TLmag #24 From East Asia to Northern Europe - Preview by Lise Coirier

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24 True Living of Art & Design

Sp ec i a l Guests Bakker, Beccat, Boelen, Chen, Cormier, Di Méo, Van Duysen, Fu, Hals, Herkner, Klenell, Kusama, Kuma, Lust, Maurer, Miyake, Neri & Hu, Wonmin Park, Sanaa, Shiota, Snøhetta, Sunde, Tokuyin, Vibskov M u st- S e e Brokis, Bocci, Delvaux, Design Duo Awards, Japan Handmade, Liquid Light, Prix Bettencourt, Puls Ceramics, Winter Forms, Zen Architecture

France: 12,50€ BE/LUX/ES/GR/IT/NL/Port Cont: 12,50€ AU/DE: 15,00€; GB: £10,00 Suisse: CHF 15,00 US: $ 15; Canada: CA$ 20 HK: HKD 110; Taïwan: NT$ 430 China: CNY 110; Singapore: SGD 20 Japan: ¥ 1700; Brazil: REAL 45

ISSN 2031 8316 / X P47002

Automne-Hiver / Autumn-Winter 2015-2016 Décembre / December 2015

M 05934 - 24 - F: 12,50 E - AL

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Trav e ls Brussels, Copenhagen, Dubai, Helsinki, Hong Kong, Naoshima, Seoul, Shanghai, Shenzhen, Stockholm, Taipei, Tokyo

De l'Extrême-Asie à l’Europe du Nord / From East Asia to Northern Europe

A R E VO LU T I O N A RY C E R A M I C M AT E R I A L. SaphirKeramik, a high-tech material driving innovative design. With its precise, thin-walled forms and tight-edge radii, Laufen brings a new language to bathrooms. Collection VAL, design by Konstantin Grcic.

TLmag 24

S o mmai re / Con te n ts

Sommaire

/ Contents

— 14 — 16

EDITORIAL AGENDA

Appetizers — 18

Design accross Design Projets de musées en Asie de l’Est et en Europe du Nord / Curatorial Projects in East Asia and Northern

Europe — 28

— 34

— 38

— 44

— 50

— 56

— 60

— 64

— 70

— 74

SPECIAL GUESTS

Issey Miyake Designing Haikus Ingo Maurer Lumière de papier, Soleil levant / Paper Light, Rising Sun Aldo Bakker Obstination des objets, séduction des formes / Obstinate Objects & Seductive Shapes

Xavier Lust Tabula Rasa, Transcender les normes / Transcends Norms Sebastian Herkner Une maison en verre ouverte à tous / A Soft Glass House of Everyone

Wonmin Park Des surfaces au paradis de l'évanescence / Planes in Paradise

Oki sato: nendo La joie de faire poindre un sourire / The Joy of Smiling Neri & Hu Storytelling Asia

Vincent Van Duysen Le nouveau minimalisme / The New Minimal André Fu Au-delà du design d’espaces intérieurs / Beyond Spatial Designs

Stories — 78 — 81

— 84

— 88

BRAND stories

Brokis Une affaire de famille / A Family Affair Bocci79 33 Gestalt Rooms in Berlin Nikari Des traditions appliquées au contemporain / Translations to Contemporary

Delvaux L'Asie comme destination / Destination: Asia

Excellence & Creation — 92

— 95

A New Layer Design suédois et laque taïwanaise / Lacquering Swedish Design in Taiwan

Japan Handmade Entre la modernité danoise et la tradition japonaise / Between Danish Modern and Japanese Tradition

Les talents cachés de Taïwan / Taiwan's Untapped Talent

Korea Now! Un souffle de renouveau créatif

/ A Breath of Renewed Creativity

— 106

South Korean Fashion Nouvel eldorado de la mode en Asie / Asia's New Fashion

avant-garde — 110 Henrik Vibskov

Le créateur aux mille et un visages

/ The Man of a Thousand Faces

— 114 — 118 — 126

Ahonen & Lamberg Design Duo Awards 2015 Prix Liliane Bettencourt pour L'intelligence de la main Chef-d'œuvre en compagnonnage

/ A Brotherhood's Masterpiece

Mix-Match — 130

FASHION PORTFOLIO

Liquid Light

architecture — 150 Naoshima L'île de beauté / The Beauty Island — 154 Zen Architecture Sérénité eurasienne / Eurasian Serenity — 162 Snøhetta Subtiles métamorphoses / Subtle Shapeshifters — 166 Sanaa Architects

— 170

Le nombre d’or de l’Architecture au xxie siècle

/ The Golden Ratio of 21st-Century Architecture

Guggenheim Helsinki Quant l'art illumine la ville / Art to light up the city

Living with Art & Design objects of desire — 174 Formes hivernales / Winter Forms art & design GALLERIES PULS fête ses 15 ans / at 15 — 182

— 188

Constituer des collections mondiales / Building Global Collections

Delos Ubiedo L’alliance onirique du métal et des gemmes / A Dreamlike Alliance between Metal and Gems

artists — 190 Yayoi Kusama

— 194

— 198

L'espace psychédélique / Psychedelic Space Chiharu Shiota D’un objet l’autre, au fil des souvenirs / From one Object to Another, Thread of Memories

Gjertrud Hals L'Art de la Fibre / Refined Fiber Art

Real Life — 202

— 208

culinary pleasure

Beccat & Di Méo Quand le parfum s’esquisse dans la matière culinaire / When Perfume takes Culinary Form city reports

Inside Tokyo Tradition, cet éternel air du temps ! / Tradition, that Eternal Fashion!

— 212

Dubai Design Week 2015 Une agora du design régional / Regional Design Agora

culinary pleasure TIGrr est sur Paris / in Paris

— 214

TL # 24

— 98 — 102

New talents

TLmag 24

Edito rial

Aux extrêmes de l’Asie et de l’Europe du Nord / From Extreme Asia to Northern Europe

SINGAPORE / MARCH 8-11, 2016 SANDS EXPO AND CONVENTION CENTER MARINA bAy SANDS SINGAPORE

Par / By Lise Coirier

Une beauté parfois volontairement imparfaite, une quête de l’immatériel et de l’essence même des choses, des petits moments pris sur le temps qui passe, la nature, la matière et la lumière sublimées, tels sont les ingrédients de cette édition automne-hiver de TLmag. Posant un regard contemporain et interdisciplinaire sur des personnalités qui animent l’âme entre ces deux continents, ces pages sont dédiées à l’esthétique de la perfection et du chaos, Wabi Sabi, et à la lumière liquide qui fait l’objet d’un magnifique portfolio mode, lumière et parfums de créateurs, photographié par TLmag dans les jardins du musée Guimet à Paris. Autant de belles rencontres que d’esprits éclairés nous transportent au cœur de visions pures et introspectives, de la densité des villes asiatiques aux paysages nordiques grandioses. La force se ressent sur la qualité de l’architecture, de la mode, de l’art et du design, source de méditation et de spiritualité. Parmi les sujets forts, Aric Chen, Brenden Cormier, Jan Boelen et Benedicte Sunde dialoguent autour des grands chantiers et valeurs culturelles qui unissent l’Asie de l’Est et l’Europe du Nord. Taku Satoh et Tokuyin Yoshioka nous parlent de la future rétrospective à Tokyo du visionnaire de la mode Issey Miyake, suivie d’Ingo Maurer et de ses lumières de papier. Aldo Bakker, Xavier Lust, Sebastian Herkner, Wonmin Park, Oki Sato – nendo, Henrik Vibskov nous font pénétrer dans leur univers des formes, tandis que les architectes et créateurs Neri & Hu, André Fu et Vincent Van Duysen esquissent leur philosophie mariant les espaces identitaires, à l’art et à un nouveau minimalisme. En faisant étape à Taïwan, en Corée, au Japon, les savoir-faire se croisent entre les pays du nord et l’est de l’Asie (A New Layer, Korea Now!, Japan Handmade, Puls Gallery), s’imprègnant des qualités ancestrales pour les pousser vers des créations contemporaines novatrices. Des duos de designers se détachent de ce vaste champ de création tels Ahonen & Lamberg, les Bouroullec, Barber Osgerby, Riener Bosch, Studio Swine, Maison Kitsuné…, rejoignant les grands architectes, Tadao Ando (Naoshima), Takashi Hosaka, Kengo Kuma, Moreau-Kusunoki, Reiulf Ramstad, Fumihiko Sano, Rintala Eggertsson, Sanaa, Snøhetta, Li-Xiodong, ainsi que des marques comme Brokis, Bocci, Nikari et Delvaux. Dans la lignée de ces singularités culturelles, Lionel Beccat et Philippe Di Méo nous font partager, depuis Tokyo, une rencontre autour de liquides imaginaires et de saveurs culinaires, Gjertrud Hals nous plonge dans le shintoïsme et un fjord en Norvège, Chiharu Shiota dans ses souvenirs, Yayoi Kusama dans son espace psychédélique.

A beauty at times purposefully imperfect, a quest for the immaterial and the true essence of things, small moments caught in the passing of time, nature, matter and light, sublimated… These are the ingredients in this Autumn-Winter edition of TLmag. Taking a contemporary and interdisciplinary look at the personalities who energise the soul between these two continents, these pages are dedicated to the aesthetic of perfection and chaos, Wabi Sabi, and the liquid light that is the subject of a magnificent fashion, light and designer perfume portfolio, photographed by TLmag in the gardens of the musée Guimet in Paris. A series of delightful encounters with enlightened minds transports us into the heart of their clear and introspective visions, into the density of the Asian cities and the grandiose landscapes of the Nordic countries. Strength plays a role in the quality of architecture, fashion, art and design, a source of meditation and spirituality. Among the highlights: Aric Chen, Brenden Cormier, Jan Boelen and Benedicte Sunde dialogue around the major museums’ worksites and cultural values that unite East Asia and North Europe. Taku Satoh and Tokuyin Yoshioka speak to us about the future retrospective in Tokyo on visionary fashion designer Issey Miyake, followed by Ingo Maurer and his paper lights. Aldo Bakker, Xavier Lust, Sebastian Herkner, Wonmin Park and Oki Sato – nendo, Henrik Vibskov draw us into their universes of form, while architects and designers Neri & Hu, André Fu and Vincent Van Duysen sketch out a philosophy that combines the space of identity, art and a new minimalism. Touching down in Taiwan, Korea and Japan, design-led crafts intersect between the countries of northern and eastern Asia (A New Layer, Korea Now!, Handmade Japan, Puls Gallery), taking inspiration from ancestral traditions and pushing them towards innovative contemporary designs. Standing out in this vast creative field, duo designers including Ahonen & Lamberg, the Bouroullecs, Barber Osgerby, Riener Bosch, Studio Swine, Maison Kitsuné…, join great architects Tadao Ando (Naoshima), Takashi Hosaka, Kengo Kuma, MoreauKusunoki, Reiulf Ramstad, Fumihiko Sano, Rintala Eggertsson, Sanaa, Snøhetta and Li-Xiodong, as well as brands such as Brokis, Bocci, Nikari and Delvaux. In keeping with these cultural idiosyncrasies, Lionel Beccat and Philippe Di Méo join us in Tokyo for a meeting around “Liquides imaginaires” and culinary flavours, while Gjertrud Hals plunges us into Shintoism and a Norwegian fjord, Chiharu Shiota into her memories, and Yayoi Kusama into her psychedelic space.

