TLmag21: Duo Report

www.tlmagazine.com

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Printemps-été / Spring-Summer 2014

New Nordic Luxuries

ISSN 2031 8316 / X P47002 France : 7.90 € BE / LUX / ES / GR / IT / NL / Port Cont : 8.80 € AU / DE : 9.50 € GB : £ 7.50 Suisse : CHF 12

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Printemps-été / Spring-Summer 2014 Juin / June 2014

15/F entertainment building 30 Queen’s road Central hong Kong open tue-sat 11am-7pm +852 5937 8098 info@axelvervoordtgallery.com.hk

3’:HIKPTD=YU\^UV:?a@a@m@l@a";

El AnAtsui 13 MaY - 12 august 2014

Stockholm Single Place / Ett Hem, Grand Hotel, Svenskt Tenn, Skultuna…

Nordic vintage design / Nordic Haute cuisine

M 05934 - 21 - F: 7,90 E - RD

inaugural exhibition hong Kong

Nouveaux luxes nord iques / New No rd ic Luxuries

s p ec i a l g u ests Marcel Wanders GamFratesi Renato Preti, Discipline Pierre Yovanovitch

sto r i es Les perles de Chanel / Chanel Fine jewellery S.I.H.H. / Baselworld Eau de Cologne Robbe & Berking Porshinger – Lasvit

h i g h l i g h ts Design polonais / Polish Design Zofia & Oskar Hansen MAK Vienna 150 ans / years Svendborg Architects

t r ave ls Design Basel - Design at Large Guggenheim Bilbao - Ernesto Neto Berlin City Report - DMY

w w w. d i o r. c o m - D i o r O n L i n e 0 2 / 6 2 0 . 0 0 . 0 0

Style de vie La maison s’improvise lieu de travail – Les systèmes d’aménagement USM accompagnent cette évolution.

Visitez notre showroom ou demandez notre documentation.

USM U. Schärer Fils SA, 23 rue de Bourgogne, 75007 Paris, Tél. +33 1 53 59 30 37 Showrooms: Berlin, Berne, Düsseldorf, Hambourg, Munich, New York, Paris, Stuttgart, Tokyo info@fr.usm.com www.usm.com

TLmag 21

S o mmaire / Con te n ts

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Sommaire — 16 — 18

EDITORIAL AGENDA

Appetizers

— 23

— 28

— 32 — 36

— 40

SPECIAL GUESTS

Le monde merveilleux de / The wonderful world of Marcel Wanders GamFratesi

objects: the luxury of experiences

Stories

— 43 — 46

art and design galleries — 86 Le mobilier scandinave vintage / Vintage scandinavian furniture — 92

BRAND stories

Les « Colognes » de / The colognes from Cologne Robbe & Berking Le design Sterling / Sterling design

Excellence & Creation

Design at Large: Design Miami / Basel Les installations des designers / Designers Curate

Installations — 94

At the Salone del Mobile

Renato Preti : Discipline Christoph Thun-Hohenstein x Robert Stadler MAK Vienne : 150 ans / years Yves Michaud Au-delà des objets : le luxe des expériences / Beyond

Kay Bojesen L’éternelle jeunesse / Eternal youth

Mix-Match

— 97

New Nordic luxuries

Les nouveaux luxes nordiques / The new Nordic luxuries

portfolio — 104 Stockholm

A single place

— 116

Design pour les sens / Design for the senses

Maison d’exceptions Première Vision explore les nouveaux luxes textiles / Première Vision explores the new luxury textiles

— 120

— 124 — 126

Rendez-vous de la Matière /Meeting with Materials Sophie Mallebranche Le bijou spatial / ...

Les Perles de Chanel / Chanel fine jewellery Salon International de la Haute Horlogerie / Geneva’s

— 49

INSIDE THE MANUFACTURE

— 54

New talents

— 128 — 132

Oskar Zieta Le métal sublimé par un processus de design contrôlé

highlights

— 58

Glassworks De Porshinger à Lasvit /From Porshinger to Lasvit

/ Metal modified through precision-controlled design Autour du design en Pologne / Emerging Polish design scene Une sélection de Matylda Krzykowski / A selection by Matylda Krzykowski

spotted — 68 Rééditions de design nordique et d’Europe centrale / Nordic and East European reeditions

Histoire répétée / History repeated

Living with design

— 71

Iconic houses

— 76

UPCOMING PROJECT

— 78

INTERIOR DESIGN & COLLECTIONS

Svendborg Architects Ceremony Project room

Pierre Yovanovitch L’archipel intérieur / Interior designer

Annual Luxury Watch Trade Show

Une sélection des montres Baselworld / Baselworld watches

luxinside — 135 Leica

Voir mieux que l’œil / Capturing better images than the eye

Real Life DELICATESSEN — 137 Cuisine nordique : une révolution en marche / Nordic

cuisine: a revolution is underway — 142 La Russie à Paris / Russia in Paris

— 146

— 150

Experience Art

Guggenheim Bilbao & Ernesto Neto Le poème sans fin / The neverending poem City report

Berlin pour les débutants / for beginners

TL # 21

Zofia & Oskar Hansen, Szumin Iconique Dacha / Iconic Dacha

Frame: MYKITA NO2 SUN OLGA | Photography: Mark Borthwick

/ Contents

MYKITA SHOP BERLIN Rosa-Luxemburg-Str. 6 / Budapester Str. 38–50 MYKITA SHOP CARTAGENA Carrera 5 #35-70 MYKITA SHOP MONTERREY Jose Vasconcelos 150 PB-6D MYKITA SHOP NEW YORK 109 Crosby Street MYKITA SHOP PARIS 2 Rue du Pas de la Mule MYKITA SHOP TOKYO 5-11-6 Jingumae MYKITA SHOP VIENNA Neuer Markt 14 MYKITA SHOP ZERMATT Bahnhofstrasse 5 MYKITA SHOP ZURICH Langstrasse 187

TLmag 21

Coommai lo p hore n / Con te n ts S

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Georg Mayer / MAK, Claus Meyer, My Mantra, Charles Negre, Aleksandra Pawloff / MAK, Gueorgui Pinkhassov, Première Vision, Matthieu Salvaing, Jan Smaga, Wojtek Spychalski, Tim Streabury, Colin Streater, Miro Zagnoli, Michel Zoeter...

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Imprimé en Belgique / Printed in Belgium Dereume Printing Rue Golden Hopestraat 1 B-1620 Drogenbos T. + 32 (0) 378 21 27 Biannuel / Biannual, le numéro / issue: 10 € Commission paritaire : 0918 K 92194 Dépôt légal / Legal deposit: n° ISSN 2031-8316 #21 – Printemps / été 2014 – Spring/Summer 2014 © New TLmag sarl 2014 Paris, France Aucune partie de cette publication ne peut être reproduite, ou publiée par impression, photocopie, microfilm ou de quelque manière que ce soit, sans accord préalable de l’éditeur. Le magazine est protégé par les droits d’auteur. Le magazine décline toute responsabilité pour tous les manuscrits et photos qui lui sont envoyés. Les articles et photos publiés par New TLmag n’engagent que leurs auteurs. Tous droits de reproduction réservés. / No part of this publication may be reproduced, or transmitted in any form or by any means, including photocopy, recording, or any information and storage and retrieval system, without prior written permission from the editor. The magazine disclaims all liability for any manuscripts and photos that it receives. All article and accompanying materials published by New TLmag, unless otherwise indicated, are licensed by the respective authors of such articles. All rights reserved.

Prochaine parution du biannuel TLmag / Next TLmag biannual issue:

Automne/Hiver 2014 / Autumn/Winter 2014: octobre / October 2014 Couverture / Cover:

Miles Standish, New TLmag Alice Neurohr, Bookstorming

Contributeurs / Contributors Max Borka, Valentina Ciuffi, Lise Coirier, Natascha Drabbe, Aleksandra Kędziorek, KlingKlangStudio (Martina Björn & Charlotte Collard), Daniel Golling, Matylda Krzykowski, Marie Lacire, Marie Le Fort, Adrian Madlener, Silvano Mendes, Corinne de Ménonville, Y-Jean Mun-Delsalle, Jean-Philippe Peynot, Laurence Picot, Françoise Sagano, Arnaldo Smet, Adam Štech-Okolo Magazine, Keiko Sumino-Leblanc Photographes / Photographers

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Armani, Arty Fragrance, Helene Binet, Martina Björn, Jörg von Bruchhausen, Fernanda Calfat, Marie-Pierre Cravedi, Klara Czerniewska, Michel Denancé, Marina Faust, Gagosian Gallery, Jacques Gavard, Katrin Greiling, Pasi Haaranen, Family Archives Courtesy of Igor Hansen, Jean-Francois Jaussaud (LUXPRODUCTIONS), Kosmos Projects, Marie Le Fort, Geneviève Levivier / A+ZDesign, Jimmy Linus LuxInside,

TLmag 21

C o nt rib uteurs / Con tri b utors

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contributes regularly to regional and international titles such as Asia Tatler, Harper’s Bazaar, International Watch, Manifesto, Plaza Watch, Prestige and The Peak, shining a spotlight in particular on art, architecture, design, horology and jewellery.

Arnaldo Smet

Adam Štěch A Prague-based design and architecture editor cum curator, Adam Štěch co-founded OKOLO creative collective in 2009, which explores new paradigms within the creative industry. Having curated numerous exhibitions in London, Lodz, Prague, Bratislava, Milan, Vienna, Belgrade and Stockholm, he develops special publications like OKOLO Mollino,– a rare look into the life and work of Italian modernist master Carlo Mollino – along with the quarterly OKOLO magazine. Štěch updates his digital magazine daily: www.okoloweb.cz

London-based Belgian journalist Arnaldo Smet has a Masters in Literature and Communication.

With his finger on the pulse of this vibrant city he keeps up with new talent and leading figures in the fields of architecture, design, fashion and retail. He is also a photographer for VICE, capturing the underground music scene in its rawest form, and works as a fashion week correspondent for ELLE.

Katrin Greiling German born Katrin Greiling founded Studio Greiling in 2005.

The Stockholm and Berlin-based office combines photography, interior architecture and furniture design – offering an interdiciplinary approach to different projects. Trained in carpentry and cabinet making, Greiling received her masters degree from Konstfack, before developing award-winning objects for international brands including Droog, Kvadrat, Design House Stockholm, and Offecct. Most recently, her designs were featured as part of Li Edelkoort’s Nomadismi exhibition. Exploring the photographic genre, she has also worked with diverse media platforms like Abitare, Archis/OMA and Wallpaper.

Jean-Philippe Peynot An architect, artist, and writer for the review Archistorm. Highlights of his career include: the realization of an industrial building (Bondoufle, France, 2002), installations in public space such as L’Espace sans qualité, (Pati Llimona, Barcelona, 2003), Quatre chemins (Centre Cívic Guinardó, Barcelona, 2004), and publications, which include the books: Tàpies : 1, 2, 3, Bang ! (2006), and Bernar Venet. 1 pour 1 (2008), both of which were published in Paris by Archibooks. Jean-Philippe Peynot is currently involved in an artistic project in which the text becomes an image, to bring poetry to painting.

Daniel Golling Martina Björn KlingKlangStudio

Max Borka

Y-Jean Mun-Delsalle A freelance journalist and editorial consultant who has lived on three different continents, Y-Jean is no stranger to change. A peripatetic lifestyle such as hers allows her to move easily among cultures and come face to face with inspirational individuals in pursuit of excellence: emerging and established artists, designers and craftsmen and the movers and shakers of the world today. She finds joy and solace in writing and

Born in Belgium, Max Borka works and lives in Berlin. As a journalist, critic, lecturer and consultant, he has written many books as well as, curated numerous art, architecture, fashion and design exhibitions.

Both Nieuwe German Gestaltung and Spagat!: Design Istanbul Tasarimi showcases were mounted at MARTa museum in Herford, Germany. As the former director of Interieur Foundation and founding editor of DAMn° magazine, he recently launched Mapping the Design World – an online platform for social design. Borka currently teaches Design Theory and History at the Fashochschule in Potsdam.

TL # 21

After her studies in Paris, Brussels-based Swedish architect and photographer Martina Björn (Kling / The blond) began researching the formal language of architecture, landscape architecture, art, fashion and graphic design. Together with Charlotte Collard (Klang / The brunette), she co-founded KlingKlang Studio – a Brusselsbased visual identity consultancy.

While heading the firm’s creative direction, she constantly develops her own visual language. After graduating from GIA in 2008, former model Collard started working as a fashion and jewellery consultant while launching her website ccblog.cc. Today, she is the founder and editor of the SoYouThinkYouCanShop.com e-boutique. At KlingKlang Studio, she is in charge of marketing strategies and consultations.

Daniel Golling is a Swedish architecture and design journalist with a long career in print media. A former editor-in-chief of Stockhom-based Form Magazine, he currently writes for Swedish and international architecture and design publications. In January 2013, Golling launched Summit, Sweden’s leading architecture and design podcast, with curator Gustaf Kjellin. In February 2014, Summit launched «This Is GamFratesi», a monograph about the Danish-Italian design studio.

Summit Interviews Vol. 1, 2013–14» was launched during the Salone del Mobile in Milan, in April. In addition to podcasts and books, Summit has also introduced the Summit Travel Grant - intended to strengthen bonds between Sweden and neighbouring countries - which gives young designers an opportunity to travel to Stockholm Design Week.

Edito rial

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L, XL, XXL Les nouveaux luxes voient grand… / New luxuries think big…

Photo : © Gueorgui Pinkhassov

TLmag 21

Par / By Lise Coirier

« Sur une des îles il vit un grand château blanc et, un peu à l’est de celui-ci, les rives commencèrent à se couvrir de villas de tous styles, largement espacées au début, puis de plus en plus rapprochées… » C’est ainsi que l’auteure suédoise, Selma Lägerlof, prix Nobel de la Littérature, décrit l’émerveillement que procure la vision de l’archipel de Stockholm dans son roman Le Merveilleux Voyage de Nils Holgersson à travers la Suède (1907). Un siècle plus tard, cette ville scandinave entrecoupée d’îles fascine toujours autant.

Elle n’est pas la seule qui cultive cette énergie forte issue du rapport contrasté entre nature à l’état sauvage et civilisation. Au nord, au centre et à l’est de l’Europe, les villes dégagent cette dualité : fusion avec les éléments, rapport fort à la matière première, primitive (raw). Ainsi, TLmag a opté pour un voyage au cœur de la Suède et de la Pologne, sous l’angle particulier des nouveaux luxes et du savoir-faire. à travers le regard aiguisé de Matylda Krzykowski, le voile est levé sur les qualités du nouveau design polonais. En Scandinavie, étape obligée à Stockholm chez Ett Hem, la maison d’hôtes inspirée de celle de Carl Larsson (rétrospective au Petit Palais à Paris), recréée par Jeanette Mix et Ilse Crawford, où chaque détail rime avec perfection. Il y aussi les fastes du décorum du Grand Hotel qui propose des soins de beauté nordiques tout à fait à la page au cœur de son fantastique spa. Laissez-vous porter dans ces pages par un florilège d’images associées avec délicatesse par notre photographe, elle aussi suédoise, Martina Björn. La découverte de l’élégance suédoise passe aussi par Svenskt Tenn, Skultuna… et les aménagements intérieurs de Pierre Yovanovitch.

Enfin, en passant par Milan, appréciez les créations de Discipline et de GamFratesi. TLmag vous livre ici une carte de l’Europe singulière. Il ne s’agit pas de minimalisme mais d’un nouveau sens du luxe, authentique et distingué. Le voyage se termine par Berlin, la ville du collage mix avec DMY et le nouveau 25H Hotel signé par Werner Aisslinger, et par Bâle pour le salon Design Miami qui inaugure son nouveau programme d’installations auquel TLmag adhère à 100% : Design at Large !

Enfin, le design prend du large…

“On one of the islands the boy saw a big, white castle, and to the east of it the shores were dotted with villas.

At the start these lay far apart, then they became closer and closer…”

This is how Nobel prize-winning Swedish author Selma Lägerlof describes the sense of wonder, Stockholm’s archipelago emanates, in her 1907 novel Wonderful Adventures of Nils Holgersson: though its interspersed islands still fascinate a century later, the Scandinavian capital is among many Northern, Central and Eastern European cities that balance the contrasting forces of raw nature and culture. This duality is not only evident in geography and climate but also in the fusion of natural elements or primitive materials. With this in mind, TLmag travels to Sweden and Poland to capture new perspectives on luxury and territories of creativity.

While Matylda Krzykowski lifts the veil on up-andcoming Polish design, an obligatory stopover in Stockholm reveals Ett Hem – a sumptuous guest house cum hotel, inspired by an admiration for Carl Larsson (retrospective at the Petit Palais, Paris), tastefully recreated by Ilse Crawford for Jeanette Mix. Splendor of decorum at the Grand Hotel is not to be missed – a fantastic space offering the latest Nordic beauty treatments. Let yourself be transported through the pages of Swedish photographer Martina Björn’s delicately selected images. Explore Swedish elegance with Svenskt Tenn, Skultuna, culinary pleasures and interiors by Pierre Yovanovitch.

Last but not least, enjoy Discipline and GamFratesi’s hybrid creations, discovered in Milan. All together, TLmag charts a unique map of Europe, pinpointing a new sense of luxury. The journey continues to Berlin for DMY, the 25H Hotel designed by Werner Aislinger and wraps-up at Design Miami/Basel to inaugurate Design at Large – a new platform for designer-generated installations which TLmag adheres to 100%: Finally, design can spread its wings...

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Consultez notre blog et notre site web / Take a look at our website and blog: www.tlmagazine.com, http://blog.tlmagazine.com N’hésitez pas à nous faire part de vos suggestions et de vos liens vidéos à / Feel free to send us any suggestions or video links to: mag@tlmagazine.com

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A ge n da

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A gen d a

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Sélection de la rédaction TLmag / Selection by TLmag editors

Istanbul Design Biennial Galata Greek Primary School 01/11 —> 14/12/2014

DMY Berlin Tempelhof Airport 26/05 —> 01/06/2014 Ce salon de design berlinois par excellence présentera cette année encore le travail de plus de sept cents jeunes talents. L’édition 2014 du DMY s’intéressera à la place de la recherche et de la science des matériaux dans le design. À l’autre bout de la ville, une boutique Vitra / Artek sera par ailleurs inaugurée dans l’hôtel 25Hours Bikini, qui a récemment ouvert ses portes.

As Berlin’s very own design fair, DMY will yet again present the work of over 700 up-and-coming talents.

This year’s event will pinpoint the cross sections between research and material science within design. On the other side of town, the recently opened 25Hour Bikini Berlin hotel will house a Vitra / Artek concept store.

29th Festival International de Mode & de Photographie Villa Noailles, Hyères —> 26/5/2014

www.dmy-berlin.com

Quelques jours avant la 9e édition de la Design Parade (4-6 juillet), la Villa Noailles accueillera son festival annuel de Mode et de Photographie auquel participeront dix jeunes designers et dix photographes en compétition pour une série de prix remis par un jury international. Une exposition et une conférence auront par ailleurs lieu autour des dernières tendances de chaque discipline.

Leading up to the 9th edition of Design Parade (4-6 July), Villa Noailles hosts its annual fashion and photography festival – where 10 young designers and 10 photographers are selected for a series of prizes, awarded by an international jury. In addition, the event features an exhibition and conference – which aims to underline the latest trends in each discipline.

Werner Aisslinger, 25hour Bikin Berlin Hotel

Kenta Matsushige, Grand Prix winner Kenta Matsushige

© Courtesy of Studio Aisslinger

© Flilep Motwary

TLmag est partenaire media de DMY / TLmag is media partner of DMY

Zöe Ryan a choisi d’articuler cette deuxième édition de la Biennale du Design autour des questions du changement social, de l’agitation politique et de l’avenir du pays. À cette occasion, soixante-quinze projets dynamiques explorant les nouvelles attitudes et sensibilités ont été sélectionnés.

For the second Istanbul Design Biennial, curator Zöe Ryan looks into the role of rapid social change, political unrest and asks “what’s next?” For this edition, 75 dynamic Turkish and international projects will explore new attitudes and sensibilities.

Sight Unseen Offsite

Maria Blaisse

New York Design Week 16/05 —> 20/06/2014

Rijksmuseum Twenthe, Enschede —> 31/8/2014

Le blog Sight Unseen monte son propre salon en marge des nombreux événements du NYCxDesign.

Cette nouvelle manifestation promet de mettre à l’honneur talents indépendants et les esprits visionnaires les plus brillants du moment.

Coinciding with a slew of NYCxDesign events – including ICFF – celebrated blog Sight Unseen mounts its own satellite fair – capturing the brightest independent talents and forward-thinking giants.

www.istanbuldesignweek.com

TLmag est partenaire media de IDB / TLmag is media partner of IDB

Mansour Ourasanah, Lepsis-Art of Growing Grasshoppers © Courtesy of IKSV

Pionière du design textile depuis plus de quarante ans, Maria Blaisse est connue pour l’optique théâtrale qu’elle adopte dans son exploration des matériaux. Le musée Rijksmuseum Twenthe présente Emergence of Form, une exposition des œuvres les plus mémorables de cette artiste. Les grandes structures en bambou accompagnées de vidéos mettent en avant la pensée de Maria Blaisse, pour qui les matériaux et les formes devraient suivre le modèle de la nature.

Having pioneered flexible textile design for over four decades, Marie Blaisse is known for performanceinspired material explorations. The Rijksmuseum Twenthe presents Emergence of Form – an exhibition featuring some of the designer’s most memorable works. Large bamboo structures are joined by video projections – pinpointing Blaisse’s philosophy that material, like form, should follow nature.

offsite.sightunseen.com Ladies and Gentlemen Studio, LG_Desklight © Courtesy of the designer

www.villanoailles-hyeres.com

www.rijksmuseumtwenthe.nl Marie Blaisse, dance improvisation © loan Oei

Wegner’s 100th Anniversary

Maniera 01 & 02

Carl Hansen & Son x Paul Smith x Maharam —> 4/2014

Prototypes, Brussels —> 1/6/2014 La première exposition de Maniera (une nouvelle galerie de meubles ne édition limitée), intitulée Prototypes, présente de pièces conçu par le bureau d’architecture local OFFICE Kersten Geers David Van Severen et l’architecte indépendante néerlandaise Anne Holtrop.

Prototypes, the first exhibition from Maniera — a new Brussels-based gallery commissioning art and architecture inspired furniture — shows limited edition designs by local practice Office Kersten Geers David Van Severen and Dutch independent architect Anne Holtrop. www.maniera.be Studio Anne Holtrop, Desk Office Kersten Geers David Van Severen, Solo Chair © Sven Laurent

Fondazione Bisazza

Pangaea

Saatchi Gallery, London —> 31/8/2014

Candida Höfer, Montecchio Maggiore —> 27/6/2014

Charles Saatchi dévoile une nouvelle facette de son immense collection, où se mêlent des œuvres venues d’Afrique et d’Amérique latine. La galerie londonienne organise l’exposition Pangea, qui rassemble les images utopiques d’un supercontinent unifié.

Charles Saatchi opens a new facet of his extensive collection, featuring African and Latin American art.

The London-based gallery mounts Pangaea – for which 16 artists reveal utopian images of a unified super-continent.

Plus de vingt tirages grands format ornent le hall de la Fondazione Bisazza, offrant au visiteur un panorama complet des « portraits architecturaux » de la grande photographe allemande Candida Höfer – des compositions caractérisée par leurs lignes claires, absence de toute trace humaine.

Over 20 large format prints line the halls of Fondazione Bisazza – a full survey of German photographer Candida Höfer’s “architectural portraits” – capturing some of the world’s most majestic interiors, devoid of human activity.

wwww.saatchiart.com

www.foundazionebisazza.it

© Vincent Michea

TL # 21

Vincent Michea, Before the Bigger Splash, 2012

Palacio da Bolsa, 2006 © Candida Höfer

Paul Smith et Maharam célèbrent eux aussi le centenaire de Hans J. Wegner. En collaboration avec la marque de meubles Carl Hansen & Son (le principal fabriquant des modèles classiques du designer), ils ont en effet sorti une collection en hommage à Hans J. Wegner, dans laquelle ils revisitent certaines pièces phares du designer danois en les agrémentant de motifs colorés.

Also celebrating the 100th anniversary of Hans J. Wegner’s, Paul Smith and Maharam collaborated with furniture brand Carl Hansen & Son – the largest manufacturer of Wegner classics – to create a tribute edition collection, reviving some of the Danish designer’s most iconic pieces with colourful motifs. www.carlhansen.com CH07 Shell Chair © Courtesy of Press Only Amsterdam

Hans J. Wegner Just one good chair, Designmuseum Denmark —> 2/11/2014 À l’occasion du centenaire de Hans J. Wegner, le Designmuseum Danmark organise une grande rétrospective sur l’œuvre complète de cette icône moderniste danoise. L’exposition explore l’influence de Hans J. Wegner sur la décénie des années cinquante. Elle s’intéresse par ailleurs à la place et la popularité actuelle de ses œuvres, plus particulièrement en Asie.

Marking Hans J. Wegner’s centenary, the Designmuseum Danmark mounts a large retrospective of the Danish modernist icon’s entire oeuvre. The exhibition explores Wegner’s impact on the 1950s but also its current relevance, especially in Asia. www.designmuseum.dk Hans J. Wegner sits in his Ox Chair © Courtesy of Designmuseum Denmark

TRANCHES DE VIE SOFIE LACHAERT + LUC D’HANIS

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27/04 > 17/08 2014

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L ER B T COM R .

O RP LIN I A ER -B MY

EXHIBITION GRAND-HORNU IMAGES Site du Grand-Hornu - Rue Ste-Louise 82 - 7301 Hornu, Belgique w w w. g r a n d - h o r n u - i m a g e s . b e - T. : + 3 2 ( 0 ) 6 5 6 5 2 1 2 1 Open from tuesday to sunday from 10.00 to 18.00

Global Color Research™

Research Partner

Partner New Talents

Media Partner

Hotel Partner

Avec le soutien des autorités flamandes

NODUS L������ E������

S p e ci al G u e s ts / Marc el Wanders

Appetizers

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S p e c ia l G u e sts / Ma rc el Wa n d ers

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Photos : © Marcel Wanders

Appetizers

Le monde merveilleux de / The wonderful world of

Marcel Wanders Propos recueillis par / Interview by Jean-Philippe Peynot

2.

1 — Lobby du Quasar Istanbul, complexe résidentiel qui sera inauguré en 2015 / Lobby at Quasar Istanbul, a residential complex opening in 2015 2 — Marcel Wanders dans le cadre onirique de son exposition au Stedelijk Museum d’Amsterdam / Marcel Wanders in the dream-like environment of his exhibition at the Stedelijk Museum in Amsterdam

TL # 21

Appetizers

TLmag a interviewé le célèbre designer Marcel Wanders, aujourd’hui mis à l’honneur avec une exposition rétrospective au Stedelijk Museum d’Amsterdam. Depuis déjà 25 ans, Marcel Wanders donne forme à des meubles, lampes, bijoux, couverts de table et ustensiles en tout genre que des volutes, arabesques et autres traits d’humour rendent immédiatement reconnaissables. Le monde merveilleux de Wanders n’est pourtant pas seulement un monde d’objets. Toujours orné d’un superbe collier de perles, chemise ouverte et costume cintré, Marcel Wanders est aussi, parmi les stars du design, l’un des créateurs qui a le mieux compris les mécanismes de la communication et des médias, au point que ses créations semblent indissociables de sa propre image.

TLmag : « Bienvenue dans le monde de Marcel Wanders » ! La phrase qui sert d’introduction à votre site web semble significative de votre démarche, et le monde évoqué plus proche de celui d’Alice au pays des merveilles que de

celui de De Stijl. Conscients de la relation qui unit les objets et la société à laquelle ils appartiennent, beaucoup de designers, dont ceux appartenant à De Stijl, au Bauhaus, à Ulm, ont voulu changer le monde en changeant les objets. Comment définiriez-vous le monde de Marcel Wanders ?

Marcel Wanders : C’est un monde qui concerne davantage les gens que le design. La plupart du design que nous connaissons est basé sur des idées rationnelles, comme bien sûr le Bauhaus ou De Stijl, et je pense que c’est une manière très réductrice de nous regarder. Nous avons vu que nos capacités rationnelles étaient bien plus limitées que nous l’espérions. Or je crois que nous avons la capacité d’être plus humains que ce que nous sommes en étant seulement rationnels.

Ce que j’essaye de réaliser, ce sont des travaux qui soient plus intéressants du point de vue humain, plus romantiques, plus doux, et qui impliquent des connections entre les objets et les personnes qui ne reposent pas sur une simple doctrine rationnelle. Il s’agit aussi de modifier notre relation avec

l’environnement pour ne pas continuer d’abîmer notre planète, et pour cela je travaille davantage avec la psychologie qu’avec la technologie.

TLmag : Quel est le rôle des objets dans ce travail ? Sont-ils plus importants que les idées ? Sont-ils un moyen d’expérimenter ?

M.W. : Je pense que les objets sont importants dès lors qu’ils font partie de notre environnement quotidien.

Nous créons notre environnement en réunissant des objets, et cet environnement nous définit à son tour. Mon but est de souligner certains objets. Les objets sont toujours là, ils sont évidents ; ils constituent un langage, et ce langage permet de créer de nouveaux objets. En ce sens, dans mon travail, les objets sont plus importants que les idées, et alors que ces objets vont disparaître, le langage, lui, restera.

TLmag : Vous êtes l’un des fondateurs de WAAC’s Design & Consultancy, entreprise créée en 1992 et dédiée au design industriel, traitant toutes

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S p e ci al G u e s ts / Marc el Wanders

sortes d’objets avec une grande rigueur. Pourquoi vous êtes-vous séparé de WAAC’s Design ?

M.W. : La collaboration avec WAAC’s Design fut une période merveilleuse, mais je devais créer ma propre entreprise pour me sentir entièrement libre, et c’est ce que j’ai fait en quittant Rotterdam pour m’installer à Amsterdam. Nous sommes toujours bons amis avec WAAC’s Design, et je pense que c’est une superbe entreprise ; mais je pense aussi que j’ai fait le bon choix en m’en éloignant.

TLmag : En 2001, vous avez créé avec Casper Vissers la marque Moooi, qui vous permet de mêler vos créations à celles d’autres designers placés sous votre direction artistique. Pourquoi avez-vous ressenti le besoin de collaborer avec d’autres designers après vous être éloigné de WAAC’s Design ?

M.W. : Oui, je collabore avec d’autres designers, mais c’est plus que cela puisque je leur donne la possibilité de produire leurs créations. Durant la période où j’ai créé Moooi, j’étais en pleine lumière. Beaucoup de mes créations étaient fabriquées et distribuées sous différentes marques, et j’avais donc la possibilité de communiquer matériellement mes idées. Pourtant, il était important pour moi de créer une marque qui me permette d’instaurer un lien direct entre les personnes qui achètent mes objets et moi-même. Je l’ai fait pour moi puis j’en ai fait profiter d’autres designers.

« E n ce sens , dans mon travail , les objets sont plus importants q ue les id é es , et alors q ue ces objets vont dispara î tre , le langage , lui , restera . »

TLmag : Est-ce aussi pour cela que vous avez créé la marque Moooi ?

M.W. : Absolument ! Aujourd’hui encore, de nombreuses marques internationales proposent des intérieurs sans inspiration et monolithiques, parce qu’elles réduisent leurs créations à un seul univers stylistique. Nous vivons dans un monde pluriel, rempli de personnes avec des doutes, et ces doutes nous ne devons pas les cacher mais les rassembler comme autant de qualités que nous pouvons partager pour créer ensemble.

TLmag : D’où vient votre goût pour les perles ?

M.W. : J’aime les perles parce qu’elles font partie des objets que les designers ne sont pas supposés aimer. C’est un objet presque insignifiant, et, selon moi, donner du sens un objet qui n’en a pas, c’est le mieux que puisse faire un designer. Faire qu’un lundi matin soit une matinée merveilleuse, faire qu’un objet quelconque devienne unique et beau, c’est cela mon travail.

TLmag interviewed renowned designer Marcel Wanders, today honoured with a retrospective exhibition at the Stedelijk Museum in Amsterdam. For the past 25 years, Marcel Wanders’ creativity has given form to furniture, lamps, jewellery, cutlery and all manner of utensils that have been injected with a dose of his instantly recogniseable humour that often incorporates scrolls and arabesques. However, the wonderful world of Wanders is not only a world of objects. Dressed in his trademark open shirt and figure-hugging suit, accessorized with his magnificent pearl necklace, Marcel Wanders is one among a host of star designers that have mastered the art of communication and the media, to the point that his own image seems to be indissociable from his designs.

TLmag: “Welcome to the world of Marcel Wanders”! This phrase that introduces us to your website seems to say a lot about your approach and your world, which seems closer to Alice in Wonderland than that of De Stijl.

Recognising the relationship between objects and the society to which they belong, many designers, including those belonging to De Stijl or the Bauhaus in Ulm, wanted to change the world by changing the objects. How would you define the world of Marcel Wanders?

Marcel Wanders: It is a world that is more about the people than design.

Most of the designs that we know are based on rational ideas, much like the Bauhaus or De Stijl, and I believe that this is a very simplistic way of looking at things. We have seen that our rational capacities are much more limited than anyone expected. But I think that we have the capacity to be more people oriented when we are not simply focusing on being rational. I’m trying

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TL # 21

TLmag : La Knotted Chair, créée en 1996, associe des matériaux de haute technologie avec une méthode de production artisanale. La relation entre l’artisanat et l’industrie faisait récemment l’objet d’une réflexion dans le cadre de l’exposition Handmade au musée Boijmans Van Beuningen de Rotterdam. Quelle importance donnezvous à la question des moyens de production ?

M.W. : L’artisanat et l’industrie nous donnent, l’un comme l’autre, des possibilités qui leurs sont propres.

J’aime l’aspect manuel de certaines créations ; j’apprécie ce que peuvent nous aider à produire les machines, et je ne vois pas de raison pour exclure de mon travail l’une ou l’autre de ces deux possibilités.

TLmag : L’idée de design total, c’est-àdire du design de tous les objets ainsi que de l’espace qui les contient, est associée dans le domaine du design à Arne Jacobsen. Que représente ce dernier pour vous ? Le design total est-il votre but, peut-être déjà atteint avec des projets comme le Mira Moon Hong Kong ou le Quasar Istanbul ?

M.W. : Lorsque je crée un intérieur, je tente de faire de mon mieux, et pour cela je dois faire attention à chaque détail, tout doit être pensé. D’une certaine façon, c’est un design total, mais cela n’a rien à voir avec le design total d’Arne Jacobsen. Le design total d’Arne Jacobsen, c’est la possibilité qu’une seule idée suffise pour tout créer. Lorsque j’ai commencé ma carrière, j’utilisais la même philosophie pour le design des objets et pour la décoration, mais je me suis rendu compte que ce n’est pas la bonne manière de faire. Un objet peut vivre sur une seule idée, mais si vous créez un intérieur avec une seule idée, il deviendra vite très ennuyeux. À l’inverse, un intérieur peut être conçu comme un livre, avec des phrases, des paragraphes et en incluant le temps de l’écriture.

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3 — Lobby de / at l’hôtel Mondrian South Beach, Miami 4 — Piscine du / Pool at Quasar Istanbul

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S p e c ia l G u e sts / Ma rc el Wa n d ers

with the people who buy my objects.

I did it for myself, and then for other designers.

TLmag: The Knotted Chair, created in 1996, combines high-tech materials with an artisanal method of production.

The relationship between craftsmen and industry was recently the subject of reflection in the context of the Handmade exhibition at the Boijmans Van Beuningen Museum in Rotterdam.

How important is this question of ‘means of production’ to you?

M. W.: Artisans and industry each have their own particular strengths. I love the manual aspect of certain creations; I appreciate the part machines can play in helping us in the production process, and I see no reason to exclude either one of these possibilities.

TLmag: The idea of ‘total design’, that is to say, the design of all objects as well as the space that contains them, is associated in the field of design with Arne Jacobsen. What does Arne Jacobsen represent to you? Perhaps you have already achieved your goal of ‘total design’ with projects such as Mira Moon in Hong Kong or Quasar in Istanbul?

M. W.: When I create an interior, I try to do my best, and for that I have to pay attention to every detail, everything must be considered, so, in a certain way, it is ‘total design’, but it is not the same as the ‘total design’ practised by Arne Jacobsen; he believed that you could create everything with one idea. When I started my career, I used the same “philosophy” for the design of objects as the decoration, and I realised that it wasn’t the right way to go about things.

It’s fine if you create an object using one idea, but if you transpose this idea to an interior, it will soon become boring.

Conversely, an interior can be designed like a book, with sentences, paragraphs and the notion of time embedded in the written style.

5.

“ I t ’ s also about changing our relationship with the environment, to stop damaging our planet, and to do that, I wor k more with psychology than technology.”

to make my work more interesting for people, more romantic, with a softer side, making connections between objects and people that are not based on a simple rational doctrine. It’s also about changing our relationship with the environment, to stop damaging our planet, and to do that, I work more with psychology than technology.

TLmag: You are one of the original founders of WAAC’s Design & Consultancy, a company created in 1992 that is dedicated to industrial design and known for its rigorous approach to designing. Why did you decide to leave the practise?

M. W.: I enjoyed my time at WAAC’s Design, but I had to create my own company to feel completely free, and that’s what I did after leaving Rotterdam to settle in Amsterdam.

We’re still good friends, and I think that WAAC’S Design is a great company, but I also think that it was the right decision to leave.

TLmag: Moooi, the company you created with Casper Vissers in 2001, allows you to mix your creations with those of other designers under your artistic direction. Why did you feel the need to work with other designers after you had distanced yourself from WAAC’s Design?

M. W.: Yes, I collaborate with other designers, but it’s more than that, because I give them the possibility of seeing their designs being produced.

During the period when I created Moooi, I was in the spotlight. Many of my designs were manufactured and distributed under different brand names, and so I had the possibility to communicate my ideas and turn them into physical concepts. However, it was important for me to create a brand that would allow me to establish a direct link

TL # 21

TLmag: What is the role of objects in this work? Are they more important than the ideas? Are they a way to experiment?

M. W.: I think objects are important since they are part of our everyday environment. We create our personal space by gathering objects, and this environment, in turn, defines us. My goal is to emphasise certain objects.

The objects are still there, they stand out; they constitute a language, and this language is used to create new objects. With this in mind, in my work the objects are more important than the ideas, and yet these objects will disappear and the language will remain.

5 — Vue de l’exposition au Stedelijk Museum d’Amsterdam / View of the exhibition at the Stedelijk Museum in Amsterdam 6 — La Knotted Chair créée en 1996 qui fut d’abord produite dans le cadre de Droog Design / The Knotted Chair, created in 1996, initially produced by Droog Design

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TLmag: Is this also why you created the brand Moooi?

M. W.: Absolutely! Even today, many international brands offer uninspiring monolithic interiors, because it reduces their creations to a single stylistic universe. We live in a diverse world, full of people with doubts, and instead of hiding these doubts we should put them on display, share them with others, encourage co-creation.

TLmag: Where does your taste for pearls come from?

M. W.: I love pearls because they belong to a group of objects that designers are not supposed to like. The object itself is almost insignificant, and, in my opinion, if you can bring a sense of purpose to an otherwise insignificant object, you couldn’t hope for more as a designer. My job is to ensure that Monday mornings are wonderful, that any object is unique and beautiful.

Jusqu’au 15 juin / until 15 June, Marcel Wanders: Pinned up at the Stedelijk, 25 years of design at the Stedelijk Museum www.stedelijk.nl www.marcelwanders.com www.quasaristanbul.com

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GamFratesi

S p e c ia l G u e sts / G a mFrate si

L e desig n e n v ers et c o n tre to u t

Il est intéressant de préciser, dans ce cas précis, le contexte dans lequel GamFratesi a participé à l’exposition Urban Stories. De l’amiante a été détectée dans l’entrée de l’ancienne boulangerie militaire où l’exposition devait initialement se tenir, dans le centre de Milan, il a donc fallu relocaliser ce projet au plus vite.

Une semaine avant l’inauguration, il a ainsi été décidé de déplacer les installations. Il n’a pas été difficile de trouver des techniciens capables de confectionner et de souder le cadre d’acier sur lequel ont été disposés les mobiles et les lampes, ce qui en dit long sur la place de l’artisanat et du design dans cette région de l’Italie, mais aussi et avant tout sur GamFratesi. Après avoir suivi ce duo depuis ses débuts prometteurs en 2007, dans la section Greenhouse réservée aux jeunes talents du Salon du meuble de Stockholm, où GamFratesi a fait un retour triomphal cette année en tant qu’invité d’honneur après avoir publié sa monographie intitulée This Is GamFratesi, il y a une chose dont je suis sûr : le mot « raccourci » ne fait pas partie de son vocabulaire.

