TLmag15: Duo Report FR by Lise Coirier

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NUMÉRO 15 - SEPTEMBRE - OCTOBRE - NOVEMBRE 2012 - TRIMESTRIEL

BUREAU DE DÉPÔT BRUXELLES X - P 402021

9 772031 831007

D E S I G N

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version française

#15 www.tlmagazine.com

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C’est un peu comme l’effet d’une éclipse, quand le soleil se cache derrière la lune. En un clin d’œil, la toute nouvelle BMW Série 6 Gran Coupé crée une sensation qu’on ne peut oublier. Une vision fugitive de la pure beauté et d’une puissance phénoménale. La nouvelle BMW Série 6 Gran Coupé est le premier coupé 4 portes de l’histoire de BMW, époustouflante combinaison d’une sportive et d’une berline de luxe. Mais elle sait aussi se montrer étonnamment sobre. Pour apprivoiser cette beauté farouche lors d’un essai, contactez votre concessionnaire BMW ou rendez-vous sur www.bmw.be

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Contributeurs

édito

content Spotted

Nouveaux territoires Explorations plurielles

Nouveaux territoires – Europe

Faire naître l’arche du paradis

Mathieu Lehanneur Le design qui soigne

Paroles de collectionneuses Bijoux d’artistes inspirés

Art & Design L’amour du marbre

Nouveaux territoires – Afrique Maison Revue Noire / Sindika Dokolo L’Afrique par elle-même

Pépites d’Afrique – Nouvelles ressources de la création contemporaine

L’Afrique, C’est Chic ! Photographies sculpturales d’Ingrid Baars

Philo Le designer culturel Essai de David Trubridge

Brazilian modern Le monde dans un copeau de bois Archi-Sud Nouvelles frontières intérieur/extérieur Rio+Design Une promesse de bonheur

Mona L’art du bout du monde

Lifestyle master Hôtel du Marc, la veuve fait mouche

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Design sans dessus-dessous Designers des antipodes

102

Cognac Louis xIII Design or not design ?

Architecture Australia Melbourne – Sydney

106

Tendence à Messe Francfort Design preview

Utopia Se reconnecter à la terre

110

Matilda Design in Australia, Made in Britain

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Aesop Intérieurs soignés

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Duo Design Award 2012 Expressions de la co-création

Retail

Nouveaux territoires – Australie

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Portfolio Art & nouveaux médias Pixels à tous les étages

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ISSN 2031-8316 M codif 5934 Aucune partie de cette publication ne peut être reproduite, ou publiée par impression, photocopie, microfilm ou de quelque manière que ce soit, sans accord préalable de l’éditeur. Le magazine est protégé par les droits d’auteur.

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Arnaldo Smet, arnaldo@tlmagazine.be

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Elana Castle

[AUS]

Native de Cape Town et aujourd’hui basée à Sydney, Elana est à la fois architecte, écrivain freelance et photographe. Elle a mené des projets en architecture à New York, Londres, Cape Town et Sydney, villes qui ont aussi nourri son insatiable goût pour le voyage et le bon design. Elana se passionne pour son blog photo – How I See It – où elle conte ses histoires d’amour avec les objets, lieux et personnes qui l’inspirent. Elle nous dévoile la génération montante du design australien.

Simon Njami

[CM]

Emily Ballantyne-Brodie

[AUS]

Guto Indio da Costa

[BR]

Emily a créé deux entreprises sociales centrées sur les modes de vie, le design et l’innovation durables. ‘Future Canvas’ attire de nombreux jeunes en Australie et ‘Urban Reforestation’ rencontre l’attention internationale avec des projets de ‘verdurisation’ urbains et de design communautaire durable. Elle est plongée dans son doctorat à la Politecnico de Milan centré sur l’entreprenariat social soutenant des projets de vie urbains durables. Elle nous emmène à la rencontre de nous-même.

www.elanacastle.com & www.elanacastle.wordpress.com

Écrivain, critique d’art et commissaire indépendant, Simon a notamment conçu Africa Remix, premier Pavillon africain à la biennale de Venise (2007) avec Fernando Alvim, A Collective Diary (Tel-Aviv, 2010) et A Useful Dream, fifty years of photography in Africa (Bruxelles, 2010). Il a co-fondé la Revue Noire et en est le rédacteur en chef. Pendant une décennie, il a dirigé la célèbre biennale de photographie de Bamako. Son dernier ouvrage paru est une biographie de Léopold Sédar Senghor (Fayard, 2007). Il nous ouvre les portes d’une collection d’art contemporain africain.

Ce designer industriel originaire de Rio de Janeiro et diplômé du Art Center College of Design (Pasadena, CA) a développé sa propre agence en design et conseils : Indio da Costa A.U.D.T (Architecture, Urbanisme, Design et Transport). Le bureau est en charge de dizaines de projets dont nombreux sont lauréats de prix internationaux. Indio collabore également avec des magazines tels que Arc Design, pour lequel il écrit régulièrement. Il nous offre son panorama du design brésilien Made in Rio.

Kathryn Smith

Fiona Smith du Toit

Esther de Beaucé

Giovanna Dunmall

contributors [UK/AUS]

Galeriste, écrivain et commissaire d’expositions, Kathryn possède un master en histoire de l’art et un doctorat en droit. Elle a contribué à plusieurs publications d’art et de design. Sa connaissance érudite des domaines du design, de l’histoire de l’art et de la littérature s’allie à son goût aiguisé pour le design vintage et les arts appliqués contemporains au sein de la galerie qu’elle a créée, la Ampersand House & Gallery à Bruxelles avec son époux. Elle nous invite sur les traces des icônes du mobilier design brésilien. www.ampersandhouse.com

[AUS]

Écrivain, lectrice, et architecte : Fiona est diplômée de l’université RMIT (Melbourne). Voyageuse infatigable, elle a vécu, travaillé et dirigé des projets d’envergure en Australie, en Grèce, au Qatar et en Égypte. Elle s’est beaucoup plu au Caire en compagnie de l’ONG El Nafeza, engagée dans le développement culturel. Fiona admire les designers et tous ceux qui créent, conscients et capables de rendre une idée vivante. Elle nous parle d’architecture au pays des kangourous. www.elnafeza.com

[FR]

Ses premières passions étaient l’anthropologie et le cinéma documentaire. En 2005, Esther ouvre avec sa comparse Caroline Schirman la galerie d’art contemporain éponyme Schirman & de Beaucé consacrée à la jeune création. Depuis mai 2012, elle démarre une nouvelle aventure en solo avec la Galerie MiniMasterpiece, dédiée aux bijoux d’artistes – ces sculptures à porter uniques et prestigieuses que les artistes réalisent pour les femmes de leurs vies et pour quelques autres ! Elle partage avec nous sa passion.

[UK]

Journaliste freelance installée à Londres. Giovanna écrit sur les voyages, la consommation éthique, les questions environnementales, l’architecture et le design pour diverses publications tel Colors, Green Futures, Design Week, Sublime, Condé Nast Traveller, Ode, Plenty, Australian Design Review, Frame, Mark Magazine, Indesign, Wallpaper* et The Ecologist. Elle nous fait (re)découvrir Matilda, le collectif design australien.

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Après une première année de “benchmarking” de 99 talents qui exercent en tandem et s’inspirent mutuellement, les Duos Design Awards 2012 inscrivent très clairement tl.mag dans un contexte de co-création et de partage avec ses lecteurs. En offrant sa plume à 33 alter ego, le magazine cherche ainsi à tracer la voie du dialogue entre disciplines. Si la direction artistique bicéphale n’est pas des plus évidentes, il y a certainement plus d’idées et d’audace qui naissent d’un cerveau dédoublé que d’une seule tête. La créativité mutuelle et mutualisée mérite que l’on y paye attention. De l’un à l’autre, en quête d’identité durable face aux grands défis de l’humanité [la protection de l’eau, les énergies renouvelables en sauvetage de l’énergie fossile, se nourrir face à l’enjeu d’une démographie galopante…], la “petite planète verte” n’est pas à l’abri des catastrophes. Et pourtant, tl.mag reste optimiste et vous invite à un voyage au cœur de Nouveaux Territoires en réponse à une envie de s’évader, de se ressourcer et d’entrer en contact avec d’autres cultures, lointaines, surprenantes et décalées…, parfois sources de solutions pour notre civilisation. C’est un florilège que vous offre le magazine avec une succession de visites : celle du centre d’art contemporain Mona en Tasmanie ; “L’Afrique, c’est Chic !” de Ingrid Baars qui réinterprète la statuaire africaine mixée aux parures et coiffes haute couture ; Revue Noire contée sous la plume de l’un de ses protagonistes Simon Njami qui nous fait entrer au sein de la collection Sindika Dokolo.

edito

design aux antipodes Le design et l’architecture d’Australie et d’Amérique du sud nous ouvrent de nouveaux horizons sur des pays en pleine émergence économique et artistique. Face aux grandes échappées de terre rouge, étape obligée chez les aborigènes avec l’anthropologue passionnée Emily Ballantyne-Brodie et rencontre avec le designer culturel dans les pages philo du Néo-Zélandais David Trubridge, figure de proue du design écologique avec ses luminaires en fines lamelles de frêne et de pichpin. D’un continent à l’autre, nous débouchons sur notre “grand voilier” sur la baie de Rio avec Brazilian Modern côté design vintage à l’Ampersand Gallery de Bruxelles et Rio+Design avec Guto Indio da Costa côté création contemporaine. Retour à la case départ sur notre continent avec un portfolio autour du marbre, une rencontre exclusive organisée avec les talentueux visionnaires Noé Duchaufour-Lawrance et Mathieu Lehanneur, un chassé-croisé entre Esther de Beaucé et Diane Venet autour des bijoux art et design … Des pépites à découvrir sans tarder, entre ici et ailleurs… L’appât des terres lointaines ne se dévoilent qu’après avoir parcouru des centaines de kilomètres de déserts et d’océans. Libre cours au rêve et au dépaysement. L I S E C O I R I E R

AGAPE / ALIAS / ARCO / ARKETIPO / ARTEMIDE / B&B ITALIA / CAPPELLINI / CASALIS / CASAMILANO / CASSINA / CLASSICON / DESALTO / EMECO / ERBA MOBILI / EXTREMIS / FIAM / FLEXFORM / FLOS / FONTANA ARTE / FOSCARINI / FRITZ HANSEN / GALOTTI & RADICE / HUGUES CHEVALIER / INGO MAURER / INTERLÜBKE / KARTELL / KNOLL / LAGO / LIGNE ROSET / LIMITED EDITION / LUCEPLAN / MAXALTO / MDF ITALIA / NEMO / PAOLA LENTI / PASTOE / POLIFORM / POLTRONA FRAU / SAHCO HESSLEIN / SIMON / TOULEMONDE BOCHART / VARENNA / VITRA / AGAPE / ALIAS / ARCO / ARKETIPO / ARTEMIDE / B&B ITALIA / CAPPELLINI / CASALIS / CASAMILANO / CASSINA / CLASSICON / DESALTO / EMECO / ERBA MOBILI / EXTREMIS / FIAM / FLEXFORM / FLOS / FONTANA ARTE / FOSCARINI / FRITZ HANSEN / GALOTTI & RADICE / HUGUES CHEVALIER / INGO MAURER / INTERLÜBKE / KARTELL / KNOLL / LAGO / LIGNE ROSET / LIMITED EDITION / LUCEPLAN / MAXALTO / MDF ITALIA / NEMO / PAOLA LENTI / PASTOE / POLIFORM / POLTRONA FRAU / SAHCO HESSLEIN / SIMON / TOULEMONDE BOCHART / VARENNA / 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dominique rigo

TOULEMONDE BOCHART / VARENNA / VITRA / AGAPE / ALIAS / ARCO / ARKETIPO / ARTEMIDE / B&B ITALIA / CAPPELLINI / CASALIS / CASAMILANO / CASSINA / CLASSICON / DESALTO / EMECO / ERBA MOBILI / EXTREMIS / FIAM / FLEXFORM / FLOS / FONTANA ARTE / FOSCARINI / FRITZ HANSEN / GALOTTI & RADICE / HUGUES CHEVALIER / INGO MAURER / INTERLÜBKE / KARTELL / KNOLL / LAGO / LIGNE ROSET / LIMITED EDITION / LUCEPLAN / MAXALTO / MDF ITALIA / NEMO / PAOLA LENTI / PASTOE / POLIFORM / POLTRONA FRAU / SAHCO HESSLEIN / SIMON / TOULEMONDE BOCHART / VARENNA / VITRA / AGAPE / ALIAS / ARCO / ARKETIPO / ARTEMIDE / B&B ITALIA / CAPPELLINI / CASALIS / CASAMILANO / CASSINA / CLASSICON / DESALTO / EMECO / ERBA MOBILI / EXTREMIS / FIAM / FLEXFORM / FLOS / FONTANA ARTE / FOSCARINI / FRITZ HANSEN / GALOTTI & RADICE / HUGUES CHEVALIER / INGO MAURER / INTERLÜBKE / KARTELL / KNOLL / LAGO / LIGNE ROSET / LIMITED EDITION / LUCEPLAN / MAXALTO / MDF ITALIA / NEMO / PAOLA LENTI / PASTOE / POLIFORM / POLTRONA FRAU / SAHCO HESSLEIN / SIMON / TOULEMONDE BOCHART / VARENNA / VITRA / AGAPE / ALIAS / ARCO / ARKETIPO / ARTEMIDE / B&B ITALIA / CAPPELLINI / CASALIS / CASAMILANO / CASSINA / CLASSICON / DESALTO / EMECO / ERBA MOBILI / EXTREMIS / FIAM / FLEXFORM / FLOS / FONTANA ARTE / FOSCARINI / FRITZ HANSEN / GALOTTI & RADICE / HUGUES CHEVALIER / INGO MAURER / INTERLÜBKE / KARTELL / KNOLL / LAGO / LIGNE ROSET / LIMITED EDITION / LUCEPLAN / MAXALTO / MDF ITALIA / NEMO / PAOLA LENTI / PASTOE / POLIFORM / POLTRONA FRAU / SAHCO HESSLEIN / SIMON / TOULEMONDE BOCHART / VARENNA / VITRA / AGAPE / ALIAS / ARCO / ARKETIPO / ARTEMIDE / B&B ITALIA / CAPPELLINI / CASALIS / CASAMILANO / CASSINA / CLASSICON / DESALTO / EMECO / ERBA MOBILI / EXTREMIS / FIAM / FLEXFORM / FLOS / FONTANA ARTE / FOSCARINI / FRITZ HANSEN / GALOTTI & RADICE / HUGUES CHEVALIER / INGO MAURER / INTERLÜBKE / KARTELL / KNOLL / LAGO / LIGNE ROSET / LIMITED EDITION / LUCEPLAN / MAXALTO / MDF ITALIA / NEMO / PAOLA LENTI / PASTOE

210

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LOUISE - STALLE - SABLON

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UNITED COLOURS OF CONTEMPORARY DESIGN.

ROSET / LIMITED EDITION / LUCEPLAN / MAXALTO / MDF ITALIA / NEMO / PAOLA LENTI / PASTOE / POLIFORM / POLTRONA FRAU / SAHCO HESSLEIN / SIMON / TOULEMONDE BOCHART / VARENNA / VITRA / AGAPE / ALIAS / ARCO / ARKETIPO / ARTEMIDE / B&B ITALIA / CAPPELLINI / CASALIS / CASAMILANO / CASSINA / CLASSICON / DESALTO / EMECO / ERBA MOBILI / EXTREMIS / FIAM / FLEXFORM / FLOS / FONTANA ARTE / FOSCARINI / FRITZ HANSEN / GALOTTI & RADICE / HUGUES CHEVALIER / INGO MAURER / INTERLÜBKE / KARTELL / KNOLL / LAGO / LIGNE ROSET / LIMITED EDITION / LUCEPLAN / MAXALTO / MDF ITALIA / NEMO / PAOLA LENTI / PASTOE / POLIFORM / POLTRONA FRAU / SAHCO HESSLEIN / SIMON / TOULEMONDE BOCHART / VARENNA / VITRA /

DOMINIQUE RIGO - 210 RUE DE STALLE - 1180 BRUSSELS info + 32 [0]2 649 95 94 info@dominiquerigo.be www.dominiquerigo.be

Dans un environnement en perpétuelle mutation, nos fantasmes de technologies d’anticipation et d’espaces vierges naturels se télescopent. Qu’ils soient techniques, géographiques ou culturels, tl.mag a exploré les stigmates anthropologiques de notre monde en devenir.

nouveaux territo SéLECTION DE FéRIEL KAROUI

ET DE LA RéDACTION DE TL.MAG

Fallen Tree

PPC : Prix sur demande

Benjamin Graindorge

tl b lo g . t l m a g a z i n e . b e

more on b lo g

La galerie Ymer & Malta a proposé au designer Benjamin Graindorge d’investir l’exposition “Morning Mist” avec des pièces rendant hommage à la nature et à la vision poétique qu’elle nous inspire. Ainsi, le banc “Fallen Tree” témoigne de la mutation d’un arbre déraciné en banc raﬃné, créant une passerelle entre nature sauvage et nature domestiquée.

www.ymeretmalta.com

wild & nature

2 Cottage

PPC : Prix disponible en septembre

Patricia Urquiola pour Kettal

“Cottage offre un cadre idyllique et confortable pour se détendre, méditer, se reposer, ou tout simplement passer un moment en compagnie d’un bon livre en goûtant au plaisir de l’air et de la lumière. En somme, un refuge pour profiter de l’extérieur”, explique l’Italienne d’adoption Patricia Urquiola, et déjà experte en Dolce vita.

www.kettal.es

ires

PPC : Prix sur demande

Hanayuishi Takaya

Takaya s’est essayé à l’art culinaire avant d’expérimenter l’art de la “capillisculpture”. Ses compositions végétales agrémentent les chevelures à l’occasion de mariages, performances ou commandes publicitaires. Pour mettre en forme son art éphémère, Takaya utilise ses ciseaux pour lier la personne à la nature en fonction de son physique et de son caractère.

3 18-19 tl.mag #15 spotted

Capillisculpture

http ://takaya.boo.jp

Il est où le soleil ?

PPC : 695 €

Emmanuelle Khanh

Styliste phare du prêt-à-porter français des années 1970, Emmanuelle Khanh lance des lunettes surdimensionnées qui rencontrent immédiatement le succès. En 2009, solaires et optiques sont revisitées artisanalement dans le Jura. Leurs finitions soignées, acétate ou matières naturelles… viennent désormais protéger le regard des urbains élégants.

www.emmanuellekhanhparis.com

Module “Ariane’

PPC : Prix sur demande

Émilie Colin Garros

Après une aide à la création obtenue par le vIA en 2010 et le Prix du public Design Parade en 2011, la designer vient de remporter le Prix innovation objet de Jardins Jardin. Son projet “Ariane” est composé de petits treillis, modules à accrocher sur le mur au fur et à mesure que la plante se développe, afin de mieux définir l’espace vertical et végétal urbain. Fabriqué par TF à Bonson.

http ://emiliecolingarros.com

nouveaux métissages

Collection Printemps-été Mary Katrantzou

La mode, habituée à explorer une thématique chaude et exotique chaque été, nous rafraîchit cette saison avec une inspiration sous-marine hybride, pour des silhouettes façon ‘Lady Mermaid’. Les récifs deviennent des sources de créations fertiles pour les imprimés colorés, virevoltants et enthousiasmants de Mary Katrantzou.

www.marykatrantzou.com

Ham Hock Coaster set PPC : 190 $ les 4 dessous de verre

Chen Chen & Kai Tsien-Williams

Les artistes new-yorkais ont joué les artisans bouchers pour cette pièce de jambon qui offre des volutes de trésors une fois découpée. Autour d’une ossature en bois, ils composent de la chair à base d’argile, de cordes, de tricots, de jouets… qu’ils solidifient avec de la résine et de l’époxy, puis de la cire, afin de mettre notre imaginaire en appétit.

http ://chen-williams.com

Photophore Kirikou

PPC : 110 €

India Mahdavi pour Bernardaud

D’origine irano-égyptienne, India Mahdavi s’inspire de ses expériences nomades et des richesses géographiques, culturelles et humaines que peut offrir le monde. Pour Bernardaud, elle rend hommage à l’Afrique en réalisant ce photophore en biscuit de porcelaine dont les motifs, gravés, font référence aux scarifications tribales.

www.india-mahdavi.com, www.bernardaud.fr

Mobilier Outdoor Dala

PPC : De 800 à 2 600 €

Stephen Burks pour Dedon

Le designer new-yorkais s’est associé à la marque Dedon pour donner naissance à une ligne fidèle à ses valeurs éthiques et écologiques. “Dala”, qui signifie “faire” en sénégalais, est réalisée à partir d’une matière tressée, composée de packaging de nourritures et boissons associée à du polyéthylène recyclé. “Dala” se décline en feu, herbe verte ou océan, pour marquer sa production éco-conçue.

www.dedon.de

Imprimés printemps-été 2012 Basso & Brooke

Bruno Basso & Christopher Brooke ont imposé leur style audacieux, bigarré et chatoyant grâce à l’utilisation de l’impression digitale dans l’univers de la mode. Pour leur collection printemps-été 2012, ils profitent des possibilités du numérique pour faire évoluer leurs imprimés d’une silhouette à l’autre, remettant le terme “collection” au cœur de leur réflexion.

www.bassoandbrooke.com

Mermeladaestudio

Prix sur demande

Le tissu iconique de la marque danoise Kvadrat, Hallingdal, est régulièrement réinterprété par des designers chevronnés du monde entier. Mermeladaestudio s’est prêté à l’exercice dicté par la commissaire Constance Rubini en trouvant une nouvelle utilisation à ce tissu souple, sous la forme d’un tipi de jeu pour enfant. Inspiré d’une lanterne chinoise, il renferme des contes et souvenirs en devenir…

Tapis persans teints PPC : àpd 500 $

Still & Co. pour Sit and Read

La tendance de l’Upcycling a encore de beaux jours devant elle grâce aux initiatives de designers audacieux comme celles des New Yorkais Still & Co. Ces derniers ont teint de vieux tapis persans de couleurs vibrantes et actuelles. À l’aide de l’éditeur Sit and Read, ils ont prolongé le concept en transat, mélangeant influences orientales et occidentales.

http ://hallingdal65.kvadrat.dk www.mermeladaestudio.es

http ://stillandcompany.com

Stacking Vessel

PPC : 590 €

Pia Wüstenberg

Distribuées par la Galerie Bensimon à Paris, ces “Stacking vessels” de la jeune designer allemande Pia Wüstenberg sont considérées comme des sculptures domestiques. Composés d’un trio de matériaux différents – le bois, le verre et la céramique – les trois modules sont indépendants et peuvent s’utiliser seuls ou associés.

www.piadesign.eu

tl b lo g . t l m a g a z i n e . b e

more on b lo g

20-21 tl.mag #15 spotted

Prototype réalisé pour l’exposition à Milan, avril 2012 pour Hallingdal 65 par Kvadrat

Italo Treno

L’Italo Treno relie Naples - Rome - Florence - Milan. Diego della valle, propriétaire de Tod’s, et Luca di Montezemolo, directeur de Ferrari et actionnaire de Poltrona Frau, détiennent cette compagnie de train privée. Un voyage qui reprend les codes de la Dolce vita, traduits par le confort des sièges de la marque italienne et des pauses gastronomiques pour les plus gourmands.

www.italotreno.it

Aéroﬂorale II, expédition végétale La Machine

Dirigée par François Delarozière, la compagnie La Machine mêle nouvelles technologies et arts vivants pour ses spectacles étonnants. L’Aéroflorale est une machine-vaisseau volante transportant humains et végétaux, se posant de ville en ville pour échanger expériences scientifiques, bons moments, légumes locaux et idées avec les habitants. Prochaine étape : Nantes Capitale verte de l’Europe 2013.

www.lamachine.fr

Bagagerie Lemaillet

Nouveau venu dans le secteur de la haute maroquinerie, Lemaillet dispose d’une histoire et d’une expérience riches, grâce à son fondateur, vincent Solaz, qui se passionne dès 1960 pour la fabrication des sacs à main. Après avoir développé des prototypes pour les plus grandes marques de luxe, il lance ses propres collections et services “bespoke” pour ses clients les plus exigeants.

www.lemaillet.fr

Musée des Conﬂuences, Lyon, Coop Himmelb(l)au ©

photo b. adilon

Construit par les architectes autrichiens Coop Himmelb(l)au, réputés pour leur style aux lignes déconstruites, le musée des Confluences a pour ambition de s’interroger sur la complexité du monde à travers une exploration du passé, du présent, du futur, des sociétés, des religions et de la place de l’homme dans le monde. Inauguration prévue début 2014.

www.museedesconﬂuences.fr

voyages d’exception Ferme Babylonstoren, Afrique du Sud

Construite à la fin du XVIIe siècle, cette ferme continue la tradition de la culture agricole à travers son potager et sa petite production viticole. Récemment, quelques chambres ont été ajoutées pour permettre aux visiteurs de profiter des kilomètres de jardin et de la gastronomie locale, le tout dans une oasis de verdure exceptionnelle, à la pointe sud de l’Afrique.