WWW.MAISON-ObJET.COM

TL # 24

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CONNECTING THE INTERIOR DESIGN COMMuNITy IN ASIA PACIfIC

INfO@SAfISALONS.fR SAfI ASIA PTE LTD, A SAfI “SALONS fRANçAIS ET INTERNATIONAuX” SubSIDIARy. SAfI IS A SubSIDIARy Of ATELIERS D’ART DE fRANCE AND REED EXPOSITIONS fRANCE / DESIGN © bE-POLES - IMAGE © KEVIN CLOGSTOuN / GETTy IMAGES

D e sig n Ac ro ss D e sig n

Projets de musées en Asie de l’Est et en Europe du Nord / Curatorial Projects in East Asia and Northern Europe Reportage de /Report by Laura Herman

Quatre figures éclairées exerçant en Asie de l’Est et en Europe du Nord nous parlent des effets de la mondialisation, du développement urbain, de l’éducation et des valeurs interculturelles sur la pratique contemporaine du design. TLmag s’est entretenu avec Aric Chen (M+, Hong Kong), Brendan Cormier (Galerie V&A de Shekou, Shenzhen), Jan Boelen (Z33, Design Academy Eindhoven) et Benedicte Sunde (Centre norvégien de design et d’architecture).

Conçu par le studio Maki et fondé par le China Merchants Group, un conglomérat d’entreprises établi en 1872, le musée de Design de Shekou devrait ouvrir

Across TL # 24

Design Design

L’ess o r des musées

1 — Makoto Azuma, Frozen Pine, vue de l'installation / installation view Alter Nature 2— Benedicte Sunde 3 — Jan Boelen 4 — Aric Chen 5 — Brendan Cormier

S’il serait trop simpliste et essentialiste de faire référence au vieil adage de « la rencontre entre l’Orient et l’Occident », il vaut toutefois la peine de se pencher sur les différentes temporalités du design européen et du design est-asiatique ainsi que sur les relations qui les unissent, sans pour autant essayer d’en fournir une analyse exhaustive. S’il ne fait aucun doute que la culture prédominante du design est encore majoritairement occidentale, cette tendance évolue peu à peu sous l’effet de deux facteurs : l’Asie de l’Est s’est imposée sur la scène du design comme étant le principal centre de fabrication au niveau mondial et un design tirant son inspiration de contextes locaux et régionaux s’est introduit sur les marchés internationaux. De plus, la Chine et Hong Kong ont traversé un développement urbain et une transition industrielle effrénés qui ont entraîné l’émergence de musées à grande échelle et contribué à lancer de nouveaux débats.

Four insightful voices, working across East Asia and Northern Europe, shed light on the effects of globalisation, urban development, education and cross-cultural values on the contemporary design practice. TLmag speaks to Aric Chen (M+, Hong Kong), Brendan Cormier (V&A, Gallery Shekou, Shenzhen), Jan Boelen (Z33, Design Academy Eindhoven), and Benedicte Sunde (The Norwegian Centre for Design and Architecture). While referring to the old “East meets West” adage is too oversimplified and essentialist, it’s worth attending to the different temporalities and relationships between European and East Asian design, without providing fully-fledged narratives. To be sure, the prevailing mode of design culture is still predominantly western, yet this is slowly shifting as East Asia has animated the globe’s design stage as the world centre of manufacturing, and as locally and regionally inspired design infiltrates international markets. Moreover, the rapid pace of urban development and industrial transition in China and Hong Kong has brought along the emergence of large-scale museums stirring up new debate. M useum B oom Founded by the China Merchants Group, an old conglomerate established in 1872, the Studio Makidesigned Shekou Design Museum in Shenzhen is set to open in early 2017. The brand new museum, led by former Netherlands Architecture Institute director Ole Bouman, initiated a pioneering international collaboration with the Victoria and Albert Museum in London headed by Luisa E. Mengoni. Brendan Cormier,

Appetizers

D e s i g n Acro s s D e s i g n

D e sig n Ac ro ss D e sig n

appointed lead Curator of the V&A Gallery in Shekou, explains the V&A’s commitment to this partnership. “About 10-years ago, the Chinese prime minister introduced a policy shift towards investing in design as a way to stimulate the economy,” he says when describing the changing design landscape in China. “Especially since the Chinese middle class is growing, there’s a lot of aspirational social mobility taking place, and it’s becoming apparent that low-cost production can’t be sustained. Along with these developments, China has experience a museum boom. Statistics reflect that in 2013, a museum opened every day, which has now slowed down to a museum opening every three days.” While there has clearly been no problem with creating hardware in China, there’s been a major lack of software. “Large institutions like the British Museum and the V&A, however, have such large collections that it becomes an obligation to find different ways of showing objects,” Cormier says. “One of the reasons why the V&A was interested is that it wasn’t bricks and mortar; it wasn’t a building they would have to own and operate, but they could help with the institutional establishment.” Perhaps one of the largest institutions being developed in the area and in the world for that matter is M+, designed by architects Herzog & De Meuron.

éléments particulièrement cruciaux dans notre région, où le design a besoin de se doter de voix institutionnelles plus nombreuses et plus puissantes. Un vent favorable gonfle toutes les voiles ! Il me semble que nos deux institutions se sont positionnées assez différemment pour pouvoir être complémentaires. »

6 — Intérieur du futur musée M+, vue sur le lobby et le « Founds Space » / Interior of the M+ building, showing the lobby and the “Found Space” 7 — Rendu 3D du Shekou Design Museum / Digital Rendering of Shekou Design Museum

Valeurs interculturelles et mutati o n des perspectives

TL # 24

ses portes à Shenzhen au début de l’année 2017. Ce tout nouveau musée dirigé par Ole Bouman, l’ancien directeur de l’Institut d’architecture des Pays-Bas, a lancé une collaboration internationale inédite avec le Victoria and Albert Museum (V&A), dirigé par Luisa E. Mengoni. Nommé conservateur principal de la galerie V&A du musée de Shekou, Brendan Cormier nous parle de la participation du V&A à ce partenariat : « Il y a environ dix ans, le Premier ministre chinois a opéré une transition politique vers une hausse des investissements consacrés au design afin de stimuler l’économie », explique-t-il au sujet de la mutation de la situation du design en Chine. « Depuis le début de l’expansion de la classe moyenne chinoise, la population aspire de plus en plus à la mobilité sociale et il est devenu manifeste que la production bon marché n’était pas viable. Parallèlement à cette tendance, les musées chinois ont connu un véritable essor. À en croire les statistiques, un nouveau musée ouvrait en effet ses portes tous les jours ; aujourd’hui, cette cadence a un peu ralenti pour se stabiliser à un nouveau musée tous les trois jours. » Si la Chine excelle dans la création de matériel informatique, elle présente toutefois des lacunes majeures en matière de création de logiciels. « Les grandes institutions telles que le British Museum et le V&A possèdent de si grandes collections qu’il leur devient nécessaire de mettre au point de nouvelles méthodes d’exposition, explique Brendan Cormier. Si le V&A s’est montré intéressé par ce partenariat, c’est parce que le musée de Shekou n’était pas une initiative conventionnelle : dispensé de l’obligation de posséder et de gérer l’établissement, le V&A pourrait néanmoins contribuer à son positionnement institutionnel. » Conçu par le cabinet d’architectes Herzog & De Meuron, le musée M+ est peut-être l’une des plus grandes institutions en cours de réalisation à s’orienter dans cette même direction, aux niveaux régional et mondial. Il devrait ouvrir ses portes d’ici 2018 à Hong Kong, dans le quartier culturel de West Kowloon. Ce musée consacré à la culture visuelle prévoit de constituer depuis une perspective typiquement hongkongaise une collection mondiale porteuse de valeurs différentes de celles véhiculées par les institutions conventionnelles. Les solides connaissances d’Aric Chen en matière de design et d’architecture asiatiques mais aussi internationaux lui ont valu d’être nommé conservateur du design et de l’architecture. « M+ a pour ambition de se pencher sur le monde depuis notre propre perspective, à la fois temporelle (maintenant) et géographique (Hong Kong, la Chine, l’Asie de l’Est et ailleurs) », explique Aric Chen. « Nous pouvons, je l’espère, revisiter des pages du passé tout en écrivant de nouveaux chapitres. Notre but n’est pas de renforcer les frontières existantes (qu’elles soient disciplinaires ou géographiques), mais bien de faire résonner une nouvelle voix dans un monde de plus en plus multipolaire. » Comment cette institution se positionnera-t-elle par rapport à d’autres ambitieux établissements, tels que le musée de Design de Shekou ? Aric Chen se montre enthousiaste quant à ce dernier : « Il dispose d’une remarquable équipe et d’excellentes ressources, des

Appetizers

Une grande partie de l’Asie de l’Est traverse actuellement d’importantes transformations structurelles, il n’est donc pas étonnant que la production, la consommation et l’évaluation du design y diffèrent de ce que l’on peut par exemple voir en Europe du Nord. Comment les institutions culturelles abordent-elles cette réalité ? Au cœur de la vision de la Galerie du V&A se trouve la façon dont des valeurs diverses se reflètent dans des objets ancrés dans différents contextes spatio-temporels. « Cette galerie gravitera autour du concept de valeur », déclare Brendan Cormier. « Elle illustrera la notion de valeur dans le design, mais proposera également des instruments permettant de la mesurer dans toute chose. » Il s’agit manifestement d’un sujet de plus en plus en vogue en Chine ; Brendan Cormier explique en effet que « dans de nombreux domaines, on joue aujourd’hui en Chine avec le concept de valeur et avec la relation que ce concept entretient avec le design. Celui-ci suscite d’ailleurs l’intérêt du gouvernement, qui le considère comme un potentiel moteur de croissance économique. La Chine compte en effet deux millions d’étudiants de design qui termineront bientôt leurs études et commenceront à exercer professionnellement, ce qui reviendra à vendre la valeur des compétences acquises. Une incroyable influence émane en outre de la classe moyenne, qui représentait 203 millions de citoyens en

Scheduled to open in Hong Kong’s West Kowloon Cultural District by 2018, the visual culture museum plans to create a global collection from a distinctly Hong Kong vantage-point, representing different values than the ones we find in conventional institutions. With a profound knowledge of design and architecture in Asia as well as understanding its international context, Aric Chen was appointed curator of design and architecture. “M+ has the ambition to look at the world from the perspective of where we are, both temporally (now) and location wise (in Hong Kong, China, East Asia and elsewhere),” Chen says. “We can revisit old narratives, while hopefully writing new ones. We’re not about reinforcing boundaries – whether disciplinary or geographical – but rather adding another voice in an increasingly multipolar world.” But how will the institution position itself towards other ambitious institutions like the Shekou Design Museum? Chen is excited about Shekou: “They’ve got a great team and resources, especially in our region, where we need more and stronger institutional voices for design. A rising tide lifts all boats! I think both institutions have positioned themselves differently enough that we’ll complement each other well.” C ross- C ultural Values and S hifting S copes With large parts of East Asia undergoing rapid structural changes, it should come as no surprise that design is being produced, consumed and assessed differently than let’s say, in Northern Europe. How is this being discussed in cultural institutions? The question of how disparate design values are reflected in objects across different times and locales lies at the heart of the vision for the V&A Gallery. “The gallery will be hinged around the concept of value,” Cormier explains.

