Catálogo digital - ARTE REPRO en lienzo

CATÁLOGO

Son impresiones de obras de arte realizadas en los años 80 sobre lienzo o en papel con los más altos estándares de calidad.

ANCIENT STATUES FROM MONTE argentinos y CARLO

Son obras de artistas from April 28 to europeos presentes enRuns colecciones August 11 particulares y de museos argentinos.

Contar con una reproducción de estas características con un correcto enmarcado permite que los grandes maestros de la historia de arte estén cerca tuyo.

ANCIENT EGYPTIAN HIEROGLYPHICS FROM 300BC

SAM CLARKSON'S ABSTRACT ART

Runs from February 8 to May 21

Runs frombMarchb18 tobJulyb27

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Pintor, grabador y muralista argentino. Es el artista argentino mejor cotizado internacionalmente.

Nació en Rosario, 14 de mayo de 1905 - Buenos Aires, 13 de octubre de 1981).

Sus personajes más notables son Juanito Laguna y Ramona Montiel, representantes de los sectores más bajos y olvidados del país.

En 1925 viaja a Europa para continuar sus estudios. Luego de recorrer España, en 1926 se traslada a París, donde frecuenta los talleres de André Lhote y Othon Friesz. En esta capital se relaciona con los artistas argentinos que allí se encontraban conocidos como “el grupo de París”.

Conoce al filósofo marxista Henri Lefebvre, quien le presenta al poeta surrealista Louis Aragon, con quien Berni comparte las ideas sobre el compromiso del arte con la revolución. En 1930 regresa a la Argentina y se instala junto a su mujer francesa y su hija en la ciudad de Rosario. En 1931 adhiere al Partido Comunista y, al año siguiente, provoca al público porteño –en el marco del gobierno militar de Uriburu– con una muestra surrealista (la primera en la Argentina), realizada en la Asociación Amigos del Arte. Ante la crisis económica y los problemas políticos y sociales que estaban atravesando el país y el mundo a partir de 1930, la produc- ción de Berni se vuelca hacia un realismo crítico. En 1933 participa, con David Alfaro Siqueiros, Lino Enea Spilimber- go, Juan Carlos Castagnino y Enrique Lázaro, en la realiza- ción del mural Ejercicio plástico, en la quinta de Natalio Botana, director del diario Crítica.

En 1943 obtiene el Gran Premio de Honor del Salón Nacional y al año siguiente, con Spilimbergo, Castagnino, Urruchúa y Colmeiro, crea el primer Taller de Pintura Mural. En 1962, Berni gana el Gran Premio Internacional de Grabado enla Bienal de Venecia. A lo largo de esa década, desarrolla grabados, xilo-collages-relieves y ensamblados con mate- riales de desecho. En los años 70 toma recursos provenientes del hiperrealismo, y en 1977 expone en Nueva York. En 1981 decora la capilla de San Luis de Gonzaga con las pinturas El Apocalipsis y La Crucifixión. Antonio Berni fallece en Buenos Aires en 1981, a los 76 años.

Título: Juanito remontando un barrilete Reproducción: Impresión en lienzo Medidas: 61,3 x 46 cm

Título: Juanito pescando entre latas Reproducción: Impresión en lienzo Medidas: 61 x 31,4 cm

Título: El descanso de Clara Gaviota Reproducción: Impresión en lienzo Medidas: 44 x 34 cm

Título: Martín Pescador Reproducción: Impresión en lienzo Medidas: 45 x 35 cm

Pintor, escultor y diseñador.

Nació el 11 de mayo de 1930, en Avellaneda, provincia de Buenos Aires. Estudió en la Escuela Nacional de Bellas Artes “Manuel Belgrano” y en la Escuela Superior de Bellas Artes “Ernesto de la Cárcova”. Fue profesor de pintura en la Escuela Nacional de Bellas Artes “Prilidiano Pueyrredón” y miembro de su Consejo Directivo. En 1976 fue elegido Académico de Número de la Academia Nacional de Bellas Artes. También fue miembro del Directorio del Fondo Nacional de las Artes.

A lo largo de su carrera, realizó numerosas muestras individuales, y participó de exposiciones colectivas realizadas en galerías y museos de Argentina y del extranjero. Obtuvo numerosos premios, entre los que se destacan: Primer Premio Nacional de Escultura en el salón de Artistas Jóvenes de América Latina (1965); Primer Premio a Extranjeros en la Primera Bienal de Quito (Ecuador, 1968); Primer premio de Pintura del LIX Salón Nacional de Artes Plásticas (1970); Gran Premio del “Salón de la Independencia” (Quito, Ecuador, 1972); Gran Premio de Honor de Pintura del LXV Salón Nacional de Artes Plásticas (1976); Premio “Konex de Platino” al mejor pintor geométrico (1982); “Laurel de Plata” del Rotary Club de Buenos Aires a la personalidad del año como pintor y escultor (1986).

Título: Estudio Reproducción: Impresión en lienzo Medidas: Alto 23,5 x ancho 23,5 cm

Pintor, escultor y artista plástico de reconocida trayectoria.

Nació en Buenos Aires el 20 de abril de 1915, pero en su infancia vivió en Italia y luego alternó su residencia entre ambos países.

Estudió arte con Atilio Bernasconi, Raúl Soldi y más tarde en la Academia de Brera. Milán, (Italia), donde realizó estudios con Aldo Carpi.En 1949 tuvo su primera muestra individual en la galería Saint Moritz, (Suiza). Desde entonces no dejaría de participar en importantes exposiciones individuales y colectivas en museos y galerías de arte en el país y en el exterior, entre las que se destacan la realizada en Il Milloni de Milán (Italia) y en la galería Witcomb de Buenos Aires.Cogorno se relacionó con artistas de la talla de David Alfaro Siqueiros, Giorgio De Chirico y Lucio Fontana entre otros.

Su pintura, plena de color, se apoya en un dibujo firme y de trazo suelto, con el que concibe fundamentalmente figuras femeninas. Sus necesidades expresivas lo han llevado también a incursionar en la escultura.

Después de 1946, su obra forma parte de la "Muestra Conex - Cien Obras Maestras - Cien Pintores Argentinos" Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires. 1994.

Obtuvo el Premio Palanza (1956), el Premio de Honor del Salón Nacional (1958) y el Premio de la Crítica al mejor artista de su generación (1966), entre otros. Falleció el 27/08/2001 en la Ciudad de Buenos Aires.

Título: Flores Reproducción: Impresión en lienzo Medidas: Alto 57,5 x ancho 42,5 cm

Víctor Cunsolo nace en Vittoria, Provincia de Siracusa, Sicilia, Italia, el 2 de abril de 1898. Su padre es armero y fabricante de cuchillos. En 1913, Cunsolo llega al país con 15 años y se instala con su familia en el barrio de Barracas. En 1918 ingresa en la Academia de Pintura de la Sociedad Unione e Benevolenza. En 1921, Juan del Prete, amigo del artista, lo vincula a la agrupación El Bermellón que funciona en una vieja casona del barrio de La Boca. Entre los artistas que la integran se encuentran el mismo Del Prete, Víctor Pissarro, Juan A. Chiozza, Adolfo Montero, Juan Giordano, Roberto Pallas Pensado, Orlando Stagnaro, José Luis Menghi, Salvador Calí, Adolfo Guastavino y Guillermo Bottaro entre otros.

A comienzos de los años veinte realizó numerosas vistas de la Isla Maciel y de la zona de Barracas que incluyen personajes, casas y barcos pintados con materia abundante y rápidas pinceladas, y en ocasiones también con espátula. Sin embargo, desde finales de la década puede observarse un cambio en su pintura, que se manifiesta abiertamente en su exposición individual en Amigos del Arte (1928).

Desde entonces sus pinturas toman cuerpo con un lenguaje simplificado, de formas geométricas y sintéticas, y de colores lisos y claros, colocados con pincel. En estas obras representó el barrio de La Boca como un territorio silencioso y solitario, lejos de su movimiento particular.

Pinta, además de sus clásicas vistas de La Boca, naturalezas muertas y paisajes del interior de La Rioja, sobre todo de Chilecito, donde reside por razones de salud. En 1936, regresa a Buenos Aires con la intención de retornar a aquella provincia en breve, pero muere en Lanús el 10 de abril de 1937.

Título: La vuelta de Rocha Reproducción: Impresión en lienzo Medidas: Alto 47,4 x ancho 55 cm

^! >)D > Q) Santiago Eugenio Daneri nace en Buenos Aires el 25 de julio de 1881.