Objet de curiosités Gaëlle Gabillet & Stéphane Villard ©

photo F. ribon

édité par la galerie Cat-Berro, cet objet se substitue à une vitrine de cabinet de curiosités. L’ampoule, cachée dans le verre teinté, apparait quand elle est allumée pour mettre en lumière les objets choisis par les designers ; des déchets issus de la construction, devenant soudainement précieux, et questionnant l’observateur sur qui, de l’objet ou de son contenant, il vaut mieux se pencher.

www.babylonstoren.com

www.ggsv.fr

Entrée royale du malletier Moynat chez LVMH

Après une éclipse de près de 40 ans, le malletier Moynat, une manufacture datant de 1849, est arrivé dans l’escarcelle du groupe LvMH. Avec d’autres grands du métier, Moynat a accompagné depuis le milieu du xIxe siècle la haute société qui découvrait les voyages en train et en voiture. Cette bagagerie de luxe a trouvé un écrin de choix rue SaintHonoré à Paris, entre Hermès et Goyard…

http ://moynat.com

MamaShelter, Marseille Philippe Stark

Comme à Paris, le MamaShelter de Marseille est signé Stark Network. L’enseigne branchée a su s’adapter à l’environnement portuaire, avec des chambres colorées, des bouées d’enfants suspendues au-dessus du bar, un baby-foot rose, des tables de pique-nique, ou cartes bénéficiant des produits de la mer, situés à 10 minutes… D’autres ouvertures sont en préparation à l’international.

www.mamashelter.com

Lightnest

PPC : 647 €

Frederik Roijé pour Freedom of Creation

Pionnier de l’impression 3D, Freedom of Creation développe depuis plus de dix ans des collaborations fructueuses avec des designers émergents comme confirmés. Présentée à Milan, l’applique murale Lightnest a été dessinée par le Néerlandais Frederik Roijé, lui permettant de créer des détails diﬃcilement réalisables en production industrielle.

www.freedomofcreation.com, en vente sur www.buymedesign.com

Lacquered Paper Objects PPC : Prix sur demande

Nendo pour Nilufar ©

p h o t o m . h aya s h i

Le studio japonais a utilisé des nouveaux procédés de production sur des matériaux traditionnels mêlant “rapid prototyping” et techniques de papier mâché. À l’aide d’une imprimante 3D, les feuilles de papier ont été coupées, empilées et collées puis laquées pour donner ces finitions particulières, rappelant le travail artisanal nippon sur bois.

www.nendo.jp

Trap light PPC : Prix sur demande

Mike Thompson & Gionata Gatto

Mike Thompson nous avait habitué à des luminaires alternatifs peu énergivores. Il récidive sa démarche éco-responsable avec Gionata Gatto, par le biais d’une lampe souﬄée en verre de Murano photo-luminescente. La lampe émet, absorbe et réutilise l’énergie lumineuse. Ainsi, avec 30 minutes d’éclairage à partir d’une LED, elle peut émettre jusqu’à 8 heures de lumière.

Liquidkristal

PPC : Prix sur demande

Ross Lovegrove pour Lasvit

Présenté au dernier salon de Milan, le mur en cristal liquide est une prouesse technique et onirique, reprenant les codes de fluidité naturelle chers au designer gallois, et la transparence du cristal du fabricant Lasvit. Ayant nécessité une mise au point de plus d’un an, ces parois fluides constituent pour la firme tchèque une passerelle intéressante entre le design et l’architecture.

www.lasvit.com

www.traplightsaveenergy.com

nouveaux processus

tl b lo g . t l m a g a z i n e . b e

more on b lo g

Vases Faceture

PPC : À partir de 180 £

Phil Cuttance ©

photo p. krec ji

De plus en plus ingénieux, les projets des designers mettent autant de créativité dans le processus de production que dans l’objet. Le jeune designer Phil Cuttance a ainsi inventé une machine permettant de réaliser des vases facettés en résine colorée, entièrement à la main, avec quelques interventions mécaniques, pour un résultat à la géométrie parfaite.

Surface tension lamp PPC : Prix sur demande

Front pour Booo

LLampe ampe JC04 PPC : Prix non disponible

Yeongkyu Yoo et Mihoya Glass pour Japan Creative

Japan Creative a présenté à Milan une lampe en lévitation, fruit du partenariat entre le designer coréen Yeongkyu Yoo, habitué aux nouvelles technologies, et le verrier centenaire Mihoya. La JC04, minimale et onirique, flotte au-dessus de la table grâce à un système d’aimants se repoussant mutuellement. Des lois de physiques simples qui se mettent au service d’une esthétique magique.

www.japancreative.jp

Quand les jeux d’enfants se transforment en rêves d’adultes… Les Suédoises de Front design ont réalisé une des pièces les plus surprenantes du salon de Milan exposée chez Rossana Orlandi. Cette lampe équipée d’une LED éclaire les milliers de nuances de bulles renouvelées dès leur disparition. Une prouesse qui peut durer 50 000 heures pour 3 millions d’effets de globes différents.

www.booo.nl

24-25 tl.mag #15 spotted

www.philcuttance.com

MORE THAN 100 DESIGN EVENTS IN THE CITY Delphine Vercauteren Event Manager & Art Director delphine@best.be - T +32 (0)2 349 35 95 Rue du Belvédèrstraat, 28 - 1050 Brussels

www.designseptember.be

noé duch lawrance faire naître l’arche du paradis

Il déploie son talent protéiforme du design d’intérieur à la scénographie, de la création de produits au mobilier haut de gamme. Sous l’emprise de l’objet, son regard embrasse aussi l’espace à vivre. Rencontre avec l’un des designers français les plus prometteurs de sa génération. INTERvIEW DE LISE COIRIER

“J’aborde le projet par l’émotion. La matière est dans l’architecture comme dans le design, vecteur d’une envie d’aller vers l’objet. Mon père était sculpteur et mon beau-père m’a fait découvrir le lien entre l’art et le design au travers du travail de Ron Arad.” Il passe d’abord par l’École Nationale Supérieure des Arts Appliqués et des Métiers d’Art Olivier de Serres pour poursuivre aux Arts décoratifs à Paris. Dès l’âge de 26 ans, il conçoit l’intérieur du restaurant Sketch à Londres qui lui vaut une renommée internationale pour son style organique et urbain. “J’ai ainsi appris très jeune sur le tas mon métier de concepteur d’espaces”, souligne-t-il. S’en suit le restaurant Senderens à Paris et il démarre dès 2005 sa collaboration avec des marques de design comme Zanotta, puis Ceccotti, Chevalier Éditions, Baccarat, et plus récemment Bernhardt, Cinna, Pleyel, Marcel By et Forestier. Outre le mobilier, il touche aussi à l’univers de la beauté et des cosmétiques et au branding d’image avec,

entre autres, Paco Rabanne (flacon best-seller “1 million” depuis 2009), Yves Saint Laurent (Printemps Beauty Space, 2011).

La reconnaissance des Talents du luxe Cette emprise des arts décoratifs ne le quitte pourtant pas un seul instant. “L’art pur me fait peur, j’ai le sentiment d’un grand vide et d’une nécessité d’introspection absolue, alors qu’au contraire je veux partir à la rencontre de l’autre et de l’environnement mis en scène. J’aime l’idée d’amener les gens quelque part, dans un espace différent… J’ai besoin de justesse dans le propos et j’ai progressivement épuré mes formes pour atteindre leur quintessence. Je me sens assez poète dans l’âme. Ma maîtrise vient de la pratique et du dessin.” En 2010, l’aménagement de la galerie BSL initié par Béatrice Saint-Laurent à Paris est au reflet de cette démarche forte. Il s’en voit primé par les Talents du luxe et de la création à Paris dans la catégorie “Empreinte de l’Année”.

aufour– aufour

www.noeduchaufourlawrance.com www.ceccotticollezioni.it 1.

Bureau ‘Manta’, Ceccotti Collezioni, 2008

Sofa ‘Borghese’, La Chance, 2012

Noé Duchaufour-Lawrance

Tables basses ‘Stella’, Ceccotti Collezioni, 2009

Chalet ‘La Transhumance’, Saint-Martin-de-Belleville [Alpes], 2011 © .

photo r. bi anchi

photo s. WolFF

b lo g . t l m a g a z i n e . b e

more on b lo g

28-29 tl.mag #15 nouveaux territoires–europe

photo v leroux

Ciel de Paris, Tour Montparnasse [Paris], 2012

Fauteuil ‘Derby’, Zanotta Edizioni, 2009

Le poète tel un acrobate La rencontre avec l’entreprise Ceccotti a été le moteur d’un développement à la fois industriel et artistique. “J’ai d’abord rencontré deux hommes, Roberto Lazzeroni et Franco Ceccotti, qui sont liés depuis vingt ans au cœur de leur entreprise toscane de mobilier haut de gamme. Leur philosophie est aussi la mienne et se recoupe dans la qualité de leur artisanat industriel.” L’artisan est vu tel un poèteacrobate, jonglant avec le temps long de produire à la perfection, tout en partageant la richesse de son savoir-faire. Avec le bureau “Manta’, Noé signe des lignes épurées et spectaculaires ; le bois y est sublimé et ne cessera de l’être. Ceccotti, qui trouve sa spécificité dans le travail unique et la recherche d’essences de bois d’exception, n’a de cesse de faire appel à lui. S’en suivent depuis 2006 de nombreux mobiliers tels que le lit “Buonanotte Valentina’, la chaise “Otto” ou encore le bureau “Omaggio”… Clin d’œil obligé à l’Italien Carlo Mollino ! La nature rejoint une quête d’authenticité L’audace prime donc sur le style déco ambiant. Il en est de même dans les créations de Noé pour Zanotta avec la chaise “Derby” en 2009, suivie de l’actuelle “Nuvola” aux courbes minérales inspirées de la forme d’un nuage ; c’est une métaphore! Zanotta opère ici un virage : la pièce est roto-moulée. Cette démarche, on la retrouve dans le sofa “Borghese” récemment créé pour La Chance. “Il est influencé par les jardins de la Villa Borghese à Rome, mais transposé dans un travail du métal. J’aime d’ailleurs créer des patios dans les intérieurs pour passer outre le style académique. Ce rapport à la nature permet d’ouvrir sur un paysage et de capter la lumière et ce qui lie l’homme à son environnement.”

photo a. brusaFerri

Bureau ‘Sunday Morning’, Ceccotti Collezioni, 2007

La culture du luxe véritable “Ce que je raconte avec mes meubles, je tente de le faire aussi avec l’architecture”, poursuit Noé. Avec le chalet à la montagne, il peut laisser libre court à sa créativité organique. Le salon des grands crus du Château d’Yquem à l’hôtel Meurice ainsi que le futur restaurant “Ciel de Paris” aux cimes de la tour Montparnasse sont autant d’occasions d’échapper aux clichés. “Pour Château d’Yquem, je transcende l’espace avec un miroir noir et un plafond doré. L’effet visuel est semblable à celui d’une icône et le jeu de lumières, subtil et progressif, s’intensifie au cours du dîner. Il y a d’abord l’image diffuse, puis dans le noir, la lueur dorée apparaît jusqu’à révéler un panorama sur la cuisine. Pour le “Ciel de Paris’, la magie opère grâce à l’effet du miroir au plafond qui devient une source de lumière, légère et pétillante.” S’il faut du sur-mesure, Noé n’hésite pas à passer par un constructeur de bateaux à Saint-Nazaire pour fabriquer les coques en bois de ses assises. En toile de fond, la réflexion sur l’avenir de l’homme et de la planète tient une place au cœur de son travail. Lors de son exposition à la galerie Pierre Bergé en 2008, ses sculptures “Marée noire au clair de lune” ont ouvert la brèche sur la beauté de la terre et ses vastes surfaces aquatiques dévastées par la noirceur du pétrole. Heureusement, Noé a son arche, peuplée de projets futurs.

30 tl.mag #15 nouveaux territoires–europe

WWW.RADO.COM

mathieu lehan INTERvIEW DE LAURENCE PICOT

tl b lo g . t l m a g a z i n e . b e

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le design qui soigne

neur

“Le plus important est invisible”. Étrange leitmotiv pour un designer qui créé des objets… Ou du moins bien inhabituel. Le son, l’air, la chaleur, le froid, la pensée, la lumière, le stress, le danger, les rêves… Toutes ces choses influencent notre quotidien et restent pourtant mystérieusement délétères. Et si l’on utilisait l’invisible pour améliorer nos conditions de vie ? Dans son studio parisien, niché en haut d’un immeuble du quartier populaire du Sentier, les murs et les sols sont blancs, l’air dépollué par les purificateurs Andrea, les fenêtres grandes ouvertes sur les toits en zinc et le ciel. Ambiance calme, studieuse et décontractée. Rien n’a vraiment changé depuis les débuts de Mathieu, si ce n’est qu’aujourd’hui il s’est entouré d’une petite équipe de designers et que le maître des lieux est passé d’anonyme à surbooké.

Mens sana in corpore sano Des prototypes sont sagement posés sur des étagères : les montrespendules de Lexon “pour les glisser au poignet, à la ceinture, ou juste, les balancer comme le pendule du professeur Tournesol.” En cette période de stress universel, pourquoi ne pas bénéficier d’un peu de légèreté, décompresser, juste en jouant avec le temps… À coté, de superbes lampes à pied de marbre et bulles en verre soufflé emprisonnant un nuage : “Une prouesse technique et un bienfait psychologique immédiat”. Comme une vanité, il paraît raisonnable de toujours se remettre dans la position d’un simple humain face à la puissance des éléments naturels. Ces lampes Smoke, éditées par Carpenters Workshop Gallery et soufflées par Matteo Gonet près de Bâle, font à présent partie de la collection permanente du Design Museum de Gand en Belgique. Vient ensuite la famille d’outils de mesure électronique de Schneider, “des appareils qui permettent de visualiser nos dépenses en énergie et penser à réduire au quotidien notre empreinte carbone.” Connectés aux engins domestiques comme les lave-vaisselle, réfrigérateurs, chargeurs pour téléphones et autres bouilloires, les Wiser de Schneider récoltent les données de consommation et les rendent visibles à l’œil nu ou sur Internet. “On agit peu sur ce que

32-33 tl.mag #15 nouveaux territoires–europe

Ses créations sont liées aux noms prestigieux de Cartier, Veuve Clicquot ou le Centre Pompidou. Le vent en poupe, Mathieu Lehanneur fait la différence d’avec ses pairs : ses projets se veulent bénéfiques pour le corps et l’esprit, de conception médicinale. Rencontre au cœur de son laboratoire…

‘Digital Break’, JCDecaux, 2012

Système de bureau et étagères ‘Strates’, Objekten, 2012

Mathieu Lehanneur

Montres ‘Take Time!’, Lexon, 2012

Wiser, Schneider Electric, 2011

photo j. -l. lu ys sen

/madame

photo F. ribon

Figaro

photo v. hu ygue

l’on ne voit pas”, note Mathieu Lehanneur. Chacun se remémore “l’étrange” attitude des propriétaires de la première hybride Toyota Prius, qui en visualisant le compteur de vitesse métamorphosé en compteur d’énergie dépensée, finissent tous par jouer à réduire le plus possible la consommation d’essence. Et par là même, totalement chambouler leurs habitudes de conduite! L’idée participe du même constat pour Schneider et il y a fort à parier que les utilisateurs de cet “alphabet” énergétique n’oublieront pas de déconnecter les machines en voyant qu’elles consomment la plupart du temps sans aucune raison. Médecine et design On pourrait citer des dizaines de projets Lehanneur tous plus surprenants les uns que les autres. L’un d’entre eux, pour autant, mérite qu’on s’y attarde. Il s’agit du prochain challenge du designer, celui qui lui fait pétiller les yeux comme aucun autre. “Mon premier opus, mon fil rouge : comment inciter les gens à prendre correctement leurs traitements médicaux ? Quitte à soigner via le design, j’ai pensé carrément à l’appliquer dans l’industrie pharmaceutique. Quasiment personne ne prend ses médicaments jusqu’au bout, soit parce qu’on oublie, soit parce que l’on se sent mieux et donc… La cure n’est pas faite. Lorsque j’étais étudiant, je finançais mes études comme cobaye pour de nouveaux traitements. J’ai vécu toutes les façons habituelles de se soigner, mal. Au-delà du gâchis économique, les pilules jetées, le problème majeur réside dans le dosage du traitement

conçu sur une durée précise. J’ai imaginé différentes façons de pousser les malades à aller jusqu’au bout de la prescription, comme un jeu. Un traitement sous forme d’oignon multicolore par exemple, où chaque peau correspond à une dose et la dernière strate surprend par sa couleur et sa forme afin d’inciter à la découvrir. Ces objets thérapeutiques, présentés au VIA en 2001, paraissaient tellement prospectifs que personne ne les a cru à l’époque applicables dans la vie réelle.” Pharmacopée du futur Et en 2012? “La donne a changé. Exit les monopoles des marques pharmaceutiques. Nous avons aujourd’hui deux types de médicaments, les génériques et les autres, les brevets passant aujourd’hui rapidement dans le domaine public. Si les molécules, du privé ou du public, ont les mêmes propriétés, comment se différencier? Simplement en offrant un plus, une garantie que votre traitement sera pris dans les meilleures conditions, c’est-à-dire selon la posologie prescrite, pour être soigné au mieux. Mon travail débuté voilà plus de dix ans s’est ainsi retrouvé sur les tablettes des décideurs de l’industrie médicale. Les premiers médicaments design vont sortir d’ici peu”, confie un Mathieu ravi d’avoir donné vie à son rêve. Le premier industriel à développer la voie dessinée par le designer s’appelle Becton Dickinson, l’un des premiers fournisseurs mondiaux de technologies pharmaceutiques. Une force de conviction à toute épreuve, l’esprit aux antipodes du formaté, Mathieu Lehanneur est aujourd’hui la tête de file d’un nouveau mouvement : l’Art-Science. “L’avenir, s’il peut être modifié, ne le sera qu’à travers la collaboration d’experts scientifiques avec des créateurs. Comment, sinon, porter un nouveau regard sur ce qui nous entoure, et y apporter des modifications bénéfiques ?” www.mathieulehanneur.fr

34 tl.mag #15 nouveaux territoires–europe

AUCTION AT PALAIS D’IéNA, PARIS - ThURSDAy 20/09/2012

SCANDINAVIAN DESIGN 8 FINN JUHL AND THE SCANDINAVIAN ÆSTHETICS PUBLIC VIEWING Monday 17 to thursday 20 september

INQUIRERIES Danka Sosic +33 (0)1 49 49 90 33 dsosic@pba-auctions.com

PALAIS D’IÉNA CONSEIL ECONOmIQUE, SOCIAL ET ENVIRONNEmENTAL 9, Place d’Iéna 75116 Paris

CONTACT François Épin +33 (0)1 49 49 90 13 fepin@pba-auctions.com

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paroles de co 1.

CONvERSATION ENTRE ESTHER DE BEAUCé ET DIANE vENET

Passionnée par les bijoux d’artistes depuis un quart de siècle, Diane Venet dévoile depuis 2008 sa prestigieuse collection (plus de 130 œuvres) dans les musées du monde entier. Esther de Beaucé, galeriste parisienne spécialisée dans ces sculptures à porter et fille de la collectionneuse, revient avec elle sur cette histoire et aventure artistique hors norme.

bijoux d’artistes inspirés

– Esther de Beaucé : Ta collection a vu le jour de façon inattendue en 1987 lorsque Bernar Venet a enroulé une ligne indéterminée en argent autour de ton annulaire gauche. Un geste de sculpteur doublé d’un geste d’amour, c’est précisément ce qui a poussé nombre d’artistes illustres depuis le début du XXe siècle à créer des bijoux pour leurs muses. Marie-Thérèse et Dora Maar furent celles de Picasso. Il gravait des morceaux d’os pour l’une et peignait des coquillages ramassés sur la plage pour l’autre… – Diane Venet : Calder, quant à lui, a réalisé ses premières parures à l’âge de huit ans pour les poupées de sa sœur. Le premier bijou de Man Ray était une boucle d’oreille conçue à partir d’un thermomètre offert à l’une de ses amies. La géniale Peggy Guggenheim,

muse parmi les muses, à l’ouverture de sa galerie à Venise en 1942, portait d’un côté une boucle d’oreilles de Yves Tanguy et de l’autre une boucle de Calder. Elle disait que c’était pour montrer son impartialité entre le Surréalisme et l’Art abstrait ! – Esther de Beaucé : Il y a un point sur lequel tu insistes tout particulièrement dans tes expositions et tes livres : c’est la différence entre un bijou d’artiste et un bijou de créateur. Je rencontre aussi souvent cette confusion lorsque je parle de mon métier de galeriste. – Diane Venet : Pour moi, porter un bijou d’artiste, c’est porter de l’art. Ma collection, je la vis comme un musée miniature. Dans ma vie souvent itinérante, elle est devenue le musée intime que je peux emporter

36-37 tl.mag #15 nouveaux territoires–europe

llectionneuses 3.