D e s i g n Acro s s D e s i g n

Appetizers

“On the one hand it will present notions of value in design, but it will also offer people tools to measure it in things.” Clearly, this concept has become increasingly interesting to talk about in China. Cormier: “The concept of value and its relation to design is being played out within a different number of fields in China today. The government is interested in design, and for them, it benefits a stronger economy. There are two million design students in China who will all graduate soon and sell their profession – the value of their own skills. Besides this, there’s an incredible influence from the middle class, which between 2001 and 2011, grew to 203 million citizens. By 2030, it’s projected that 854 million people will enter the middle class. This group tries to define its identity through objects and property, which is a normal outcome. At a consumer level, design plays a huge role at generating or communicating a new life style. So we thought it would be a great opportunity to look at our own collection and at how over the last hundred years, designers have made claims about the value of design.” According to Jan Boelen, founder of Z33 in Belgium and Head of the Masters Department Social Design at the Design Academy Eindhoven, there’s a lot of talk about China going around, which is manifested in many new projects. Boelen: “There’s a common generalisation that China always wants to be like the West, but it has just as much Japanese and Korean influences. It’s hard to speak of an East West binary. On the other hand, I think you can understand the different values and concerns in Northern Europe and Asia from a societal perspective. The products made often depend on the organisation of a certain society and its specific issues. The East is experiencing unprecedented urban

growth and a flourishing capitalist system. In that part of the world, countries are going through a totally different stage of history than Europe, which by now is shrinking, becoming frail, and less crowded.” Chen adds: “Certainly in China, the rapid pace of urbanisation has created lots of challenges, but also opportunities, in terms of tackling social, environmental and other impacts. China is a litmus test for our ability to keep this planet habitable. In another vein, however, there’s long been talk of China ‘leapfrogging’ in design and innovation–that is to say, skipping some of the stages of development that more advanced countries have gone through and moving straight for what’s more relevant and urgent now. I wonder if we’re seeing that happening: for example, already, the emphasis in China is less on traditional industrial design, despite China’s manufacturing prowess, than on mobile platforms like Xiaomi and WeChat, sustainable energy (solar and wind power–though there’s still clearly a lot of work to do), and new technologies and economies as with the growing maker movement in Shenzhen, or the drone pioneer DJI.” While East Asia is all about new technologies and manufacturing processes, Nordic countries are more concerned with redefining vernacular traditions. Benedicte Sunde, curator at The Norwegian Centre for Design and Architecture in Oslo thinks that traditional

8 & 11 — Vue de Shenzhen / Shenzhen views 9 — Mise en valeur de l'espace public par Neonsigns.hk, Fa Yuen Street à Mong Kok, Kowloon / Highlights of public submissions in Neonsigns.hk Fa Yuen Street in Mong Kok, Kowloon 10 — Néons chez Sammy's Kitchen, 204-206 Queen's Road West, Western District / Neon Sign of Sammy’s Kitchen: 204-206 Queen’s Road West, Western District

TL # 24

2011 et devrait atteindre 854 millions en 2030. Comme on peut s’y attendre, ce groupe s’efforce de définir sa propre identité par le biais des objets et des propriétés qu’il acquiert. Au niveau des consommateurs, le design joue un rôle fondamental dans la constitution et l’affichage d’un nouveau mode de vie, c’est pourquoi nous avons pensé qu’il s’agissait d’une occasion unique pour nous pencher sur notre propre collection et nous demander comment les designers se sont exprimés sur la valeur du design au fil du siècle dernier. » Selon Jan Boelen, fondateur du centre belge Z33 et directeur du département de Master en design social de la Design Academy Eindhoven, les nombreux discours que l’on tient sur la Chine se traduisent en un grand nombre de nouveaux projets. « On entend souvent dire que la Chine cherche à copier l’Occident, mais celle-ci est en réalité tout autant influencée par le Japon et la Corée. On ne peut pas véritablement parler d’une structure binaire Est-Ouest. Il me semble en outre possible d’envisager les différences de valeurs et de préoccupations entre l’Europe du Nord et l’Asie d’un point de vue sociétal : les objets produits par une société donnée dépendent en effet souvent de l’organisation et des thématiques de la société en question. L’Orient traverse actuellement une croissance urbaine sans précédent et voit prospérer son système capitaliste. Dans cette région du monde, les pays en sont rendus à une étape de l’histoire tout à fait différente de celle atteinte par les pays européens, dont le rayonnement, la puissance et la population sont en plein recul. » Aric Chen ajoute que « le rythme effréné de l’urbanisation en Chine a incontestablement fait surgir de nombreux défis, mais a également permis l’émergence d’opportunités liées à la nécessité d’atténuer

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Courtesy of West Kowloon Cultural District Authority

D e sig n Ac ro ss D e sig n

les impacts sociaux, environnementaux, etc. La Chine est en effet un laboratoire mettant à l’épreuve notre capacité à maintenir notre planète habitable. Dans un autre ordre d’idées, on a longtemps dit que la Chine “jouait à saute-mouton” dans les domaines du design et de l’innovation, cherchant à escamoter certaines étapes qu’avaient pourtant dû traverser des pays plus avancés, afin de passer directement à des questions présentant un intérêt et une urgence plus élevés. Je me demande si c’est ce à quoi nous assistons actuellement : malgré ses prouesses dans le domaine de la manufacture, la Chine est en effet en train de délaisser le design industriel traditionnel pour se concentrer sur des plateformes mobiles telles que Xiaomi et WeChat, sur l’énergie durable (le solaire et l’éolien, bien qu’il reste encore beaucoup à faire) et sur de nouvelles technologies et économies, avec par exemple le mouvement “Maker”, en plein essor à Shenzhen, ou l’entreprise DJI, pionnière en matière de drones. » Contrairement à l’Asie de l’Est, spécialisée dans les nouvelles technologies et les procédés de fabrication, les pays nordiques sont davantage tournés vers la redéfinition de traditions vernaculaires. Benedicte Sunde, conservatrice au Centre norvégien de design et d’architecture d’Oslo, estime que les techniques traditionnelles se trouvent exposées à une importante transformation : « J’aurais du mal à identifier un

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design ou un comportement de consommation précis qui diffère entre l’Asie de l’Est et les pays nordiques, mais il existe une claire différence d’échelle entre ces deux régions : les magasins de proximité sont bien plus importants en Asie qu’en Europe du Nord. Dans nos esprits protestants, ce genre de structures est en effet considéré comme un luxe et une perte d’argent. Les designers norvégiens se tournent en revanche souvent vers d’anciennes techniques qu’ils réinterprètent ensuite dans un langage moderne et contemporain ; ils en extraient ce dont ils ont besoin pour pouvoir mettre au point des projets d’artisanat novateurs de grande qualité. L’enseignement du design

Lorsque l’on aborde les valeurs interculturelles et les différents enjeux autour desquels gravite le design, la question de l’éducation est fondamentale. « De nombreux designers chinois, japonais, taïwanais et coréens viennent étudier en Europe », explique Jan Boelen. « J’ai toujours le sentiment qu’ils sont très qualifiés mais parfois réticents à l’idée d’exprimer leurs opinions personnelles. Cette tendance est heureusement en train de changer rapidement : si ces étudiants venaient au départ pour apprendre le design néerlandais, ils ont davantage conscience aujourd’hui de leur propre culture, de leurs valeurs et de leurs modes de représentation. D’un côté, ils font fusionner leur culture du design à des connaissances de base et dissèquent leur propre subjectivité culturelle ; dans son projet intitulé I’m KorEAn, Sae Mi Choi a en effet transformé des meubles IKEA pour les adapter aux demandes des consommateurs coréens, témoignant ainsi de son goût aveugle pour les objets produits à l’étranger. De l’autre, il est de plus en plus manifeste que la technologie est en passe de devenir un nouvel artisanat. Les étudiants asiatiques expérimentent en fabriquant, adaptant, détruisant et déformant. WeiLun Tseng, un autre étudiant, est à l’origine d’un projet

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techniques are subdued to an important make over: “It’s hard for me to pin point a specific design, or consumption behavior in East Asia that differs from Nordic countries, but one thing I’m sure of is the scale of it. Stationary shops are much bigger in Asia while the Nordic versions are immensely smaller. In our protestant minds, that kind of design is considered a luxury and waste of money. Norwegian designers often look back to historical crafts and techniques and interpret their findings into a modern and contemporary language. They extract what they need so that they can create innovative new design with a high quality when it comes to artisanship.” Design Education When speaking about cross-cultural values and the different stakes around which design practices develop, the question of education is key. “A lot of Chinese, Japanese, Taiwanese and Korean designers come to Europe to study,” Boelen explains, “I always find that they have great skills but oftentimes, are reluctant to express their personal opinions. Luckily this is changing fast. First they came to learn how to appropriate Dutch design and now they are more conscious about their own culture, values, and modes of representation. On the one hand, they infuse their designs with background knowledge and unfold their own cultural subjectivity. In her project I’m KorEAn, Sae Mi Choi reformed existing IKEA furniture in response to Korean consumers, with blind affection for foreignmade products. On the other hand, it has increasingly apparent that technology is becoming a new craft. Asian students are experimenting with making, adapting, hacking and tweaking. Another student, WeiLun Tseng’s Open E-Components project experiments with new ways of building and constructing electronic household appliances. He employs new thinking to define how products can go beyond the rigid, functional approach of one object with one function.”

D e sig n Ac ro ss D e sig n

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intitulé Open E-Components, fondé sur l’exploration de nouvelles méthodes de construction d’appareils ménagers électroniques. Il cherche en effet à penser différemment afin de dépasser l’approche rigide et fonctionnelle consistant à attribuer une fonction unique à chaque objet individuel. » Brendan Cormier a formulé des observations similaires. « Si la Chine compte d’excellentes écoles de design, les Chinois étudiant à l’étranger sont légion », explique-t-il. « Ils partent étudier à l’université Central Saint Martins, au Royal Collège of Arts et à l’Institut Berlage. Ce phénomène influence considérablement la scène chinoise du design. Lorsque je discute avec des étudiants chinois au RCA, ils me disent qu’ils apprécient énormément l’enseignement qui y est dispensé, mais qu’ils ont hâte de retourner en Chine, car c’est là qu’ils peuvent passer à l’action. La Chine leur offre véritablement l’occasion de mettre leurs connaissances en pratique. » Pour Brendan Cormier, il est de plus en plus évident que les start-ups et les développeurs opérant dans le domaine de la technologie sont en train de façonner de nouveaux modèles de conception et de fabrication : « Pour la Biennale de Shenzhen, nous sommes en train de monter un petit projet dans le cadre duquel nous voulons piocher hors du design. Shenzhen regorge en effet de personnes qui mettent au point des produits, des idées et des objets sans pour autant travailler dans un studio de design, en particulier dans le domaine de la technologie. De nombreux fabricants, ingénieurs et inventeurs produisent en effet de nouvelles idées qui sont en quelque sorte le produit d’un travail de design. L’influence de Steve Jobs est par-dessus tout palpable. » D es esthétiques h y brides

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12.