Estudia en la Academia de la Sociedad Estímulo de Bellas Artes, siendo discípulo de Eduardo Sívori, Ángel Della Valle y Ernesto de la Cárcova.

Daneri se aboca principalmente a la pintura de paisajes, naturalezas muertas y retratos. Se destaca como paisajista urbano, tratando temas del puerto de La Boca, la Isla Maciel, el Riachuelo de Buenos Aires, la costa de San Isidro y rincones de Palermo y del Parque Saavedra. Ejerce la docencia como profesor de pintura en la Escuela Nacional de Bellas Artes “Prilidiano Pueyrredón” y como profesor de dibujo del Consejo Nacional de Educación.

Ha recibido numerosos premios, entre los que cabe mencionar el Premio Estímulo en el Salón Nacional de 1915; el Segundo Premio en el Salón Nacional de 1931 y el Segundo Premio en el Salón Municipal de 1939. También recibe el Primer Premio en el Salón Nacional en 1941; el Primer Premio en el Salón Municipal de Otoño de Artes Plásticas y el Gran Premio en el XXXV Salón de Artes Plásticas por su obra Pérdida del hijo, ambas distinciones en 1945. En 1948 le otorgan el Premio Palanza y en 1965 recibe el último reconocimiento: Medalla de Oro del Honorable Senado de la Nación por su obra La costurera.

Fallece en Buenos Aires el 29 de junio de 1970. Su obra se halla representada en el Museo Nacional de Bellas Artes, en el Museo Municipal de Buenos Aires y en los provinciales de La Rioja, Córdoba, Santa Fe y La Plata.

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Título: Puente viejo Reproducción: Impresión en lienzo Medidas: 47 x 55 cm

Nació el 3 de marzo de 1866 en Buenos Aires.

Sus padres eran Tiburcio de la Cárcova Sáenz, diputado por el Partido Autonomista Nacional y Juez Federal y Juana Aurelia de Arrotea, hija del rosista Manuel de Arrotea.

Comenzó sus estudios de pintura a muy temprana edad. En Buenos Aires estudió en la Sociedad Estímulo de Bellas Artes y luego recorrió Europa, donde estudió en París, Roma y Turín.

En 1893 regresa a Buenos Aires, donde completa una de sus obras más reconocidas: "Sin pan y sin trabajo". Expuesta en 1894 en el Salón Ateneo. Esta obra fue adquirida en 1906 para el Museo Nacional de Bellas Artes, en donde se conserva en la actualidad.

Fue fundador y primer director tanto de la Escuela Superior de Bellas Artes que hoy lleva su nombre, como de la Academia Nacional de Bellas Artes.

La enseñanza del arte terminó por ocupar su vida, relegando su producción pictórica a un segundo plano. Su preocupación por la permanencia de las instituciones lo llevó a vender obras para solventarlas. En su gestión logró que el Estado Nacional se hiciera cargo la Academia Nacional de Bellas Artes. Del cual fue el primer director junto a la vicedirección de Eduardo Sívori.

La figura de la mujer fue una de las grandes presencias en este recorrido por la obra del pintor argentino. También contó con distintas medallas con alegorías de las artes y el famoso escudo heráldico que aún utiliza la Universidad de Buenos Aires como “sello mayor”: la representación femenina de La Patria, exponiendo un libro sobre su regazo.

Recibió numerosas distinciones: el Premio de Honor en la Exposición Internacional de Saint Louis, USA (1904); la medalla de oro en la Exposición del Centenario realizada en Buenos Aires (1910); el Primer premio Adquisición en el Salón Nacional (1914) y la medalla de plata del Premio de Artistas Extranjeros en el Salón de Bellas Artes de París.

Falleció en Buenos Aires el 28 de diciembre de 1927, a los 61 años.

Título: Naturaleza en silencio Reproducción: Impresión en lienzo Medidas: - x - cm

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Nace el 18 de septiembre de 1887 en la ciudad de Bell Ville, Provincia de Córdoba.Se traslada a Buenos Aires y, durante 1907 y 1908, asiste a la Academia de Bellas Artes donde toma cursos de dibujo. Luego continúa su educación artística en forma alternativa a la oficial: estudia con el pintor italiano José Quaranta y alterna sus enseñanzas con las recibidas en talleres de vitrales.

Hacia 1909 marcha a Europa con el objetivo de conocer los grandes museos, a fin de completar su formación artística. El viaje signa su adscripción al impresionismo y al posimpresionismo, influencias bajo las cuales desarrolla toda su producción pictórica.

Influenciado por el impresionismo de Malharro, de Navazio se mantuvo pintando paisajes de las sierras y valles cordobeses que tuvieron éxito durante el auge del género como símbolo de la nación, aunque su línea de producción es diferente a las de los regionalistas naturalistas. De Navazio concebía la naturaleza de manera idealista y los títulos de sus obras expresaban sensaciones interiores. Utilizó pinceladas yuxtapuestas y una paleta de variaciones de grises, azules, violáceos y verdes que oponía a acentos naranjas que originan las zonas de luz. Construye volúmenes que disuelve en la densidad de la atmósfera, logrando una imagen que es vehículo de su emoción.

En agosto de 1918, en el Salón Witcomb, presenta la exposición Paisajes cordobeses, donde muestra 37 obras en las que muchos de los títulos aluden a sensaciones interiores como Quietud, Tarde triste, Mañana gris, Día gris, etc. Nombrar las pinturas de acuerdo a las sensaciones que le produce el espectáculo natural que intenta representar, es una costumbre recurrente durante toda su vida.

Fallece en Buenos Aires, víctima de tuberculosis, el 23 de mayo de 1921.

Sus trabajos integran el patrimonio de los museos Nacional de Bellas Artes; de Artes Plásticas “Eduardo Sívori”; “Casa de Yrurtia” y Municipal de Bellas Artes “Juan B. Castagnino" de Rosario.

En su memoria y honor se crea en Bell Ville, Provincia de Córdoba, el Museo Municipal de Bellas Artes Walter de Navazio.

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Título: Paisaje de Córdoba Reproducción: Impresión en lienzo Medidas: Alto 45 x ancho 49,6 cm

Nació en Vinkovci, Croacia en 1923.

Fue un pintor surrealista naturalizado argentino desde 1958. Sus imágenes metafísicas lo acercan al surrealismo argentino de Roberto Aizenberg y Xul Solar, relacionándose fuertemente con la narrativa de Jorge Luis Borges a quien lo unió una profunda admiración y amistad.

Ducmelic cursó estudios en Zagreb y entre 1946-48 en Roma y perfeccionándose en la Academia de San Fernando de Madrid.

Emigró a la Argentina en 1949 radicándose en Mendoza donde tuvo exposiciones en las galerias porteñas van Riel y Wildenstein, sus viajes por nuestra geografía fueron aclarando su paleta, aunque su temática no dejó de mostrar al hombre en la desolación de paisajes de sugestiva irrealidad. La docencia ocupó buena parte de su tiempo en nuestro país.

Enseñó en la Universidad Nacional de Cuyo y ejerció la dirección de su escuela de arte entre 1963 y 1966 donde fue homenajeado con el título de Profesor Honorario por la Universidad Nacional de Cuyo.En 1981 fue invitado por la Universidad de San Marcos de Lima y en 1982 ganó el “Premio Adquisición Gobierno de Santa Fe” del LIX Salón Anual de Santa Fe”.

Ilustró “Once rostros y un poema” de Alberto Girri y “Laberintos” de Jorge Luis Borges, éstos le dieron amplia resonancia popular. Por entonces Ducmelic se volcó a la realización de técnicas mixtas en las que mediante un dibujo de inusitada precisión y detallismo recreó el mundo borgeano confiriéndole una óptica propia aunque siempre respetuosa del clima original.

Falleció en 1989 en la ciudad de Buenos Aires.

Título: Estudio - Perfil. Variaciones sobre un tema Reproducción: Impresión en lienzo Medidas:

Título: La ciudad de los inmortales Reproducción: Impresión en lienzo Medidas: Alto 50 x ancho 38,7 cm

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Pintor argentino de origen francés nacido en Bourdeos en 1882, fue uno de los principales introductores de la estética expresionista alemana en Argentina. Siendo muy niño se trasladó con su familia a Argentina. Con seis años regresó a Europa, a la casa de sus abuelos paternos en Alemania, para realizar sus estudios primarios. Decidió continuar su formación en este país y en 1892 ingresó en el Liceo del Palatinado para iniciar sus estudios de Bachillerato. En 1898 regresó a la Argentina y realizó sus primeras pinturas. En 1900 viajó de nuevo a Alemania para estudiar pintura, no sin antes dedicar un año a recorrer Europa, visitando sus museos y exposiciones.