7. 1.

Loop, bague en argent, Axel Kufus, édité par Biegel, 2001 ©

Indeterminate line, bague en argent, Bernar venet, 1998, [ ] collection Diane venet ©

Gran Prix, bague en argent, Konstantin Grcic, [ ] édité par Biegel, 2001 ©

Marana, bague en or blanc, 18 carats, Bianca Muñoz, [ ] édité par Grassy Madrid, 2010 ©

Sans titre, bracelet manchette, Alexander Calder, 1945, [ ] collection Patricia Pastor Friedman ©

Esther de Beaucé porte la bague en or de Frank Stella [2010] ©

Diane venet porte le collier Inderterminate lines de Bernar venet, [ ] 1992, collection Diane venet ©

courtesy galerie minimasterpiece

[ pa r i s ]

pa r i s

courtesy galerie minimasterpiece

pa r i s

courtesy galerie minimasterpiece

[ pa r i s ]

courtesy galerie minimasterpiece

avec moi. À première vue, rien ne les distingue des sculptures dont elles sont les formules concentrées. Mais leur raison d’être, ainsi que leur destination, leur dimension, en somme la proximité qu’elles impliquent avec le corps de la femme en font des objets à part. – Esther de Beaucé: En effet, dans mes accrochages, je place toujours les bijoux comme des sculptures, sur des socles ou sur des cimaises tout en créant une distance avec une présentation de type “joaillerie classique”. Ma vitrine est conçue comme une salle d’exposition d’art contemporain. Il y a les muses mais il y a aussi les orfèvres auxquels les artistes confient leur désir de bijou. “La prolongation de ma main” comme disait Braque du bijoutier allemand Heger de Lowenfeld avec lequel il a réalisé de nombreux bijoux dans les années 1950. – Diane Venet : En Italie, c’est Gem Montebello qui a joué un rôle capital auprès d’artistes comme Man Ray, Pol Bury, Nikki de Saint-Phalle, Meret Oppenheim et Lucio Fontana. Sa femme était la sœur des frères Arnaldo et Gio Pomodoro. Il a été extrêmement actif entre 1967 et 1978. Simultanément en France, François Hugo, arrière petit-fils de l’écrivain, collaborait avec Pablo Picasso, André Derain, Jean Arp, Jean Dubuffet, Max Ernst, Roberto Matta et Dorothea Tanning.

pa r i s

– Esther de Beaucé : Cette relation cruciale est aujourd’hui encore au cœur de la plupart des projets. Si quelques artistes créent leurs bijoux eux-mêmes, comme Takis ou encore Miguel Chevalier qui fait appel à l’impression 3D, la plupart collaborent avec des orfèvres spécialisés. Nous avons toutes les deux en tête une “dream list” qui réunit les artistes auxquels nous rêvons de demander un bijou : Erwin Wurm, Matthew Barney, Maurizio Cattelan, Tatiana Trouvé… mais la liste est longue ! L’un de tes derniers exploits a été de persuader l’immense artiste américain, Frank Stella, de réaliser une bague pour toi. – Diane Venet : Oui, cela a été long et compliqué car il ne suffit pas pour l’artiste de réaliser en petit ce qu’il excelle à faire en grand. La réalisation d’un bijou pour un artiste peut être un vrai défi ! Mais lorsque j’ai reçu la bague de Stella, j’ai été totalement émerveillée. Elle est pour moi la conceptualisation inouïe du génie artistique et de l’intelligence artisanale.

38 tl.mag #15 nouveaux territoires–europe

l’amourdu

marbre veiné,

m a r b r é,

se décli nant dans

une

palette

extraordinaires,

onyx

couleurs albâtre

égyptien…, le marbre – dérivé du calcaire – habite

les sols à la fois européens et d’autres continents,

de la Belgique à la Turquie en passant par

l’Italie... Depuis l’Antiquité, le marbre est sublimé par l’excellence du savoir-faire des tailleurs de pierre. Et pourtant, ce n’est pas juste la pureté ou la délicatesse du marbre de Carrare qui charme aujourd’hui les collectionneurs, c’est sa manière d’être porté vers nos terrains de vie, en contraste avec d’autres matériaux et de nouveaux usages. La Renaissance italienne a prôné la prouesse technique et esthétique comme grand défi des sculpteurs et des artistes académiques. [suite du texte page 42]

40-41 tl.mag #15 art & design

Aujourd’hui, il semblerait que les designers et les architectes en tirent parti autrement, à commencer par la lampe Arco (1962) des frères Castiglioni ou la table ronde PK54™ (1963) de Poul Kjærholm (édition Fritz Hansen). Dans l’art contemporain, entre autres Tony Cragg, Maurizio Cattelan et Luciano Fabro ont contribué à faire revenir le marbre à l’avant-scène de la création. Les galeries et éditeurs ont emboîté le pas : Marsotto et Nilufar à Milan, Ormond à Genève, Ymer & Malta à Paris, Carpenters Workshop Gallery à Londres/

Paris, Studio 94 à New York avec Rick Owens, et bientôt Pierre-Marie Giraud à Bruxelles, Turkish Stones (IMIB) et ses micro architectures ; toutes se sont mises à revisiter les qualités du marbre pour lui donner du sens au quotidien. [suite du texte page 46]

‘Open Space Oﬃce’, carrière de marbre à Alentejo [Portugal], série de photographies de Tito Mouraz, 2011, www.titomouraz.com

tito mour a z

2.3. Créations Marsotto Edizioni [Milan] par Thomas Sandell, Naoto Fukasawa, Claesson Koivisto Rune, Ross Lovegrove, Jasper Morrison, Konstantin Grcic, Alberto Meda, James Irvine, marbre blanc de Carrare mat, finition polie, 2011, www.marsotto-edizioni.com

42-43 tl.mag #15 art & design

7. 4.

‘Love’s Gazebo’ par Werner Aisslinger dans le marbre blanc de Kavaklidere, ‘Thus Spoke The Marble: The journey alters you’, exposition de Turkish Stones, Fuorisalone Milan, avril 2012

‘Line Kask’ par Stéphane Parmentier, édité par Ormond [Genève], 2011 ©

luxproductions.com

‘Marble Lights’ par Studio vit, 2012

‘Sweet Horizon’ par Benjamin Graindorge, marbre noir de Carrare. . Courtesy Ymer & Malta, 2012 ©

Table basse ‘Quark’ par Emmanuel Babled, marbre blanc de Carrare, 2010 ©

p h o t o b m a ltav e r n e

ebs

44-45 tl.mag #15 art & design

8. 9.

‘vistas’ par El Ultimo Grito composé de 15 marbres différents, ‘Thus Spoke The Marble: The journey alters you’, exposition de Turkish Stones, Fuorisalone Milan, avril 2012 © cerutti baleri

10. ‘Orbit Spots’ par A+A Cooren, marbre noir de Carrare. Courtesy . Ymer&Malta, 2010 © p h o t o b m a ltav e r n e

11. Cœur de l’église Saint-Hilaire à Melle par Mathieu Lehanneur, marbre blanc de Namibie, . 2011 © photo F ribon

10.

12. Carrière de marbre en Turquie, Turkish Stones

11.

De fait, les talents du design se l’approprient aussi: Marc Newson, Paul Cocksedge, Arik Levy, Ross Lovegrove, Emmanuel Babled, James Irvine, Jasper Morrison, Konstantin Grcic, Alfredo Häberli, Richard Hutten, Robert Stadler, Werner Aisslinger, Giacomo Ravagli, Benjamin Graindorge, El Ultimo Grito, Mathieu Lehanneur... Le ‘poids plume’ du marbre ne serait pas qu’une illusion d’optique ? Taillé ou sculpté, le marbre s’allège et capture la lumière pour rendre la matière à la fois vivante et vibrante. S é lection et te x te de L ise C oirier

46-47 tl.mag #15 art & design

12.

tl b lo g . t l m a g a z i n e . b e

more on b lo g

MAISON REvUE NOIRE

SINDIKA DOKOLO

Revue Noire est d’abord une histoire humaine. L’histoire d’amis qui, lassés par le turbulent silence qui entoure le continent africain dont les “spécialistes” glosent à longueur de pages pour aligner des contre-vérités, décident de montrer l’Afrique telle qu’ils la connaissent : une Afrique inventive, vivante, moderne et résolument moderne.

TExTE DE SIMON NJAMI

Une Afrique qui, malgré le poids du passé, des guerres et d’une histoire tourmentée, n’en finit pas de vivre. Cette énergie, naturellement, trouvait son plus grand exutoire dans la création. Contemporaine, évidemment, puisqu’il n’est pas d’endroit plus jeune au monde, plus connecté avec les différentes tendances et les différentes sensibilités du globe que le continent africain. Cette énergie peut aujourd’hui concrètement être appréhendée à travers la Maison Revue Noire, une galerie pas tout à fait comme les autres, dont l’objet est de poursuivre, dans un cadre conçu sur mesure, le travail entamé par le magazine. Au fil des années, des voyages et des rencontres, Revue Noire a montré des artistes, des styles, des formes qui jusque-là étaient soigneusement négligés par les capitales internationales et a constitué une collection et des archives uniques qui reflètent le travail de recherche effectué sur le terrain pendant plus de deux décennies. Revue Noire a produit des films, des disques, des expositions, publié des ouvrages monographiques, collectifs et anthologiques, et défendu l’idée d’une Afrique sans complexe qui était appelé à jouer pleinement son rôle sur la scène mondiale. Les archives et une partie de la collection photographique (près de deux mille tirages) font désormais partie de la collection Sindika Dokolo, sans doute la plus importante collection africaine d’art contemporain. La rencontre entre ces deux initiatives fut un événement naturel, dans la mesure où les fondateurs de Revue Noire, comme Sindika Dokolo, nourrissaient une même ambition : rendre l’Afrique à elle-même.

Une collection unique d’art contemporain africain La collection Sindika Dokolo a été créée en avril 2004 par Sindika Dokolo et était en partie composée de l’ancienne collection de l’Allemand Hans Bogatzke acquise en juin 2005. Une année plus tard, le fonds Bogatzke ne représentait plus qu’un quart des œuvres et depuis, avec la politique d’acquisition mise en place par l’équipe de Luanda dirigée par l’artiste Fernando Alvim, elle s’est donnée pour objectifs de renverser la tendance qui veut que la plupart des chefsd’œuvre africains se trouvent dans les musées occidentaux. Il s’agissait de constituer un patrimoine qui puisse être vu par les Africains selon un regard endogène, et de contribuer à l’émergence d’un discours original qui s’élabore sur le continent. Les œuvres rassemblées sont souvent prêtées à des institutions africaines, mais également internationales, qui ne disposent pas forcément des moyens d’accueillir les plus grands artistes contemporains du continent. La collection, outre une importante partie photographique qui inclut des artistes comme Samuel Fosso, Zwelethu Mthethwa, Santu Mofokeng, Rotimi Fani-Kayode et des classiques, dont le travail s’étend du début du XXe siècle jusqu’aux années 1960 comme Mama Casset, Jean Depara, inclut à la fois des artistes confirmés comme William Kentridge, Berni Searle, Pascale Marthine Tayou, Moshekwa Langa, Olu Oguibe, Kay Hassan, Kendell Geers, Yinka Shonibare, Ingrid Mwangi, Bili Bidjocka, Willem Boshoff et Zwelethu Mthethwa, pour n’en citer

48-49 tl.mag #15 nouveaux territoires–afrique

5. 1. ‘En attente de l’aube qui nous surprendra aux rives du sommeil’, détails, installation de Joël Andrianomearisoa [Madagascar °1977- ], Nomad Gallery, / Bruxelles, 2011 © joël andrianome arisoa

courtesy re vue noire

2. ‘Papier cigarette’, Joël Andrianomearisoa [Madagascar °1977- ], / 2010 © joël andrianome arisoa

courtesy re vue noire

3. ‘Souvenirs d’enfance’, dessin original et unique de Pascale Marthine Tayou [Yaoundé, Cameroun °1967-], série de 50 dessins uniques réalisés pour le Coffret Collection Revue Noire © / pa s c a l e m a r t h i n e tay o u

courtesy re vue noire

4. ‘Baiser blanc’, Joël Andrianomearisoa [Madagascar °1977- ], 2012 © /

joël andri anome arisoa court esy re v ue noire

5. Sans titre, Mario Benjamin [Port-au-Prince, Haïti °1964-], 2011 © / © . m a ri o b en ja mi n c ou rt esy re v ue no i re

ph oto v pe t i on

6. Autoportrait, Alain Polo [Kinshasa, / Congo °1985-], 2009 © al ain polo

courtesy re vue noire

7. ‘Costumes Sunlight – L’Oiseleur’, PUME-Bylex [Kinshasa, Congo, °1968-], © . 2001 © - / courtesy re vue noire

photo a guide

www.fondation-sindikadokolo.com www.revuenoire.com Maison Revue Noire est présente du 15 au 18 novembre 2012 sur Paris Photo qui lance à Los Angeles sa première édition américaine au cœur des studios Paramount du 24 au 28 avril 2013. http ://www.parisphoto.fr 6.

que quelques uns, et des artistes “émergents”, dont la production est soutenue par Sindika Dokolo. La collection est en mouvement permanent et s’agrandit chaque année de nouvelles pièces, notamment d’artistes qui, sans être africains, ont subi une influence ou ont été inspirés par l’Afrique, comme Miquel Barceló ou Basquiat, et d’autres de la grande diaspora comme Nick Cave, parce que, dit Dokolo : “Ma perception de l’Africanité n’est ni pas liée à un drapeau, ni à la géographie (...). Elle ouvre un espace au sein duquel les Africains affirment leur point de vue sur le siècle qui s’est achevé, un espace que Léopold Sédar Senghor a nommé l’espace du donné et du recevoir.”

La création passe par la générosité L’Afrique a toujours donné, généreusement. Mais elle a été enfermée par le regard extérieur, dans des débats identitaires qui ont masqué la complexité de sa production. Quelle est cette identité que certains voudraient figer dans une vision communautariste et exclusive ? Il n’existe de Nous véritablement que dans la mesure où nous sommes capables de dépasser les bornes absurdes de l’altérité. Le créateur africain n’est Africain que parce qu’il affirme une

appartenance à un monde qui dépasse le monde. Un monde qui, plutôt que d’exclure, inclut. Il s’agit aujourd’hui d’écrire une nouvelle histoire de l’Afrique et cette histoire passe par la création. Comme nous le rappelle l’artiste ghanéen El Anatsui, il s’agit d’un travail de longue haleine : “La dernière que je t’ai écrite à propos de l’Afrique/ J’ai utilisé un parchemin à en-tête/ Il y a beaucoup d’espaces vides dans la lettre…/ Je peux remplir certains de ces espaces aujourd’hui, parce que…/ Je suis devenu plus vieux.” 2 La collection Sindika Dokolo et Maison Revue Noire s’efforcent, depuis leurs créations, de remplir ces espaces vides, non pas dans le ressentiment et le complexe, mais dans la liberté et l’exigence.

Crée en 1991 à Paris par Pascal Martin Saint Léon,

Jean Loup Pivin, Bruno Tilliette et Simon Njami. 2

El Anatsui, in International Review of African American Art, 9, n°3,

cité par Simon Njami in El Anatsui : A Sculpted History of Africa, Saffron Books & October Gallery, Londres, 1998

50 tl.mag #15 Nouveaux territoires–Afrique

pume byle x

PARIS CAPITALE DE LA CREATION

PÉPITES D’AFRIQUE Si l’Afrique a longtemps été considérée comme le terreau des arts premiers, ses nouvelles pousses égrènent une vision moderne et universelle en mode, art ou design, offrant un visage attractif et créatif à l’international.

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Nouvelles ressources de la cré ation contemporaine

Chasse aux préjugés

Manques de moyens, formations artistiques peu représentées, formations en design quasi inexistantes… Si le continent noir est freiné dans son rayonnement créatif à l’échelle internationale, ce qui le bloque davantage, ce sont les préjugés. Matières recyclées, motifs ethniques, bois sculptés ou batiks colorés… sont autant d’attributs qui participent à jalonner la création africaine dans l’imaginaire collectif. Une représentation contre laquelle la diaspora artistique ne cesse de lutter. “Ce n’est pas le rôle du designer de se spécialiser dans une zone géographique déterminée. Quand on est designer, on est designer, point”, souligne Cheick Diallo, designer à l’affiche de l’exposition “Made in Mali’. Un refus d’être catalogué uniquement par son origine partagé par l’artiste camerounais, Barthélémy Toguo. “En 2007, j’ai refusé

de participer à la Biennale de Venise au sein du pavillon africain ; j’avais l’impression d’être mis dans un ghetto.” Si l’artiste reconnaît les initiatives d’expositions comme “Africa Remix”, il ne souhaite pas qu’elles soient récurrentes : “Il ne faut pas cantonner l’art contemporain africain. Il doit se confronter à d’autres formes artistiques pour révéler sa dimension versatile.” Au-delà des frontières continentales

Cette requête est légitime pour cet artiste à la production protéiforme, réalisant aussi bien des installations pour des musées ou des biennales d’art aux quatre coins du monde, que ce soit une commande de maillot de football pour Puma ou une affiche pour Roland-Garros. Plus récemment, la Cité de la céramique de Sèvres l’a invité à réaliser des décors sur des vases dessinés par Pierre Charpin et des plaques

en porcelaine tendre imaginées par Adrien Rovero. Dans un autre registre, Yinka Shonibare explore le post-colonialisme dans un contexte de mondialisation. Il expose désormais ses œuvres sur Trafalgar Square à Londres comme dans les galeries et musées d’art contemporains internationaux. Côté design, les pièces de Cheick Diallo côtoient aussi bien les réalisations de Garouste et Bonetti, d’Ettore Sottsass ou d’Olivier Gagnère au Musée Mandet. L’Afro-Américain Stephen Burks installé à New York fait rentrer les techniques sénégalaises de tissages sur des pièces modernes dans les galeries et musées américains. Le secteur de la mode n’est pas en reste, avec le fabricant historique de wax hollandais Vlisco, qui propose aux femmes africaines des collections reprenant des motifs batiks sur des formes actuelles et tendance. Revendication d’une nouvelle génération, qui souhaite elle aussi participer à la mondialisation et porter de façon décomplexée le jean comme des pagnes ajustés.

52-53 tl.mag #15 Nouveaux territoires–Afrique

T e x te de F é riel K aroui

54 tl.mag #15 nouveaux territoires–afrique

www.barthelemytoguo.com www.diallo-design.com www.yinka-shonibare.co.uk http ://readymadeprojects.com

1. vases Séries 3, décors de Barthélémy Toguo sur des vases Charpin n°2, / . 2012 © sÈvres

citÉ de la cÉramique

photo g jonca

2. ‘Le Couronnement - Jardin d’amour’, vue de l’installation au musée du quai Branly [Paris], Yinka Shonibare, 2007 © yinka shonibare

3. Tissus vlisco, vue de l’exposition Six Yards au MMKA [Arnhem], 2012 © . m pluim

4. Judith tranchant la tête d’Holopherne n°10, 7 et 8, Barthélémy Toguo, / . 2012 © sÈvres

citÉ de la cÉramique

photo g jonca

5. ‘Redemption’, création exclusive de Barthélémy Toguo pour l’exposition ‘We Face Forward’ pour Manchester Art Galleries, 2012 © barthÉlÉm y toguo

Expressions et créations fortes et identitaires

Touchés par la mondialisation, les jeunes d’Afrique sont au cœur des attentions de leurs aînés : “Il est primordial que nous imaginions nous-mêmes nos solutions dans tous les domaines – agricole, sanitaire, économique, social, culturel, politique, éducatif, sportif…”, affirme Toguo. Joignant l’acte à la parole, il fonde “Bandjoun Station” au Cameroun, un lieu de vie et de création avec une résidence d´artistes internationaux, une collection d´œuvres, et un projet agricole avec la communauté locale. Pour pallier le manque d’écoles de design tout en échangeant avec des artisans chevronnés ou débutants, Cheick Diallo comme Stephen Burks encadrent régulièrement des workshops en Afrique, respectivement au Mali et au Sénégal. Les ReadyMade Projects

de Stephen Burks sont particulièrement intéressants puisqu’ils font dialoguer les compétences artisanales d’Afrique avec les grandes marques internationales comme Missoni, Ligne Roset, B & B Italia… Le MAD (Museum of Art and Design) de New York a consacré l’année dernière une exposition à Burks en posant la question du designer hybride en parallèle du Global Africa Project qui révèle combien les traditions et la culture artisanale africaines procurent une source puissante et durable de créativité. S’il reste encore un long chemin à parcourir pour constituer un nouveau visage de la création africaine contemporaine, ces artistes et designers font peu à peu tomber le masque des préjugés en valorisant les savoir-faire locaux grâce à des créations dont la beauté et la portée sont universelles.

L’AFRIQUE

CHIC C’EST

Ingrid Baars nous plonge dans une série photographique où l’art africain, les formes, les mannequins et la mode s’entremêlent et nous laissent sans voix. Elle explore la relation entre l’esthétique, l’émotion, la chair et la séduction dans un style unique et poétique.

