Curadurías 4 by Museo de arte contemporáneo

Año 5. / N° 3. / Julio - Diciembre, 2019 / ISSN 2422 – 1856

Año 5. / N°. 3 / Julio - Diciembre, 2019 / ISSN 2422 – 1856 MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO DE BOGOTÁ

CURADURÍAS IV

CORPORACIÓN UNIVERSITARIA MINUTO DE DIOS

MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO DE BOGOTÁ

Presidente P. Diego Jaramillo Cuartas, cjm

Dirección Gustavo Ortiz Serrano

Rector General P. Harold Castilla Devoz, cjm

Curaduría Sebastián Jiménez Cortés

Vicerrectora General Académica Dra. Marelen Castillo

Museografía Equipo MAC

Rector Sede Principal Dr. Jefferson Arias Gómez

Producción y Montaje Iván Cano Michael Owen

Vicerrector Académico Sede Principal Nelson Bedoya Directora General de Investigaciones Amparo Vélez Ramírez Director de Investigaciones Sede Principal Alirio Raigoso Directora General de Publicaciones Rocío del Pilar Montoya

Educación Tatiana Quevedo Equipo de educación Comunicación Sonia Chaves Comunicación Gráfica Andrés Villarreal Lezama Gestión Administrativa Andrea Guarín

Coordinadores de Publicaciones Sede Principal Jonathan Alexander Mora Christian Vega

MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO DE BOGOTÁ Curadurías IV Año 5. / N°3. / Julio - Diciembre / 2019 MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO DE BOGOTÁ, curadurías, es una publicación semestral tipo catálogo con investigaciones curatoriales en el campo del arte contemporáneo. Contiene artículos inéditos resultado de proyectos e investigaciones curatoriales, experiencias educativas, gestión y manejo de colecciones. Incluye reflexión temática e investigación histórica sobre el significado social de la cultura en el siglo XXI. Corporación Universitaria Minuto de Dios - UNIMINUTO. Todos los contenidos publicados en MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO DE BOGOTÁ, Curadurías Año 5. / N°.3. / Julio Diciembre, 2019 / ISSN 2422 – 1856 son seleccionados por el Comité Editorial de acuerdo con criterios establecidos. Están protegidos por el Registro de Propiedad Intelectual. Los conceptos expresados en los artículos y obras competen a sus autores, son su responsabilidad y no comprometen la opinión de UNIMINUTO. © Reservados todos los derechos a la Corporación Universitaria Minuto de Dios – UNIMINUTO. Está permitida la reproducción parcial de esta publicación en cualquier medio, incluido electrónico, siempre y cuando cite de forma clara la fuente.

Autor corporativo Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá - MAC Corporación Universitaria Minuto de Dios - UNIMINUTO Editor y director Gustavo A. Ortiz Serrano Autores colaboradores Gustavo Ortiz Sebastian Jiménez Juan David Quintero Tatiana Quevedo Hernan Barros Gabriela Sonnabed Alejandra Herrero Intérpretes MAC Asistentes de dirección Andrea Guarín Corrección de estilo y ortotipográfica Gustavo Ortiz Sebastián Jiménez Tatiana Quevedo

Edición fotográfica Andrés Villarreal Lezama Gusdigital Impresión Panamericana formas e impresos S.A. Tiraje Cien ejemplares Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá - MAC www.mac.org.co Carrera 74 # 82 A - 81 Bogotá D.C - Colombia 2019 Intérpretes Andrés Lozano, Angie Díaz, Camila Barco, Beatriz Garavito, Estefanía Álvarez, Michael Owen Coke, Natalia Guevara, Santiago Pulido, Harry Nicolaysen.

ISSN 2422 - 1856

Diseño gráfico y Diagramación Andrés Villarreal Lezama

Portada Andrés Villarreal Lezama

Foto portada Gusdigital

Impreso en Colombia - Printed in Colombia

Fotografía Gustavo Ortiz Andrés Villarreal Lezama Iván Romero Merchán Artistas expositores

El Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá, manifiesta su agradecimiento a todas las personas, los artistas donantes, las entidades aliadas, y las organizaciones que, con su generosidad, su consejo, su aporte, su aliento, su experiencia, su apoyo, y su trabajo; creen en que la cultura con significado social es posible.

QR Videos Equipo de comunicaciones UNIMINUTO

PRESENTACIÓN 18.

STUDIO 101

108

ACTIVIDADES

130

FOOD OF WAR

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NOS VISITAN

150

EXPERIENCIAS EDUCATIVAS

Presentation

MANIFIESTO DESCOLONIZADO 30. Porque hay mucho que decir 34. Entes

38 52

OBITUARIO

82. Peace at the table? 104. ¿Paz en las mesas? 9

¿Por qué decolonizar? El escenario del siglo XXI es complejo en cualquiera de sus componentes ya sea en lo político, en lo económico, en lo social, en lo ecológico, en lo cultural, en lo humano. Venimos de un siglo XX en donde las fuerzas ideológicas, las doctrinas económicas chocaron y generaron dos grandes conflictos bélicos, la primera y segunda guerras mundiales, pero en medio de ellas o posterior a ellas se dieron innumerables enfrentamientos en Medio Oriente, Lejano Oriente, Polinesia, Sur América, Centro América, Norte América, el Caribe, África del norte, África central, Sur África, Europa del este, Europa central, casi que podríamos decir que no hubo continente en el que no se presentara algún tipo de levantamiento, cambio de poder, derrocamiento, dictadura, revolución, infiltración, atentado, manifestación, etc.

FRONTERAS MÁS ALLÁ DE ABIERTAS LA COMPLEJIDAD

Los poderes tradicionales representados en las grandes potencias de Europa, Asia y Norteamérica han visto como se desmoronan sus imperios por múltiples factores como las economías emergentes, las nuevas formas de comunicación y acceso a la información, a la fragilidad de sus ideologías y al empoderamiento de los pueblos tradicionalmente sometidos y marginados.

El populismo tanto de izquierda como de derecha, unido a la polarización, la incertidumbre económica, el cercano fin de las energías basadas en los combustibles fósiles y la enorme crisis ambiental que amenaza con la extinción de la vida como la conocemos, son el caldo de cultivo de lo que se está gestando en el s. XXI, de aquí puede salir un engendro incontrolable o un ave fénix que emerja de las cenizas de la voracidad humana y que de fin a la era antropogénica. Podemos hablar de las diversas formas de decolonización pero considero que el reto mas grande es decolonizar la mente, ya que sin darnos cuenta repetimos constantemente modelos colonizadores en todos los campos como el trabajo, la familia, las relaciones interpersonales, la educación, la política, el arte; a la vez tenemos la capacidad de develar o desenmascarar estas prácticas y comportamientos con ejercicios sencillos de cambio de roles, yuxtaposición de ideas y análisis histórico-crítico.