Acabó sus estudios en 1904 de forma exitosa: obtuvo una Medalla de Plata en el Concurso de la Academia por su cuadro La comida de los cerdos y una Mención por el óleo Mi perro. Al finalizar el curso regresó a Mendoza, Argentina, donde presentó su primera exposición individual en el Club Español. Inmediatamente después expuso su obra en la capital, Buenos Aires.

Su obra podría clasificarse en distintos periodos emocionales, una etapa en la predominan los colores ocres y pardos y en la que representa interiores oscuros, y otro momento de mayor luminosidad, donde la luz artificial cae sobre los objetos revelando su color.

Entre 1909 y 1914, hizo un paréntesis en su carrera y abandonó la pintura para dedicarse a la actividad empresarial. La fuerza de su vocación le llevó a reaparecer en el panorama artístico presentando dos óleos al IV Salón Nacional, al tiempo que el Museo Nacional de Bellas Artes adquirió su pintura, galardonada en Alemania, La comida de los cerdos, y la Academia Nacional de Bellas Artes le adjudicó la Cátedra de Paisaje. En 1915 participó en la Exposición Internacional de California, en la que obtuvo el Primer Premio y Medalla de Oro. Acompañado por sus dos hijos mayores fallece en su casa de Loza Corral, el 28 de febrero de 1935.

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Título: En la tranquera Reproducción: Impresión en lienzo Medidas: 48,5 x 59 cm:

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Título: La mazamorra Reproducción: Impresión en lienzo Medidas: Alto 38 x ancho 45,5 cm

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Nace el 4 de abril de 1912, en Lanús, Provincia de Buenos Aires.

Egresa de la Escuela de Bellas Artes en 1935, con el título de Profesor de Dibujo. Estudia grabado con Lino Enea Spilimbergo y composición plástica con Emilio Pettoruti entre 1940 y 1945.

En 1931 ingresa a la Asociación de Estudiantes y Egresados de Bellas Artes (MEEBA) – entidad fundada el 6 de Mayo de 1917–. En 1935 integra el Grupo Orión, con el que expone obras de talante surrealista en 1939 y 1947. En 1951 forma parte de la agrupación XX Pintores y Escultores, junto a quienes realiza varias muestras entre 1952 y 1957.Expone individualmente desde 1947 en galerías porteñas como Callao, Van Riel, Guión, Plástica y en la Agrupación Impulso de La Boca.

Intuitivo y pasional, sus composiciones son equilibradas, y el color son planos que en algunos casos parecen relieves escultóricos.

Vicente Forte fue el pintor de la alegría. Su obra es un perfecto reflejo de su personalidad. Su pintura es pura y directa, golpea al espectador con su contundencia. Hombre afable, la prioridad de su vida fue su familia: Dorita y Miguel Angel fueron sus afectos y motivo de su existencia. Pudo dedicarse tres décadas a la pintura y su rutina era la de un trabajador y artesano. Conversaba mientras pintaba, dando la sensación de que su obra ya estaba resuelta antes de plasmarla.

Fallece en Lanús, el 7 de noviembre de 1980.

Obras de su autoría integran el patrimonio del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires; del Museo Municipal de Artes Plásticas “Eduardo Sívori” de Buenos Aires y de los museos provinciales de Bellas Artes de Buenos Aires (La Plata), Córdoba y Santa Fe, sumados a los museos municipales de Rosario y Bahía Blanca.

Título: Mar del Plata Reproducción: Impresión en lienzo Medidas: 42,5 x 59,5 cm

8 Q D !^ZZ QD Nace en Buenos Aires el 26 de mayo de 1882. Estudia música y desde niño manifiesta habilidad como dibujante. Inicia la carrera de abogacía, que abandona dos años más tarde para dedicarse a la pintura. Ernesto de la Cárcova y Martín Malharro lo alientan en este cambio y, en 1904, obtiene una beca para viajar a Francia para desarrollar su obra.

Después de veintitrés años en Europa, el 26 de septiembre de 1927, Guttero arriba a Buenos Aires y, el 20 de octubre, inaugura su exposición en la Asociación Amigos del Arte.

Es uno de los artistas clave de la historia del arte argentino. Sus pinturas y yesos cocidos, técnica personal inventada por el pintor en 1927,constituyen un cuerpo de obras que lo ubica entre los principales protagonistas de la renovación cultural ocurrida entre fines del siglo XIX y las primeras décadas del siglo XX en lo que los historiadores llaman la modernidad.

Durante cinco años se dedicó a recorrer la ciudad y el puerto, los cuales se transformaron en el objeto de sus obras. Siempre de tinte figurativo, a los paisajes urbanos se sumaron temáticas como retratos y estampas religiosas.

El 1° de diciembre de 1932, fallece en Buenos Aires, a los cincuenta años de edad.

Obras de su autoría integran el patrimonio del Museo Nacional de Bellas Artes, Museo Municipal de Artes Plásticas “Eduardo Sivori”; los Museos municipales y provinciales de Santa Fe, Rosario, San Juan, Paraná y Olavarría, además de estar representado en numerosas colecciones particulares locales e internacionales.

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Título: Anunciación Reproducción: Impresión en lienzo Medidas: 47 x 31 cm

Nació en Budapest en 1922 y es naturalizado argentino.

Comenzó su formación artística en la Academia de Bellas Artes de Budapest.

Ha expuesto sus obras en los más distinguidos círculos de arte desde 1948, siendo sus primeras muestras internacionales las de Venecia y París.Sus cuadros son admirados en museos y colecciones particulares en los cinco continentes, en países como: Checoslovaquia, Hungría, Austria, Alemania, Italia, Israel, Francia, Gran Bretaña, Suecia, Canadá, Estados Unidos, Méjico, Venezuela, Uruguay, Argentina, Japón, Brasil, Bélgica, Taiwan, Sudáfrica, Suiza, España, India y Australia.

Ha obtenido numerosos premios importantes internacionales, entre otros el Premio de la Prensa en la Exposición de Chicago y el Gran Premio de Honor con Medalla de Oro en el Concurso Internacional de la Fundación Marc chagall, que corroboran su merecida consagración a nivel mundial.

Título: Composición en rojo y blanco Reproducción: Impresión en lienzo Medidas: 56,8 × 35,5 cm

Título: Jarra de sol Reproducción: Impresión en lienzo Medidas: Alto 52 x ancho 40,5 cm

Nació Buenos Aires en 1915.

Pintor y coleccionista de arte, hijo del empresario del espectáculo y artista del mismo nombre.

Lococo hijo se ocupó de la publicidad y la decoración de los cines y teatros que explotaba la empresa familiar fundada por su padre y que llegó a presidir. Se recuerda que en ocasión de estrenarse la revista "Fiesta en Japón" iluminó la Avenida Corrientes con cientos de farolitos nipones y perfumó la cuadra con fragancias orientales.

Aplicó su imaginación y su profunda vena artística a las marquesinas.

Sus dos amores fueron siempre el cine y la pintura.

En 1953, presentó su primera muestra en Galería Müller y, a partir de entonces, realizó más de cincuenta exposiciones individuales y colectivas en el ámbito nacional e internacional.

Participó, además, en el Salón Nacional en 1953 y 1958.

Su obra se desarrolló principalmente dentro del neo impresionismo y se destacó por sus paisajes y naturalezas que denominaba “estáticas” en vez de muertas.

Realizó más de medio centenar de muestras individuales y colectivas en Argentina, España, Estados Unidos, México, Uruguay, Brasil. El Museo Castagnino, de Rosario, el Museo de Bellas Artes de Córdoba y otras entidades culturales adquirieron obras de su autoría.

Para Benito Quinquela Martín su línea era "neoimpresionista".

Falleció en la ciudad de Buenos Aires en el año 2000 a los 84 años de edad.

Título: Sol y ritmo Reproducción: Impresión en lienzo Medidas: 39 x 59 cm

Título: Esplendor Reproducción: Impresión en lienzo Medidas: 41,5 x 60 cm

Título: Algarrobo Reproducción: Impresión en lienzo Medidas: Alto 42 x ancho 59,5 cm

Título: Amapolas Reproducción: Impresión en lienzo Medidas: Alto 59,5 x ancho 41,3 cm

Título: Cosas Reproducción: Impresión en lienzo Medidas: 58,7 x 45,5 cm

De padres argentinos, nació en pleno centro de la ciudad de Buenos Aires en el año 1840.

Cándido López muestra tempranamente aptitud para la pintura.