56-57 tl.mag #15 Nouveaux territoires–Afrique

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P hotographies de I ngrid B aars

Avec “L’ Afrique, C’est Chic !”, Ingrid Baars associe deux mondes opposés en jouant avec les contrastes entre l’art africain traditionnel et la création contemporaine. Contraste entre les objets inanimés et la vulnérabilité de la vie, tension entre la distance et l’attraction. Elle sculpte de bois et de métal le corps humain avec un véritable sens de l’intimité qu’elle retranscrit dans chaque image. Elle y ajoute des accessoires et des créations de stylistes renommés (Christophe Coppens, Iris Van Herpen, Romain Brau, Jean Paul Gaultier), ce qui lui permet d’atteindre une dimension sculpturale révélée avec force dans ses clichés photographiques. Chaque élément est sélectionné pour renforcer l’autre et chaque détail compte : une ombre, la texture de la peau, une patine, l’exploration de la beauté, celle des émotions et de la séduction. À travers sa recherche liée de près et de loin au monde de la haute couture et du prêt-à-porter, Ingrid Baars se réclame d’une liberté d’expression totale. Fascinée par le corps humain, celui de la femme en particulier et par la beauté qui en émane, mais aussi par la sculpture traditionnelle africaine, elle traduit ici sa vision contemporaine en créant de véritables sculptures vivantes, puissantes et intouchables. L’exposition “L’Afrique, C’est Chic !” se tient jusqu’au 16 septembre à la Fine Art Studio, Bruxelles et sera montrée à Paris du 8 au 30 novembre. http ://ingridbaars.com, www.fineartstudio.be

Images dans l’ordre d’apparition : Wallflower, Queen, Luba, Gazelle, Sphinx, Hunter © tou tes les im ages ingrid ba ars

ExTRAIT D'UN TExTE DE DAvID TRUBRIDGE [TRADUCTION

AURéLIE

BUNNEGHEM

AvEC L’AUTORISATION DE L’AUTEUR]

“Sans culture, et la liberté relative qu’elle jungle. C’est pourquoi toute création authentique

LE DESIGNER CULTUREL Nul ne doute que nous sommes à l’aube d’un changement historique. Nous réalisons que la surconsommation menace notre environnement et notre avenir. Les inquiétudes grandissent, mais l’action et les solutions se font dangereusement attendre. Alors que faire ? De timides tentatives ont vu le jour, couronnées par des échecs retentissants. À en croire les publicités, vous penserez sans complexe que “l’éco-design” est la panacée. Mais ce n’est, ni ne sera le cas. L’étiquette “éco” est devenue un outil marketing comme tout autre. Il n’y a que le Bon ou le Mauvais Design – si le design ne s’occupe pas activement de préserver notre futur, alors par défaut, il le détruira. Où le bât blesse-t-il? À mes yeux, cette façon de faire du design ne peut fonctionner parce qu’il n’est pas un processus global. Il est réduit à l’utilitarisme et au fonctionnalisme. Il ne comporte aucune dimension culturelle, ne crée pas de sentiment identitaire et, par-dessus tout, il ne nourrit pas l’esprit. Ce design ne suffit pas à motiver un changement de masse de nos habitudes et de notre mode de vie. Il n’est que continuité d’un design existant. Attardons-nous sur l’habitat local et l’art de décorer le monde.

Comme les bâtiments sont faits de matériaux locaux, ils prennent la forme qui s’adapte à ceux-ci, au paysage, à l’instar des huttes de boue en Afrique ou des maisons de bambou en Indonésie. Toutefois, elles font preuve du panache et de la joie de l’exploration de ce qu’elles expriment, le matériau, les habitants, le temps et le lieu, jusqu’au détail de la couleur et du motif. Cela leur apporte fierté et identité. Comparez cela avec la monotone régularité de boîtes identiques qui se répandent tel un virus dans notre monde développé, les “horribles” maisons Germaine Greer1. Il en va de même pour tout ce qui les caractérise, tout ce que nous achetons en consommateur frénétique que nous sommes. Qu’il s’agisse de design onéreux ou bon marché, ce n’est que de la “mal-bouffe”. Ce design vous laisse sur votre faim, frustré et en attente d’autre chose. Absolument tout – les vêtements, le téléphone/ l’appareil photo/les lecteurs audio et vidéo, les accessoires, les vacances de luxe, les villas et les 4x4 – est créé, avec l’appui de l’industrie publicitaire, pour nous faire en vouloir davantage, nous sentir menacé et amoindri si nous ne possédons pas la toute dernière nouveauté.

est un don pour l’avenir.”

Il est évident que nous devons tout recréer pour rendre notre mode de vie durable. Et je ne parle pas seulement des objets, mais bien plus important encore, de la façon dont nous les fabriquons. Mais pour n’aborder ne seraitce que la question des objets, il ne suffit pas de remplacer les maisons boîtes (et les quelques accessoires restants) par une maison passive, 100% renouvelable, etc. Si c’est là l’option “valable”, il sera difficile de convaincre, et quand bien même, la convoitise demeurera. Non, ce qui fait défaut, c’est la culture. Si nous omettons l’élément culturel dans la dimension technologique du design, aucun changement ne s’opérera. Le défi est de réduire suffisamment notre empreinte carbone pour permettre à tous et pour toujours de jouir des ressources, DANS UN SENTIMENT CULTURELLEMENT ET SPIRITUELLEMENT SATISFAISANT. L’expression culturelle est un aspect fondamental de ce qui fait l’être humain : les plus anciennes traces prouvent que l’homo sapiens se distinguait déjà par sa création artistique, les peintures rupestres et les bijoux2. Et étant donné que les accoutrements vestimentaires de nos vies, les “trucs” que nous n’avons cesse d’acheter, diminuent, alors la satis-

ALBERT CAMUS, LE MYTHE DE SISYPHE

faction culturelle doit venir en compensation. Si nous sommes rassasiés de culture et de spiritualité, je pense que nous abandonnerons ce sentiment de convoitise qui nous façonne aujourd’hui dans des identités fragiles. De tous les arguments pro-éco et durable, il ne manque que celui-là. www.davidtrubridge.com [L’installation lumineuse “Icarus” de ce designer néo-zélandais fait désormais partie de la collection permanente du Centre Pompidou.] ©

t o u t e s l e s i m a g e s d av i d t r u b r i d g e

Germaine Greer in “A Few Home Truths about Fake Design” in Guardian Weekly 12.09.08.

Robin McKie in “The Voyage of Humanity” in Guardian Weekly 12.09.08. “Les premiers 10 000 être humains [en Afrique, qui étaient] doués de l’utilisation d’outils de pierre… ont commencé à faire preuve d’une habilité artistique.” Plus tard en Europe, l’homme de Cro-Magnon “chassait le mammouth, et laissait derrière lui de magnifique peintures rupestres, des vêtements tissés et des bijoux sophistiqués.”

64-65 tl.mag #15 pHilo

suppose,la société même parfaite n’est qu’une

brazilian mo Pour la première fois à Bruxelles, des collectionneurs de mobilier brésilien du milieu du XXe siècle vont avoir la possibilité d’acquérir des pièces rassemblées avec la passion et la connaissance de l’histoire d’un pays, d’une culture et d’un héritage. TExTE DE KATHRYN SMITH

voir le monde dans un copeau de bois

Avec les architectes et galeristes basés à Milan, Monica Unger et Cinzia Ferrara, entrons dans l’univers de Joaquim Tenreiro, Jorge Zalszupin, Sergio Rodriguez, Giuseppe Scapinelli et Alberto Reis. Le mobilier brésilien du milieu du siècle dernier est probablement l’une des facettes du design à avoir été mise le plus récemment à l’honneur. Alors que l’on connaît et apprécie déjà beaucoup le design de cette époque en provenance de Scandinavie, d’Italie et des États-Unis, il n’en va pas de même pour le Brésil. Plutôt méconnu en Europe, l’on commence à peine à se tourner vers ce trésor discret. Deux décennies de dictature jusqu’en 1984 sont à l’origine de cette lacune, le design en provenance du Brésil n’ayant que peu ou prou été exporté. En outre, un certain nombre de figures majeures du Modernisme brésilien se sont exilées ou ont été emprisonnées, parmi lesquelles Oscar Niemeyer et Paolo Mendes da Rocha. Des siècles d’immigration en provenance d’Europe, de l’Inde africaine, du Moyen-Orient et du Japon ont donné naissance à des traditions artisanales et esthétiques distinctes en combinaison avec des matériaux et un savoir-faire indigènes. Replacée dans le contexte d’une culture locale établie du design, des paysages vastes et spectaculaires, des matériaux locaux spécifiques, une expression authentique et originale s’est définie d’elle-même à travers un travail créatif.

Une terre talentueuse et riche Les racines du mobilier design brésilien sont profondément ancrées dans les matériaux naturels. Alors que l’on associe le chêne et le teck avec le mobilier européen du milieu du XXe siècle, le jacaranda est incontournable au Brésil. La nature même de cette essence de bois possède des qualités propres, du tronc aux branches. Aussi connu sous le nom de palissandre ou de bois de rose brésilien – à cause de ses effluves de roses quand on le coupe – il a été considéré pendant des siècles comme un bois raffiné. C’est un bois dur et lourd, il se distingue par ses tonalités inhabituellement riches et profondes et ses stries noires. Il est à la fois puissant et classique, théâtral et élégant. La dureté du bois en fait le parfait matériau pour la gravure tout autant que la création de bas-reliefs trompeurs sur des éléments structurels raffinés. Le bois de rose brésilien est désormais une espèce protégée en voie d’extinction, et l’âge d’or du mobilier fait que ce matériau est définitivement inscrit dans son époque. Comme le disait un maître-artisan mobilier, “la quête du Graal du bois continue.” Des pionniers en quête de légèreté La collaboration entre l’architecte Oscar Niemeyer et le designer de mobilier Joaquim Tenreiro fut déterminante dans la création d’un XXe siècle vernaculaire différent du design brésilien. Arrivé du Portugal en 1928

dern 66-67 tl.mag #15 nouveaux territoiresâ&#x20AC;&#x201C;amĂŠrique du sud

“Brazilian Modern” est une exposition organisée en collaboration avec Cinzia Ferrara et Monika Unger de BE Modern/Milan ; Cristina Barros-Greindl et Laurence Lachambre/São Paulo-Bruxelles ; tl.mag–Trendsliving International et Archetype / Bruxelles dans le cadre de Design September. Des œuvres d’art contemporain brésiliens et des pièces de design seront exposées à Ampersand House. Parmi les artistes représentés, citons le célèbre orfèvre Nilton Cunha et l’artiste Paulo Climachauska, ainsi que d’autres contemporains dans les domaines du textile, de la céramique et de la joaillerie. Du 8 septembre (vernissage le 7 septembre de 18h à 21h) jusqu’au 29 septembre 2012. Ouvert du mercredi au samedi de 13h à 18h. Ampersand House & Gallery 30, Rue Tasson Snel / B-1060 Bruxelles www.ampersandhouse.com tl b lo g . t l m a g a z i n e . b e

more on b lo g

à l’âge de 22 ans, Tenreiro adopte les matériaux et traditions de l’artisanat national, les unissant avec son propre héritage pour créer un nouveau langage qui le hisse avec justesse au titre de père du Modernisme brésilien. Selon les codes architecturaux de l’architecture moderniste de Niemeyer caractérisée par des courbes élégantes, Tenreiro rompt avec l’héritage néo-classique du XIXe siècle qui prédominait sur le mobilier brésilien et impose avec assertivité une nouvelle esthétique dirigée par la maîtrise de la technique et de la légèreté formelle. Tenreiro soutenait que le mobilier brésilien devait être “formellement léger… Une légèreté qui n’a rien à voir avec le poids, mais avec la grâce et la fonctionnalité spatiale.” Rien de mieux que cette légèreté exposée par la fluidité sculpturale et la délicatesse de ses chaises en jacaranda et cane tressée. Elles semblent être trop fragiles pour supporter leur propre poids, mais un simple geste démontre leur solidité. Ses tables à manger jumelles sont une juxtaposition voulue des forces qui subliment la magnificence du bois de rose brésilien autant que sa maîtrise de l’échelle. Il existe une certaine modestie et un raffinement dans le travail de Tenreiro qui n’est que progressivement découvert entre les mains de collectionneurs qui appréhendent les aspects visibles : le dessous biseauté d’une chaise ou d’une table ou l’étonnante juxtaposition des angles et des volumes.

D’un architecte sans emploi à l’icône du design Sergio Rodrigues est passé du statut de sans emploi à celui d’architecte qui réalise sa vision d’un vocabulaire différent du mobilier moderne brésilien grâce à un projet architectural. En 1963, il fut chargé de concevoir les sièges de l’auditorium pour la nouvelle université de Brasilia. Ce dossier permit à Rodrigues de concevoir, produire et installer les sièges en à peine 20 jours – un défi qui focalisa son attention sur les méthodes et matériaux les plus accessibles. Fortement influencé par le savoir-faire affûté en ébénisterie de Tenreiro et son respect pour les qualités et matériaux locaux, Rodrigues s’est orienté vers la sellerie pour la confection des assises et des dossiers en cuir. Bien plus qu’aucun autre designer brésilien de cette époque, l’emploi massif du cuir caractérise son travail. Monica Unger souligne la paire de chaises originales “Kilin” datant de 1973 qui sont aussi très pertinentes dans leur revendication des détails et des matériaux. Le cadre en bois dur se voit entrelacé d’une unique pièce de cuir souple maintenue par une fine baguette sculptée. Il réside une honnêteté et une authenticité dans l’expression franche et formelle de Rodrigues qui célèbre la structure et les matériaux. Le célèbre “Poltrona Mole” (ou encore “Sheriff armchair”) lancé en 1958 s’avéra un phénomène international avec ses

1. Chaises en jacaranda et canne tressée de Joaquim Tenreiro, console en bois de rose et chrome de Tim Bates. Au mur, œuvres de Ane vester et Patricia Urfels-Kronenweth ; contenants en argent de l’orfèvre Nilton Cũnha 2. Canapé et repose-pieds ‘Poltrona Mole’ de Sergio Rodrigues 3. ‘Curved Repetition 2’ de Stine Jespersen, 2012 4. Bol en argent de Nilton Cũnha

68-69 tl.mag #15 nouveaux territoires–amérique du sud

5. Chaise ‘Kilin’ en cuir et jaracanda de Sergio Rodrigues; tapis de Allegra Hicks et accrochage de Yann Guitton

70 tl.mag #15 nouveaux territoires–amérique du sud

6. Chaises en jacaranda et canne tressée de Joaquim Tenreiro; table à manger en jacaranda; console en jacaranda et contreplaqué 7. Table à manger en jaracanda et plateau en verre noir de Joaquim Tenreiro

coussins de cuir mous et confortables qui débordent sur les accoudoirs et sa structure de bois de construction. Le fauteuil a remporté en 1961 le premier prix du Concours international du meuble à Cantu, en Italie, établissant l’expression humoristique, iconique et confidentielle de Rodrigues de façon décisive dans le design de mobilier du XXe siècle.

De verre et de métal Si Rodrigues et Tenreiro personnifient l’emploi du bois et du cuir dans le mobilier brésilien, alors le verre et le métal sont incarnés par le travail de l’émigré polonais Jorge Zalszupin. Arrivé au Brésil après la Seconde Guerre mondiale, il fonde le collectif L’Atelier, qui regroupe des architectes, des ingénieurs et des artisans en lien étroit avec le collectif d’architectes Novo Rumo dont le travail se concentre notamment sur le verre, le bois et le métal. Deux élégantes tables d’appoint en jacaranda, métal et verre de Novo Rumo rendent hommage à la structure fonctionnelle tout en créant des formes telles des lignes dans l’espace. Dessinée en 1950, cette paire sublime la forme pure intemporelle et les éléments structurels. Une identité design multiculturelle D’autres pièces remarquables de la collection comprennent les travaux de Giuseppe Scapinelli et d’Alberto Reis. Scapinelli fabriquait du mobilier et le vendait à São Paulo dans les années 1950 et 1960. Son bagage italien et les archétypes des années 1940 du design italien nous renseignent sur ses formes sinueuses et sensuelles et sur son amour pour

le verre et le marbre qui seront toutefois retranscrits différemment sur sa terre d’adoption. La procession rythmique et graphique du bois de rose brésilien dans la table basse d’Alberto Reis célèbre les matières et le savoir-faire. Il est impossible de ne pas mentionner d’ultimes designers brésilien dont le travail fait partie intégrante de l’impressionnante collection : les architectes Lina Bo Bardi, Jose Zanine Caldas et Martin Eisler. Les architectures Lucio Costa et d’Oscar Niemeyer pour Brasilia en 1956 stimulèrent de grands projets et partenariats en design qui se sont faits la voix d’un nouveau vocabulaire indépendant du XXe siècle. Même au cours des années de dictature militaire, l’esprit créatif et entrepreneur a été scellé dans une sensibilité qui au milieu de son isolement demeure homogène. En tant que pays et culture qui a accueilli des vagues d’immigration sur les deux derniers siècles, la moitié du XXe siècle fut aussi propice à cette consolidation identitaire. Les arts et la culture contemporaine émergent au Brésil depuis la fin des années 1980 et une nouvelle vague arrive… L’époustouflante variété en matière d’architecture moderne, de design et d’art n’est qu’à l’aube de sa révélation outre-Atlantique.

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Knuten candelabra by Josef Frank, designed in 1939. Tied by hand into a friendship knot to symbolise the Austrian architectâ&#x20AC;&#x2122;s gesture of peace and friendship toward Sweden, his adopted country.

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ARCHI– SUD UNE SéLECTION DE MARIE LE FORT

Marquée par une luxuriance extérieure sans équivalent, l’architecture sud-américaine part toujours du contexte, et du paysage, pour imaginer de nouveaux modèles qui réconcilient vie à l’intérieur et à l’extérieur, contemplation et caractère protecteur.

Fasano Las Piedras, Uruguay, par Isay Weinfeld

À première vue, on croirait à un pavillon d’exposition universelle, à un concept store japonais ou à un showroom d’une marque pointue de l’ère digitale. Et pourtant, situé à Polanco, dans l’un des quartiers résidentiels

quartiers, il ne se passe pas grand chose sur l’extérieur, une résidence insipide voit le jour, une façade est repeinte. Rien ne se démarque ; rien n’évoque la nouveauté. Nous avons voulu provoquer, sur l’extérieur”, expliquent Michel Rojkind et son équipe. Dès l’entrée, donc, une sensation spectaculaire comme on peut en ressentir quand on s’aventure dans un concept store à la mode, dont le décor a été traité comme un univers fantastique. Pour ce projet, l’agence a misé sur l’expressivité pour transformer Tori Tori en un repère architectural avec sa maille digitale éclairée d’un bleu

de Mexico, Tori Tori – de son nom de code – est un restaurant “emballé” d’une résille bleue par l’agence Rojkind Arquitectos. Un restaurant qui, à l’image de la cuisine japonaise qui le caractérise, est capable de réconcilier les contraires : une hyper-modernité technologique à l’extérieur, un minimalisme presque brutaliste à l’intérieur. “Souvent, dans ces

stellaire. Pour autant, une fois cette première vision passée, le restaurant s’appréhende au contact d’espaces ouverts et terrasses verdoyantes qui créent une agréable respiration. Après l’élément Lumière qui s’enroule ou s’invite dans les différentes ouvertures comme un leitmotiv filaire, place à l’élément Nature avec des murs végétaux qui composent des fresques

Tori Tori par Rojkind Arquitectos, Mexico

72-73 tl.mag #15 Nouveaux territoires–amérique du sud

Plus calme et réservé que les autres membres de la dynastie hôtelière brésilienne Fasano, Las Piedras s’égraine, près de Punta Del Este, au fil de 32 bungalows imaginés par Isay Weinfeld. “Je déteste me répéter”, affirme d’emblée d’une voix aussi calme que déterminée celui qui incarne le meilleur de l’architecture moderniste brésilienne contemporaine. “Ce qui m’intéresse est de matérialiser ce que chaque client veut exactement, en passant ce désir à travers mon propre filtre esthétique. De composer avec retenue”, explique-t-il. Sur fond d’espaces rétro-modernes, il marie murs de pierres et nobles essences de bois non sans un air “rustic-chic”. Sobriété absolue des espaces, atypique mélange de béton et de bois (notamment avec l’usage répété du cumaru, essence exotique sud-américaine d’une couleur ocre-brune), Issay Weinfield signe ici un repère sans fioritures ni circonvolutions architecturales : il va à l’essentiel, sans pointillés ni détours. Place à la ligne, à l’espace. Unique avec son spa habillé de bois clair aux allures scandinaves, son Pool Bar ouvert sur une piscine naturelle entourée de rochers saillants, et un restaurant couleur tabac-roux entouré de pierres apparentes, l’empire Fasano – connu pour son chic urbain – tutoie désormais la ruralité avec une authenticité architecturale qui s’inscrit hors du temps.

intérieures verticales. Fort de cette opposition, le restaurant fait ensuite place à l’élément Minéral autour de son sushi bar imaginé comme un espace caverneux moucheté de marbres veinés. Et pour parfaire cette sensation de venir dîner dans un lieu unique, toutes les assises et mobilier ont été imaginés par Esrawe Studio de manière contextuelle, accentuant le cachet de chaque pièce à l’aide d’élégants tabourets de bar, de sièges japonais vert acide ou banquettes futuristes autour du bar à saké. “Chez Rojkind Arquitectos, nous aimons expérimenter avec de nouvelles techniques, repousser les limites du design digital pour imaginer de nouvelles métaphores : pour Tori Tori, le point de départ fut l’image d’une vigne vierge qui viendrait envelopper l’édifice d’une maille géométrique futuriste. Et cette maille se transforme en véritable fil conducteur intérieur-extérieur car, passé sa présence architecturale, elle vient se superposer aux ouvertures comme si se changeait en un élément du décor à part entière”, conclut l’architecte. 6.

www.isayweinfeld.com www.rojkindarquitectos.com www.giancarlomazzanti.com www.marciokogan.com.br www.mathiasklotz.com www.izquierdolehmann.com

1. Hôtel Fasano Las Piedras : Bungalows, Isay Weinfeld, Punta del Este [Uruguay], 2011 2.3. Maison du lac Rupanco, Izquierdo Lehmann, Puerto Octay [Chili], 2011 ©

luis izquierdo

4. Bibliothèque España Library Park, Giancarlo Mazzanti, Santo Domingo [Colombie], 2007 5.6. Maison Cobogo, studio mk27, . Brésil © photo n kon

Parque Biblioteca España par Giancarlo Mazzanti Arquitectos

Située sur le bord d’une falaise au dessus de Medellín, Colombie, la bibliothèque publique imaginée par Giancarlo Mazzanti Arquitectos prend la forme de trois blocs architecturaux, d’un trio géométrique insondable. Voire intransigeant. Symbole culturel fort, le complexe incarne le renouveau de la ville colombienne mondialement connue pour la vivacité de sa mafia, du cartel de Medellin et de Pablo Escobar. Qui plus est, ce symbole de renouveau et de fierté, est véhiculé par la Culture, au cœur d’un des barrio les plus violents – de ceux où la police ne rentrait même plus ! À l’intérieur de cette structure, une bibliothèque, un auditorium et un centre communautaire, rattachés par un podium en béton commun. Protecteurs avec leur air de “rocher caverneux” depuis l’esplanade, les trois blocs s’allègent néanmoins au contact du vide qui se creuse à leur pied, au dessus de la vallée. Et si l’ensemble facetté

paraît austère avec ses murs en tuiles gris charbon et petites ouvertures, il n’en est pas moins lumineux à l’intérieur, les architectes ayant opté pour un éclairage zénithal. À l’intérieur, la culture rayonne. Casa Cobogo par Studio MK27, Marcio Kogan, São Paulo

Chef de file d’un courant “moderniste allégé’, le Brésilien Marcio Kogan – et son studio MK27 – livrent toujours des résidences à vivre “intérieurextérieur”. Sans contraintes d’espace. Pour la dernière en date, Casa Cobogo, construite dans un quartier résidentiel de São Paulo, le salon s’invite dans le jardin, et inversement. Dessinée par Marcio Kogan et Carolina Castroviejo, et la complicité de Diana Radomysler côté décoration d’intérieur, la maison a été imaginée comme un immense paravent protecteur : des façades coulissantes finement ajourées en rythment

les contours. Dans leur principe, elles appellent aussi un autre volume posé sur le toit comme une extension graphique. Poreuse, cette surface curviligne permet de voir sans être vu, de briser le soleil qui plonge sur la résidence comme un forcené, de difracter la lumière avec élégance ; composée de modules sculptés par l’artiste américano-autrichien Erwin Hauer dans les années 1950, elle s’illumine comme une œuvre d’art le soir venu. En effet, ce dernier pensait que la sculpture devait s’intégrer au cœur de l’architecture, rappelant les préceptes de l’architecture moderniste et les courbes emblématiques du travail d’Oscar Niemeyer. House L par Mathias Klotz, Buenos Aires

Architecte chilien plébiscité pour son approche chorégraphiée et minimaliste de l’architecture, Mathias Klotz signe ici une résidence – House L – dans un quartier historique de Buenos Aires, Olivos. Inscrivant, tout

7.8. Casa L, Mathias Klotz & Edgardo Minond, Buenos Aires [Argentine], 2010 9. Restaurant japonais Tori-Tori, Rojkind Arquitectos, Polanco [ville de Mexico], 2011

comme Marcio Kogan, chaque projet dans une relation directe avec l’extérieur et la nature environnante, Mathias Klotz compose ici un “paysage architectural” : après avoir pris grand soin de conserver chaque arbre implanté sur le terrain, l’architecte a imaginé, autour, une maison en L qui s’ouvre sur, se tourne vers, cadre la végétation. Une résidence toute entière vouée au dialogue intérieur-extérieur. Passé le programme et l’implantation originale, les matériaux utilisés prennent à leur tour une signification particulière : béton strié de rainures qui rappellent l’écorce des grands arbres tropicaux, travertin qui simule le mouvement des vagues sur du sable grisé et récurrence de bois bruts, l’architecture rend hommage, ici, à la Nature. Résidence par Izquierdo Lehmann, Rupanco, Chili

Dissimuler et protéger, enterrer pour mieux respecter et révéler ce qui entoure, tels sont les préceptes chers à l’agence chilienne Izquierdo

Lehman, chef de file et de pensée de l’architecture chilienne contemporaine. Érigée au plus proche du sol, dans la région sud du Chili, là où les lacs piquent le paysage de trous argentés, la résidence familiale est imperceptible à distance si ce n’est pour cette cheminée grisonnante qui, droite comme un I, vend la mèche. Creusé dans le sol côté terre, pour mieux libérer la vue côté lac, l’ensemble est à la fois introverti et extraverti, contemplatif et retenu. Contemporain dans la forme, il fait néanmoins appel, dans le fond, à des archétypes sans âge, à des préceptes millénaires qui sous-tendent les œuvres les plus accomplies : une empreinte au sol minimale, une linéarité exemplaire, un respect du site relayé par un recours à des matériaux locaux. Pas d’effets de manche ni de recours à un béton écrasant, mais du gazon, des murs en pierres sèches, des essences de bois locales et un plan au sol qui offre une place égale à tous les habitants. Une architecture au service du paysage et de la vie qui s’écrit autour.