Avec la récente reprise des économies des pays d’Asie de l’Est, les influences interculturelles qui ont marqué l’histoire sont de plus en plus revisitées. « On pense à tort que les échanges culturels liés à la mondialisation sont un phénomène récent », explique

14. 12 — Le centre norvégien de design et d'architecture à / The Norwegian Centre for Design and Architecture in Oslo 13 — Wei-Lun Tseng, Open E-Components, Design Academy Eindhoven 14 — Sae Mi Choi, I’m KorEAn, Design Academy Eindhoven

Cormier has made similar observations. “There are some top-notch design schools in China, but you can take for granted the sheer amount of Chinese students studying abroad,” he says. “They come to Central Saint Martins, the Royal College of Arts and the Berlage Institute. This has an incredible influence on the design scene in China. I talk to Chinese students at the RCA, and they love the education, but then they can’t wait to go back to China, because that’s where they can get things done. China is a real opportunity to put their education into action.” For Cormier, it has also become increasingly evident that tech start-ups and developers are shaping new models of designing and manufacturing: “For the Shenzhen Biennial, we are doing a small project, where we want to look elsewhere for design. In Shenzhen, you find a lot of people making products, developing ideas and things, without operating a design studio, especially in the tech-field. There are a lot of makers, engineers and inventors coming up with new ideas that are to a certain degree, designed. There you see Steve Jobs’ influence, more than anything else.” H y brid A esthetics With the recent resurgence of East Asian economies, historical cross-cultural influences are again being revisited. “We have the habit of thinking that cultural transmission vis-a-vis globalisation is a new phenomenon, but in fact it’s not.” Chen says. “There’s a very deep history of interaction between East Asia and northern Europe. You can look at Japanese designers like Junzo Sakakura, a father of Japanese post-war

D e s i g n Acro s s D e s i g n

modernism who was a protégé of Le Corbusier in France, or the likes of Bruno Taut and Charlotte Perriand, who brought their ideas to Japan and took Japanese ideas back to Europe. In China, the Bauhaus was an influence even under Mao, arriving via East Germany and the Soviet bloc. In Denmark, there’s the famous story of Hans Wegner finding inspiration in Ming Dynasty chairs; the rest is design history.” In her turn, Sunde explains how Japanism (as in the rest of Europe) has marked Norwegian design, art and architecture scenes via the Art Nouveau movement: “The influence was primarily related to the foundation of the Norwegian nation state. The country developed an identity, that joined the essence of history with new movements. Dragestil, the Norwegian ‘Dragon style’ was a result of this fusion. Later in the 1950s, Japanese minimalism had a major impact on architecture and furniture in Europe and America. Norwegian designers noticed common inclinations towards functionalism, simple lines and handcraft. This created an environment for exchange. In 1978, the famous enamel artist and designer Grete Prytz Kittelsen participated in the ‘Scandinavian Crafts’ in Tokyo and Kyoto show. Recently, other parts of Asia have also evolved as interesting arenas for Norwegian industry, designers and architects. These days Norwegian designers frequently organise and participate in exhibitions in Japan,” Sunde explains, “‘Food Works’ was an exhibition initiated by Anderssen & Voll, shown at Tokyo Design Tide in 2012; eight Norwegian designers presented their culinary sensations. The entrepreneurs behind Fuglen coffee and cocktail bar introduced their amazing concept of pairing coffee, cocktail and mid-century Norwegian design in Tokyo when they established Fuglen in the Shibuya area.” Chen: “There are a lot of affinities between Asian and Northern European countries in terms of the appreciation for craft, simplicity and nature – but perhaps just as important, they share a growing interest in social concerns that transcend formal issues. There’s certainly a more deep rooted and strong discourse around 20th-century and contemporary design in the Nordic countries; which partly has to do with the traditionally, more fluid boundaries between design, art and the applied arts in Asia. ‘Design’ has been less defined in the West – which perhaps, is the basis for an interesting discourse in itself.” From Boelen’s perspective, the design of everyday life and environments seems to have become a second nature for East Asian designers. “A compelling icon for the appropriation of nature by means of technology and techniques is the Bonsai tree by Makoto, which we presented as part of the ‘Alter Nature’ exhibition at Z33, a couple years ago,” Boelen recalls. “The traditional, ancient, old way of designing nature has now extended to a technology-driven approach and Makoto illustrates this by conserving the Bonsai-tree by means of technological interventions. The project doesn’t only feed into contemporary art, but also fashion, design and magazines. It’s floral design but also high culture. In this way, Makoto stretches the definitions of what design can be.”

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Aric Chen. « L’histoire a en effet été ponctuée de profondes interactions entre l’Asie de l’Est et l’Europe du Nord. On peut par exemple citer Junzo Sakakura, l’un des pères du modernisme japonais d’après-guerre qui était par ailleurs apprenti de Le Corbusier en France, ou encore Bruno Taut et Charlotte Perriand, qui apportèrent leurs idées avec eux aux Japon et repartirent en Europe chargés d’idées japonaises. Le Bauhaus a quant à lui influencé la Chine avant l’arrivée de Mao, pénétrant par l’Allemagne de l’Est et le bloc soviétique. Au Danemark, Hans Wegner est connu pour avoir tiré son inspiration des chaises de la dynastie Ming ; le reste relève de l’histoire du design. » Benedicte Sunde explique à son tour comment le japonisme a marqué la scène du design, de l’art et de l’architecture, en Norvège comme dans le reste de l’Europe, par le biais du mouvement de l’Art Nouveau : « Cette influence était avant tout liée à la fondation de l’État-nation norvégien, qui développa une identité fondée sur la fusion de son essence historique et de nouveaux mouvements, de laquelle émergea notamment le Dragestil, ou « style dragon » norvégien. Un peu plus tard dans les années 1950, le minimalisme japonais influença fortement la façon de concevoir l’architecture et le mobilier, en Europe comme en Amérique. Des designers norvégiens remarquèrent en effet qu’ils partageaient un même penchant pour le fonctionnalisme, la simplicité des lignes et l’artisanat. De telles similarités ont contribué à mettre en place un environnement propice à l’échange. En 1978, le célèbre émailleur et designer Grete Prytz Kittelsen participa aux expositions « Scandinavian Crafts » de Tokyo et de Kyoto. Plus récemment, d’autres régions de l’Asie se sont révélées intéressantes pour l’industrie, les designers et architectes norvégiens. À l’heure actuelle, des designers norvégiens participent fréquemment à des expositions organisées au Japon et en organisent eux-mêmes », explique Benedicte Sunde. « L’exposition “Food Works”, organisée en 2012 à l’occasion du Design Tide de Tokyo, est une initiative d’Anderssen & Voll dans le cadre de laquelle huit designers norvégiens ont exposé leurs sensations culinaires. Les entrepreneurs qui tenaient le comptoir à café et à cocktails Fuglen y ont présenté leur remarquable concept né lors de l’établissement de Fuglen dans la région de Shibuya, qui consiste à réunir le café, les cocktails et le design norvégien du milieu du xxe siècle. » Aric Chen ajoute : « Il existe un grand nombre d’affinités entre les pays d’Asie et d’Europe du Nord : tous partagent un même goût pour l’artisanat, la simplicité et la nature, mais sont également unis par leur intérêt croissant pour les préoccupations sociales qui transcendent les questions formelles. Le discours des pays nordiques sur le xxe siècle et le design contemporain est certainement plus fort et profondément ancré dans le contexte national qu’en Asie, où la frontière entre le design, l’art et les arts appliqués est traditionnellement plus souple. Le “design” a moins été défini en Occident, ce qui en soi constitue peut-être la base d’un intéressant discours. » Du point de vue de Jan Boelen, le design de la vie et des paysages quotidiens semble être devenu une

Appetizers

seconde nature pour les designers d’Asie de l’Est. « Le Bonsaï de Makoto est emblématique de l’appropriation de la nature par des moyens technologiques et techniques. Nous l’avons présenté lors de l’exposition “Alter Nature” qui s’est tenue au centre Z33, il y a quelques années de cela », se souvient Jan Boelen. « L’ancienne et traditionnelle façon de concevoir la nature s’est désormais étendue à une approche fondée sur la technologie, que Makoto illustre en conservant son bonsaï au moyen d’interventions technologiques. Outre l’art contemporain, ce projet influence également la mode, le design et les magazines. Il s’agit de design floral, mais aussi de haute culture. Makoto esquisse ainsi une ébauche de définitions possibles du design. » Enfin, selon Brendan Cormier, une branche de designers de Chine et d’Europe du Nord est parvenue à relativement bien représenter une sorte de style ou esthétique local ou régional. « On le voit clairement en Scandinavie et on commence à le voir en Chine. Cette branche du design ne me semble pas particulièrement intéressante, dans la mesure où elle peut très rapidement tomber dans le cliché. On peut néanmoins citer quelques exemples intéressants, dont Neri & Hu, qui donne une idée mise au goût du jour de l’identité chinoise, ou encore Zhang Ke, qui pratique un régionalisme critique et conçoit une architecture incroyablement raffinée. »

Finally, according to Cormier, there is one strand of designers working in China and Northern Europe who have worked pretty efficiently in representing a kind of localised, regionalised style or local aesthetic. “You definitely see that in Scandinavia, and you’re starting to see a lot of it in China. Personally, I find that branch of design not that interesting, it can very quickly becomes clichéd. There are some interesting examples like Neri & Hu, who offer an updated sense of Chineseness, or Zhang Ke, who practices a critical regionalism and designs incredibly refined architecture.”

15 — Makoto Azuma, Frozen Pine, vue de l'installation / view of the installation, Alter Nature

Stories

B ra n d S torie s / N ika ri

Nikari

Des traditions appliquées au contemporain / Translations to Contemporary

1 — Tomoshi Nagano, Café Basic TNT3, chaise / chair; Kari Virtanen, Seminar TT2, tabouret / stool; Jenni Roininen, Café Basic JRV1, Led Light; Rudi Merz, Café Classic RMJ, tabouret / stool; Jenni Roininen, Café Basic JRP, table 2 — Martí Guixe & Antto Melasniemi, Solar Boys, tabouret / stool 3 — Alfredo Häberli, April, tables 4 — Thomas Sandell, February, table; Kari Virtanen, Periferia KVP, table basse / coffee table; Harri Koskinen, January, banc / bench; Jasper Morrison & Wataru Kumano, December, chaise / chair

Interview de / by Heini Lehtinen

When master carpenter Kari Virtanen established a carpenter workshop at the age of 19, one of his first clients was architect Alvar Aalto, soon followed by Kaj Franck, one of the most legendary Finnish designers. Today, Nikari reaches to international market with solid wood furniture made of local wood with ecological finishings developed by the founder over the decades.

Au milieu des années 1970, les nausées dont était pris le maître charpentier Kari Virtanen alors qu’il travaillait dans son atelier de menuiserie devenaient de plus en plus fortes. Les effets des vernis catalyseurs et des puissants produits chimiques qu’il utilisait depuis près d’une décennie pour les finitions de meubles en bois commençaient en effet à se faire sentir. « Le travail ne devrait pas constituer une source de danger, me semble-t-il » ; telle fut la réflexion qui le poussa à rechercher des méthodes de finition traditionnelles et écologiques, comme des savons, des huiles, des cires à base d’huile et des techniques en provenance du Danemark et du Japon, mais aussi à mettre lui-même au point des finitions inoffensives pour le charpentier comme pour l’utilisateur. Il appliqua ensuite ses propres techniques à son mobilier et à plusieurs bâtiments d’Alvar Aalto sur lesquels il travailla pendant les sept années que dura leur collaboration. À cette

In mid-1970s, master carpenter Kari Virtanen was feeling increasingly nauseous when working in his carpenter workshop. Working with catalytic lacquers and strong chemicals used to finish wooden furniture for nearly a decade started to take its toll. “Working should be safe, shouldn’t it?” he thought and began researching traditional, ecological finishings, such as Danish and Japanese soaps, oils, oil waxes and finishing techniques, and started to develop his own finishings that would be safe for both the carpenter and user. He then applied them to his furniture as well as to several Alvar Aalto buildings he collaborated in with the master architect during the seven years they worked together. At the time, fellow carpenters laughed at his experiments. Years later, the same carpenters came to Virtanen to ask for receipts of his soap liquids. Today, Nikari applies the principles set by the founder decades ago – fine carpentry, locally produced solid

époque, ses confrères charpentiers considéraient ses expérimentations d’un œil amusé. Plusieurs années plus tard, ces mêmes charpentiers commencèrent à lui rendre visite pour lui demander la recette de ses savons liquides. Aujourd’hui, Nikari applique des principes établis il y a plusieurs décennies par ses fondateurs tout en les conjuguant au design contemporain : la menuiserie fine, du bois massif produit localement et des finitions respectueuses de l’environnement. Au fil des années, Nikari a collaboré avec des designers et des architectes tels qu’Alfredo Häberli, Steven Holl, Jasper Morrison, Martí Guixe, Aamu Song et Johan Olin, Claesson Koivisto Rune et Nao Tamura. U n savo ir- faire bien vivant

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Après avoir établi son atelier à l’âge de 19 ans, le maître charpentier Kari Virtanen compta Alvar Aalto parmi ses premiers clients, puis Kaj Franck, l’un des plus illustres designers finlandais. Aujourd’hui, Nikari commercialise sur les marchés internationaux des meubles en bois massif aux finitions écologiques conçus au fil des années à partir de bois local.