Palazzo Litta, Milan

Par / By Daniel Golling

C réer e n métissa n t les traditi o n s c u ltu relles

Pour respecter le délai qui s’est imposé à eux début avril, Stine Gam et Enrico Fratesi n’auraient eu aucun mal à imaginer des concepts d’exposition plus faciles à mettre en œuvre. C’est de leur expérience en architecture que leur viennent leur intérêt pour l’aménagement d’espaces et d’expositions, et leur talent dans ce domaine. Tous deux ont en effet commencé par étudier cette discipline ; c’est d’ailleurs à cette époque qu’ils se sont connus, dans la ville italienne de Ferrare.

1.

The crowds that mingled through the magnificent baroque rooms of the Palazzo Litta for the opening of the Urban Stories exhibition, during this year’s Design Week in Milan, were probably as equally impressed by the architecture and grandeur of the building as the exhibition within, that had been staged by Danish-Italian design studio GamFratesi.

They were no doubt completely unaware that, with the odds stacked against them, Stine Gam and Enrico Fratesi had managed to erect the elaborate setting of their contribution to the collective show in just one week, carefully welding steel frames to hang Cheshire lamps and their intriguing Balance mobiles without actually interfering with the walls and ceiling of this listed palazzo. When walking through an exhibition you are supposed to marvel at the result of the endeavours of the people behind it, so why would the visitor suspect the blood, sweat and tears that were shed behind the scenes to make it happen?

TL # 21

À l’occasion de l’inauguration de l’exposition Urban Stories, qui s’est tenue à Milan dans le cadre de la Design Week 2014, la foule de curieux qui a inondé les magnifiques pièces baroques du Palazzo Litta a probablement été aussi impressionnée par la somptueuse architecture du bâtiment que par l’exposition elle-même, conçue par le studio de design italodanois GamFratesi. Les visiteurs étaient manifestement loin de s’imaginer que Stine Gam et Enrico Fratesi étaient parvenus à apporter leur contribution à cette œuvre collective en une semaine seulement et contre toute attente, en soudant des plaques de métal pour y suspendre des lampes Cheshire et les étonnants mobiles Balance, sans pour autant toucher aux murs ni aux plafonds de ce monument historique.

Si un visiteur qui déambule dans une exposition est censé s’émerveiller devant les œuvres qu’il a sous les yeux, pourquoi irait-il en effet imaginer les efforts acharnés qui leur ont permis de voir le jour ?

2.

1 — L’harmonie était parfaite entre GamFratesi et le Palazzo Litta dans le cadre de l’exposition Urban Stories qui eut lieu durant la semaine du design à Milan / GamFratesi and Palazzo Litta were a perfect match at the Urban Stories exhibition during this year’s Milan Design Week 2 — Basés à Copenhague, Stine Game et Enrico Fratesi font la synthèse entre le design italien et scandinave / Copenhagenbased Stine Game and Erico Fratesi innovate Scandinavian and Italian design 3 — Dans l’esprit de Calder, les mobiles sont une métaphore de la quête d’équilibre au quotidien / Calderesque mobiles emulate the struggle for balance in everyday life 4 — Les chaises Beetle produites pour la marque danoise Gubi / Beetle chairs produced by Danish brand Gubi

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D esigning around adversity In this instance, however, it is important to mention the story behind GamFratesi’s contribution to Urban Stories. Originally, the exhibition was supposed to be held at a former bakery for the military, in the centre of Milan, but when they discovered asbestos in the entrance, new plans had to be quickly drawn up. The decision to move was taken a week before the opening.

The ability to find craftsmen able to build and weld the steel framework that was needed to carry all the Balances and Cheshires that were suspended over the floors of the Palazzo Litta says something about design and craft culture in this part of Italy – but more importantly it says something about GamFratesi. One thing I do know about this duo – after following their career from their stunning debut at the Greenhouse section for emerging talent at the Stockholm Furniture Fair, in 2007, to their triumphant return to the Stockholm fairgrounds as this year’s guests of honour, and after writing the monograph This Is GamFratesi – is that they are not in the habit of taking short cuts.

E x perimenting w ith cross - cultural traditions One could easily imagine a dozen or so exhibition concepts that would have been much easier to build within the limited timeframe that Stine Gam and Enrico Fratesi found themselves faced with at the beginning of April. Their interest in, and skill for creating spaces and exhibitions, emanates from their architectural background. They initially studied to become architects, but along the way, the couple – that met while studying in Ferrara – chose to focus their creativity on design instead, and they adopted the traditional Dan-

3.

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Au fil du temps, ils ont décidé de mettre leur créativité au service du design et se sont définis professionnellement comme des møbelarkitekt (en danois, « architectes mobiliers »). S’il est vrai que cette décision est largement inspirée d’un statut traditionnel aux PaysBas, elle a aussi été prise de manière naturelle, comme l’explique Enrico Fratesi : « Nous avons tenu compte de notre manière de travailler et de notre relation aux matériaux. Il est essentiel de penser un objet par rapport à ce qui l’entoure : ne concevoir que le produit en lui-même est très limité, c’est pourquoi nous préférons envisager également son usager et son environnement. Notre travail a donc davantage à voir avec l’espace : cette méthode ne consiste pas à façonner des produits isolés, mais plutôt à établir des connexions justes, comme c’est le cas en architecture. »

pARIS / SeptembeR 5-9, 2014 / JANuARY 23-27, 2015 pARIS NORd vILLepINte

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Un e renommée internati onale

L’an dernier, à l’occasion de la Triennale de Milan, les auteurs du décor utilisé pour une exposition très appréciée, intitulée Chromatisme danois, n’étaient autres que Stine Gam et Enrico Fratesi. Ces deux derniers se sont en effet inspirés de l’univers créatif de Josef Albers pour créer une harmonieuse toile de fond destinée à mettre un siècle de classiques du design en valeur. Dans leur ville d’origine, à Copenhague, ils ont par ailleurs orchestré la transformation d’un ancien bureau de douane en un restaurant et club de jazz ; c’est d’ailleurs là que le tabouret de bar Beetle, conçu pour Gubi, et la toute nouvelle table TS, tous deux lancés par Gubi au Palazzo Litta, ont fait leur première apparition. La vitesse à laquelle le duo GamFratesi s’est hissé au sommet de la scène internationale du design pourrait laisser croire qu’il a emprunté des chemins de traverse. Il serait toutefois plus approprié de qualifier ces deux designers de perfectionnistes, dans la mesure où leur méthode de travail est méticuleuse et chronophage : à partir d’un nombre incalculable de croquis, les produits sont ciselés dans du papier blanc et maintenus au stade de la conception avant d’être soumis au client et de passer au stade de la production. « Il est très rare que le fabriquant estime que le produit n’est pas réalisable, car il a le privilège de se retrouver devant un concept qui fonctionne », explique Enrico Fratesi. Une formule simple résume une vérité séculaire : le succès ne récompense que ceux qui sont prêts à travailler dur.

ish working title “møbelarkitekt” (furniture architect).

It’s quite Danish, Enrico Fratesi says about the duo’s choice of title, but not completely illogical because “we took into consideration the way we work and the way we connect to materials. It’s very interesting to think of a product in the context of its surroundings. For us it was very limiting to think about just the product. Instead we think of the user and their environment. So our work is more about space. This method is not about modelling, it’s about honest connection. Just like in architecture.”

I nternational recognition Last year, Stine Gam and Enrico Fratesi were the architects behind the much appreciated Danish Chromatism exhibition at the Triennale, where a colour scheme inspired by the creative universe of Josef Albers was used to create a harmonious setting for a display of a hundred years of Danish design classics. But in their home town of Copenhagen they also designed a restaurant and a jazz club in a former customs house, where the Beetle bar stool for Gubi and the brand new TS table – that was launched by Gubi at the Palazzo Litta – first appeared. Considering the speed with which GamFratesi has climbed to the very top of the ranks of the international design scene, it might seem as if they’ve taken a few short cuts along the way. It’s probably more accurate to label this duo as perfectionists. GamFratesi’s work method is painstakingly time consuming and involves endless sketches where products are finely chiseled from blank sheets of paper at the idea stage before finally being presented to a client, and being further developed for production. “It’s very rare if they say it can’t be done,” says Enrico Fratesi “the manufacturers have the privilege of finding something that works.” A humble way of delivering the old truth: success only comes to those who are prepared to work hard.

6.

5 — Casamania décline une palette unique de couleurs pour le plateau roulant Trolley et l’échelle Ladder qui peut aussi servir de valet /Casamania employed a unique palette for the Chariot trolley and Compass ladder vallet stand 6 — La chaise Cartoon pour Swedese est ici combinée à une installation spatiale du dossier Manga, caractéristique de leur design / The Cartoon chair for Swedese was joined by Manga, a characteristic backrest 7 — La table Ts se décline en trois différents modèles / Ts table takes on three different appearances and temperatures

FALL IN LOve IN pARIS… WItH A SOup bOWL

m&O pARIS 5-9 Sept. 2014 / 23-27 JANv. 2015 * À pARIS, tOmbeZ AmOuReux... d’uNe SOupIÈRe

WWW.mAISON-ObJet.cOm

www.gamfratesi.com À lire / To read: Daniel Golling & Gustaf Kjellin, This is GamFratesi, 2014

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INFO@SAFISALONS.FR ORgANISAtION SAFI, FILIALe deS AteLIeRS d’ARt de FRANce et de Reed expOSItIONS FRANce / SALON RéSeRvé Aux pROFeSSIONNeLS / ImAge © eLOdIe dupuIS / deSIgN © be-pOLeS

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Renato Preti : Discipline

After investing in design companies like Moooi, B&B Italia, Unopiù and Skitsch, Renato Preti was ready for a new adventure – so in 2012 he set up his own design company called Discipline. His dual role as investor and brand creator is an opportunity to fulfill his lifelong passion for design.

And there’s a nice link to his father, who made furniture for important architects like Caccia Dominioni.

Renato Preti’s ambition is to build a major Italian design company with the designers of the future, and inject a new vitality into the design sector.

1.

1 — Avec sa collection Cup, Ichiro Iwasaki joue le verre coloré et raffiné / Ichiro Iwasaki’s Cup collection: colourful, refined glassware 2 — Renato Preti, fondateur et directeur général de / founder and CEO of Discipline

2.

Après avoir misé sur des maisons telles que Moooi, B&B Italia, Unopiù et Skitsch, Renato Preti s’est lancé en 2012 dans une nouvelle aventure en fondant sa propre maison d’édition de design, qu’il a baptisée Discipline.

Doublant sa casquette d’investisseur financier avec celle de créateur d’une marque, il a donné vie à la passion qui l’a toujours attaché à la création. Et ce faisant, il a également renoué avec le métier de son père qui fabriquait des meubles pour de grands architectes comme Caccia Dominioni. L’ambition de Renato Preti ? Bâtir une grande firme de design italien avec les designers de demain et redonner au secteur une vitalité nouvelle.

TLmag: Why did you create a new Italian design brand?

Renato Preti: There was a huge opportunity for someone to promote a style of contemporary design that was environmentally friendly with the right mix of innovation and marketing strategies. This had all the potential to be a success and shake up the industry in Italy because, aside from a few rare exceptions, the design sector has been stagnating over the last two decades.

With Discipline I wanted to bring a breath of fresh air and enthusiasm and create a brand that matters, with a strong identity, that was able to stimulate an approach that has suffered through being averse to taking risks.

etc. La devise de Discipline pourrait tenir dans ces quelques mots : qualité des matières premières, élégance et innovation.

TLmag : Sur quels critères avez-vous choisi de collaborer avec la Française Pauline Deltour et le Norvégien Lars Beller Fjetland ?

R.P. : Ils sont tous deux amoureux des matières naturelles, simples et des formes adéquates et fonctionnelles.

Chez eux, il n’y a pas de gadgets bon marché mais un même goût pour un design allant à l’essentiel et trouvant son originalité entre la fonction, l’originalité et la beauté de l’objet.

TLmag : Quelles nouveautés avez-vous présentées au Salone del Mobile de Milan ?

R.P. : Fidèle aux matériaux naturels, nous avons introduit cette année le bois d’eucalyptus, la porcelaine et la pierre et présenté des tables et tabourets en bois d’eucalyptus du studio espagnol Lievore Altherr Molina. Lars Beller Fjetland a créé quant à lui une petite table en chêne et en pierre. Parmi les accessoires, le designer Ichiro Iwasaki a imaginé une série de bols et vases aux formes minimalistes et raffinées en verre et céramique colorés, tandis que Pauline Deltour a réalisé un sac en lin naturel et en peau idéal pour le week-end... Des créations qui ont pour dénominateur

3.

« L a devise de D iscipline pourrait tenir dans ces q uelq ues mots : q ualit é des mati è res premi è res , é l é gance et innovation »

TLmag: Is Discipline the celebration of a marriage between Italian and Scandinavian design?

R.P.: Scandinavian companies adopt an emerging style that is based on simple but creative design, using natural materials. The Scandinavians call this style New Nordic. We call it New Italian because, though it is based on the same values, it draws its strength from Italian roots that cover design,

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3 & 4 — Super Bag : au travail ou en week-end, le sac façon Pauline Deltour n’est que nature : en lin et en peau / a natural choice for work or the weekend: linen and leather 5 — Max Lamb, Last Table 6 — Lars Beller Fjetland, Pomme

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TLmag : Avec Discipline, vous célébrez le mariage entre le design italien et scandinave...

R.P. : Les entreprises scandinaves s’approprient un style émergent, basé sur un design simple mais créatif et utilisant des matières naturelles. Ce style, que les Scandinaves appellent New Nordic, nous avons choisi de le rebaptiser du nom de New Italian style, parce que s’il se base sur les mêmes valeurs, il tire sa force des racines italiennes, celles qui traversent le design mais aussi la mode, la cuisine,

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commun élégance et fonctionnalité, résistance et authenticité. Le tout n’empêchant pas, bien au contraire, l’émotion esthétique.

Propos recueillis par / Report by Françoise Sagano

TLmag : Pourquoi avoir créé une nouvelle marque de design italien ?

Renato Preti : Le design italien offre une grande opportunité pour peu qu’il mette à l’honneur un style contemporain respectueux de l’environnement et du développement durable, qu’il retrouve la conjugaison adéquate entre l’esprit d’innovation et de vraies compétences stratégiques en matière de marketing. C’est ainsi qu’il pourra dépasser avec succès l’immobilisme qui a caractérisé, à quelques rares exceptions près, le secteur de ces deux dernières décennies en Italie. Avec Discipline, je souhaite apporter fraîcheur et enthousiasme et créer une marque qui comptera, dotée d’une forte identité, capable de dynamiser une approche qui a notamment souffert d’être trop conservatrice.

S p e c ia l G u e sts / Dis c ip lin e

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S p e ci al G u e s ts / D i s ci p line

but also different sectors like fashion, food, etc. Discipline’s motto can be summed up in a few words: quality of raw materials, elegance and innovation.

TLmag: On what criteria did you base your decision to work with the French designer Pauline Deltour and Norwegian designer Lars Beller Fjetland?

R.P.: They both love natural materials and simple functional forms. You won’t find any cheap gadgets in their work.

They share the same taste for design that focuses on essential features and the originality of their work is expressed between the function and beauty of the object.

Iwasaki designed a series of refined glass and colourful ceramic bowls and vases in minimalist shapes, whereas Pauline Deltour designed a bag that combines Italian leather with raw linen – ideal for the weekend. These are all objects that share a common thread – elegance and functionality, durability and authenticity, and of course there is also the aesthetic emotion.

TLmag: What did you present at the Salone del Mobile in Milan?

R.P.: In keeping with our philosophy of using natural materials, this year we introduced eucalyptus wood, porcelain and stone, and presented tables and stools made from sustainable eucalyptus wood by Spanish studio Lievore Altherr Molina. Lars Beller Fjetland created a small table in oak and stone. Ichiro

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“ W ith D iscipline I want to bring a breath of fresh air and enthusiasm and create a brand that matters , with a strong identity ”

www.discipline.eu

7.

7 — Roulé : laiton et cuivre s’invitent sur la table / Brass and copper for the table 8 — Sila Collection : au plus près de la nature, le bois d’eucalyptus / closer to nature: eucalyptus wood

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S p e c ia l G u e sts / C h ristop h Th u n - H oh en stein x R ob er t S tad ler

150 ans / years

Propos recueillis par / Interview by Marie Lacire

Le musée des Arts appliqués de Vienne (MAK - Museum für Angewandte Kunst) fête cette année son 150e anniversaire.

Rencontre avec son directeur Christoph Thun-Hohenstein et avec Robert Stadler, acteur du design d’origine viennoise installé à Paris.

photo Jacques Gavard

MAK Vienna

2.

tlmag : Vous parlez d’une année magique. Qu’est-ce qui est si « magique » ?

Christoph Thun-Hohenstein : Pour fêter les 150 ans du MAK, nous avons rénové les collections permanentes du musée et transformé plus de 2 300 m2 d’espace : Asia, Carpets et le Mak Design Lab qui ouvrira le 13 mai 2014, à la date exacte de son anniversaire.

Trois expositions accompagnent ces festivités : 150 years of the MAK – From Arts and Crafts to Design, Way to modernism – Josef Hoffmann, Adolf Loos and their impact et Hans Hollein, à l’occasion du 80e anniversaire de l’architecte. Le MAK Design Lab sera très innovant : il rassemblera les arts appliqués, le design, l’architecture et l’art contemporain. En collaboration avec le studio viennois EOOS, une expérience singulière qui inclura la production artistique, le design industriel, des méthodes de production alternative, la cuisine, l’art de la table et la bande dessinée va naître.

Vienna’s Museum of Applied Arts (MAK - Museum für Angewandte Kunst) celebrates its 150th anniversary this year. We met with its director Christoph Thun-Hohenstein and Vienneseborn designer Robert Stadler, who lives and works in Paris.

TL # 21

tlmag : Les créations de Thonet, Hoffmann, Loos, côtoient le travail d’artistes actuels. Une approche contemporaine ?

C. T. H. : Nous vivons dans une nouvelle modernité, digitale. Il est très important pour cette raison de revisiter ce qui fit la modernité de Vienne dans les années 1900. En ce qui concerne notre collection Asie, elle est l’une des plus importantes d’Europe. Pour la réorganiser, nous avons fait appel à l’artiste japonais contemporain

3.

Tadashi Kawamata. Nous avons trouvé en lui l’artiste-architecte idéal.

Cette installation a ouvert un dialogue incroyable entre les arts appliqués et l’art contemporain. Les visiteurs sont plus proches des objets que lorsqu’ils sont exposés de manière traditionnelle. tlmag : Quelle place accordez-vous aux nouvelles technologies ?

C. T. H. : Les nouvelles technologies ne sont pas une fin en soi mais doivent servir le développement de notre civilisation de manière positive. La rencontre entre design et technologie a conduit à des résultats extraordinaires comme le smartphone ou la tablette.

Il faut considérer ce potentiel énorme tout en gardant une distance critique.

Robert Stadler : Les nouvelles technologies seules ne font pas un projet pour moi. Je ne pars jamais d’une technologie mais d’une idée.

Une technologie de pointe peut servir à répondre à un concept, mais parfois cela peut être aussi une technique ancestrale. Je travaille dans ce sens.

1 — Robert Stadler, chaises Thonet 107 / chairs 2 — Robert Stadler 3 — Christoph Thun-Hohenstein 4 — Robert Stadler, chaises Thonet 214 et Thonet 107 / chairs

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tlmag : En tant que créateur, êtesvous invité aux 150 ans du MAK ?

R. S. : Oui, j’interviens en septembre dans le cadre de l’événement Design Salon, dans le petit château Biedermeier qui appartient au MAK. Une fois par an, ils invitent un designer pour une carte blanche. Mais le projet est encore secret…

C. T. H. : C’est très excitant de travailler avec Robert. Tout en prenant ses distances, il a totalement intégré la tradition du design autrichien. Dans un sens, il est dans la lignée des artistes autrichiens en exil et son intérêt pour le design, l’art, l’architecture, la scénographie et le théâtre est captivant.

R. S. : Il y a toujours un lien aux origines dans le travail que l’on fait. Certaines figures m’ont marqué dans l’histoire du design autrichien, notamment Adolf Loos qui a conçu des chefs-d’œuvre en conservant toujours une distance critique par rapport à ses créations.

Quand j’ai été appelé à réinterpréter la Thonet, la chaise la plus produite de tous les temps, la question était de renouer avec l’idée de base de Thonet qui était de faire une chaise abordable.

Je l’ai appelée 107, la moitié de 214, le nom de la Thonet allemande, car elle est deux fois moins chère. Mais la courbe, elle, est exactement la même.

La 107 fait partie de la collection permanente du MAK. Mon travail, quant à lui, est éclectique. Il n’y a pas de fil rouge esthétique, mais plutôt une approche personnelle. Je suis toujours ailleurs. Mes projets sont multiples, il n’y a pas de permanence.

© Constantin Meyer

Appetizers

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© Aleksandra Pawloff/MAK

S p e ci al G u e s ts / Ch ri s toph Thun-Hohenstein x Rob er t St adler

© Charles Negre

Appetizers

4.

S p e ci al G u e s ts / Ch ri s toph Thun-Hohenstein x Rob er t St adler

TLmag: You talk about a wonderful year. What makes it so “wonderful”?

Christoph Thun-Hohenstein: To celebrate 150 years of MAK, we renovated the museum’s permanent collections and transformed more than 2,300 m2 of space: Asia, Carpets and the Mak Design Lab will open May 13, 2014, to coincide with the date of the anniversary. Three exhibitions accompany these festivities: 150 years of the MAK – From Arts and Crafts to Design, Way to modernism – Josef Hoffmann, Adolf Loos and their impact, and Hans Hollein, to mark the architect’s 80th birthday. There will be some groundbreaking work on show at the new MAK Design Lab: applied arts, design, architecture and contemporary art. Visitors will be treated to a unique experience, conceived in collaboration with Viennese studio EOOS, with themes that include artistic production, industrial design, alternative production methods, table culture and comics.

TLmag: You show works by Thonet, Hoffmann and Loos alongside works by today’s artists. Is this a contemporary approach?

C. T. H.: We live in a new, modern digital age. Which is why it is very important to look back on what was modern in Vienna in the 1900s.

Incidentally, we have one of the most important Asian collections in Europe.

To reorganise it we brought in Tadashi Kawamata, a contemporary Japanese artist. He was the ideal artist/architect for the project. This installation created an incredible dialogue between the applied arts and contemporary art.

Visitors are closer to objects when they are exhibited in a traditional fashion.

TLmag: Have you been invited to participate at 150 years of MAK? R. S.: Yes, I’ll be there in September for the Design Salon at the Geymullerschlossel, a small castle owned by MAK. Once a year they invite a designer who is given carte blanche on a project. But I have no idea what the project is. It’s a secret…

C. T. H.: It’s really exciting working with Robert. His work encapsulates the Austrian design tradition, but it goes a lot further. In a sense, he is part of a tradition of Austrian artists in exile and his interest in design, art, architecture, stage design and the theatre is captivating.

R. S.: There’s always a link to our origins in our work. Some of the great figures in the history of Austrian

design have left a big impression on me, in particular Adolf Loos who created a number of masterpieces while continuing to cast a critical eye over his creations. When I was asked to reinterpret the Thonet, the best-selling chair of all time, it was about reconnecting with Thonet’s original idea, which was to make an affordable chair. I called it 107, exactly half of 214, the name attributed to the German Thonet - because it’s twice as cheap. But the curve is exactly the same. The 107 now forms part of the permanent collection at MAK. My work, meanwhile, is eclectic. There isn’t a recurrent aesthetic theme, but rather a personal approach. I’m always somewhere else. I have a lot of projects on the go, there’s no permanence. www.mak.at www.robertstadler.net

5 — Josef Hoffmann, service à thé / Tea Set, Vienna, 1903 6 — MAK permanent collection Asia 7 — MAK Permanent Collection Asia: Buddha Sakyamuni (Shijia), the historical Buddha in the “Lotus position”, Qing dynasty, 18th century Gilded bronze 5.

6.

7.

TL # 21

TLmag: Where does new technology fit into your scheme of things?

C. T. H.: New technologies are not an end in themselves, but must serve the development of our civilisation in a positive way. This meeting of design and technology has led to extraordinary results like the smartphone or tablet.

You have to consider the enormous potential while observing with a critical eye.

Robert Stadler: New technology is not important in my work. I always start from an idea. Technology is never a starting point, although state-of-the-art technology might be appropriate for a

concept, but then, so might an age-old technique. This is my way of working.

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Photos : © MAK/Georg Mayer

Appetizers

Appetizers

Ph i l o / Yve s M i ch au d

Appetizers

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les marques, les fondations et les musées des grands groupes. C’est aussi une forme de nouveau luxe ?

Y. M. : L’art a toujours été un luxe, aussi bien pour son prix que pour l’initiation requise pour pouvoir y goûter et pour l’éducation qu’on doit accumuler pour le comprendre. Cela a toujours été un marqueur assez sélectif du goût. Si aujourd’hui l’art c’est du luxe et le luxe c’est de l’art, on est tout simplement dans les techniques de renforcement de la marque qui permettent d’ajouter des étiquettes de créativité, d’innovation. Mais, en général, les marques de luxe investissent plutôt dans l’événementiel : le Chanel Mobile Art de Zaha Hadid et les commandes de Cartier à des artistes font partie d’une stratégie de communication et d’événementiel. En revanche, pour les collections d’œuvres d’art, comme celle de Pinault, le temps dira s’il s’agit d’un acte temporaire ou d’un acte patrimonial.

© Armani

Au-delà des objets / Beyond objects

Le luxe des expériences / The luxury of experiences

1.

TLmag : Les marques comme Hermès ou Armani s’intéressent beaucoup à l’univers de la maison et de la décoration. Est-ce aussi une volonté de répondre à une envie de luxe chez soi ?

Y. M. : À partir du moment où il y a cette recherche d’expérience, elle est partout, y compris dans les espaces privés. Du côté des marques, elles cherchent à se positionner sur ce domaine de l’expérience et de l’ambiance tout en déclinant leurs produits. Du côté des consommateurs, on a connu, surtout en Europe, un changement de comportement ces deux dernières décennies. Il y avait dans le temps une consommation d’ameublement qui était soit fonctionnelle, soit patrimoniale, avec les héritages par exemple. Maintenant, toujours dans cette logique de consommation d’ambiance, la demande du design est plus courante.

Et si en plus cela permet d’afficher des marques, c’est également pour l’ostentation, qui reste encore la composante normale du luxe.

TLmag : L’art contemporain est devenu un terrain de jeux de l’industrie du luxe, avec les expositions sponsorisées par

TLmag: What is your definition of “new” luxury?

Yves Michaud: It’s a luxury experience, rather than a luxury object. It can be

TL # 21

La stratégie de montée en gamme des marques, qui banalisent parfois le concept du luxe, cache l’émergence d’un « nouveau luxe », celui de l’expérience. Le philosophe français Yves Michaud s’y intéresse dans son dernier livre, dans lequel il évoque cette quête moderne, où « l’envie d’ambiances » remplace les mécanismes traditionnels d’ostentation.

TLmag : Quelle est votre définition du « nouveau luxe » ?

Yves Michaud : C’est un luxe d’expérience et non d’objet. Cela peut être l’expérience d’un objet,

mais la plupart du temps ce sont des expériences plus diffuses, comme un séjour dans un palace ou un tour en fusée autour de la terre. C’est une sorte d’esthétique de la distraction.

Cela peut retentir sur les objets, mais ils sont aussi au cœur d’une « ambiantalisation » qui passe par le packaging, les conditions de la vente, la décoration des magasins. Quand vous allez chez Hermès, vous achetez l’objet tout en vivant une expérience puisque c’est une boutique, un vaisseau amiral du luxe, et que vous avez le packaging, le rituel de l’achat... C’est pareil quand vous allez dans un restaurant étoilé, vous achetez aussi une expérience.

TLmag : Mais ce phénomène n’est pas vraiment nouveau…

Y. M. : C’est vrai qu’il y a toujours eu une composante « ambiantal » du luxe à travers les fêtes, les feux d’artifice, les couronnements, les grands enterrements, etc. Il y a toujours eu la production de l’expérience. Mais ce qui change, c’est qu’aujourd’hui, avec l’intégration d’autres types de savoirfaire, avec des données visuelles, olfactives et lumineuses, nous sommes dans des expériences très designées.

Behind the strategies implemented by brands to upscale, that sometimes trivialise the concept of luxury, lies the emergence of a “new” luxury: the experience. French philosopher Yves Michaud examines it in his latest book, in which he evokes this “desire for moods” that replaces traditional mechanisms of ostentation.

2.

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the experience of an object, but on the whole it tends to be a broader type of experience, like staying in a luxury hotel or flying around the world. It’s a sort of “aestheticization” of a form of entertainment. This can also have an affect on objects, but they tend to be at the heart of a different ambiance and experience, one that is generated through packaging, the conditions of sale and the design within the store.

When you go to Hermès you buy an object but also an experience, because it’s a store, a luxury flagship no less, and then you have the packaging, the ritual of buying an object... It’s the same when you dine at a Michelin-star restaurant, you’re buying into an experience.

TLmag: But this phenomenon is not really new…

Y. M.: It is true that there has always been an “atmospheric” element of luxury at parties, firework displays, coronations, major funerals, etc. There has always been a spectacle around the experience. But what is changing, is that today, with the integration of other forms of expertise with visual and olfactory data, we have the targeted “experience”.

TLmag: Brands like Hermès and Armani have a vested interest in the home furnishing sector. Is this also a response to a desire for luxury at home?

Y. M.: The moment there is a demand for experiences they are everywhere, including the private domain. For the brands wanting to position themselves © Michel Denancé

© Julien Falsimagne

Propos recueillis par / Interview by Silvano Mendes

P h ilo / Yve s M ic h au d

3.

around ‘experience and ambiance’ it’s all about actual experiences around the product. On the consumer side, there has been a change in behaviour over the past two decades, especially in Europe.

There was a time when people bought or acquired furniture that was either functional, or handed down to them through an inheritance, for example.

Today, demand for design is increasing, which fits in with this pattern of consuming experiences. And if this also allows you to display brands it’s also good for ostentation, which remains the essential component of luxury.

TLmag: Contemporary art has become a playground for the luxury industry, with exhibitions sponsored by brands, foundations, and museums that belong to large corporations. Is this also a form of new luxury?

Y. M.: Art has always been a luxury, because of the prices, the initiation required in order to have a taste of it, and the education that is necessary to be able to understand it. This has always been a fairly selective mark of taste. If art is luxury and luxury is art, this is simply a brand-building technique that allows you to create a perception of creativity and innovation around the product. But in the main luxury brands prefer to go down the events route. Chanel Mobile Art

by Zaha Hadid and artist-commissioned works for Cartier can be found online backed up with communication and event strategies. However, when it comes to collections of art, like those amassed by Pinault, only time will tell if this is something temporary, or whether the intention is to pass it down to the next generation.

À lire / To read: Le Nouveau Luxe – Expériences, arrogance, authenticité, éditions Stock, 2013 18 euros

1 — Le philosophe / the philosopher Yves Michaud 2 — Armani propose, avec son Spa au sommet de son hôtel à Milan, le luxe de l’expérience / Armani Spa offers a luxury experience on the top flloor of the Armani Hotel in Milan 3 — La boutique Hermès de la rue de Sèvres, à Paris, construite dans l’ancienne piscine de l’hôtel Lutetia, joue avec la dimension sensorielle du luxe / The Hermès store on rue de Sèvres in Paris, housed within a former swimming pool belonging to the Lutetia Hotel, plays on the sensory dimension of luxury

Stories

B ra n d S torie s / Eau x d e C olog n e

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Les « Colognes » de / The colognes from

Cologne Par / By Laurence Picot

1 — Flacon aux abeilles, pièce unique de Guerlain pour fêter ses 160 ans. Eau de cologne du Parfumeur enchâssée dans une sculpture de sycomore signée par le maître d’art Etienne Reyssac / The Bee bottle; a unique piece to celebrate Guerlain’s 160th anniversary, encased in a sycamore sculpture by Maître d’art Etienne Reyssac 3 — La bâtisse toujours existante où elle fut créée à Cologne au 4711 de la rue Glockengasse / The building where the perfume was created at 4711 Glockengasse, Cologne

TL TL ##20 21

Stories

Envie de fraîcheur et de légèreté en lieu et place d’un capiteux parfum ? Cela tombe à pic, la tendance remet sur l’avant-scène les eaux de Cologne fraîches.

Non pas qu’elles aient disparu, mais elles s’étaient plutôt effacées au profit d’une foultitude d’essences raffinées plus adaptées à une époque effervescente autour des produits de luxe.

Elles étaient là, sans qu’on en parle. Et puis la vague se retire et, bien plantées sur leurs flacons tout simples, restent les eaux de Cologne qui ravissaient nos grandmères. Tous les parfumeurs, de Cartier à Guerlain, en sortent ou développent leurs gammes anciennes, jusqu’à, pour quelques nouveaux noms comme l’Atelier Cologne, ne se consacrer qu’à la déclinaison des eaux de Cologne.

Patrimoine d’une ville et force olfactive

Tout un chacun ne peut compter que sur une mémoire de trente ans, ce qui représente un don du ciel pour les cabinets de tendances qui jouent sans se lasser à relancer le néo-vintage dans tous les secteurs. Remontons donc le temps, au-delà de la limite biologique, juste pour voir… Rappelez-vous un film culte sorti en 1975, le Rocky Horror Picture Show et cet étrange nombre tatoué sur la cuisse du héros délirant, transsexuel de Transylvania : 4711 – du nom de l’eau de Cologne historique adoptée par les gays aux USA, un signe de reconnaissance…

3.

2 — Le flacon mythique inchangé de cologne 4711 / The original, mythical 4711 cologne bottle

2.

If you’re looking for something fresh and light instead of a heady perfume you couldn’t have chosen a better time. The fresh eau de cologne’s are back in fashion. Not that they ever disappeared, but rather they were eclipsed by a multitude of sophisticated essences that were more appropriate for luxury products in an agitated age.

Colognes have always been there, not that anyone talked about them. The colognes in plain bottles that enraptured our grandmothers have transcended trends. All the perfumers, from Cartier to Guerlain, are bringing out or developing their traditional ranges, and there are even some new names like Atelier Cologne, the first Maison de Parfum dedicated entirely to cologne.

O lfactory force and cultural heritage of a cit y Not everyone is blessed with a memory that goes back thirty years, which is a godsend for the trend forecasting agencies who are constantly toying with reviving a neo-vintage trend that can be applied to every sector.

Let’s go back in time, beyond the biological limit, just to see… Remember The Rocky Horror Picture Show, the cult film that was released in 1975, and the strange number tattooed on the thigh of the delusional, transsexual hero from Transylvania? 4711, the name of the eau de cologne that was adopted by the gay community in the United States; a sign of recognition… This is a far cry from the simple, fresh clean notes of Jean-Marie Farina Extra Vieille …Is cologne sexy or does it conform? Let’s take a closer look. Eau de cologne originates… from the German city. It’s so famous that it has lost its geographical sense! Two legends have developed around its creation. The shared elements narrated here have become a worldwide success story. It all started with an Italian perfume maker, Giovanni Maria Farina, who created a medicine, aqua mirabilis (Latin for miracle water), then started to sell it in Cologne, where he had emigrated… on the back of a mule. He bequeathed the formula to his son-in-law Jean-Antoine Farina, who had established an apothecary in the

Bran d S tori e s / Eau x de C ologne

Nous sommes bien loin du signifiant simple et hygiénique de l’Extra-Vieille Jean-Marie Farina… L’eau de Cologne, sexy ou sage ? Il est temps de remettre les choses à plat. L’eau de Cologne vient… de Cologne.

Tellement célèbre qu’elle en a perdu son sens géographique premier ! Deux légendes accompagnent sa naissance, dont les points communs nous narrent une success story mondiale. Elle aurait débuté avec un certain Italien, Giovanni Maria Feminis, qui aurait conçu en 1695 l’ « Acqua Mirabilis », un médicament, et l’aurait commercialisé à Cologne où il avait émigré… à dos de mulet. Il lèguera la recette à son gendre Jean-Antoine Farina, établi comme apothicaire dans la même ville dès 1709. Une chose est sûre, l’entreprise de l’eau de Cologne Jean-Marie Farina (petit-fils de Jean-Antoine) sera rachetée en 1862 par les Français Roger & Gallet.

Du médicament au parfum

Parallèlement à cette histoire basée sur les archives de la maison française, une autre version narre une aventure allemande où la France intervient bien, avec des soldats de Napoléon. Ayant envahi la ville, ils imposent la numérotation des maisons pour s’y retrouver. C’est au Glockengasse 4711 que se trouvait la fabrique d’eau de Cologne de Wilhelm Mülhens, où elle se situe d’ailleurs toujours. Les uns disent qu’un Italien nommé Farina travaillait chez lui, les autres avancent qu’il s’agissait d’un « me-too » de la formule établie un siècle plus tôt, à partir d’huile de citron, d’orange, de bergamote, de mandarine, de citron vert, de cèdre, de pamplemousse et d’herbes. Le fait est que les soldats rentreront en France avec cette eau de Senteur 4711, ou celle de Farina, et une extraordinaire égérie pour la mode de l’eau de Cologne. Napoléon en utilisait jusqu’à 60 litres par jour, en friction ou en canard (sucre trempé dedans), sur lui et son destrier.

L’historienne Alexandra Brodin précise qu’en « 1811, Napoléon émettra un décret selon lequel toutes les formules médicinales devaient être envoyées et vérifiées à Paris. Mais ni Farina, ni Mülhens ne voulaient révéler le secret de leur ‘Eau de Cologne’. Rusés, ils modifièrent le mode d’emploi et vendirent désormais leur ‘Eau de Cologne’ non plus comme médicament mais comme parfum. » À malin, malin et demi.

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same city in 1709. One thing is certain – Jean-Marie Farina (Jean-Antoine’s grandson) set up a company through which he sold his eau de cologne, which was bought by the French businessmen Roger & Gallet, in 1862.

Photo © Luc Boegly • L’exposition Mémoires Vives est organisée avec le soutien de la Fondation Cartier pour l’art contemporain, placée sous l’égide de la Fondation de France, et avec le parrainage de la société Cartier.

Stories

From medicine to perfume A different story exists, based on archives at the French perfume house. This tells a story of a French military intervention in Germany led by Napoleon and his troops. Having invaded the city of Cologne they began to assign numbers to the buildings so they wouldn’t get lost. Glockengasse 4711 is the building where Wilhelm Mülhens produced his eau de Cologne. And it still exists to this day. Some say that an Italian man called Farina worked there, others advance the theory that it was a “me-too” based on the formula established a century earlier, that used a number of citrus oils, including oils of lemon, orange, bergamot, tangerine, lime, cedar, grapefruit, and herbs. The fact is that, the soldiers returned to France with the scented water (4711) – or was it the one made by Farina?... and so began the extraordinary myth that would help fashion the new eau de Cologne lifestyle. Napoleon and his charger used up to 60 litres per day – it was rubbed into the skin and absorbed on a sugar lump dipped in coffee or brandy.

The historian Alexandra Brodin states that “in 1811, a Napoleonic decree required that all medicines disclose their ingredients, which were to be verified in Paris.

But neither Farina nor Mülhens wanted to reveal the secret of their ‘eau de Cologne.’ They cunningly remarketed the product as a perfume for which no disclosures were required.” There’s always someone cleverer than you somewhere.

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TL # 21

4 — L’eau de Cologne Extra-Vieille de Roger & Gallet (design Martin Szekely) entre ses ancêtres, la verte Eau de l’Empereur Napoléon et la Charlotte Jean-Marie Farina / Eau de Cologne Extra-Vieille, by Roger & Gallet (design Martin Szekely) between its ancestors, the green Eau de l’Empereur Napoléon and Charlotte by Jean-Marie Farina

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Stories

L es champs d ’ e x celle n ce n ’ o n t pas de limites

Le design Sterling design

Le chantier naval ? Il s’agit tout simplement du dernier projet d’Olivier Berking consistant à rebâtir des bateaux dans les règles de l’art alors que tous les chantiers navals européens ferment leurs portes. Il a du Carlo Riva dans le sang cet Allemand du Nord...