74-75 tl.mag #15 Nouveaux territoires–amérique du sud

Après de tristes années de récession et de protectionnisme, le Brésil jouit aujourd’hui d’un renouveau dans la création contemporaine. Une nouvelle génération de jeunes designers et de marques métamorphose la scène locale. À Rio de Janeiro, un puissant mouvement est en marche. Indio nous raconte cette histoire.

rio + design TExTE DE GUTO INDIO DA COSTA

1. Chaise ‘Poltrona Trez’, Doïz Design par le studio Zanini de Zanini, 2010

2. Chaise ‘Temes’, Leonardo Lattavo & Pedro Moog, Lattoog, 2009 3. Canapé ‘Knot’, Leonardo Lattavo & Pedro Moog, Lattoog, 1999-2001

une promesse de bonheur

promotion et le développement du design. L’objectif du conseil n’a pas seulement été de promouvoir le design auprès des entreprises et industries locales – et ainsi de souligner la valeur et la qualité des produits – mais aussi de porter la ville au cœur de la création de services créatifs aux niveaux national et international.

Au début des années 1990, j’ai quitté le Brésil pour suivre mes études de design. À cette époque, l’économie brésilienne était au plus mal, bousculée par des plans de relève économique tentant de maîtriser l’inflation galopante. En outre, la plupart des biens de consommation en vente dans le pays étaient des productions nationales de marques locales protégées par des taxes à l'importation élevées et une monnaie faible, éloignant la concurrence internationale. Dès lors, les produits brésiliens étaient de moindre qualité et il était difficile de trouver du bon design hormis dans quelques secteurs, notamment le mobilier à l’instar de, pour ne citer que certaines des figures majeures de l’architecture : Sergio Rodrigues, Lina Bo Bardi, Niemeyer et Paulo Mendes da Rocha.

Terreau fertile du changement De retour cinq ans plus tard, le terrain était prêt. Une nouvelle monnaie avait vu le jour, le real, l’inflation était jugulée et le marché intérieur commençait à se confronter à la concurrence internationale des biens

importés, utilisés pour promouvoir la qualité supérieure brésilienne. Le développement des produits et le design industriel prenaient enfin une importance nouvelle et la production était florissante. La fièvre du design s’est emparée du public en vue des Jeux Olympiques de 2016 : de nouveaux plans d’urbanisation, des systèmes de transports publics naissants, des travaux et services en plein essor. Notons la construction en ce moment de quelques bâtiments majeurs : le musée Amanhã conçu par Santiago Calatrava, la Cité de la Musique par Christian de Portzamparc, le Museum of Image and Sound par Diller Scofidio + Renfro et le Rio Museum of Art (MAR) par Bernardes + Jacobsen.

Un nouvel élan de promotion Avec la chute du taux de criminalité suite au programme de pacification des favelas (UPP) à Rio, l’ambiance en ville s’en ressent et séduit le secteur créatif tout en encourageant les nouveaux talents à s’installer en zone urbaine. Il y a six ans, le gouverneur Sergio Cabral a mis en place un conseil d’état pour la

Rio, terre de design En novembre à Rio et en avril au salon du Meuble de Milan, Rio+Design fait partie de cette stratégie promotionnelle. Des créations de bijoux et des réalisations graphiques ont récemment été présentés à Milan, créations de plusieurs designers et collectifs : Antonio Bernardo, Angela Carvalho, Sergio Rodrigues, Oskar Metsavaht, Latoog, Mana Bernardes, Zanini, Gilson Martins, Marzio Fiorini, Rio21, Claudia Kayat, ou encore Em2. Parmi les innovations du moment, notons le dernier réfrigérateur développé par une équipe créative de Rio pour une marque internationale, des planches de surf et de skate faites de matériaux durables pour un éditeur local, des bijoux fabriqués à partir de caoutchouc, des chaises en bois, moulées ou métalliques, un plafonnier pensé par une créatrice de bijoux qui s’inspire de boucles d’oreilles, des horloges murales en bois, des vases roto-moulés et la liste est encore très longue... Tout cela pour vous dire que le Brésil possède tous les ingrédients nécessaires pour devenir la prochaine puissance dans le domaine du design. Le temps nous le dira.

76-77 tl.mag #15 nouveaux territoires–amérique du sud

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Save the date for the Biennale INTERIEUR 2012, the must-see design event this Autumn 300 selected international design brands Cultural programme & installations by Ross Lovegrove (UK) Greg Lynn (US) Troika (UK) Makkink & Bey (NL) Nendo (JP) David Bowen (US) Muller Van Severen (BE) Professional Days 22 â&#x20AC;&#x201C; 23 October

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more on b lo g

Sebastian Reymers Sebastian Reymers & Amanda Richards PEP – 2012 Nous avons été invité à produire des pièces de design pour les collections futures d’éditeurs italiens. Nous nous sommes rendus compte qu’un simple changement d’environnement pouvait tout signifier. La première chose qui nous a réellement enthousiasmé pour le design, c’était la lampe PEP. Elle est amusante, colorée et ne cherche pas à être reléguée dans un coin, vous avez envie de l’exposer, de la mettre en scène, mais nous sentions que nous devions nous rediriger vers le design, nous en avions besoin. PEP est flexible, absolument tout le monde peut l’utiliser et elle fait merveilleusement oﬃce de porte-manteaux.

Dinosaur Design Louise Olsen & Stephen Ormandy Collection Earth – 2012 Stephen : “Nous sentons qu’il existe quelque chose dans la nature de la formation des roches qui est étroitement lié avec le corps humain ; nous sommes faits de minéraux et nous évoluons nous aussi avec le temps. Ce changement similaire fut le point de départ de la collection Earth.” La palette de couleurs tire son inspiration des teintes naturelles des roches : le gris, l’ivoire et le marron richement rehaussés de métaux tels l’argent et le bronze. Louise : “Nous sousestimons grandement la qualité des images pittoresques, poétiques et gracieuses. Nous avons toujours aimé leur usage de la lumière naturelle et des nuances.”

www.sebastianreymers.com

www.dinosaurdesigns.com.au

Eggpicnic – Camila De Gregorio & Christopher Macaluso Amalia – 2012 © . C’est un projet qui traite un certain nombre d’aspects traditionnels dans lequel la modernité est souvent obscurcie. Pour réaliser ce projet, nous voulions que chaque élément du design intègre ceux qui font partie de notre héritage culturel. Ainsi, Amalia est fait d’osier, une fibre végétale originaire de Chimbarongo, au Chili. C’est un matériau durable et la production n’est faite que sur demande. Le tissage de la fibre lui donne forme, une technique singulière que les artisans de cette ville pratiquent avec une sagesse acquise au fil des années et dont les codes ne doivent être corrompus par les impératifs de la modernité. photo p remedy

www.eggpicnic.com

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Lhoas & Lhoas – Pierre & Pablo Lhoas Librairie Candide – 2010

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Le principal enjeu de ce projet était de ne pas dénaturer cette librairie à laquelle les habitants du quartier étaient très attachés. Il fallait faire évoluer l’espace vers quelque chose de plus fonctionnel et aéré sans trahir l’atmosphère du lieu. L’ensemble s’appréhende comme une somme d’interventions ponctuelles, l’espace a été décloisonné, une mezzanine relie l’étage et le rez-de-chaussée. Le volume de la librairie a été complètement dépouillé révélant l’intérêt de certains éléments anciens qui ont été conservés. De cette palette de prises de position naît un ensemble unitaire bien que contrasté, désordonné mais contrôlé, brut et soigné.

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www.lhoas-lhoas.com

Fox & Freeze – Tom De Vrieze & James Van Vossel

Kabo & Pydo – Katarzyna Borkowska & Tomasz Pydo

FF1 – 2011

Wrappie – 2011

FF1 est une chaise longue d’intérieur fabriquée à partir d’un mètre carré de feutre synthétique. Il n’y a quasiment pas de perte de matériau, il n’y a aucune structure de laine ou de bois ou de métal : la chaise est autoportante, son inclinaison souple contracte la chaise et constitue sa finition. La coque et la base sont connectées à l’ensemble. À partir d’une surface carrée, le carré est enroulé encore et encore, comme une écharpe, ce qui donne un objet à la fois symétrique et asymétrique. ‘C’est donc une pièce unique de feutre enroulé et suﬃsamment solide pour devenir une chaise ? Et bien, à vous de me le dire.’ (CORE 77, USA)

L’un des objectifs que nous nous étions fixés était de concevoir ce qui sert au mieux nos clients. C’est en lien étroit avec la personnalisation du produit. Donc, nous nous sommes demandés ce que vous pourriez attendre de plus d’une lampe, ce qui la rendrait davantage fonctionnelle. Nous voulions un usage privé et public. ‘Wrappie Lamp’, grâce à son long câble enroulé autour d’un tube en céramique peut s’allonger à volonté, câble associé à cette matière première noble qu’est la céramique. vous la posez où vous voulez, sur la table de cuisine, dans la salle à manger, la salle-de-bain, à côté du lit ; dans un café, la vitrine d’un magasin, etc.

www.foxandfreeze.com

www.kabo-pydo.com

GamFratesi En 2006, les architectes Stine Gam (Danoise) et Enrico Fratesi (Italien) créent GamFratesi studio. Ils remportent de nombreux prix et participent à des expositions à travers le monde.

84-85 tl.mag #15 duos design

new twins lauréats

Stine est diplômée de la School of Architecture d’Aarhus (DK) avec un Master en design mobilier. Elle a aussi étudié l’architecture à l’université de Ferrare (IT) et a exercé dans un bureau d’architecte de Turin et pour le studio Fumihiko Maki à Tokyo. Enrico a étudié l’architecture à l’université de Florence et à Ferrare où il fait la connaissance de Stine. Il obtient son diplôme de designer industriel, avec un passage en architecture à l’université KTH de Stockholm et en design mobilier à la School of Architecture d’Aarhus. Comme architecte et designer, il a démarré au sein du studio Arkitema, Aarhus.

Chaise Beetle – 2012 L’inspiration provient de l’anatomie et de l’esthétique du scarabée. GamFratesi réinterprète la carapace solide très caractéristique de l’insecte dans une chaise qui, à l’instar de l’insecte lui-même, possède une enveloppe, dure à l’extérieur et souple à l’intérieur. La capacité mobile est développée grâce à quatre pieds sur roulettes. Cette chaise

empilable et flexible convient à un usage informel, permet la mobilité autour de la table et une certaine flexibilité dans l’espace de travail. Produite par les Danish Art Workshops, elle reflète l’aspiration du duo à raconter des histoires, à créer des objets fonctionnels et confortables (prototype/ Mindcraft12 par Danish Crafts).

Rewrite – 2011 L’idée était au départ une étude du bureau et plus particulièrement de l’atmosphère que nous souhaiterions créer au cœur d’un monde technologique et hautement communicatif. Rewrite est pensé comme une sorte de bulle de travail isolante qui peut fonctionner comme un bureausatellite n’importe où et qui apporte concentration et protection – dans les bureaux open space, les lieux publics ou à la maison. www.gamfratesi.com www.danishcrafts.org www.ligneroset.com

Daphna Laurens – Daphna Isaacs & Laurens Manders

b lo g . t l m a g a z i n e . b e

more on b lo g

Collection ‘Cirkel’ – 2012

photo m. roeloFs

Les éléments de la collection “Cirkel” partagent un point commun : le cercle. Des dessins en 2D et les idées prennent forme en modifiant l’apparence fondamentale. Composer, couper et modifier la surface, ajouter ou ôter des lignes, choisir les matériaux et les couleurs, toutes ces actions se transmettent dans le design de la table basse et des lampes murales. L’inspiration est basique, ainsi que les formes et les lignes. Le Bauhaus est bien sûr l’une de nos sources d’inspiration, notamment László Moholy-Nagy pour les luminaires muraux. Nous voulions créer un éclairage qui en journée soit une pièce artistique et qui le soir venu soit une lampe.

www.daphnalaurens.nl www.galeriegosserez.com

Les M – Céline Merhand & Anaïs Morel Collerette / Casamania – 2012 Poétiques sans pour autant être dépourvus de fonctionnalité, les objets des M s’inspirent et revisitent les rituels du quotidien. En choisissant avec soin des matériaux à fort pouvoir haptique, qu’elles associent à des formes longuement pensées, elles donnent vie à des créations équilibrées, faciles à intégrer dans notre quotidien par leur modularité. Collerette est un pouf qui se transforme en siège avec couverture. En effet, le dossier de la chaise est en réalité une couverture enroulée qui, une fois ouverte, est utilisée pour s’emmitoufler en un geste chaud de détente. Il est disponible en deux tailles : une grande, pour deux personnes, et une simple.

www.lesm-designstudio.com www.casamania.it

Arash & Kelly Studio – Arash Kaynama & Kelly Sant Lord of the Flies – 2008 Une tapette à mouche pour survivre. Cet objet a été conçu pour C.U.L.T. (Centre de pensée et d’apprentissage universel du xIxe siècle) avec la complicité visuelle de Zoobs. Il fait partie d’une collection d’autres pièces rassemblées pour une exposition sur l’esprit de C.U.L.T. Nous avons réalisé 100 pièces en édition limitée grâce à une technique d’impression 3D. Les bénéfices des ventes sont réinvestis dans la création d’une coopérative de femmes marocaines qui fabriquent de l’huile d’argan 100% bio. Le but est de reverser l’argent au sein de la communauté pour la protection des forêts d’argan, la création d’emplois et la formation.

www.arashandkelly.com

poets tandems

A+A Cooren – Aki & Arnaud Cooren Kokeshi / vertigo Bird – 2012 Inspiré par les jouets en bois traditionnels du Japon, le duo a créé Kokeshi pour vertigo Bird, une lampe belle et délicate qui diffuse une confortable lumière. Présenté à l’occasion de Light+Building 2012 à Francfort, cet objet de décoration d’intérieur peut se placer à côté d’un lit, sur une table ou encore sur une commode. Le luminaire se compose d’une tête en demi-sphère en acrylique translucide qui brille d’une lumière douce – directe et indirecte – que diffuse toute sa surface et d’un pied en bois massif qui rappelle la chaleur de la touche humaine et attachante de ce jouet ancestral.

86-87 tl.mag #15 duos design

www.aplusacooren.com www.vertigo-bird.com

gregorysung Série “Pour Celain” & “Celain” Galerie Cristina Grajales – 2010/2011 Beauté, dilemme, exploration, équilibre. ‘Pour Celain’ incarne la beauté et la dualité entre l’art et le design, la forme et la fonction, le matériel impropre à l’application – ‘s’asseoir ou pas’ sur un meuble fragile. S’en suit une conversation : ‘Devrais-je m’asseoir ?’ comme la forme le suggère ‘Ou devrais-je simplement observer ? comme le matériaux le requiert.’ Des œuvres de céramistes coréens produites par des artisans italiens : jonction de deux mondes, matériaux symboliquement sécurisants et fonctions ultimes. gregorysung collabore entre autres avec Ligne Roset, Roche Bobois, Apple, Philips DePury and Guzzini & E-My.

www.gregorysung.com, www.cristinagrajalesinc.com

Pool House – Léa Padovani & Sébastien Kieffer Louxor – 2011

photo pool

Le duo discute, se confronte, et imagine des premiers objets qui reflètent leurs interrogations sur leur place de designer, celle du design et de l’objet dans l’environnement. Au-delà de l’évidence de l’objet, sa beauté ou sa fonction, ils recherchent la polysémie des œuvres et interpellent l’affectivité et le référent avec lesquels chacun regarde et comprend ce qui lui fait face. Ils donnent naissance à une lanterne domestique qui libère la lumière de ses éléments techniques pour la faire flotter. Le fluorescent devient ici un élément support, c’est véritablement le pilier de l’objet. ‘Louxor’ est un luminaire à poser au sol ou à suspendre.

www.poolhouse.eu

www.bouroullec.com www.mattiazzi.eu www.establishedandsons.com ÂŠ

p h o t o e s ta b l i s h e d

sons,

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studio bouroullec

Ronan & Erwan

Respectivement diplômés de l’École nationale supérieure des Arts décoratifs de Paris et de l’École nationale supérieure d’Arts de Cergy-Pontoise, Les frères Bouroullec s’associent en 1999 pour mener un travail au sein d’un dialogue permanent et d’une exigence commune vers plus de justesse et de délicatesse.

Bouroullec Ils dessinent aujourd’hui pour de nombreux industriels comme Vitra, Kvadrat, Magis, Kartell, Established and Sons, Ligne Roset, Axor, Alessi, Issey Miyake, Cappellini, Mattiazzi, Flos et Mutina. Parallèlement, ils mènent une activité de recherche, une respiration essentielle dans le développement de leur travail, au sein de la Galerie Kreo, dont ont émané quatre expositions personnelles entre 2001 et 2012. Ils ont par ailleurs fait l’objet d’une toute nouvelle monographie, Works, Phaidon Press, 2012. Deux expositions leur ont été consacrées en 2012 : les expositions monographie ‘Bivouac’ au Centre Pompidou Metz et ‘Album’ qui présente plusieurs centaines de dessins et croquis originaux au Vitra Design Museum à Weil-am-Rhein. Ils ont par ailleurs récemment imaginé une application iPad, appelée ‘Cercles’, présentant de manière très intuitive une collection de croquis de recherches et de dessins abstraits.

Osso – 2012 La famille Osso est composée de tabourets et de tables. Notre intention était que s’exprime la sensualité du matériau bois, résultat d’un polissage intense grâce à l’utilisation d’un système digital très sophistiqué finalisé par un travail à la main. Dans la collection Osso, vous trouverez trois tables standard (ronde, carrée et rectangulaire), deux tables basses et quatre tabourets – en érable, frêne ou chêne, teinté ou non. Folio – 2011 L’évolution de Folio est la progression naturelle d’une nouvelle typologie de mobilier de rangement modulable, par l’introduction de bandes de textile formant un mur. Nous voulions reproduire une tapisserie jacquard sur base des esquisses originales que nous avons scannées, agrandies et transformées pour créer une irrégularité en dialogue avec le motif inhabituel et sensuel de la fibre textile.