Fueron sus maestros Baldassare Verazzi y Carlos Descalzi, y quedan de sus años de formación algunas pinturas de temática religiosa y un autorretrato.

En 1859 se traslada a Villa Mercedes, donde vive hasta 1863. Por esta época realiza un retrato del general Bartolomé Mitre, hoy propiedad del Museo Mitre.

En 1865 parte hacia San Nicolás y allí ejerce como retratista hasta que estalla la guerra del Paraguay. Enrolado en el Batallón San Nicolás con el grado de teniente segundo, López se embarca en junio de ese mismo año hacia la zona del conflicto con la intención de documentar la contienda. En septiembre de 1866 es herido en la batalla de Curupaytí por una granada que le cercena parte del brazo derecho, razón por la cual es enviado a Buenos Aires e incorporado a la Plana Mayor del Cuerpo de Inválidos. Al cabo de dos operaciones, recupera progresivamente la salud y comienza a educar su mano izquierda, con la que realiza la mayor parte de su obra conocida.

En 1872 se casa con Emilia Magallanes, con la que tiene doce hijos.

En 1879 la familia se traslada a un campo en Carmen de Areco. Es allí que Cándido López concluye los 29 óleos basados en los apuntes tomados durante la guerra, que se exponen en marzo de 1885 en los Salones del Club Gimnasia y Esgrima.

Además de sus buenas condiciones artísticas, tienen un elevado e indisputable mérito histórico.

Entre 1888 y 1895 sigue trabajando instalado en la localidad de Merlo. Desde entonces y prácticamente hasta su muerte, pinta cuadros sobre la guerra del Paraguay a partir de sus libretas de apuntes del campo de batalla, pero también empieza a cultivar con mayor frecuencia la naturaleza muerta y los bodegones, algunos de los cuales firma “Zepol”.

Al morir en 1902 es enterrado en el Panteón de los Guerreros del Paraguay.

Título: Llegada del Ejército Aliado a la Fortaleza de Itapirú 18 de abril de 1866 Reproducción: Impresión en lienzo Medidas: 40,6 x 58 cm

Celis Pérez, más conocido por la inversión de su nombre y apellido como Pérez Celis nació en Buenos Aires el 15 de enero de 1939 en el barrio de San Telmo, mudándose al barrio de Liniers donde pasó su infancia y juventud. Miembro de una familia de recursos limitados, comenzó a estudiar dibujo por correspondencia cuando aún era un niño, trabajando como canillita, cadete y aprendiz de carpintero, entre otros.

En 1954 ingresó a la Escuela de Bellas Artes Manuel Belgrano, donde estudió con maestros como Leopoldo Presas, Líbero Badíi, Juan Batlle Planas y Santiago Cogorno. A los 17 años realizó su primera exposición individual en la galería La Fantasma.

Su obra se expresó a través de la pintura, la escultura, el muralismo, y el grabado.

Formó parte del Movimiento del Hombre Nuevo, impulsor del arte no figurativo, orientado por Rafael Squirru.

Desarrolló un estilo abstracto, recurriendo a la fusión de líneas estéticas de las culturas amerindias andinas con las vanguardias plásticas internacionales, a la vez de la utilización de imágenes de fuerte arraigo en la cultura porteña para construir obras de fuerte impacto.

Obtuvo, entre otras distinciones, el Premio Ernesto de la Cárcova del Salón Nacional de 1971, y el Premio del Jurado del XIV Salón de Montecarlo en 1980. En 2001 con el Decreto No.6063-D , se declara de interés cultural su obra y su trayectoria.

Falleció como desenlace una preleucemia y de la cirrosis del hígado, resultado del envenenamiento con pigmentos y polvo de grafito, el sábado 2 de agosto de 2008, a los 69 años. Lo velaron en el Club Atlético Boca Juniors5 como al más querido de los hinchas, rodeado por sus propios murales .

Título: Asumir la libertad Reproducción: Impresión en lienzo Medidas: 47,5 x 38 m

Título: Vuelo al tiempo Reproducción: Impresión en lienzo Medidas: 56 x 45,5 cm

QD! 8)D OD8 U 88D Rogelio Polesello nació en Buenos Aires en 1939, y comenzó a trabajar en una agencia de publicidad a los quince años. Estudió en la Escuela Nacional de Bellas Artes “Manuel Belgrano” y se graduó en la Escuela de Artes Visuales “Prilidiano Pueyrredón” en 1958.

Durante esos años descubrió la obra de Paul Klee, que tendría una importante influencia en su trabajo, y recibió conocimientos de su padre, que era constructor de edificios, lo cual le inspiró la incorporación de diversos materiales y métodos de construcción en sus trabajos. También participó en las actividades del grupo Boa, con su interés en el surrealismo. La obra de Polesello combina formas geométricas con efectos ópticos de color para producir la ilusión de movimiento. Sus primeras esculturas, que datan de los años 50, exploran el efecto de la luz en los objetos. También trascendió los límites de las superficies pintadas tradicionales, con su gran mural Eclipse en el Aeropuerto Internacional de Ezeiza (Buenos Aires, 2001) y sus pinturas en autos, edificios y el cuerpo humano. Polesello ha expuesto su trabajo en la 3ª Bienal de París (1963), la 8ª Bienal de San Pablo (1965); “Experiencias”, Instituto Torcuato Di Tella (Buenos Aires, 1967 y 1968); “Más allá de la geometría”, Center for InterAmerican Relations (Nueva York, 1968); “Muestra antológica”, Museo Nacional de Bellas Artes (Buenos Aires, 2000); “Eclipse”, galería Ruth Benzacar (Buenos Aires, 2003); “Imanes”, Centro Cultural Recoleta (Buenos Aires, 2005) y “Real/virtual. Arte cinético argentino en los años 60”, Museo Nacional de Bellas Artes (Buenos Aires, 2012). En 2003 recibió el Gran Premio de Honor del Fondo Nacional de las Artes, Buenos Aires. Vive y trabaja en Buenos Aires.

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Título: Fragmentos Reproducción: Impresión en lienzo Medidas: 52,5 x 50,5 cm

8 DOD8 D OQ U U Nace en Barracas, Buenos Aires, el 21 de febrero de 1915. Fue un artista argentino que transitó diversos caminos estéticos a lo largo de su trayectoria.

Inicia sus estudios en la Academia Nacional de Bellas Artes y continúa con lecciones en el taller de Lino Enea Spilimbergo en el Instituto Argentino de Artes Gráficas.

Se inició dentro de lo que se considera arte figurativo, explorando, más tarde, el expresionismo.

En 1939 forma parte del Grupo Orión, de tendencia surrealista, junto con los artistas Luis Barragán, Bruno Venier, Vicente Forte, Ideal Sánchez, Orlando Pierri, Antonio Miceli, Alberto Altalef, Juan Fuentes y los escritores Ernesto B. Rodríguez, Juan F. Aschero y Rodolfo Alegre.

Entre los materiales que utilizaba se encuentran el óleo, la témpera, temple, la carbonilla y el lápiz, utilizando también otros medios como la tela, papel, cartón y papel de diario.

Desde 1949, Presas expone a nivel nacional e internacional. Dentro de las temáticas de sus obras se destaca la figura femenina, pero también podemos encontrar naturalezas muertas, puertos y series expresionistas.

En 1959 recibe el Gran Premio de Honor del Salón Nacional y el Premio Palanza otorgado por la Academia Nacional de Bellas Artes en 1963.

En 1976 es nombrado miembro de la Academia Nacional de Bellas Artes. En 1979 se radica en París y expone en la Galería Bellechase y permanece en esa ciudad hasta 1987, año en el que realiza una exposición itinerante por Alemania. En 1993, sus obras participan de las exposiciones Argentine Now en el Fondo Monetario Internacional en Washington y en Santa Mónica, California y, en junio de 1994, presenta una exposición retrospectiva con más de 200 obras en el Palais de Glace de Buenos Aires.

Pinta hasta sus últimos días. Fallece el 12 de junio de 2009, a los 94 años de edad.

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Título: Atardecer con flores Reproducción: Impresión en lienzo Medidas: 54,5 x 42 cm

^ Q D U)iDQ) Nació en Buenos Aires, el 13 de octubre de 1847.

Sus padres, de origen italiano, lo dedicaron desde su juventud al comercio del armado de barcos, y en 1859, cuando contaba doce años de edad, se presentó a optar una beca de estudios de pintura en Europa, pero fue rechazado por su corta edad. Viajó al Viejo Mundo en 1873, y deslumbrado por cuanto había visto en los museos de Roma y de Florencia, regresó a Buenos Aires.