L’entreprise Nikari est basée dans le plus ancien atelier mécanique de Finlande, situé dans l’idyllique village de Fiskars. Cet atelier traditionnel est alimenté par une ancienne turbine à eau récemment remise à neuf et se fournit autant que possible auprès des forêts et scieries environnantes. « Avant le changement de génération en 2010, nous avons beaucoup discuté avec le fondateur Kari Virtanen et le maître charpentier Rudi Merz de ce que représentent les forêts aux yeux des charpentiers et de l’importance que revêt la diversité sylvestre ; nous nous sommes également demandé en quoi la forêt constitue une source d’inspiration »,

wood and organic finishes, and combines it with contemporary design. Over the years, Nikari has collaborated with designers and architects such as Alfredo Häberli, Steven Holl, Jasper Morrison, Martí Guixe, Aamu Song and Johan Olin, Claesson Koivisto Rune and Nao Tamura. L i v ing T raditions Nikari is located in the idyllic Fiskars village in the oldest machinery workshop in Finland. The traditional workshop functions with water power provided by an ancient, newly-renovated water turbine. As much of the wood used as possible comes from the nearby forests and a sawmill. “Prior to generational change in 2010, we discussed a lot about the meaning of forests to carpenters with the founder Kari Virtanen and master carpenter Rudi Merz, and how important diversity of the forest is and what is a forest as a source of inspiration,” tells Johanna Vuorio, CEO of Nikari. “They also wished for making the company international. Nikari is strongly in historical continuum of Finnish design and production.”

Nikari collection consists mainly of wooden furniture that is functional and light in appearance, minimalistic and Nordic in aesthetics. Also custom-made, unique furniture is an essential part of the production. Product development, unique pieces and small editions

Stories

Bran d S tori e s / Ni kari

Stay On Top With Us Stockholm Furniture & Light Fair February 9–13 2016

explique Johanna Vuorio, directrice de Nikari. « Tous deux souhaitaient que l’entreprise devienne internationale. Nikari s’inscrit profondément dans la continuité historique de la production et du design finlandais. » La collection de Nikari se compose principalement de meubles en bois à l’apparence lumineuse et fonctionnelle et à l’esthétique nordique et minimaliste. Les meubles uniques et sur mesure constituent également une part essentielle de la production de l’entreprise. La conception, les créations sur mesure et les séries limitées se font toujours à Fiskars, de même que certaines pièces difficiles à produire. « Les tables d’Alfredo Häberli sont par exemple toujours montées dans notre propre atelier, tout comme la plupart des chaises de Jasper Morrison et de Wataru Kumano », explique Johanna Vuorio. Nikari possède également un atelier de menuiserie agréé au Japon ; celui-ci travaille sur des projets menés dans le pays. Le maître charpentier japonais Tomoshi Nagano a travaillé pendant cinq ans pour Nikari, à Fiskars ; il a pris avec lui les modèles et procédures de production pour les amener à l’atelier de menuiserie de sa famille, à Kyoto. Au Japon, Tomoshi Nagano a travaillé sur un restaurant de Nobu Matsuhisa meublé par Nikari et sur le musée de l’Outil de charpenterie Takenaka de Kobe.

stockholmfurniturefair.com northernlightfair.com stockholmdesignweek.com

Characteristic to Nikari, his carpentry workshop is small and it applies the same principles than the workshop in Finland: combining traditional production methods to contemporary design, fine carpentry and feeling of wood in the furniture.

It’s a fact – when we interact with people with similar minds and dreams they become valuable not only to our senses but to our business. Be one of the first to capture the essence of new trends at the world’s largest meeting place for Scandinavian design. Just outside the beautiful city of Stockholm over 700 unique design companies have made it possible for you to see their work. Be inspired, by the most exciting lecturers among the established and the up and

www.nikari.fi

5 — Kari Virtanen, Arkitecture, table et tréteaux / table and legs; Rudi Merz, Café Classic RMJ, tabourets / stools

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L’atelier de menuiserie de Nikari se caractérise par sa petite taille et par l’application des mêmes principes que ceux employés dans l’atelier finlandais, fondés sur une combinaison de méthodes traditionnelles de production, de design contemporain, de menuiserie fine et d’amour du bois dans le mobilier.

are always made in Fiskars, as well as some products that are challenging to produce. “For instance, Alfredo Häberli’s April tables are always made in our own workshop as well as most of December chairs by Jasper Morrison and Wataru Kumano,” explains Vuorio. Nikari also has a licenced carpenter workshop in Japan, working on projects in the country. Japanese master carpenter Tomoshi Nagano worked at Nikari in Fiskars for five years, and took the models and production of Nikari products with him to Kyoto, to his family’s carpenter workshop. In Japan, Nagano has worked on a Nobu restaurant furnished with Nikari furniture, and Takenaka Carpentry Tool Museum in Kobe.

coming within the business at the Stockholm Design Talks. Or get your kick out of the unique inspirational exhibitions. It’s a perfect venue for creating opportunities to establish new and inspiring contacts, which will be beneficial to both parties. Stay on top – visit a fair with a Scandinavian flair. While here – Stockholm Design Week is also up and running in the city during the same week as the Stockholm Furniture & Light Fair.

Mix Match

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Sérénité eurasienne / Eurasian Serenity Une sélection de / a selection by Eleonora Usseglio Prinsi

With Tadao Ando’s Vitra Campus conference pavilion gleaming in the mind, deeper research reveals that Zen architecture has become something entirely different than Zenshūyo (Zen) – the Japanese Buddhist style derived from Chinese Song Dynasty architecture. Ryue Nishizawa (SANAA) makes this clear in an interview about the Teshima museum: “There must be some relationship between our architecture and Zen, but actually I don’t know how they relate”. The following selection exemplifies this dichotomy.

Construit dans la ville japonaise de Yusuhara, le Wooden Bridge Museum possède une structure bâtie en porte-à-faux dans un matériau local, le cèdre du Japon ou sugi. Cette infrastructure intermédiaire fait communiquer deux bâtiments (un hôtel et un spa) séparés par une falaise et une route et abrite un programme d’artistes en résidence. Fidèle au concept de l’esthétique naturaliste du Shizen, ce charmant bâtiment dessiné par Kengo Kuma se fond dans la forêt qui l’entoure. L’accumulation d’hanegi (corbeaux) rappelle la technique traditionnelle de construction de tokyo (blocs porteurs en forme d’équerre) employée au Japon et en Chine et conçue pour supporter le poids des avant-toits. Une telle solution se fonde sur des compétences artisanales traditionnelles tout en mettant en valeur le potentiel du bois lamellé-collé.

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À la lumière du pavillon de conférence dessiné par l’architecte Tadao Ando sur le campus de Vitra, des recherches approfondies révèlent que l’architecture zen s’est tout à fait distinguée du Zenshūyo (zen), le style bouddhiste japonais dérivé de l’architecture pratiquée sous la dynastie chinoise Song. Ryue Nishizawa (SANAA) exprime clairement ce phénomène dans un entretien avec le musée Teshima : « Il doit exister une relation entre notre architecture et le zen, bien que je ne sache pas exactement laquelle. » La sélection suivante illustre cette dichotomie.

a r c h i t e c t u r e

z e n

A rc h ite c tu re / Zen

The structure of Wooden Bridge Museum in Yusuhara, Japan, creates a cantilevered building using local material, red cedar sugi. Resewing two buildings, a hotel and spa are separated by the cliff and road while the infrastructure hosts an artist in residence program. The charming Kengo Kuma-designed building merges into the forest around it, responding to the aesthetic naturalistic concept of Shizen. Accumulation of hanegi (corbel) evokes the traditional construction of to-kyo (square framing) employed in Japan and China, devised to support the load from the eaves. This solution requires traditional craftsmanship but also brings out the potential of laminated wood. http://kkaa.co.jp

C’est un toit à six courbes qui surmonte la scénographie de l’église Shonan Christ, dessinée par Takeshi Hosaka et bâtie dans la ville japonaise de Kanagawa. Inspirées du récit des six jours de la Création consigné dans la Genèse, ces structures de béton laissent entrer la lumière naturelle par le plafond, faisant ainsi varier l’exposition en fonction du moment de la journée. L’illumination a été simulée par tranches de trente minutes sur une période de douze mois au moyen d’un programme informatique puis manipulée en fonction des résultats obtenus.

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A rc h ite c tu re / Zen

La structure architectonique multifonctionnelle Selvika conçue par le cabinet d’architecture norvégien Reiulf Ramstad Arkitekter, lauréat de nombreux prix, s’élève sur la Route touristique nationale de Havøysund (Norvège). Cet « objet » se fond dans le paysage austère et inhospitalier tandis que ses rampes brutalistes et sinueuses y tracent un chemin ludique. Cette structure offre aux visiteurs une nouvelle façon de concevoir la beauté de la nature. La couleur et la texture du béton se marient harmonieusement avec les nuances de gris de son environnement rocheux, resserrant et soulignant les liens unissant le paysage et la structure. Cette construction tortueuse donne une impression de protection aux visiteurs qui s’aventurent dans ce sévère environnement, ouvrant ainsi la voie vers de nouvelles perspectives et expériences.

A six-curved roof props up the scenic design of Kanagawa, Japan’s Shonan Christ Church, designed by Takeshi Hosaka. Taking inspiration from the Genesis Six Days of Creation story, these dix concrete elements allow natural light to pour in from the ceiling, regulating exposure depending on the time of the day. Light has been simulated using computer software at intervals of 30 minutes during 12 months and manipulated accordingly. www.hosakatakeshi.com

The multipurpose architectonic structure designed by award-winning Norwegian practice Reiulf Ramstad Arkitekter is located in the Selvica National Tourist Rout, near Havøysund (Norway). The ‘object’ merges itself in the rough and inhospitable landscape while brutalist and curvy ramps draw a playful path. Visitors are given a new way to consider the beauty of nature. The concrete’s colour and texture match the shades of grey that distinguish the rocky environment; tying and emphasizing the relationship between landscape and structure. The snaky construction gives a sense of protection as visitors enter the grueling surrounding and opening up to new perspectives and experiences. www.reiulframstadarchitects.com

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all images © Reiulf Ramstad Arkitekter

A rch i te ctu re / Ze n

all images © Koji Fujii, Nacasa & Pertners Inc.