La comida en el conflicto De las necesidades humanas fundamentales está la comida y de ella emanan innumerables rituales que a su vez refuerzan el profundo carácter social del acto de alimentarse o de alimentar a otros. No sabemos, pero podemos imaginar que los conflictos primigenios surgieron en el amanecer de la humanidad por la comida, ya sea por los campos de cacería, por las zonas de frutos y semillas o por la presa ya cazada que quiso ser arrebatada por otro grupo humano hambriento y agresivo. La estrategia de guerra es dejar sin suministros al enemigo, cortar sus fuentes de agua, quemar las cosechas, envenenar la tierra, cercar y cerrar las cadenas de abastecimiento alimentario, todo con la finalidad de doblegar su voluntad por el hambre. Igualmente la comida es fuente de unión, de fraternidad, de celebración; cada acontecimiento importante está marcado por una cena en la que se hace reconocimiento público a los padres, a los novios, a los graduados, a los victoriosos, a los visitantes, a los campeones, a los recién nacidos, a los muertos… y es motivo para preparar los platos típicos, incluir nuevos ingredientes, probar diferentes sabores e intercambiar

sobre la mesa los saberes, las anécdotas, los viajes, las historias, las creencias, los anhelos y las tristezas. Hace unos años, conocí a una inmigrante polaca que nos invitó a comer a su casa a pesar de habernos conocido apenas hacia unas horas, cuando llegamos allí su madre preparó rápidamente unos pasabocas y aunque la polaca hablaba algo de español la palabra “pasaboca” le llamó mucho la atención y repetía analizando su significado ... Pasa por la boca… claro, estos bocadillos pasan por la boca, la comida genera vínculos especiales, recuerdos imborrables donde se unen el sabor, el olor, el color, la textura, el lugar, el contacto y el calor. Si nos adentramos en la tradición judeo-cristiana, la conmemoración de la última cena a través de la eucaristía es una acción de gracias donde la comunidad come de un mismo pan y bebe de un mismo vino en señal de unidad; no es de extrañar que su alto valor simbólico confirme las profundas relaciones que tienen todos los seres humanos. Pero como en toda cena siempre están los excluidos, los que no son dignos de participar o de ser invitados o para quienes no alcanza la comida, o aquellos que llegan al convite a imponer sus gustos, a cambiar las reglas o simplemente a sabotear el evento; un

acto de disgusto es pararse de la mesa sin probar los alimentos, otro es comer pero criticar todo lo servido; también hay incontables casos documentados de fastuosos banquetes donde los invitados han sido envenados o donde el rey, el dictador o el opresor ha caído victima de alimentos ponzoñosos a tal punto que los mas esquizofrénicos tenían quién probara la comida previamente para evitar ser envenenados. “¿Paz en las mesas? es más que una simple exposición, busca convertir el museo en un foro activo de discusión y darle una mayor sensibilidad a la red de motivaciones y esfuerzos contra el conflicto.” Dice Gabriella Sonnabend al presentar la curaduría que se realiza en el Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá y coincidimos con ella al entender que los museos hoy en día son más que lugares de exposición y se han convertido en foros para discutir, crear redes y generar múltiples significados que van mas allá de lo que tradicionalmente se conoce como una obra de arte y mas específicamente con la comida que tiene un ingrediente fundamental: La provocación.

El futuro de la tradición El lema escogido para la XXV conferencia general del ICOM en Kyoto refleja el sentir de la comunidad museística internacional en su esfuerzo de mantener un equilibrio entre el valioso legado del pasado y los retos a los que nos enfrentamos en el escenario social del siglo XXI. Uno de los temas fundamentales de la asamblea fue la nueva definición de museo, en la cual se venía trabajando desde la reunión celebrada en Milán en 2016; de allí surgieron importantes preguntas ¿cuál es el compromiso social de los museos? ¿qué papel juegan dentro de la sociedad contemporánea? ¿las implicaciones de lo institucional y no institucional? ¿los conflictos éticos en la gestión del museo? ¿decolonizar el museo? ¿cuál es el rol educativo de los museos? El centro internacional de convenciones de Kyoto que acogió la XXV asamblea general, fue el foro de debate donde se escucharon las diversas opiniones sobre la nueva definición de museo que recibimos un mes antes; en líneas generales la definición propuesta tenía varias falencias, por un lado era muy extensa y difícil de memorizar; excluía términos muy estratégicos para los museos como ‘Institución’ o ‘educación’ que son los baluartes del trabajo museal

en muchos países del mundo y en muchos casos hasta forman parte de sus legislaciones culturales; por otro, y en aras de abarcar muchos conceptos de la contemporaneidad, se le asignaban al museo funciones extralimitadas como ‘garantizar la igualdad de derechos’, ‘la dignidad humana’, ‘la igualdad mundial’, ‘la justicia social’ y ‘el bienestar planetario’. Ante este panorama, la asamblea general postergó la aprobación de la nueva definición de museo y e invitó a los comités nacionales e internacionales a realizar aportes que permitan llegar a un consenso en la próxima asamblea ordinaria del 2020.

Estos tres tremas: la decolonización, la comida en el conflicto y el futuro de la tradición, marcaron profundamente las actividades y las reflexiones que desde el Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá generamos con la comunidad académica, con nuestros públicos y en sintonía con las realidades contemporáneas que nos afectan para la realizar la producción curatorial; esperamos que las imágenes y los textos que las acompañan sean también motivo de análisis y conduzcan a acciones en lo personal, lo colectivo y lo pedagógico para contribuir a la transformación que es inherente al significado social de la cultura.

Gustavo A. Ortiz Serrano Director MAC

Why decolonize ? The scenario of the 21st century is complex in any of his components, whether politically, economically, socially, ecologically, culturally, humanly. We come from a twentieth century where ideological forces and economic doctrines collided and generated two great war conflicts, the first and second world wars, but in the middle of them or after them there were innumerable clashes in the Middle East, Far East, Polynesia, South America, Central America, North America, the Caribbean, North Africa, Central Africa, South Africa, Eastern Europe, Central Europe, we could almost say that there was no continent in which there was no type of uprising, change of power, overthrow, dictatorship, revolution, infiltration, attack, demonstration, etc.