88-89 tl.mag #15 duos design

poets tandems lauréats

D’Alesio & Santoro – Carlo D’Alesio & Piero Santoro Tera  3M / AMD – 2011

photo c. maggioli carlo

Spécialistes des solutions luminaires, le duo explore à l’infini les possibilités des nouvelles technologies, pour le particulier et le professionnel. La forme triangulaire de chaque module rend possible la création des configurations tridimensionnelles luminaires. Tera possède un système Dynamic White SSL capable de changer la température lumineuse en fonction des besoins. Chaque module peut être géré de façon autonome ou dans son ensemble. Il est mis au point en collaboration avec Design Group Italia et Huub Ubbens et a été exposé pour la première fois à la Triennale de Milan pendant le Salone del Mobile – Euroluce 2011.

www.dalesioesantoro.it

Arotin & Serghei Alexander von Arotin & Serghei Victor Dubin Whitescreen – 2011/2012 écho du carré noir de Malevitch, ‘White Screen’ montre l’absolu de la couleur blanche en tant que fiction. Quand toutes les cellules rouges, bleues et vertes qui forment les pixels d’un écran LCD s’allument, nous percevons dans notre cerveau une couleur blanche. Mais cette couleur blanche se crée uniquement dans notre esprit telle la somme de toutes les informations. Le projet ‘White Screen’ a été inventé pour le Kraftwerk Berlin, ex-centrale énergétique, et l’un des plus grands espaces intérieurs, qui se transforme en centre d’art contemporain. La Galerie Flore à Bruxelles prolonge un focus sur leur travail jusqu’au 13 octobre 2012. [image : Composition 6]

www.galerieﬂore.com, www.arotin-art.com

b lo g . t l m a g a z i n e . b e b lo g

Plastic Ceramics tabletop – 2012 Mise au point au cours de la dynastie chinoise des Song, la porcelaine coquille d’œuf est une technique unique qui produit une céramique remarquablement fine et légère. Sur ces pièces, les motifs apparaissent, traversés par la lumière. HAN Gallery a demandé au designer Pili Wu de réaliser, avec la complicité du maître artisan céramiste Tsun-jen Lee, un service en porcelaine coquille d’œuf. ‘Plastic Ceramics’ apporte non seulement une touche traditionnelle mais intègre également le mode vie élégant d’une Chine contemporaine tout en redonnant vie à des ensembles raﬃnés et légers qui conviennent aujourd’hui tant à l’Orient qu’à l’Occident.

tl more on

HAN Gallery – Pili Wu & Tsun-jen Lee

www.han-gallery.com, www.piliwu-design.com

established partners Studio Job – Job Smeets & Nynke Tynagel Car – 2011

photo st udio job

De façon consciente et précautionneuse, nous nous positionnons dans les arts décoratifs du xxIe siècle. Est-ce du design ? Peu importe. Est-ce de l’art ? Ce style se place au sein d’un cadre énigmatique et intellectuel par le nombre et la complexité des symboles et sens qu’il transmet. Cher CAR, Il n’est pas facile de créer quelque chose pour quelqu’un qui possède tout et peut tout faire. Nous avons pensé à quelque chose que vous pourriez fabriquer de vos mains. Je veux dire, que tout commence avec vos mains. Et ce doit être ‘petit’... pour faire la différence ! En fin de compte, c’est devenu une sculpture de cuivre : le petit portrait d’une voiture.

www.studiojob.be

Bartoli Design – Carlo, Paolo & Anna Bartoli Still / Bonaldo – 2012 Fin 2011, nous débutions un brainstorming et proposions à Bonaldo un nouveau système de table bien plus ‘matérielle’ que les précédentes, un produit qui possède une charge émotionnelle. Nous avons tenté de créer une ambiance autour de la table : le plaisir avec une touche de naturel. Exit le verre, l’aluminium et l’acier, nous voulions des matériaux ‘irréguliers’. Concevoir une forme forte, simple et conique pour les pieds de table, nous souhaitions que le matériau anime la forme. Nous avons opté pour le béton, de couleur argenté, avec cette touche sombre et irrégulière que nous désirions et un bois dur pour le plateau.

www.bartolidesign.it , www.bonaldo.it

Humbert & Poyet – Emil Humbert & Christophe Poyet Avenue 31 – 2008 La spécificité de notre duo provient de nos formations distinctes mais complémentaires. L’un étant architecte DPLG et l’autre architecte d’intérieur, cette double approche nous permet de penser un espace dans son ensemble, de le recomposer entièrement selon nos exigences architecturales mutuelles. Pour l’Avenue 31, le sushi bar branché de l’avenue Princesse Grâce (Monaco), la mise en commun de nos savoir-faire s’est traduite par la suppression partielle d’un plancher, permettant de gagner une double hauteur et d’y créer un luminaire de cuivre vertigineux. La décoration ne vient plus s’appliquer sur l’architecture, elle s’y associe totalement.

www.humbertpoyet.com

photo b. heller

Studio

Caroline Ziegler est diplômée de l’École supérieure d’Art et de Design de Reims. Pierre Brichet obtient lui un diplôme d’ingénieur mécanique de l’Université Technologique de Belfort Montbéliard puis celui de l’École nationale supérieure des Arts décoratifs.

BrichetZiegler Après avoir développé leurs projets personnels en marge de leurs activités en agence, ils s’associent en 2010 pour créer le Studio BrichetZiegler. L’échange et la discussion sont au centre de leurs recherches. En parallèle du collectif Diito, ils créent un espace de réflexion ouvert qui permet d’aborder les projets avec une ambition et une poétique renouvelées. En 2010, Bow, Nello et Marie-Sophie sont édités en série limitée par la galerie Coming Soon. Ils sont lauréats des aides à projets VIA 2012 pour leur canapé ‘Couette’ (2012, Paris et Milan). Ils collaborent avec l’éditeur de mobilier Oxyo depuis 2011 sur plusieurs collections.

Jersey – 2012 Les luminaires que crée Diana Brennan révèlent leurs fils de cuivre émaillés lorsqu’ils sont éclairés. Ils sont faits à partir de ces étoffes changeantes et construits comme des vêtements autour d’une source lumineuse. Nous les avons travaillé de différentes manières

pour mettre en valeur la richesse de ce matériau inédit et poétique. Trois typologies (lampe suspendue, lampe à poser et lampe étagère) soulignent les recherches de Diana sur la tension, la maille et ses métamorphoses, les reflets de la matière. Elle a apporté son savoir-faire et ses recherches. À nous la mise en forme de la matière et la fonction des objets. Notre rencontre a été l’occasion de faire de sa matière un objet d’usage, tout en conservant sa dimension poétique et sa sensibilité.

Week-end – 2012 La collection de mobilier outdoor comprend une chaise, un bridge, un fauteuil bas, un banc, une table bistrot, une grande table, une table basse et un bain de soleil. Pensée pour une utilisation pratique, tout est empilable. Les lattes, travaillées alternativement à l’horizontale et à la verticale comme des rayures, soulignent les pleins et les vides, affirmant l’identité de la collection.

92-93 tl.mag #15 duos design

established partners lauréats

tl b lo g . t l m a g a z i n e . b e

more on b lo g

Sismo Designers Antoine Fenoglio & Frédéric Lecourt Badoit – 2012

PearsonLloyd Luke Pearson & Tom Lloyd PLC – 2010 Le partenariat est un art obscur. La collaboration et le compromis sont essentiels dans chaque acte. C’est aussi un rassemblement des différences : environnements, pensées, instincts, forces et faiblesse. Avec le temps, la communication devient quasi télépathique. PearsonLloyd travaille sur les typologies. Ce peut être formel, esthétique ou stratégique. Les projets ont besoin de leaders et deux personnes ne peuvent pas orchestrer en même temps. Il y a aussi des thématiques établies qui sont aﬃnées au fil du temps et se sont une permanence dans le travail : l’intelligence, la beauté, la surprise, le rationalisme et la collaboration.

www.pearsonlloyd.com

photo les sismo

Badoit nous a sollicité pour réfléchir à une série de verres exprimant les valeurs de la marque. Dans la réflexion créative avec une marque, une fonction, un usage, un matériau…, nous essayons toujours de retrouver la même complicité que celle que nous avons l’un avec l’autre, faite de décalage, de liberté, d’humour et d’une grande confiance. Il fallait un peu de tout cela pour créer une complicité entre un verre et de l’eau gazeuse ! Ainsi le verre que nous avons dessiné est une petite prouesse de réalisation semi-industrielle puisque nous avons réussi à insérer une bille en verre… dans le verre, pour jouer avec les fines bulles de l’eau.

www.sismodesign.com, www.badoit.fr

Studio Ymer & Malta Valérie Maltaverne & Rémy Le Fur cristalCane – 2012 Elle, Malta, est une bombe d’énergie communicative qui croque la vie sur le mode passion ; lui, Ymer, est l’amateur d’art, son associé dans l’aventure. Deux univers, le cinéma et l’art. Le studio met en avant les talents du design et produit avec eux, en éditions limitées, des meubles et objets à la pointe de la création actuelle. Depuis trois ans, ils éditent en mode confidentiel et progressif des pièces de mobilier et objets signés d’une poignée de talents émergents et de designers formés à l’industrie reconnus déjà comme valeurs sûres : Cédric Ragot, Normal Studio, Benjamin Graindorge, Sébastian Bergne, Sylvain Rieu-Piquet et A+A Cooren.

www.ymeretmalta.com

double icons Cunnington & Sanderson Matthew Cunnington & John Sanderson Collection Prêt-à-porter Amygdala Automne/Hiver – 2012/2013 © .

Raw Edges – Yael Mer & Shay Alkalay Selvedge / Kvadrat – 2012 Souligner la qualité d’un tissu signifie le déconstruire. “Le piège c’est qu’il est beau tel quel”, déclare Yael. “Il fallait simplement en révéler les qualités.” À l’instar de tout leur travail, le processus fut l’expérimentation. Ce lé toujours caché du tissu brut inspire le nom même du projet, en anglais. Le tissage croisé permet au duo d’eﬃler et de libérer les fils du tissu, créant un effet de manche creuse. Puis ils ont placé sur le dessus deux couches de différente couleur et les ont recousues avec du fil plastique transparent. Un bord coloré se fait jour, rappelant la lisière que l’on trouve sur l’ourlet des lés.

www.cunningtonandsanderson.com

www.raw-edges.com , www.kvadrat.dk

Wanted Design NYC Claire Pijoulat & Odile Hainaut New York / 2e édition – 2012

photo Wanted design

La deuxième édition de Wanted Design a été un franc succès pendant les trois jours à Manhattan. Les exposants, les participants aux programmes et les visiteurs étaient enthousiastes. “Avec autant de rendez-vous design sur la scène internationale – de Londres à Milan en passant par Stockholm – il était important pour nous de créer un événement unique à New York, tout en restant pertinent pour un public mondial averti.” Nous avons pu repousser les limites du design et penser au-delà d’un salon traditionnel. L’atmosphère qui y régnait a encouragé les visiteurs à prendre part aux installations et à interagir de façon raisonnée.”

http ://2012.wanteddesignnyc.com

Bruno Fattorini & Partners Bruno Fattorini & Robin Rizzini Collection Marina / Extremis – 2012 Le but avec la collection Marina était de créer un produit capable de rencontrer la philosophie d’Extremis qui valorise fortement la fonctionnalité et l’assemblage. “Outils d’assemblage’ voilà notre devise, en somme, réunir les gens est un peu notre leitmotiv. Nous avons donc opté pour une table de pique-nique dans sa plus simple expression, fabriquée en fibre de verre. Ainsi, l’on peut créer des tables presque infinies et en théorie, Marina peut l’être. Ce design particulier et les matériaux innovants permettent d’exprimer cet outil de réunion : un groupe de personnes réunies pour un pique-nique en toute simplicité.

www.brunofattoriniandpartners.com, www.extremis.be

94-95 tl.mag #15 duos design

photo s Fuji

En décembre 2011, nous avons eu le plaisir de remporter le prestigieux visionary Award On|Off - Land Rover et avons bénéficié d’un large éventail de soutiens pour présenter Amygdala. En tant que styliste, il faut savoir assumer de nombreux rôles. Les décisions cruciales doivent être prises rapidement et avec justesse en tenant compte de différents paramètres (design, marketing, production, etc.). Grâce à cette collaboration, certaines pressions et demandes ont laissé la place à davantage de possibilités créatives. Ainsi nous avons pu atteindre nos objectifs. Nous avons été exposés au 27e festival de mode et de photographie à Hyères, France.

double icons lauréats

Humberto & Fernando Campana Les deux frères brésiliens ont un parcours différent et complémentaire. Humberto possède un Master en droit de l’université de São Paulo, et Fernando un Master en architecture de la São Paulo School of Arts.

96-97 tl.mag #15 duos design

photo j. bisp o

yes! hotel

[portr ait]

Le premier a enseigné le design industriel à la FAAP (Fundação Armando Àlvares Penteado). Ensuite, il s’est engagé dans l’enseignement au Musée brésilien de la Sculpture – MUBE (Museu Brasileiro de Escultura) toujours à São Paulo. Fernando a participé quant à lui à la mise en place et à l’assistance des visiteurs pour la XVIIe Biennale internationale des arts de São Paulo. Tout comme son frère, il a été professeur en design industriel au FAAP puis au MUBE.

traditionnels. Le premier rend hommage à Karagiozis, un personnage central espiègle du théâtre d’ombres : des personnages dorés de contes ornent les murs. Le second parle du ‘mauvais œil’ – une perle de sortilège qui repousse le mauvais sort : des yeux de verre soufflés main qui rayonnent, tout à fait saisissants. Enfin, le troisième thème fait usage de collages sur les murs de cartes postales historiques pour offrir un aperçu de l’antique Athènes dans un style moderne revisité.

Hotel Yes ! – 2011 Humberto et Fernando Campana sont cette année-là en charge du design de l’hôtel de luxe Yes ! avec 20 diplômés locaux en architecture de l’université de Thessaly. En accord avec l’amour du duo pour la restauration, le recyclage et le partage, l’équipe a créé des chaises inattendues et stylisées, des assiettes et des lampes de travail façonnées à la main. Collaborant avec les étudiants pour acquérir la vision locale, les Campana se sont concentrés sur trois thèmes grecs

Amanita – 2012 Le duo a créé Amanita pour Alessi, une lampe de table qui porte le nom du célèbre champignon. Un tissu unique forme l’enveloppe en une colonne qui s’harmonise à l’ensemble. La lumière étouffée rayonne à travers le textile créant une douce atmosphère. Amanita est une fois de plus à l’image du défi de créer un objet unique, où l’attrait à la fois fonctionnel et poétique transposé par Alessi rehausse le charme du savoir-faire.

MONA

l’art du bout du monde

Nouvelles frontières : le Museum of Old and New Art (musée des Arts anciens et nouveaux) en Tasmanie n’est rien s’il n’est pas controversé. Olivier Varenne, commissaire de la section art contemporain au MONA nous parle du “bunker à l’autre bout du monde”. TExTE DE KATHRYN SMITH

www.mona.net.au 1. vue extérieure du MONA, Hobart, Tasmanie [Australie]

mona

/photo l.

carmichael

photo l carmich ael

Peut-être davantage que toute autre pièce dans ce musée, le “Cloaca” de Wim Delvoye révèle la motivation de David Walsh, fondateur du lieu. S’ouvrant sur un plancher immaculé le “Cloaca” laisse place à la réalité brute et se confronte à la sensibilité établie. Intrigue et dégoût au cœur du MONA. À mi-chemin entre un pharaon du XXIe siècle et Le Clézio, Walsh est un iconoclaste timide. Il comprend qu’en attaquant les conventions établies, tant les individus que la culture peuvent se redéfinir. À l’instar de Socrate avec un iPhone, il stimule et mène autrui à la déduction par l’autocritique. Et tout comme Socrate, accusé d’hérésie et de corruption de la jeunesse, l’on imagine aisément que David Walsh se délecte de cet héritage par-delà la tombe dans le cimetière qui fait partie du site.

peuvent séjourner. Ce qui est moins évident, c’est le musée lui-même, dessiné par l’architecte Nonda Katsalidis (Melbourne). Il a excavé 35 000 m 3 de grès pour créer un labyrinthe sous-terrain. Le visiteur navigue à travers le lieu guidé par un programme iPhone sur lequel il peut enregistrer ses impressions et réactions. Ce système permet une participation et une collaboration uniques entre les visiteurs et les commissaires d'exposition. En comprenant les réponses aux travaux individuels ainsi que l’interaction avec les pièces présentées dans la collection, les installations peuvent être calibrées pour tracer le chemin à travers la collection. Si de prime abord cela peut sembler un outil de manipulation ou de pouvoir, l’observation permet de nourrir les futures expositions du musée.

Mélodie artistique en sous-sol

Walsh-varenne, le tandem infernal

Le MONA est né d’une grande ambition. D’où que débute le voyage, la destination n’est pas loin de la fin du monde. Le dernier port d’attache pour les explorateurs en partance vers l’Antarctique était Hobart en Tasmanie. De là, les visiteurs doivent encore voyager par bateau ou hydravion pour atteindre la dernière frontière qu’est le musée. Le domaine de 6 acres est un monde à part entière, avec ses chais, sa brasserie, son restaurant, sa bibliothèque et ses pavillons dans lesquels les visiteurs

Avec l’humilité en rupture de l’égo, Walsh reconnait le besoin de collaborer afin d’amener sa collection privée à l’échelle et au niveau de diversité aujourd’hui représenté au MONA. Au départ, une collection qui se concentre principalement sur l’art ancien et les antiquités, le musée accueille aujourd’hui plus de 800 œuvres contemporaines acquises sous la supervision et le conseil du commissaire en chef de l’art international, Olivier Varenne. Avec un bagage dans la finance, des affaires avec la Pace Gallery

98-99 tl.mag #15 nouveaux territoires–australie

3. Sans titre #8, crayon sur papier, Yannick Demmerle [°1969, Sarreguemines, France; vit et travaille en Tasmanie] / Courtesy MONA © mona

4. ‘The Life of C.B.’, 9 écrans vidéo montés en 3 rangées, haut : vidéo en couleur, plan séquence de sa vie en studio / centre : plan séquence décalé de 9 heures / bas : film monté des trois caméras, Christian Boltanski [°1944, Paris où il vit et travaille], . 2010-en cours © / mona

photo b boardm an

à New York et la galerie Gagosian à Londres, ainsi qu’une immersion depuis l’enfance dans l’esthétique et le monde des collectionneurs, la détermination de Varenne à classer son propre parcours avec une solide perception a saisi l’imagination de Walsh. La longévité de leur relation en dit long sur ces deux hommes et les place parmi les partenariats les plus importants et significatifs de l’art contemporain du XXIe siècle. Lorsque Walsh a publiquement annoncé “être commissaire d’exposition, c’est de la merde”, il a déclaré ouverte la saison enchâssée dans les traditions et les conventions. Redéfinir les frontières du commissariat muséal

Walsh a les idées larges et la tentation aurait pu être de prendre refuge dans la sécurité de l’outrageant et du choquant. Toutefois, l’agenda de Varenne est clairement plus complexe et subtil. Il décrit les premiers pas ensemble par l’acquisition de plusieurs pièces d’artistes contemporains peu connus, mais à partir de là, la sélection s’est recentrée sur des travaux et commissions moins nombreux et plus spécifiques au site. L’un des principaux atouts du MONA est l’occasion qu’il offre aux artistes de créer ce qu’il veulent pour et dans un espace : d’un lieu d’accueil pour les œuvres d’art il est devenu organique avec des œuvres qui revigorent et animent son évolution. Parmi les pièces sur commandes spéciales, citons “The Life of CB” dans laquelle Christian Boltanski transmet le ressenti d’une journée de 24 heures au reste

m o n a / p h o t o r . c h a u v i n

de sa vie à travers une caméra vidéo installée dans son studio près de Paris ; le “Engpass” de Roman Signer et le drame poétique “Six Easy Pieces” de Reynold Reynold. Le spectacle “Artifact” de Greg Barsamian montre la tête d’un ancien colosse allongé sur le flanc, l’intérieur révèle un spectacle fascinant. Wim Delvoye a dirigé la création d’une chapelle pour le musée, et des couples peuvent s’y marier dans la lumière de vitraux gothiques illustrés d’images aux rayons X d’excréments, de couples copulant et de rats. Ce travail s’ajoutera à celui déjà commandé pour le Conrad Shawcross l’année prochaine. Le fait que ces artistes aient trouvé un terrain d’entente avec Varenne et Walsh atteste du succès évident de la programmation et de la direction du musée. Si le MONA n’avait qu’un seul objectif, peut-être serait-ce l’investigation des frontières : personnelles, culturelles, morales, philosophiques, spatiales et intellectuelles. Littéralement sorti du sol, il a reconstruit le concept de “musée” et redéfini une culture contemporaine de collectionneur, commissaire, exposant et artiste. Que ce soit une longue vie ou une expérience courte et explosive que Walsh imagine pour le MONA, il nous demande de le rejoindre pour une balade sur les montagnes russes d’une vie où nous pourrions descendre en pleine course avec les jambes qui tremblent et le cœur battant. C’est un choix qu’il nous laisse : nous retirer dans une sécurité confortable ou affronter l’absurde, le ridicule, et la tragique réjouissance qu’est “la vie”.

Creative textile & surface design show

I NEW YORK I BRUSSELS I PARIS I PARIS I FASHION EDITION, Metropolitan Pavilion I HOME EDITION, Brussels Expo I FASHION EDITION, Paris Nord Villepinte I HOME EDITION I 31 July - 1 August 2012 I 19-21 September 2012* I 11-13 September 2012 I January 2013 *NOTE CHANGE IN DAYS: Wednesday 19 - Friday 21 Sept. 2012

indigo-salon.com

desıgn dessus

designers des antipodes Découvrez trois designers qui illustrent brillamment ce qu’est le design australien actuel : dynamique et innovant innovant. Leurs travaux, qui figurent parmi les meilleurs du pays, sont le fruit de leur créativité innée et de l’inﬂuence de leur environnement personnel. personnel . Portraits. Portraits.

TExTE DE ELANA CASTLE

En termes géographiques, l’Australie est à mille lieux des centres européen et américain du design. Alors que cette distance n’a pas empêché nombre de designers australiens de marquer la scène internationale, elle a éludé leur présence sur le continent et sa scène design. Le trio choisi va vous donner envie d’en voir plus.

Volker Haug Même si la presse internationale se jette à corps perdu sur les luminaires, peu en réalité sortent du lot. Basé à Melbourne, Volkor Haug utilise des objets du quotidien pour créer de magnifiques pièces fonctionnelles. Novice en affaires, il décide malgré tout de s’installer suite à une expérience de vie décisive. “Ce fut le moment où j’ai décidé de passer de l’expérimentation à la fabrication et la vente”, explique Haug. Ces premières créations ne laissent pas indifférent, elles regorgent d’inventivité avec des matériaux bon marché, inhabituels et délaissés. Vous ne risquez pas de croiser Haug dans les boutiques standard, car il est probablement en quête de matériaux dans des supermarchés et des plaines abandonnées. “Je suis toujours à la recherche d’objets dans mon environnement immédiat, notamment des choses qui ne s’assemblent pas”, précise-t-il. Pour “Antler” qui remporte tous les succès, Haug a employé

de simples adaptateurs en plastique. “En jouant avec les formes et les connections, je suis parvenu à créer une série de chandeliers”, ajoute-t-il. Et il a fait mouche. Depuis lors, le portfolio de Haug n’a de cesse de s’étoffer. Il vient de dévoiler une tout nouvelle collection – “Fire Trees” – de sculpturaux chandeliers en métal plié. Telle est la signature de Haug : la transformation de matériaux bas de gamme en produits fonctionnels, une réussite au reflet de sa petite touche d’originalité.