Junto a su hermano Alejandro, Eduardo Sívori es el gran impulsor de la creación de la Sociedad Estímulo de Bellas Artes en 1876.

Viaja a París en 1882, y consigue estudiar con Jean-Paul Laurens. De él tomó la disciplina formal de su pintura y la influencia del color que se advierte en sus primeras obras.

En Buenos Aires, encontró una expresión más sutil del paisaje pampeano y del retrato, género sobre el que trabajó ampliamente.

Fue uno de los primeros que realizó arte nacional y logró incorporar algo de la belleza de la pampa, en sus obras. Sus óleos tienen colores que los acercan a la acuarela.

El despertar de la criada, desnudo que ofrece como donación a la Sociedad Estímulo de Bellas Artes y que si bien fue expuesto privadamente, fue censurado en público.

Eduardo Sívori ejerce la docencia durante muchos años. En 1905, siendo presidente de la Sociedad Estímulo, organiza la transferencia al Estado Nacional de la Escuela de Bellas Artes fundada en 1876 por aquella institución. La Escuela pasa a llamarse Academia Nacional de Bellas Artes, y Sívori es su primer vicedirector acompañando en la gestión a Ernesto de la Cárcova, que ocupa el cargo de director.

Continúa pintando y enviando obras a los Salones Nacionales desde su fundación en 1911 hasta el mismo año de su muerte, ocurrida en 1918.

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Título: En el taller Reproducción: Impresión en lienzo Medidas: 59,5 x 41 cm

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Título: El despertar de la criada Reproducción: Impresión en lienzo Medidas: 60 x 39 cm

Q _8 UD8 ) Nació el 27 de marzo de 1905 en la ciudad de Buenos Aires, hijo de padres músicos de profesión.

La primera residencia de la familia fue en una casa ubicada al lado del teatro Politeama. Esto lo influenció de niño que construía pequeños escenarios de títeres, escribía y montaba obras de teatro.

Amante de la música, Soldi incursionó también en la poesía y el cuento. A los 16 años viajó a Europa, donde estuvo en varias ciudades de Alemania.

Al regresar a Argentina cursó en la Academia Nacional de Bellas Artes durante 3 meses, hasta que la familia decidió volver a Italia y continuó su formación en la Academia Brera de Milán.

Al terminar sus estudios, Soldi expuso su obra en Trieste y ganó el pirmero premio para pintores jóvenes con su “Retrato de un pintor Armenio”.

Desde 1930 presenta obras en el Salón Nacional de Cultura, y en diversos Salones provinciales, en la Exposición Internacional de París (1937), en Nueva York (1941-1943) y a partir de 1934 comienzan sus muestras individuales.

En el año 1953 pinta los famosos frescos de la Iglesia de Santa Ana, de Glew.

En 1966 realizó la decoración de la Cúpula del Teatro Colón de Buenos Aires, cuya técnica es la tela pintada al óleo y luego al muro.

Sus Obras figuran en muchos Museos, entre ellos, el de Arte Moderno de Nueva York y los de Florencia y Milán.

En 1968 viaja a Israel, pinta en la Basílica de la Anunciación de Nezardt, un mural inspirado en el milagro de la Virgen de Luján.

El Museo del Vaticano en Roma incorpora en 1987 una obra suya titulada "La Virgen y el Niño" con ésta última suman dos los cuadros que posee la Santa Sede, la anterior se titula "Santa Ana y la Virgen Niña".

Falleció el 21 de abril de 1994. Gran parte de su obra se encuentra en la Galería Uffizi, en Florencia, el Museo Vaticano y el Museo Nacional de Bellas Artes.

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Título: Alegría de la mañana Reproducción: Impresión en lienzo Medidas: Alto 36 x ancho 50 cm

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Título: Santa Ana y la Virgen Niña imaginando sus juegos Reproducción: Impresión en lienzo Medidas: 53,5 x 41 cm

Nació en Alemania, hija de húngaros. Más tatde se naturalizaría como argentina.

Comenzó a dibujar y pintar desde pequeña. Sus obras más reconocidas representan paisajes urbanos "naïve" de la ciudad de Buenos Aires y alrededores. Su predilección por pintar motivos de la ciudad se afianzó durante su carrera de arquitectura en la Universidad Nacional de Buenos Aires, donde se graduó en 1976.

Utilizó variadas técnicas mixtas como marcadores y acuarelas, años más tarde, adoptó definitivamente la pintura al oleo y al acrílico.

Durante los ’70 colaboró como ilustradora en diversas publicaciones como las revistas Maribel, Vosotras, Siete Días y los diarios La Prensa y La Nación.

Un hecho que produjo una amplia difusión de su obra fue cuando en abril de 1975, la revista del diario Clarín publicó la obra “Alvear y Libertad” en la tapa, y por única vez en la historia del diario se presentó en forma horizontal para adecuarse al cuadro que es apaisado.

En 1975 realizó “Buenos Aires ingenuo”, su primera exposición de dibujos de vistas de Buenos Aires realizados con marcadores sobre papel, en la Fundación Lowe. Las obras se reprodujeron en miles de tarjetas postales y pósters que fueron difundidos de forma masiva.

En 1983, se inauguró la “Exposición Urbana de Anikó Szabó”, en la famosa esquina de Avda. Quintana y Ortiz en la Recoleta, sobre la terraza del bar La Biela. Allí se exhibieron seis de sus obras en tamaño gigante durante cinco años, auspiciado por la firma Hiram Walker para publicitar su whisky Old Smuggler.

En 1984 la Enciclopedia Mundial de "L'Art Naïf", editada en la antigua Yugoslavia, la incluyó en su nómina de pintores contemporáneos de arte ingenuo de mayor suceso en el mundo, como representante de la Argentina.

Muchas de sus obras se encuentran en museos como el Musée d’art naïf de L’ile de France en Vicq –cerca de París-; y el Musée d’art naïf Max Fourny en París (Halle Saint Pierre).

Título: Rincon de Belgrano Reproducción: Impresión en lienzo Medidas: Alto 40 x ancho 51,3 cm

Título: Plaza San Martín Reproducción: Impresión en lienzo Medidas: Alto 45 x ancho 60 cm

Nació en Buenos Aires en el año 1937.

Durante sus estudios en arquitectura en la Universidad de Buenos Aires, comenzó a desarrollar su producción artística.

Sus primeras obras consistieron en paisajes semiabstractos de carácter informalista. Luego se aproximó a la estética Pop. Una vez egresado de la Universidad de Buenos Aires, se estableció en París con su esposa.

Sus intervenciones en gran escala en la naturaleza buscaban concientizar a la gente acerca de la contaminación de los ríos y de los mares, una de sus obras mas reconocidas es cuando tiñó de color verde fosforescente el Gran Canal de Venecia, en 1968.

En 1981, junto al artista alemán Joseph Beuys, colorea el Rin y planta 7.000 robles durante la Documenta 7 de Kassel. En 1982 planta 50.000 árboles en las calles de Buenos Aires, acción que repetirá en varias ocasiones.

Uriburu no sólo llevó adelante una lucha política incluyendo en su trabajo problemas sociales, sino que su defensa del medio ambiente le llevó a participar a múltiples operaciones de plantación de árboles, tanto en Argentina como en Europa. Tal es así que fue miembro fundador del “Grupo Bosque” con el cual participó a las campañas de reforestación en Maldonado (Uruguay), su repercusión en el país vecino le valió su un museo con su nombre.

En Buenos Aires, presidió la Fundación que lleva su nombre, dedicada al estudio del arte de los pueblos originarios de América.

Falleció en la ciudad de Buenos Aires el 19 de junio de 2016.

Título: El Ciervo Reproducción: Impresión en lienzo Medidas: - x - cm

=)!^ 8 >! 8 i) 8 Pintor, dibujante y diseñador gráfico.

Nació en Buenos Aires el 27 de junio de 1928.

Desde temprana edad despertó su vocación por el arte, a los doce años, comenzó a estudiar dibujo con el grabador Eleuterio Navarro, en el Barrio de la Boca. Con este maestro se preparó para el ingreso a la Escuela de Bellas Artes Manuel Belgrano donde cursó sus primeros estudios.

Continuó los mismos en la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón, egresando en 1952 con el título de Profesor de Dibujo y diseñador gráfico.

Estudió a los grandes maestros: Leonardo, Miguel Ángel y Durero, entre otros. Se interesó por el naturalismo y estudió la línea como expresión. Tiempo después sus necesidades expresivas lo llevaron a relacionarse con el poscubismo hasta llegar a desarrollar conocimientos en la abstracción y en la geometría.