BEYOND THE COMPLEXITIE

Traditional powers represented in the great players of Europe, Asia and North America have seen their empires crumble due to multiple factors such as emerging economies, new forms of communication and access to information, the fragility of their ideologies and the empowerment of traditionally subdued and marginalized peoples. Populism from both the left and the right, together with polarization, economic uncertainty, the near end

of fossil fuel-based energies and the enormous environmental crisis that threatens the extinction of life as we know it, are the broth of cultivation of what is brewing in the s. XXI, from here an uncontrollable spawn or a phoenix can emerge that emerges from the ashes of human voracity and ends the anthropogenic era. We can talk about the various forms of decolonization but I think the biggest challenge is decolonize the mind, because without realizing constantly repeat models settlers in all fields such as work, family, relationships, education, politics, the art; At the same time we have the ability to unveil or unmask these practices and behaviors with simple exercises to change roles, juxtapose ideas and historical-critical analysis. The food in the conflict Of the fundamental human needs is food and from it emanate innumerable rituals that in turn reinforce the deep social character of the act of feeding or feeding others. We do not know, but we can imagine that the primitive conflicts arose at the dawn of humanity for food, either hunting grounds for fruits areas and seeds or prey and hunted who wanted to be snatched away by another hungry group and aggressive human.

The war strategy is to leave the enemy without supplies, cut off their water sources, burn the crops, poison the land, fence and close the food supply chains, all in order to bend their will for hunger. Likewise, food is a source of union, of fraternity, of celebration; each important event is marked by a dinner in which public recognition is made to parents, boyfriends, graduates, victors, visitors, champions, newborns, the dead... and it is reason to prepare the typical dishes, include new ingredients, taste different flavors and exchange on the table the knowledge, anecdotes, travel, stories, beliefs, desires and sorrows. A few years ago, I met a Polish immigrant who invited us to eat at her home despite having met just a few hours ago, when we arrived there her mother quickly prepared some snacks and although the Polish woman spoke some Spanish the word “pasabocas” attracted much attention and analyzing its meaning... repeated passes through the mouth... of course, these snacks go through the mouth, food generates links, where indelible memories melt the taste, smell, color, texture , the place, the contact and the heat. If we enter the Judeo-Christian tradition, the commemoration of the last supper through the Eucharist is a thanksgiving where the community eats the same

bread and drinks the same wine as a sign of unity; It is not surprising that its high symbolic value confirms the deep relationships that all human beings have.

food that has a fundamental ingredient: provocation.

But as in every dinner is always excluded, those who are not worthy to participate or be invited or who does not reach the food, or those who come to the treat to impose their tastes, to change the rules or simply to sabotage the event; an act of disgust is to stand by the table without trying food, another is to eat but criticize everything served; There are also countless documented cases of lavish banquets where the guests have been poisoned or where the King, the dictator or the oppressor has fallen victim to poisonous food to the point that the most schizophrenic had who previously tried the food to avoid being poisoned .

The slogan chosen for the XXV ICOM general conference in Kyoto reflects the feeling of the international museum community in his effort to maintain a balance between the valuable legacy of the past and the challenges we face in the social scene of the 21st century .

“Peace at the tables? It is more than just an exhibition, it seeks to turn the museum into an active forum for discussion and give greater sensitivity to the network of motivations and efforts against conflict.“ Says Gabriella Sonnabed to present the curatorial project that takes place at the Museum of Contemporary Art Bogotá and we agree with her understanding that the museum today are more than places of exposure and have become forums for discussion, networking and generate multiple meanings that go beyond what is traditionally known as a work of art and more specifically with

The future of tradition

One of the fundamental themes of the assembly was the new museum definition, which had been working since the meeting held in Milan in 2016; from there, important questions arose, What is the social commitment of museums? What role do they play in contemporary society? The implications of the institutional and non-institutional? The conflicts ethical management of the museum? Decolonizing the museum? What is the educational role of museums? The Kyoto International Convention Center that hosted the XXV General Assembly was the forum for debate where the various opinions on the new definition of a museum we received a month before were heard; in general, the proposed definition had several shortcomings, on the one hand it was very extensive and difficult to memorize; it excluded very strategic

terms for museums such as ‘Institution’ or ‘education’ that are the bastions of museum work in many countries of the world and in many cases are form part of their cultural laws; on the other, and in order to cover many contemporary concepts , the museum was assigned extra-limited functions such as ’guaranteeing equal rights’, ‘human dignity’, ‘world equality’, ‘social justice’ and ‘the planetary well-being ‘. Against this background, the general assembly postponed the approval of the new museum definition and invited national and international committees to make contributions that will allow reaching a consensus at the next ordinary assembly of 2020. These three themes : the decolonization, the food in the conflict and the future of the tradition, deeply marked the activities and the reflections that from the Museum of Contemporary Art Bogotá we generate with the academic community, with our public and in tune with the contemporary realities that affect us to carry out curatorial production; we hope that the images and texts that accompany them are also grounds for analysis and lead to personal, collective and pedagogical actions to contribute to the transformation that is inherent in the social meaning of culture. Gustavo A. Ortiz Serrano MAC Director

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Yo pinto porque tengo la necesidad de salir a la calle a hacer graffitis, no porque pierda followers.

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La dimensiรณn de una mirada Entes Graffiti sobre pared + Strappo 2019

Vacío Entes Graffiti sobre pared + Strappo 2019

Calle 1 Entes Graffiti sobre pared + Strappo 2019

“El arte siempre debe preguntar algo… debe ser completamente visceral y revolucionario, dentro de mis creencias” así se expresa Joan Jiménez de su obra, un limeño de mediana edad y rasgos característicos de su peruanidad, esa que lleva marcada en sus graffitis, en sus expresiones y en su pensamiento, el cual, también encuentra asentamiento entre tracks de Hip Hop y Jazz, su mente, como sus gustos musicales, pueden pasar fácilmente de escuchar a John Coltrane a J Dilla o Talib Kweli. Muchos no relacionaran el nombre de Jimenez con su obra, pero al mencionar el A.K.A. “ENTES”, estaremos frente a uno de los graffiteros más reconocidos en Latinoamérica, icono de esta expresión urbana en su natal Perú y creador del festival Latidoamericano, el cual se convirtió en una vitrina internacional para el Street art de los países suramericanos, los cuales tiene

sus principales representantes Colombia, México y Perú.