Comme lui, il sait s’entourer d’un bien bel environnement et de partenaires à la hauteur de son exigence.

Un monde où passé, présent et futur se conjuguent au même temps.

Par / By Laurence Picot 1.

Un orfèvre historique et une marque automobile, quel étrange mariage… C’est pourtant ce qui vient d’arriver dans une petite ville portuaire du nord de l’Allemagne. Pour célébrer l’événement, la cérémonie a eu lieu dans un chantier naval. Celui de l’orfèvre. Vous suivez ?

One of the most distinguished silversmiths and an automotive brand, what a strange marriage… And yet this union recently took place in a small city port in northern Germany. To celebrate the event, a ceremony was held in a shipyard owned by the silversmith. Are you still with us?

Imaginez un fjord au bord de la mer du Nord et, près de l’eau bleue grise, une large bâtisse remplie de planches en teck ou acajou, épaisses, mais poncées et luisantes. L’odeur délicieuse du bois s’exhalant d’une immense table brute. Dessus, des dizaines de candélabres d’argent, autour, une centaine de chaises transparentes. Les lumières vacillantes des bougies font scintiller une coque effilée de bateau. Et devant, une BMW noire, dont tous les décors sont façonnés en sterling silver. La calandre, les poignées, les accessoires intérieurs, le logo émaillé de bleu et blanc…

Nous découvrons la version la plus luxueuse des modèles sur mesure de la marque automobile allemande.

Pour créer cette option « Individual », que de talents et d’histoires réunis !

Imagine a fjord along the North Sea. Nearby, beyond the greyish blue water, a large building is filled with thick but smooth, finely sanded teak or mahogany planks. The delicious smell of wood exudes from a huge untreated table. Dozens of silver candelabra hang above a hundred or so transparent chairs. A streamlined hull glints in the flickering light of the candles.

And in the foreground there’s a black BMW with a sterling silver trim. Grille, handles, interior accessories, blue and white logos… We discover the German automotive brand’s most exclusive model, a fully customised version. It took a combination of talent and history to create this ‘Individual’ option!

La plus imp ortante orf èvrerie d’ Europe

sterling silver. The cutlery, plates and candlesticks, are all designed, manufactured and finished by hundreds of specialised craftsmen. A visit to the manufacturer imposes to appreciate the precious know-how that each artisan (who transmits his or her knowledge to their apprentice to preserve the secular art) brings to each step of the process. The synchronised rhythm of the hammers on silver sheets (some moulds require 150 hours), and the sight of the silversmiths turning the metal with their strange, giant pliers, caressing the raw forms, leave us speechless. These are the people who brought the elegant dream – so dear to the management team at BMW – to life. They wanted to harness the qualities of the most exceptional craftsmen to marry an exclusive finish with high technology for their exclusive vehicle. Two family firms, two fields of expertise for a return to the days when chassis’ were crafted by master craftsmen at the beginning of the automobile era.

F ields of e xcellence have no limits And the shipyard? A new project overseen by Olivier Berking, who aims to rebuild boats according to principles laid down a hundred years ago, while all the European boatyards are shutting down. He knows how to surround himself with a beautiful environment and partners that can meet his demands. A world where past, present and future come together at the same time. https://robbeberking.com BMW Individuals, www.bmwgroup.com

1 — La poignée martelée, série 7 Individual BMW / The beaten silver handle, BMW Individual 7 Series 2 — Détail du travail de martelage / Detail of silver hammering 3 — La calandre avant faite main en sterling silver / The front grille, handmade, sterling silver 4 — Pose délicate de l’habillage de la poignée / Carefully fitting the door handle 5 — Insert intérieur pour le contraste du cuir lisse et de l’argent / Interior trim for the contrast of smooth leather with silver

4.

TL # 21

Olivier Berking, héritier de l’orfèvrerie fondée en 1874, est un fanatique de l’argenterie, des voitures et des bateaux. Il continue à diriger la discrète entreprise familiale Robbe & Berking, toujours installée à Flens-

T he most important silv ersmith in Europe Olivier Berking, heir to the silversmith legacy founded by his great great grandfather in 1874, is fanatical about silverware, cars and boats. He still runs the discrete family firm, Robbe & Berking, from Flensburg.

Not only is it the largest manufacture in Europe, it is also one of the last, and the only one that specialises in

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burg. C’est non seulement la plus importante fabrique d’Europe, mais aussi l’une des dernières en exercice et la seule spécialisée en argent sterling. Les couverts, plats, chandeliers, tous sont conçus, fabriqués et finis par les centaines d’artisans spécialisés. Une visite de la manufacture laisse apprécier le savoirfaire, chacun des artisans se dédiant à une étape du processus en étant accompagné d’apprentis pour préserver et transmettre le métier séculaire. On reste pantois devant ceux qui martèlent avec un rythme de métronome les plaques d’argent, ceux qui prennent 150 heures pour réaliser chaque moule nécessaire ou ceux qui tournent les coupes avec leurs étranges pinces géantes, caressant les formes brutes. Ce sont eux qui ont donné vie au rêve d’élégance des dirigeants de BMW, souhaitant ici réunir au travers d’une finition exclusive les qualités du plus rare artisanat d’excellence et la haute technologie de leur véhicule.

Deux entreprises familiales, deux champs d’expertise pour un retour aux sources des bolides carossés par les maîtres au début de l’ère automobile.

Robbe & Berking

B ra n d S torie s / R ob b e & B erkin g

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3.

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Excellence & Creation

I n sid e th e Ma n u fac tu re / G la ssworks

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Manufactures de verre en / Showcasing Glassworks in Europe De / From 2.

Porshinger à / to Lasvit

par / by Adam Štěch – Okolo Magazine

Les designers contemporains réinterprètent l’artisanat en évaluant et en expérimentant les techniques de production traditionnelles. Comment la dernière vague de designers collabore-t-elle avec les verreries traditionnelles ?

Contemporary designers interpret crafts by experimenting with and evaluating traditional production techniques. How do the current crop of designers collaborate with the traditional glassworks?

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Excellence & Creation

1 — Suspensions Moulds de Jan Plecháč et Henry Wielgus, lancées sur le salon de Milan. Leur forme est inspirée du processus de soufflage de verre dans le moule / Moulds suspension lights, designed by Jan Plecháč and Henry Wielgus, were presented this year at the Salone del Mobile in Milan. Their form is inspired by the process of glass blowing into moulds 2 & 3 — Les tables Bell de Sebastian Herkner pour Classicon sont produites par la manufacture verrière Porshinger, une entreprise familiale bavaroise fondée en 1568 /The Bell tables by Sebastian Herkner for ClassiCon are produced at the Porshinger glassworks, an old Bavarian family-run company, founded in 1568 4 — Production chez Lasvit, en République tchèque, de la collection des contenants et des vases en verre conçue par le studio japonais Nendo / Production at Lasvit in the Czech Republic of Patchwork collection of glass bowls and vases designed by Japanese studio Nendo

Excellence & Creation

In s i de th e Man u factu re / Glasswor ks

Sebastian Herkner à propos de Classicon et P orshinger

« L’idée pour les tables en verre Bell m’est venue en 2008. L’aspect le plus difficile de l’ensemble du projet fut de trouver un bon atelier de verrerie et des artisans doués », admet Sebastian Herkner, designer basé à Francfort, qui nous décrit le processus de prototypage des tables : « Finalement, quelqu’un m’a recommandé Porshinger, la verrerie familiale la plus ancienne au monde. » Cette petite marque bavaroise existe depuis 1568. C’est là que Sebastian a fait ses premiers prototypes – c’était la première fois qu’il mettait le pied dans un atelier verrier. « Ce fut très rapide. Je devais avoir un produit fini pour Salone Satellite, où j’exposais en avril 2009. Je leur ai simplement envoyé les dessins, Porshinger créa les moules, et j’ai reçu les premiers prototypes tout juste quatre jours avant l’ouverture du show à Milan » raconte Sebastian, songeant au fiévreux processus de développement. Les tables Bell, aux pieds en verre soufflé supportant des plateaux en cuivre, furent sélectionnées par ClassiCon pour sa collection de mobilier. « ClassiCon a laissé la production aux mains talentueuses des artisans de la verrerie Poshinger, ce qui me donna l’occasion de visiter la manufacture à de nombreuses reprises pour surveiller la production. C’est une remarquable occasion que de pouvoir travailler avec des maîtres verriers si talentueux. Toute la connaissance et la compréhension du travail du verre que j’ai acquises, je les dois aux travailleurs de Poshinger » en conclut-il.

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S ebastian H er k ner on C lassicon and P orshinger "My idea for the Bell glass tables came about in 2008.

Finding a good glass manufacturer and skilled craftsmen was perhaps the hardest part of the whole project for me," admits Frankfurt-based designer Sebastian Herkner, who talks us through the process of prototyping the tables: "Finally someone recommended Porshinger glassworks to me, which is the oldest family-owned glassworks in the world." This small Bavarian brand has been in existance since 1568. Sebastian produced his first prototypes there – it was the first time he had set foot inside a glass factory. "It was very quick. I had to have a finished product for the Salone Satellite, where I exhibited in April 2009. I only sent drawings to them, Porshinger created the moulds, and I received the first prototypes about four days before the show opened in Milan, " says Sebastian, reflecting on the hectic development process. The Bell tables – hand blown glass bases supporting brass metal tops – were snapped up by ClassiCon for their furniture collection. "ClassiCon left the production of the tables in the capable hands of the craftsmen at the Porshinger glassworks, which gave me the opportunity to visit the glass factory on numerous occasions to oversee their production. It’s great to be able to work with such skilled glassmakers. All the knowledge and insight that I have gained on glass production can be attributed to the people at Porshinger,"concludes Sebastian.

ROCKGROWTH, ARIK LÉVY

CIRCULAR BENCH, LUCILE SOUFFLET

NYMPHÉA, MARC AUREL

ICILA, CÉCILE PLANCHAIS

ONDINE, MICHAËL BIHAIN & CÉDRIC CALLEWAERT

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SOFT BENCH, LUCILE SOUFFLET

Combiner l'expertise du créateur avec la force de production de l'industriel / Combining the creative drive with the strength of the industrial production TL # 21

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5 — Installé à Francfort, Sebastian Herkner est actuellement l’un des jeunes designers allemands les plus prometteurs / Frankfurt-based Sebastian Herkner is currently one of Germany’s most successful young designers 6 — Olivier Holy, CEO de l’entreprise munichoise ClassiCon / Oliver Holy, CEO of Munich-based furniture company ClassiCon 7 — Les éclairages Bell, conçus par Herkner pour ClassiCon en 2013, sont inspirés des spots et réflecteurs. Les abat-jours modulables sont faits de cuivre, d’acier ou de textile influençant l’atmosphère, la tonalité et la couleur produites par la lumière de la lampe. Les tables Bell combinent une base en verre soufflé à la bouche avec un plateau en cuivre ou en laiton / Bell lights, designed by Herkner for ClassiCon in 2013, are inspired by spotlights and reflectors. The changeable lampshades are made of copper, steel or textile and influence the atmosphere, temperature and colour of light emanating from the lamp. Bell tables combine a handblown glass base with copper or brass tops

Mobilier urbain / Urban furniture Art & Design www.tolerie-forezienne.com

GRAPHIC DESIGN : JUSTINE ROBERT / PRO MATERIA, 2014

Excellence & Creation

I n sid e th e Ma n u fac tu re / G la ssworks

L e o n J akimi č , l’ e n trepre n e u r passi o n n é de L asv it et M a x im Velč ovsk ý, directe u r créatif

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8 — La nouvelle collection 2014 de Lasvit inclut aussi cette suspension Ice sur un design de Daniel Libeskind / New 2014 collection of Lasvit includes also this Ice lighting piece from Daniel Libeskind 9 — Installation cinétique Alice, une création de la Tchèque Petra Krausová / Alice kinetic installation designed by Czech Petra Krausová 10 — Kůra est un objet de lumière cinétique, un design de l’artiste visuel tchèque Jakub Nepraš / Kůra is a lighting and kinetic object created by Czech visual artist Jakub Nepraš 11 — Arik Levy a créé Crystal Rock pour Lasvit, une collection de suspension de lumières colorées / Arik Levy designed Crystal Rock for Lasvit, a collection of coloured suspension lights 12 — Leon Jakimič, fondateur et CEO de Lasvit / Lasvit founder and CEO Leon Jakimič

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L’industrie du verre tchèque connaît à l’heure actuelle une sorte de renaissance, en particulier du côté de la production et de la conception. Lasvit, un important éditeur et fabriquant d’éclairages contemporains sur mesure, fondé en 2007 par l’entrepreneur Leon Jakimič, représente l’avant-garde de cette résurgence de la production de verre. « J’aime l’artisanat tchèque traditionnel et Lasvit constitue un pont entre ces anciennes techniques et le monde du design contemporain », explique le designer Maxim Velčovský, qui est également le directeur créatif de Lasvit. « Nous travaillons en collaboration avec d’excellents designers tels que Arik Levy, Maurizio Galante, Ross Lovegrove ou Nendo, avec qui nous tentons d’établir des relations de longue durée. » Les objets créés par Nendo pour Lasvit sont basés sur des techniques traditionnelles et sur leur application naturelle dans un nouveau contexte. « Le travail le plus difficile de cette dernière année fut la fabrication de la dernière collection intitulée Patchwork, que nous avons présenté à la galerie Dilmos à Milan l’année dernière. Nous avons travaillé avec deux des meilleurs souffleurs de verre au monde pour ce projet », déclare Maxim Velčovský. La collection fut produite par la verrerie Ajeto à Lindava en Bohème du nord, en collaboration avec les maîtres verriers Martin Janecký et Jiří Pačínek. « Les pièces finales étaient faites d’une variété d’anciens objets de verre décorés de motifs traditionnels en verre coupé, ouverts et dont les pièces étaient réarrangées », ajoute Maxim à propos de cette interprétation unique de l’héritage du verre tchèque.

Cette année, Lasvit présentera à Milan les fruits de nouvelles collaborations, incluant de nouveaux projets avec Maarten Baas et Daniel Liebeskind.

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L eon J a k imi č , L as v it ’ s passionate entrepreneur and M a x im Vel č o v s k ý , creativ e director The Czech glass industry is experiencing a renaissance of sorts, especially the production and design side of things. Lasvit, a leading designer and manufacturer of custom contemporary light fittings, founded in 2007 by entrepreneur Leon Jakimič, is at the vanguard of this resurgence in glass manufacturing. "I love traditional Czech crafts and Lasvit helps to bridge the old techniques and the world of modern design," says designer Maxim Velčovský, who is also the creative director at Lasvit. "We work with leading designers such as Arik Levy, Maurizio Galante, Ross Lovegrove or Nendo, with whom we tend to establish long-standing relationships." Nendo's objects for Lasvit are based on traditional techniques and their natural application in the new context. "The toughest job last year was to manufacture the latest collection called Patchwork, which we presented at the Dilmos gallery in Milan last year.

We worked with two of the best glassblowers in the world on this project," states Maxim Velčovský. The collection was produced at the Ajeto glassworks in Lindava, in northern Bohemia, in collaboration with master glassblowers Martin Janecký and Jiří Pačínek. "The final pieces were made by reheating a variety of old glass objects decorated with traditional cut glass patterns, slicing them open and then rearranging the pieces," says Maxim about this unique interpretation of Czech glass heritage. This year, Lasvit will present the fruits of new collaborations in Milan again, that include new projects with Maarten Baas and Daniel Liebeskind. www.classicon.com www.lasvit.com

13 — Maxim Velčovský, directeur artistique de Lasvit / Maxim Velčovský, art director at Lasvit 14 — Collection Patchwork, un design de Nendo, 2013 / Patchwork collection designed by Nendo in 2013

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N ew Ta len ts / Oska r Z ieta

Le métal sublimé par un processus de design contrôlé / Metal modified through precision-controlled design

Oskar Zieta

Par / By Lise Coirier

Oskar Zieta est sans doute le designer polonais le plus renommé hors de ses frontières. Il est aussi « Head of Industrial Design » de la New School of Form à Poznań créée en 2010 par Li Edelkoort, poursuivant ainsi sa trajectoire ambitieuse d’innover, de créer, de produire, de vendre et de transmettre son savoir. Protagoniste de ses propres inventions en métal gonflé, il n’hésite pas une seule seconde à en faire la démonstration dans le cadre de performances où le métal passe de l’état 2D à l’échelle tridimensionnelle. Il est d’ailleurs l’invité d’honneur du 5e anniversaire de TLmag organisé à l’occasion du Rendez-vous de la Matière à Paris.

Alliant recherche, développement et innovation, Oskar détient à la fois la force de créer et de produire grâce à son entreprise familiale implantée à Wroclaw.

Opérant au cœur de Zieta Prozessdesign, l'équipe qu’il dirige avec sa sœur Maja est multidisciplinaire, composée d’architectes, de designers, d’ingénieurs et de spécialistes en technologies de pointe. Oskar relève le défi de créer de nouveaux produits tout en cherchant des solutions optimales pour des clients qui s’adressent à son entreprise dans le champ de l’art, du design et du travail à façon.

Légèreté, durabilité, efficience, effet de surprise, Oskar fait face au monde du futur et met en pratique les hautes technologies pour personnaliser ses propres produits et ceux de ses clients. Le custom made industriel est la clef de son succès, que ce soit au niveau de la forme, de la fonction, d’une pièce unique ou d’une série limitée. Cela va jusqu’à tendre vers la série industrielle, avec un résultat sous contrôle qui laisse apparaître un caractère aléatoire malgré l’intervention d'une machine bien programmée à l’avance.

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1 — Oskar Zieta au cœur de sa collection 3+ avec un tabouret Plopp / Oskar Zieta with his his 3+ collection handling a Plopp stool 2 — Nouveau projet / New project Steel in Rotation, 2014

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Oskar Zieta is arguably one of Poland’s most renowned designers. He is also Head of Industrial Design at the New School of Form in Poznań (2010) created by Li Edelkoort, where he continues his ambitious path to innovate, create, produce, sell and pass on his knowledge. The chief architect of his own successful inventions (inflatable metal), he doesn’t hesitate for a second when asked to demonstrate how metal transforms into a three-dimensional state. He is also the guest of honour at Rendez-vous de la Matière in Paris, as part of the 5th anniversary celebrations of TLmag.

Combining research, development and innovation, Oskar’s strength is his family business based in Wroclaw, which allows him to create and produce. At Zieta Prozessdesign, which he runs with his sister Maja, he surrounds himself with a multidisciplinary team composed of architects, designers, engineers and cuttingedge technologists. Oskar takes up the challenge of creating new products while seeking optimal solutions for clients, whether it be a piece of art, design or contract work.

Lightness, durability, efficiency, surprising effects…Oskar has got his sights set firmly on the future and uses advanced technologies to customise his own products and those of his customers. The custom made, industrial approach, which applies to form, function, a unique piece or limited edition run, is the key to his success. The outcome is under control but there is still a margin of randomness that can slightly change the appearance, despite the intervention of a preprogrammed machine.

H I G H P E R F O R M I N G , U LT R A L I G H T I N F L A T E D M E TA L Recognised and distributed all over the world, Plopp, launched in 2009, a product created using the FiDU technology he developed during his research at ETH University in Zurich in 2007, is probably Zieta’s most iconic collection. The challenge had been for him to take advantage of steel, or stainless steel, as a construction element and optimise its stability, its price, its form and function. This led to the discovery of two outstanding technical solutions: FiDU Bridge

L e métal g o n flé u ltra léger , se n sible et perfo rma n t

Connu et distribué mondialement, Plopp, sans doute la collection la plus iconique de Zieta, est lancée en 2009 et réalisée à partir de la technologie FiDU que le designer élabora lors de ses recherches à l’université ETH de Zurich (2007). Le défi a été pour lui de tirer partie de l’acier ou de l’inox comme élément de construction et d’optimiser sa stabilité, son prix, sa forme et sa fonction. Il en découla, entre autres, deux prouesses techniques, FiDU Bridge (6 m, 174 kg) et FiDU Ball (4,8 m haut). Zieta décrit FiDU comme « une technologie permettant de produire des objets ludiques. Elle s’applique aussi bien à un mode de

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Excellence & Creation

Ne w Tal e n ts / Os kar Zi et a

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A pr è s F i D U , la c o llecti o n 3 + i n spirée d u jeu de meccano

(6 m, 174 kg) and FiDU Ball (4,8 metres high). He describes FiDU as “a technology that enables you to produce playful objects. It can be just as effective when applied to a series of mass-produced inflatable metal items or unique, artistic pieces like the Crater sculptures by Arik Levy. From the perspective of the industrial process, FiDU (from the German “Freie-InnenDruck-Umformung”, or Free Inner Pressure Forming) allows you to customise the production starting from two shapes cut from sheets of metal (either steel or stainless steel) which are subsequently bent at an angle then deformed under internal pressure (water, oil, air) controlled by a machine. Transforming (inflating) a two-dimensional shape so that it becomes a threedimensional object, is a way of stabilising the material which becomes rigid and durable. The result is an astonishing, ultra lightweight product that aesthetically integrates into our contemporary lifestyles. Like us, the object travels from place to place, interacts and is at the forefront of technology.” Oskar has set his sights high: FiDU can also help to create industrial products, but also architectural elements for facades and public spaces, and even aerodynamic applications for the aerospace industry. Zieta, with its process to easily create forms using FiDU, clears the path for the full recyclability of the raw material and a possible future for “upcycling”, which will lead to energy savings through “flat pack” packaging solutions, and will contribute to a lowering of CO2 emissions due to the optimisation and reduction in weight of the material.

T he 3+ collection inspired by Meccano For his new collection, 3+, that was launched at Most Salone in Milan last year, Oskar has developed a perforated steel sheet sandwich that, from a series of standard modules comparable to a real game of Meccano, allows him to explore the world of modern construc-

l’équipe de production, il propose ainsi une collection tout aussi versatile qu’avec la technologie FiDU. Elle est malgré tout beaucoup plus flexible et modulable lorsqu’il s’agit d’aménager des espaces privés et professionnels. On peut imaginer 3+ comme un nouveau système de bureau ou de bibliothèque, facile à monter et à combiner grâce à des panneaux à monter soimême et customisables à souhait.

tion systems. Working closely with his design studio, engineers and production team, he has come up with a collection that is as versatile as FiDU technology. It certainly provides more flexible and modular results when it comes to designing private and professional spaces. One can imagine 3+ as a new, easy-to-assemble office desk or shelving system that you can customise to your heart’s content.

Z ieta , u n e mar q u e de desig n s u r u n mar ché glo bal

Z ieta , a design brand w ith a global reach Even if the northern Europeans were the first to embrace his products back in 2008 - companies like Magazin, HAY, Manufactum or Stilwerk - Zieta quickly realised that if he wanted his business to compete on a global market, his distribution would have to be on a global scale. He also opted to remain open to collaborations; not just for producing own collections, but also those of designers and artists where he was able to stretch himself and rise to different types of technical (and aesthetic) challenges. Co-creation is probably one of the keys to his success. He manages to convince designers like Ross Lovegrove or Arik Levy to produce remarkable pieces of work using his inflatable metal technique in Poland. It’s no secret that to achieve that level of excellence you need a fully-fledged production site.

There is also the market for art and design as well as art installations - sources of even more freedom and experimentation for Zieta, who is busy creating exceptional pieces for Toolsgalerie in Paris: the Plopp stool and Chippensteel chair in copper, aluminium and other materials. Oskar’s multi-faceted profile contains all the elements to surprise us now and for many years to come. http://www.zieta.pl

3 — 3+ collection, un système de Meccano offrant des combinaisons multiples pour son intérieur / a system inspired by Meccano with multiple interior design combinations, 2014 4 — Plopp collection, la technologie FiDU offre une kyrielle d'options pour faire gonfler le métal / the FiDU technology offers a range of options to inflate metal 5 — Le stand itinérant d'Architonic, créé par Zieta / The travelling Architonic booth, designed by Zieta, 2013

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Avec sa nouvelle collection 3+ qu’il a lancé au Most Salone à Milan en avril dernier, Oskar a mis au point un matériau sandwich en acier qui lui permet avec des points de perforation d’explorer l’univers des jeux de construction grâce à une série de modules standards comparables à un vrai jeu de Meccano. Travaillant en tandem avec son studio de design et ingénierie et

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Même si le marché au nord de l’Europe a accueilli en primeur ses premiers produits dès 2008 comme Magazin, HAY, Manufactum ou Stilwerk, Zieta a rapidement compris que la distribution devait se faire à l’échelle mondiale afin d’inscrire son entreprise sur un marché global. Il a aussi pris le parti de rester ouvert aux collaborations pour ne pas réaliser seulement ses propres collections mais aussi des créations de designers et d'artistes dont l’audace lui permet de relever des défis tant techniques qu’esthétiques. La cocréation est sans doute une des clefs de son succès. Il arrive à faire venir en Pologne des designers comme Ross Lovegrove ou Arik Levy pour réaliser des prouesses en métal gonflé. Pas de secret, il faut un vrai site de production pour arriver à atteindre ce niveau d’excellence.

Le marché de l’art et du design ainsi que les installations artistiques, sources de liberté et d’expérimentation, intéressent également Zieta. Pour créer des pièces d’exception, il développe, entre autres pour Toolsgalerie à Paris, le tabouret Plopp, la chaise Chippensteel en cuivre, aluminium et autres matériaux.

Oskar a donc un profil multi-facettes qui a tout pour nous surprendre aujourd’hui et demain.

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production en série de pièces en métal gonflé qu’à des créations plus artistiques et uniques comme les sculptures Crater d’Arik Levy. Du point de vue du processus industriel, FiDU (de l’appellation allemande “Freie-Innen-Druck-Umformung”, ou Free Inner Pressure Forming) permet de customiser la production en partant de deux formes coupées dans des feuilles de métal, soit de l’acier ou de l’inox, qui sont ensuite pliées aux angles puis déformées sous une pression interne (eau, huile, air) contrôlée par une machine. La transformation par soufflage d’une forme 2D en un objet en 3D permet de stabiliser la matière qui devient de fait rigide et durable. Le résultat est étonnant, ultra léger et esthétiquement intégré à notre mode de vie contemporain où l’objet devient comme nous nomade, interactif et à la pointe du progrès. » Oskar voit grand : FiDU permet de créer non seulement des produits industriels mais aussi des éléments architecturaux pour les façades et l’espace public, et va jusqu’à avoir des applications aérodynamiques dans l’industrie aérospatiale. Finalement, avec FiDU et l’expansion de formes planes sans rebus, Zieta ouvre la voie à une totale recyclabilité de la matière première, à un possible « upcycling », à des économies d’énergie grâce à des emballages « flat pack » et à une réduction de la concentration atmosphérique en CO2 grâce à un poids de matière optimisé.

N ew Ta len ts / Oska r Z ieta

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Vous

Ne w tal e n ts / Pol i s h D e sign

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connaissez-vous... ? / Have you met...?

/ Poznajcie...?

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Matylda Krzykowski

curatrice / curator & designer « Mon engagement est nourri de ma propre connaissance et de celle des designers avec lesquels je collabore » “My commitment is to feed off my own knowledge and that of other designers I work with”

Autour du design en Pologne / Emerging Polish design scene Reportage de / Report by Matylda Krzykowski

Lorsque vous allez à une soirée ou un vernissage, vous rencontrez des gens très différents. On vous présente à certains, vous vous présentez à d’autres.

Vous pouvez rencontrer par hasard une personne qui a une histoire fascinante, une vue intéressante sur les événements ou avoir une plaisante conversation sur des sujets mondains. Imaginez-vous une rencontre dans un contexte quelconque hors du cadre du travail. La première chose que les gens demandent, essentiellement par politesse, est : « Que faites-vous dans la vie ? » Ne confondez pas « que faites-vous dans la vie ? » avec « racontez-moi votre histoire ». Cependant, nous aimons rencontrer ce qui ne nous est pas familier.

Depuis l’exposition Cold War Modern en 2008 au V&A, et l’exposition Chcemy być nowocześni (en français : « Nous voulons être modernes ») en 2011 au musée national de Varsovie, la Pologne est devenue un grand sujet de conversation. Le monde a découvert l’héritage culturel du bloc de l’Est. Depuis, j’ai vu d’innombrables présentations d’un objet, d’un produit, chacun ayant pour but de raconter une histoire. Il est clair que le design fait partie de la vie quotidienne et qu'il va au-delà de la simple chose physique, car il a quelque chose de plus, et plus encore à découvrir. À la soirée que j’ai moi-même organisée, je présente en quelques mots un éventail de faiseurs de culture contemporaine, qui se trouvent être justement polonais. Certains spécialistes en design, d’autres en sociologie, en art, en artisanat, d’autres encore sont critiques. Certains travaillent dans des entreprises grand public, d’autres pour des entreprises spécialisées ou pour des projets qu’ils ont eux-mêmes initiés. Pour la plupart, leur passion et leur survie dépendent de la création et de nouvelles initiatives, ou du fait de tout tenter pour continuer à faire marcher cet idiome populaire qu’est le design.

N ew ta len ts / Polish D e sig n

Matylda a développé une expérience importante en tant qu'entrepreneur, curatrice, manager de projet et designer. Elle a créé en 2013 son bureau Matylda Krzykowski à Maastricht, un studio transdisciplinaire qui lui permet de regrouper l'ensemble des projets et collaborations qu'elle initie. Matylda est actuellement partie prenante de l'institut Jan van Eyck actif dans le domaine des beaux-arts et du design. Elle a sélectionné et rédigé pour TLmag ces pages autour de la scène créative polonaise.

When you go to a party, a vernissage or an opening, you meet a diverse selection of people. Some you are introduced to, others you introduce yourself to.

You might randomly meet someone with a fascinating story, an interesting take on some happening, or have a nice conversation around an everyday topic.

Think of it like meeting somebody at random in a non-work context. The first question people ask, usually out of politeness is, ‘What do you do?’ Do not confuse ‘What do you do?’ with ‘Tell me your life story’. However, we do like being confronted with things we might not be familiar with.

Since the Cold War Modern exhibition at the V&A, in 2008, and the We want to be modern exhibition at the Museum of Modern Design in Warsaw, in 2011, everyday design in Poland has become a hot topic of conversation. The world has been introduced to the cultural heritage of the eastern block. Since then, I have seen countless presentations that focus on the object, the product, each aiming to tell a story. It’s a fact that design has entered many facets of daily life and has developed many levels that suppress the limitations of a physical something, because there is more to it and more to discover. I am at my own party and briefly introducing an interval of contemporary culture makers that just happen to be Polish. Some of them specialise in design, others in sociology, art, craft or criticism.

Some work for mainstream companies, others for specialist companies and self-initiated projects. For most, survival depends on creating new initiatives or trying anything to keep that popular idiom of design going.

Matylda has extensive experience as a design initiator, curator, project manager and designer.

In 2013 she founded Bureau Matylda Krzykowski, a transdisciplinary practice that brings all her initiated projects and collaborative activities under one roof. Matylda is currently a participant at the Jan Van Eyck Academy Maastricht, a multiform institute for fine art and design. she has compiled and written the following pages for TLmag's special report on the Polish creative scene.

Pour en savoir davantage sur les champs de recherche de Matylda dans le design / For more info on Matylda's fields of design research:

1 — L’exposition Offline d’Okoko à Dépôt Basel, un lieu de promotion du design contemporain, 2014 / Okolo Offline exhibition at Depot Basel, place for contemporary design, 2014 2 — Bristle & Horn for Passionswege Vienna, 2012 3 — Segel & Krzykowski, photographie et direction artistique / photography and art direction, depuis / since 2012 4 — MATANDME, un blog online couvrant les problématiques actuelles du design / a monumentum of current issues around design, depuis / since 2007

http://matyldakrzykowski.com

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Agata Nowotny

Ania Rosinske & Maciej Chmara

« Mon tuteur m’a demandé s’il s’agissait toujours d’un mémoire de sociologie ou de science fiction » “My reviewer asked me if it was still a sociology dissertation or science fiction”

« Nous essayons de conserver un langage formel très simple, afin qu’il soit facile à comprendre, tout en travaillant avec intensité sur les détails et la communication de nos objets » “We try to keep the formal language very simple, so that it can be easily understood, while working hard on the details and the communication of our objects”

sociologue / sociologist

« à l’origine, j’étais intéressée par la façon dont l’esthétique façonne et influence le mot social, mais je me suis mise au design, qui me semblait être bien plus intéressant et complexe », explique Agata Nowotny, qui choisit de devenir sociologue pour avoir l’opportunité de travailler de manière interdisciplinaire. Elle finira cette année son doctorat, une investigation du rôle social du design en tant que motif social récurrent. « Je commence par déconstruire l’idiome populaire du design, ce qui nous fait percevoir le design comme chose qui n’est “pas seulement belle, mais aussi fonctionnelle”. Je poursuis en disant que la manière de décrire le design est dépassée, mais que nous manquons encore de nouveaux termes pour décrire ce que les designers font quand ils créent un design. » Agata enseigne également à la School of Form depuis que l’école de design a ouvert à Poznan en 2011. « J’aimerais étirer un peu le cadre éducatif et penser ou concevoir à nouveau le système scolaire. J’aime expérimenter dans différents champs et perspectives, et c’est pourquoi nous enseignons toujours ensemble, sociologues et designers. » L’année dernière, elle a développé, en collaboration avec la sociologue Monika Rosinska, une conférence nommée Invisible DESIGN. Elle a pour but d’être une plateforme interdisciplinaire centrée sur les aspects invisibles du design. Il s’agit d’un espace et d'un évènement où les designers et les chercheurs, scientifiques et activistes peuvent se rencontrer, échanger des idées et travailler ensemble. L’évènement de cette année, qui prendra place en novembre, sera basé autour du mouvement, de la mobilité et du changement. « Je recherche des tendances émergentes – le nouvel état d’esprit du design. Je conclue en essayant de trouver une échappatoire au modernisme, que je trouve dans la déconstruction des tendances et dans l’immense corrosion de la propriété dans le système. »

à la fin de leurs études, Ania Rosinke et Maciej Chmara travaillaient sur un livre sur l’architecture polonaise au xxe siècle. L’éditeur, résidant à Vienne, les invita à séjourner dans son petit appartement. Ils acceptèrent l’offre et tombèrent amoureux de la ville. Le raisonnement se trouvant derrière leurs idées constitue la majeure partie de leur processus de création de design. Par exemple, pour Wäscheflott, fabriquant de chemise sur mesure à Vienne, la garde-robe n’était en fait qu’une petite partie du projet, car ils travaillaient sur l’identité de la compagnie. « Nous avons discuté avec le propriétaire afin de trouver tout ce qui était possible de savoir sur la façon dont les chemises étaient faites, y compris le processus d’essayage, dans le but d’analyser la manière dont nous pourrions aider la boutique à créer une meilleur expérience pour le client.

L’idée de la garde-robe est ce qui en a résulté. » Les deux designers ont un faible pour les magasins de bricolage et de décoration et achètent quantité de designs anonymes.

Ils aiment incorporer ces objets dans leur travail. « Des techniciens ont probablement décidé intuitivement de concevoir l’objet d’une façon particulière, sans accorder trop d'attention à la beauté ou à la nuance de couleur qui serait la plus appropriée. Et ces objets se trouvent dans des millions de magasins. Tout le monde reconnaît ces éléments, ils ont développé une sorte de stéréotypes pour eux-mêmes. Il ne semble pas y avoir de “logique de design” derrière la fabrication de ces objets, pourtant ils constituent presque des logotypes, et nous les respectons pour ça. »

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Ania Rosinke and Maciej Chmara were working on a book about 20th Century Polish architecture at the end of their studies. The editor, from Vienna, invited them to stay in his studio apartment. They took up his offer and fell in love with the city. The reasoning behind their ideas is the most important part of their design process. For example, for “Wäscheflott”, the bespoke tailored shirt in Vienna, the wardrobe was actually only a small part of the project, because they were working on the identity of the company.

“We talked with the owner to try and find out everything we could about how the shirts were made, which included the fitting process, in order to analyse how we could help the shop create a better client experience. This resulted in the idea for a wardrobe.” Both designers have an appreciation for DIY stores and buy plenty of anonymous designs. They like to incorporate these objects into their work. “Perhaps some technician decided, intuitively, to design the object in a particular way, without paying much attention to beauty or what shade of colour might suit it. And these objects made their way into millions of stores. Everybody recognises these parts, they developed into a kind of stereotype of themselves.

There doesn’t seem to be any “design logic” behind the making of these objects, but they are almost logotypes, so we respect them for that. “

http://chmararosinke.com/

2.

2.

3.

TL # 21

“At first I was interested in the way aesthetics shape and influence the social world, but I got to design, which seemed to me to be much more interesting and complex.” says Agata Nowotny, who chose to become a sociologist because it gave her the opportunity to work in a interdisciplinary way. This year she will finish her PhD, which investigates the social role of design as the current social pattern. “I start by deconstructing the popular idiom of design, which makes us perceive design as things that are “not only beautiful, but also functional”. I go on to say that this way of describing design is outdated, but we still lack the new terms to describe what designers do when they design.” Agata has also been teaching at the School of Form, since the design school opened in Poznan in 2011. “I’d like to stretch the educational frames a bit and rethink or redesign the school system. I like experimenting with different fields and perspectives and that is why we always teach together: sociologists and designers. Last year she developed a conference called INvisible DESIGN together with sociologist Monika Rosińska.

It aims to be an interdisciplinary platform focused on invisible aspects of design. It’s a space and event, where designers and other researchers, scientists, and activists can meet, exchange ideas and work together. This year’s event, which will take place in November, will be based around motion, mobility, and change. “I’m investigating emerging trends - the new mindset for design. I finish by trying to find a way out of modernism, which I find in desettlement trends and a huge corrosion of ownership in the system.”

1 — Researcher toolbox for designers developed together with Dorota Kabala 2 — Every Object Tells a Story – a joint project of Industrial Design and Sociology at the School of Form, in cooperation with Skoda Polska 3 — Flying Sociologists workshop for the Society of Creative Initiatives

designers

1 — Grandmothers clock, 2013 2 — You make it Europe, 2013 3 — Le rituel d’un tailleur à l’occasion de Passionswege à Vienne / A tailor's ritual for Passionswege, Vienna, 2013

1.

3.

Excellence & Creation

Ne w tal e n ts / Pol i s h D e sign

Excellence & Creation

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N ew ta len ts / Polish D e sig n

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Dorota Stepniak

Kasia Jezowska

« La discussion crée un possible terrain d’entente » “A discussion creates a possible common ground”

« Dévoiler la complexité du passé » “Unveiling the complexity of the past”

responsable de projet / project manager

« J’ai toujours senti que les gens devaient avoir un espace adéquat pour discuter et se rencontrer », explique Dorota Stepniak, responsable de projet pour le plus grand événement de mode en Pologne, et qui a également initié en 2007 le festival du design de Lodz, premier en date lié au design au sein de ce grand pays. Elle ressent le besoin de créer les meilleures conditions possibles à la discussion, mettant en place le cadre le plus adéquat pour générer de l’intérêt de la part des gens. « J’agis comme un maillon manquant. » Elle a également eu l’idée d’une vente aux enchères au festival de Photographie et a participé au Design Space de Kielce, où son but était d’introduire le grand public dans les conversations, constituant ainsi un élément très important du processus créatif. « On me demande souvent de prendre part à des panels de modération pour faire aboutir une discussion autour d’un processus de création. J’essaie d’extraire tout ce que je peux d’une rencontre (bien que parfois ce ne soit pas facile) mais mon but est de montrer combien le détail peut affecter le sens d’une rencontre. » Dorota veut stimuler la créativité. Je lui demande à quel point le design a besoin de la gestion de projet. « Je pense que ça ne peut pas être trop généralisé, mais je dirais autant que possible. Je crois que l’on peut se concentrer à maintes reprises sur des projets multiples qui couvrent l’étendue des attentes et des objectifs. Et la gestion de projet peut parfois mener à des résultats plus satisfaisants dans de plus courts délais. »

2.

curatrice / curator

1.

1.

“I have always felt that people should have an adequate space to talk and to meet”, says Dorota Stepniak, project manager of the biggest fashion event in Poland, who also initiated the Lodz design Festival, the first design related festival in Poland, in 2007. She sees the need to create the best possible conditions for discussion, setting up the right framework to generate interest at events.”I act as a missing link.” She has also come up with the idea for an auction at the Festival of Photography and was involved in the Design Space in Kielce, where she aimed to introduce the general public to conversations, which are a very important element of the creative process .” I am often asked to take part in moderating panels as a final link at the end of the process.