Integró el "Grupo Joven" (1949-1951), y en 1959 fundó, junto con Eduardo Mac Entyre, el Movimiento de Arte Generativo de Buenos Aires con tendencias propias, que se nutren del constructivismo, el “op-art” (arte óptico) y del arte geométrico.

A finales de los setenta y principios de los ochenta, La luz gana autonomía y prevalece sobre todo elemento, en la pintura de Vidal, parece tomar el espacio, irradiando mayor energía Las bandas de color trabajan con veladuras y los límites se vuelven imprecisos, las curvas con ritmos melódicos se visualizan casi táctilmente.

Recibió los máximos galardones en nuestro país y en las bienales de San Pablo en 1965 y Tokio en 1980 entro otras.

Falleció en Buenos Aires el 15 de enero de 2009 a los 80 años de edad. Sus obras se exhiben en distintos museos de Europa y América.

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Título: Laberintos del viento Reproducción: Impresión en lienzo Medidas: 55,5 x 55,5 cm

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Título: Laberintos del pasado Reproducción: Impresión en lienzo Medidas: 55,5 x 55,5 cm

Nació el 19 de enero de 1839 en Aix-en-Provence, Francia, hijo de una familia pudiente y católica, aunque reticente al principio su padre lo ayudó financieramente para prosperar en su carrera artística. Cézanne conservó sus creencias católicas durante toda su vida.

A la edad de 22 años se traslada a París donde fue discípulo de Camille Pissarro. En su tiempo, fue más bien considerado un artista de segunda, así lo atestiguan las veces que fue rechazado en galerías, como también la imposibilidad de ganarse la vida con su trabajo.

Fue rápidamente categorizado como grosero, tímido, enojado, dado a la depresión. Mas tarde se centró en sus cuadros y se recluyo a pintar en solitud. Aún que sus pinturas no eran bien recibidas entre el público, que solía responder con sarcasmo y rabia.

Los cuadros de Cézanne son considerados como iniciadores del arte pictórico moderno. Sus obras, exhiben formas y colores impensables para su tiempo. Siempre intentó simplificar las formas y experimentar con las distintas maneras de percibir el espacio, así, las perspectivas y proporciones de sus obras resultan en ocasiones, muy particulares.

Sus composiciones, construidas en su mayoría por manchas de colores anidadas unas con otras, confieren a los cuadros un aspecto húmedo, fantástico y "falto de definición".

El legado de Cezanne es que desarrollo la practica de fracturar formas, que fue una influencia directa en el cubismo, y mas tarde en la fundación del arte moderno. Creó un puente entre el impresionismo y el cubismo, también se le conoce por ser el padre artístico de Matisse y Picasso.

Falleció el 22 de octubre de 1906 en su ciudad natal.

El camino torcido se encuentra en: Museo de Bellas artes de Boston.

Título: El camino torcido Reproducción: Impresión en lienzo Medidas: Alto 44,6 x ancho 53,7 cm

Nació en París el 17 de julio de 1796.

De familia acaudalada, Corot recibió una educación burguesa y realizó sus estudios secundarios entre 1807 y 1812 en la ciudad gótica y normanda de Ruan. Allí vivía con su amigo Sennegon, gran lector de Jean-Jacques Rousseau y muy cercano a las ideas ilustradas, de él adquirió el incipiente gusto por la naturaleza que luego desplegaría en su obra.

Ingresó en el estudio de Achille-Etna Michallon, reconocido paisajista, de quien aprendió a observar con detenimiento y precisión y ser auténtico al reproducir la naturaleza.

Mas tarde, en 1822 ingresa al estudio de Jean-Victor Bertin, allí conoce a otro paisajista que le aportó destreza en los principios de composición clásicos que caracterizan los paisajes más sosegados y bien estructurados.

En su primer y más largo viaje a Italia, entre 1822 y 1825, descubre fascinado los efectos de la rotunda luz meridional en Roma, en Tívoli y alrededores de Nápoles. Los temas pintados en Italia son, con frecuencia, los restos de monumentos de la Antigüedad romana. La luz italiana le enseñaría otra de sus aportaciones fundamentales.

En Francia, Corot prefería las horas de amanecer y el crepúsculo, cuando la luz se difumina, para salir al campo a pintar con esto ha logrado atmósferas intimistas y recoletas dadas por el juego de sombras, matices apastelados y la variedad de reflejos mórbidos que aporta la luz solar en su amanecer o en su ocaso. Pero en Italia aprendió que el color pasaba así a ser un factor relativo, cuyo papel en la tela dependía de los demás tonos que lo rodeaban. Con ello no sólo estaba avanzando un principio esencial del lenguaje impresionista, sino del de toda la pintura moderna. Con todo no le falto un cierto toque de romanticismo que se refleja en cierta tonalidad algo melancólica o nostálgica.

La influencia de Corot fue decisiva en los primeros pasos de Monet, Renoir y Berthe Morisot.

Falleció el 22 de febrero de 1857.

Título: Route de sin le noble Reproducción: Impresión en lienzo Medidas: - x - cm

3 7 Nació en París el 19 de julio de 1834, siendo el mayor de los cinco hijos de Célestine Musson De Gas, hija de una familia criolla de Nueva Orleans y de Augustin De Gas, un banquero francés.

Inició sus estudios en Derecho pero también se dedicó de manera muy temprana a la pintura gracias a la cultura y sensibilidad ante lo artísitico, transmitida por su padre.

Su privilegiada condición social, determinaría una buena parte de su obra, ya que le permitió conocer las colecciones particulares de pintura de la clase alta parisiense y formarse en la tradición clásica como autodidacta a través de múltiples viajes. Entre otras, tuvo acceso a copias y originales de Rafael Sanzio, Andrea Mantegna, Piero Pollaiuolo, Domenico Ghirlandaio y Sandro Botticelli.

En julio de 1856, Degas viaja a Italia, donde se establecería los siguientes tres años, comenzando los estudios para su primera obra: La familia Bellelli. Al mismo tiempo hacía copias de obras renacentistas, de Miguel Ángel, Rafael o Tiziano, entre otros. Sin embargo, contrariamente a las prácticas convencionales, Degas seleccionaba detalles de los cuadros que atraían su atención, usualmente figuras secundarias o alguna cabeza, los cuales trataba como un retrato.

De regreso a París, Degas descubrió el fascinante mundo escénico que tanto exaltó en su pintura.

La pintura de Degas se destaca por captar los efectos del movimiento, la mayor expresión de ésto se da en sus pinturas de bailarinas, planchadoras o figuras femeninas en general: mujeres bailando, bañándose o secándose, captadas en un instante.

Falleció el 27 de septiembre de 1917 en París.

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Título: Dos bailarinas. Amarillo y rosa.

Reproducción: Impresión en lienzo Medidas: Alto 49,5 x ancho 50 cm.

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Título: Arlequín bailando Reproducción: Impresión en lienzo Medidas: 47 x 59,5 cm

O ^8 ! ^!^)> Nació en París, Francia el 7 de junio de 1848. Hijo del periodista antimonárquico Clovis Gauguin y de Alina María Chazal, hija de la socialista y feminista Flora Tristán, cuyo padre formaba parte de una familia influyente en Perú.

En 1850 la familia dejó París y partió hacia Perú, motivados por el clima político del período.

De adolescente, en 1971, regresó a París y se enroló en la marina mercante, luego entró a trabajar en una empresa financiera de la capital y contrajo matrimonio.

Es en este período donde se empezó a interesar por el arte y se propuso tomar clases de pintura además de reunir una gran colección de obras impresionistas que incluía trabajos de Manet, Cézanne, Monet y Pissarro.

En 1883, el desplome de la Bolsa parisina lo conduce a tomar la decisión de dedicarse íntegramente al arte.

Entre 1886 y 1888 su obra experimenta un giro radical producto de dos acontecimientos claves: su encuentro con Vincent van Gogh y su primer viaje a la Martinica, en esta última descubrió un paisaje repleto de sensual colorido y una sociedad indígena, en estrecha convivencia con la naturaleza. Esto generó en Gauguin una profunda nostalgia por lo primitivo, allí iba a encontrar su lugar para el arte, un lugar desde donde expresar una emotividad no contaminada por el naturalismo propio del arte refinado.

Entre 1891 y 1903 permaneció durante largo tiempo en Tahití y las islas Marquesas, buscando el primitivismo para sus obras. Este proceso corrió de la mano de un creciente refinamiento tonal y de la presencia en su producción de una aura onírico-poética que en modo alguno parece reflejar la enfermedad y los conflictos personales (particularmente sus enfrentamientos con las autoridades locales en defensa de las comunidades indígenas) que marcaron los últimos años de su vida.