ENTES ha estado marcado por el contexto político de su país, las recientes elecciones presidenciales de 2016, lo motivaron a encaminar sus obras a protestar en contra de la ex candidata Keiko Fujimori, el ya fallecido ex Presidente Alan García y de varios políticos que en el Perú han sido tildados de estar vinculados con actos de corrupción. En la misma línea el artista urbano desea transmitir a través de sus trazos la milenaria cultura inca y las expresiones tradicionales de las calles en las cuales ha perfeccionado su técnica después de pasar por la Escuela de Arte Corriente Alterna; por eso en sus graffitis encontramos personajes de marcados rasgos afros, latinos e indígenas y en particular, como un sello personal de ENTES, una nariz amplia y jibada, al igual

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que unos labios de gran dimensión que simbolizan el orgullo de una raza guerrera que permanece a través de cada expresión de la ciudadanía que se ve representada en los muros de la ciudad de Lima, sin ninguna otra pretensión que la de dejar una imagen en la mente de los transeúntes que dedican un tiempo a analizar la semiótica que cada dibujo representa. En cada una de sus apariciones en entrevistas y artículos, ENTES hace énfasis sobre el cambio de concepción que la sociedad debe realizar sobre los artistas urbanos; quienes han sido tildados de vándalos por intervenir muros y expresar sus ideas en las calles, de acuerdo a su opinión, los grafiteros se han esforzado por estudiar y tener claras las técnicas de pintura para poder practicarlas en los espacios públicos para acercar a los públicos a un auténtico “arte contemporáneo” que se sale de los recintos cerrados y silenciosos que son los Museos, para incluirse en el diálogo cotidiano de las personas de cualquier condición socio económica e incluso ser el detonante para una revolución que no se verá en las redes sociales, pero quedará fija en las mentes de quienes tengan contacto con alguna de las obras de este peruano que a pulso, se ha ganado un espacio en la nueva ola latinoamericana de artistas visuales que se abren campo en Europa y América del Norte.

Miradas 1 Entes Graffiti sobre pared + Strappo 2019

Molotov Chicha Entes Graffiti sobre pared + Strappo 2019

Porque hay mucho que decir Han pasado más de 20 años desde que el artista limeño Joan Jiménez (Entes) salió a las calles a pintar de forma ilegal y a encontrarse con una serie de discursos, experiencias, vivencias, sonidos, diálogos, fronteras, comunidades, barrios y agites que sólo la calle enseña. Siempre he dicho “que los mejores aprendizajes se encuentran en ella”. Es por eso, que su trabajo que se ha enmarcado desde una teoría-crítica y practica hacia una Latinoamérica racista, excluyente que siempre se ha encargado de juzgar, aislar e intimidar lo nacido desde el graffiti. Como uno de los pioneros de esta técnica de resistencia contemporánea en el Perú, sus procesos se han gestado de la mano de muchos grandes nombres del graffiti en el mundo, Entes cuenta su historia de identidad latinoamericana, hablar de culturas indígenas, cosmogonía, ancestralidad, religiosidad, folklore y va en contra de los cánones establecidos por una colonización que todavía se ve reflejada en nuestra cultura. Es así, que Entes durante más de dos décadas ha reflejado en sus muros y lienzos un tipo de figuración donde los personajes que hablan son las comunidades afroperuanas , las mujeres como Victoria Santa Cruz, gran representante de la cultura peruana, indígenas, llenas de color como se caracterizan los latinos, trazos fuertes que significan una lucha ideológica y coherente por medio de la calle y el arte, por eso, es tan importante resaltar su trabajo desde las raíces para entender su nueva producción artística. Esta etapa y proceso que se puede rastrear desde el año 2008, busca por medio de la técnica del strappo y escultura, la cual, consiste en arrancar la superficie cromática de una pintura

La revolución no se verá en instagram Entes Graffiti sobre pared 2019

mural, con la que se consigue separar la película que forma la pintura del rebozado del muro donde se encuentra. Para este caso se ha hecho de forma ilegal. La extracción de carteles chicha, trozos de muro pintados con una memoria pasada, se yuxtaponen para formar un palimpsesto con su marca, con una nueva narrativa de las calles de Lima, de su gente y de cómo se vive en estos no lugares con sus discursos reales. Esta muestra, nos acérca un poco más a los procesos que se han ido generando desde la investigación del graffiti y sus bifurcaciones estéticas y visuales, busca escudriñar un momento actual de la historia, un significado con replanteamientos teóricos e investigaciones que de alguna forma van por el camino deseado.

Juan David Quintero Curador invitado

As one of the pioneers of this contemporary resistance in Peru, His processes have been developed by the hand of many great graffiti names in the world, Entes tells his history of Latin American identity, speaking of indigenous cultures, cosmogony, ancestrality, religiosity, folklore and goes against the canons established by a colonization that is still reflected in our culture. Thus, for more than two decades, Entes has reflected on his walls and canvases a type of figuration where the characters who speak are Afro-Peruvian communities, women like Victoria Santa Cruz, a great representative of Peruvian culture, indigenous people, full of color as Latinos are characterized, strong strokes that mean an ideological and coherent struggle through the street and art, that is why it is so important to highlight their work from the roots to understand their new artistic production.

Fรณsil de oro Acero oxidado, lรกmina de oro 120 x 120 cm 2018

Black Power Entes Graffiti sobre pared 2019

VARIANTES FICCIONALES SOBRE UNA SOLA OSCILACIÓN De la serie la incipiente teoría romántica de la auto expresión Andres Frix Bustamante Instalación 2019

El proyecto parte de ideas y lenguajes dispares en una suerte de nomadismo discursivo que le permite pasar sin problema, y de forma intuitiva, de una cosa a otra a la vez que incorpora, sobre la marcha, los resultados surgidos durante el proceso. 39

Se denomina oscilación a una variación, perturbación o fluctuación en el tiempo de un medio o sistema y es allí donde la curaduría parte de la supuesta oficialidad de lo cotidiano con el objetivo de desarmarla y cuestionarla con base a continuas irregularidades y alteraciones de aquello esperado, Infiltraciones no previstas en los desarrollos, procesos y formalizaciones que desdibujan el modelo temporal básico de idea inicial-presentación final a partir de un juego constante, errático y eufórico de ensayo/error.