Mix Match

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A rch i te ctu re / Ze n

A rc h ite c tu re / Zen

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the area, temper the bright light and camouflage the building through wooden textures found in stunning surroundings. Steps along the single story volume create movement in the interior and allow for privacy in each room; framing views towards the mountainous landscape.

Dessinée par l’Atelier Li-Xiaodong, la bibliothèque Liyuan a poussé au milieu d’une paisible forêt proche du petit village d’Huairou, situé à deux heures de l’effervescente Beijing. Conçue comme un lieu de contemplation, cette bibliothèque est imprégnée d’une atmosphère calfeutrée produite par le bois et les brindilles d’arbres fruitiers qui en composent la façade. Les morceaux de bois qui abondent dans la région permettent en outre d’atténuer la lumière et de camoufler le bâtiment au travers de textures composées de morceaux de bois récoltés dans ce superbe décor. Des marches aménagées tout le long de ce volume bâti de plain-pied avec vue sur les montagnes environnantes créent une impression de mouvement à l’intérieur du bâtiment et confèrent à chaque pièce une certaine intimité.

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www.lixiaodong.net

Mix Match

Reading peacefully in the forest, Atelier Li Xiaodong-designed Liyuan Library is located in the small village of Huairou, two hours outside of busy Beijing. Conceived as a place for contemplation, its cocooned ambience has been created using wood and fruit-tree twigs to clad the façade. Wooden sticks, abundant in

Les créateurs du pont en bois baptisé Høse Bridge proposent une autre interprétation du Shinzen. En toute simplicité, le studio Rintala Eggertsson a en effet créé un espace confortable et abrité avec vue sur le lac Mjoesa et choisi d’y aménager un arboretum (un petit jardin planté d’arbres) pour accueillir le Gjoevik Care Centre, une institution destinée à de jeunes demandeurs d’asile. Ce jardin a pour vocation de « symboliser la vie et la croissance dans une nouvelle terre, mais également de permettre aux enfants et au personnel du centre d’exercer une activité positive en cultivant l’environnement. » Judicieusement disposés, des écrans en bois permettent de protéger du vent les hôtes comme le jardin.

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Rintala Eggertsson Architects-designed the Høse Bridge proposing a different interpretation of Shinzen. Acting with a simple gesture, the studio creates a comfortable and safe space overlooking lake Mjoesa, choosing an arboretum, a small garden of trees, to host The Gjoevik Care Centre, an institution for juvenile asylum seekers. The garden aims to: “symbolize life, and growth in a new soil, but also provide children and staff with the positive activity of cultivating the environment.” Cleverly placed, a series of wooden windscreens protects the guests and garden against the wind. www.ri-eg.com

PULS

fête ses 15 ans / at 15

Constituer des collections mondiales / Building Global Collections Reportage de /Report by Mieke Kooistra Photos par / by Stephen Papandropoulos

Holding the Ferrari in her hands, PULS Contemporary Ceramic’s Annette Sloth can’t help but be mesmerised by the perfection maker Ann van Hoey has managed to achieve in a single work. Named after its cover of red Ferrari car paint, the object is both inimitably solid and fragile; while messing with mathematical logic. “It’s just so perfect,” Sloth muses. She can equally be drawn to drool over funky structures by Danish artist Gitte Jungersen–whose work is so vibrant and happy, it seems to be in love with itself. She loads praise on the insanely wicked operetta statuettes by Belgian enfant-terrible Yves Malfliet. After 15-years at the helm of PULS, her world class Brussels-based gallery, Sloth still has a sense of wonder and excitement when it comes to ceramics. Exhibiting High End C eramics PULS is one of the few galleries worldwide, solely dedicated to showing one-off contemporary ceramic art pieces. Danish born Sloth founded PULS in 2000. She opened her doors when the European capital was

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Tenant la pièce intitulée Ferrari entre ses mains, Annette Sloth de la galerie PULS Contemporary Ceramics est subjuguée par le degré de perfection qu’Ann van Hoey est parvenue à faire tenir dans une seule œuvre. Baptisé ainsi en raison de la peinture rouge dont il est recouvert, empruntée aux voitures Ferrari, cet objet se caractérise à la fois par une solidité et une fragilité inimitables, mais aussi par sa façon de jouer avec la logique mathématique. « Il est tout simplement parfait », déclare Annette Sloth, songeuse. Elle s’extasie tout autant devant les excentriques structures de l’artiste danoise Gitte Jungersen, dont le travail est si vif et joyeux qu’il semble se vouer un amour à lui-même. Elle ne tarit pas non plus d’éloges sur les statuettes d’opérette excessivement malicieuses d’Yves Malfliet, l’enfant terrible belge. La céramique continue en effet d’émerveiller et d’enthousiasmer Annette Sloth, même après quinze années à la tête de PULS, sa galerie bruxelloise de renommée internationale.

1 — Martin Bodilsen Kaldahl (RU), travaux de la série « Knotpots » disposés à côté d’une œuvre jaune lumineuse de Barbara Nanning (PB) / works from his “Knotpots” series stand next to a bright yellow work by Barbara Nanning (NL) 2 — Annette Sloth et le collectionneur / and collector Nikolaus van der Pas. La pièce blanche en céramique à l’arrière-plan est une œuvre de Kristine Tillge Lund (DK) / The white ceramic piece in the background is the work of Kristine Tillge Lund (DK)

Living with art & design

A r t & D e s i g n G al l e ri e s / Puls C ontem p orar y C eram ic s

Living with art & design

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A r t & D e sig n G a llerie s / P u ls C on temp ora r y C era mic s

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Exp oser la céramique c ontemp oraine de haut niveau

4. 3 — Annette Sloth tenant le contenant Ferrari d’Ann van Hoey (BE) / with Ann van Hoey’s Ferrari pot 4 — Jean-François Fouihoux (FR), connu pour explorer les infinies possibilités du céladon traditionnel chinois / well known for exploring the infinite possibilities of traditional Chinese Celadon 5 — Bodil Manz (DK), série de pièces décorant la maison bruxelloise du collectionneur Nikolaus van der Pas / a grouping of pieces at the home of Brussels-based collector Nikolaus van der Pas 7 — Nikolaus van der Pas mêle dans un même espace des œuvres de l’Anatolien Alev Siesbye, de l’Australienne Pippin Drysdale et du Mexicain Gustavo Pérez / combines Anatolian Alev Siesbye with Australian Pippin Drysdale and Mexican Gustavo Pérez in one grouping at his Brussels home

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PULS est l’une des rares galeries au monde à concentrer son activité sur l’exposition d’œuvres de céramique contemporaine uniques. Née au Danemark, Annette Sloth fonda PULS en 2000. La galerie ouvrit ses portes alors que la capitale européenne n’était encore qu’une ville de second rang peuplée d’eurocrates et d’immigrants pauvres. Le jeu en valait toutefois la chandelle : elle invita en effet ses tuteurs de l’école danoise de design, réputée dans le monde entier, à lui envoyer des œuvres d’art pour monter une exposition collective ; le succès fut instantané. « Il s’est avéré que mes professeurs figuraient déjà parmi les céramistes danois les plus renommés. Or, il n’existait aucune galerie en Europe ni dans le monde susceptible d’exposer ces grands artistes dans une même pièce », explique Annette Sloth au sujet de ses débuts. Pendant les premières années, elle continua d’exposer principalement des artistes danois, jusqu’à ce que ses yeux se tournent vers l’Australie, la France, le Japon, les Pays-Bas, le Royaume-Uni et bien sûr la Belgique, dont elle sélectionne les meilleures œuvres disponibles. « J’ai découvert Ann van Hoey alors que j’étais jurée à la Biennale 2008 de Vallauris, en France », explique Annette Sloth. « L’extraordinaire qualité de son travail lui a permis de véritablement décoller depuis lors. » De grands noms de la céramique contemporaine

a backwater peopled by Eurocrats and impoverished immigrants. The risk paid off almost instantly when she invited her tutors from the world famous Danish Design School to send over artwork for a group show; making her first show an instant success. “It so happened that my teachers were already some of the best known Danish ceramicists. There wasn’t a gallery in Europe, or the rest of the world, who would show these big artists in one room,” says Sloth about her early start. For the first few years, she continued to show mostly Danish artists, before looking to Australia, France, Japan, the Netherlands, the UK and of course Belgium, selecting the best of what was available. “I discovered Ann van Hoey when I was a juror at the Biennale in Vallauris, France in 2008,” Sloth explains. “She has since really taken off because her work has an extraordinary quality.” Many big names in contemporary ceramics have shown at PULS: Wouter Dam, Pippin Drysdale, Bente Hansen, Martin Bodilsen Kaldahl, Bodil Manz, Merete Rasmussen and Alev Siesbye. Many return, mostly because a gallery like PULS is a unique. The selection of high profile artists coupled with a growing interest in contemporary ceramics has helped PULS gain a place as a leading venue for highart ceramics. Artists such as Turi Heisselberg Pedersen and Lone Skov Madsen, who have a global following, also show

ont défilé chez PULS : Wouter Dam, Pippin Drysdale, Bente Hansen, Martin Bodilsen Kaldahl, Bodil Manz, Merete Rasmussen et Alev Siesbye. Beaucoup d’entre eux y ont fait plusieurs passages, car une galerie comme PULS n’a pas son pareil. Grâce à une sélection d’artistes renommés conjuguée à un intérêt croissant pour la céramique contemporaine, la galerie PULS est devenue un lieu d’exposition incontournable dans le domaine de la céramique de haut niveau. Des artistes tels que Turi Heisselberg Pedersen et Lone Skov Madsen, mondialement suivis, ont eux aussi exposé leurs travaux chez PULS. « Peu importe que l’on soit à Bruxelles ou ailleurs », explique Turi Heisselberg, « lorsque l’on travaille dans la céramique, on travaille véritablement à une échelle mondiale.