I try to squeeze as much as possible out of such a meeting (although sometimes this is not easy ) but my goal is to show how much detail affects the course of the meeting. Dorota wants to stimulate creativity. I ask her how much project management design needs? “I think that this cannot be overgeneralised, but I would say as much as possible. I believe that you can repeatedly focus on multiple projects that cover people’s broad needs and goals. And project management can lead to a more satisfactory result in a shorter time.

3.

http://www.dorotastepniak.com/

1 — Fashionphilosophy, Fashion Week Poland www.fashionweek.pl/ 2 & 3 — Vues de l’exposition au festival de design de Łódź / Exhibition views of Łódź Design Festival http://lodzdesign.com/

4.

TL # 21

3.

2.

1 — Modèle unique d’une bague artisanale en charbon. Une création de Pracownia broKat en Pologne / Original hand-crafted coal ring. Designed by Pracownia broKat in Poland 2 — Exposition de la Pologne au salon de Vienne, 1950 / Polish exhibition at Vienna Fair, 1950 © courtesy of the Museum of the Academy of Fine Arts, Warsaw 3 — Design Friction, Łódź Design Festival, 2012 4 — Glass & Cup, Polish Design stories, Istanbul Design Week, 2013

Design Miners est un projet de sauvegarde de l’histoire des expositions de design polonais. Lors d’un congrès, Kasia Jezowska est tombée par hasard sur des photographies prises en 1950 sur le commerce du charbon en Pologne. Elle effectuait des recherches pour son doctorat à l’université de Kingston quand elle a découvert ces images dans une enveloppe grise et anonyme. Les archivistes n’avaient pas plus d’information à leur sujet. De fait, ces photographies se trouvaient avec un ensemble d’autres documents qui avaient été mis au pilon par un établissement lors de sa transformation institutionnelle. Le mystère de ces photographies fascina Kasia ; il y avait le jeu de la lumière, mais cela lui prit du temps avant de comprendre que le sujet manifeste des photos était le charbon, et rien d’autre.

Cela allait bien au-delà de la simple représentation, et soulevait plus de questions que n’apportait de réponses.

Ces archives intriguèrent Kasia et la mena à une réflexion sur la manière de représenter les objets. À Londres, elle apprit qu’une histoire peut rendre le design attirant, moins on en sait, mieux c’est. La voilà, recherchant quelques événements italiens et au MoMA, juste avant de déterrer, par hasard, des expositions polonaises de l’après-guerre. « J’ai réalisé que c’était assez progressif et très similaire à ce qui se passait en Occident, tel qu’on le nomme, et ironiquement, ces événements polonais étaient conçus pour se dérouler à l’étranger. » Avec Design Miners, Kasia veut créer des expositions sur des expositions, comme une boîte dans une boîte. « Pour moi, il s’agit de découvrir quelque chose de complètement incroyable dont je n’avais aucune idée et, maintenant que j’en sais plus, je veux le partager. » Design Miners is a project that safeguards the history of Polish design exhibitions. Kasia Jezowska came across some pictures taken at a coal trade show in Poland, in 1950. She was doing some archival research for her PhD at Kingston University when she discovered the pictures inside a grey, blank envelope. The archivists didn’t have any information about them either. In fact, the photographs were with a set of other documents that had been thrown away by an institution that was being transformed into a different body.

What fascinated Kasia was the fact that these photographs were a mystery; there was the play of light, but it took a while before it became glaringly obvious that the subject in the picture was coal, and nothing else. It was beyond a simple representation, raising more questions than it answered. This intrigued Kasia, and led to a reflection on how to present objects. In London she learnt that a story can make design attractive, the less known the better. There she was, one moment researching some MOMA and Italian shows before, quite unexpectedly, unearthing some Polish exhibition designs from the postwar period. “I realised that it was quite progressive and very similar to what was happening in the so called West at that time and, ironically, these Polish shows were designed to be staged abroad.” With Design Miners, Kasia wants to make exhibitions about exhibitions, like a box in a box. “For me it was about discovering something totally amazing that I didn’t know about, and now that I do, I want to share it.” http://cargocollective.com/kasiajezowska

Excellence & Creation

Ne w tal e n ts / Pol i s h D e sign

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N ew ta len ts / Polish D e sig n

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Klara Czerniewska

Krzystof J. Lukasik

« Ma principale obsession est d'être une perfectionniste. Je souhaite que les choses soient faites de la meilleure manière possible » “My worst flaw is that I am a perfectionist. I want to get things done, the best possible way”

“La beauté d’un objet suffit à sa fonction” “The beauty of an object is enough to be its function”

writer / écrivain

designer

Whilst talking about French modern literature, linguistics and his study of Lettres Modernes et Science du Langage, I ask Krzystof to describe his dream assignment. “It would have to be if someone asked me to design something that was a cross between Rick Owen’s marble throne, a Philippe Malouin Typecast chair and the beautiful chair from Rodrigo Almeida, using a lot of different materials”, he replied. All his life, he had wanted to become a teacher of French Literature, that’s why he went to the French bilingual highschool in Warsaw and moved to France after his Baccalaureate. He had always enjoyed drawing and doing ‘manual’ work, which is why he decided to pursue a design degree in Lyon followed by a Master’s degree in Luxury Industry and Design at ECAL. I am not a very ‘confident’ person but I think I am confident about my objects and the reasoning behind them.” According to Krystof, he swims in a ‘sea of references and inspirations’ and by observing these he tries to mix and match everything together. He recreates what he sees elsewhere. In January 2014, Krzystof started to work for Loewe/ LVMH as a product and accessories designer, where he designs jewellery, accessories and small leather goods and objects for a new Home and Office Accessories category. He’s finally arrived where he wanted to be. “I wanted to do things my way, that’s all.”

© Marie-Pierre Cravedi

http://www.krzysztofjlukasik.com/

1. © courtesy of Kosmos Project

Klara Czerniewska will be contributing as a curator and researcher to the 6th Warszawa w Budowie (Warsaw Under Construction), a festival organised every October by the Museum of Modern Art in Warsaw since 2009. Last year she curated a show entitled Who Are You or The Polish School of Happiness together with Vita Zaman at VIENNAFAIR, the contemporary art fair held in Vienna. Her ambition was to contribute to the visibility of Polish contemporary art and the galleries exhibiting and selling at the fair. Klara, who has a classic curatorial background and holds an Art History degree from the University of Warsaw, tries to give meaning to her excessive consumption of cultural commodities - a description of her found on an online blog - through her writing (design and sometimes art). «I didn’t even realise how many people read my stuff until I started meeting them in person on various occasions, and until I started receiving some new proposals». What does impress her in the cultural field at the moment? «Recently I am impressed by chmara. rosinke and Kosmos Project because they engage the public, do research which is easy for the viewer to grasp and they contribute to the craft revival. In the art context I am monitoring Dominika Olszowy. I love her sense of humour and how she plays with words and meanings, as well as the peculiar aesthetics propagated in her works.

Lors d’une discussion sur la littérature française moderne, la linguistique et sur ses études de Lettres modernes et Science du langage, je demandai à Krzystof de décrire sa tâche rêvée. « Si l’on me demandait de concevoir quelque chose à l’intersection du trône de marbre de Rick Owens, la chaise Type Cast de Philippe Malouin, et la magnifique chaise de Rodrigo Almeida, en utilisant un tas de différents matériaux », répondit-il. Toute sa vie, il a souhaité devenir professeur de littérature française, il a donc intégré l’université bilingue française de Varsovie et a emménagé en France après son baccalauréat. Ayant toujours apprécié dessiner et faire un travail manuel, il a décidé de poursuivre un diplôme de design à Lyon, suivi d’un master en industrie du luxe et design à l’ECAL. « Je ne suis pas quelqu’un avec beaucoup d’assurance, mais je pense que j’ai confiance en mes objets et le raisonnement qu’il y a derrière eux. » Krzystof nage dans une « mer de références et d’inspiration » et c’est en les observant qu’il essaie de les mêler et de créer des correspondances. Il réinterprète ce qu’il voit ailleurs. En janvier 2014, Krzystof a commencé à travailler pour Loewe/LVMH comme designer de produits, où il conçoit de la joaillerie, des accessoires et de la petite maroquinerie pour une nouvelle gamme d’accessoires maison et bureau. Il est finalement parvenu à son but. « Je voulais simplement faire les choses comme je l’entends. »

© Klara Czerniewska

Klara Czerniewska a contribué comme curatrice et chercheuse à la sixième édition de Warszawa w Budowie (Varsovie en Construction), un festival organisé chaque année depuis 2009 par le musée d’Art moderne de Varsovie.

L’année dernière, elle a été en charge, avec Vita Zaman, de l’événement intitulé Qui êtes-vous ou l’école polonaise du bonheur à la VIENNAFAIR, la foire d’art contemporain de Vienne. Elle souhaite contribuer à la visibilité de l’art contemporain polonais et des galeries qui exposent et vendent sur ce salon. Klara, formée en restauration et en possession d’un diplôme d’histoire de l’art de l’université de Varsovie, essaie de donner un sens à son excessive consommation de commodités culturelles – selon sa propre description que l’on peut trouver sur son blog en ligne –, à travers l’écriture concernant le design, et parfois l’art. « Je ne réalisais pas le nombre de gens qui lisent ce que j’écris jusqu’à ce que je commence à les rencontrer en personne au cours d’occasions variées, et jusqu’à ce que je commence à recevoir de nouvelles propositions. » Ce qui l’impressionne dans le monde de la culture en ce moment ? « En ce moment, je suis impressionnée par Chmara, Rosinke et Kosmos Project car ils engagent le public, effectuent une recherche accessible à l’observateur, et ils contribuent au renouveau de l’artisanat. Dans le contexte de l’art, je suis proche de Dominika Olszowy. J’aime son sens de l’humour et sa manière de jouer avec les mots et les sens, ainsi que les esthétiques particulières de ses œuvres. »

https://twitter.com/klarczerniewska

2.

2.

TL # 21

1 — Qui êtes-vous ou l’école polonaise du bonheur / Who Are You or The Polish School of Happiness commissaires d’exposition / curated

by Klara Czerniewska & Vita Zaman, 2013 2 — Inconscience collective, une création dirigée / Collective Unconscious, created and curated by Kosmos Project, 2013

© Wojtek Spychalski

1 — Stratifications, 2013, produites par / manufactured by Marbrerie Gros-Dérudet 2 — Pétrifications, ECAL Lausanne, 2012, produites par / manufactured by Marbrerie Gros-Dérudet

1.

Excellence & Creation

Ne w tal e n ts / Pol i s h D e sign

Excellence & Creation

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N ew ta len ts / Polish D e sig n

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Maria Jeglinska

Ola Mirecka

« Si vous ne les pratiquez pas, vous perdez certaines de vos capacités, vos gestes deviennent moins précis » “If you don’t practice you lose some abilities, your gestures are less precise”

« Je mange avec un couteau et une fourchette » “I eat with a knife and fork”

designer

designer

« Mon travail apporte un aspect magique et espiègle au quotidien. Il apporte également un commentaire sur notre réalité sérieuse et industrielle avec parfois des conséquences très abstraites. J’imagine que c’est mon exploration enjouée de ce que nous supposons connaître et de combien nous pouvons encore apprendre. » Ola Mirecka est telle une chercheuse dont le but est d’arriver à comprendre ce que la réalité peut apporter au travers d’une expérience ludique. Il n’est pas surprenant qu’elle vienne d’être engagée comme designer produit par Lego à Copenhague, où son travail suppose de jouer et construire avec des Lego, créer de petits mondes, inventer des thèmes de jeu et des histoires pour « des projets très intéressants d’ampleur globale ». Diplômée du RCA – Royal College of Arts – en design de produits, où elle faisait

Maria Jeglinska est designer. Sur sa page Facebook, elle poste régulièrement des photos de croquis qu'elle a réalisés. Certains sont dessinés sur des pages de magazines, d'autres sur des feuilles de papier blanc. « Je ne dessine pas pour l'amour de dessiner. Mes croquis sont toujours en relation avec quelque chose, en relation à la réalité tridimensionnelle. Parfois, il y a un très long laps de temps avant que ces idées permutent du papier en objets.

Ils représentent une transition. Avec chaque projet, j'essaie de développer un nouveau langage, et par conséquent de trouver un nouveau vocabulaire visuel grâce à l’esquisse. » Maria décrit le dessin comme un entraînement quotidien qui aboutit à ses concepts et produits. En tandem avec le designer graphique Olivier Lebrun, elle travaille actuellement sur des images pour un livre qui prend la forme d'un magazine. Le projet sera publié chez Funny Bones, un éditeur basé à Paris. « La beauté du dessin, c'est que je le fais avant tout pour mon propre plaisir. Mes œuvres sur papier sont détachées du contexte qu'un objet peut avoir : production, distribution, etc. Elles peuvent être interprétées librement. » Maria Jeglinska is a designer. On her Facebook page she regularly uploads photos of drawings she has made. Some of them are drawn on pages from magazines, others on a blank sheet of paper. “I don’t draw for the sake of drawing.

My drawings are always in relation to something, in relation to a three-dimensional reality. Sometimes it takes a very long time before these ideas on paper mutate into objects.

They represent a transition. With every project I am trying to develop a new language, and therefore find a new visual language through drawing”. Maria describes drawing as a daily training which leads to her objects and products. Together with graphic designer Olivier Lebrun, she is currently working on images for a book, that takes the form of a magazine. The project will be published by Funny Bones, a Paris based publisher. “The beauty of drawing is that I do it first and foremost for my own pleasure. My sketches are detached from the context an object might have: production, distribution, etc. They could be anything.”

2.

partie avec Roberto Feo et Daniel Charny de l’équipe de la Plateforme 10 du RCA, elle a étudié le design afin d’avoir la possibilité de raconter des histoires au travers des objets, et d’appliquer la pensée à la fabrication. Ola explique: « Avez-vous entendu parler de ce jeu appelé Chiens et Maîtres ? Mon petit ami lisait un article à ce propos dans le magazine The Cabinet il y a quelques temps. La moitié des joueurs font semblant d’être des chiens, courent partout, aboient, rapportent le bâton et se reniflent l’arrière-train les uns les autres. L’autre moitié du groupe, leurs maîtres, s’asseoient à table, boivent du whisky et ont des conversations sophistiquées sur l’art. Et ensuite on échange. Je recommande cette expérience. » “My work brings a playful and magical quality to everyday life. It’s also commenting on our serious, industrial reality with sometimes very abstract outcomes. I guess it’s my playful exploration of how much we assume we know and how much we still can learn.” Ola Mirecka is like a researcher aiming to figure out what reality can bring through a playful experiment. No wonder she just got hired as a product designer by Lego in Copenhagen, where her job involves playing and building with Lego, creating little worlds, inventing play themes and stories on ‘very interesting projects on a global scale.’ The RCA Design Products graduate, who was part of the RCA Platform 10 team with Roberto Feo and Daniel Charny, studied design in order to be able to tell stories through objects and to apply thinking to making. Ola explains: “Have you heard about this game called Dogs and Owners? My boyfriend read about it in The Cabinet magazine some time ago. Half of the players pretend that they are dogs, run around, bark, bring sticks and smell each other’s bums. The other half of the group, their owners, sit at tables drinking whiskey and having sophisticated conversations about art. And then you swap. I recommend this experience.” http://olamirecka.pl/

1.

1 — S-T-O-N-K-I, 2012 2 — Lava Lemonade, 2012 3 — Makarony, 2010

http://www.mariajeglinska.com/

1.

3.

TL # 21

1 — Nathalie & George Nathalie & George pour la manufacture de porcelaine fine Kristoff / for Kristoff, Fine Porcelain 2 — Pattern on pattern dessin / drawing, 2014 3 — Des esquisses journalières issues du carnet de dessins de Maria / Daily sketches from Maria's sketchbook

2.

3.

Excellence & creation

S p otte d / Nordi c & Eas t Europ ean de signers

Excellence & creation

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S p otte d / N ord ic & Ea st Eu rop ea n d e sig n ers

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Histoire répétée / History repeated Par / By Adam Štěch

Nous avons étudié avec attention le mobilier et les éclairages des manufactures d’Europe du Nord, centrale et de l’Est, et avons repéré une pièce de design historique dans chaque collection. Notre étude présente des pièces modernistes du siècle dernier, rares, parfois oubliées et récemment reproduites, ayant attiré l’attention de nouvelles marques qui les ont remises en production, dans certains cas pour la première fois depuis leur conception et prototypage il y a bien des années. Vous aussi avez la possibilité de jouir de ces pièces de design historique nouvellement reproduites chez vous !

We perused the furniture and lighting from manufacturers in north, central and eastern Europe and found a piece of design history in each collection. Our survey presents newly reproduced, rare, and sometimes forgotten modernist pieces from the last century that have caught the attention of new brands who have put them into production again, in some cases for the first time since being conceived and prototyped many years ago. You too can enjoy a newly reproduced piece of design history in your own home!

Kerstin H. Holmquist, Partadiset sofa, 1956, Gubi www.gubi.dk

Yngve Ekström, Desiree chair, 1954, Swedese, €498 www.swedese.com

Roman Modzelewski, RM56 chair, 1956, Vzor, €390 www.en.vzor.pl

Ilmari Tapiovaara, Kiki lounge chair, 1960, Artek, €6,516 www.artek.fi

Jørn Utzon, Utzon pendant light, 1947, &Tradition, €370 www.andtradition.com

Ingmar Relling, Siesta 302 armchair, 1960, Rybo www.rybo.no

Jindřich Halabala, armchair, 1931, Modernista, €770 www.modernista.cz

TL # 21

Borge Mogensen, Spanish armchair, 1958, Fredericia, from €3,567 www.fredericia.com

Yrjö Kukkapuro, Karuselli lounge chair, 1964, Artek, €1,172 www.artek.fi

Niko Kralj, Shell armchair, 1956, REX, €369, www.rex-kralj.si/en

Living with design

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Zofia & Oskar Hansen, Szumin

Iconique / Iconic Dacha Reportage de / Report by Aleksandra Kędziorek en collaboration avec / in collaboration with Natascha Drabbe, Iconic Houses Photos : Family archive, courtesy Igor Hansen

Living with design

I c on ic H ou s e s / H ou s e of Zof ia a n d Oska r Ha n s en

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3.

1 — La maison en bois repose sur un mur en béton dont la forme courbe mène jusqu’à l’entrée / The wooden house straddles a concrete wall, which with its curved shape leads to the entrance 2 — Zofia & Oskar Hansen 3 — Le lac Owbox de la rivière Bug en Mazovie, Pologne / Owbox lake of River Bug in Mazovia, Poland

Ic on i c Hou s e s / Hou s e of Zofia and O skar Hans en

« La philosophie est mieux expliquée par l’espace que par un livre de philosophie », disait Oskar Hansen (1922-2005). Cette citation de l’architecte, artiste et théoricien polonais semble résumer la vision de sa propre résidence de villégiature à Szumin au meilleur des possibles. En 1968, Hansen, sa femme Zofia (1924-2013), également architecte, et leurs deux fils Igor et Alvar, arrivèrent dans un petit village de la région pittoresque aux alentours d’un brasmort de la rivière Bug au centre de la Pologne. Après être tombés amoureux de ces paysages, ils y débutèrent la construction de leur résidence d’été. La discrète maison de bois au toit pentu devint l’incarnation de la Forme Ouverte, la théorie grâce à laquelle Oskar et Zofia Hansen essayèrent de révolutionner l’industrie du bâtiment dans la Pologne socialiste.

Vers l’Architectu re de la forme ouverte

Oskar Hansen ne pensa jamais à leur travail en terme de future icône. En temps que membre de la Team X, un groupe formé de jeunes architectes rejetant le concept architectural de « machine à vivre » du CIAM, il considère sa tâche propre comme étant celle de créer des cadres architecturaux occupés par les événements quotidiens de leurs usagers. La Forme Ouverte, d’abord présentée au congrès du CIAM d’Otterlo en 1959, est en opposition aux bâtiments parfaitement finis qui s’érigeaient en monument à leurs concepteurs. Elle se concentre à la place sur la garantie de l’expression individuelle de l’usager, même dans le cas d’un habitat préfabriqué en masse. Dans le but de réaliser ces ambitions dans le cadre de l’état socialiste, les Hansen réalisèrent une enquête sur les futur habitants de leurs lotissements, bien que la majorité de leurs efforts furent gâchés par la mauvaise distribution des appartements et les lacunes de l’industrie du bâtiment socialiste.

Leurs idées trouvèrent une plus grande expression de productivité dans le design d’exposition, qui à l’époque – alors que le gouvernement socialiste souhaitait créer à l’étranger une image moderne de la Pologne – était un domaine permettant une grande liberté artistique. Les pavillons modulaires crées par Oskar Hansen et Lech Tomszewski, un ingénieur polonais, pour les foires internationales d’Izmir et São Paulo, étaient supposés créer un « arrière-plan perceptif » mettant en valeur les objets exposés aussi bien que le passage des visiteurs. Les Hansen souhaitaient également garantir la participation des usagers à des projets liés à l’art et les laisser décider eux-mêmes de la forme des bâtiments, comme pour leur proposition au concours pour le musée d’art contemporain de Skopje, où un hall d’expositions temporaires en forme de parapluie pouvait être déployé ou fermé par les conservateurs au gré de leurs besoins changeants.

L’expérie nce de Szumi n

“Philosophy is better promoted through space than through a philosophical book,” Oskar Hansen (1922-2005) used to say. This remark by the Polish architect, artist and theorist seems to be the best available summary of his own summerhouse in Szumin. In 1968, Hansen, his wife Zofia (1924-2013), also an architect, and two sons, Igor and Alvar, arrived in a small village in a picturesque area near an oxbow lake of the River Bug in central Poland. After falling in love with its landscape, they started to build their summer residence there. An unobtrusive wooden house with a pitched roof became the incarnation of Open Form, the theory with which Oskar and Zofia Hansen tried to revolutionize the building industry of socialist Poland.

Towards O pen Form A rchitecture Oskar Hansen never thought of their work as that of future icons. As a member of Team 10, a group formed by young architects rejecting CIAM’s concept of architecture as a “machine for living,” he considered his own task to be the creation of architectural frames, which could be filled by the everyday events of their users. Open Form, first presented at the CIAM congress in Otterlo in 1959, stood in opposition to the perfectly finished buildings which stood as monuments to their designers. Instead, it focused on guaranteeing the user his individual expression, even within prefabricated mass housing. In order to realise those ambitions within the socialist state, the Hansens experimented by surveying the future inhabitants of their housing estates, despite much of their efforts being wasted because of a maldistribution of flats and socialist building industry shortcomings.

Their ideas found more productive expression in exhibition design, which at that time – as the socialist government wanted to create a modern image of Poland abroad – was an area that allowed for greater artistic freedom. Modular pavilions for international fairs in Izmir and São Paulo designed by Oskar Hansen with Lech Tomaszewski, a Polish engineer, were supposed to create a “perceptive background,” exposing the exhibited objects and passing visitors. The Hansens also wanted to guarantee the participation of users in artrelated projects and let them decide on the shape of the buildings themselves, as in the competition entry for the Museum of Modern Art in Skopje, where an umbrella-shaped hall of temporary exhibitions could be folded and unfolded by the curators, depending on changing needs.

Szumin ’s e xperience Although most of their projects exist only on paper, a visit to the Hansens’ home in Szumin can give us an idea of how the world might have looked when organised according to their theory of Open Form. Contrary to most iconic houses, where it is the architecture that plays the first fiddle, the house in Szumin only becomes alive with the interaction of people.

Starting with a bench that invites passers by to sit down for a while and meet the inhabitants, enabling dwellers not to forget about its context, the house

4.

6.

5.

TL # 21

Bien que la majorité de leurs projets n’existent que sur le papier, visiter la maison des Hansen à Szumin peut nous donner une idée de ce à quoi le monde aurait ressemblé s’il avait été organisé en accord avec la théorie de la Forme Ouverte. Contrairement à la plupart des

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Photos :Jan Smaga

Living with design

4 — Vue du jardin sur la maison. Une fenêtre longitudinale sur le côté rappelle la relation des occupants avec le paysage / The house, view from the garden. A side longitudinal window reminds the inhabitants about their relation to the landscape 5 — La cuisine fait partie de la zone ménagère de ma maison / Kitchen forms a part of the servicing zone of the house 6 — La table avec son plateau amovible est situé en partie à l’intérieur et à l’extérieur de la maison. Les deux parties peuvent être assemblées en ouvrant la fenêtre / The table with its changeable top is located partly inside and partly outside of the house. Both parts can be joined by opening the window 7 — Studio sous toiture avec fenêtre panoramique offrant différentes vues, dépendant du point d’observation / Studio in the attic with a panoramic window which offers different views depending on position of the observer

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Living with design

I c on ic H ou s e s / H ou s e of Zof ia a n d Oska r Ha n s en

Family archive, courtesy Igor Hansen

maisons iconiques, où c’est l’architecture qui joue le rôle du premier violon, la maison de Szumin devient vivante uniquement dans l’interaction avec les personnes. Commençant avec le banc qui invite les passants à s’asseoir un moment et à rencontrer les habitants, permettant aux résidents de ne pas oublier son contexte, la maison offre aux usagers de multiples stimuli afin de développer une attitude active face à leur environnement. Engageant tous leurs sens – d’abord et avant tout la vue, l’ouïe et le toucher – et jouant avec leurs habitudes en floutant les limites entre l’intérieur et l’extérieur, la maison encourage une réception plus consciente de l’espace. Les fenêtres cadres, qui offrent différentes vues en fonction de la position du spectateur, indiquent l’importance de la présence du corps dans l’architecture, tandis que les ouvertures exposant les activités des autres habitants renforcent son caractère social. Dans le même temps, des outils tels qu’une table longitudinale au plan coloré qui peut être utilisée individuellement et des instruments à panneaux amovibles – comme ceux employés par Oskar Hansen dans ses cours à l’Académie des beaux-arts de Varsovie, au travers desquels un individu peut sélectionner sa propre vue – ouvrent l’architecture à l’expression individuelle et à la prise de décision subjective. élaborée en stricte connexion avec le paysage et le climat, la maison attire l’attention des usagers sur la nature. La surface grise et régulière du toit et les planches colorées situées dans le jardin aux alentours forment un arrière-plan mettant en valeur les fleurs épanouies et les arbres du verger. Une structure d’acier conçue pour la Biennale de Venise de 1977 sert de support à une vigne et de base à un colombier en bois que Zofia Hansen considérait comme la meilleure œuvre architecturale de son mari. Chaque détail de cette maison, conçue avec soin et en respectant la nature, aide les usagers à bénéficier de la richesse du monde environnant.

L a réo u v ert u re de la mais o n

En mai 2014, juste avant l’exposition Oskar Hansen au MACBA de Barcelone, le musée d’art moderne de Varsovie ouvrira les portes de la maison de Zofia et Oskar Hansen au public, grâce à la générosité et l’hospitalité de la famille Hansen (visites par rendez-vous uniquement, plus d’informations disponibles sur www.artmuseum.pl). Coïncidant avec cette occasion, la maison devient le premier membre polonais du Iconic Houses Network. L’ouverture de la maison sera accompagnée de la sortie d’une publication bilingue dédiée à l’architecture de Szumin, illustrée de clichés du photographe polonais de renom Jan Smaga. The House as an Open Form. The Hansens’ Summer Residence in Szumin sera publié par le musée d’art moderne de Varsovie et les éditions Karakter Publishers à la fin mai et sera distribué sur le marché international par University of Chicago Press.

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8.

8 — Zone annexe de la maison: espace convivial avec un accès au jardin / Serviced zone of the house: social space with the access to the garden

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provides users with multiple stimuli in order to form an active attitude toward their surroundings. Engaging all their senses – first and foremost, sight, hearing and touch – and playing with their habits by blurring the boundaries between inside and outside, the house encourages a more conscious reception of space. The framing windows, which offer different views depending on the position of the viewer, indicate the importance of the body’s presence in architecture, while the openings exposing other inhabitants’ activities enhance its social character. At the same time, tools like a longitudinal table with a colourful top which can be utilised individually and instruments with movable panels used

by Oskar Hansen in his teaching at the Warsaw Academy of Fine Arts, through which an individual can select their own view, open the architecture to individual expression and subjective decision making.

Designed in strict connection with the landscape and climate, the house draws the users attention to nature.

The grey and even surface of the roof and colourful boards located in the surrounding garden form backgrounds exposing blossoming flowers and trees in the orchard. A steel structure designed for the Venice Art Biennale in 1977 serves as support for a grapevine and as the basis for a wooden dovecote, which Zofia Hansen, only partly joking, quoted as the best architectural piece of her husband. Every detail in this house, designed with care and respect for nature, helps the users to benefit from the richness of the surrounding world.

T he house reopened Thanks to the generosity and hospitality of the Hansen family, in May of 2014, just before the exhibition of Oskar Hansen at MACBA in Barcelona, the Museum of Modern Art in Warsaw will open the house of Zofia and Oskar Hansen to the public (visits are by appointment only, more information available on www.artmuseum.pl). To coincide with this occasion, the house will become the first Polish member of the Iconic Houses Network. The opening of the house will accompany the release of a bilingual publication dedicated to Szumin’s architecture with photos by the renowned Polish photographer, Jan Smaga. The House as an Open Form. The Hansens’ Summer Residence in Szumin will be released by the Museum of Modern Art in Warsaw and Karakter Publishers at the end of May and will be distributed internationally by the University of Chicago Press. www.iconichouses.org

Living with design

Up c omi n g proj e ct / S vendb org Arc hite c t s

Living with design

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Svendborg Architects

murs circulaires. Ses murs varient entre moments de transparence totale et moments de transparence partielle ; de fait, les systèmes de ventilation et de chauffage seraient équipés pour produire de la vapeur qui, filtrée dans la cavité du mur en double vitrage, réduirait la visibilité de l’extérieur, créant un environnement encore plus privé et intime. Des variations dans la largeur du hall central peuvent être obtenues grâce à une cascade de murs d’eau conçus avec précision, tandis que le miroir inclinable du plafond peut être soit laissé ouvert afin de profiter de la vue sur la forêt ou la mer, soit fermé si l’on préfère la réflexion du plafond au-dessus des célébrants. Cette totale ouverture de l’espace a pour origine l’intention des architectes de créer un espace aussi neutre que possible ; par exemple, il n’y a pas d’indication pour l’entrée (l’architecture est ouverte de tous côtés) ni d’indication de religion quelconque. Bien que conçue pour les athéistes, la Ceremony Room aspire également (et ce n’est pas là un contre-sens) à être un espace qui accueille des gens pratiquant déjà une religion mais qui, pour une quelconque raison, voudraient faire l’expérience des gestes et instruments de leur culte dans ce lieu évocateur. L’utopie de Johnny Svendborg – une structure totémique et bienveillante qui peut accueillir des formes diverses de rituels quotidiens – offre du réconfort à une planète où la guerre semble encercler de plus en plus les différentes croyances. Cela ressemble à un rêve – mais peut-être pas tant que ça à Copenhague. Les séduisants dessins du projet de la Ceremony Room sont examinés à l’heure actuelle par le maire et les conseillers municipaux et les habitants des quartiers où elle pourrait voir le jour, qui ont déjà été consultés, semblent accueillir avec enthousiasme la possibilité de cet espace de rituel novateur.

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Par / By Valentina Ciuffi

There comes a point in life, in almost everyone’s life, when one feels the urge to celebrate a ritual collectively. This is undoubtedly related to the act of – or the necessity – to believe in deities without necessarily being involved with any existing and codified worship. The Ceremony Room is an ongoing project, designed primarily for people who, while perhaps wanting to partake in rituals, feel unrepresented by current practiced religions.

Whether celebrating a union, a birth, or mourning a death: these and other group rituals, free from any particular creed, might find their place in the Ceremony Room that Svendborg helped design for his home town of Copenhagen. With its cylindrical shape, the proposed architecture would tower 28 metres high, holding within its circular walls a maximum of 150 people.

The walls alternate between moments of total and semi-transparency: in fact the ventilation and heating systems would be equipped to produce steam, that once filtered into the cavity of the double glass wall would reduce visibility from the outside, creating more privacy and a more intimate environment. Variations in width for the central hall can be obtained through a precision-engineered cascade of ‘waterwalls’, while the reclinable mirror on the ceiling can be left open to enjoy views over the forest or the sea, or closed if you prefer a self-reflecting “roof” over the celebrants. This total ‘openness’ of space originates from the architects’ intention to create as neutral a space as possible: for instance there are no directions to the entrance (the architecture is open on all sides) nor orientations hinting

1 & 2 Les dessins du projet de la salle de Cérémonie / Drawings for the Ceremony Project Room 3 — Johnny Svendborg 4 — L’équipe du bureau d’architecture danois Svendborg / Team at Svendborg Architects 5 — La maquette du projet de la salle de Cérémonie / Ceremony Project Room model

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Qu’il s’agisse de célébrer une union, une naissance, ou de faire le deuil d’un mort, tous ces rituels collectifs, en dehors de tout credo particulier, peuvent prendre place dans la Ceremony Room que Svendborg a aidé à élaborer à Copenhague, la ville où il réside. Avec sa forme cylindrique, l’architecture propose une tour qui s’élèverait à 28 mètres de hauteur, et pouvant conte nir plus de 150 personnes entre ses

Ceremony Project Room

3 & 4 : © Mathias Juel Christensen

Il y a un temps dans la vie où presque tout le monde ressent le besoin de célébrer un rituel collectif. Ceci est indubitablement lié au fait ou à la nécessité de croire en certaines divinités, sans pour autant être impliqué dans un culte existant. La Ceremony Room est un projet en cours conçu en priorité pour des gens qui, alors qu’ils souhaitent peut-être prendre part à certains rituels, se sentent laissés pour compte par les pratiques religieuses contemporaines.

U p c omin g p roje c t / S ven d b org A rc h ite c ts

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at any religion. Though conceived for “atheists”, the Ceremony Room also aspires (and this is not an inconsistency) to be a space that welcomes people who already practise a certain religion, but who, for whatever reason, would like to experience the gestures and the “instruments” of their cult in this evocative location.

Johnny Svendborg’s utopia – a totemic and inviting structure that can be a home to diverse, daily ritual forms – offers solace to a planet where wars seem increasingly to revolve around different creeds. It would seem like a dream, but perhaps less so in Copenhagen.

The attractive project drawings of the Ceremony Room are already being examined by the mayor and council members, while the inhabitants of the city areas that could house it, who have already been consulted, seem to embrace the possibility of this innovative ritual space. www.svendborgarchitects.dk

Svendborg Architects croient en l’innovation contextuelle, ce qui signifie que comprendre le contexte constitue le point de départ de chaque projet. Ce cadre d’intervention est interprété en fonction du site, mais également selon l’ambition du client et les attentes de l’usager et des autres personnes impliquées dans le développement du projet. Svendborg Architects envisagent dans leur processus que l’éthique précède l’esthétique, et qu’une compréhension respectueuse du contexte n’est pas en opposition avec des solutions architecturales belles et novatrices. Fort de dix ans d’expérience à travailler avec d’importantes agences d’architectures au Danemark, Johnny Svendborg a monté Svendborg Architects en 2007.

Svendborg Architects believe in contextual innovation, which means that understanding the context is the starting point of every project. This context is interpreted in terms of the site, but also in terms of the ambitions of the client, the user, and others who are part of the development of the project. They believe ethics come before aesthetics and respectful, contextual understanding is not in opposition to beautiful, innovative architectural solutions. With ten years’ experience working for some of the biggest architecture firms in Denmark, Johnny Svendborg established Svendborg Architects in 2007.

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Living with design

I n terior D e sig n & C olle c tion s / P ierre Yova n ov itc h

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© Stephan Julliard, TRIPOD AGENCY

© Photo : Jean-François Jaussaud, LUXPRODUCTIONS

L’archipel intérieur / Interior designer

Par / By Lise Coirier

Pierre Yovanovitch

© Matthieu Salvaing

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Créateur d’intérieurs raffinés jusque dans le moindre détail, éclectique dans ses goûts artistiques et culturels, de fait contre le « total look », Pierre Yovanovitch marie sans souci des pièces d’un très grand raffinement néo-classique avec celles d’un design scandinave plus radical, moderne et contemporain. Le mobilier du Suédois Axel Einar Hjorth – figure emblématique du c ourant ar tis tique des années 1920 de la « Grâce Suédoise » en est un bel exemple. Hjorth aménagea en effet dès 1929

Pierre Yovanovitch designs refined interiors, down to the smallest detail. His dislike for the ‘total look’ is countered by an eclectic artistic and cultural taste that gives him the confidence to marry highly sophisticated neo-classical pieces with radical, modern and contemporary pieces of Scandinavian design. A good example being the furniture by Swedish designer Axel Einar Hjorth – emblematic figure of the 1920s, inspired by the French Art Deco movement and known for his free playing classical themes. From 1929 onwards Hjorth designed ‘Sportstugemöbler’ (furniture for holiday homes) for the many ‘Stugas’(cottages) dotted around the Stockholm archipelago. Each collection was named after an island and, up until the late 1930s, was made by cabinetmakers in the workshops at Nordiska Kompaniet, in Nyköping, that he ran in his role of designer/architect… His designs that he ‘sculpts’ out of oak or untreated pine with the same delicate rigour

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1 — Château en Provence. Salle à manger avec buffet, table et chaises, ensemble unique créé en 1923 par Christen Emanuel Kjaer Monberg pour l’appartement privé de M. Maggard, président de l’association Danish Shipowners à Copenhague, lustre de Paavo Tynell, Flocons de Neige en laiton, Finlande, vers 1948 ; sol en pierre / Chateau in Provence. Dining room with buffet, table and chairs, unique set designed in 1923 by Christen Emanuel Kjaer Monberg for the private appartment of M. Maggard, President of the Danish Shipowners Association in Copenhagen; “Snowflake” brass chandelier by Paavo Tynell, Finland, ca.1948; stone floor 2 — Appartement Paris 7e. Grand salon avec les canapés fabriqués par Pierre-Eloi Bris en chêne massif ; tables basses Kubo en noyer de Rasmus Fenhann, édition limitée, provenance : galerie Maria Wettergren, Paris ; fauteuil Ourson, design : Pierre Yovanovitch, réalisé par les Ateliers Charles Jouffre ; table basse en bois de rose de John Lloyd Wright, le fils de Frank Lloyd Wright, USA, années 1940, tables basses de Pierre Forsell, vers 1965 ; tapis en lin naturel des Ateliers Pinton ; tableau de Georg Baselitz, provenance : galerie Thaddaeus Ropac, Paris / Apartment Paris 7th. Large living room with solid oak sofas made by Pierre-Eloi Bris; limited edition Kubo walnut coffee tables by Rasmus Fenhann, provenance: galerie Maria Wettergren, Paris; Ourson chair (bear cub in English) designed by Pierre Yovanovitch, made by Ateliers Charles Jouffre; low rosewood table by John Lloyd Wright, son of Frank Lloyd Wright, USA, 1940s, low tables by Pierre Forsell, ca 1965; natural linen carpet by Ateliers Pinton; table by Georg Baselitz, provenance: galerie Thaddaeus Ropac, Paris 3 — Pierre Yovanovich

In te ri or D e s i g n & Col l e c t ions / Pier re Yovanovitc h

des « stuga » avec ses Sportstugemöbler (mobilier pour maisons de villégiature) dans l’archipel de Stockholm, chaque collection étant baptisée du nom d’une île et fabriquée jusqu’à la fin des années 1930 dans les ateliers d’ébénisterie de Nordiska Kompaniet à Nyköping et qu’il dirigea en tant que designer et architecte… Ses créations en chêne ou pin brut réchauffent les intérieurs contemporains créés et sculptées par Pierre Yovanovitch avec la même rigueur délicate que cultivait Hjorth dans l’entre-deux-guerres. Avec autant d’attrait pour la matière que pour le travail bien fait, Pierre transcrit sa sensibilité dans l’éclairage qu’il procure aux espaces qu’il aménage, s’en référant presque toujours au Finlandais Paavo Tynell dont il chine encore les pièces originales ainsi que celles des créateurs qui l’ont suivi. Il combina dans un château du xviie siècle en Provence le grand chandelier Flocons de neige de Tynell avec un style à la fois rustique et pur, mêlant ainsi design historique et art contemporain. Fasciné par la beauté de l’épure et du savoirfaire nordique, il sélectionne aussi régulièrement des pièces uniques ou des séries limitées chez la galeriste danoise installée à Paris, Maria Wettergren.