Geode Carlson García colectivo Vinilo adhesivo reflectivo 2019

Por ello, su posicionamiento se resiste a repeticiones metodológicas para definirse más bien desde un esquema de apropiación obsesiva y desmedida en el que, sin alejarse de la realidad cotidiana, explora diferentes contextos de conocimiento. En el proyecto VARIANTES FICCIONALES SOBRE UNA SOLA OSCILACIÓN, la pintura, el dibujo y la animación funcionan como capítulos inacabados de un relato más amplio y también inconcluso. Intentos no fallidos y no exitosos por ofrecer una interpretación flexible, descategorizada e indefinida desde la búsqueda o la necesidad quizá utópica, quizá inútil de otro tipo de semiótica no estandarizada que permita afrontar y comprender lo expuesto sin pasar por la imposición. Universos paralelos generados desde contextos como el cómic, los fanzines o ciertos momentos de la historia del arte como el art brut o la mala pintura. Es decir, entornos ficticios dotados de más o menos veracidad que sugiere cierto grado de evasión y/o alejamiento de la vida diaria, ya sea por agotamiento, por desconfianza por búsqueda utópica o por puro aburrimiento. Studio 101 42

Gris One Él Acrílico sobre lienzo 60 x 40 cm 2018

La lucha de Kippenberger y San Jorge contra el dragĂłn Esteban Mantilla collage (papel, pintura, telas, luces de neon, cajas de luz en acrĂlico) 2019

You are the universe in ecstatic motion Silvia Chaparro FotografĂa 2019

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La estética del agotamiento Andrés Frix Bustamante Collage, bordado sublimación y anudado en lana 2019

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La estética del agotamiento Andrés Frix Bustamante Collage, bordado sublimación y anudado en lana 2019

La ópera de los cerdos Simone Mattar & Food of War Instalación Gastroperformance 2017-2019

El colectivo Comida de Guerra ha estado viajando por el mundo durante los últimos 10 años, investigando y respondiendo a narrativas contemporáneas e históricas donde la comida encapsula la complejidad de diferentes conflictos, presentando su trabajo en forma de exhibiciones multidisciplinarias.Estos conflictos no son solo políticos, se extienden de lo familiar a lo social y abarcan lo colectivo y lo individual, retratan los conflictos de creencias, de dogmas, de identidad personal, de narrativas contradictorias, son el tejido de la vida humana. 53

Para la última y más ambiciosa exposición de Comida de Guerra titulada ¿Paz en las mesas?, 25 artistas nacionales e internacionales responden a esa relación en el contexto de la Colombia contemporánea presentando su trabajo en el Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá. Acercarse a un tema tan vasto como la relación entre comida y conflicto es una tarea interminable, la relación entre la comida y el conflicto está tan entrelazada como la de la vida humana con la respiración. Con cada exposición, este colectivo internacional (5 artistas principales más los artistas invitados) se ha centrado en una historia particular, creando proyectos expansivos que invitan al público local a participar compartiendo sus puntos de vista e historias. El título de la exposición ¿Paz en las mesas? evoca una multitud de imágenes y como una frase a menudo se refiere a su antítesis, habla también del caos más allá de la mesa. Sugiere un momento en el que el entorno doméstico actúa como una isla protegida de los turbulentos océanos circundantes, las tormentas y los tsunamis que ocurren más allá. Implica que para lograr la paz, debemos estar dispuestos a compartir la intimidad, comer juntos, usar los mismos utensilios, respirar el mismo aire, estar en el mismo lugar al mismo tiempo. Esta es una idea hermosa, pero para poder comer juntos, primero debemos saber dónde se realiza la comida, acceder al transporte para llegar a ese lugar, entender los idiomas de los demás para compartir historias, ser tolerantes a los mismos alimentos, compartir los sabores, estar igualmente capacitados para sentarnos uno al lado del otro en el mismo nivel y no estar intimidados por nuestros vecinos para sentir que podemos Tesis 2014 sentarnos junto a ellos. 56

Las cosas bellas nos hacen esclavos Rafael Gómez Barros Escultura de metal 2019

El conflicto interno de Colombia es como un enorme nudo, atado furiosamente con hilos que se extienden a países, corporaciones e individuos de todo el mundo, que van desde la historia profunda hasta el presente. Para dilucidar el conflicto se requiere el conocimiento de innumerables historiadores, activistas, líderes indígenas, periodistas y científicos; aquellos con conocimiento de los muchos recursos naturalesdel país y cómo estos han sido cultivados y explotados a lo largo del tiempo; aquellos que entienden la geografía de la nación y cómo los Andes y el Amazonas han actuado como barreras impenetrables entre las comunidades; aquellos que han estudiado cómo los diversos ecosistemas han dado refugio a los perseguidos y el secreto de los autores ocultos; historiadores de prácticas indígenas; de la historia colonial; de corporaciones americanas; de la fundación de las fuerzas armadas revolucionarias y el crecimientodelosmilitaresyparamilitares, todo esto y más sin siquiera abordar el tema de la cocaína. La historia de Colombia es probablemente una de las más complejas e incomprendidas del mundo, glamorizada por algunos, demonizada por otros, es un país definido por enemistades y promesas de sangre, una nación de pasión, amor, miedo y dolor impulsado por la comida y conflicto. En “One River”, el botánico Wade Davis comparte una visión profunda de la relación entre la biodiversidad de Colombia y la geopolítica, como lo ilustra la dependencia de Estados Unidos de su botánico Shultes para navegar en territorio desconocido del Amazonas con el fin de identificar una variedad de caucho que podría resistir la plaga. y generar suficiente goma para ganar la Segunda Guerra Mundial. En “Las venas abiertas de América 57

a los espíritus malignos, pero también representa una moneda antigua. Antes de que los españoles colonizaran América Latina, la sal era más valiosa que el oro (un conducto para comunicarse con los espíritus del cosmos). Los españoles le dieron valor financiero al oro, codiciando el recurso y así, creado una nueva fuente de conflicto. La sal es también el legado de los Wayuu de La Guajira, el único pueblo indígena de Colombia que nunca ha sido desposeído de sus tierras. En Gran Bretaña, la frase darle “sal a una herida” sugiere que estamos exacerbando una situación ya de por si dolorosa y en el antiguo testamento convertirse en un pilar de sal es un castigo por desobedecer a Dios. Esta pieza encapsula estas referencias y muchas más.