Henry Wilson Alors qu’Henry Wilson obtient son diplôme de l’Australian University de Canberra, une nouvelle vie s’offre à lui. Doté d’une parfaite maîtrise du travail du bois et d’une forte approche conceptuelle, Wilson devait choisir entre une carrière dans le mobilier ou dans le design. Heureusement pour le monde du design, c’est lui qu’il a choisi. Sa connaissance du métier est exemplaire, le trait caractéristique de son travail sont les pensées qui alimentent son œuvre. Sa réinterprétation unique du classique qu’est la chaise Wassily était sa réponse à la pléthore des copies d’icônes, dont beaucoup ont saturé le marché australien. Ses recherches sur la thématique se sont élargies alors qu’il souhaitait une réponse à l’abandon progressif des lampes à incandescence. “J’ai observé la lampe “Anglepoise” – un trésor de design

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sans dessous 3.

www.volkerhaug.com www.broachedcommissions.com www.henrywilson.com.au www.trentjansen.com 1. Housse de la chaise ‘Tolix’, Henry Wilson, 2010 2. Lampe en céramique ‘Anglepoise’, Henry Wilson, 2011 3. Joint ‘A’, Henry Wilson 4. Luminaire de sol ‘Jewellery’, volker Studio 5. Luminaire ‘OMG!’, volker Studio 6.7. Tabouret ‘Sign 450’, Trent Jansen, 2007 ©

au pouvoir stable – et je me suis demandé quelle réponse elle pouvait apporter aux changements climatiques.” La solution de Wilson fut de mettre au point une version adaptée aux LED et de créer un modèle en céramique pour filtrer l’impact lourd des fluorescents compacts. Wilson est également impliqué dans l’initiative australienne Supercyclers qui promeut et développe un design durable. Son projet le plus récent est “A-joint”, un système de connexions multi-usages qui peut s’adapter à tous les matériaux standards. Cette année à Milan, l’équipe de Supercyclers les a utilisé pour construire les stands d’exposition à partir de rebus locaux. Son “joint A-3”, une version tripode pour les objets ronds, devrait bientôt voir le jour. Wilson travaille en ce moment sur un certain nombre de pièces, chacune symbolisant son désir de créer du sens et un design pérenne.

Trent Jansen Trent est un conteur d’histoires. Riche de la culture et de l’histoire de son pays, il opte pour une approche cérébrale et narrative de son travail. “Le design australien est souvent le fruit d’influences mondiales”, explique-t-il. “À l’inverse, ce continent unique est ma source d’inspiration”. Après un diplôme en design, il fait un stage avec Marcel Wanders,

ph oto a . k e rs h aW

un environnement où règne le concept et qui a façonné ses débuts de carrière. Cela a aussi débouché sur une collaboration à succès avec Moooi, éditeur de sa fameuse chaise “Pregnant’. Jansen aime à travailler avec ceux qui partagent sa vision. Il vient de co-créer Broached Commissions, une entreprise qui a initié un design sur mesure inspiré par différentes époques de l’histoire australienne. Sous cette bannière, Jansen a conçu le service à thé “Briggs Family” qui réunit sous un même design deux cultures et esthétiques opposées. C’est une édition limitée à trois exemplaires, le résultat immédiat d’une énorme quantité de temps requise pour la production. “J’ai aussi passé beaucoup de temps en amont”, ajoute-t-il. “Le processus est lent mais ce qui compte c’est avant tout l’histoire de l’objet.” Jensen est sensible au gâchis de notre société. Ses bancs et tabourets “Sign” sont des productions personnelles réalisées à partir de panneaux de signalisation usagés. Et bien que nombre de ses projets requièrent une bonne dose de travail, il ne souhaite pas exporter sa production. “Ils (mes projets) perdraient de leur pertinence s’ils étaient réalisés à l’étranger”, précise-t-il. “Mes créations sont destinées aux Australiens, pour les Australiens. Selon moi, c’est ici et maintenant qui compte.”

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Supports international development of designers from Belgium Showroom Belgium @ Paris Fashion Week (FR) 27 Sept. > 4 Oct. 2012 Expo – Belgian Design On Tour @ Reciprocity-Liège (BE) 5 > 28 Oct. 2012 www.designliege.be/reciprocity

Contact info@wbdm.be + 32 2 421 84 42 www.wbdm.be

From top left: 1. Filles à Papa SS 2012 | 2. Sylvain Willenz - Profile Chair, 2012 | 3. Calogero di Natale AW 2012-13 4. 51N4E, Chevalier Masson, Julie Vandenbroucke - Lichtbed, 2010 © Filip Dujardin | 5. Olivia Hainaut S/S 2012 | 6. Alain Gilles O’Sun - Nomade Portable Solar Lamp, 2012 | 7. Limited Edition - Looping, 2012 | 8. Conni Kaminski SS 2012 | 9. Objekten Matt collection, 2012 © Julien Renault | 10. Michaël Bihain - Diaphragm, 2011 | 11. Krizalidstudio - Linadura Recto-Verso, 2011

Les bureaux d’architectes australiens Chenchow Little et McBride Charles Ryan inventent des projets en apparence simples et lauréats de prix où l’observation prime. Tous deux ont aﬃné une attitude en quête de forme et qui donne du sens à l’espace avec de spectaculaires résultats.

TExTE DE FIONA SMITH DU TOIT

ARCHITECTURE

AUSTRALIA

photo j gollings

photo j. gollings

photo j gollings

MELBOURNE — SYDNEY McBride Charles Ryan

Une première génération de bureaux d’architecte à Melbourne, McBride Charles Ryan (MCR), s’est construite sur plus de deux décennies de partenariat créatif entre mari et femme - Rob McBride et Debbie-Lyn Ryan. MCR envisage la nature particulière de leurs bâtiments comme le résultat de leur approche sur chaque projet : “Nous n’abordons jamais un problème sans en connaître d’avance la solution. C’est toujours une conversation.” Particuliers dans la forme et l’expression, les bâtiments de MCR traduisent un optimisme intrinsèque. Cette qualité à part est le ciment de tous leurs projets bien plus que tout élément d’architecture. “Quand nous parvenons au point où les questions de logique et de sens pratique sont en accord avec la direction que nous avons pris, nous savons que nous sommes dans le juste et qu’il faut y aller !” En 2009, “y aller” a rencontré la faveur internationale quand ils sont rentrés avec le prix catégorie Habitat pour le projet Klein Bottle House (2008) au Festival International d'Architecture (WAF). La Klein Bottle House explore les surfaces mathématiques. MCR a appliqué cette idée de forme au design d’une maison de vacances en bord de mer. Pour Penleigh and Essendon Grammar School (PEGS) Junior Boys (2011), MCR “voulait un bâtiment de l’imagination”, au-delà des contraintes de

base. MCR a utilisé la silhouette de la Federation House comme motif. S’en suit un jeu avec les échelles, les surfaces, les sections et extrusions. Le bureau s’inspire de l’église Bagsvaerd de Jörn Utzon, créant des espaces qui stimulent les jeunes esprits. Le Yardmaster (2009) est un bâtiment public dans les environs du Spencer Street Rail (Melbourne). De l’intérieur, il est pragmatique et difficile à appréhender. Entre les crayons de MCR, le boîtier fait la différence en termes d’identité et de détails pour le quartier. L’enveloppe incrustée a été modifiée en fonction des restrictions du projet autant que du désir d’injecter de la joie. Ce fut un exercice très technique dicté par les prérogatives de résultat, les conditions du site et l’accès limité pour la construction – deux heures par nuit. Il y avait une tolérance minimale pour les ajustements sur place. Et au milieu de ces contraintes, MCR a étendu le potentiel de fabrication et a créé un immeuble double peau sur une base de béton avec un motif poli de carrelage qui forme l’enveloppe extérieure : une “boîte à bijoux dans un tas d’ordures.” À ce jour, leur projet le plus conséquent est le nouveau Victorian Comprehensive Cancer Centre (vers 2015), en construction à Melbourne. Ce centre mondial du cancer à $1 milliard est conçu par Design Inc, Silver Thomas Hanley en partenariat avec McBride Charles Ryan.

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Chenchow Little

Établi en 1994, voici un autre bureau jeune génération basé à Sydney, Chenchow Little (CcL) qui est le fruit du partenariat créatif entre Tony Chenchow et Stephanie Little. “Nous n’avons pas d’idéologie à mettre en avant et essayons de débuter chaque projet en étant libre de tout préjugé.” La forme est singulière et la ligne graphique héritée ; ils ont ce don de faire des découvertes. CcL trouve une forme architecturale là où d’autres rencontrent la frustration. La Pitched Roof House (2009) s’implante dans un quartier où les directives urbanistiques demandent un toit en pente ; un terme mais pas de définition. CcL s’est engouffré dans cette lacune et on proposé un langage contemporain pour le toit triangulaire. Au cours du travail partagé entre les esquisses et les maquettes en balsa pour faire évoluer la forme, des qualités spatiales inattendues et qualitatives sont survenues. La triangulation, portée sur les façades, simule un allongement des espaces le long des murs et des coins aplatis. Il règne un mouvement continu entre le vertical et l’horizontal, et l’intégration intelligente du toit à facettes avec le plan orthogonal au sol permet la cohérence de l’ensemble. Le parement en anthra-zinc couleur charbon contraste avec les feuilles de fibre de ciment “...qui jouent avec l’expérience du bâtiment et crée une continuité visuelle.” La Skylight House (2011) a permis au studio d’inverser les plans d’une

terrasse victorienne et d’ouvrir l’intérieur à la lumière et au volume. À nouveau, les résultats furent involontaires et “...riches d’expériences excitantes”. La longue section de la maison révèle les deux plans horizontaux qui guident le regard et à présent définissent le projet. Chacun des plans se plie et suit les lignes soit du sol, soit du plafond. Les lucarnes sont uniformisées à l’extérieur pour créer deux éléments forts et distincts que l’on peut voir de la rue, en oblique. La structure sculptée du toit renforce les ouvertures et accentue les formes fluides alors que la lumière descendante confine le plafond à un élément abstrait. Il y a plusieurs années, Chenchow visitait le Richards Medical Centre à l’Université de Pennsylvanie, conçu par Louis Kahn. Il a pu y observer son maniement subtil de la relation entre les fenêtres et les murs. Fort de cette expérience, Chenchow compris la dextérité de Kahn : finaliser les unités vitrées par rapport aux briques structurelles a complètement changé sa perception du bâtiment. Ce jugement subtil du détail s’inscrit aujourd’hui dans le portfolio de Chenchow Little. Il existe une honnêteté désarmante et un réel manque de prétention dans les conversations de McBride Charles Ryan et de Chenchow Little. Leurs bâtiments attestent du courage de leurs convictions. www.mcbridecharlesryan.com.au, www.chenchowlittle.com

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19–23 September — The Sorting Office 21–23 New Oxford Street London WC1A 1AP

The largest destination for design & culture Incorporating The Tramshed event / International brands / Live Flash Factories / Installations / Curated spaces / Pop-up eateries / Design stores / Temporary cinema / and more…

designjunction www.thedesignjunction.co.uk

1. Bush Tucker Seeds par Sandy Pitjara Hunter 2. Wilkinkarra par Warlimpirrnga Tjapaltjarri 3. Arlparra Country par Angeline Pwerle Ngala

TExTE DE EMILY BALLANTYNE-BRODIE, AvEC ANNABELLE ET BADEN HOLT

se reconnecter à la terre Se connecter au territoire crée un sentiment d’appartenance et donne du sens à notre vie quotidienne. L’identité locale et l’héritage des territoires sont des éléments clés pour apporter des solutions durables aux communautés. La définition d’“héritage” adoptée par la Territorialist School créée sur base des réflexions d’Alberto Magnaghi détermine chaque “territorio” selon un critère spécifique : les gens, l’environnement, le paysage, les traits urbains, la connaissance locale, la culture et l’artisanat. Cette définition est vitale pour s’attaquer aux problèmes de développement durable, je fais ici référence au mouvement italien Slow Food ou au projet australien Permaculture. Les Aborigènes me racontaient le lien spirituel intime qu’ils entretiennent avec leur terre. Les peuples s’organisent en communautés, leur vie prend constamment sens à travers l’héritage de leur environnement naturel. Ils m’ont incité à regarder la vie différemment et à observer avec attention les cycles et éléments naturels. Cette connexion est évidente dans leur production artistique qui était jadis une occupation quotidienne. Exposé à la Delmore Gallery, près d’Utopia, au Nord-Est d’Alice Springs, cet art est l’expression contemporaine du “altyerre” ou “Dreamtime” qui intègre le récit cérémonial, le paysage, la flore et la faune.

Ressentir les connexions Utopia m’a appris à me connecter à moi-même et au monde qui m’entoure de façon inattendue. Cette relation à la terre, l’observation et la participation sont véritablement l’essence de la culture aborigène. En regardant le soleil se lever et se coucher, j’étais capable, l’espace d’un instant, de respirer en harmonie avec les cultures antiques et permanentes. Je logeais chez Baden qui a grandi à Delmore Downs. Il m’explique : “Quand vous grandissez au cœur de l’Australie, vous ne pouvez que ressentir le lien qui existe entre les gens et la terre. Vous le sentez par le contact de vos pieds avec le sol, et c’est pour cela que les enfants

détestent porter des chaussures. La terre est capitale : s’asseoir par terre c’est comme si vous étiez assis sur votre source, votre “mère”, alors que les Occidentaux dénigrent cette attitude. Les traces sur le sol sont comme les marques abstraites d’un étranger. Pour les locaux, elles évoquent les souvenirs de celui qui les a laissés, ce qu’il faisait, quand et comment il était connecté à la saison et la vie environnante. Une vision à travers le temps. Aujourd’hui, quand ils marchent dans la ville, tout est vide. Le pays déplore cet état et si je m’autorise à y penser, je ne peux m’empêcher de ressentir la tristesse et la douleur m’envahir. La terre a besoin des gens qui la connaissent et lui rendent hommage. Il est primordial de respecter et de régénérer des systèmes naturels et spirituels. J’ai fait cette expérience : la terre et les esprits qui l’habitent ne peuvent se connecter à la source. Les peuples sont responsables et pendant longtemps, j’ai crû que la terre était venue les chercher pour en faire les messagers d’une énergie et d’une grâce spirituelle supérieure. La dernière fois que j’ai ressenti cela, la perte et le besoin de soigner une ville, je me suis demandé quelle serait la solution. Urban Permaculture fut la réponse, enseigner l’observation de la nature et créer des relations d’échange, développant ainsi des connections et donc finalement, soigner.” Les peuples indigènes possèdent la sagesse dont nous devons nous imprégner. La vie urbaine n’est qu’un état éphémère. Je pense que nous pourrions découvrir que même dans un paysage de béton et de technologie, nous pouvons créer des havres de paix pérennes et significatifs. Le Territoire est partout, un endroit de connexion spirituelle, culturelle et émotionnelle.

La Delmore Gallery : www.delmoregallery.com.au Le projet de Baden : www.aridpermaculture.com Le projet d’Emily : www.urbanreforestation.com

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En 2011, je me suis attardée dans le désert de l’Australie centrale, en rupture avec le pays victorien dans lequel j’ai grandi. En tant que designer de service durable, je m’attache à connecter les gens et le design à leur territoire et leur communauté.

Dans les cartons depuis longtemps, le collectif design australien Matilda a finalement été lancé lors du London Design Festival de septembre 2011. L'Australienne Jenni Carbins, fondatrice et Londonienne d'adoption, nous conﬁe ses secrets pour mieux comprendre sa démarche et nous dévoile ses objectifs. 2.

matilda TExTE DE GIOvANNA DUNMALL

“Tout a commencé quand j’ai vécu à Londres, pendant plusieurs années, et que j’ai remarqué l’absence totale du design australien, alors même que Sass & Bide était quasiment invisible dans le royaume de la mode”, raconte Jenni Carbins. Elle savait que sa terre natale, l’Australie, était riche en design, alors pourquoi en dehors du pays, nul ne semblait s’en apercevoir. “Soit les gens n’ont même pas conscience que le design australien existe, soit ils pensent que le pays se résume aux chapeaux Cork et aux didgeridoos.” Matilda fut créé pour changer cette perception. Promouvoir et diffuser Carbins commence par contacter la célèbre marque australienne Dinosaur Designs (vaisselle et bijoux

cf Duos p.82) – qui a des magasins partout en Australie, à New York et est distribuée en Amérique du Nord. Selon eux, cela se résume à deux choses : “Le prix ainsi que le simple fait que personne n’ait jamais assumé ce rôle de montrer le design australien au Royaume-Uni et ne l’ait tenu assez longtemps.” Carbins décide dès lors qu’elle serait cette personne et lance un projet pilote de recherche au cours du London Design Festival 2010. “Nous avons beaucoup appris – principalement sur notre manque de compétitivité en matière d’exportation.” Mais elle n'est pas de celles qui se découragent. Après tout, elle a l’énergie et l’optimisme qui caractérisent les Australiens ! Elle décide de prendre en charge le business, d’emmener les fabricants locaux

au top. Leur leitmotiv devient rapidement : Designed in Australia, made in Britain (conçu en Australie, fabriqué en Angleterre). “C’est l’histoire d’une production locale, ce qui est très bien perçu ici. Nous entretenons la fraîcheur du design australien, une nouveauté sur le marché qui permet les avantages compétitifs d’une entreprise locale – en terme de délai, de prix et une cohérence de fuseau horaire.” Carbins est toujours basée à Londres : la capitale britannique est celle de la créativité. “En réalité, nombre des grands designers londoniens n’ont pas de passeport britannique.” Berceau nourricier des talents australiens Aujourd’hui, Matilda produit 17 pièces de 10 designers au Royaume-Uni et n’en importe que deux

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designed in australia. made in britain.

www.matilda-design.com www.londondesignfestival.com www.clerkenwelldesignweek.com 1.

Suspension ‘Coco’, créée par Kate Stokes, 2011

Tabouret et table ‘Bandy’, créés par Jardan, 2012

Jenni Carbins

Tabouret de bar ‘Spun’, créé par LifeSpaceJourney, 2012

‘Chrysalis’, créé par Cindy-Lee Davies

d’Australie. En plus de promouvoir des designers australiens reconnus, Matilda perçoit son rôle comme celui de soutien aux jeunes talents émergents, à l’instar de Coco Flip – produits et design d’intérieur – dirigé par Kate Stokes (graphiste de formation) depuis Melbourne. Sa première production, la “Coco Pendant” – une suspension faite-main réalisé à partir de frêne et d’aluminium – remporte un succès fou grâce à son allure puissante et les formes simples d’un futur classique. Henry Wilson est un autre jeune designer australien prometteur : 24 ans, diplômé de Eindhoven et vivant à Sydney. Wilson réinterprète les formes classiques et sa magnifique housse en cuir pour la chaise “Tolix” et ses lampes “Anglepoise” sont des pièces de toute beauté. “Il a eu le courage d’être différent.” En 2010, Matilda présentait des pièces de Trent Jansen, encore un jeune talent du sixième continent, et produira la version de ses lampes “Nuptial Pendant” (deux abat-jour liés tels un couple s’embrassant) pour la prochaine édition du London Design Festival.

Terre d’inspiration Dès lors, qu’est-ce que l’Australie a de nouveau, de novateur et différent à offrir ? “Les designers australiens vivent dans un pays très étendu empli de lumière et d’espaces ouverts”, s’exclame Carbins. “Il y règne l’espoir et la liberté, doublé d’une attitude résolument positiviste.” L’Australie est riche de contradictions qu’elle perpétue, le pays est à la fois ancien et jeune, un lieu où la nature sauvage a tout autant de place que des villes sophistiquées. Ses distances, sa topographie et son isolement en font un lieu unique. “L’éloignement est un avantage qui autorise l’existence d’une nation hautement inventive et innovante”, nous assure Carbins. “Si vous ne pouvez le faire fabriquer, alors débrouillez-vous et faites-le vous-même. Les designers ne souffrent pas du poids de la tradition et de comment les choses ‘devraient’ être faites.” Moins d’un an que Matilda existe et pourtant nombreux sont ces designers qui contactent Carbins et son équipe, plutôt que l’inverse. Certains des produits sont stockés au Liberty à Londres et vendus en ligne, via par exemple mydeco.com. La suspen-

sion “Coco Flip” ornera bientôt les plafonds des flagship stores de DKNY et Esprit à Londres, ainsi qu’un nouvel hôtel à Dubaï. En dépit d’un tel succès, Carbins ne perd pas sa candeur et reste consciente de la masse de travail accompli et du nombre de défis relevés. “Avec du recul, personne d’autre ne se charge de promouvoir les marques australiennes de cette façon sur le territoire et ça compte”, affirme-t-elle. “Cela va encore prendre 10 à 20 ans pour que le public comprennent réellement ce qu’est le design australien et ce dont il est capable.” Carbins et ses quatre acolytes sont non seulement impliqués mais aussi volontaires. En juin, ils emménagent dans leur premier bureau, jusqu’à présent, croyez-le si vous le pouvez, ils travaillaient dans le minuscule appartement de Jenni. Ils viennent de lancer trois nouveaux produits (lors de la Clerkenwell Design Week) et cinq autres ont prévus pour septembre 2012 au London Design Festival. Ils espèrent être présents au Salone à Milan 2013. Matilda possède l’énergie, le style et la sagesse en matière de design de sa terre natale. Foi d’Australien, Matilda compte bien rester.

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24 – 28. 8. 2012

Time for business – time for trends Plus de 52.000 visiteurs professionnels internationaux, plus de 2.000 exposants venus du monde entier, des aires design innovatrices, des concours de renom dédiés à la créativité et des expositions spéciales qui boostent l’inspiration. Une plateforme unique en son genre destinée à toute la branche professionnelle des biens de consommation. Tendence – le salon incontournable du second semestre tout autour des thèmes de l’habitat et des cadeaux. tendence.messefrankfurt.com info@belgium.messefrankfurt.com Tél. +32 (0) 2 880 95 88

Votre intérieur ? Un monde dans lequel tout est possible. Alors, à vous de choisir, d’oser et de jouer avec Ambiance, la collection contemporaine de Levis. Avec elle, vous trouverez l’inspiration nécessaire pour faire de votre chez-vous un véritable espace de rêve. Colorez, osez, créez. Play.

TExTE DE FIONA SMITH DU TOIT

2. 1.2 Boutiques jumelles Aesop à Sydney

aesop 3. Packaging Aesop

Des journaux entassés, du carton ondulé, du bois coupé, du métal noirci, de l’aluminium perforé, des champs de ﬁls et du verre : ﬂorilège des matériaux que l’on trouve dans ces espaces singuliers conçus par, et pour, l’entreprise australienne de cosmétique et soins de la peau – Aesop.