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cultivated by Hjorth in the period between the two wars, lend a warmth to the contemporary interiors created by Pierre Yovanovitch. Attracted by both the material and the notion of a job well done, Yovanovitch is also peerless in his sensitivity for the lighting that he provides for the spaces he designs, nearly always referring to original pieces made by the Finnish designer Paavo Tynell, that he collects, and the work of designers that followed. He has no qualms in installing a large Tynell “Snowflake” chandelier within a 17th Century castle in Provence, combining a rustic style with one that is pure – historic design meets contemporary art. Fascinated by the beauty of the Nordic style and savoir-faire, he also regularly selects unique or limited edition pieces from Maria Wettergren, a Danish gallerist based in Paris.

5 — Appartement quai Anatole France, Paris 7e. Entrée, suspension, appliques de Paavo Tynell, Finlande, années 1940 ; commode de Carl Malmsten, Sweden, 1926 ; paire de tabourets en fonte, Folke Bensow, Suède, 1924 ; sol en marbre noir et blanc / Apartment, Quai Anatole, Paris 7th, France. Entrance, ceiling and wall lamps by Paavo Tynell, Finland, ca 1940, commode by Carl Malmsten, Sweden, 1926.

Pair of cast iron stools, Folke Bensow, Sweden, 1924. Black and white marble floor 6 — Château en Provence, grand salon avec canapé de Axel Einar Hjorth, Suède, 1931 ; pastels et aquarelles de Jigsaw 1.5 et 1.6 de Francesco Clemente, 2009, provenance : galerie Thaddeus Ropac, Paris ; sol en chêne massif / Château in Provence, large living room with sofa by Axel Einer Hjorth, Sweden, 1931; Jigsaw pastels and watercolours by Francesco Clemente, 2009, provenance: galerie Thaddeus Ropac, Paris; solid oak floor 7 — Appartement place des Vosges, Paris, salon. Table basse en marbre blanc et piètement en acier de Constantin Brodzki et Roel d’Haese, créée pour la Maison Bandin en

From historic to contemporary design Tynell’s work is becoming too expensive, even for the Marignan Hotel Paris, a stone’s throw from the Champs-Elysées. Today, his pieces go for astronomical prices at Christie’s or Piasa…, so to create the atmosphere that he was looking for, Yovanovitch had to really get inspired. Moreover, for the lobby of the hotel he settled on a large tapestry by the Danish artist Grethe Sørensen, that evokes the lights of the city and revisits the classic codes of textile crafts. In the entrance, the black and white checkerboard floor evokes the Swedish style of the Napoleonic era (Jean

Du design historique au c ontemp orain

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© Photo : Marina Faust

Pour l’hôtel Marignan à Paris, à deux pas des ChampsElysées, Tynell étant maintenant devenu quasiment inabordable – ses pièces sont vendues aujourd’hui

4-6-7-8 © Photo : Jean-François Jaussaud, LUXPRODUCTIONS

Living with design

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TL # 21

4 — Façade de l’hôtel Marignan, Paris. Trois portes d’entrée avec marquise, dessinées par Pierre Yovanovitch et réalisées par le ferronnier Steaven Richard, ferronnier en acier patiné et feuilles d’or / Facade of the Hotel Marignon, Paris. Three main doors in weathered steel and gold leaf with canopy designed by Pierre Yovanovitch, made by blacksmith Steaven Richard

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Belgique, 1957 ; paire de fauteuils de Karen et Ebbe Clemmensen, Danemark, 1958 ; coupelle en céramique en forme de feuille, Atelier Rörstrand, Suède, vers 1950 ; vase en céramique de Svend Hammershoj, Danemark, vers 1930 ; tapis en laine et soie de Sam Kasten, noué main, fabrication Népal / Apartment, Place des Vosges, Paris, lounge. Coffee table with white marble top and steel legs by Constantin Brodzki and Roel d'Haese, created for Maison Bandin in Belgium, 1957; pair of chairs by Karen and Ebbe Clemmensen, Denmark, 1958; small ceramic leaf-shaped dish, Atelier Rörstrand, Sweden, ca 1950; ceramic vase by Svend Hammershoj, Denmark, ca 1930; hand-knotted wool and silk rug by Sam Kasten, made in Nepal 8 — Hôtel particulier, Tour Eiffel, Paris 7e. Détail du salon fumoir avec la cheminée en céramique réalisée par Armelle Benoit ; lampe sur pied en laiton, états-Unis, vers 1950 ; paire de fauteuils d’Otto Schulz, Suède, vers 1950 / Historic mansion, Eiffel Tower, Paris 7th. Detail of the smoking lounge with ceramic chimney by Armelle Benoit; brass standing lamp, United States, ca 1950; pair of chairs by Otto Schulz, Sweden, ca 1950

Living with design

U n e pa n o plie d ’artisa n s , de savo ir - faire de créati o n

Échafaudés dans son bureau parisien, près de la place de la Madeleine, les projets de Pierre sont avant tout signés en collaboration avec un très précieux réseau d’artisans d’art. Compagnon et meilleur ouvrier de France, Pierre-Eloi Bris (Wandergestalter) fait encore partie de ces rares menuisiers-ébénistes itinérants. « Il m’accompagne sur l’ensemble de mes créations de mobilier en bois massif, car je ne suis pas très enclin à travailler le bois plaqué, je privilégie la vraie matière et une certaine économie de moyens… en ligne avec Hjorth. » Pierre-Eloi travaille aussi avec un apprenti artisan la pierre, la texture et les surfaces. La manufacture de parquets danoise Dinesen est aussi partenaire de ses chantiers, proposant des solutions de sols sur mesure en phase avec sa philosophie de marier les genres. Matthias Kohn, tailleur de pierre allemand, est quant à lui spécialisé dans les pierres et marbres et possède un sens du détail sans pareil. Une autre très belle personnalité, « la céramiste Armelle Benoit, est artiste peintre de formation, elle travaille la terre et les émaux avec une esthétique particulière et à différentes échelles. Elle peut aussi bien intervenir sur les parties communes d’un bâtiment classique en créant des appliques en cônes pour les luminaires tout en s’attachant à créer l’élément fait main au sein d’un espace contemporain. » Entreprenant un travail méticuleux et d’ampleur souvent

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A variet y of artisans, ex pertise , creative solutions Although the planning for Yovanovitch’s projects is carried out in the Paris office, just around the corner from Place de Madeleine, what is really important is the collaboration with a precious network of artists and craftsmen. Compagnon and Meilleur Ouvrier de France (Best Craftsman of France), Pierre-Eloi Bris (Wandergestalter) is part of an increasingly rare trade of itinerant carpenter-cabinetmakers. “He oversees the production of all my furniture designed in solid wood, because I’m not inclined to work with veneers, I privilege the genuine article and a certain economy of means… as did Hjorth.” Pierre-Eloi also works with an artisan who is learning about stone, its textures and surfaces. Dinesen, the Danish flooring company, is also an on-site partner, proposing solutions for custommade floors in line with his philosophy of blending genres. As for the German stone sculptor Matthias Kohn, he injects an unparalleled sense of detail to the stones and marble that he transforms. Another wonderful artisan, “the ceramist Armelle Benoit, who trained as an artist/painter, works the clay and enamels with a particular aesthetic and on different scales.

She is just as capable of intervening in the common areas of a classical building to create lamp cones for the lighting, as creating a handmade element for a contemporary space.” Undertaking work that is often on a monumental scale and requires meticulous attention

12 — voir / see n°14 13 — Château en Provence, cuisine, table triangulaire en mélèze réalisée par Pierre-Eloi Bris ; sol en pierre de Jura grise flammée ; chaises en pin d’Axel Einar Hjorth, vers 1930, provenance : galerie Eric Philippe, Paris ; suspensions : Hély de Katriina Nuutinen, verre et acier, 2009, provenance : galerie Maria Wettergren, Paris / Château in Provence, kitchen, triangular larch table made by Pierre-Eloi Bris; grey Jura stone floor; pine chairs by Axel Einar Hjorth, ca 1930, provenance: galerie Eric Philippe, Paris; "Hély" glass and steel suspension lamps by Katriina Nuutinen, 2009, provenance: galerie Maria Wettergren, Paris

© Matthieu Salvaing

Bernadotte), a controlled sophistication that can also be found in the highly polished en suite marble bathrooms that elegantly set off the bedrooms. “The contemporary furniture will be the ‘vintage’ furniture of tomorrow”, stresses Pierre Yovanovitch. “I have detached myself from neo-classicism to catch up with my own era. I mix beautiful pieces designed by leading designers of the twentieth and twenty-first century, mostly Nordic, and also put the emphasis on collaborations with artisans who accompany me on all my sites.

They are all open to experimentation and exchange ideas to advance and reinvent a particular style – they’re really concerned with the details and quality of the work.”

10-11 -12 © Photo : Jean-François Jaussaud, LUXPRODUCTIONS

à prix fort chez Christie’s, Piasa…–, il a fallu qu’il s’en inspire pour créer l’atmosphère recherchée. Il intégra en outre dans le lobby de l’hôtel une grande tapisserie de la Danoise Grethe Sørensen qui évoque les lumières de la ville, revisitant de fait les codes classiques de l’artisanat textile. Dans l’entrée, le sol en damier noir et blanc évoque le style suédois de l’époque napoléonienne (du temps de Bernadotte), une sophistication maîtrisée que l’on retrouve dans les marbres très polis des salles de bain habillant les chambres avec élégance. « Le mobilier contemporain deviendra le ‘vintage’ de demain… », souligne Pierre Yovanovitch. « Je me suis détaché du néo-classicisme pour vivre davantage dans mon temps. Je mixe de très belles pièces signées par des grands créateurs des xxe et xxie siècles, surtout nordiques, en mettant aussi l’accent sur mes collaborations avec les artisans qui m’accompagnent sur tous mes chantiers. Ceux-ci sont ouverts à l’expérimentation, à l’échange pour avancer et réinventer le style, ils travaillent à façon avec le souci du détail et de la qualité. »

I n terior D e sig n & C olle c tion s / P ierre Yova n ov itc h

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10 — Appartement quai Anatole France, Paris 7e. Entrée avec banc en fonte de Folke Bensow, Suède, 1923 ; paire d’appliques murales de Angsvar Almqvist, Suède, 1925 ; piano demi-queue en laque corail de Gunnar Asplund, créé pour la salle de musique de l’Exposition de Liljevalchs, Stockholm, 1920 / Apartment, Quai Anatole, Paris 7th, France.

Entrance featuring cast iron bench by Folke Bensow, Sweden, 1923; pair of wall lamps by Angsvar Almquist, Sweden, 1925; 11. coral lacquer semi grand piano by Gunnar Asplund, created for the music room that was part of the exhibition at Liljevalchs, Stockholm, 1920 11 — Appartement Faubourg Saint Germain, Paris 7e. Détail de la bibliothèque. Fauteuil de Flemming Lassen, Danemark, 1935 ; lampes sur pied de Pierre Yovanovitch ; tapis en laine, Ateliers Pinton ; table basse en liège et noyer de Paul Frankl, états-Unis, vers 1950 / Apartment Faubourg Saint Germain, Paris 7th. Detail of the library. Chair by Flemming Lassen, Denmark, 1935; standard lamps by Pierre Yovanovitch; wool rug, Ateliers Pinton; cork and walnut coffee table by Paul Frankl, USA, ca 1950

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In te ri or D e s i g n & Col l e c t ions / Pier re Yovanovitc h

monumentale, « Joël Puisais est quant à lui gypsier. Il travaille le plâtre pour le sculpter de manière classique jusqu’à créer des formes plus actuelles dans des éléments comme les cheminées. Restaurateur à la base, il œuvre surtout en Provence, maîtrise autant la création de grotesques que le gypse contemporain qu’il revisite avec ses codes classiques. » Poursuivant l’aventure, deux ferronniers jouent un rôle central dans les chantiers de Pierre Yovanovitch : les Ateliers Bataillard et Steaven Richard. Ce dernier a, entre autres, réalisé la porte monumentale de l’hôtel Marignan. Concernant ses réalisations textiles, Yovanovitch s’est rapproché des ateliers Charles Jouffre à Villeurbanne pour réaliser le fauteuil Asymétrie, ainsi que de la galerie Robert Four, rue des Saints-Pères à Paris, représentant les tapisseries d’Aubusson d’aujourd’hui et dont a aussi découlé une fructueuse collaboration avec la créatrice textile Patricia Racine. Pierre aime aussi collaborer avec les grandes maisons vénitiennes telles Fortuny et plus récemment Rubelli, pour laquelle il vient de réaliser un fauteuil recouvert du tissu Vello d’Oro pour leur nouvelle collection lancée au Paris Deco Off et qui leur sert aussi de visuel pour leur campagne 2014.

De Paris à Bruxelles : la Patinoire royale

Voyageant souvent entre Paris et Bruxelles, Pierre Yovanovitch est chargé du design intérieur de ce vaste bâtiment historique, construit en 1882 au 15, rue Veydt à Ixelles. Restaurée par Hermant, la Patinoire royale adjointe à la galerie Valérie Bach, installée 6, rue Faider depuis deux ans et porteuse de ce vaste projet, va sans doute devenir l’un des espaces les plus vastes d’Europe accueillant des expositions d’art contemporain. Son ouverture est prévue d’ici la fin 2014 avec en guise de commissaire Jean-Jacques Aillagon, ancien ministre de la Culture français (2002-2004). Le défi de ce chantier va être de différencier ce lieu des autres galeries ou centres d’art grâce à une identité forte et actuelle. www.pierreyovanovitch.com Où séjourner pour faire l’expérience authentique et confidentielle de son talent créateur ? / The best place to stay to authentically experience his creative talent: Hôtel Marignan, Nathalie Richard 12, rue de Marignan, F- 75008 Paris www.hotelmarignan.fr

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© Photo : Jean-François Jaussaud, LUXPRODUCTIONS

Living with design

to detail, “artisan plasterer/painter Joël Puisais works in the manner of a classical sculptor, even going as far as to create modern day interpretations for elements such as chimneys. An experienced restorer, Puisais works mainly in Provence, where he creates grotesques, skillfully working the contemporary gypsum that he revisits using classical codes.” Continuing the adventure, there are two blacksmith ateliers that play a central role on Pierre Yovanovitch’s sites: Ateliers Bataillard and Steaven Richard. The latter made the monumental door for the Hotel Marignan, among others. When sourcing his fabrics (see his asymmetric chair), Yovanovitch turns to the ateliers Charles Jouffre in Villeurbanne, with whom he has formed a close working relationship, and galerie Robert Four, situated on Rue des Saints-Pères, in Paris, a handweaver synonymous with contemporary Aubusson tapestries, which also resulted in a fruitful collaboration with the textile designer Patricia Racine. Pierre also enjoys working with the great Venetian design houses such as Fortuny, and more recently Rubelli, where he produced an armchair upholstered in Vello d’Oro fabric for the launch of their new collection at Paris Deco, which will also serve as the visual for their 2014 campaign.

From Paris to Brussels : the Royal Sk ating R ink A frequent traveller between Paris and Brussels, Pierre Yovanovitch has been charged with the redesign of a vast interior space within a historic building that was built in 1882, situated at 15 Rue Veydt, Ixelles. Restored by Hermant, the Royal Skating Rink project, initiated by galerie Valérie Bach, who moved to their current space at 6 Rue Faider in 2012, will undoubtedly become one of the largest exhibition and contemporary art spaces in Europe. The opening is scheduled for late 2014, and the curator is rumoured to be the French former Minister for Culture (2002-2004), Jean-Jacques Aillagon. The challenge of this project will be to differentiate this place with other galleries and art centers with a strong, modern identity.

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14 — Le Salon de Musique de l’exposition AD Intérieurs 2013 à L’Enclos des Bernardins, septembre 2013. Métamorphose, Maarten Baas ; piano Smoke Pleyel, 2013, co-édition Carpenters Workshop Gallery/Pleyel, éd. 8 ex. + 4 EA ; Mathias Bengtsson, Growth Chair, bronze à la cire perdue, 2012, éd. 8 ex. + 2 EA + 2 prototypes, provenance : galerie Maria Wettergren, Paris ; tapis Métamorphose, pièce unique, fabrication et teinture réalisées dans les Ateliers Robert Four, point plat d’Aubusson, 100% tissé main, 1 200 heures de confection ; cheminée et œuvre intégrée, gypsier : Joël Puisais, plus de 200 heures de création ; œuvre de Jason Martin, Angelico I, huile sur aluminium, 2007, provenance : galerie Thaddaeus Ropac, Paris ; chenets, fabrication Ateliers Bataillard ; bougeoirs en étain, Anna Petrus, Suède, vers 1925, provenance : galerie Eric Philippe ; fauteuil tapissé en bleu, modèle Asymétrie dessiné par Pierre Yovanovitch, 2013, réalisation par les Ateliers Charles Jouffre / The music room from the exhibition "Métamorphose" organised by AD Interiors 2013 at L'Enclos des Bernardins, September 2013, charred wood Smoke Pleyel Piano, 2013, co-edition Carpenters Workshop Gallery/Pleyel, ed. 8 ex. + 4 AP; Mathius Bengtsson, Growth Chair, lost-wax cast bronze, 2012, ed. 8 ex. + 2 AP +2 prototypes, provenance: galerie Maria Wettergren, Paris; Métamorphose rug, unique example, production + dyeing at Ateliers Robert Four, Aubusson flat weave, 100% hand woven, 1200 man hours to complete; work by Jason Martin, Angeloco I, oil on aluminium, 2007, provenance: galerie Thaddaeus Ropac, Paris; firedogs made by Ateliers Bataillard; pewter candleholders, Anna Petrus, Sweden, ca 1925, provenance: galerie Eric Philippe; Asymetric blue upholstered chair designed by Pierre Yovanovitch, 2013, made by Ateliers Charles Jouffre

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Le mobilier scandinave vintage / Vintage Scandinavian furniture Reportage de / Report by Corinne de Ménonville

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C’est un vrai phénomène, un succès jamais démenti.

Comment des designers issus de pays différents mais partageant des valeurs communes ont-t-ils réussi à créer il y a plus de 60 ans un style qui reste d’un étonnant modernisme et dont les rééditions connaissent toujours autant de succès ?

It’s a real phenomenon, an undeniable success. How did designers from different countries who share common values manage to create a style, more than sixty years ago, that retains a remarkably modernist appeal, and continues to fuel the demand for reissued furniture?

La Scandinavie, qui regroupe le Danemark, la Norvège et la Suède auxquels on ajoute ici la Finlande et l’Islande, est à l’origine de ce courant qui prit naissance dès les années 1920. L’Europe était alors en pleine effervescence créative. Dès 1918, Le Corbusier avait publié avec Amédée Ozenfant Après le cubisme et, en 1919, Walter Gropius créait en Allemagne le Bauhaus qui s’appuye sur un concept minimaliste en forte opposition avec le courant flamboyant de l’Art déco.

Entre l’épure froide du Bauhaus et la chaleur raffinée et polychrome des années 1930, l’art scandinave apparaît comme une synthèse très originale. Du premier mouvement, il retiendra la pureté des lignes et des volumes, du second la chaleur et le raffinement des matériaux non dénués de sophistication, sans ostentation. Par contre, si ces influences se ressentent au niveau esthétique, les valeurs qui le sous-tendent sont, elles, très spécifiques. Elles relèvent d’un courant de pensée né en Suède sous l’impulsion d’Ellen Key, essayiste, et dont le pamphlet publié dès 1899, Skonhert for Alla (La Beauté pour tous) fit grand bruit.

Il fallut cependant attendre les écrits de Gregor Paulsson, Vaackarare Vardagsvara (Plus de belles choses pour un usage quotidien) pour que s’élabore un véritable travail de réflexion autour d’une nouvelle philosophie du mobilier. À la fois historien et sociologue, Gregor Paulsson prônait une collaboration entre artistes et fabricants. On pourrait considérer qu’il contribua, de fait, à affirmer l’identité du « designer ».

This movement originated in the 1920s in Scandinavia, which comprises Denmark, Norway and Sweden, to which for the purposes of this article we can add Finland and Iceland. There was a climate of creative effervescence in Europe. In 1918, Le Corbusier’s collaboration with Cubist painter Amédée Ozenfant resulted in the publication of “After Cubism” and in Germany, in 1919, Walter Gropius created the Bauhaus based on a minimalist concept that was in sharp contrast to the flamboyance of Art Deco. Between the cool pure forms of the Bauhaus and the warm, sophisticated polychrome designs of the 1930s, Scandinavian art appeared as the synthesis of something truly original. The first movement retained the purity of lines and volumes, the second the warmth and refined materials – sophistication without ostentation. But, if these influences were felt on an aesthetic level, the values that underpin them are very specific. They belong to a school of thought that first manifested in Sweden, where essayist Ellen Key had caused a sensation in 1899, with a pamphlet she had published entitled Skonhert for Alla (Beauty for All). However, we would have to wait until Gregor Paulsson had written Vaackarare Vardagsvara (More Beautiful Things for Everyday

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A r t & D e s i g n G al l e ri e s / Vint age S c andinavian de sign

D e la n aissa n ce des belles f o rmes qu otidiennes

Parallèlement, au Danemark, dans les années 1920 et sous l’impulsion de Poul Henningsen (1894-1967), rédacteur de la revue Kritisk Revey (Critiques) et grand nom du design scandinave, l’accent fut mis sur le devoir moral des designers : prendre en compte la qualité de vie des gens et la nécessité de les fournir en meubles conçus comme des objets à part entière contribuant à l’agrément des intérieurs. La création en 1924 du département de design mobilier à l’école d’architecture de l’Académie royale des Beaux-Arts eut aussi un fort impact via l’enseignement précurseur du très charismatique architecte et designer Kaare Klint (1888-1954). C’est lui qui introduisit la notion d’ergonomie pour le design des fauteuils et des chaises afin d’en optimiser le confort. Il prônait également l’harmonisation des éléments décoratifs accompagnant les meubles et lança le concept des éléments modulables qui inspira Cadovius et ses bibliothèques modifiables au gré des besoins.

L a rig u e u r et la simplicité d u desig n scan dinave

Dans ces pays nordiques, face à un climat rude, austère, où les journées sont courtes, la lumière rare mais sublime, la maison est un véritable lieu de vie, un refuge. Il convient donc d’optimiser les caractéristiques de l’habitat. Très vite sont ainsi définis les critères fondamentaux du mobilier scandinave : fonctionnel, solide, de qualité, facile d’usage, bien proportionné, s’intégrant aisément, sans ornement, aux lignes simples, pures, et toujours beau. Cette beauté s’exprime de nombreuses façons, dans le choix méticuleux des matériaux et dans leur traitement.

De l’usage essentiel des matériaux

Use) before any serious reflection around a new philosophy of furniture took place. Paulsson, a historian and sociologist, advocated collaboration between artists and manufacturers. In fact he might be considered to have contributed to asserting the very identity of the “designer.”

T he creation of beautiful ev eryday forms Parallel to this, in Denmark in the 1920s – spurred on

by Poul Henningsen (1894-1967), editor of Kritisk Revey (Critical Review) and a leading figure in Scandinavian design – the emphasis was put firmly on the moral duties of designers, who had to take into account people’s quality of life whilst reflecting on the need to provide them with pieces of furniture that were objects in their own right, and contributed to the appeal of interiors. The creation in 1924 of the Furniture Department within the School of Architecture at the Royal Danish Academy of Fine Arts along with groundbreaking teaching methods practised by the charismatic architect and designer Kaare Klint (1888-1954) also had a strong impact. Klint introduced the concept of ergonomics to enhance comfort. He also advocated the harmonisation of decorative elements accompanying furniture, and launched the concept of modular elements that inspired Cadovius to design his wall system that could be extended or reconfigured as desired, which set a benchmark for wall storage design.

T he rigour and simplicit y of S candinav ian design In these Nordic countries, where the climate is rude and days are short, where light is rare but sublime, the home is a place of life, a refuge. It is therefore necessary to optimise the characteristics of the habitat.

The fundamental design criteria for Scandinavian design was quickly defined: functional, solid, high quality, easy to use, well proportioned, easy to integrate, unadorned, simple, pure lines, and always beautiful. This beauty is expressed in many ways, in the careful selection of materials and their processing.

T he essential materials Wood is the predominant material. Beautifully worked, curved, bent, magnified, it is the noble material par excellence: exotic woods such as teak or rosewood are carefully worked to bring out the beauty of the grain, the colours, the patina, before the addition of fine elegant hinges, or small locks with delicately forged keys. The finishes are always perfect: fine mitre cuts, precise mortise and tenon joints, moulded hollow handles. There are also wood veneers made from birch, pine, sycamore for a secretaire and cabinets, lemonwood for simple free flowing interiors. Oak and beech are also used in plywood. They can also be combined with materials such as leather, stone, marble or glass.

Like wood, these materials are derived from nature, which is never far away. Steel and aluminium are also two very characteristic materials. Steel, a material used in large quantities by the designer Arne Jacobsen, can be chromed, lacquered or silvered. As for aluminium, Louis Poulsen was probably responsible for raising

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Le bois est le premier de tous. Travaillé de manière exceptionnelle, galbé, cintré, magnifié, il est le matériau noble par excellence et notamment les bois exotiques tels que teck, palissandre, bois de rose – dont on veillera à mettre en valeur les veines, les couleurs, la patine et auxquels on ajoutera de fines charnières élégantes, ou de petites serrures aux clés délicatement forgées. Les finitions sont toujours parfaites : fines coupes à onglets, tenons et mortaises d’une netteté absolue, poignées en creux moulurées. On y trouve également des placages en bouleau, pin, sycomore pour les secrétaires et cabinets, du bois de citronnier odorant pour les intérieurs d’enfilade et de commode. Chêne et hêtre sont aussi utilisés en multiplis. Peuvent y être associés des matériaux tels que le cuir, la pierre, le marbre ou le verre, qui comme le bois sont issus de la nature, dont on reste toujours très proche.

L’acier et l’aluminium sont aussi deux matériaux très caractéristiques. L’acier, dont un designer comme Arne Jacobsen fera grand usage, peut être chromé, laqué, argenté. Quant à l’aluminium, c’est probablement Louis Poulsen et ses fameuses lampes PH qui lui donna ses lettres de noblesse. Enfin, l’utilisation de matériaux nouveaux tels que skaï, moleskine, coques

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en résine ou mousse de polyuréthane témoigne de la modernité du mouvement.

L es ic ô n es d u desig n sca n di n a v e d u XX e siècle

Des cinq pays de Scandinavie, c’est le Danemark où l’on va trouver le plus grand nombre de designers emblématiques : Arne Jacobsen (1902-1971) et sa chaise « Fourmi » (the Ant chair), créée pour la cantine de la firme pharmaceutique Novo. Siège et dossier sont pour la première fois indissociables grâce à une seule et même feuille de contreplaqué. Ses déclinaisons, la Série 7 et la 3107 connaîtront un succès rarement égalé : 5 millions d’exemplaires de cette dernière ont été produit à ce jour. Pour l’ameublement du SAS Royal Hotel de Copenhague en 1958, premier gratteciel du Danemark, il conçut deux pièces devenues de véritables icônes : le fauteuil « Cygne » (the Swan) aux accoudoirs déployés et le magistral fauteuil « Œuf » (the Egg chair) à la forme incurvée. Très copié, il est la référence incontestée du design scandinave.

galerie Møbler Jérôme Levy, le créateur de la galerie Møbler (39, avenue de l’Europe à Courbevoie, sur rendez-vous uniquement) est passé de la scène cinématographique à la mise en scène du mobilier scandinave. Cet autre passionné, parfait connaisseur de la question, est un véritable « activiste ».

Sa galerie, qui propose exclusivement des pièces originales du design scandinave des années 1930 aux années 1980, est dotée d’un site internet, référence en la matière. Il a aussi créé Design-Ikonik qui produit des éditions originales des plus belles pièces de mobilier scandinave. Récemment, il vient de passer un partenariat avec la Maison du Danemark à l’occasion de l’exposition de Kay Bojesen, ce formidable designer de jouets colorés et pleins d’humour.

Enfin, il collabore avec Armand Ventilo, au 7, quai Voltaire.

Ce dernier ouvre un concept store associant meubles, luminaires et accessoires scandinaves, avec des accessoires de mode vintage, des films cultes et des arts de la table.

Jérôme Levy, the owner of galerie Møbler (39 Avenue de l’Europe, Courbevoie, by appointment only) went from working in the film industry to staging a gallery for Scandinavian furniture. This true “activist” is passionate about his work, and is a connoisseur on the subject. His gallery, which has a website that is a reference in the field, only sells vintage Scandinavian design made between 1930 and 1980. He is also behind Design-Ikonik, which produces original editions of the finest pieces of Scandinavian furniture. He recently entered into a partnership with the Maison du Danemark (House of Denmark) for the occasion of an exhibition by Kay Bojesen, who designs wonderful colourful games that are full of wit and humour. He has also entered into a working relationship with Armand Ventilo, at 7, Quai Voltaire, who has just opened a concept store that mixes Scandinavian furniture, lighting and accessories, with vintage fashion accessories, cult films and tableware.

Un marché de l’art e n croissa nce

Depuis quelques années, le succès des productions scandinaves, du mobilier aux luminaires en passant par la céramique, ne se dément pas. Les rééditions (Design-ikonik, Boutique danoises, etc.) se multiplient, les ventes aux enchères (Pierre Bergé à Bruxelles, Piasa Rive Gauche et Artcurial à Paris) démarrent très fort, de nouvelles boutiques apparaissent, et pas un stand aux puces ou presque qui n’en ait pas une pièce, quitte pour certains à les avoir horriblement revernies auparavant !

Engouement passager, effet de mode ou réel intérêt ?

Les récentes prises de conscience sur l’environnement à préserver, la saturation du jetable et de l’hyperconsommation laissent penser que cela pourrait bien durer, d’autant que ce design intemporel, avec ses lignes pures, ses matières chaudes, son raffinement discret et sa solidité confortable sont en parfaite adéquation avec l'époque.

Dansk Møbel Kunst

the profile of this material with his famous PH lamps.

Finally, the use of new materials such as imitation leather, moleskin, resin or polyurethane foam frames, reflect the modernity of the movement.

20 th C entury Scandinav ian design icons Of the five Scandinavian countries, Denmark is where you will find the greatest number of iconic designers: Arne Jacobsen (1902-1971) designed his Ant chair for the canteen at Danish pharmaceutical firm Novo. The seat and backrest were moulded from the same single sheet of plywood, which was a first. This inspired the Series 7 range and the 3107 which became one of the greatest selling pieces of furniture ever designed: 5 million units have been sold to date. For the refurbishment of the SAS Royal Hotel in Copenhagen in 1958, the first skyscraper to grace Denmark, he created two pieces of furniture that have become absolute icons: the Swan chair with extended armrests and the brilliant curvaceous Egg chair. Much copied, it is THE benchmark for Scandinavian design.

www.dmk.dk

www.galerie-mobler.com

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T he art mar k et is rising In recent years, the success of Scandinavian design, from furniture to lighting and ceramics, is undeniable.

Reissued furniture (Design-ikonik, Danish boutiques, etc.) is multiplying, sales are buoyant at auction (Pierre Bergé in Brussels, Piasa Rive Gauche and Artcurial in Paris), new shops are appearing, and almost every stand at the flea market has a piece to sell, even if it has been badly touched up!

Trend, fad, or is there genuine interest? The recent widespread awakening of environmental consciousness, saturation of disposable products and hyper-consumerism suggests that it’s here to stay, particularly as these timeless designs, with their pure lines, warm materials, discreet elegance and comfortable solidity, are in perfect harmony with the times.

Dansk Møbelkunst ou le mobilier scandinave façon musée.

L’espace galerie (53 bis, quai des Grands Augustins) est magique. On y entre presque religieusement ; les pièces éparses sont toutes sublimes et on s’y arrête de longs moments pour étudier les détails d’ébénisterie, le volume du meuble, sa présence, immense. Tous les grands noms sont représentés, même le plus exceptionnel Peder Moos (1906-1991), dont les meubles sont des pièces uniques, ou encore d’admirables designers comme Ejner Larsen (19171987) et Aksel Bender Madsen (1916-2000). Cette année, à TEFAF Maastricht, il présente une paire de chaises du Danois Tyge Hvass (1885-1963) dont on dénombre seulement quatre exemplaires. Celles-ci furent présentées à l’Exposition universelle à Paris en 1937. Un must.

Dansk Møbelkunst (53 bis, Quai des Grands Augustins) is a wonderful gallery space with a museum-like feel. Here, people enter reverently into sparse rooms, pausing to gaze at sublime objects, taking the time to study the details of a cabinet, the volume of a piece of furniture, to absorb its presence.

All the most important names are here, even the exceptional Peder Moos (1906-1991), who produced unique pieces as well as admirable designers like Ejner Larsen (1917-1987) and Aksel Bender Madsen (1916-2000). This year, at TEFAF Maastricht, they presented a pair of chairs by the Danish architect Tyge Hvass (1885-1963), of which there are only four remaining examples in existence. They were first shown at the Universal Exhibition in Paris in 1937. A must.

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1 — Hans J. Wegner, Peacock 2 — Arne Jacobsen, Series 7 3 — Alvar Aalto, Model No. 41 4 — Arne Jacobsen, Ant 5 — Arne Jacobsen, Egg 6 — Finn Juhl, 45 7 — Hans J. Wegner, Shell

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D e s i g n M i ami Bas e l / D e sign at Large

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D e sig n M ia mi B a s el / D e sig n at La rge

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© Courtesy of Design Miami / Basel

Qu’ils travaillent dans la conception de produits, de meubles ou d’intérieurs, les designers d’aujourd’hui cherchent à se libérer des contraintes associées à l’espace traditionnel des galeries en explorant les possibilités qu’offrent les installations, dans lesquelles ils voient un nouveau moyen d’expression. Cette tendance sera d’ailleurs au cœur du forum Design Miami/ Bâle 2014 (17-22 juin), avec l’inauguration de la plateforme Design at Large conçue par le directeur de création de Barneys New York, Dennis Freedman. La tête d’affiche sera occupée par une collection variée d’installations massives, imaginées par Chris Kabel, Anton Alvarez et d’autres grands noms du design, couvrant un ample éventail de thèmes allant du renouveau historique à l’innovation technologique. À partir des nombreuses propositions formulées par des galeries de renom, telles que Maria Wettergren et la Galerie Kreo, une série de projets ont été retenus.

© Courtesy of Jousse Entreprise

http://basel2014.designmiami.com/

Pushing beyond the limits of traditional gallery spaces, today’s product, furniture and interior designers explore installation as a new expressive medium. Underlining this new trend, Design Miami/ Basel (17 to 22 June) debuts Design at Large – curated by Barneys’ New York creative director Dennis Freedman. Featuring prominently at next months event, a diverse collection of large-scale installations by Chris Kabel, Anton Alvarez and other recognized talents will explore everything from historic revival to technological innovation. Based on a slew of proposals submitted by big name galleries like Maria Wettergren and Galerie Kreo, the following projects made the cut.

1 — JeanBenjamin Maneval, Bulles 6 Coques 2 — Anton Alvarez, Tread Wrapped Architecture 3 — Jamie Zigelbaum, Triangular Series 4 — Chris Kabel, Wood Ring 5 — Eske Rex, Drawing Machine 6 — Dominic Harris, Ice Angel

Jamie Zigelbaum, Triangular Series

Chris Kabel, Wood Ring, Galerie Kreo

Parallèlement à la programmation de Design at Large, Design Miami / Bâle poursuivra sa campagne de commandes biennale, couronnée de succès lors des éditions précédentes. Le forum mettra en effet à disposition des jeunes designers et architectes une plateforme destinée à recevoir des œuvres monumentales, expérimentales ou intrigantes.

In addition to the Design at Large programme, Design Miami / Basel will continue its successful biennial commission campaign – providing a platform for monumental, experimental or engaging works created by early-career architects and designers.

Cet anneau de bois, taillé à partir d’un seul tronc et conçu par le designer néerlandais Chris Kabel, ressemble à un accordéon qui peut être réagencé jusqu’à atteindre une longueur de dix mètres. Dans cette construction modulable constituée de différentes pièces juxtaposées, le sens original du veinage de l’arbre est respecté, rehaussant la nature majestueuse et organique de l’œuvre. Ce banc en forme d’anneau peut être disposé selon différentes configurations circulaires, donnant ainsi lieu à des espaces à la fois intimes et conviviaux.

Carved from a single tree trunk, Wood Ring by Dutch designer Chris Kabel resembles an accordion, stretching 10-meters long. Placing different elements side-by-side, the flexible construction follows the original wood grain – adding to its majestic and organic quality. The rounded bench snakes into different circular arrangements, creating both intimate and inviting spaces. © Courtesy of PriveeKollektie Contemporary Art | Desig

Par / By Adrian Madlener

© Joseph Barnett

Des installations pensées par des designers / Designers Curate Installations

© Courtesy of Design Miami / Basel

© Courtesy of the designer

Design Miami / Basel

Eske Rex, Drawing Machine, Galerie Maria Wettergren

Jean Benjamin Maneval, Bulle 6 Coques, Jousse Entreprise

Avec sa Bulle 6 Coques, Jousse Entreprise revisite une icône du modernisme : un prototype utopique exclusivement constitué de plastique, développé à l’occasion du Salon des Art Ménagers de 1956 par l’urbaniste et théoricien Jean Benjamin Maneval. C’est en 1986, dans le village de vacances français de Gripp, que cette unité a pour la première fois été utilisée.

Reviving a modernist icon, Jousse Entreprise presents the Bulle 6 Coques housing unit. Originally conceived for the 1956 Salon des Art Ménagers, urban architect and theorist Jean Benjamin Maneval developed this utopian prototype entirely in plastic. The ‘six shell bubble’ was first put into use in 1986 as a holiday village complex in Gripp, France.

Eske Rex, designer et artiste danois, montera sa désormais célèbre machine à dessiner (Drawing Machine), un engin inspiré de l’ère préindustrielle et composé de deux bras articulés à des pendules dont la forme rappelle celle d’une tour. Une fois la machine actionnée manuellement, ses joints impriment leur mouvement sur un stylo-bille, qui se met alors à tracer des motifs géométriques sur une feuille grand format. Au travers de ces compositions multicolores, le designer danois explore la relation entre le temps et le mouvement.

Danish designer and artist Eske Rex will install his now famous Drawing Machine – a pre-industrial-inspired contraption combining two connected ‘drawing arms’ with tower-like pendulums. Set in motion by hand, joints direct a ballpoint pen across large-format paper to draw mathematical patterns. Creating multicoloured compositions, Rex explores the relationship between time and movement.

Anton Alvarez, Thread Wrapped Architecture, Galerie Libby Sellers

Grâce à la technique éprouvée de sa Thread Wrapping Machine, qui lui servait initialement à créer des meubles, Anton Alvarez va construire sans clous ni vis des structures de trois mètres de haut. En exploitant les propriétés architecturales de cette technique sur mesure fondée sur l’utilisation de volumes courbes et angulaires, ce designer d’origine suédo-chilienne ouvre de nouveaux horizons.

Anton Alvarez will create 3-metre high freestanding structures using his tried and tested Thread Wrapping Machine, with which he originally developed furniture.

Discovering the architectural qualities of this bespoke technique — angular volumes and arches — the SwedishChilean designer is breaking new ground.

Dominic Harris, Ice Angel, PriveeKollektie Contemporary Art | Design L’ange de glace de Dominic Harris part d’une intention ludique : grâce à une manipulation numérique du mouvement humain, cette installation projette sur un mur l’image du visiteur qui agite ses bras devant les capteurs prévus à cet effet. L’utilisateur de la machine devient donc simultanément l’auteur et le sujet du portrait qu’il génère et peut ainsi contrôler à son gré.

Tapping into a playful spirit, Ice Angel by Dominic Harris digitally manipulates human movement – mimicking visitors as they wave their arms in front of sensors. Assuming the role of both performer and portrait subject, users will be able to direct the corresponding image.

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/ Kay B oj e s e n

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/ K ay B oje s en

his designer friends that included Finn Juhl and Ole Wanscher. He would meet them at Bella Vista, a luxurious avant-garde residential complex, where he resided from 1932 onwards. By this time his international reputation was well established. He used his notoriety to promote home-grown design, and in 1931 co-founded the design exhibition gallery and shop called “Den Permanente” (The Permanent), a collective whose aim was to exhibit the best of Danish design.

Kay Bojesen L’éternelle jeunesse / Eternal youth Par / By Corinne de Menonville

Consacré à l’un des designers danois les plus connus, l’exposition qui a lieu à la Maison du Danemark plonge le visiteur dans l’univers de Kay Bojesen, qui doit la célébrité à son éventail de talents.