su escultura “Corazón”, dos patas de pájaro se extienden de una lata chapada en oro, formando una figura de corazón. Estos están encerrados en un frasco de vidrio, presentándose como una reliquia del museo. Para Castañeda, la lata es un motivo crucial, que hace referencia al punto que deseamos importar y exotizar productos extranjeros, abandonando así nuestras propias tradiciones. Él observa el cambio de algo que se impone a una cultura, a una cultura que espera, incluso quiere esa imposición. Esta pieza hace referencia específica a un fenómeno que surgió del reciente tiempo de paz en Colombia. Después de la firma del tratado del 2016, grandes áreas previamente dominadas por las FARC se han abierto al resto del país y, por lo tanto, al resto del mundo. Esto crea impactos tanto positivos Omar Castañeda usa oro para jugar como negativos, especialmente en con las ideas de valor y jerarquía. En la Amazonía, donde los biólogos y Latina”, Eduardo Galeano ilustra la relación inextricable entre los recursos naturales en el continente y la geopolítica, siguiendo narraciones desde la identificación de un recurso, hasta la aplicación de la mano de obra esclava para extraerlo, pasando por los monocultivos que diezman ecosistemas, hasta el inevitable colapso de las sociedades y la dependencia de las importaciones, asistencia social y medidas más drásticas. Gabriel García Márquez termina su épica “Cien años de Soledad” con una referencia a la masacre de las bananeras de United Fruits en 1929, que puede verse como el catalizador de los disturbios políticos. En “Más terrible que la muerte”, Robin Kirk revela cómo las FARC y los grupos paramilitares manipularon el conflicto en Colombia para permitirles apoderarse de los recursos naturales. Estos son solo un pequeño número de textos cruciales que comienzan a desentrañar el nudo 58

de la historia y el conflicto colombiano. ¿Qué significa paz en las mesas en Colombia? En 2016, después de medio siglo de conflicto, las Fuerzas Armadas Revolucionarias de Colombia (FARC) entregaron sus armas a un equipo de las Naciones Unidas y se firmó un tratado de paz en Cuba. En el conmovedor video de Esteban Peña, “Sal”, vemos una imagen hecha de sal que muestra seis manos unidas para simbolizar un acuerdo. Las manos pertenecen al presidente Santos (Colombia), el presidente Raúl Castro (Cuba) e Iván Márquez (jefe de las FARC). Durante cuatro minutos, el artista usa sus propias manos para borrar la imagen histórica, recordando a la audiencia la fragilidad de la paz, la naturaleza indefinida de la política y el dolor y la amargura que quedan después de la destrucción de una promesa. En Colombia, la sal se usa para alejar 59

ยกBuen provecho! Ingrid Cuestas Ilustraciรณn. Marcador sobre porcelana 2019

botánicos han descubierto nuevas especies de plantas y animales y, simultáneamente, las comunidades indígenas previamente aisladas y protegidas han sido expuestas rápidamente al mundo moderno, trayendo consigo enfermedades, tecnología y un flujo de nuevos alimentos. incluidos los productos enlatados y lo más problemático, el azúcar. La introducción del azúcar en las comunidades indígenas ha traído rápidamente numerosos problemas de salud que ponen en peligro la vida de una nueva manera impulsada por el proceso de paz. El nuevo acceso al territorio de la jungla, previamente inexplorado, trae consigo nuevas formas de comercio y con el descubrimiento de especies viene la amenaza de extinción, con la libertad viene la exposición al ciclo del capitalismo. La escultura de Castañeda existe dentro de un campanario, quizás con ironía, para recordarnos que nada puede permanecer realmente contenido, rechazando un alivio de la culpa y responsabilidad. El pasado prevalece en el presente. Finalmente haciendo referencia a las antiguas prácticas indígenas, Castañeda usa el oro como un conducto para los dioses modernos del capitalismo y el comercio. Tratando de entender cómo las comunidades indígenas de la Amazonía se han vuelto tan rápidamente adictas al azúcar lo cual conduce a problemas relacionados con la obesidad, Quintina Valero ha pasado los últimos meses forjando conexiones con las comunidades amazónicas. Arepas Raúl Marroquin & Food of War Instalación – Video Performance 2018 - 2019

Las fotografías de Valero son el resultado de las estrechas relaciones que forma con sus sujetos, quienes frecuentemente nunca han compartido 63

Familia Cano Álvarez Panaderos de San Cristobal - Antioquia Liliana Patricia Correa Fotografía Digital 2018

sus historias. Su enriquecedor método de investigación le ha permitido conocer algunas de las situaciones más frágiles del mundo, por ejemplo, en su serie que describe a los sobrevivientes del desastre de Chernobyl. Organizarse para pasar tiempo en el Amazonas ha resultado particularmente desafiante, ya que los furiosos incendios forestales han hecho que grandes extensiones de la selva sean inaccesibles y hayan resultado en una gran presencia militar. Actualmente se desconoce si podrá comunicarse con su comunidad indígena elegida para contar su historia. Ahora, en 2019, debido a las fisuras en la implementación del tratado de paz, es imposible saber qué actor del conflicto reclamará próximamente esta tierra.

Tremendo Cambur Fuera Maduro Nina Dotti Fotografías - Stickers 2014 - 2019

Sol Bailey-Barker analiza otra era de la historia del azúcar. En su escultura “Commonwealth” combina un bate de cricket británico de 1910 con 300 cucharas, refiriéndose así al período de la historia de 1655-1834 en el que Gran Bretaña dominó las Indias Occidentales con la producción de azúcar utilizando mano de obra barata y esclavos de África; El comercio del azúcar construyó la infraestructura del Imperio Británico. La riqueza acumulada por la explotación de los esclavos africanos y los recursos del Caribe está incrustada en la Gran Bretaña moderna, visible en la arquitectura de las ciudades, la abundancia cultural de los museos británicos, los puertos, los canales y la configuración de la economía del Reino Unido. Durante el apogeo de este período, el azúcar ingresó a Gran Bretaña a un ritmo que permitió que los precios cayeran hasta un punto en que los trabajadores pudieran consumir el producto, a tal punto que el té azucarado reemplazó a la cerveza como alimento básico para los trabajadores. La importación altamente adictiva que proporciona aumentos de energía a corto plazo, 66

se convirtió rápidamente en una muleta para una nación alimentada para sostener un imperio. Bailey-Barker usa un bate de cricket para reflexionar sobre la disparidad entre las vidas de las clases y también sobre cómo los pasatiempos británicos se extendieron con el imperio, transformándose para simbolizar la lucha de otras culturas con el imperialismo británico y su ruptura. Teniendo en cuenta otro tipo de monocultivo, la serie fotográfica “Maduro” de Nina Dotti depende del juego de palabras referente al nombre del actual presidente de Venezuela, Nicolás Maduro. Utilizando sin rodeos el plátano como un símbolo fálico para resaltar la naturaleza egoísta y machista de los políticos venezolanos, la pieza tiene un contexto histórico pesado que evoca la frase ‘República bananera’, un estado que es políticamente inestable como resultado del dominio de su economía por un sola exportación controlada por capital extranjero. La crisis alimentaria de Venezuela no se debe a la falta de recursos, el cambio climático o los desastres naturales, es una crisis impulsada solo por la política. Durante la presidencia de Chávez, los altos precios del petróleo y los recursos aparentemente abundantes justificaron su gasto desenfrenado que nacionalizó granjas, fábricas y corporaciones y subsidió alimentos. Después de la muerte de Chávez en 2013, Maduro asumió el papel de presidente heredando una deuda paralizante combinada con la caída de los precios del petróleo. Su respuesta fue imprimir dinero, lo que llevó a la hiperinflación, frenó las importaciones, estranguló las industrias nacionales y cuando finalmente decidió reforzar el control de la moneda, el resultado fue la corrupción, la pobreza y el hambre generalizada. Para empeorar las cosas, Maduro comenzó a recompensar la lealtad política al otorgar subsidios alimentarios a quienes se inscribieron 68

