintura barroca se produjo por países, Sin embargo, la influencia común proveniente de Italia, donde surgieron dos tendencias contrapuestas: el naturalismo y el clasicismo. 12
Bóveda del Palazzo Farnese, Annibale (15971604)
El naturalismo, trata temas de la vida cotidiana, con imágenes tétricas usando efectos de luz. Los claroscuros procuran dar intensidad y viveza. Se rehúyen de los ideales de belleza, mostrando la realidad tal como es, sin artificios. Esta tendencia tuvo su máximo exponente en Caravaggio y otros artistas que la representaron fueron Bartolomeo Manfredi, Carlo Saraceni, Giovanni Battista Caracciolo y Orazio y Artemisia Gentileschi. El clasicismo, que es igualmente realista pero con un concepto de la realidad más intelectual e idealizado. Los temas a plasmar son inspirados de la cultura greco-latina, con seres mitológicos. El color es suave, al igual que la luz, y se pintan frescos en techos. Los hermanos Annibale y Agostino Carracci son los máximos exponentes de esta tendencia. Otros representantes de esta tendencia fueron Guido Reni, Domenichino, Francesco Albani, Guercino y Giovanni Lanfranco. Ambas tendencias dejaron secuela y sirvieron para renovar los escenarios pictóricos.
Judit decapitando a Holofernes Artemisia Gentileschi(1614-20).
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ARQUITECTURA Y ESCULTURA DEL MANIERISMO:
Parque de los monstruos
El Parque de los monstruos (en italiano Parco dei Mostri) o Bosque sagrado son denominaciones de los jardines del Castillo de los Orsini en Bomarzo, Italia. Dicho parque es el resultado del deseo del Príncipe jorobado, Pier Francesco Orsini, que desolado por la muerte de su esposa, Giulia Farnese emprende un viaje hacia la eternidad a través de las esculturas pulidas a partir de las rocas, y que siembran el recinto de su jardín. La construcción del parque, se inició hacia 1550 bajo la dirección de los arquitectos manieristas Pirro Ligorio y Jacopo Vignola, entre otros y la idea original de diseñar un jardín ornamental siguiendo el modelo de la época y termino en un proyecto único donde las estatuas y los edificios simbólicos que lo componen invitan a perderse a semejanza de un laberinto con desmesuradas esculturas talladas en roca, de aspecto terrible o absurdo, que representan personajes míticos y seres fantásticos que expresan una oda al sufrimiento, al miedo, terror y la desesperación. Neptuno
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la casa Inclinada
Elefante de Aníbal, aplastando con su trompa a un legionario romano
Hércules mata a Caco
Ligorio aprovechó la roca volcánica originaria de Bomarzo conocida como el peperino, dúctil y apropiada para pulir las esculturas. Durante casi treinta años escultores y arquitectos se siguieron las directrices del príncipe para que el cosmos de su patrón se fuese dibujando con un zoológico compuesto por seres mitológicos que vivirán entre árboles y arroyos, por un templo renacentista, un pequeño teatro romano o a una torre tan inclinada que confunde al visitante. Como ejemplo de la Arquitectura del manierismo dentro de parque se presenta la Casa Inclinada, construida en 1555 con pendiente a propósito. Desde dentro el efecto que produce es extraño, como si fuese imposible alcanzar el equilibrio. Dicha obra fue construida así deliberadamente aprovechando la inclinación de la roca y es imposible de habitar. En esta obra se rechaza el equilibrio y la armonía de la arquitectura clásica y la arbitraria alteración de la correspondencia entre las partes y el conjunto del edificio, lo que rompe la lógica de las relaciones espaciales y se provoca la desintegración de la estructura renacentista. 15
Entre los jardines se asoman monstruosas esculturas talladas en roca de aspecto aterrador, apariencia grotesca y escala monumental, seres de piedra que custodian el lugar y cuentan una historia fantástica. Dichas esculturas representan una genial visión manierista que cuestionaba la validez del ideal de belleza defendido en el Alto Renacimiento. En este parque las reminiscencias a la mitología son constantes, y entre la treintena de esculturas o Proteo Glauco edificios podemos describir a Saturno, Pegaso, Venus o Prosepina. El simbolismo es otra de las características del jardín, no hay lugar al descuido, y todo tiene un significado, una frase latente que a veces se escribe en la roca, o a veces nos la sugiere las formas del dragón, la tortuga, la ballena, o la ninfa dormida. Es embargo, el orco es la escultura que desperta mayor interés siendo una escultura monumental tallada en roca, de aspecto terrible, extravagante, surreal y onírica, que representa un ser fantástico. La cara del orco parece cambiar su expresión facial a medida que las sombras del ocaso se proyectan sobre ella. Este parque se encuentra enmarcado en la corriente manierista y es un excelente ejemplo de los elementos clásicos utilizados en la arquitectura y escultura de dicho estilo por la abundancia de las formas difíciles y poco naturales.