Il commencera par l’orfèvrerie puis sera l’homme du bois et des jouets, celui qui a fait rêver tous les petits enfants danois avec son singe articulé, plein d’humour et de présence, qui les a fait rire sur ses chevaux à bascule et les a occupé avec ses jouets de construction et d’assemblage.

Né à Copenhague en 1886 « du côté ensoleillé de la vie », comme il le dit avec humour en ajoutant « qu’il en a honoré les avantages par la paresse. » Son père est éditeur, sa mère est l’artiste Valborg Rosholdt. En 1906, peu enclin aux études, il est envoyé en apprentissage chez un épicier où il montre alors un excellent sens du contact et du commerce. Plus sérieusement ensuite, et à sa demande, il entre en 1910, toujours comme apprenti, chez le fameux orfèvre Georg Jensen. Et là, c’est la révélation. Il se passionne pour ce travail, y démontre habileté, minutie, inventivité et affirme son amour des objets de petit volume et de la matière à façonner.

D e G eo rg J e n se n à sa pr o pre créati o n de j o u ets e n b o is

Dès 1933, il s’intéresse au bois qu’il façonne lui-même.

Il commence à créer des jouets toujours selon ce principe de formes réduites à l’essentiel. Il puise d’abord dans le répertoire traditionnel ; ainsi apparaissent des personnages aux costumes régionaux ou encore les fameux gardes royaux avec leurs hauts casques noirs, emblème national fort. Conçus comme des blocs de bois multiples, les jouets sont articulés et peints de couleurs vives avec la contribution du peintre Svend Johansen. Viennent ensuite des jouets de construction et du mobilier toujours pleins d’astuces, comme ces petites chaises qui s’adaptent, en se retournant, à la taille des enfants. Avec la libération de la femme, les crèches sont développées afin d’occuper intelligemment les nouveaux nés. Il crée l’ingénieux principe du module, offrant de grandes possibilités imaginatives à l’enfant. Chiffres et lettres sont aussi proposés. Esprit curieux toujours en effervescence, Kay Bojensen est fasciné par la vitesse et les moyens de transport. Il dessine avec Ole Wanscher une voiture en bois avec des roues articulées, des trains et leurs gares, des bateaux et leurs ports. On estime à plus de 2 OOO le nombre de jouets créés. Cette large palette est complétée par un merveilleux bestiaire déclinable en plusieurs tailles, du singe devenu iconique au lapin, en passant par l’éléphant, l’ours, le chien ou les oiseaux, portant chacun le prénom d’un membre de sa famille et tous réédités par le Rosendahl Design Group. Humour, joie de vivre et fraîcheur caractérisent ce créateur à qui une très belle rétrospective est consacrée jusqu'à mi-mai à la Maison du Danemark à Paris. Sous le commissariat de Marius Hansteen, elle révèle l’immense collection commencée intuitivement, il y a vingt ans, par Tonny Christensen.

Un grand moment de poésie.

An exhibition held at the Maison du Danemark (House of Denmark) immerses visitors in the world of one of Denmark’s best-known craftsmen. Kay Bojesen is famous for his many talents. He started out as a silversmith before developing a series of characterful wooden toys that were coveted by Danish children throughout the kingdom; a cheeky articulated monkey, a rocking horse and many other building toys kept them occupied and brought joy and laughter to their lives.

Bojesen was born, in his own words, "on the sunny side of life" in Copenhagen, in 1886, and "respected the benefits of idleness". His father was an editor, his mother an artist by the name of Valborg Rosholdt. In 1906, showing little aptitude for his studies, he was apprenticed to a grocer where he demonstrated excellent commercial attributes. Later, in 1910, at his own bequest, he started an apprenticeship with the famous silversmith Georg Jensen. And it was a revelation. He adored his work, demonstrating skill, thoroughness and creativity while expressing his love for crafting small objects.

In 1913 he set up his own studio. In 1925, his work garnered a great deal of attention at the Universal Exhibition in Paris.

Moreover, in 1938 he designed a set of cutlery that won the Grand Prix at the Milan Triennale, which, from that day onwards, was known as the “Grand Prix” set. The pure functional forms echoed the modernism of the Bauhaus. The cutlery set has been relaunched and is now manufactured by his granddaughter, Suzanne Bojensen Rosenqvist. He also worked with

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Dès 1913, il crée son propre atelier. En 1925, sa production est très remarquée à l’Exposition Universelle de Paris. Il dessine d’ailleurs en 1938 des couverts qui remportèrent le grand Prix de la Triennale de Milan et qui, depuis ce jour, sont appelés « Grand Prix ». Leurs formes épurées, au fonctionnalisme abouti, appartiennent au courant moderniste du Bauhaus et sont réédités depuis par sa petite-fille Suzanne Bojensen Rosenqvist. Il travaille aussi en collaboration avec ses amis designers dont Finn Juhl et Ole Wanscher.

Il les retrouve à Bella Vista, ce complexe immobilier luxueux et avant-gardiste dessiné par Arne Jacobsen où il habitera dès 1932. Sa renommée internationale est dorénavant bien établie. Il en profite pour se faire l’ardent promoteur du design danois, notamment à La Permanente, lieu d’exposition dont il a été le co-fondateur en 1931 à Copenhague.

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Kay Bojensen – Le design en jeu, collection de Tonny Christensen / Playful Design, private collection of Tonny Christensen, exposition jusqu’au 18 mai 2014 / exhibition until 18 May 2014, Maison du Danemark au 142, avenue des Champs-Elysées, F-75008 Paris www.maisondudanemark.dk

F rom G eorg J ensen to his o w n line of wooden toys In 1933 he started to explore his passion for wood by handcrafting wooden objects. He began to create toys using the simplest shapes. Initially he drew his inspiration from tradition. The first characters he designed were dressed in regional costume. He produced the famous royal guards with their tall black helmets – a strong national emblem. Designed as multiple blocks of wood, the toys were articulated and painted in bright colours by artists like Svend Johansen. Next came his building toys and clever pieces of furniture, like the small chairs which adapted to the height of the individual child. Nurseries that looked after newborn babies sprang up with the advent of “women’s lib”.

Bojesen created the ingenious principle of the module that offered children infinite creative possibilities.

Numbers and letters of the alphabet were also available. Bojesen’s curious mind was fascinated by the speed and means of transport. With Ole Wanscher, he designed a wooden car that had articulated wheels, a train set (train and station), boats and port. It is estimated that he created over two thousand different toys. This wide range is complemented by a wonderful collection of animals that can be bought in different sizes, from the iconic monkey, rabbit, elephant, bear and dog, to the birds, each of which bear the name of a family member, all reproduced by the Rosendahl Design Group.

Humour, joie de vivre, freshness are just a few of the words that characterize the work of this craftsman, who is honoured with a wonderful retrospective at the Maison du Danemark in Paris that runs until mid-May. Curated by Marius Hansteen, the exhibition plays host to Tonny Christensen’s huge collection that he started intuitively over twenty years ago. A wonderfully poetic tribute.

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N ew N ord ic lu xu rie s / S to c kh olm S in g le P lac e

Les nouveaux luxes nordiques / The new Nordic luxuries Reportage de / Report by Lise Coirier Photographies par / photographs by Martina Björn

« L a mais o n se n s u elle : libérer ses se n s , cha n ger sa v ie . L a mais o n est là o ù le c œu r se tro u v e » – I l s e Craw fo rd

Voyage initiatique de TLmag à Stockholm.

Hospitalité contrastée entre Ett Hem et le Grand Hotel dont le cadre très imprégné de traditions et de savoirfaire suédois nous a permis de transposer notre regard d’esthète sur une ville qui offre tant le plaisir de la contemplation que de la découverte.

D’Östermalm chez Ett Hem à la promenade élégante de Strandvägen, avec le spa du Grand Hotel qui procure un menu à la carte de soins de beauté nordiques, TLmag s’est laissé vivre au gré des nouveaux luxes.

Grands espaces, échappées sur des ciels en dégradé et des plans d’eau aux reflets argentés, le regard cherche l’archipel de Stockholm à l’horizon.

Promenades culturelles de Skultuna à Svenskt Tenn en passant par la fastueuse salle dorée de la Stadshuset et la salle de bal du Grand Hotel…

La création naît de cette culture éclectique scandinave.

E tt H em , l’oasis sto ckh o lmo ise

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Pensée par sa propriétaire Jeanette Mix et Ilse Crawford (Studioilse) telle une ode au manifeste de Carl Larsson, Ett Hem (« La Maison »») a été bâtie en 1910 par l’architecte Fredrik Dahberg, à Sköldungagatan 2, dans le quartier paisible d’Östermalm. L’idéal de l’œuvre d’art totale est au cœur de cette belle bâtisse où Jeanette Mix et Studioilse ont sublimé l’influence des Arts & Crafts suédois (Svenskt Tenn, Skultuna, le laiton poli…) tout en mettant l’accent sur des pièces d’art et de design contemporaines pour faire ressortir au mieux une sensibilité au confort, à la qualité de l’espace, à la sensualité des matières… On se sent soudain chez soi dans un environnement aux couleurs gustaviennes, apaisantes. Ett Hem est un lieu de vie intime et de partage, à la fois familial, convivial et de caractère, où chaque détail prend de l’importance. Le style personnalisé des chambres, la table d’hôtes ouverte 24h/24, l’accueil souriant dès la porte d’entrée de la maison fait de Ett Hem une destination unique pour les voyageurs et les Stockholmois en quête de beauté et d’esthétique.

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“ T he sensual home : free your senses , change your life . H ome is w here the heart is” – Ils e C raw fo rd TLmag’s rite of passage to Stockholm.

A contrast in hospitality between Ett Hem, and the Grand Hotel that is steeped in Swedish traditions and savoir-faire, enabled us to cast a critical eye over a city that is as enjoyable to contemplate, as it is to discover.

We embraced the new Nordic luxuries, from Östermalm at Ett Hem to the elegant promenade of Strandvägen, and the Spa at the Grand Hotel, that offers a la carte Nordic beauty treatments.

With wide-open spaces leading to contrasting skies and stretches of water with silvery reflections, the eye searches for the Stockholm archipelago on the horizon.

Cultural walks from Skultuna to Svenskt Tenn lead you through the sumptuous golden room of the Stadshuset, and the ballroom at the Grand Hotel…

This eclectic Scandinavian culture is fertile ground for creativity.

E tt H em, an oasis of calm in Stock holm Conceived by the owner Jeanette Mix and Ilse Crawford (Studioilse), possibly as an ode to Carl Larsson, “Ett Hem” (The Home), situated on Sköldungagatan 2, in the peaceful district of Östermalm, was originally built in 1910 by the architect Fredrik Dahberg. The ideal of Gesamtkunstwerk (total work of art) is a central element of this building, that has been beautifully refurbished by Jeanette Mix and Studioilse, who incorporated influences from Swedish Arts & Crafts (Svenskt Tenn, Skultuna, polished brass…), putting the emphasis on contemporary pieces of art and design to privilege a feeling of comfort, quality of space, and sensuality of materials… The soothing Gustavian colours create a homely atmosphere. Ett Hem is an intimate, friendly, family-run hotel with bags of character, a place where every detail takes on a new importance.

The personalised style of the bedrooms, meals that are available 24/24, and the welcome you receive upon

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1 — Ett Hem, chambre / room 11 2 — Jeanette Mix, la maîtresse des lieux : « La maison est pour mes invités » / the lady of the house: “My house is for my guests”

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Ne w Nordi c l u xu ri e s / Sto c kholm Single Plac e

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N ew N ord ic lu xu rie s / S to c kh olm S in g le P lac e

cœur de cette boutique aménagée comme une maison à vivre et où le « studiolo » de Ericson reste visible depuis le salon de thé, tel un cabinet de curiosités recueillant ses souvenirs de voyage au Japon, au Mexique...

Parmi les icônes de la marque, l’on retient aussi des créations de Ingegerd Råman, Sissi Westerberg, Signe Persson-Melin, Eva Hild, Inga Sempé, Jakob Solgren et Eric Ericson. Depuis les années 1980, Svenskt Tenn fait partie de la fondation Kjell & Märta Beijer qui fait perdurer cette tradition du bon goût scandinave.

E kstedt, la c u isi n e su r le feu de b o u leau

L’expérience culinaire offerte par le restaurant une étoile Michelin, Ekstedt (« le chêne » en suédois), Humlegårdsgatan 17 à Stockholm, mérite le détour. Originaire de Jämtland et Skåne, au sud de la Suède, le restaurateur Niklas Ekstedt a élaboré en tandem avec son chef étoilé Gustav Otterberg un menu de six mets préparé sur le feu de bois. La dégustation suit un rituel strict depuis les plats d’entrée jusqu’au dessert. Le goût fumé est maîtrisé et se traduit délicatement dans chaque plat qui est traité dans l’esprit d’une cuisine assez rustique, proche du terroir suédois. L’ambiance du restaurant en tant que telle recoupe l’état d’esprit du lieu connecté à la matière : le cuivre, le cuir, le bouleau…

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3 — La nouvelle collection de Skultuna / the new collection from Skultuna 4 — Viktor Blomqvist, directeur de Skultuna, attablé à la brasserie Napolyon, face au concept store de Skultuna, entouré de deux bougeoirs, dont le modèle Jubilée de style néoclassique réédité par Peder Lamm en marbre blanc de Carrare / Managing Director at Skultuna, sitting in the Napolyon bistro, opposite the Skultuna concept store, surrounded by two candleholders, among them the Jubilee model reissued in white Carrara marble in the neoclassical style, developed with Peder Lamm

Sku ltuna , quatre siècles de savoir- faire

Issu de la dynastie de Vasa, Charles IX fonda Skultuna en 1607 pour produire des objets en laiton. Aujourd’hui encore, cette tradition perdure et Skultuna reste un fournisseur de la cour de Suède, tout en cultivant un positionnement sur de nouveaux marchés dont celui du design contemporain et de la mode (boutons de manchette customisés). En faisant appel à des designers et studios suédois tels que Monica Förster, Claesson Koivisto Rune, Folkform, Olivia Herms, Objecthood, Thomas Sandell – l’architecte de leur nouveau concept store à Grev Turegatan 18 –, la relève est garantie. La nouvelle collection 2014 recueille tous les suffrages, en particulier les pots en laiton mat ou polis de Monica Förster qui détournent le classique contenant en terre cuite. Cette matière intemporelle est omniprésente à Stockholm, dans les lieux tels que la brasserie Sturehof.

Sv en skt Tenn, 90 a ns de qualité suéd oise

arrival, make Ett Hem a unique destination for travellers and residents of Stockholm who appreciate beauty and aesthetics.

by Josef Frank that evoked fields full of spring flowers, growing next to summer houses in the south of Sweden. Even today, people feel the need to make the journey to Strandvägen 5, in Stockholm, to shop in the heart of the store that has been furnished as a home for living, where Ericson’s “studiolo” is still visible from the coffee shop, like a curiosity cabinet, full of souvenirs that were brought back from trips to Japan, Mexico... Among the brands iconic designs are also creations by Ingegerd Råman, Sissi Westerberg, Signe Persson-Melin, Eva Hild, Inga Sempé, Jakob Solgren and Eric Ericson. Since the 80s, Svenskt Tenn has been part of the Kjell & Märta Beijer Foundation, perpetuating this tradition of Scandinavian good taste.

E kstedt, wood fired cuisine The dining experience at Ekstedt (oak in Swedish), a one Michelin star restaurant situated on Humlegårdsgatan 17 in Stockholm, is worth the detour. Hailing from Jämtland and Skåne, in the south of Sweden, restaurateur Niklas Ekstedt and Michelin chef Gustav Otterberg have developed a six course menu that is prepared over an open fire. The service follows a strict ritual from starter to dessert. The intense or subtle smoky flavours present in each dish are mastered to perfection with a rustic elegance that combines ancient and modern Swedish cuisine. The spirit of the restaurant can be found in its decorative use of materials: copper, leather, birch… http://www.etthem.se

Skultuna : four centuries of e xpertise King Charles IX, a descendant of the House of Vasa, founded Skultuna in 1607, with a view to produce brass objects. Today, this tradition continues and Skultuna remains an Official Supplier to the Court of Sweden, while diversifying into new markets — contemporary design and fashion (customised cufflinks). In commissioning work from designers and Swedish studios such as Monica Förster, Claesson Koivisto Rune, Folkform, Olivia Herms, Objecthood, Thomas Sandell – the architect responsible for their new concept store at 18, Grev Turegatan –, the succession is guaranteed. The new 2014 collection has been well received, especially the matte and polished brass pots by Monica Förster that are a twist on classical terracotta containers. This timeless material is omnipresent in Stockholm, in places like the Sturehof bistro.

Sv enskt T enn : 90 years of Sw edish q uality Estrid Ericson, founder of Svenskt Tenn in 1924, was probably one of the most enlightened minds of her time. The company is best known for its pewter product range, developed by Ericson in the early stages of her career together with the artist Nils Fougstedt. Later on, in tandem with the Viennese artist Josef Frank, who became the inhouse designer in 1934, she created what were considered to be ideal interiors for the modern Swedish home. After receiving a great deal of attention at the Paris Universal Exposition of 1925, the furniture and interior designs created at Svenskt Tenn were in great demand, especially the fresh, floral prints

www.skultuna.com www.svenskttenn.se www.ekstedt.nu Préparez votre voyage en Suède avec VisitSweden / Organise your trip to Sweden through VisitSweden: 11 rue Payenne, F-75003 Paris www.visitsweden.com, www.facebook.com/suedetourisme Twitter: VisitswedenFR, Instagram : VisitSwedenFR

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Estrid Ericson, la fondatrice en 1924 de Svenskt Tenn, a sans doute été l’un des esprits les plus éclairés de son temps. La marque de fabrique dérive de l’activité des débuts d’Ericson qui faisait produire des pièces en étain par l’artiste Nils Fougstedt. Plus tard, en tandem avec le Viennois Josef Frank, qui devint le designer attitré de la maison dès 1934, elle créa l’univers idéal de la maison moderne suédoise. Remarquées déjà à l’Exposition universelle de Paris en 1925, les créations de Svenskt Tenn n’ont cessé de traverser les frontières, surtout grâce aux imprimés frais et fleuris de Josef Frank qui rappellent les vastes champs de fleurs printanières de ces maisons d’été dans le sud de la Suède.

Encore aujourd’hui, il faut faire le voyage jusqu'à Strandvägen 5 à Stockholm pour faire ses achats au

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5 — L’univers particulier d’Estrid Ericson, une femme élégante et classique arborant son collier de perles à trois rangs, années 1960 / The distinctive world of Estrid Ericson, a classical, elegant woman wearing her three string pearl necklace, ca. 1960 6 — Niklas Ekstedt avec son restaurant étoilé est l’un des protagonistes de la cuisine New Nordic qui revient vers des techniques de cuisson traditionnelles / is one of the protagonists of ‘New Nordic’ cuisine that favours a return to traditional cooking techniques

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1 — Ett Hem, détail du salon, table d'appoint / detail of the living room, sideboard, Studioilse 2 — Ett Hem, escalier principal / main staircase 3 — Ett Hem, chambre / room 11. Détail de la table basse et du fauteuil en laine de mouton / Detail of the low table and armchair in sheep wool 4 — Grand Hotel, chambre / room 436. Chaise et lampe néoclassiques / Neoclassical chair and lamp 5 — Ett Hem, détail / detail 6 — Ett Hem, terrasse / terrace 7 — Ett Hem, détail d'une chambre / room detail 8 — Ett Hem, couverture en peau de mouton / white sheep wool blanket 9 — Sturehof, mur en verre, vue de l'extérieur du bar / glass wall, view from outside the bar in the Sturegallerian 10 — Ett Hem, fauteuil en laine de mouton et lampe, design vintage italien / sheep wool armchair and Italian vintage design lamp 11 — Ett Hem, détail d'une fenêtre et d'un banc en bois traditionnel suédois / window detail with a traditional Swedish wood bench 12 — Hötorget metro station, lumières au néon / neon lights

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1 — Ett Hem, détail d'un fauteuil en laine de mouton, chambre 11 / detail of a sheep wool armchair, room 11 2 — Ett Hem, hall d'entrée / entrance hall Ett Hem, Dagg Glass, Carina Seth Andersson, Svenskt Tenn, 2009; Lighthouse, Bouroullec, Established & Sons & Venini, 2010 3 — Ett Hem, pot Hortus, Josef Frank, laiton / brass, 1938-, Svenskt Tenn. Estrid Ericson fit une variation de ce contenant en verre avec les verreries de Gullakruv qui fut exposée au musée Liljewachs au printemps 1939 / Estrid Ericson had the Gullakruv glassworks make a variation in glass, which was shown at the Liljewalchs museum’s spring exhibition in 1939 4 — Svenskt Tenn, détail de deux glands de chêne en fer forgé / detail of two cast iron oak tree acorns 5 — Ett Hem, Dagg Glass, Carina Seth Andersson, Svenskt Tenn, 2009 6 — Lumière de minuit à Strömkajen, au cœur de Stockholm / Moonlight at Strömkajen in the heart of Stockholm 7 — Ett Hem, sofa néoclassique pour une ambiance romantique suédoise / neoclassic sofa for a Swedish romantic mood 8 — Ett Hem, détail d'une chambre / room detail 9 — Grand Hotel, chambre / room 436. Chouette en céramique peinte à la main, coussins en pur lin et impression à la main ou broderie de soie de Klaus H. au reflet de l'univers particulier de l'illustrateur finlandais Klaus Haapaniemi, 2014 / Handpainted ceramic owl and the cushions in pure linen and handprinted patterns or silk embroideries by Klaus H., revealing the Finnish artist Klaus Haapaniemi's unique prints and patterns, 2014 10 — Ett Hem, rideau de douche en laiton / shower curtain in brass, Studioilse 11 — Ett Hem, détail du bar avec les réflexions des verres sur le laiton poli / detail of the bar with the glass reflections on the polished brass 12 — Ett Hem, chambre / room 11

STOCKHOLM A single place Par / by KlingKlangStudio, Photographies par / Photographs by Martina Björn

Detail 1, Rigoletto, Norrmalm

Detail 2, The Mirror Room, Grand Hotel, Blasie-Holmen

Sky 1, Blasie-Holmen

Water 1, Strรถmkajen

Detail 3, Stadshuset, Kungsholmen

Sky 2, Gamla stan

Detail 4, Royal, Grand Hotel, Blasie-Holmen

Water 2, Strรถmkajen

Detail 5, Stadshuset, Kungsholmen

Detail 6, Stadshuset, Kungsholmen

Sky 3, Gamla stan

The Golden Room, Stadshuset, Kungsholmen

D e s i g n for th e s e n s e s

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Iris

van

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Herpen

2 © Michel Zoeter - 3 © Fernanda Calfat

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Dans ses collections de haute couture, cette jeune designer hollandaise imite les forces et créatures qui peuplent la Terre. Ses motifs complexes, qui sont souvent réalisés à l’aide de l’impression 3D, et son approche sculpturale du corps ne sont pas seulement un régal pour les yeux, mais affectent également l’affinité humaine pour toute forme nouvelle.

In her haute couture collections this young Dutch designer mimics the forces and creatures that inhabit the earth. Her intricate patterns, which are often achieved through 3D printing, and her sculptural approach to the body are not just a feast for the eyes, but impinge on an innate human affinity for all natural form. www.irisvanherpen.com/

Italo Zucchelli Le créateur artistique des collections Calvin Klein a fomenté une révolution silencieuse sur les podiums avec des matériaux novateurs et ingénieux. La coupe qui a fait de CK une célèbre marque est toujours là, mais une inspection plus rapprochée des tissus raconte l’histoire de techniques de production peu communes qui combinent traditionnel et industriel, le tout offert dans une gamme de couleurs audacieuses.

The creative director at Calvin Klein Collection for men has been stirring up a quiet revolution on the catwalk with ingenious new materials. The cut that made the CK brand famous is still there, but on closer inspection the fabrics tell a tale of unusual production techniques that combine the traditional with the industrial, all delivered in a bold colour code.

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http://models.com/people/italo-zucchelli

Hussein Chalayan

Design pour les sens / for the senses

Maître dans l’art du symbolisme, Chalayan choisit un concept différent à chaque saison et le réalise en apportant des arts appliqués tels que design d’intérieur et technologie. Au mélange, le contexte est fondamental et tout peut compter comme source d’inspiration. Bien qu’étant moins expérimentaux ces dernières années, ses vêtements continuent de questionner les limites de ce qu’une personne peut porter.

As a master of symbolism Chalayan chooses a different concept every season and realizes it by bringing applied arts such as interior design and technology into the mix. Context is key and anything can count as inspiration. Although less experimental in recent years, his garments continue to question the limits of what a person can wear.

Sélection de / Selection by Arnaldo Smet

It’s the ultimate luxury: design that is targeted at the human senses. It can simply be the soothing sound of steps reverberating across a hallway, the position a chair places your body in, offering an instant feeling of comfort, or the way that a ray of light seeps through a hole in the wall and casts a perfect shadow.

The more nerve endings such design touches upon interaction, the more gratifying the experience.

When TLmag was invited to discover a remarkable set of architectural installations during the ‘Sensing Spaces’ exhibition at the Royal Academy of Arts in London, our mind wandered and conjured up references to objects and spaces that elicit the same sensory indulgence. Some simply elevate the mood while others challenge expectations and connect archetypes from different cultures to expose universal triggers. Creators take a concept to the limit of what is technically possible or reduce it to its purest, most evolved form. What follows is a selection of some of the most visceral designers at work today.

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1 — Ross Lovegrove, Nodules, Lasvit 2 — Iris van Herpen, Capriole, Haute Couture Fall 2012 3 — Calvin Klein Collection, Fall 2010 4 — Hussein Chalayan, After Words, Fall 2000 5 — Jasper Morrison, Park Life, Kettal

© Miro Zagnoli

Jasper Morrison

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C’est là le luxe ultime : du design ciblé pour les sens humains. Il peut simplement s’agir de l’apaisante sonorité de la réverbération de pas à travers un hall, la manière dont une chaise positionne votre corps, offrant une sensation de confort immédiate, ou la façon qu'à un rayon de lumière de traverser un orifice pour projeter une ombre parfaite. Plus l’interaction avec ce type de design touche de terminaisons nerveuses, plus l’expérience est gratifiante. Lorsque TLmag fut invité à découvrir une remarquable gamme d’installations architecturales pendant l’exposition Sensing Spaces à la Royal Academy of Arts à Londres, notre esprit s’aventura et évoqua pour les objets et espaces des références qui appellent les mêmes plaisirs sensoriels. Certains rehaussent simplement le moral, tandis que d’autres mettent au défi les attentes et connectent les archétypes de différentes cultures afin d’exposer les mécanismes universels. Les créateurs emmènent le concept aux limites de ce qui est techniquement possible ou le réduisent à sa forme la plus pure et évoluée. Ce qui suit est une sélection de certains des designers les plus viscéraux à l’œuvre aujourd’hui.

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Porté par la condition « Super Normal » qu’il a élaborée en collaboration avec Naoto Fukasawa, Morrison est un fervent croyant en la fonctionnalité d’un produit et aux bienfaits qu’il apporte à la vie quotidienne. Ses produits sont parmi ceux à l’apparence la plus ordinaire avec un impact extraordinaire sur les sens, justement grâce à leur simplicité.

Driven by the ‘Super Normal’ condition which he formulated together with Naoto Fukasawa, Morrison strongly believes in the sheer functionality of a product and the benefits it provides to daily living. His are the most ordinary looking products with an extraordinary impact on the senses, just because of their simplicity.

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D e s i g n for th e s e n s e s

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John Pawson

© Colin Streater

Marc Newson

D e sig n for th e s en s e s

Son amour des formes rondes et biomorphiques s'est étendu à tout, des horloges aux avions, en passant par les chaises et les restaurants. À première vue, le cachet futuriste de ce prolifique designer peut frapper en tant que design pour l’amour du design, mais sous la surface il contient une profonde compréhension de l’innovation tactile et visuelle.

His love for rounded, biomorphic shapes has been transferred to everything from clocks and chairs to restaurants and airplanes. On first impression the futuristic stamp of this prolific designer may strike as design for the sake of design, but under the surface it bares a deep understanding of visual and tactile innovation.

Pawson, le fameux minimaliste, conçoit des espaces comme des exercices de la pensée permettant de trouver l’équilibre entre ce qui est absolument nécessaire et ce qui est obsolète.

Il se défait des détails qui encombrent la vision et a à cœur de créer une sensation de sérénité.

Mettre le pied dans un de ses intérieurs est une expérience impressionniste qui aiguise vos sens et qui vous rend plus conscient de vous-même.

Pawson, the great minimalist, designs spaces that are a thoughtful exercise in balancing out the absolutely necessary with the obsolete. He does away with details that clutter the vision and mind to achieve a feeling of serenity. To step into one of his interiors is an impressionistic experience that sharpens your senses and makes you more aware of yourself.

Ross Lovegrove Ce que Lovegrove définit comme « essentialisme organique » se trouve à l’intersection de la nature et de la technologie. Sa prise de position évolutionniste sur le design a pour but de construire un univers dont les moyens technologiques assimilent le monde naturel. Grâce aux informations du maquillage moléculaire des bio-organismes, ses expériences avec des matériaux composites ont ouvert la voie à une multitude d’applications novatrices pour le design.

What Lovegrove defines as ‘organic essentialism’ lies on the crossroads of nature and technology. His evolutionary take on design aims to build a universe with technological means that assimilates the natural world. Informed by the molecular makeup of bio-organisms, his experiments with composite materials are paving the way for a multitude of new design applications.

Kengo Kuma 10.

6. © Image Courtesy Gagosian Gallery

6 — Ross Lovegrove, MOOT, Established & Sons 7 — Marc Newson, Voronoi, Gagosian Gallery 8 & 9 — Zaha Hadid, Heydar Aliyev Centre, Baku

La tradition japonaise et l’utilisation de ressources naturelles sont familières à l’œuvre de Kuma. Celui-ci présenta à Sensing Spaces deux constructions remplissant de leurs senteurs remarquables le vide d’une architecture à peine présente. Le pouvoir et la fragilité de l’environnement le guident dans sa tentative de reconnecter les gens avec la nature, en en rapportant une partie au sein de la jungle urbaine.

Japanese tradition and the use of natural resources are commonplace in the work of Kuma, who presented two constructions in ‘Sensing Spaces’ that filled the void of architecture that is barely there with remarkable scents. Both the power and fragility of the environment guide him in an attempt to reconnect people with nature, bringing a piece of it back into the urban jungle.

Zaha Hadid Voix féminine forte dans un monde encore masculin, cette starchitecte est connue pour ses bâtiments opulents et tentaculaires.

Hadid – née en Iraq – choisit un élément de la culture islamique et le subvertit en suivant principes occidentaux afin de créer un résultat hypermoderne et éthéré. Ses lignes fluides suivent les éléments terrestres dans un jeu calculé d’ombre et de lumière.

As a strong female voice in what is still a man’s world, this architect superstar is known for her sprawling and opulent buildings. Hadid – who was born in Iraq – takes a cue from Islamic culture and subverts it following Western principles to create something hypermodern and ethereal. Her fluid lines follow the earthly elements in a calculated play of light and dark.

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10 & 11 — John Pawson, Montauk House 12 — Kengo Kuma, Shun*Shoku Lounge, Gurunavi

© Helene Binet

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Photos 1, 2 & 3 : © A+ZDesign® Geneviève Levivier

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Ma is on d 'exc ep tion s

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Amaike

Voile futuriste / Futuristic veil Les équipes d’Amaike n’exagèrent pas quand ils présentent le résultat de leur projet comme étant « le tissu d’habillement le plus fin et léger du monde ».

Après des années de recherche, le tisseur japonais a créé un Super-Organza à base de fils de polyester presque invisibles et au toucher surprenant.

The teams at Amaike were not exaggerating when they presented the results of their project, declaring it to be “the lightest and thinnest clothing fabric in the world”. After years of research, the Japanese textile company has succeeded in creating a SuperOrganza from a very fine, almost invisible, polyester organza thread that is surprising to the touch. www.amaikegroup.com

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A+Z Design

La nouvelle dentelle / The new lace Artisanat et technologie sont les secrets de l’atelier belge A+Z Design. Particulièrement quand ils se servent d’un laser moderne pour fabriquer une dentelle « à l’ancienne » sur une base textile, mais aussi sur le bois, dont le rendu crée un jeu d’ombre et de lumière qui a tout pour plaire aux décorateurs et designers d’intérieur de demain.

Belgian studio A+Z Design combines the best of leading technology with the artisanal. This is shown to particular fine effect in their use of a modern laser to create “traditional style” lace on a textile, but also wooden support, which in turn creates a play on shadows and light that is likely to please future generations of interior designers and decorators.

© Première Vision

Maison d’Exceptions

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www.apluszdesign.be

1 — Tapisserie Dentelle Polymère / Polymer lace tapestry 2 & 3 — A+Z Design a breveté son / patented their "laser lace" 4 & 5 — Surprise au toucher du Super-Organza d’Amaike, un mélange de techniques traditionnelles de tissage et d'années de recherche scientifique / Surprising to the touch, the Super-Organza by Amaike is a combination of traditional weaving techniques backed up with years of scientific research

Première Vision

explore les nouveaux luxes textiles / explores the new luxury textiles Séléction de / Selection by Silvano Mendes 1.

Écologiques, innovantes ou futuristes, les nouvelles expressions du luxe sont aussi présentes dans l’univers du textile, comme l’a montré l’édition 2014 de Maison d’Exception sur le salon Première Vision à Paris. Une transformation est en cours.

Ecological, innovative and futuristic, new expressions of luxury are also present in the world of textiles – as evidenced by the 2014 edition of Maison d’Exception at Première Vision in Paris. A transformation is underway.

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Mai s on d'exc e pti on s

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My mantra

Les Italiens écolos de My Mantra ont décidé de travailler le bois comme un tissu pour remplacer le cuir en maroquinerie. Son application à une collection de baskets et de sacs très souples en fait presque oublier qu’il s’agit de feuilles de bois micro-gravées au laser sur une base textile.

6, 7 & 8 — La première collection de My Mantra prouve que la maroquinerie peut aller bien au-delà des peaux d’animaux / The first collection by My Mantra proves that leather goods don't have to be made using animal skins © My Mantra

La souplesse du bois / The flexibility of wood

The ecologically conscious Italians at My Mantra decided to develop wood with textile properties to replace the leather used in the leather goods trade. Its application onto a collection of supple baskets and bags almost made you forget that they were fine sheets of wood, micro-engraved by laser, onto a textile support. www.ligneah.com

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Creative textile & surface design show TL TL ##20 21

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I INDIGO NEW YORK I FASHION EDITION I 22 & 23 July 2014

I INDIGO BRUSSELS I HOME EDITION I 9 - 11 September 2014

I INDIGO PARIS I FASHION EDITION I 16 - 18 September 2014 indigo-salon.com

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M e e ti n g w i th Mate ri al s

Mix-Match

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M e etin g with Materia ls

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Rendez-vous de la Matière / Meeting with Materials

The second edition of Rendez-Vous de la Matière was held on March 25 and 26, at 49, Boulevard de la Villette in Paris, in a space designed by the architect Louis Paillard. Germain Bourré, the designer of the exhibition, succeeded in creating a dialogue between the viewer, the environment (a former synagogue converted into a publishing house) and the innovative materials submitted by selected manufacturers.

La deuxième édition du Rendez-vous de la Matière s'est déroulée les 25 et 26 mars dernier chez bookstorming à Paris, dans un espace conçu par l’architecte Louis Paillard. La scénographie, confiée au designer Germain Bourré, a gagné son pari de faire dialoguer dans un lieu atypique (une ancienne synagogue réhabilitée en maison d’édition) les innovations dans le domaine de la matière présentées par une sélection d’industriels.

The event, which drew one thousand visitors (architects, decorators and designers), was a showcase for manufacturers presenting creative solutions, materials (in their raw state to the finished product) and expertise in the fields of architecture, construction and interior design.

The next edition will be held in spring 2015. www.rendezvousdelamatiere.com

L’événement, qui a accueilli 1 000 visiteurs professionnels architectes, décorateurs et designers, a réunit des industriels qui, de la matière brute jusqu’aux produits finis, présentent des matériaux, des solutions créatives et un savoir-faire spécifique dans les domaines de l’architecture, de la construction et de l’aménagement intérieur.

La prochaine édition aura lieu au printemps 2015.

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Mix-Match

M e etin g with Materia ls / S op h ie Ma lleb ra n c h e

Sophie Mallebranche s’est laissé porter par un projet utopique alors qu’elle n’était encore qu’étudiante à l’école supérieure d’arts appliqués Duperré ; faire se rencontrer la technique traditionnelle du tissage avec des matériaux difficiles à tisser. De cette étrange alchimie naît un produit d’exception, Fine Metal Weaves (fins matériaux métalliques tissés), qui emprunte au textile sa noblesse et au métal sa pérennité. Cette combinaison confère à la surface une souplesse et une sensualité propre au tissage. La plaque formée par l’entrecroisement de fils métalliques devient une surface vibrante qui réagit de manière spectaculaire et unique à la réflexion lumineuse.

Le bijou spatial / Spatial gems

Sophie Mallebranche® par / by Alexia Vincent

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Les premières créations Sophie Mallebranche® faites main réveillent les procédés anciens de tissage de fils de métal obtenus par tréfilerie (obtention d’un fil par traction mécanique au travers d’un diamant). Ce procédé unique est valorisé dans l’un des derniers projets, le centre culturel « La Passerelle », réalisé avec l’agence d’architectes Pierre Vurpas & Associés. Les panneaux filtrants d’ornements de façade en cuivre argenté émaillé et acier inoxydable rendent un vibrant hommage au passé glorieux de la tréfilerie au diamant de Trévoux.

Les créations Sophie Mallebranche® défendent le design et l’innovation textile au service des prescripteurs en architecture, architecture intérieure et architecture commerciale en France et à l’international. La marque a su adapter ce savoir-faire à une esthétique très contemporaine en imaginant des habillages de façades, de fenêtres ou des revêtements de murs produits industriellement depuis 2010 par Material Design Group. Ses créations de matériaux 100 % métal fabriqués en France se déclinent selon deux collections, en acier inoxydable 316L teinté (6 couleurs – 4 tissages différents) et en cuivres argentés émaillés (34 couleurs – 4 tissages différents) et répondent aux exigences techniques (normes non-feu M0/A0 et M1/BS1D0, résistance aux UV).

Maintes créations originales et combinaisons de matières sont possibles pour faire du projet architectural une vraie signature visuelle et sensorielle.

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Sophie Mallebranche was seduced by a utopian project – an alliance of traditional weaving techniques with materials that are notoriously difficult to weave – when she was still a student at the Duperré School of Applied Arts. Born out of experimentation, Fine Metal Weaves is an exceptional product that blends the noble qualities of textiles with the lasting qualities of metal. The combination produces a smooth and sensuous surface that is unique to weaving. The vibrant surface, formed by the interwoven metal threads, reflects the light to produce spectacular and unique effects.

The first handmade Sophie Mallebranche® textiles were created using ancient metal weaving techniques (drawing a wire using mechanical traction by means of a diamond). This unique process is evident in one of her most recent projects, the La Passerelle cultural centre, that was realised with architectural agency Pierre Vurpas & Associés. The decorative silver enamelled copper and stainless steel mesh panels, visible on the facade, make a stirring tribute to the glorious diamond drawing past of Trévoux.

Sophie Mallebranche® creations are revered for their design and use of innovative textiles by leading architecture, interior design and commercial architecture practises in France and abroad. The brand has adapted this expertise to a highly contemporary aesthetic that covers facades, windows and walls with products that have been manufactured since 2010 by Material Design Group. There are two collections produced in France that are made entirely of metal: stainless steel 316L (6 colours – 4 different weaves) and silver enamelled copper (34 colours – 4 different weaves) both of which meet stringent technical requirements (M0/A0 non-fire standards and M1/BS1D0, UV resistance). The choice of design and material combinations give you free reign to create a unique visual and sensory signature for any architectural project.

Mix-Match

Hi g h Je w e l l e r y / Ch an e l F ine J eweller y

Mix-Match

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Les Perles de Chanel fine Jewellery

Reportage de / Report by Y-Jean Mun-Delsalle

H ig h Jeweller y / C h a n el F in e Jeweller y

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Durant la semaine de la Haute Couture à Paris en janvier dernier, Chanel a dévoilé Les Perles de Chanel, sa gamme inspirée par la perle et constituée de 87 délicates pièces de joaillerie. Camélias, constellations, comètes, plumes et nœuds – les codes emblématiques de la Maison – ont été réinterprétés en utilisant des perles de culture des mers du sud, d’eau douce, tahitiennes et japonaises, d’une myriade de tailles, formes et couleurs, combinées avec d’extraordinaires pierres de gemme. En bijou modeste ou opulent, court ou long – jamais les perles n’ont été si désirables. Adorées par Gabrielle Chanel qui ne s’en séparait jamais, les portant tel un talisman jour et nuit en boucles d’oreille, ras-du-cou, simple rang ou cascade de sautoirs, la vitalité et la sensualité des perles capture la lumière et illumine le visage.