¿Quién tiene Hambregram? Food of War Instalación 2018 - 2019

en la Tarjeta de la Patria (que rastrea la eco de las aterradoras palabras participación en la votación). de los líderes fascistas anteriores y refleja los sentimientos de las La serie de collage de Juan personas xenófobas de todo el Cabello refleja la crisis que representa mundo. La pieza de Cabello destaca tanto los estantes vacíos como la lo difícil que puede ser conciliar una abundancia natural, confluyendo la realidad enormemente compleja percepción exótica del mundo de los con proyecciones externas de lo países latinoamericanos con la cruda que es y representa un país. Habla realidad de la vida en la Venezuela de un poder para marcar las de hoy. La crisis alimentaria de narrativas de los demás, mientras Venezuela es tan extrema que sus que convenientemente hace la vista ciudadanos están huyendo a través gorda. ¿Cómo podemos traer esto a de la frontera hacia Colombia para la mesa en busca de una solución? resolver sus necesidades básicas. Con más de un millón (1.408.055, cifra El dolor de ser un sobreviviente y un migración Colombia) de venezolanos desadaptado se enfoca en la pieza viviendo ahora en Colombia, el de Marina Abramovic, “The Onion”, dogma que sugiere que son personas en la que mira a la cámara y come perezosas e incompetentes se está una cebolla cruda mientras las extendiendo para justificar por qué lágrimas corren por su rostro. Su voz esto ha sucedido. La idea de que en off lamenta una vida de sentirse los venezolanos de alguna manera inadecuada y culmina en el punto han provocado esta crisis se hace en que expresa su vergüenza por la Labranzagrande José Ismael Manco Carbón vegetal sobre lienzo 2019

The rabbit tales Rafael Rodríguez Video digital 2013

guerra en Yugoslavia, la forma en que se ve y su deseo de algo más. La pieza termina con ‘Quiero no querer más’. Su ingesta de cebolla parece evocadora de que Eva coma la manzana prohibida en el Jardín del Edén, el vínculo atemporal entre la búsqueda del conocimiento y la exposición al dolor, como si quisiera engendrar un castigo inevitable. Esta pieza habla de la realidad de ser una mujer visible dentro de cualquier estructura social contemporánea, asociando la lucha femenina para articularse públicamente con un sentimiento de vergüenza proyectado en los actos de valentía y autoconfianza. En contraste con la pieza de Dotti “Maduro”, aquí nuestra protagonista femenina debe consumir lo que es amargo en lugar de lo que está maduro si desea tomar el centro del escenario.

La pieza hace eco de los trabajos anteriores de Abramovic, como por ejemplo, “El arte debe ser hermoso, Los artistas deben ser hermosos”, proponiendo la inseparabilidad del cuerpo y la mente desafiando las limitaciones aparentes de la resistencia física. “The Onion” también proporciona un mensaje de esperanza como es la resistencia y disposición de Abramovic para exponer su propia lucha. Es un recordatorio de nuestra capacidad para superar la adversidad proveniente del choque con el otro y quizás más conmovedora aquí, proveniente desde dentro de nosotros mismos. Jorge Eliécer Gaitán, un hombre que luchó frente a la adversidad y generó grandes esperanzas para su país, fue político y líder del movimiento socialista de Colombia en la década de 1940. Gaitán soñaba con unir a la gente y era tanto adorado 71

Nuevas especies Omar CastaĂąeda Esculturas 2018

Nuevas especies Omar Castañeda Esculturas 2018

como despreciado. Después de su asesinato en 1948 (lo que provocó los disturbios que desataron la Violencia), su hija conservó su cerebro y su corazón en formaldehído, con la esperanza de que algún día fuera estudiado científicamente. Desafortunadamente, debido a la falta de precisión en el proceso de preservación a lo largo del tiempo, el formaldehído se secó y el cerebro y el corazón se congelaron en el Museo Gaitán, ahora semi abandonado en Bogotá. El artista Germán Arrubla recientemente obtuvo acceso a este Museo para crear una serie fotográfica del cerebro de Gaitán en su condición actual, el cual se vé increíblemente como chocolate. En esto es en lo que se convierte en un gran líder, después de un peculiar acto de amor de una hija que espera que el futuro pueda aprender del pasado, un pasado ahora congelado e indescifrable. Reflexionando sobre cómo la comida puede ser una expresión de amor, el curador y escritor Hernán Barros describe a su madre como la primera Gastroperformer en su vida. Cuando era niño, Barros se negó a comer, por lo que su madre encontró un sinfín de formas de convertir su comida en obras de arte relacionadas con elementos del mundo que entusiasmaron a su hijo, haciendo referencia a lo que estaba aprendiendo en la escuela, viendo en la televisión o leyendo en libros, todo dándole forma a las arepas que él consumía. Barros, desde entonces mantuvo una fascinación referente a cómo la comida puede convertirse en forma de expresión y cómo se puede utilizar para abordar temas incómodos o polémicos. Como curador y colaborador dentro de este proyecto, esto se evidencia más claramente en la colaboración de Comida de Guerra con Simone Mattar.

Simone Mattar presenta “Ópera de los Cerdos”, un desafiante espectáculo gastronómico sobre corrupción y poder, que expone a su audiencia a una cacofonía de resoplidos, gruñidos, expresiones de animales y explicaciones humanas. A través de una narración cantada, Mattar revela en tres actos cómo el cerdo continuará habitando los sueños más profundos de cocineros y poetas, manteniendo un lugar sagrado en el subconsciente de la humanidad. Históricamente, el cerdo simboliza dinero y pobreza, celebración y repulsión, suerte y avaricia. El cerdo ha sido utilizado como una metáfora a lo largo de la historia humana, desterrado por algunas religiones y culturas, mientras que otros lo han entendido como un espejo de la humanidad. Simone emplea los rasgos dramáticos de la ópera; su plasticidad, teatralidad, la convergencia de mitos, realidad,