Murió la mañana del 8 de mayo de 1903.

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Título: Vahine no te miti Reproducción: Impresión en lienzo Medidas: Alto 58 x ancho 45 cm

Nació el 11 de octubre de 1803, en Middelburg, Holanda.

Creció en un entorno artístico, llegó a ser conocido durante su vida como el "Príncipe de la pintura de paisajes" y fue un paisajista aplaudido de su tiempo, considerado el padre fundador de la pintura de paisajes romántica holandesa.

Recibió innumerables premios y condecoraciones, entre sus clientes más famosos se encuentra el rey Friedrich-Wilhelm IV de Prusia, el zar Alejandro II y el rey Willem II de los Países Bajos.

A partir del año 1857, se centró en extensos paisajes boscosos en verano e invierno, un tema deducido de la serie de cuatro estaciones.

Al igual que otros pintores románticos como, Koekkoek pintó el motivo de pequeñas figuras dentro de entornos naturales imponentes y majestuosos para contrastar la humanidad humilde con la grandeza de la creación.

Este fue un tema popular en la Edad de Oro, la principal fuente de inspiración para los artistas del siglo XIX. Los paisajes que pintó en el entorno rural de Hilversum fueron bien recibidos. En 1829, la sociedad de Amsterdam Felix Meritis otorgó una medalla de oro a uno de los paisajes de verano de Koekkoek.

Cansado del llano Holandés, en 1834 se mudó a la antigua capital ducal de Cleves, Alemania, donde encontró su tema ideal en la región el Ahr, el Ruhr y el Rin. Grandes robles, caminos sinuosos y vistas panorámicas llenaron sus pinturas con una ingeniosa mezcla de detalles minuciosos y un ambiente atmosférico. En Cleves, donde pasaría el resto de su vida, Koekkoek pintó sus paisajes más importantes, que van desde extensos valles fluviales hasta paisajes idílicos de bosques dominados por uno o más robles.

Fundó su propia academia de dibujo (Zeichen Collegium).

Aconsejó a sus alumnos que estudiaran la naturaleza de cerca, que observaran las cualidades de la luz al amanecer y al atardecer y el desarrollo de las tormentas.

Murió el 5 de abril de 1862 en su amada ciudad de Cleves.

Título: En la playa Reproducción: Impresión en lienzo Medidas: 51,4 x 32 cm

Nació en el castillo de Albi en el seno de una familia de la nobleza.

Comenzó a dibujar en la infancia y posteriormente se formó en academias como las de Léon Bonnat y Fernand Cormon, donde conoció a Émile Bernard, Louis Anquetin y Vincent van Gogh, de quien hizo un excelente retrato (1887, Stedelijk Museum, Ámsterdam).

Se relacionó, entre otros creadores, con Vincent van Gogh, Pierre Bonnard y Paul Gauguin, y de este último tomó algunos rasgos estilísticos, como el uso de los contornos pronunciados. Pero las obras que más influyeron en su peculiar estilo fueron las de Edgar Degas y las estampas japonesas ukiyo-e. Del grabado japonés tomó la liberación del color de toda función descriptiva, su extensión en amplias superficies y la línea sinuosa, mientras que de los maestros del impresionismo admiraba especialmente la captación de la realidad inmediata.

Comenzó a frecuentar los cabarets, los cafés cantantes y los burdeles de París, tomando apuntes de amigos, artistas, bailarinas, prostitutas y cortesanos. Ese mundo turbador fe captado por Toulouse-Lautrec a través de su aguda percepción del movimiento, por las expresiones y los efectos de la luz En 1889 se inaugura en París el Moulin Rouge. La relación del pintor con el "Moulin Rouge" será especial al convertirse en uno de sus mejores clientes. Inmortalizó el local en numerosos carteles en los que figuran las grandes estrellas del cabaret y del cancán.

Falleció el 9 de septiembre de 1901.

Título: Retrato de Suzanne Valadon Reproducción: Impresión en lienzo Medidas: - x - cm

Nació en París el 25 de diciembre de 1883. Hijo de la pintora y modelo Suzanne Valadon y el bohemio Boissy, y tomó el apellido del pintor español Miguel Utrillo, que en el año 1891 lo reconoció como hijo.

Sus problemas con la bebida condicionarían su trayectoria vital y pictórica, ya que sus visitas a centros de salud fueron constantes a lo largo de su vida.

En sus inicios, imitó las formas impresionistas de Sisley, Pissarro y Raffaelli, pero hacia 1902 comenzó a pintar paisajes sórdidos acordes con su estado de ánimo. En 1907 se desligó de las influencias impresionistas y se inició su denominada "etapa blanca", época de gran fecundidad. Dejando atrás épocas en las que predominaron los tonos rojos y azules, su obra comenzó a sentir la influencia de su madre y adquirió una gran madurez.

Maurice solía pintar casi cualquier cosa que veía, sin detenerse a pensar demasiado en su producción, Montmartre era todo lo que él pintaba y un elemento que emerge como sumamente importante son sus blancos, determinando casi un estilo propio.

Los cuadros blancos de Utrillo son únicos en la historia del arte francés de vanguardia.

Sus primeras exposiciones en solitario datan de 1913, en el Salón de los Independientes y en la Galería Blot, en la que presentó alrededor de treinta cuadros.

A partir de ese momento sus obras se exhibieron con frecuencia en las más prestigiosas salas y, ya en 1925, era considerado como uno de los cinco pintores más célebres de París. Mantuvo amistad con Modigliani, al que conoció en una de sus frecuentes fiestas "báquicas".

Falleció el 5 de noviembre de 1955.

En la actualidad, su obra está representada en los principales museos de Arte moderno.

Título: Sagrado corazón de montmatre Reproducción: Impresión en lienzo Medidas: Alto 57,4 x ancho 42,4 cm

Nace en París, el 14 de noviembre de 1840. Pasa su infancia en Normandía, en la ciudad de El Havre, donde se instala junto a su familia con tan sólo cinco años. Poco a poco, el joven Monet logra desarrollar su pasión, empezando por la caricatura y, en 1859, estudiando pintura en la Academia Suiza de París, con el apoyo de su padre. Su marcha a Argelia al servicio militar en 1861 interrumpe sus estudios, sin embargo, continúa experimentando diferentes efectos artísticos. A su vuelta a París en 1862 tras una enfermedad que contrae (pleuresía), conoce al pintor suizo Charles Gleyre y trabaja junto a Alfred Sisley, Auguste Renoir y Frédéric Bazille, que se convertirán en buenos amigos.

El nacimiento de su hijo ilegítimo, Jean, en 1867 se sumó a graves problemas económicos que llevaron a Monet a pasar hambre y pobreza extrema. Tal es así que también tuvo un intento frustrado de suicidio.

Ocurrida la guerra franco-prusiana, Monet escapó a Inglaterra, allí se interesó mucho por la obra de Turner, que tanto influiría en su percepción de la luz y el color.

A partir de 1872, Monet se interesó por el estanque de Argenteuil como lugar idóneo para adaptar su técnica a la representación rápida del agua y la luz. El barco-taller de Monet se oponía radicalmente a la idea de estudio que veinte años antes exaltaba Courbet en su obra El estudio del pintor, y suponía un pintoresco testimonio de las principales aspiraciones impresionistas.

Según Monet, el pintor que se coloca ante la realidad no debe hacer distinciones entre sentido e intelecto.

El impresionismo ya era reconocido y Monet era considerado jefe de este grupo.

Durante los últimos treinta años de su existencia, el artista trabajó en su jardín de agua de Giverny. En un prado por el que pasaba un arroyo construyó un enorme jardín. Todo el tiempo y el dinero que Monet invirtió en la construcción de este jardín se vio compensado por las pinturas que de él surgieron.

El 5 de diciembre de 1926, Monet fallece en su casa de Giverny rodeado por su familia.

Título: Terraza en Saint - Andresse Reproducción: Impresión en lienzo Medidas: Alto 45 x ancho 59,5 cm

Título: La playa en Sainte-Adresse Reproducción: Impresión en lienzo Medidas: Alto 45,5 x ancho 59,5 cm

Título: Ile aux Fleurs Reproducción: Impresión en lienzo Medidas: Alto 48,5 x ancho 59,5 cm

Nació el 25 de octubre de 1881 en Málaga (España), en el seno de una familia burguesa.

Entre 1895 y 1900 residió en Barcelona donde estudió en la Llotja. Realizó un viaje a París y a su vuelta se trasladó a Madrid para estudiar en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. En 1904, regresó a la capital francesa donde se estableció de manera definitiva.