At Paris Haute Couture Week last January, Chanel unveiled its 87-piece fine jewellery line, Les Perles de Chanel, inspired by pearls. Camellias, constellations, comets, feathers and knots – the House’s emblematic codes – have been reinterpreted using cultured South Sea, freshwater, Tahitian and Japanese pearls in myriad sizes, shapes and colours combined with extraordinary gemstones. Modest or opulent, short or long – never have pearls been so desirable. Adored by Gabrielle Chanel who was never without them, wearing them like a talisman day and night as earrings, a choker, a single strand or a cascade of sautoirs, the pearls liveliness and sensuality capture the light and illuminate the face.

The €2.5 million dramatic, art deco-style Perles de Jour necklace of ‘unusually large’ South Sea pearls with diamond tassels is sublimated by an 8-ct diamond, while Perles de Nuit is its contemporary in black Tahitian pearls. The Envolée Solaire parure mixes white and gold South Sea pearls, and diamond and sapphire camellias figure in the Printemps de Camélia set starring multicoloured pearls. Evoking couture, the feather of the Plume Perlée necklace is paired with five rows of pearls, while the Perles Swing with four simple yet striking strands of gold, white, grey and pink pearls is made for carefree days. A diamond and sapphire lion’s head graces the Lion Baroque sautoir in pearls of varied hues.

D es perles de j o u r et de n u it

Avec sa valeur incroyable de 2,5 millions d’euros, le collier Perles de Jour de style Art déco et aux perles des mers du sud exceptionnellement larges avec des éclats de diamants est sublimé par un diamant de 8 carats, tandis que Perles de Nuit est son contemporain en perles noires tahitiennes. La parure Envolée Solaire allie des perles blanches et or issues des mers du sud, des diamants et des camélias de saphir ornent l’ensemble Printemps de Camélia affichant des perles multicolores. Évocation de la couture, la plume du collier Plume Perlée est appareillée de cinq rangs de perles, tandis que le Perles Swing, avec ses quatre simples mais néanmoins saisissantes rivières de perles or, blanches, grises et roses, est fait pour des jours insouciants. Une tête de lion de saphir et diamant orne Le Lion Baroque, le sautoir de perles aux teintes variées.

1 — Mademoiselle portant des perles, sur un sofa dans son appartement / Mademoiselle wearing pearls, taken on the sofa in her apartment 2 — Broche Plume Perlée brooch 3 — Collier Lion Baroque necklace 4 — Collier White Tie necklace 5 — Coco Chanel n'était jamais photographiée sans ses perles / Coco Chanel was never caught without her pearls

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Chanel’s latest Haute Joaillerie collection shows why Gabrielle Chanel and her pearls were inseparable and just how fashionable these simple and perfectly shaped orbs are today.

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La dernière collection Haute Joaillerie de Chanel illustre les raisons pour lesquelles Gabrielle Chanel et ses perles étaient inséparables, et à quel point ces orbes à la forme simple et parfaite sont à la mode aujourd’hui encore.

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Hi g h Je w e l l e r y / Ch an e l F ine J eweller y

G abrielle C ha n el et le c u lte de la perle n e cesse d’inspirer

En 1932, Gabrielle avait présenté sa seule et unique collection de haute joaillerie, Bijoux de Diamants. La collection continue d’inspirer les créations haute joaillerie de Chanel, qui perpétue l’héritage de Gabrielle tout en s’accordant aux styles de vie modernes. Suivant le lancement de son département de joaillerie en 1993, la marque ouvrit il y a deux ans un atelier interne de haute joaillerie de 220 m2, fort d’une équipe composée de 25 membres – designers spécialisés en conception assistée par ordinateur, maquettistes, fondeurs spécialisés en fonte à la cire perdue, joailliers, setters, polisseurs et graveurs produisant des prototypes, des pièces exceptionnelles et commandes spéciales – et situé au-dessus de sa boutique place Vendôme.

Partie intégrante de la stratégie d’intégration du Studio des Créations Chanel Joaillerie qui vit le jour en 2009, ce changement marquait le désir de la Maison de fortifier sa légitimité et d’avoir le plein contrôle de la création à la production tout en faisant évoluer un métier d’art clé (l’artisanat étant vu comme une forme d’art) et après avoir ramené son design en interne à la suite du départ de Lorenz Bäumer, qui avait dirigé la joaillerie Chanel de 1993 à 2007. Néanmoins, elle continue à travailler pour sa haute joaillerie en collaboration avec 15 ateliers parisiens, dans la lignée de sa politique de soutien à l’artisanat français.

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In 1932, Gabrielle had presented her first and only fine jewellery collection, Bijoux de Diamants. It continues to inspire Chanel’s fine jewellery creations, which perpetuate her legacy yet match modern lifestyles. Subsequent to the launch of its jewellery department in 1993, the brand opened a 220 sqm in-house fine jewellery atelier with a 25-strong team – CAD designers, modelmakers, lost wax casters, jewellers, setters, polishers and engravers producing prototypes, exceptional pieces and special orders – above its Place Vendôme boutique two years ago.

Part of the Fine Jewellery Creation Studio’s integration strategy that began in 2009, the move marked the House’s desire to strengthen its legitimacy and have full control from creation to production, while advancing a key métier d’art (craft seen as an art form), after having brought its design in-house following the departure of Lorenz Bäumer, who had designed Chanel’s jewellery from 1993 to 2007. Nonetheless, it continues to work with about 15 Parisian workshops to make its fine jewellery, in line with its policy of backing French craftsmanship.

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www.chanel.com

Entretien exclusif avec Benjamin Comar, directeur de Chanel Joaillerie.

TLmag : Pouvez-vous décrire le processus créatif ?

Benjamin Comar : Une pièce de joaillerie Chanel est avant tout un design. Pour chacune de nos collections de joaillerie, d’autres facteurs entrent en jeu, tels que techniques et matériaux, et sont au service de l’esthétique ; c’est ainsi que nous parvenons toujours à surprendre avec nos créations. Nous sommes toujours à la recherche de la pierre parfaite, du matériau précieux parfait, de la meilleure technique pour respecter et exprimer le design original, et non le contraire.

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6 — Bracelet Cascade de Perles bracelet 7 — Boucles d'oreille Céleste earrings 8 — Perles de Nuit necklace 9 — Le collier Rosée de Camélia en confection / The making of the Rosée de Camélia necklace 10 — L'art de faire le bracelet Rosée / Crafting the Rosée de Camélia bracelet 11 — Benjamin Comar, directeur de Chanel Joaillerie Fine / Benjamin Comar, Chanel Fine Jewellery Director 12 — Collier Printemps de Camélia necklace

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H ig h Jeweller y / C h a n el F in e Jeweller y

TLmag : D’où proviennent les perles, pierres de gemmes et l’or que vous utilisez ?

B. C. : L’origine des matériaux bruts utilisés pour tous les produits Chanel ont toujours été au centre de nos préoccupations. Nous ne choisissons que le meilleur. Nous nous sommes pleinement engagés à respecter les normes et régulations mises en place.

Depuis mai 2007, nous avons été un membre actif du Responsible Jewellery Council. L’objectif de cette organisation internationale à but non lucratif est de promouvoir des pratiques éthiques, sociales et environnementales pour l’or et les diamants.

TLmag : Quelle quantité de travail est nécessaire pour la fabrication de colliers tels que Perles de Nuit ou Lion Baroque ?

B. C. : Ces deux colliers sont aussi difficiles l’un que l’autre. Le défi était d’obtenir durant le montage un équilibre parfait entre les perles afin que le motif central de Perles de Nuit et le motif léonin de Lion Baroque tombent parfaitement droit sur la ligne du cou et le haut du buste. Perles de Nuit a représenté 300 heures et environ 6 mois de travail pour parvenir à toutes les étapes, en va-et-vient : le montage des perles, la fabrication des motifs d’or, le montage du diamant et l’assemblage final. Pour le Lion Baroque, la seule recherche d’une parfaite correspondance des nuances de perles et de pierres a pris deux à trois mois.

TLmag : Quelle est votre mission ?

B. C. : Nous nous efforçons de créer des pièces qui portent les valeurs que Gabrielle Chanel nous a donné lorsqu’elle a conçu Bijoux de Diamants : liberté, fluidité, portabilité, féminité contemporaine. Si nos designs plaisent à une femme, la légèreté et la versatilité ces pièces lui permettent de décider quand, où et comment elle veut les porter.

Q&A with Benjamin Comar, Chanel Fine Jewellery Director

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May 2007, we have been an active member of the Responsible Jewellery Council. The goal of this international nonprofit organisation is to promote ethical, social and environmental practices for gold and diamonds.

TLmag: How much work is involved in the making of a necklace like Perles de Nuit or Lion Baroque?

B.C.: Both necklaces were equally challenging. The difficulty was to achieve the perfect balance of the pearls while stringing so that the central motif on Perles de Nuit and the leo motif on Lion Baroque fell perfectly straight on the neckline and upper bust. Perles de Nuit took over 300 hours and about 6 months to go through all the steps, back and forth: the stringing of the pearls, fabrication of the gold motifs, diamond setting, final assembly. For Lion Baroque, the search for the perfect matching shades of pearls and stones alone took 2 to 3 months.

TLmag: What is your goal?

B.C.: We strive to create pieces that carry the values Gabrielle Chanel gave us when she designed Bijoux de Diamants: freedom, fluidity, wearability, contemporary femininity. If our designs appeal to a woman, the lightness and versatility of the pieces enable her to decide when, where and how she wants to wear them.

TLmag: Can you describe the creative process?

Benjamin Comar: A Chanel fine jewellery piece is first and foremost a design.

For each of our fine jewellery creations, other contributing factors, such as techniques and materials, are all at the service of aesthetics, and that’s how we always manage to surprise with our creations. We always look for the perfect stone, the perfect precious material, the best technique that will better respect and express the original design, and not the other way around.

TLmag: From where do you source your pearls, gemstones and gold?

B.C.: The origin of the raw materials used for all Chanel products has always been at the centre of our concerns. We choose only the best. We are fully committed to respecting the international norms and regulations set in place. Since

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Lu xu r y Watch Trade S how

Mix-Match

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de l’industrie de la montre, à savoir les détaillants, les distributeurs, les agents locaux et les journalistes spécialisés.

Les exposants prennent une partie de leurs commandes annuelles, qui seront livrées aux différents clients dans les mois qui suivent le SIHH.

Reportage de / Report by Y-Jean Mun-Delsalle

la 24e édition du salon de la montre le plus prestigieux du monde, qui promeut les valeurs et le savoir-faire de l’horlogerie d’excellence.

TLmag : À qui s’adresse-t-il ?

F.L. : Il est réservé aux professionnels

TLmag : Qu’en est-il des tendances ?

F.L. : Les artisanats d’art sont devenus un trait permanent de l’horlogerie d’excellence. Le vintage est une autre tendance qui a fait une percée majeure.

En ce qui concerne les mécanismes, les montres astronomiques sont parmi les modèles les plus remarquables de 2014.

TLmag: What were some of the highlights?

F. L.: There were 2 directions: watchmakers are returning to smaller sizes and have considerably extended the range of watches specifically designed for women, equipped with mechanical movements.

TLmag : Décrivez-en nous l’humeur...

F.L. : L’exportation de montres suisses est un marché équivalant à une valeur de plus de 20 milliards de francs suisses. L’année 2013 a été une nouvelle année record pour l’horlogerie suisse, bien que la croissance de 2% marque une baisse signifiante par rapport aux années précédentes. C’est une période de consolidation et de rééquilibrage pour différents marchés à l’international.

TLmag: What about trends?

F. L.: The artistic crafts have become a permanent feature of fine watchmaking.

“Vintage” is another trend to have made major inroads. As for mechanisms, astronomical watches are among 2014’s most prominent models.

TLmag : Quel est le futur de la haute horlogerie ?

F.L. : Il serait irréaliste de penser que nous sommes immunisés contre les fluctuations de l’économie, mais comme nous avons été à même de l’observer ces dernières années, l’horlogerie d’excellence est un des secteurs du luxe les plus actifs. Il n’y a pas de raison pour que cela change dans le futur.

Fabienne Lupo, Managing Director of the Salon International de la Haute Horlogerie (SIHH) and President of the Fondation de la Haute Horlogerie that organises the event, discusses the 24th edition of the watch world’s most prestigious fair, which promotes the values and savoir-faire of fine watchmaking.

Midnight Planetarium Poetic Complication Van Cleef & Arpels Représentant en 3D le système solaire, cette montre célèbre les orbites célestes, permettant à celui qui la porte de suivre la position précise des 6 planètes – en pierres colorées telles que la turquoise, la serpentine, et le jaspe rouge – encerclant un soleil en or rose surplombant des disques concentriques en aventurine.

Depicting a 3D representation of the solar system, the watch celebrates celestial orbits, allowing the owner to track the precise position of 6 planets – in colourful hard stones like turquoise, serpentine and red jasper – encircling a sun in pink gold above concentric deep blue aventurine discs. www.vancleefarpels.com

Royal Oak Concept GMT Tourbillon Audemars Piguet Présentant un tourbillon et un affichage de fuseau horaire secondaire, cette montre iconique arbore de la céramique blanche sur le biseau, la couronne, les boutons poussoirs. Pour la première fois dans le mouvement, le fabriquant réalise un véritable exploit en créant un pont central en forme de sablier dans une matière inrayable qui est environ neuf fois plus dure que l’acier.

Featuring a tourbillon and second time-zone display, the iconic timepiece sports white ceramic on the bezel, crown, pushers and, for the first time, on the movement via the hourglass-shaped central bridge – an incredible feat of manufacturing as the scratchproof material is about 9 times harder than steel. www.audemarspiguet.com

Altiplano 38 mm 900P Piaget Avec sa finesse record de 3,65 mm, la montre mécanique la plus mince au monde combine un calibre et un corps à remontage manuel pour former un ensemble dont certaines parties sont à peine plus épaisses qu’un cheveu. Le dos constitue également la platine, et la construction du mouvement a été inversée afin que le pont apparaisse du côté du cadran, de même qu’un rouage visible.

With a record-breaking slenderness of 3.65mm, the world’s thinnest mechanical watch combines a handwound calibre and case to form a whole, with some parts barely thicker than a hair’s breadth. The caseback is also the mainplate, and movement construction was reversed so the bridges appear on the dial side, along with a visible wheel-train.

TLmag: Describe the mood.

F. L.: Swiss watch exports worldwide amount to over CHF20 billion in value.

Swiss watchmaking posted another record year in 2013, although the 2% growth was significantly lower than in previous years. This is a period of consolidation and balancing out of different export markets.

TLmag: What is haute horlogerie’s future?

F. L.: It would be unrealistic to think that we are immune to the economy’s ups and downs, but as we’ve been able to observe these past years, fine watchmaking is one of luxury’s most buoyant sectors. There is no reason for it to change in the future.

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Fabienne Lupo, directrice générale du Salon International de la Haute Horlogerie (SIHH) et présidente de la Fondation de la Haute Horlogerie qui organise cet événement, parle de

TLmag: De quelle manière le SIHH a-t-il évolué depuis sa première édition en 1991 ?

Fabienne Lupo : Cette foire commerciale, avant tout centrée sur l’horlogerie d’excellence, est passée de cinq exposants originellement à un record de 19, et cette année 16 marques ont signé pour l’édition 2014. C’est toujours un moment fort dans le calendrier de l’horlogerie car il donne le ton pour l’année à venir.

TLmag: Who is it aimed at?

F. L.: It is reserved for watch industry professionals, namely retailers, distributors, local agents and specialised journalists. Exhibitors take part of their annual orders, which will be delivered to the various markets in the months after the SIHH.

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SIHH 2014 La sélection de / A selection by TLmag

TLmag: How has the SIHH evolved since its 1st edition in 1991?

Fabienne Lupo: This foremost trade fair for fine watchmaking has grown from the original 5 exhibitors, to 19 at its peak, and this year 16 brands have signed up for the 2014 edition. It is always a high point in the watchmaking calendar as it sets the tone for the 12 months to come.

TLmag : Quels en ont été les moments forts ?

F.L. : Il y avait deux tendances : les horlogers sont retournés aux petites tailles et ont considérablement étendu la gamme des montres spécialement conçues pour les femmes, équipées de petits mouvements mécaniques.

Salon International de la Haute Horlogerie / Geneva's Annual Luxury Watch Trade Show

Lu xu r y Watc h Trad e S h ow

en.piaget.com

RM 07-01 Ladies Watch Richard Mille À l’extérieur, la RM 07-01 est sobre, élégante et résistante à l’usure, manifeste par les courbes sensuelles du capot de céramique ou du boîtier d’or et par le cadran central monté de pierres, tandis qu’à l’intérieur bat le calibre technique CR2MA2 conçu en interne, un remarquable mouvement féminin automatique et squeletté, développé spécialement pour cette montre.

On the outside, the RM 07-01 is sober, elegant and hard-wearing, obvious by the sensual curves of a tonneau ceramic or gold case and a gem-set central dial, while on the inside beats the in-house designed technical calibre CRMA2, a remarkable skeletonised automatic ladies’ movement developed especially for the watch. www.richardmille.com

Lu xu r y Watch Trade S how

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Lux I n s i d e

BaselWorld 2014 Salon mondial de l’Horlogerie / International Watch Fair La sélection de / A selection by TLmag

Produite par l’Institut français, l’exposition « LuxInside, les traces de l’Homme » sillonne actuellement le monde et sera aux États-Unis et au Canada en 2014 / The exhibition “LuxInside, Traces of Humankind”, staged by the French Institute, currently touring the world, will be coming to the United States and Canada in 2014.

C’est l’événement de l’année pour l’industrie, la plus grande et plus importante exposition de montres et bijouterie qui se déroule chaque printemps à Bâle, en Suisse. Cette vitrine du savoir-faire à l’échelle mondiale réunit les dernières créations des marques reconnues comme celles des nouveaux venus.

The industry event of the year, the world’s biggest and most important watch and jewellery exhibition taking place every spring in Basel, Switzerland, brought together renowned brands and newcomers in a showcase of their latest creations. Here are 4 highlights from this year’s edition.

La classique grande complication Tourbillon extra-fine automatique 5377 Bréguet

www.luxinside.com

Parmi les montres automatiques à tourbillon les plus fines au monde, la 5377 est maintenant disponible en platine avec un superbe guilloché fini à la main. Elle affiche un ressort spiral en silicone et un échappement en silicone et acier antimagnétique, qui permet au calibre 581DR de battre à 4Hz, une fréquence exceptionnellement haute pour ce type de complications.

Among the world’s slimmest automatic tourbillon watches, the 5377 now comes in platinum with beautiful hand-guilloché finishes. It showcases a silicon balance spring and a silicon and anti-magnetic steel escapement, which allow the 581DR calibre to beat at 4Hz, an unusually high frequency for this type of complication.

Leica

Voir mieux que l’œil / Capturing better images than the eye

www.breguet.com

Néo Tourbillon sous Trois Ponts Girard-Perregaux

Arceau Temari Hermès

Originellement conçue il y a 150 ans, la légendaire Tourbillon sous Trois Ponts a reçu une mise à jour radicale. Ses ponts en titane PVD noirs montrent une toute nouvelle coupe et structure, la forme de son cristal de saphir permet une vue de côté du calibre, et son tourbillon une-minute est pour la première fois en titane, avec une réserve de pouvoir décuplée.

Originally crafted nearly 150 years ago, the legendary Tourbillon with Three Bridges has been given a radical update: its black-PVD titanium bridges display a brand-new cut and structure, the shape of its sapphire crystal allows side views of the calibre, and its one-minute tourbillon is in titanium for the first time, with increased power reserve.

Inspirés par l’art japonais du Temari (littéralement « balle à main »), ces modèles de joaillerie en édition limitée en or blanc comprennent une couverture de diamants et une marqueterie de pierre dure en nacre, onyx, lapis-lazuli ou opale, reproduisant les motifs sophistiqués et harmonieux que l’on trouve sur ces objets ludiques, autrefois objets de fascination à la Cour impériale.

Inspired by the Japanese ancestral art of temari (hand ball), these limited-edition jewellery models in white gold feature diamond snow setting and hard stone marquetry in mother-of-pearl, onyx, lapis lazuli or opal, which reproduce the sophisticated, harmonious motifs found on these amusing objects that once fascinated the Imperial court.

www.girard-perregaux.com

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aiMe, inspiré par le / inspired by the Leica M8

Cette année, il fête ses cent ans le petit allemand Leica, premier appareil photo portable et icône des photographes ! L’assemblage des 1 300 pièces qui le composent nécessite 5 heures. Une extravagance totale dans l’industrie ultra rationalisée de la photo, essentiellement japonaise aujourd’hui. Seulement, le Leica M est un mythe vivant. Inventé en 1914 par Oscar Barnack*, alors employé de l’industrie optique Leitz, il fut surnommé Lilliput pour se moquer de sa taille. Mais le dirigeant de Leitz y croit et crée une division spéciale pour sa production : Leica pour Leitz CAmera. En 2009, le M deviendra numérique pour que l’espèce perdure dans un monde high-tech, avec 130 ingénieurs pour veiller sur sa conception.

Il est le dernier appareil photo fabriqué en Europe.

Aujourd’hui le collectif art-sciences LuxInside révèle par une technique unique de scanner médical lié à la photographie, les qualités cachées des icônes du luxe.

L’une de ses 14 pièces, la photo aiMe, en illustre parfaitement le concept en dévoilant l’extrême complexité de la technique Leica sous sa coque épurée. Le luxe ne devrait-il pas être le « Lux », une lumière qui éclaire l’humanité par le prisme du savoir-faire et de l’ingéniosité des hommes ?

www.hermes.com

Perpetual Manufacture Ulysse Nardin Bien que les calendriers perpétuels ne semblent pas être les complications les plus simples à utiliser, les indications de jour, date, mois et année de cette montre peuvent aisément être ajustées en tournant la couronne dans n’importe quelle direction, et le second fuseau horaire arbore un mécanisme rapide. La petite aiguille peut être mue d’avant en arrière dans une ou plusieurs positions grâce aux poussoirs « + » et « - ».

While perpetual calendars may not be the simplest complications to use, this watch’s day, date, month and year indications may be easily adjusted by turning the crown in either direction, and the second time zone boasts a quick-setting mechanism. The hour hand can be moved forward or backward by one or more positions via “+” and “-” pushers. www.ulysse-nardin.ch TL TL ##20 21

*Oscar Barnack inventa également le format de pellicule 24x36 / also invented the 24x36mm film format

Iconic German camera manufacturer Leica, the first company to develop the compact camera, celebrates 100 years of Leitz/Leica photography this year. It takes five hours to assemble the 1300 camera components. An extravagance when you consider that this is essentially a streamlined industry dominated by Japanese companies. But here’s the thing: the Leica M is a living legend. It was invented in 1914 by Oscar Barnack*, an employee of the Leitz Werke Wetziar, who named it “Lilliput”, after its diminutive size. The man running Leitz at the time believed in what he saw and created a special division devoted to its production: Leica for Leitz CAmera. In 2009, only after 130 engineers were satisfied, the M became the brand’s first digital camera, ensuring the continuity of the brand in a high-tech world. The last camera manufactured in Europe. Today, the LuxInside Art-Science Collective use a unique technique that combines a medical scanner with photography to reveal the hidden qualities within iconic luxury objects. One of the fourteen photographs, aiMe, is a perfect illustration of the concept, revealing the extreme complexity of Leica’s technical features hidden under the refined exterior. Shouldn’t real luxury be “Lux”, a light that shines a new perspective on humanity, through the prism of savoir-faire and the ingenuity of mankind?

© LuxInside

Mix-Match

Real Life

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1 — Plat végétal imaginé par le chef Esben Holmboe Bang du restaurant norvégien Maaemo / Vegetable dish created by chef Esben Holmboe Bang at Maaemo, Norway 2 — Intérieur du restaurant Amass, Copenhague / Restaurant interior at Amass, Copenhagen

© Tim Streabury

© Jimmy Linus

Real Life

D elic ate ss en / N ord ic C u isin e

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Noma aura mis Copenhague sur la carte de la gastronomie mondiale. Mais c’est pourtant une autre révolution, d’une bien plus grande envergure, qui traverse depuis lors l’ensemble des pays au nord de l’Europe. Et impose une nouvelle définition de la haute gastronomie : un retour à l’essentiel.

Claus Meyer est assurément le père de la cuisine nordique. Associé de René Redzepi chez Noma, derrière ce visionnaire serial entrepreneur et philanthrope se cache aussi le Nordic Food Lab – dont la mission est de financer des recherches sur les goûts nordiques et d’imaginer de nouvelles combinaisons de saveurs à partir d’ingrédients bio 100% locaux. Dernière aventure en date, qu’il mène d’une main de maître, le nouveau repère gastronomique de Copenhague : The Standard. Face à Noma, de l’autre côté de la rivière, il rassemble, sous un même toit, un petit empire du goût : un restaurant gastronomique baptisé Studio qui met la créativité à l’honneur face à un club de jazz, un casual bistro, Almanak, et une table contemporaine néo-indienne, Verandah. Sous l’œil affûté d’un ancien chef exécutif de Noma, on déguste au Studio, un sauté d’encornet et peau de lait, pomme de terre et aneth ; un jaune d’œuf poché au comté, choux de Bruxelles et truffe ; ou un sorbet de pamplemousse, yaourt, réglisse et estragon. Des goûts essentiels portés vers de nouveaux sommets.

Cuisine nordique : une révolution en marche

/ Nordic cuisine: a revolution is underway

L es disciples de R e n é R edzepi : de C la u s M eyer à M att Orlan d o

Reportage de / Report by Marie Le Fort TL TL ##20 21

Également dans le sillage de Noma, dont il fut le chef exécutif pendant trois ans, Matt Orlando a récemment ouvert Amass. Dans cette ancienne zone d’entrepôts à l’écart de la ville, place à une cuisine d’auteur, où les produits de saison conditionnent chaque plat.

Noma surely put Copenhagen on the world gastronomic map. And yet another revolution, on a much larger scale, is now sweeping through the countries of northern Europe, imposing a new definition of high gastronomy: a return to basics.

Claus Meyer – serial entrepreneur and philanthropist – is undoubtedly the father of Nordic cuisine. This visionary and former associate of René Redzepi (Noma) also runs the Nordic Food Lab – whose mission is to finance research to investigate Nordic tastes and imagine new flavour combinations using 100% local, organic ingredients. His latest venture to date, that he runs with aplomb, is a new gastronomic landmark in Copenhagen: The Standard. Facing Noma, on the opposite side of the river, this is a small empire dedicated to taste: there’s a gastronomic restaurant called Studio that places creativity at its hub, a jazz club, a casual bistro, Almanak, and a contemporary gastronomic Indian restaurant, Verandah. At Studio, under the watchful eye of a former executive chef at Noma, we tuck into sautéed squid and milk skin, potatoes and dill; poached egg yolk with Comté, Brussels sprouts with truffles; and a grapefruit sorbet, yoghurt, liquorice and tarragon. Essential flavours are taken to new heights.

Disciples of René Redzepi: from Claus Meyer to M att O rlando Matt Orlando recently opened his own restaurant Amass, after a three-year tenure as executive chef at Noma. Housed within a former shipping depot outside the city, Amass is a place dedicated to creative cuisine, where seasonal produce influences each dish. Moreover, for this Californian with the physique of a surfer, campfires and growing vegetables (on a plot of land in front of the restaurant) are a natural extension of his

Dans des quartiers plus pro ches de l’eau

Autre quartier, autre surprise. À Christianshavn, Kadeau a le charme d’une maison de ferme. Et pour cause, le restaurant est le grand frère d’une adresse incontournable de l’île de Bornholm qui fourmille, à la belle saison, de fruits, légumes, fleurs et végétaux nordiques inconnus de nos régions. Orchestrés comme une découverte « à travers champs et forêts », une série d’amuse-bouches (appelés snacks) se découvrent, cachés, comme pour cette brindille de pain au levain recouverte de poudre de lichen salée qui disparaît au milieu d’un amas de branchages et galets. Quels que soient les plats qui suivent, les goûts se décomposent et se recomposent comme une symphonie danoise, tout comme une baie de genièvre ou des brins de salicorne évoquent, en France, le maquis ou la Bretagne. « La nature pour seule source d’inspiration, la simplicité comme principe essentiel et cuisiner 100% danois comme philosophie », voilà les fondements du succès de Kadeau qui ne se dément pas.

daily life. His philosophy? On the inside there’s a very informal atmosphere that the international community have already been quick to embrace: raw concrete walls, large industrial-style volumes and graffiti on the walls form a backdrop to the rustic sophistication of the dishes, like the flat bread – made from fermented potatoes and yoghurt – grilled over charcoal, the cod head rillette, served between crunchy seaweed or the dessert of parsnips, malt and chocolate. At Amass, spontaneity is a daily precept.

4&5 : © Courtesy Claus Meyer

D’ailleurs, pour ce Californien au physique de surfeur, potager d’herbes et feu de camp (qui s’étirent sur le terre-plein devant le restaurant) sont une extension naturelle de son quotidien. Et de sa philosophie. À l’intérieur, pas de chichi pour cette adresse que la communauté internationale embrasse déjà : murs en béton brut, volumes industriels et graffitis aux murs servent de cadre à des plats rustico-raffinés, comme pour cette galette de pain – à base de pommes de terre fermentées et de yaourt – grillée au charbon de bois, cette rillette de tête de cabillaud servie entre deux croquants d’algues ou ce dessert à base de panais, malte et chocolat. Chez Amass, la spontanéité est un précepte quotidien.

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I n areas closer to the water Another surprise, in a different area. In Christianshavn, Kadeau has all the charm of a farmhouse. Which is hardly surprising, as the restaurant is the sister of a popular address on the island of Bornholm, which, in summer, is bursting with fruit, vegetables, flowers and Nordic plants that are native to the region. Orchestrated as a discovery “through fields and forests”, a series of snacks lie waiting to be found, like the twig-like leavened bread covered with salted lichen (powder) which disappears between a cluster of branches and pebbles. The flavours for this dish and those that follow are decomposed and recomposed like a Danish symphony: in the same way that, in France, a juniper berry or sprig of glasswort might evoke images of scrubland, or Brittany. “Nature as the only source of inspiration, applying the essential principle of simplicity, and food that is 100% Danish”, this is the fundamental philosophy behind the highly successful concept of Kadeau.

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6&7 : © Jimmy Linus

D e l i cate s s e n / Nordi c Cuisine

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3 — Intérieur du restaurant Kadeau, Copenhague / Restaurant interior at Kadeau, Copenhagen 4 & 5 — Déclinaison de plats inspirés de la nature chez Studio, The Standard, Copenhague / Medley of dishes inspired by nature at Studio, The Standard, Copenhagen 6 & 7 — Plat végétal imaginé par le chef Esben Holmboe Bang et intérieur du restaurant norvégien Maaemo / Vegetable dish created by chef Esben Holmboe Bang and interior at Maaemo, Norway

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© Marie Le Fort

Real Life

V o yager de C o pe n hag u e à l ’ î le de Bornholm et à Oslo

En Norvège, le chef Esben Holmboe Bang, 31 ans, est le propriétaire de Maaemo, dont le nom résonne d’un insolite doublé d’étoiles Michelin. Une première en ces contrées reculées où la gastronomie ne rimait qu’avec « pommes de terre » il y a encore une vingtaine d’année ! « La dévotion d’Ebsen pour les produits naturels est exemplaire », s’enthousiasme la presse locale. Sa cuisine, maintes fois primée, s’articule autour d’une esthétique épurée qui réinterprète le caractère brut du terroir et du climat norvégien. Tout chez Maaemo est bio, sauvage ou biodynamique. L’idée de contrées et produits vierges est en effet particulièrement importante pour le jeune chef, qui imagine une cuisine personnelle où poésie, nature et sophistication s’entremêlent au contact d’assiettes en céramique nervurée ou tâchées de brûlures.

TL # 21

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Real Life

D e l i cate s s e n / Nordi c Cuisine

Real Life

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D elic ate ss en / N ord ic C u isin e

… j u s q u ’e n Su è de

Perdu dans les montagnes suédoises du Jämtland, Fäviken Magasinet est, à son tour, un autre exemple stellaire de haute-gastronomie scandinave. Car c’est en suivant à la lettre les cycles naturels que le chef Magnus Nilsson explore de nouveaux codes culinaires : au fil des saisons, il récolte en passant de longues heures en forêt, dans les tourbières ou à travers champs, ce que la nature produit de plus noble, de plus éphémère et de plus secret. Puis il s’inspire de traditions séculaires pour sécher, préserver, conserver en saumure ou gélifier des ingrédients rares. Le résultat est dépouillé d’artifices et pourtant si savoureux sous sa pâte gourmande.

E t da n s le gra n d N o rd av ec le pr otag o n iste de H el Y es !

En finlandais, la haute-gastronomie rime avec Ateljé Finne, sous l’œil avisé d’Antto Melasniemi. Si le chef s’est rapidement fait un nom sur la scène internationale, c’est qu’il a eu le génie de mettre des recettes finlandaises à l’ordre du jour pendant le London Design Festival en 2010, dans un entrepôt abandonné. Sous des airs de pop-up restaurant, c’est un décor lapon de carte postale qui accueillait les gourmets. Sur place, les préceptes étaient simples, et les produits exposés à la vue de tous : « recycler, garder les choses simples, réaliser une cuisine pure et y ajouter une touche finlandaise », voilà bien une philosophie essentielle et visionnaire. Surtout il y a quatre ans, avant que Noma n’enflamme les critiques gastronomiques les plus assidus.

10 & 11 : © Pasi Haaranen

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Car ce qui prime dans la haute gastronomie nordique, c’est avant tout la Nature, ses bienfaits, le cycle des saisons, les produits rares car disponibles en petites quantités. Une élégante robinsonnade pour les papilles les plus expertes !

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T rav elling from C openhagen to B ornholm island to O slo The 31-year-old chef Esben Holmboe Bang is the owner of Maaemo, a two star Michelin restaurant in Norway. A first in these remote areas, where as little as twenty years ago, gastronomy rhymed with ‘potatoes’!

“Ebsen’s devotion to natural products is exemplary”, enthused the local press. His award-winning cuisine revolves around a minimalist aesthetic that reinterprets the rustic character of the region and the Norwegian climate. Everything at Maaemo is organic, biodynamic or wild. The idea of unexploited land and fresh produce is particularly important to the young chef, who has invented his own style of cuisine where nature and poetic sophistication intermingle on ribbed or scorched ceramic plates. … A nd on to Sweden Isolated in the Swedish mountains of Jämtland, Fäviken Magasinet is, in turn, another stellar example of Scandinavian high gastronomy. Here, the chef Magnus Nilsson explores new culinary codes that follow the natural cycles: this master forager spends long hours in the forest, come rain or shine, crossing the peat bogs and fields, looking for nature’s secrets; its finest, ephemeral produce. Then he draws on ancient traditions to dry, preserve (pickle in brine or jellify) the rare ingredients.

This is food without thrills, but boy is it tasty.

A nd in the far north w ith the protagonist of H el Yes! In Finnish, high gastronomy rhymes with Ateljé Finne, under the shrewd eye of Antto Melasniemi. If the chef has quickly made a name for himself on the international scene, it’s because he had the brilliant idea of promoting Finnish recipes during the London Design Festival in 2010, in an abandoned warehouse. His popup restaurant, set up amidst a Lappish-style picture postcard decor, gave a warm welcome to foodie enthusiasts. On site, the precepts were simple, and the produce was on display for all to see: “recycle, keep it simple, create refined food and add a Finnish touch”, that’s what you call an essential, visionary philosophy. Especially four years ago, before Noma fired the most assiduous food critics with enthusiasm.

Because in Nordic high gastronomy what matters most is nature, its benefits, the seasonal cycles, the rare produce – available in small quantities. An elegant Robinsonade to satisfy the most seasoned taste buds! http://favikenmagasinet.se http://thestandardcph.dk http://www.kadeau.dk http://maaemo.no http://www.amassrestaurant.com

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8 & 9 — Intérieur rustique du restaurant Faviken Magasinet, Suède, et plat animé de verdure préparé par le chef Magnus Nilsson / Rustic restaurant interior at Faviken Magasinet, Sweden, and a lively green dish prepared by chef Magnus Nilsson

http://www.ateljefinne.fi

10 & 11 — Intérieur du restaurant Atelje Finne à Helsinki et bouillon coloré truffé de légumes / Restaurant interior at Atelje Finne in Helsinki and colourful broth garnished with vegetables

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D e l i cate s s e n / R u s s i a i n Par is

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D elic ate ss en / R u ssia in Pa ris

lin après Londres, New-York, et Milan. Le chef parisien Joël Robuchon présente d’ailleurs avec fierté la gamme de cette marque dans ses restaurants et boutiques sur tout l’archipel du Japon.

Toutefois, c’est à Paris que nous entrons véritablement dans l’univers du Kusmi Tea, au Café Kousmichoff situé sur l’avenue des Champs-Élysées. Sous les lustres aux formes de coupoles russes créés par Olivier Saguez (Saguez & Partners), les recettes franco-russes sont prêtes à être savourées du matin au soir. Des cocktails sont également proposés à base de vodka ou encore de champagne Louis Roederer.

Un sensation d’être ici et ailleurs.

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sixth shop in Berlin, after London, New York and Milan. What’s more, the Paris chef Joël Robuchon, proudly stocks the brand’s full range in his restaurants and shops throughout the Japanese archipelago. However, Paris is where we truly enter into the world of Kusmi Tea, at Cafe Kousmichoff, on the Champs-Elysees. Franco-Russian teas and pastries wait beneath the domed Russian-style chandeliers created by Olivier Saguez (Saguez & Partners), ready to be savoured from morning to midnight. Vodka-based cocktails are also on the menu, even a glass of Louis Roederer champagne. A feeling of being in two worlds.

1 — Kusmi Tea Champs Elysées 2 — Boîte emblématique de Kusmi Tea / Iconic box of Kusmi Tea 3 — Bellini Kusmi associé au champagne Louis Roederer / Kusmi combined with Louis Roederer champagne 4 & 5 — Pâtisseries du Café Pouchkine / Sweet pastries at Café Pouchkine 6 — Au / At Café Pouchkine Printemps Haussmann, la pâtisserie et le cadre expriment l’esprit baroque en Russie / the pâtisserie and the setting express the Baroque spirit in Russia

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La Russie à / Russia in Paris

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Reportage de / Report by Keiko Sumino-Leblanc 4.

The Tsars were elegant, wealthy aristocrats from a distant land, who admired the all-powerful civilisation of France. And so it came to be that the Louvre inspired the splendour of the Hermitage and the Palace of Versailles that of the Peterhof. Today, this mutual admiration is at the heart of three Parisian institutions that share the pleasures of this FrancoRussian love affair.

Kusmi Tea Le thé des Tsars à la m ode parisie nne

Kusmi T ea The Tsars’ tea of choice in fashionable Paris The Kousmichoff Company, founded by Pavel Michailovitch Kousmichoff in 1867, in Saint Petersburg, was an official supplier to the Tsar. Based in Paris since 1917, trading under the name of Kusmi Tea, this former Russian tea house (now French-owned), continues to delight the refined palates of consumers with its original blend of teas presented in colourful, baroque boxes.

Proud of its success, the owners have just opened a

La Maison Kousmichoff, fondée par Pavel Michailovitch Kousmichoff en 1867 à Saint-Pétersbourg, est le fournisseur du Tsar. Installée à Paris depuis 1917 sous le nom de Kusmi Tea, cette maison du thé russe, aujourd’hui française, ne cesse de séduire les palais fins avec ses mélanges des thés originaux enfermés dans des boîtes baroques et colorées. Fière de son succès, sa sixième boutique à l’étranger vient d’ouvrir à Ber-

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Lointain est le pays des Tsars, des aristocrates riches et raffinés qui tous admiraient la civilisation toute puissante, la France. C’est ainsi que le musée du Louvre inspira les fastes de l’Ermitage et le château de Versailles ceux du Peterhof. Aujourd’hui, cet amour réciproque s’inscrit au cœur de trois institutions parisiennes marquées par des plaisirs francorusses partagés.