— intérieurs soignés Au milieu de la boutique Aesop, sur Flinders Lane à Melbourne, j’ai entre les mains un pot de Parsley Seed Anti-Oxidant Eye Cream mais je pense au carton ondulé. Toute la décoration intérieure est faite de carton empilé. La texture et l’effet sont époustouflants ; l’acoustique est adoucie. Effet hypnotique inattendu. À l’inverse de nombreuses autres marques globales, Aesop a résisté à la tentation de dupliquer des boutiques design ou de combiner à l’infini un même modèle. Pour la marque, chaque nouvelle implantation offre l’occasion de s’engager. Étagères, rangements, et présentoirs font montre d’innovation tandis que le packaging distinctif d’Aesop permet une présence sans équivoque. C’est le cas des trois dernières boutiques en Australie qui explorent les matériaux, la lumière et l’emplacement. Les “twin stores” conçus par March Studio, s’implantent dans des centres commerciaux haut de gamme, à bonne distance du centre de Sydney. Pensées comme une unité, ces boutiques jumelles partagent naturellement un ADN créatif, même si elles se distinguent par leurs caractères et qualités. Aesop Pitt Street, la “jumelle” sombre, offre le repos et la protection du glamour et des paillettes alentours. L’intérieur est orné d’aluminium perforé, de verre et d’acier brut. Aesop Bondi Junction, la “jumelle” crème, est tout en lumière, ouverte et extravertie ; au départ, une construction d’acier

et de panneaux. Dans les deux entités, des étagères pivotantes en acier, emplies de produits, constituent l’avant du magasin, la porte d’entrée et les murs. Les boutiques disposent d’un écran LED qui maintient les “jumelles” en contact virtuel permanent via la capture vidéo et les projections. Par contre, le flagship store Aesop de Collins Street, à Melbourne, créé par Kerstin Thompson Architects, est à la fois subtile et assertif dans ses références d’implantation. Le métal noirci, le cuivre et le laiton, les plaques de métal perforé et le cuir ornent harmonieusement le mobilier et les éléments sur mesure. La façade existante en cuivre, un trésor de l’histoire retail de Melbourne, inspire l’utilisation de ce matériau pour les fixations. Une lanière de cuir forme une toile de fond théâtrale ; des tapis gris charbon terminent la tonalité confidentielle et gentilhomme du lieu. Vingt-cinq ans après ses débuts, Aesop est parvenu à créer une série d’intérieurs de boutique à travers le monde. Connu pour citer ses auteurs favoris, ces mots ont retenu mon attention : “I warn you, if you bore me, I shall take my revenge.” (J.R.R. Tolkien : “Je vous préviens, si je m'ennuie, gare à ma vengeance”). À Melbourne, le consultant Aesop finalise poliment mes achats. Aucune chance de s’ennuyer ici. www.aesop.com, www.marchstudio.com.au, www.kerstinthompson.com

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Dans un ouvrage à succès datant des années 1960 intitulé comprendre les médias, le théoricien canadien Marshall Mac Luhan affirmait déjà haut et fort que le médium est le message. TExTE ET SéLECTION DE YANNICK LE GUILLANTON

À un demi-siècle de distance, cette déclaration n’a jamais été aussi pertinente et s’applique à tous les secteurs de notre société numérique mondialisée. Dans le jeu de miroir qui fait évoluer l’art en regard de notre mode de vie, les terrains d’expérimentation sont nombreux. Découverte de pionniers en terra incognita. Une troisième Révolution industrielle C’est dans les années 1990 que quelques artistes précurseurs ont commencé à surfer sur la vague binaire des nouvelles technologies et ont fait entendre leur voix. Art numérique, arts médiatiques ou art digital, les subtilités demeurent quant aux acceptions et les néologismes fleurissent avec bonheur dans la langue de Shakespeare. Mais quels que soient les champs de création auxquels on s’intéresse, ces nouveaux outils sont partout. Ils ont hybridé le paysage de l’art contemporain, ils deviennent tout à la fois la fin et les moyens qui permettent d’accéder à l’œuvre. Pour l’économiste américain Jérémy Rifkin, notre ère médiatique dominée par le Net serait une troisième Révolution industrielle. La machine à vapeur a soutenu l’imprimerie, le moteur à explosion les télécommunications, l’internet devrait se nourrir des énergies renou-

velables. Les préoccupations des artistes sont donc logiquement environnementales. À l’heure de la dématérialisation généralisée, les créateurs semblent ne s’être jamais autant intéressé, en effet, à la place qu’occupe l’homme sur notre petite planète bleue. Dans le même temps, ils s’interrogent sur la toute puissance d’un réseau qui infiltre notre quotidien et éprouve les limites de nos libertés individuelles. Ces artistes s’emparent des nouvelles technologies de l’information et des télécommunications, souvent avec humour, pour éveiller nos consciences. Ils dénoncent ainsi le maillage du système économique, social ou politique qui s’établit insidieusement autour du culte d’un veau d’or qui confinerait les masses à l’asservissement. Street photography Le photographe Michael Wolf a consacré une partie de son travail aux indiscrétions que la multinationale Google arrache à notre quotidien, grâce aux drôles de véhicules qui sillonnent nos rues avec leurs caméras embarquées. Dans ses séries intitulées “street view”, il reprend des vues anodines extraites du site éponyme, et exploite à son tour l’hégémonie d’un Big Brother qui dérobe à notre insu un peu de notre intimité. Ici, Wolf nous propose des personnages floutés captés

Retour vers le futur Entrés en résistance, les artistes sont ainsi de plus en plus nombreux à s’interroger sur la confidentialité de nos échanges ou plus radicalement à revendiquer l’anonymat au même titre que “les anonymous’. Avec le “Dead Drops Project”, l’Allemand Aram Bartholl s’inspire ainsi des techniques d’espionnage qui ont fait les belles heures de la guerre

froide. Il invite chacun à insérer anonymement des clés USB dans la maçonnerie de nos murs pour partager des données en échappant au réseau. Le fameux échange de fichier peer-to-peer devient alors ironiquement un pierre-à-pierre. Ce projet s’appuie d’ailleurs sur un manifeste, consultable en ligne, où les activistes peuvent suivre par le menu la façon d’installer l’objet et retrouver dans le monde entier les lieux ou ils pourront librement arrimer leur ordinateur portable. Aussi paradoxal que cela puisse paraître, ces installations subversives high-tech entretiennent un lien étroit avec des époques bien plus reculées, comme le graffiti attesté il y a déjà plus de deux millénaires à Pompéi. Dans “Are you human ? ” Bartholl s’est inspiré des capchas, un système de sécurité qui, tout en vous faisant perdre un dixième à chaque œil, permet au logiciel d’authentifier que c’est bien un être humain et non un ordinateur qui se trouve derrière le clavier. Il mêle ainsi savamment dans l’espace urbain les reproductions de ces cryptogrammes barbares aux graphs qui ne sont souvent accessibles qu’à un public restreint. L’avènement de cette écriture inédite, sans tenant ni aboutissant, marque l’émergence d’une nouvelle civilisation et peut-être, avec un projet universitaire nommé Re-Capcha, le noble dessein de faire contribuer tout un chacun à la numérisation de bibliothèques entières en tapant ces quelques signes sur son clavier.

120-121 tl.mag #15 portfolio

dans leur quotidien : un baiser innocent, une fâcheuse dispute ou un braquage. L’image mal définie nous renvoie à l’esthétique brute de la vidéo surveillance. Comme les artistes de la street photography que sont Diane Arbus, William Klein ou Robert Franck, il recherche la scène de genre prise sur le vif, à la différence près que ces images ont été saisies par un robot qui lui est totalement étranger. Dans ce voyage virtuel au cœur des métadonnées constituées par les rues de Paris, Manhattan ou Barcelone, il reconstruit sa propre vision du monde. Au cœur de ce décor à ciel ouvert, Michael Wolf rend toute sa place à l’humain accroché accidentellement dans le cliché. Son talent ne tient pas seulement à isoler sur la Toile une scène de quelques millimètres carrés qui retiendra notre attention, il met aussi en avant la trame de l’écran qui délivre ses pixels. Une mise en abime qui ne fait qu’amplifier notre position de voyeur confronté à une situation du quotidien banale, piquante ou surréaliste.

michael WolF

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Fine art photogr aph y

2. Dead Drops, Aram Bartholl, intervention publique 2010-2012

ar am bartholl

rodolphe von gombergh

samuel rousseau

/courtesy

galerie aeropl astics brussels

michael WolF

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Fine art photogr aph y

L’une des motivations majeure de Bartholl est de réinjecter une partie de notre planète Net dans la vraie vie. Le spectateur est alors invité à prendre part comme acteur à une grande démocratie participative dirigée par l’action. On renoue avec la performance éminemment populaire dans les années 1960-70. On retrouve alors le parfum révolutionnaire des communautés qui défendaient naguère une autre voie. On pense notamment aux contestataires de mai 68 marqués par l’idéologie trotskiste ou maoïste, aux Black Panthers et leur combat pour les droits civiques, aux mouvements féministes ou aux communautés homosexuelles. La participation est à l’image de l’engagement de populations qui nourrissent des projets de vie, politiques et sociaux très divers mais qui ont pour point commun de s’insurger contre l’ordre établi, le conservatisme de l’État. À l’instar de ces mouvements, la création contemporaine privilégie une communication horizontale, “d’égal à égal” à la communication verticale des Académies de l’Ancien Régime. D’ailleurs, cette création plastique animée par le pixel, prend un malin plaisir à s’échapper du musée pour se répandre dans la ville. Les space invaders, petites mosaïques inspirées par le jeu vidéo éponyme qui viennent s’installer un peu partout dans les rues des

grandes villes, sont la matérialisation d’une révolution en marche. Les œuvres prennent aussi toute leur dimension dans l’espace urbain avec des manifestations comme les Bains numériques à Enghien ou la Nuit Blanche à Paris. Samuel Rousseau a ainsi investi la façade de la Gaîté lyrique en 2003, en présentant une vidéo hors-norme intitulée “Le Géant”. La projection est une subtile et saisissante cohabitation entre un Gulliver qui se serait échappé du manuscrit de Jonathan Swift et le théâtre devenu, pour le coup, une maisonnette de l’île de Lilliput. En jouant sur les échelles l’artiste s’empare d’une idée simple pour créer un spectacle vivant et grandiose. Les artistes contemporains sont aussi nombreux à bousculer les codes et la hiérarchisation des informations figurants sur nos réseaux sociaux, on appelle cela le Facebook Art, le Twitter Art. Julien Levesque détourne par exemple des pages de Myspace en les traitant en monochrome. Sa vidéo sur Youtube intitulée “Most Viewed, All Time, All Category, All Language” séduit ou agace les internautes qui se sont laissés accrocher par un titre racoleur. Durant 1 min 55 pas de son, et en guise d’image, en gros plan, la copie conforme du curseur qui fait défiler la vidéo. Une sorte de ready-made qui, gageons-le, n’aurait pas déplu à Marcel Duchamp.

tl b lo g . t l m a g a z i n e . b e

more on b lo g

L’ombre de Léonard de Vinci À la faveur de cette révolution, Léonard de Vinci qui n’est pourtant jamais passé de mode fait un tonitruant retour sur le devant de la scène. Le maître italien qui cultivait aussi bien le goût de la peinture, de l’ingénierie ou de l’anatomie apporte un regain d’intérêt à un art dont la plastique se révèle grâce à des technologies de pointe. Bien qu’il n’ait pas définitivement troqué la blouse blanche du radiologue pour la palette numérique, Rodolphe von Gombergh s’inscrit dans cette école ou l’art et la science ne font qu’un. Déjà en 1996, le Centre Georges Pompidou lui ouvre ses portes avec une exposition intitulée prosaïquement “Avant de naître”. Dans l’un des temples de l’art contemporain qui s’élève sur ce qui était autrefois le ventre de Paris, on découvrait ainsi de visu le premier domicile connu commun à toute l’humanité. Depuis, ses œuvres fréquentent régulièrement les cimaises des musées. Elles nourrissent aussi de prestigieuses collections comme celle du mécène François Pinault. Dans ces créations ou l’imagerie médicale est détournée, les stars – nous dit-on – sont nombreuses à s’exposer au rayonnement électromagnétique pour se faire découper façon carpaccio et découvrir l’éclat de leur autre moi, la résonance de leur richesse intérieure. Il faut bien le dire, dans ces portraits d’un genre inédit, le bulbe rachidien, l’hypophyse ou le cervelet

sont de piètres indicateurs pour nous donner l’identité de ceux qui se sont laissés tenter par l’expérience du scanner et de l’injection iodée. Mais en y regardant de plus prêt et grâce à quelques indiscrétions, on apprend qu’Arman, Bernard Venet ou Philippe Starck sont des modèles complices. Une question demeure cependant. Ces œuvres-message rivaliseront-elles avec la postérité d’un portrait du Fayoum ou d’une toile Renaissance ? Tout dépendra demain de la pertinence du message, de la qualité plastique de la pièce et de sa conservation. Cela dépendra aussi des collections qui sont en train de se constituer. Il faut bien le reconnaître, malgré quelques initiatives dans ce domaine dans la petite ville de Bourogne notamment, les grandes collections nationales françaises sont très timides quant aux acquisitions. Alors qu’à l’étranger le ZKM et le Victoria and Albert Museum par exemple, ne se sont pas laissés influencés par le marché et sont lancés à la conquête de ces terres encore vierges en achetant des œuvres. Ouvrez l’œil, la montée en puissance de ce ceux qu’on appelle les digital natives pourrait bientôt changer la donne… www.photomichaelwolf.com http : //datenform.de www.julienlevesque.net

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lifestyle m Il y aura un avant et un après le nouvel hôtel du Marc selon Veuve Clicquot. Histoire sublimée, pièces design extraordinaires, ce lieu unique dépasse par son luxe absolu toute norme d’accueil des grandes Maisons de Champagne. La course à l’exceptionnel est lancée !

aster

1. “Once Upon A Dream” par Mathieu Lehanneur à l’Hôtel du Marc, 2011

2. Cave à vin ‘vertical limit’ conçue par Porsche Design Studio, 2007 Hall d’entrée, cage d’escalier et miroir en “jupe plissée” par Bruno Moinard, 2011 ©

to u t e s l e s i m ag e s v e u v e c l i c q u ot

p h oto t . d u va l

REPORTAGE DE LAURENCE PICOT

Lorsque les membres du Comité Colbert ont été invités à déjeuner à l’hôtel du Marc en mars dernier, les sourires de circonstance n’ont pu que se teinter du fameux jaune Clicquot au fur et à mesure qu’ils tâtaient de l’épaisseur des tapis sur mesure et découvraient le raffinement en chaque détail de la demeure. Petite visite guidée exclusive dans un lieu à ne découvrir que sur invitation. Accueil exclusif Malgré son nom, l’hôtel du Marc n’est pas un hôtel au sens actuel, mais un lieu privé. “Pour les amis, les personnalités, les meilleurs clients, les représentants des pays étrangers, la presse ou même François Arnauld, le fils du fondateur de LVMH propriétaire de Veuve Clicquot”, nous confie Olivier Livoir, officiel hospitality manager. Protégée par de hauts murs, la bâtisse fut édifiée en 1846 par Édouard Werlé à qui Madame Clicquot venait d’offrir le terrain pour fêter son nouveau statut d’associé dans son entreprise puis rachetée aux héritiers par la société en 1907. L’architecte d’intérieur Bruno Moinard, nouvelle coqueluche des maisons de luxe (Hermès, Cartier, Château Latour) a su mêler créations et restaurations historiques pour donner à l’ensemble l’âme d’une propriété familiale d’esthètes tournés vers l’avenir sans faire table rase du passé. Démonstration en live de l’art de vivre à la Française. Visite guidée L’entrée traditionnelle et son paravent géant de miroirs dessert une bibliothèque cosy où trônent créations d’Hervé van der Straeten et autruche sellée et casquée de cuir. Suit un salon meublé de larges canapés en cuir, paires de fauteuils Louis XV tapissés, nombre de coussins et plaids

confortables – le beau-père de Madame Clicquot était fabricant d’étoffes – et photos contemporaines de l’artiste allemande Karen Knorr jouxtant un tableau de 1880 signé John Haberlé, où figure une bouteille de Clicquot. Un salon de petit déjeuner meublé Knoll et la grande salle à manger teintée de noir et rehaussée d’or ont gardé leurs lambris historiques. Un bar-salle de jeu, joliment nommé l’atelier, voit ses murs couverts du sol au plafond de frigos à champagne translucides remplis, sous des lustres façon Louis XV en néon. À l’étage, après un escalier majestueux, un palier ensoleillé expose le tableau de la Veuve et sa petite fille Clémentine qui selon la légende inspira par son nom la couleur de l’étiquette déposée en 1877, et le banc sublime de Reinoso, dont les lames de bois domestiquées sur l’assise se poursuivent en volutes sauvages pour former ensuite une fenêtre sagement encadrée. Le couloir ponctué de tableaux de familles géants posés au sol dessert la salle de “rêves” dotée de chromothérapie inventée par Lehanneur et cinq chambres à la décoration raffinée, linge tissé Français, salles de bains en mosaïque grises et marbre de Carrare. Le tout ponctué de mobilier design laqué conçus par Moinard pour insuffler l’irrésistible French touch. Tout au long d’un séjour en ces lieux, l’invité écoute l’histoire de la Maison tout autant que celle de la culture des vignes et la création du champagne pendant qu’il déguste les différents crus maison. On en ressort convaincu d’avoir rencontré en personne la veuve Barbe-Nicole Clicquot-Ponsardin. L’un des fleurons du plus important groupe de luxe au monde fait ainsi totalement oublier les millions de bouteilles vendues au bénéfice de l’idée d’une entreprise de taille familiale, caractéristique principale du concept de luxe. www.veuve-clicquot.com

124-125 tl.mag #15 retail

Le public peut enfin découvrir les projets de jeunes designers inspirés par l’univers unique du cognac Louis XIII. L’occasion de comprendre pourquoi cette Maison de luxe par excellence se montre aussi réticente à user des mêmes atours médiatiques que ses concurrents.

cognac

design or not design ? TExTE DE LAURENCE PICOT

échelle que celle de la production de nos cognacs. Cette philosophie est incompatible avec une succession d’opérations de communication, voyant à chaque saison se renouveler le coffret et la bouteille. Même si la règle prévaut depuis dix ans dans le domaine des spiritueux.” Ainsi, trois séries limitées seulement furent produites depuis 1874, forme identique mais avec diamant incrusté, en cristal noir ou argent irisé. Chaque fois, le cognac niché dans le flacon y était volontairement différent de ce qui avait été créé jusqu’alors, les modifications esthétiques nécessaires pour valoriser les découvertes de la maitre de chais Pierrette Trichet.

louis XIII De la gourde à l’écrin Rémy Martin fonde sa société éponyme ici en 1724. Son fleuron, le Louis XIII, sera lancé en 1874 par Paul Émile Rémy-Martin, 4 e du nom : un assemblage mystérieux de 1 200 eaux de vie dont les plus anciennes sont centenaires. L’un des plus chers cognacs au monde arbore depuis toujours une carafe de cristal Baccarat. Selon la légende, sa forme interprète une gourde de chevalier, trouvée dans le champ de bataille de Jarnac. En clair, le premier flacon de Louis XIII fut designé un siècle avant que le mot “design” n’existe. Précurseur, le flacon-écrin comporte les caractéristiques du luxe : histoire, matière élitiste, savoir-faire et originalité. Il reste quasi identique aujourd’hui à l’original, à part son bouchon soufflé devenu coulé et taillé, seule concession pour éviter le bris durant le transport. Fort peu de marques peuvent se targuer de posséder une telle icône.

Permanence des choses “Le design n’a de sens que s’il magnifie notre produit et sa dégustation. Il ne sert pas à l’exercice du name dropping.” Caroline Lecarpentier, responsable communication internationale des cognacs Rémy Martin, explique ainsi pourquoi renâcler à modifier le flacon de Louis XIII. “Le temps est notre allié. Nous œuvrons sur la durée, selon la même

tou tes les im ages F. ami and

Élans créatifs L’objet iconique original n’a pourtant pas manqué d’attirer les designers avides d’en renouveler l’image. Ils le peuvent via un concours annuel de l’atelier du Comité Colbert. Les meilleurs projets prospectifs d’étudiants en design y sont récompensés, et jamais exposés au public. Cette année, Rémy Martin a décidé de partager l’enthousiasme créatif de ces jeunes designers pour le plus luxueux et historique de ses cognacs, en réalisant leurs prototypes et en les exposant dans le berceau de son savoir-faire, la ville de Cognac. L’initiative nommée “Futur Héritage” expose les rêves de huit apprentis designers de la Saint Martin School de Londres et de l’ENSAD1 à Paris. Du cérémonial à dégustation aux glaçons fourrés de chocolats au cognac en passant par un flacon pendentif impertinent glissé entre les seins, les idées bousculent le vénérable Louis XIII. Ce n’est pas parce qu’il ne change pas de robe qu’il n’est pas intéressé à créer la mode. www.louis-xiii.com

ENSAD : école nationale supérieure des arts décoratifs

126-127 tl.mag #15 retail

Une terre aride de craie blanche où l’on n’imagine pas qu’il puisse y pousser grand chose. Nous sommes sur la couche géologique du Campanien, bizarrerie datant de 80 millions d’années, qui donnera son nom à la Fine Champagne, les eaux de vie issues du cœur du terroir de Cognac. C’est là que poussent depuis des siècles des vignes aux raisins riches en acide et pauvres en alcool. L’antithèse des atouts pour un vin de qualité… Mais la base idéale de l’eau de vie! L’homme sait tirer le meilleur de son environnement et hausser la qualité de ce qu’il produit.

tendence

Messe Frankfurt accueille les salons de pointe dans les secteurs du textile et du design d’intérieur. Avec près de 52 000 visiteurs, Tendence occupe une place stratégique sur le marché des biens de consommation. TExTE DE LISE COIRIER

design preview 2.

128 tl.mag #15 retail

1. The Last Minute, collection d’urnes et d’objets, Patrycja Domanska, 2011 2. Pottina & Pottone, pots de fleurs, Paula Weise, 2012 3.

Tendence à Messe Frankfurt 2012

Le salon aura lieu du 24 au 28 août dans un contexte économique encore mitigé mais favorable à la nouveauté. Avec plus de 2 000 exposants issus de 67 pays, ce salon allemand organisé depuis Francfort présente chaque année, en avant-première, les nouveautés de l’hiver et un aperçu des tendances printemps-été à venir. La vice-présidence Nicolette Naumann, également à la tête d’Ambiente, centre cet événement sur les nouveaux produits destinés à la maison et aux arts de la table. L’hiver 2012 tourne surtout autour des fêtes de Noël tandis que le printemps-été 2013 révèle une diversité de tendances plus légères. Pour pimenter les espaces intérieurs, il y a aussi le verre et la céramique qui jouissent d’un focus particulier, créant auprès des bijoux et des cadeaux haut de gamme un choix diversifié et de plus grand prestige.

Un podium pour les jeunes designers

Avec ses milliers d’acheteurs, Tendence offre aussi une plateforme d’exception aux talents de demain, leur consacrant deux halls afin d’exposer une sélection de créations de bijoux et de produits destinés au design d’intérieur. Si le consommateur prend toujours autant de plaisir à acheter pour les fêtes, son comportement a néanmoins changé. Sur un salon comme Tendence, il faut en effet tenir compte des achats de plus en plus spontanés des jeunes consommateurs à hauts revenus qui veulent faire ou se faire plaisir, sans que le prix ne soit toujours un critère de choix. Difficile de prédire ce qui relève de l’instinct plus que de l’acte réfléchi. Il est en tous cas de bon ton de conserver et promouvoir un label d’éthique et de qualité en Europe et inciter les acheteurs à se diriger encore davantage vers des biens de consommation durables plus que vers du superflu. www.tendence.messefrankfurt.com

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