En la ciudad de París recibió influencia de la escultura ibérica presente en el Musée du Louvre y del arte africano del Musée d’Ethnographie du Trocadéro, de esta manera evolucionaron sus inicios figurativos de las épocas azul y rosa.

A fines de 1906, empezó a trabajar en una composición que en lo venidero iba a cambiar el curso del arte del siglo XX: Les demoiselles d'Avignon. Con una gran y persistente influencia de Cezanne y en compañía del joven pintor, Georges Braque, Pablo Picasso se adentró en una revisión de buena parte de la herencia plástica vigente desde el Renacimiento, especialmente en el ámbito de la representación pictórica del volumen. Las tramas geométricas eliminan la profundidad espacial e introducen el tiempo como dimensión al simultanear diversos puntos de vista: así se dió inicio al cubismo.

El estallido de la Guerra Civil española, preludio de la Segunda Guerra Mundial, lo empujó a una mayor concienciación política, fruto de la cual es una de sus obras más universalmente admiradas: Guernica (1937).

En 1944 se afilia al Partido Comunista Francés y da a conocer 77 nuevas obras en el Salón de Otoño.

Después se entusiasma por la litografía y por la joven pintora Françoise Guillot, con la que convive hasta 1946. Se inicia así su etapa de Vallauris, en la que trabaja en sus cerámicas.

En la década de 1950 realizó numerosas series sobre grandes obras clásicas de la pintura, realizó recreaciones de cuadros de grandes maestros, como Courbet, Delacroix o Velázquez. En su periodo final trató temas referentes a la muerte, al sufrimiento y al amor.

Título: Maternidad con cortina roja Reproducción: Impresión en lienzo Medidas: 57,8 x 43 cm

En 1518 nace en Venecia Jacopo Robusti, hijo de Giovanni Battista Robusti. Más conocido y reconocido bajo el apodo de Tintoretto, junto a Tiziano son los grandes maestros de la Escuela veneciana del Renacimiento italiano.

Era hijo de un tintorero de sedas, a quien le debe su sobrenombre.

No hay datos certeros sobre sus inicios en el arte, mas bien funcionan a modo de leyenda. La mas reconocida indica que entró en el taller de Tiziano pero luego de una semana fue expulsado por el maestro. Su expulsión la asoció a que Tiziano envidiaba sus dibujos, entonces decidió abrir un taller en el que se ofrecía bajo el eslogan: "El dibujo de Miguel Ángel y el color de Tiziano".

En 1539 se establece como maestro y lo que resulta curioso y levanta nuevamente los recelos con Tiziano, es que lo hace casi gratuitamente, cobrando sólo el material y algo para mantenerse, actitud que atrae a una importante clientela.

Se convierte en el pintor de los escorzos y de las diagonales: la violencia de sus obras es tan personal que hace que sean identificadas de manera fácil.

Su fama aumentó producto de la gran cantidad de sus encargos, lo que lo llevó a abrir un importante taller en el que trabajaban sus hijos Domenico y Marco, y su hija Marietta, más conocida como la Tintoretta.

De estos primeros años datan algunas atribuciones. Será la obra Milagro del esclavo (1548) la que le otorgue fama. Encargada por Marco Episcopi, guardián mayor de la Scuola de San Marcos, con cuya hija se desposará Tintoretto hacia 1553. Este será el inicio de una serie de encargos provenientes de diversas iglesias, como San Marziale o San Rocco, esta última a la cual estará destinada buena parte de su producción futura.

Casado con Faustina Episcopi desde 1550, su vida se desarrolla entre su casa y su estudio, ambos en el mismo edificio, la Fondamenta dei Mori. El 31 de mayo de 1594 fallecía en la misma Venecia que lo vio nacer y crecer.

Título: Natividad Reproducción: Impresión en lienzo Medidas: Alto 60,5 x ancho 43,5 cm

Nace en Valencia el 27 de febrero de 1863. Cuando tenĂ­a dos aĂąos de edad sus padres fallecieron a causa de una epidemia de cĂłlera y son sus tĂ­os maternos quienes se ocupan de ĂŠl y su hermana.

A sus 13 aĂąos entra en la Escuela de Artesanos de Valencia instituciĂłn y dos aĂąos mĂĄs tarde pasa a la Escuela Superior de Bellas Artes de Valencia. AllĂ­ muestra unas aptitudes extraordinarias para el manejo de los pinceles y la plasmaciĂłn de imĂĄgenes realistas, fuertemente influenciadas por los pintores valencianos de marinas.

Premiado al terminar esos estudios preliminares, ingresĂł en la prestigiosa Escuela de Bellas Artes de San Carlos en 1879. AllĂ­, influido por Pinazo, se aficionĂł a pintar al aire libre y al empleo de tonos claros y luminosos.

En 1884 se presentĂł al concurso convocado por la DiputaciĂłn Provincial de Valencia para ser pensionado en Roma. Obtiene la pensiĂłn gracias a un cuadro de historia, El grito del Palleter. En esta ĂŠpoca se dedicĂł sobre todo a cuadros de temĂĄtica histĂłrica, que no ofrecen demasiado interĂŠs.

Luego se trasladarĂĄ a ParĂ­s con su amigo el pintor Pedro Gil, donde entrarĂĄ en contacto con el Impresionismo, el cual revolucionarĂĄ su estilo. ComenzĂł a pintar al aire libre, visitando diariamente la luz y los colores que le brindaba el MediterrĂĄneo.

SerĂĄn estas obras que reproducen escenas a orillas del mar las que mĂĄs se identifican con el arte de Sorolla.

En el estilo mĂĄs caracterĂ­stico, ligado al impresioniismo se destaca por la particular representaciĂłn de la figura humana (niĂąos desnudos, mujeres con vestidos vaporosos, pesqueros a la orilla del mar) todos sobre un fondo de playa o de paisaje. Cobran aquĂ­ valor los reflejos, las sombras, las transparencias, la intensidad de la luz y el color. Algunos crĂ­ticos consideran estas obras un cruce entre los impresionistas franceses y los acuarelistas ingleses.

En 1923, fallece en Cercedilla (Madrid). Por deseo de su viuda, Clotilde GarcĂ­a del Castillo, la vivienda familiar y las colecciones fueron donadas al Estado EspaĂąol para crear un museo en su memoria.

TĂ­tulo: En la costa de Valencia ReproducciĂłn: ImpresiĂłn en lienzo Medidas: 47 x 31 cm

Nació el 30 de marzo de 1853 en Groot-Zundert de Holanda. Hijo de un pastor evangelista, fue criado en un contexto religioso y refinado. Mantuvo con su hermano Theo, cuatro años menor que él, una relación que sería determinante en su existencia y en su trayectoria artística. La correspondencia que ambos intercambiaron a lo largo de sus vidas testimonia la intimidad de esta relación y las pasiones y angustias humanas y creativas que atormentaron a Van Gogh en sus últimos años.

A los 16 años comenzó a trabajar como aprendiz en la galería de arte Goupil en La Haya.

Su religiosidad se había ido agudizando y decidió seguir los pasos de su padre e ingresar en la escuela evangélica. Fue enviado en 1879 como misionero evangelista a Wasmes, en la región de Borinage. Fue una época trascendental para Van Gogh, se dedicó por completo al cuidado de los mineros, despreocupándose de la ropa, de la comida y de los asuntos terrenales.

A su regreso en 1880, deseaba pintar gente trabajando, en un estilo crudo que expresara sus sentimientos.

En febrero de 1887 se traslada a Arles, al sur de Francia, buscando una mayor intensidad de luz. Realizó un gran número de obras, autorretratos, paisajes, pinturas de flores, como Los girasoles.

Durante ese período, Van Gogh empezó a utilizar las pinceladas ondulantes y los intensos amarillos, verdes y azules.

Luego de diferencias con Gauguin y discusiones violentas, Van Gogh termina cortándose una oreja con su navaja para expiar su culpa por haberlo atacado. Tras la marcha de Gauguin, Theo le visitó e hizo que ingresara en el hospital de Arlés. En mayo de 1889, ante el temor a perder su capacidad para trabajar, pidió ser ingresado en el hospital psiquiátrico de Saint-Rémy-de-Provence, donde permaneció doce meses.

Siguió trabajando mucho, incluso en el hospital, pero persistían sus crisis de melancolía, se sentía solo y sin fuerzas para luchar contra las alucinaciones que volvían a aparecer. El 27 de Julio de 1890, Van Gogh se disparó con un revolver y muere dos días después.

Título: Le Moulin de la Galette Reproducción: Impresión en lienzo Medidas: 59 x 49 cm

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