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D e l i cate s s e n / R u s s i a i n Par is

Le Café P ouchkine D o u ce u rs m o sc o v ites a u c œ u r de la capitale

Le Café Pouchkine, autre adresse franco-russe, est peut-être plus célèbre encore. Curieusement, ce restaurant emblématique de la place Pouchkine à Moscou n’existe que depuis 1999. Évoquée dans la chanson de Gilbert Bécaud Nathalie en 1964, le Café Pouchkine est devenu un monument historique quoiqu’imaginaire à l’époque… À Paris, trois Cafés Pouchkine ont vu le jour, au Printemps Haussmann, place des Vosges et sur le boulevard de SaintGermain-des-Prés. Le chef pâtissier Damien Piscioneri y réalise une pâtisserie franco-russe, prononcée en saveur slave et sucrée juste à la pointe. L’esthétique atypique de ces doux bijoux nous fait également voyager au pays des Tsars.

Le Spa Bristol S e n sati o n s de bie n - ê tre e n pr o v e n a n ce d’Eurasie

Unique dans la capitale française, le Spa Bristol by La Prairie propose, au sein du palace élu Meilleur hôtel de France en 2014, les rituels du bien-être russes inspirés du « banïya ». Ce bain traditionnel de vapeur associé au massage « veniks », battement agréable à l’aide de branches de bouleau infusées d’huile essentielle, stimule la circulation sanguine en exfoliant et purifiant la peau. Ni oriental ni européen, ce soin est la promesse d’une sensation nouvelle de détente à la fois profonde et thérapeutique.

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Publ i - e d i tor i a l

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Maison & Objet Asia

Cafe P ouch k ine M osco w ’ s s w eet pastries in the heart of the capital Cafe Pouchkine, another Franco-Russian address, is perhaps even more famous. Oddly enough, this legendary restaurant in Pushkin Square in Moscow only opened in 1999. Alluded to in the song Nathalie by Gilbert Becaud in 1964, Cafe Pouchkine has become a historic monument, although it was an imaginary one at the time… In Paris, three Cafe Pouchkine’s have sprung up: at Printemps Haussmann, Place des Vosges and on the Boulevard Saint-Germain-des-Prés. The head pastry chef Damien Piscioneri creates FrancoRussian tarts and cakes – tasty Slavic delicacies with just the right amount of sweetness. Their unusual appearance also transports us to the land of the Tsars.

Singapore on the design map 2-3 : © Greg Sevaz

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Spa Le Bristol Feelings of w ell- being from Eurasia Unique in the French capital, Spa Le Bristol by La Prairie offers feel-good Russian rituals inspired by “Banïya”, within the confines of the luxury hotel that was voted Best Hotel in France in 2014. This traditional “Venik” steam bath combined with an invigorating traditional massage, performed with a bundle of fresh birch branches infused with essential oils, stimulates the blood circulation while exfoliating and purifying the skin. Neither Oriental nor European, this treatment is the promise of a new feeling of relaxation, one that is both deep and therapeutic.

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1 — Kenneth Cobonpue, Designer of the Year Maison & Objet Asia 2014

Maison & Objet Asia closed its first edition after four days of successfully bringing together all the arts of living, gathering together different players in the sector, revealing talents, stimulating the market and promoting creativity at the Marina Bay Sands Convention Centre in Singapore from 10 to 13 March 2014. Maison & Objet Asia was an anchor event of Singapore Design Week.

www.cafekousmichoff.com www.cafe-pouchkine.fr www.lebristolparis.com

Conceived to become a unique platform, bringing a wide offering of brands to a diverse audience of visitors – everyone from retailers, specifiers, buyers to developers and restaurateurs. The inaugural edition saw a total of 13,709 attendees. 51% were international visitors from Indonesia, Japan, the Philippines Australia, Thailand, Malaysia, China, Hong Kong and Korea. Over 300 international journalists also took part in the event.

7 & 8 — Les Soins russes du Spa Bristol by La Prairie vous attendent avec tous les équipement à la russe : « banïya », « veniks » et la table chauffante en marbre blanc équipée d'une douche à affusion, une première à Paris / Russian treatments at Spa Le Bristol by La Prairie are waiting for you: "Banïya", "Venik" steam baths, and a heated white marble table fitted with hydrotherapy jets – a first in Paris

The Interior Design & Lifestyle Summit, which featured some 20 conferences, covering five different themes, was also well received with a total attendance of 3,500. The Summit included keynote speeches by the UK based designer Tom Dixon, Pilipino designer Kenneth Cobonpue (Design of the Year – Maison & Objet Asia 2014), Italian designer Paola Navone, Hong Kong cutting-edge interior architect Joyce Wang and Singapore-based Kelley Cheng.

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The event was also a perfect place to debut new luxury brands like Akar de Nissim. “Taking part in Maison & Objet Asia was a fantastic way to not only launch but also test our first collection, and it proved to be very encouraging for a a recently created brand. We had a lot of inquiries and established a

3.

large number of contacts in Southeast Asia and beyond. Maison & Objet Asia is definitely a great communication platform,” said Mr Richard Le Sand, CEO and Founder, Akar de Nissim.

Next edition: 10-13 March 2015 http://www.maison-objet.com/en/asia/

Ex p erien c e A r t / Ern e sto N eto

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Photos : Jörg von Bruchhausen © Ernesto Neto, Guggenheim Bilbao, 2014

Real Life

Le poème sans fin / The neverending poem

Par / By Jean-Philippe Peynot

2.

2 — Le temps lent du corps qui est peau / The Slow Pace of the Body that is Skin Thyssen-Bornemisza Art Contemporary, Vienne / Vienna. Vue de l’installation à la / Installation at galerie Max Hetzler, Berlin, 2004

Guggenheim Bilbao Ernesto Neto TL # 21

1 — Vue de l’installation Vendeur ambulant bouquet bonbon / View of the Candy Man Candy installation at the Museu de Arte Moderna de São Paulo, 2010

Le musée Guggenheim de Bilbao accueille en ce moment une cinquantaine de sculptures et installations d’Ernesto Neto, toutes réinterprétées ou même, pour certaines, créées spécialement pour monter à bord de la rutilante embarcation conçue par Frank Gehry. Si l’exposition est présentée comme une rétrospective, rien ici ne semble s’accorder au passé et l’œuvre d’Ernesto Neto, tout entier tourné vers l’avenir, conjugue le présent avec le futur pour faire surgir l’instant avec toute la force du poème.

The Guggenheim Museum Bilbao is currently playing host to fifty-odd sculptures and installations

by Ernesto Neto, that have all been reinterpreted, or created specially, to embark on the gleaming ship designed by Frank Gehry. Although the exhibition presents itself in the form of a retrospective, nothing here seems to reflect the past, and the work of Ernesto Neto, entirely focused on the future, combines the present with the future, capturing the moment with a rare poetic force.

Le temps lent du corps qui est peau. Ceci n’est pas un poème. C’est le titre d’une sculpture présente dans l’exposition. Un étrange tapis rouge recouvre une forme mystérieuse. Le rythme même du titre semble donner la mesure au regard, et l’on devine le glissement de cette peau, sa dérive qui lui donne peu à peu l’allure d’une île. À Bilbao, le musée Guggenheim est lui-même une île, non seulement parce qu’il est pratiquement posé sur le fleuve, mais aussi au regard des bâtiments d’une grande sobriété qui ont peu à peu constitué l’espace urbain de cette ville, depuis ses origines jusqu’aux récentes réalisations d’Arata Isozaki ou de Rafael Moneo.

Le bâtiment de Frank Gehry semble relever davantage de la sculpture que de l’architecture, et c’est ainsi « recouvertes » par cette méta-sculpture que les sculptures d’Ernesto Neto trouvent un écho inattendu.

The Slow Pace of the Body that is Skin. This is not a poem. It’s the title of a sculpture present in the exhibition. A strange red carpet covers a mysterious form.

The rhythm in the title seems to set the tone for what we see, and we can picture the skin in our minds, slithering slowly to form what appears to be an island.

In Bilbao, the Guggenheim Museum is also an island.

Not only because it practically stands on the river, but because it also stands out in stark contrast to the plain buildings that have slowly encroached on the surrounding urban space since the city’s origins, until and including recent buildings by Arata Isozaki and Rafael Moneo. The building by Frank Gehry seems to be more sculpture than architecture, and “covered” by this meta-sculpture, the sculptures of Ernesto Neto find an unexpected echo.

According to Neto “not thinking is healthy; it’s like

Ex p e ri e n c e A r t / Ern e s to N eto

Real Life

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Ex p erien c e A r t / Ern e sto N eto

Dans Lèvres de pierre, seins de poivre, amour de clou de girofle, grenouille de brouillard, ce sont les senteurs de ces éléments contenus dans les tubes de tulle qui créent ici et là, dedans dehors, des impressions liées l’une à l’autre par la structure qui nous entoure. Dans Tambour, c’est un piano, une caisse claire et différents autres instruments qui sont littéralement piqués et attrapés.

U n lan gage u n i v ersel

Le travail d’Ernesto Neto peut sembler déconcertant du point de vue de la tradition des Beaux-Arts ; il s’inscrit pourtant dans la continuité d’artistes brésiliens comme Hélio Oiticica, Lygia Clark, Lygia Pape et Anna Maria Maiolino que l’on qualifie de néo-concrets. Le mouvement néo-concret s’est développé depuis les années 1960 en réaction à l’art concret brésilien des années 1950, et il entretient un lien très fort avec une grande partie de l’histoire européenne de l’art concret, depuis Theo van Doesburg jusqu’à Max Bill.

Si Max Bill, dont l’influence fut très grande sur l’art brésilien, avait pour projet de donner aux formes plastiques une structure mathématique, un curieux parallèle peut s’établir avec la structure rhizomatique qui articule le langage visuel d’Ernesto Neto. Un langage universel, puisqu’il n’est que structure, et non plus sémantique, et qu’il permet d’aborder les questions de la construction du sujet, de l’identité, du corps… avec un regard neuf, dans l’immédiate compréhension d’un poème sans début ni fin, qui toujours pousse et déborde et nous emporte.

3.

« Je crois que ne pas penser est bon, c’est respirer directement de la vie », nous recommande Ernesto Neto, et de ce point de vue, l’art devient refuge.

L’œuvre est un lieu rassurant et aimable, à la manière d’une architecture.

Ne pas penser

« La maison des rêves » est une partie de cette exposition qui fait référence à l’architecture – non pas celle qui proportionne un abri, ni même celle qui devient sculpture, mais plutôt celle qui nous permet de nous situer sur la Terre et sous les étoiles, pour habiter en poète. « Pourquoi retournes-tu à Rome ? », « C’est la vie », « Doux bord », « N’aie pas peur du chaos », « Je vends des bonbons » sont les cinq autres parties de l’exposition. S’il ne s’agit pas, ici non plus, d’un poème, ces titres donnent cependant matière à penser.

Il est difficile de ne pas penser, et lorsque l’on voit les structures suspendues partout dans le musée, dont Le corps féminin de Léviathan Thot, difficile de ne pas se souvenir de la définition du rhizome donnée par Gilles Deleuze : « Le rhizome ne se laisse ramener ni à l’Un ni au multiple. […] Il n’a pas de commencement ni de fin, mais toujours un milieu, par lequel il pousse et déborde*. » Attrapé , capté , pi qué

CAU GHT, CA PT U R ED, P I N C HED And what if the structure of these installations, the container (this skin made of polyamide tulle or other woven or non-woven materials) was the rhizome, while the semantic elements were the contents, or whatever has been caught, captured or pinched?

With Stone Lips, Pepper Tits, Clove Love and Frog Fog, aromas contained in gauzy tunnels awake the visitors’ sense of smell, creating sensations that are connected to one another by the membrane or shell that sur-

rounds us. Drum is an installation that contains a piano, a snare drum and various other instruments that are literally snapped at and caught.

A uni v ersal language Ernesto Neto’s work may seem disconcerting from the perspective of the tradition of Fine Arts; yet it subscribes to the continuity of work by Brazilian artists like Hélio Oiticica, Lygia Clark, Lygia Pape and Anna Maria Maiolino, whose work was associated with the Neo-Concrete movement that started to develop in the 1960s in reaction to the Brazilian concrete art of the 1950s, and maintains a strong link with the concrete art movement in Europe (Theo van Doesburg through to Max Bill).

If the latter, whose work greatly influenced Brazilian art, had plans to give plastic forms a mathematical structure, a curious parallel can be established with the rhizomatic structure that articulates the visual language of Ernesto Neto. A universal language, since it is only a structure and not semantics, which can address the issues of the construction of the subject, its identity, body… with a fresh look, similarly to the immediate understanding of a poem without beginning nor end, which is constantly growing overflowing and carrying us.

* Gilles Deleuze & Félix Guattari. Mille Plateaux – Capitalisme et schizophrénie 2. Paris, Éditions de Minuit / Capitalism and Schizophrenia 2. Paris: Midnight Press, 1980

N ot to think “Tent of Dreams” is a part of the exhibition that refers to architecture; not the type that offers shelter or that becomes a sculpture, but the type that allows us gaze at the stars from the comfort of Earth and live like a poet.

“Why Are You Going to Rome Again?”, “That’s Life”, “Sweet Border”, “Never Mind the Mess” and “Candy Man Candy” are the five other themes of the exhibition. Even though they are themes and not titles of poems, the words stimulate reflection.

It’s not easy to switch off your mind, and when you see structures suspended all around the museum – The Falling Body [Le corps] female [from Leviathan Thot] – it’s difficult not to think of Gilles Deleuze’s definition of rhizome: “The rhizome is reducible to neither the One or the multiple. […] It has neither beginning nor end, but always a middle (milieu), from which it grows and which it overspills.”

www.guggenheim-bilbao.es

5.

3 — Vue de l’installation Tambour / Drum installation, Museu de Arte Moderna, São Paulo, 2010

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Et si la structure de ces installations, le contenant (cette peau faite de tulle de polyamide ou autres matériaux tissés ou non-tissés), était le rhizome, tandis que les éléments sémantiques en seraient le contenu, où bien encore ce qui est attrapé, capté, piqué ?

breathing life itself”, and from this point of view art becomes a refuge. The oeuvre itself is a reassuring and friendly place, just like architecture.

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Photos : Carolina Tinoco © Ernesto Neto, Guggenheim Bilbao, 2014

Real Life

4.

4 — Lèvres de pierre, seins de poivre, amour de clou de girofle, grenouille de brouillard, vue de l’installation à l’Hayward Gallery de Londres, 2008 / Stone Lips, Pepper Tits, Love Clove, Frog Fog. Installation at the Hayward Gallery London, 2008 5 — Vue de l’atrium du musée Guggenheim de Bilbao envahi par l’installation Le corps qui tombe (Le corps féminin de Léviathan Thot) / View of the atrium at the Guggenheim Museum in Bilbao taken over by the installation The Falling Body [Le corps] female [from Leviathan Thot]

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Berlin

C ity R ep or t / B erlin

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Dans le laboratoire du futur / Into the future lab

pour les débutants / for beginners

Reportage de / Report by Max Borka Images de / by Katrin Greiling

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1 — Installation de Sarah Kippenberger dans l’un des espaces temporaires / Installation by Sarah Kippenberger at one of the pop up spaces, Torstrasse, Mitte 2 — Studio Greiling, Chorinerstrasse, Mitte

Selon Max Borka, fondateur et directeur de Mapping the Design World , une initiative qui a pour but de supporter le design social à travers un programme de recherche et de promotion, il est difficile de penser à une nouveauté dans le champs de la durabilité, de l’économie cyclique ou autres stratégies – dont l’humanité nécessite urgemment si elle veut avoir une chance de survivre – n’ayant pas au moins en partie trouvé son origine à Berlin. Dans l’article qui suit, le théoricien belge du design explique pourquoi, à la suite de voyages qui l’ont mené d’Istanbul aux îles Lofoten, il a finalement opté pour Berlin comme nouvelle ville de résidence – une ville qui montre l’exemple au monde entier : il ne faut pas faire face à la crise mais la célébrer.

Chaque métropole a son propre paysage sonore. Tandis que mes souvenirs de l’Istanbuliote sont hantés par le rire perçant de mouettes omniprésentes et le tonitruant appel à la prière relayé par les mégaphones des muezzins, le paysage sonore de Berlin sera toujours guidé par le cliquetis des valises à roulettes avec lesquelles non seulement les touristes mais aussi les habitants naviguent à travers la ville. Acoustiquement parlant, c’est ce qui lui donne son caractère unique.

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Pour les nouveaux venus, une des meilleurs manières de découvrir Berlin et ses 900 km2 de surface est

According to Max Borka, the founder and director of Mapping The Design World, an initiative that aims to support social design through a programme of research and promotion, it is hard to think of any novelty in the fields of sustainability, cyclic economy – or the other strategies that are urgently needed if humanity wants to stand a chance to survive – which did not have, or at least partly have, its origins in Berlin. In the following article, the Belgium-born design theorist explains why, after travels that brought him from Istanbul to the Lofoten Islands, he finally opted for Berlin as his new hometown - a city that set a worldwide example of not just coping with, but of celebrating a crisis.

Every metropolis has its soundscape. While my memories of the Istanbulite are haunted by the laughing shrieks of the ubiquitous seagulls and the calls to prayer of the muaddhins, blaring through their megaphones, the Berlin soundscape will always be steered by the rattle of the suitcases on wheels, with which not just tourists but also locals navigate through the city.

Acoustically speaking, this is what gives it its unique character.

For newcomers, one of the best ways to discover Berlin and its 900 km2, is to store your belongings for a while, and travel lightly from one part of the city to the

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d’entreposer leurs biens pendant quelques temps et de voyager léger d’une partie de la ville à une autre, en sous-louant une série d’appartements meublés. Tout ce dont vous avez besoin d’acheter est un contrat standard pour quelques euros chez un marchand de journaux. Signez-le sur place avec le propriétaire et l’appartement est à vous. Il y a là une confiance mutuelle si typique de Berlin. Et c’est un système fantastique parce que le seul moyen de faire connaissance avec ce qui fut autrefois la métropole la plus large et la plus vibrante d’Europe est d’être en déplacement constant. Car en dépit de la chute du mur, il y a un quart de siècle, Berlin reste une cité divisée et fragmentée, une surface gigantesque coupée en segments. Plutôt qu’avoir un centre, elle en a de multiples, repartis sur plus de vingt communes, toutes avec leurs humeurs particulières.

Depuis que j’ai emménagé à Berlin il y a plus de deux ans, j’ai sous-loué cinq appartements. D’abord il y a eu le penthouse au dixième étage d’un immeuble d’appartements à Hallesches Tor, une zone abandonnée à la limite entre Kreuzberg et Mitte, deux des quartiers les plus en vue de Berlin. Elle était autrefois connue sous le nom de Judentor, car il s’agissait de la seule porte au sud de la ville par laquelle les juifs pouvaient y entrer. Ce quartier a été complètement dévasté pendant la bataille de Berlin en 1945 et ne s’en est jamais entièrement remis. J’aimais beaucoup cette impression d’être au milieu de nulle part. Et puisque Berlin est une ville qui, à cause de son abondance d’espace disponible, s’est principalement développée sur le plan horizontal, avec relativement peu de bâtiments élevés, la vue panoramique à 360 degrés que j’avais depuis le penthouse était tout simplement à couper le souffle.

next, subrenting a series of furnished apartments. All you need to do is buy a standard contract for a couple of euros in a newsagents. Sign it on the spot with the owner, and the apartment is yours. At the heart of this is a mutual confidence that is typical Berlin. And it’s a fantastic system because the only way to get to know what was once the world’s largest and most vibrant metropolis, is to constantly move around. For despite the fall of the Wall, a quarter of a century ago, Berlin remains a divided and fragmented city, a gigantic sprawl cut into segments. Rather than having one centre it has many, spread over twenty communes, each with its own mood.

Since I moved to Berlin, more than two years ago, I’ve subrented five apartments. First there was a penthouse on the 10th floor of an apartment block at Hallesches Tor, a wasteland on the border between Berlin’s most fashionable districts, Kreuzberg and Mitte. It was once known as the Judentor, since it was the only gate in the south through which Jews could enter the city. The neighborhood was completely devastated during the Battle of Berlin in 1945, and never really recovered. I loved that in-the-middle-of-nowhere feeling. And since Berlin is a city that, because of its abundance of available space, mainly developed horizontally, with relatively few high-rise buildings, the 360-degree panoramic view I had from the penthouse was simply stunning.

Friends wearily shook their heads when circumstances forced me to move to the north of the city, into a second floor flat contained within a period house in

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3 — Librairie Do You Read Me / The Do You Read Me bookstore, Augustrasse, Mitte 4 — Le pont Oberbaum / The Oberbaum Brücke, Kreuzberg 5 — Vue sur quelques icônes berlinoises : la tour de la Télévision et les alentours de l’Alexanderplatz / View on some other Berlin icons: the Fernsehturm and the Alexanderplatz neighborhood, Mitte 6 — Un apercu des vestiges du mur de Berlin près du pont Oberbaum / A stretch of what’s left of the Berlin Wall near Oberbaum Brucke, Kreuzberg 7 — Mogg & Melzer, une épicerie située à la même adresse que le restaurant et bar Pauly, située dans l’ancienne école juive réservée aux filles / Mogg & Melzer, a deli at the same address as Pauly Saal bar & restaurant, in the former Jüdische Mädchenschule, Augustrasse, Mitte 6.

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Mes amis secouèrent la tête avec réprobation lorsque les circonstances me forcèrent à déménager au nord de la ville, dans un appartement au second étage d’une maison d’époque sur Kolmarstrasse surplombant les citronniers et les roseraies du petit parc idyllique aux alentours du Wasserturm, le plus haut point du district de Prenzlauer Berg. En temps qu’emplacement du tout premier camp de concentration pendant la montée du National Socialisme, cet endroit a également vécu sa part d’histoire. Il porte aussi les cicatrices de deux guerres, durant l’une desquelles presque tout ce qui était érigé fut détruit, et de la guerre froide alors que le mur était construit et que la ville était divisée en deux. Plus tard, il fut également le district en Allemagne de l’Est où les Alternativen avaient plus ou moins le droit de faire ce qu’ils voulaient. Et lorsqu’avec le Wende de 1989 la république démocratique d’Allemagne et le mur partirent en fumée, le quartier se développa rapidement pour devenir le « Experimentierfeld des neuen Deutschlands », le champ d’expérimentation de la nouvelle Allemagne, le quartier le plus branché du continent, où l’easyjetset arriva en masse depuis toute l’Europe pour faire la fête au Klub der Republik ou autres boîtes. Mais même le Klub tomba aux mains de l’inévitable Gentrifizierung et du boom immobilier qui suivirent, et dut

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Kolmarstrasse, overlooking the lime trees and rose gardens of the small idyllic park surrounding the Wasserturm, the highest point of the Prenzlauer Berg district.

As the site of the very first concentration camp during the rise of National Socialism, the place had also witnessed its fair share of history. And it also bore the scars of two wars, one in which almost everything that stood was destroyed, and the Cold War when the Wall was built and the city was split in half. Later, it had also been the district in East Germany where Alternativen were more or less allowed to do their own thing. And when with the Wende of ’89 the German Democratic Republic and the Wall evaporated, the neighbourhood had quickly developed into the “Experimentierfeld des neuen Deutschlands”, the hippest district on the European mainland, where from all over Europe the easyjetset came to party at the Klub der Republik and other venues. But even the Klub had fallen victim to the inevitable Gentrifizierung and real estate boom that followed, and had to move elsewhere. The rough untamed forest that surrounded the Wasserturm, once an ideal scene for raving, gradually gave way to a carefully trimmed ensemble of rosebushes, joggers, trampolines, and ping-pong tables, one more Disneyland area where the faux chic ruled and for which Berliners scornfully coined the invective Shikki Mikki.

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déménager. La profonde et sauvage forêt qui environnait le Wasserturm, qui fut un temps l’endroit idéal pour les rave parties, a graduellement fait place à des ensembles de bosquets de roses taillés avec soin, coureurs, trampolines et tables de ping-pong, encore une zone Disneyland où le faux-chic règne en maître, et pour laquelle les Berlinois ont inventé le terme dédaigneux de Shikki Mikki.

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8 — Signalétique d’étage en lumière néon dans le nouvel hotel 25hours qui vient d’ouvrir dans l’emblématique bâtiment Bikini / Neon light floor sign at the newly opened 25hours Hotel in the iconic Bikini building, Tiergarten 9 — Le Monkey Bar sur le toit de l’hôtel 25hours, offrant des vues panoramiques sur le zoo / The Monkey bar on the top floor of the 25hours Hotel, offering panoramic views of the zoo, Tiergarten 10 — Même panorama, du côté de la Gedächniskirche / Same spot but with a different view towards Gedächniskirche

Quelque soit votre manière de la regarder, Berlin est une ville jeune. La croissance soudaine qui en a fait la métropole la plus large du monde, il y a un peu moins d’un siècle, est considérablement due au fait qu’elle se soit positionnée comme refuge et havre de paix pour ceux qui ailleurs étaient bannis ou persécutés pour leurs idées et parce qu’ils étaient différents. Cet esprit demeure en grande partie. Il s’agit toujours d’une ville extrêmement tolérante, et qui a peu en commun avec le reste du pays – un endroit où, comme le fameux designer autochtone Jerszy Seymour, vous pouvez naître, vivre et travailler la majeure partie de votre vie sans presque parler allemand. Comme la ville elle-même, ses habitants vivent selon les principes de clochards de luxe – « pauvre, mais sexy », comme son maire actuel Klaus Wowereit le proclama dans un slogan qui

Whichever way you look at it, Berlin is a young city. Its sudden growth into the world’s largest metropolis, little more than a century ago, had been largely down to the fact that it had positioned itself as a refuge and free haven to those that were banned and persecuted elsewhere because of their ideology and because they were different. Much of that spirit has remained. It is still an extremely tolerant city, that has little in common with the rest of the country – a place where, like its most famous resident designer Jerszy Seymour, you can even be born, and have lived and worked the largest part of your life, while hardly speaking any German.

Like the city itself, its inhabitants live to the principles of a clochard de luxe – “Poor but Sexy”, as its present mayor Klaus Wowereit claimed in a slogan that was immediately turned into the city’s emblem. For contrary to expectations, industry and big money didn’t follow the creatives and politicians when they moved en masse to the newly named capital of a re-united Germany. And the state of permanent crisis which this lack of investors entailed turned Berlin into Europe’s first post-industrial metropolis, a gigantic future lab in which creatives had no other choice than to search for alternatives on every level imaginable. It generated forms of cohabitation in which making-need-into-avirtue was raised to an art form – and strategies such as recycling, repairing or bartering were embraced, together with a culture of sharing – a concept which the consumption industry that still rules elsewhere, with its seasonal fashion trends, and other categories, hardly has any grip or control over. With the financial crisis hitting hard and rapidly turning into a global problem, Berlin has become an example to the world of how to turn a handicap into an advantage.

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devint immédiatement l’emblème de la ville. Contrairement aux attentes, l’industrie et les grosses finances n’ont pas suivi les créatifs et les politiciens lorsqu’ils ont emménagé en masse dans la nouvelle capitale de l’Allemagne réunie. Et l’état de crise permanent que représente ce manque d’investisseurs a fait de Berlin la première métropole post-industrielle, un gigantesque laboratoire pour le futur dans lequel les créatifs n’avaient pas d’autre choix que de chercher des alternatives dans tous les domaines possibles et imaginables. Cela généra des formes de cohabitation dans lesquelles transformer le besoin en vertu devint une forme d’art –, et des stratégies telles que le recyclage, la réparation ou le troc furent adoptées dans une culture du partage – un concept que l’industrie de consommation, qui domine toujours le reste, avec ses tendances saisonnières et autres catégories, peut à peine maîtriser ou contrôler. Avec la crise financière frappant fort et devenant rapidement un problème mondial, Berlin est devenu un exemple de la transformation d’un handicap en avantage.

11 — Le designer berlinois Mark Braun dans son studio / Berlin-based designer Mark Braun in his studio 12 — Dans le studio de design de Mark Braun / At the Mark Braun design studio 13 — Vue de la galerie de design vintage Original in Berlin / View of the vintage design store Original in Berlin, Karl-Marx-Allee 83 14 — Stand typique sur le marché aux Puces dans la Strasse der 17 Juni / Typical booth at the flea market in Strasse der 17 Juni, Charlottenburg

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Paris may well be the “city of light”, yet there’s something almost unreal about how the French capital succeeded in remaining untouched by the most important events of the past century. Not so Berlin. The fact that no other city has been affected to such a degree by the century’s main ideologies, from Nazism to Communism, and their failure which left scars that can still be found around every corner – from the city planning of buildings and monuments, to something as unsightly and etheric as a street name or the street lights, that are often still yellow and not white in the east – makes Berlin a layered and emotionally charged spot, where even the slightest detail breaths tragedy and drama.

But despite, or perhaps because of this omnipresence of traces that recall the nightmares of history, Berlin also remains a place where hipsters, and in their wake investors, keep on spreading to new territories, to create a Modelsiedlung or ideal district in their own manner, trying to weave a new kind of future out of the ruins of the past. If Paris was, and London is, Berlin is still becoming. Relaxation and openness are its watchwords, together with utopia and crossover.

Aujourd’hui, il est difficile de penser à une nouveauté dans le champs de la durabilité, de l’économie cyclique ou autres stratégies – dont l’humanité nécessite urgemment si elle veut avoir une chance de survivre – n’ayant pas au moins en partie trouvé son origine à Berlin. Non seulement la ville arbore-t-elle le plus grand supermarché bio d’Europe, le LPG de Prenzlauer, où vous payez vos achats sous le regard attentif d’une statue de Buddha, mais l’engouement pour la nourriture saine est si dominant que la boutique alimentaire la plus intrinsèquement allemande, la Fleischerei, devient de plus en plus rare. Et alors que la rue lambda berlinoise est exceptionnellement large et ouverte, on n’entend presque jamais parler d’embouteillages car le vélo est le moyen de transport le plus prééminent et le système de transport public incroyablement bien organisé vous projette d’un bout

Today, it is hard to think of any novelty in the fields of sustainability, social design, or the cyclic economy – that urgently needs to replace the linear one if humanity wants to stand a chance of surviving – that did not have, or at least partly have, its origins in Berlin. Not only does the city boast Europe’s largest bio supermarket, the LPG in Prenzlauer, where you pay for your goods under the attentive gaze of a Buddha statue, but the health food craze is so dominant that the most quintessential of German foodstores, the Fleischerei, is becoming more and more of a rarity. And while the average street in Berlin is exceptionally wide and open, traffic jams are almost unheard of, since the bike is the pre-eminent means of transport, and an incredibly well organised public transport system whisks you from one end of town to the other. Kids rule the pavements in Prenzlauer Berg, a place so full of prams that it has

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Paris est peut-être la « ville lumière », mais il y a quelque chose de presque irréel dans la manière dont la capitale française a réussi à rester pratiquement intacte en dépit de la plupart des événements du siècle dernier.

Pas Berlin. Le fait qu’aucune autre ville n’ait été aussi touchée par les principales idéologies du siècle dernier, du nazisme au communisme, et par leurs échecs qui ont laissé des cicatrices que l’on peut encore trouver à chaque coin de rue – de la planification des bâtiments et monuments par la ville, à des choses aussi disgracieuses et éthériques que le nom d’une rue ou ses lampadaires, encore souvent jaunes à l’est où ils n’ont pas encore été remplacés par des blancs – fait de Berlin un lieu chargé de strates d’émotion, où même le plus petit détail respire la tragédie et le drame. Mais en dépit, ou peut-être à cause de l’omniprésence des traces remémorant les cauchemars de l’histoire, Berlin reste une ville complète, un endroit où les hipsters, et dans leur sillage les investisseurs, continuent à se répandre sur de nouveaux territoires afin de créer à leur manière un Modelsiedlung ou district idéal, essayant de tisser une sorte de futur avec les ruines du passé.

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à l’autre de la ville. Les gamins règnent en maître des trottoirs à Prenzlauer Berg, un endroit où les poussettes sont si abondantes qu’il a été surnommé Pregnant Hill, la colline enceinte, alors que dans presque toutes les rues de la ville des zones spécifiques ont été transformées en Spielplatz, terrains de jeu où ils peuvent jouer et s’ébattre librement. Prendre un rendez-vous d’affaires à l’heure où l’on va chercher les gamins au Kindergarden est presque impensable. Cependant, le terme « rendez-vous d’affaires » peut sonner un peu formel puisqu’ici les parcs, les plages avec leurs terrains de volley, les cafés et leurs terrasses forment une toile de fond parfaite pour ces rendez-vous.

Un manque général de moyens a également inspiré les Berlinois inventer le co-travail, un espace collectif où les coûts, mais aussi les équipements, les idées et par-dessus tout la cantine peuvent être partagés – l’exemple le plus fameux étant le Betahaus sur la Prinzessinenstrasse, adjacente au Prinzessinengärten, un des meilleurs exemples de cet autre phénomène berlinois qui a définitivement altéré le cours de l’architecture.

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Concernant l’architecture contemporaine, Berlin n’est pas une ville de grands monuments, aussi oppressants qu’inhabitables. C’est sont les plus récentes réalisations – principalement des projets de rénovation, dans lesquels le nouveau souligne et se mélange avec précaution à l’ancien – qui ont causé l’émoi, comme le Boros Sammlung dans le Bananenbunker, le Neues Museum de David Chipperfield, ou l’intérieur du 25 Hours Hotel créé par Werner Aisslinger, qui a récemment ouvert dans les murs de l’iconique bâtiment Bikini. Le terme d’intégration est au centre de la politique de Baugruppen, suivant les directives mettant l’emphase sur la réhabilitation de blocs résidentiels pour les besoins modérés de leurs futurs habitants qui s’unissent en collectifs, plutôt que de donner la permission de célébrer le génie d’un architecte.

De manière similaire, les nombreux parcs, comme le Dreigleiseck, qui continuent de renforcer la position de Berlin en tant que ville la plus verte d’Europe, sont revus avec une approche minimaliste qui met en valeur le biotope existant mais également les reliques de l’histoire.

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15 — Dans le studio de l’artiste Rebecca Raue / At the Rebecca Raue artist studio 16 — Dans le studio du designer Jerszy Seymour / At the Jerszy Seymour design studio, Wedding 17 — Vue de la galerie Contemporary Fine Arts / Gallery view Contemporary Fine Arts, Am Kupfergraben, Mitte 18 — Jerszy Seymour dans son studio / Jerszy Seymour in his studio, Wedding 19 — Studio de Jerszy Seymour / The Jerszy Seymour studio

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been nicknamed Pregnant Hill, whereas in almost every street all over the city specific areas have been transformed into a Spielplatz, where they can play and romp. Making a business appointment in the afternoon is almost unthinkable when the kids are collected from Kindergarten. Although the term “business” meeting might be a little formal as here, the parks, volleyball beaches, cafés and their terraces are the perfect backdrop for meetings. A general lack of means also inspired Berliners to invent co-working, a collective floor where costs, equipment, ideas and above all the cantina can be shared – the most famous example being the Betahaus in the Prinzessinenstrasse, next to the Prinzessinengärten, one of the best examples of another Berlin phenomenon, that definitively changed the course of architecture.

When it comes to contemporary architecture, Berlin is not a city of huge landmarks, that are as overwhelming as they are inhabitable. It is mostly renovation projects, in which the new underscores and carefully blends with the old – that have caused a stir, such as the Boros Sammlung in the former Bananenbunker, David Chipperfield’s Neues Museum, or Werner Aisslinger’s interior of the newly opened 25 Hours Hotel in the iconic Bikini building. The word integration is also central to Baugruppen politics, that follows policies that puts the emphasis on customising residential blocks for the moderate needs of its future inhabitants that unite in collectives rather than delivering permits to celebrate the genius of an architect. Similarly, the numerous new parks that keep on strengthening Berlin’s position as Europe’s greenest city, such as the Dreigleiseck, are redesigned with a minimalistic approach, that highlight the existing biotope, but also the historic remnants.

As hard as the international fashion industry might try, it just can’t tame Berlin. For instead of following the trends and rules imposed by the industry, its inhabitants dress after their personal heroes, exuberantly mixing the new with the old, and the chic with the cheap. A similar crossover mentality defines their interiors and furniture, which might go some way to explaining the huge number of Berliner vintage shops. While the prominent Berlin designer Jerszy Seymour prefers to describe himself as an artist, another pre-eminent artist in Berlin, Olafur Eliasson, recently initiated a social design project called Little Sun. Whichever category you put them in, a similar social engagement, radicality and utopian dialogue defines both the work of Seymour and Eliasson, who created his Little Sun after the Tate Modern Gallery in London had asked him to create a followup to The Weather Project (2003) an installation dominated by a giant sun which drew over 2 million visitors, making it the most popular Tate Modern exhibition ever. Against all odds, Eliasson refrained from doing anything spectacular, and came up with a tiny, cheap and anything but artistic looking solar light that was meant to respond to the needs of the many that have to live off the grid. In its unsightliness, this Little Sun perfectly fits the spirit of the city that gets a great deal of

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L’industrie de la mode internationale a beau essayer, elle ne parvient simplement pas à dompter Berlin. Car au lieu de suivre les tendances et les règles imposées par l’industrie, les habitants s’habillent en imitant leurs héros personnels, mélangeant avec exubérance le nouveau et le vieux, le chic et le cheap. Une mentalité croisée similaire définit leurs intérieurs et mobiliers, ce qui explique probablement l’énorme nombre de boutiques vintage berlinoises. Alors que le designer berlinois prééminent Jerszy Seymour préfère se décrire comme un artiste, un autre important designer de Berlin, Olafur Eliasson, a récemment initié un projet social appelé Little Sun. Qu’importe la catégorie dans laquelle vous les mettez, un engagement social similaire et un dialogue utopique et radical définissent à la fois le travail de Seymour et celui d’Eliasson, qui a créé Little Sun après que la Tate Modern à Londres lui a demandé de créer une suite à The Weather Project (2003) – une installation dominée par un soleil géant qui a attiré plus de deux millions de visiteurs, en faisant l’exposition la plus populaire de tous les temps à la Tate Modern. Contre toute attente, Eliasson s’est retenu de faire quoi que ce soit de spectaculaire et a créé une lampe à énergie solaire, petite, à faible coût et tout sauf artistique, censée répondre aux besoins de ceux qui doivent vivre en dehors du système. Dans sa laideur, ce « petit soleil » correspond parfaitement à l’esprit de la ville dont la majeure partie de l’originalité provient de détails trop banals et évanescents pour que les historiens ne se penchent dessus – l’un de ces détails étant l’habitude locale d’acheter une bouteille de bière pour moins d’un euro dans un Späti ou épicerie de nuit et de la boire dans la rue ; un sport national qui sert également une grande cause, car la consigne des bouteilles laissées dans les rues sponsorise le corps grandissant des Pfandflaschensammler ou collecteurs de bouteilles consignées, qui font la queue toute la nuit aux machines automatiques des supermarchés et font également office de trieurs de déchets. C’est ce réseau de mécanismes de ce type, par opposition aux grands noms et projets monumentaux, et la manière dont ils sont presque toujours interconnectés à un rhizome couvrant l’ensemble de la ville, largement gouverné par les habitants eux-mêmes et en retrait des autorités, qui ont fait de cette ville un exemple de survie à suivre sur le plan mondial – pas seulement en le copiant, mais en célébrant la crise en se relaxant et en savourant une bière en plein air.

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its uniqueness from details that are too banal and evanescent for historians to write about – one of them being the local habit of buying a bottle of beer for less than one euro in a Späti or night shop, and drinking it on the street – a national sport that also serves a good cause, for the deposit of the empty bottles that are left on the street sponsors the growing body of Pfandflaschensammler or Deposit Bottle Collectors, who queue up at night in front of the change machines in the supermarkets, and double up as waste sorters. It is the network of mechanisms like these – as opposed to the big names and landmark projects – and the way they almost organically interconnect into a rhizome that covers the entire city, largely steered by the inhabitants themselves, and away from authorities, that have turned this city into a worldwide example of how to survive – not just by coping with, but in celebrating a crisis by relaxing, and enjoying a beer in the open air.

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TLmag is media partner of DMY Berlin, International Design Festival : 28/5-1/6/2014 http://www.dmy-berlin.com/

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20 — Galerie CFA, arch. David Chipperfield / CFA Gallery by arch. David Chipperfield 21 — Souvenirs du passé : les constructions typiques Plattenbau de l’Allemagne de l’Est / Reminder of the past: typical East German Plattenbau, Mitte