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A r t & D e s i g n G al l e ri e s / Puls C ontem p orar y C eram ic s

Il doit exister dans le monde autour de quatre ou cinq galeries spécialisées dans ce domaine ; PULS est l’une d’entre elles. Il y en avait une de ce genre à Copenhague, mais elle a fermé ses portes ; les États-Unis ont bien sûr quelques galeries où l’on trouve un mélange de tableaux, de céramique, d’œuvres en verre, etc., mais il est très rare qu’une galerie se consacre exclusivement à la céramique et à l’exposition de pièces uniques. La possibilité d’exposer chez PULS revêt donc pour nous une importance vraiment unique. » La reconnaissance des c ollecti onneurs

La voie ouverte par Annette Sloth a donné lieu à de nombreuses avancées. Le savoir-faire unique de la galeriste en matière de céramique lui a valu d’acquérir une reconnaissance toute particulière depuis ses débuts prometteurs. Elle a en effet été invitée à conseiller de nombreux collectionneurs sur de nouvelles acquisitions ou sur la conservation de leurs œuvres déjà acquise, mais c’est certainement sa passion et son enthousiasme qui ont converti des acheteurs néophytes en collectionneurs. Avant de connaître PULS en 2001, Nikolaus van der Pas collectionnait principalement des tableaux. Après son premier achat, il n’a plus cessé de fréquenter la galerie. « Annette organise sept expositions par an », explique le collectionneur basé à Bruxelles. « La veille de l’ouverture, je passe chez PULS pour repérer les œuvres qui me plaisent le plus. » Nikolaus van der Pas possède désormais plus de quatre-vingts pièces. Convaincu depuis toujours que sa collection s’inscrit à merveille dans un environnement domestique, il l’a répartie sur trois niveaux de sa maison à quatre étages. Il dispose ses pièces sur des meubles et des étagères et des tables basses, mais aussi devant des tableaux ou des antiquités, qu’il acquiert presque aussi volontiers. « Il m’est arrivé d’acheter deux ou trois pièces d’une même exposition puis de

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A r t & D e sig n G a llerie s / P u ls C on temp ora r y C era mic s

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their work with PULS. “It doesn’t matter if it’s in Brussels or anywhere else,” Heisselberg explains. “When you’re working in the field of ceramics, you’re really working in a global field. Worldwide, you might have four or five galleries specialised in this area. PULS is one of the five. We used to have one in Copenhagen but that closed. You will find a couple in the United States and of course, there are galleries where you have paintings and ceramics and glass, etc., all mixed toghether. It’s very rare for a gallery to dedicate itself solely to ceramics and to showing one-off pieces. Therefore a show at PULS is really important for us.” C ollector’s R ecognition The path Sloth has pioneered has led to many breakthroughs. Since her successful debut, the gallerist has become especially recognised for her unparalleled expertise in ceramics, and she has been invited by numerous collectors to council on collection acquisitions and curatorial issues. But it must be Sloth’s passion and enthusiasm which has made turned many first time buyers into collectors. Brussels-based Nikolaus van der Pas was mostly collecting paintings before he stumbled upon PULS in 2001. His first visit led to a purchase which kept him coming back. “Annette holds seven shows a year,” van der Pas describes. “Each time, the day before opening, I go in and look for the pieces that pleased me most.” He now has a collection of more than 80 pieces. Van der Pas says he has always felt that his collection is very much at home in a domestic environment, taking over space on three floors of his four-story townhouse. He places objects on furniture and bookshelves, side tables and in front of paintings and antiques, he has been almost equally keen on acquiring. “I have sometimes bought two or three pieces from the same show, blending them into my interior and by doing so, create my own landscape.” Van der Pas says he has never regret-

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7 — Erna Aaltonen (FL), Vase placé sur un piédestal dans la maison bruxelloise du collectionneur Nikolaus van der Pas / Vessel on a pedestal in the home of Brussels collector Nikolaus van der Pas 8 — Pippin Drysdale (AT), Radiant Promise (Promesse radieuse), 2014

les intégrer à mon intérieur, créant ainsi mon propre paysage. » Nikolaus van der Pas déclare qu’il n’a jamais regretté aucune de ses acquisitions et qu’il les aime toutes autant. Il explique qu’Annette Sloth a su éclairer ses choix et que beaucoup d’autres que lui ont constitué d’impressionnantes collections à partir des sélections opérées par la galeriste. Annette Sloth fait preuve d’une grande modestie quant à sa position. Le seul conseil qu’elle donne aux nouveaux collectionneurs est de se faire plaisir et d’acheter uniquement des pièces qu’ils aiment, beaucoup ou passionnément, sans penser à l’investissement que représente chaque achat. « Je conseille souvent aux clients de ne pas acquérir trop de petites pièces au fil de diverses expositions, mais de plutôt sélectionner de plus grosses pièces auprès d’artistes qu’ils apprécient véritablement. » Avec PULS, la galeriste garde résolument les yeux tournés vers l’avenir. Les expositions de 2016 présenteront en effet de grands noms, tels qu’Erna Aaltonen, Bente Hansen, Antonino Spoto et Aneta Regel. Steen Ipsen repassera pour sa part chez PULS en octobre 2016. Bruxelles n’est plus une ville de second rang ; le New York Times l’a d’ailleurs baptisée « la nouvelle Berlin ». Peu à peu, les artistes choisissent de s’installer à Bruxelles, tandis que de nombreuses galeries internationales décident d’y ouvrir des branches. Publics ou privés, les espaces d’exposition d’art y font recette. De plus en plus de collectionneurs et amoureux de l’art se fraieront ainsi un chemin vers la capitale belge pour y visiter PULS Contemporary Ceramics.

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ted a single purchase and loves them all equally. He credits Sloth as a guiding light, emphasising that many people like him have built impressive collections based on her selection. Sloth is characteristically modest about her position. The only advice she has for new collectors is that they should have fun and buy exactly what they like or love and not think about the investment of a purchase. “I have often advised not to buy too many smaller pieces from many shows but rather select a bigger piece from the artist you really like.” With PULS. the gallerist keeps her eyes firmly on the future. Shows in 2016 will feature big names such as Erna Aaltonen, Bente Hansen, Antonino Spoto and Aneta Regel. Steen Ipsen will return to PULS in October 2016. Brussels is no longer a backwater. The New York Times called it: “The New Berlin.” Progressively, artists are choosing Brussels as their home while many international galleries are opening branches; private and public art spaces are thriving. More collectors and art enthusiast will find their way to the Belgian capital and of course to PULS Contemporary Ceramics. www.pulsceramics.com

9 — PULS Contemporary Ceramics avec / with Aneta Regel (RU) 10 — Merete Rasmussen (DK), Boucle jaune torsadée / Yellow Twisted Loop 11 — Bente Hansen (DK) exposera chez PULS en mai 2016 / will show at PULS in May 2016

Real Life

C u lin a r y P lea su re / B e c c at & Di M é o

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Real Life Quand le parfum s’esquisse dans la matière culinaire / When Perfume takes Culinary Form

Beccat & Di Méo

Interview par / by Lise Coirier

En traversant l’océan Pacifique, les parfums se répandent sur les eaux dormantes du pays du Soleil levant. Ils s’éveillent dans l’appel des sens, la beauté du geste et la connivence. En se retrouvant au Japon à l’ESqUISSE, le chef de ce haut lieu étoilé, Lionel Beccat et le parfumeur Philippe Di Méo nous révèlent quelques secrets de leur exploration commune, entre saveurs et senteurs, en attendant le voyage tant désiré de Tokyo à Paris.

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TLmag : Votre démarche artisanale et sensible sort de l’ordinaire. Comment est née cette envie de collaborer ensemble autour de l’ESqUISSE et des Liquides Imaginaires? Une quête d’excellence, d’immatérialité, d’esthétique ? Lionel Beccat : C’était tout d’abord une envie de recréer ensemble. Depuis que mon ami s’est mué en parfumeur, nous n’avions pas eu l’opportunité d’imaginer un univers commun, ce que nous avions fait à plusieurs reprises lors de la première vie de designer du chat Di Méo. Une envie de sentir à nouveau cette alchimie, ce plaisir,

cette stimulation sensorielle et créative qu’avait fait naître nos précédentes aventures. Bien qu’essentielle dans ma discipline, la recherche d’excellence ou d’esthétique ne guide jamais ma voie, car ce n’est pas l’émetteur mais le récepteur qui apprécie à travers le prisme déformant de sa singularité la valeur et l’esthétique des choses. Une quête d’immatérialité, oui, toujours, utiliser nos connaissances, notre technique et notre intuition comme combustible pour s’élever, se mettre en apesanteur, là où tout s’éclaire... et se trouble. Philippe Di Méo : Depuis nos premières collaborations gustatives, nous savions que notre complicité créative était évidente. Nous partions sur le même terrain de jeu. Lionel est un félin dans son approche, il tourne autour de la cible à atteindre, en renifle tous les contours avant de s’attaquer au vif du sujet et le résultat tombe comme un couperet. Stratégique, tranchant, précis, le tout dans la beauté du geste. TLmag : Dans ce rituel qui m’évoque la matérialité Wabi-Sabi décrite par Leonard Koren dans son dernier

livre Wabi Sabi Further Thoughts, votre intervention a-t-elle suivi un cours très conceptuel et technique ou bien plutôt spontané et intuitif ? L. B. : Tout à la fois, ces quatre termes sont indissociables dans un processus de création, même si je n’aime pas trop le terme « conceptuel ». Nous avons d’abord imaginé comment travailler sur le mécanisme chimique de la rétro-olfaction et, en s’appuyant sur les fragrances des trilogies de Philippe, construit des sphères imaginaires où le goût décuple et re-ensemence le parfum. Ensuite, laissant parler l’intuitif et le spontané,

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je me suis littéralement déchaîné tant l’exercice m’a excité, et ma technique, cette sage alliée, s’est chargée de matérialiser l’ensemble. P. D. M. : Pour compléter ce que dit Lionel, notre démarche initiale n’avait rien de conceptuel, car l’un comme l’autre, nous avançons à l’intuition. Nous n’intégrons pas en amont cette volonté de conceptualiser mais comme notre élaboration créative passe par des étapes narratives, littéraires, voire spirituelles, en correspondance avec des émotions plus primitives, le résultat final peut ressembler à un concept, surtout associé au cérémonial de dégustation nez-palais.

TLmag : Comment avez-vous élaboré vos recettes à partir des fragrances Liquides Imaginaires ? Pourriez-vous parler en bref de votre processus de co-création qui a duré deux mois ? L. B. : Pour un cuisinier, travailler avec un parfumeur est peut-être le défi le plus bancal qu’il puisse se lancer, les pièges sont innombrables, les fautes inévitables, les équilibres compliqués à dénicher. Pourtant, je me suis jeté dans la bataille le sabre au clair avec l’arrogante certitude de celui qui sait que l’issue du combat ne fera aucun doute. Évidemment, j’avais un plan et une arme infaillible. Le plan était le suivant : repenser entièrement mon approche des odeurs. En cuisine, les parfums et les odeurs

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sont des signaux indicateurs, ils sont les points de repères olfactifs des processus de transformation culinaires à l’œuvre. Sentir est pour nous un geste instinctif, mais aussi un geste de recueil et d’analyse. La clef du combat était d’accepter totalement ce changement de postulat, ne plus voir les odeurs comme un point cardinal mais comme un point de mire, les chasser plutôt que les suivre. Et pour cela, j’avais une arme redoutable, l’attraction que les Liquides Imaginaires exercent sur moi, je les ai tous portés, j’ai un lien charnel, de la route parcourue avec eux et c’est plus simple, à la chasse, de connaître la proie que l’on poursuit. Enfin, tout au long de mes travaux, je dévoilais à Philippe des angles de travail, des idées, il me donnait son ressenti, de nouvelles pistes, des conseils. P. D. M. : Ce qui a été enrichissant pour moi c’est que Lionel n’est pas tombé dans le piège du plat à déguster en association avec mes parfums. Exercice qui a été fait déjà bien trop souvent. Il a inventé des matières, ses recettes étaient des textures, des saveurs nouvelles composées en référence aux parfums. Pour déchanter, les même sensations mais sur le palais. Le résultat sur les Eaux Arborantes était spectaculaire de confusions, sa préparation était camouflée dans une « mini nature » sur table, comme l’auraient fait certains insectes en pleine nature. Le biomimétisme parfait.

TLmag : Ce concept à la fois intellectuel, culinaire et olfactif a-t-il laissé des traces au sein de la carte de L’ESqUISSE ? L. B. : Bien sûr, travailler sur ce projet a bousculé mon rapport à l’olfactif, notamment avec la trilogie arborante. Le travail que Philippe a fait sur ces trois parfums est inspirant car c’est une approche de cuisinier, les matières qu’il a utilisées et son cheminement pour arriver à ses fins ont re-fécondé mon imaginaire.