la Mujer durmiente
La Tortuga
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Barroque
La mas amplia gama de muebles al estilo barroco que no le dejaran indiferente. Barroque presenta 6 colecciones para satisfacer los gustos mas originales y exigentes.
Caracas - Valencia – Barquisimeto
Arquitectura Exótica: El Taj Mahal Es un complejo de edificios construido entre 1631 y 1654 en la ciudad de Agra, estado de Uttar Pradesh, por el emperador musulmán Shah Jahan de la dinastía mogola. El imponente conjunto se erigió en honor de su esposa favorita, Arjumand Bano Begum, que murió en el parto de su decimocuarta hija. El Taj Mahal es considerado el más bello ejemplo de arquitectura mogola, con un estilo exótico que amalgama elementos de las arquitecturas islámica, persa, india e incluso turca. El exotismo en esta obra se ve representado en las artes decorativas que posee la obra las cuales reflejan opulencia y la sensualidad ornamental. Todos los detalles del edificio muestran su naturaleza romántica, y el conjunto hace alarde de una estética espléndida. Los elementos formales y decorativos son empleados repetida y consistentemente en todo el complejo, unificando el vocabulario estético. La cúpula principal mide 20 metros de diámetro por 25 de altura, esta decorada con réplicas de flores de loto y termina con una aguja dorada que remata con una luna en tiempo creciente de origen islámico.
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Motivos vegetales en un detalle del panel junto a un arco.
Caligrafía sobre el gran portal de acceso al mausoleo
Pantalla que rodea el cenotafio, en mármol calado y con incrustaciones de piedras preciosas.
Prácticamente toda la superficie del complejo ha sido ornamentada, y se encuentra entre las más bellas decoraciones exteriores de la arquitectura mongol de cualquier época. También en este aspecto, los motivos se repiten en todos los edificios y elementos. Los elementos decorativos pertenecen básicamente a tres categorías, recordando que la religión islámica prohíbe la representación de la figura humana: caligrafía, elementos geométricos abstractos y motivos vegetales. Estas decoraciones se ejecutaron con tres técnicas diferentes: pintura o estuco aplicado sobre los muros, incrustación de piedras y esculturas.
Antes del Taj Mahal era habitual edificar con piedra arenisca roja, pero el emperador promovió el uso de mármol blanco con incrustaciones de piedras semipreciosas como el jaspe traído de Panyab, el cristal y el jade de China, las turquesas del Tíbet y lapislázuli de Afganistán, zafiros de Ceilán y la carnelia de Arabia. En total se utilizaron 28 tipos de gemas y piedras semipreciosas para hacer las incrustaciones en el mármol. La piedra arenisca roja se utilizó en combinación con el mármol negro en las murallas, el acceso principal, la mezquita y el jawab. 19
Las tumbas de Sha Jahan y su esposa Mumtaz.
La sala central del Taj Mahal presenta una decoración que va más allá de las técnicas tradicionales, y emparenta con formas más elevadas del arte manual, como la orfebrería y la joyería. Aquí el material usado para las incrustaciones no es ya mármol o jade, sino gemas preciosas y semipreciosas. Cada elemento decorativo del exterior ha sido redefinido mediante joyas. Actualmente es un importante destino turístico de la India. En 1983, fue reconocido por la Unesco como Patrimonio de la Humanidad. El Taj Mahal fue nombrado una de Las Nuevas Siete Maravillas del Mundo Moderno.
El masjid, la mezquita.
Interior de la mezquita .
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Tecnocolor La marca de pinturas de Venezuela