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TLmag : Dans ce jeu de correspondance des saveurs et des senteurs, quel a été le rituel mis en place ? S’inscrit-il dans la culture japonaise ? L. B. : Dans un sens oui, les Japonais ont inventé la cérémonie du kōdō qui est l’art japonais d’apprécier les parfums. C’est l’un des trois arts traditionnels avec la cérémonie du thé et l’ikebana (arrangement floral). Lors d’une cérémonie de kōdō, les participants « écoutent » des fragrances exhalées par des bois parfumés brûlés, et ils doivent, par des figures de style propre au langage japonais, exprimer ce que ce parfum évoque pour eux, et à travers le propos, les autres convives doivent percevoir si la personne a bien identifié la fragrance. Nous nous sommes inspirés de cela pour notre jeu, Philippe

était le maître de cérémonie. Il a préalablement diffusé chaque parfum sur un joli papier sur lequel j’avais calligraphié un dessin que la fragrance m’avait inspiré, puis les convives le portait à leur nez en écoutant les explications de Philippe, enfin leur était servi un petit mets mis en scène, qui offrait une nouvelle dimension olfactive. P. D. M. : C’est là où la culture du rituel ou du cérémonial au Japon nous fascine car il y a un respect total de cet instant où le moment est sacralisé. Personne ne parle, pas d’impatience et une attention à la fois religieuse et amusée face à l’expérience proposée. Et, au final, tout leur a semblé évident dans les correspondances entre senteurs et saveurs.

TLmag : Comment définir la différence ou la complémentarité entre les Eaux sanguines, les Eaux arborantes des Liquides Imaginaires et les recettes qui sont nées de cette alchimie avec des ingrédients culinaires ? L. B. : Nous avons choisi les deux trilogies qui offraient le plus d’espace, réel et imaginaire, pour y associer de la nourriture, la trilogie des Eaux est trop charnelle, trop troublante, elle ne se serait pas laissée faire, je n’aurais pas réussi à l’apprivoiser. Ces deux belles trilogies que j’ai choisies jouent sur un registre bien distinct qui m’a permis de construire deux univers singuliers. Les Eaux sanguines sont des parfums aux angles saillants, aux contrastes marqués. De l’acide, de l’amer, du fruité, du floral, de l’épice, ce sont des parfums frontaux. Philippe a créé une trilogie a la fois lyrique et romantique, mais aussi violente et venimeuse, je voulais prolonger cette dualité en leur opposant des saveurs,

des textures et des températures pour impacter leur nature. Les Eaux arborantes sont quant à elles de véritables petits bijoux de mimétisme ; Philippe a imaginé une portée symbolique pour chacune d’entre elle, mais que se soit TELLUS pour la terre, SALTUS pour la sève ou TELLUS pour la cime, son travail olfactif m’a impressionné. Je suis resté alors proche de ce mimétisme, je l’ai prolongé, poussé à son paroxysme. TLmag : Quel a été le répondant de la presse japonaise face à l’expérience food-fragrance qui s’est déroulée à L’ESqUISSE? N’aimeriez-vous pas la renouveler à Paris auprès d‘un public occidental ?

L. B. : Les 12 journalistes présents ont vécu un moment unique, ils ne savaient pas réellement à quoi s’attendre en venant, et tous on été touchés, certains au-delà de ce que l’on avait imaginé. Nous avons reçu des témoignages sensibles et des propositions pour réitérer l’événement en plus grand. Nous réfléchissons à la manière de refaire cela à Paris, personnellement j'aimerais tenter de réaliser un dîner entier, c’est en gestation, nous avons plus d’un tour dans notre sac. P. D. M. : En fait nous les invitions à participer, à partager une expérience. Ni Lionel, ni moi n’avions besoin de prouver ou promouvoir notre travail d’autant que mes parfums n’étaient

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pas encore distribués au Japon. Cela a permis à la presse d’avoir une autre image du parfum, plus intense, plus proche de l’univers sacré de l’encens et de son rituel religieux, sauf que dans notre cas l’approche était totalement contemporaine, novatrice et très intime. Crossing the Pacific Ocean, fragrances unroll across the country of the rising sun. They awaken in an appeal to the senses, the beauty of a gesture and collusion. Seated at the l’ESqUISSE restaurant in Japan, this Michelin-starred restaurant, chef Lionel Beccat, and perfumer Philippe Di Méo reveal the secrets of their shared exploration into taste and scent, while waiting to hear about their trip from Tokyo to Paris. TLmag: Your artisanal and sensory approach is unusual. Where did this desire to collaborate on l’ESqUISSE and Liquides Imaginaires come from? Was it a search for excellence, immateriality, aesthetics? Lionel Beccat: Since my friend Philippe Di Méo became a perfumer, we haven’t had the opportunity to create in shared universe, which we were able to do several times during the time Di Méo was a designer. There was a desire to feel once again that alchemy, pleasure, sensory and creative stimulation which had led to our earlier adventures. The search for excellence is of course essential in my field, but never guides

my way, because it is not the transmitter and rather the receiver who appreciates, through the distorting prism of his individuality, the value and aesthetic of things. A quest for immateriality, yes, always, to use our knowledge, our techniques and our intuition as combustibles to rise up, into the weightlessness, becomes clear and murky. Philippe Di Méo: From our first gustatory collaborations, our creative complicity was self-evident. We were on the same playing field. Lionel is a feline in his approach; he turns around the set target, sniffs all the sides before attacking the nub of the issue, and the result is devastating, trategic, decisive, precise; all in the beauty of movement. TLmag: This ritual evokes the WabiSabi materiality described by Leonard Koren in his last Wabi Sabi Further Thoughts book. Did your process follow a very conceptual and technical course, or was it rather spontaneous and intuitive? L.B.: Each and every one of these four terms is inseparable within the creative process, even if I don’t really like the work ‘conceptual.’ We first imagined how to work on the retro-olfactory chemical mechanism based on Philippe’s fragrance trilogies, constructed the imaginary spheres where the taste multiplied and re-seeded the scent. Then we let the intuitive and spontaneous speak. The exercise

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excited me so much that I was literally raging, and my technique, that wise ally, had to bring it all to fruition. P.D.M.: To add to what Lionel said, our initial approach was not at all conceptual, because both of us go by our intuition. We don’t integrate this desire to conceptualise upstream, but as our creative elaboration passes through narrative, literary and even spiritual stages, corresponding with the most primitive emotions, the final result can resemble a concept, especially associated with the nose – palate tasting.

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his recipes were textures, new flavours composed in reference to perfumes. To be discovered, the same sensations but on the palate. The result for the Eaux Arborantes was spectacular in its confusions; its preparation was camouflaged in a ‘mini wilderness’ on the table, as if created by some insects in the natural world. Perfect biomimicry. TLmag: In this game of corresponding tastes and scents, what was the ritual put in place? Did it fit in with Japanese culture? L.B.: In one sense, yes; the Japanese invented the kōdō ceremony, which is the Japanese art of appreciating perfumes. It is one of the three traditional arts, along with the tea ceremony and ikebana (floral arrangements). During a kōdō ceremony, the participants ‘listen to’ the fragrances released by burning incense, and they must, using the appropriate figures of speech for the Japanese language, express what this perfume evokes for them. Through this, the other participants must perceive whether the person has correctly identified the fragrance. This inspired our own game, with Philippe as the master of ceremonies. He first diffused each perfume on a pretty piece of paper on which I made a calligraphy design inspired by the fragrance, then the participants lifted it to their noses, while listening to Philippe’s explanations, creating a little set scene that offered a new olfactory dimension. P.D.M.: This is where the culture of Japanese ritual or ceremonial fascinates us, because there is total respect for that instant when the moment is sacred. No one speaks, there is no impatience and there is an attention that is both religious and amused during the experience offered. And in the end, everything seemed clear to them in the correspondences between scents and flavours.

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TLmag: How did you develop your recipes based on Liquides Imaginaires fragrances? Can you briefly describe your two-month-long co-creative process? L.B.: For a chef to work with a perfumer is perhaps the most lopsided challenge he could endeavour, full of innumerable traps, inevitable mistakes, and complicated balancing acts. That being said, I threw myself into the battle, sword at the ready, with the arrogant certitude of one who knows that the outcome of the encounter cannot be in doubt. Obviously, I had a plan and an infallible weapon. The plan was the following: to entirely rethink my approach to odours. In the kitchen, scents and odours are indicating signals; they are olfactory points of reference in the culinary transformation process at work. Smelling is an instinctive gesture for us, but also a gesture of collection and analysis. The key to the combat was to accept a complete change of assumptions, to see odours not as a cardinal point, but rather as a focal point, to chase them rather than follow them. And to do this, I had a powerful weapon, the attraction that the Liquides Imaginaires has on me, I have worn them all, I have a carnal relationship with them, from the road I have travelled with them, and hunting is simpler when you know the prey you are pursuing. Finally, throughout my efforts, I divulged to Philippe working angles and ideas; he gave me his feedback, new paths to follow, advice. P.D.M.: What was enriching for me was that Lionel didn’t fall in the trap of creating a dish to be enjoyed together with my perfumes. That is an exercise too often done. He invented materials,

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TLmag: Has this simultaneously intellectual, culinary and olfactory concept left any traces on the L’ESqUISSE menu? L.B.: Of course, working on this project has turned my relationship with the olfactory completely on its head, especially with the arboreal trilogy. The work Philippe has carried out

on these three perfumes is inspiring because it is a chef’s approach; the materials he used and the journey he took to reach his end have re-sparked my imagination. TLmag: How would you define the difference or the comparison between the Eaux sanguines and Eaux arborantes of Liquides Imaginaires and the recipes that came out of this alchemy with culinary ingredients? L.B.: We chose the two trilogies that offered more space, real and imagined, to associate with food. The trilogy of Eaux-delà was too sensual, too disturbing; it would not allow itself to be trifled with, and I could not managed to tame it. The two beautiful trilogies that I chose play on a distinctive register that allowed me to build two unique universes. Eaux sanguines are perfumes with projecting angles, and marked contrasts. Acid, bitter, fruity, floral, spicy; they are frontal perfumes. Philippe has created a trilogy that is both lyrical and romantic, but also violent and venomous. I wanted to extend this duality with opposing flavours, textures and temperatures to impact on their nature. The Eaux arborantes, for their part, are true gems of mimicry. Philippe has imagined a symbolic significance for each of them, but whether it’s TELLUS for land, SALTUS for sap or SUCCUS for the treetop, his olfactory work impressed me. That’s why I stayed so close to this mimicry; I extended it,

and pushed it to its climax. TLmag: How has the Japanese press responded to the food-fragrance experience that took place at L’ESqUISSE. Would you like to revisit it in Paris for a Western audience? L.B.: The 12 journalists present experienced a unique moment; they really didn’t know what to expect when they came, and they were all affected, some more we had imagined. We received some very sensitive testimonials and offers to recreate the event for a larger audience. We are thinking about how we could redo this in Paris; personally I would like to try a complete dinner. It’s in the pipeline, we have more than one trick up our sleeves. P.D.M.: In essence, we invited them to participate, to share an experience. Neither Lionel nor I needed to prove or promote our work, especially as my perfumes were not yet being distributed in Japan. It gave the press another image of fragrance, more intense, closer to the sacred universe of incense and its religious ritual, except that in our case the approach was totally modern, innovative and very intimate. Trouvez les recettes sur notre magazine en ligne dès le 1er décembre / From 1st December, please find the recipies on our online magazine: www.tlmagazine.com/articles www.esquissetokyo.com/en www.liquidesimaginaires.com