Abulia Germán Arrubla Impresión sobre papel 2015

metáforas y personajes retratados con absurdo y sinceridad. Esta pieza presenta una forma de arte utilizada y adaptada a lo largo de los siglos de la misma manera que el cerdo se ha adaptado a través de recetas locales a lo largo del tiempo. La forma de la ópera permite al artista disfrutar de la sátira política mientras se mantiene alejado del sujeto, protegido en parte por lo absurdo de la actuación. Dentro de Colombia, esta pieza adquiere un nuevo contexto histórico que hace referencia a la introducción del cerdo a América Latina en el siglo XVI por los conquistadores españoles. En agosto de 2019, Iván Márquez y Jesús Santrich de las FARC publicaron un video en YouTube en el cual anunciaban su regreso a la guerra después de sólo tres años de paz. Justifican el conflicto porque sienten que el gobierno no ha mantenido su lado del acuerdo y se desconoce 75

cuántos soldados retirados de las FARC elegirán unirse al conflicto después de experimentar el estar fuera de la guerra de guerrillas. El tratado de paz no ha terminado con todos los conflictos y otras fuerzas violentas se han beneficiado en el reciente período de paz. Sin embargo, ha mostrado a muchos la posibilidad de una vida más allá del conflicto constante que permite a los guerrilleros regresar con sus familias y disfrutar de los elementos más básicos e importantes de la vida humana, como compartir alimentos juntos.

Pueblo en crisis Juan Cabello Impresión digital 2018

¿Paz en las mesas? es más que una simple exposición, busca convertir el museo en un foro activo de discusión y darle una mayor sensibilidad a la red de motivaciones y esfuerzos contra el conflicto. Durante un período de tres meses, el Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá se convierte simbólicamente en la mesa en la que se invita a todas las voces a sentarse juntas para compartir cada una su parte en esta vasta narrativa que ayuda a desentrañar el denso nudo que es la historia colombiana, que en última instancia es una historia global. Las obras de arte se convierten en alimentos, para ser masticados y digeridos, convirtiéndose en parte de la constitución del público. Las obras deben ser consumidas y digeridas para que la audiencia comparta una cultura interna y se vea a través de los ojos del otro. Por lo tanto, toda la exhibición es una actuación gastronómica, una ópera multisensorial que tiene espacio para ideas y opiniones en un contexto seguro. Es una invitación a encontrar nuevas formas de vivir a través de una comunicación abierta, comenzando con el simple acto de compartir en la mesa. Gabriela Sonnabed Curadora 78

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Supervivencia y tradiciĂłn en el Amazonas Quintina Valero FotografĂa digital impresa 2019

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PEA CE AT THE TA BLE? The Food of War collective have been travelling around the world over the past 10 years, researching and responding to contemporary and historic narratives where food encapsulates the complexity of different conflicts, presenting their work in the form of multimedia exhibitions. These conflicts are not just political, they stretch from the familial to the societal and encompass the collective and the individual, they portray conflicts of belief, of dogma, of personal identity, of contradicting narratives, they are the fabric of human life. 82

Insect Flesh Camilo Manrrique Instalaciรณn 2018 - 2019

Yoon Don Hwi Artista en residencia Intercambio MAC con la fundaciรณn Jeju 2018

Embargo Hernán Barros Instalación 2016 - 2019

For the latest and most ambitious Food of War exhibition entitled Peace at the Table?, 25 international and national artists respond to the subject within the context of contemporary Colombia presenting their work at the Museum of Contemporary Art in Bogotá. Approaching a subject as vast as Food of War is a Sisyphean task, the relationship between food and conflict is as entwined as that of human life with breath. With each exhibition this international collective (5 core artists and guest artists) has honed in on a particular history, creating expansive projects which invite local audiences to participate through sharing their views and stories.

Embargo Hernán Barros Instalación 2016 - 2019

The exhibition title Peace at the Table? conjures a multitude of images and as a phrase often evokes its antithesis, it speaks also of the chaos beyond the table. It suggests a moment in which the domestic setting acts as an island safeguarded from the turbulent surrounding oceans, the storms and tsunamis beyond. It implies to achieve peace we must be willing to share intimacy, to eat together, to use the same utensils, to breath the same air, to be in the same place at the same time. This is a beautiful idea but in order to eat together, first we must know where the meal is taking place, we must be able to access transport to reach that location, we must understand each other’s languages to share stories, we must be tolerant to the same foods, to share the flavours, we must be equally ablebodied to sit beside each other at a level and we must not be intimated by our neighbours, to feel we can sit beside them.

Being Animal Aguadas de tinta china Pintura reflectiva sobre papel de arroz 2018

Raped Seeds Omar CastaĂąeda Tinta de panela 2016

Colombiaâ&#x20AC;&#x2122;s internal conflict is like an enormous knot, furiously tied together with strings stretching to countries, corporations and individuals all over the world, reaching from deep history to the present. To unpack the conflict requires the knowledge of countless historians, activists, indigenous elders, journalists and scientists; those with knowledge of the many natural resources of the country and how these have been cultivated and exploited over time; those who understand the geography of the country and how the Andes and the Amazon have acted as an impenetrable barriers between communities; those who have studied how the diverse ecosystems have given refuge to the persecuted and secrecy to hidden perpetrators; historians of indigenous practices; of colonial history; of American corporations; of the founding of revolutionary armed forces and the growth of the military and paramilitary - all this and more without even broaching the subject of cocaine. Colombiaâ&#x20AC;&#x2122;s history is probably one of the most complex and misunderstood in the world, glamorised by some, demonised by others, it is a country defined by both blood feuds and blood promises, a nation of passion, love, fear and pain driven by food and conflict. In One River botanist Wade Davis shares a deep insight into the relationship between the biodiversity of Colombia and geopolitics, as illustrated by the dependency of America on their botanist Shultes to navigate unknown territory of the Amazon to identify a genus of rubber tree which could withstand blight and generate enough rubber to win the Second World War. In The Open Veins of Latin America Eduardo Galeano illustrates the inextricable relationship between natural resources in Latin America and geopolitics, following

La revolución del hambre Food of War Escultura 2019

narratives from the identification of a resource, to the enforcement of slave labour to extract it, to mono farming decimating ecosystems, to the inevitable collapse of societies and dependance on imports, welfare and more drastic measures. Gabriel Garcia Marquez ends his epic 100 Years of Solitude with a reference to the United Fruit Banana Massacre of 1929 which may be seen as the catalyst of political unrest. In ‘More Terrible Than Death’ Robin Kirk reveals how both FARC and paramilitary groups manipulated the conflict in Colombia to allow them to seize natural resources. These are just a small number of crucial texts which begin to unravel the knot of Colombian history and conflict. What does Peace at the Table mean in Colombia? In 2016, after half a century of civil conflict, The Fuerzas Armadas Revolucionarias de Colombia (FARC) turned over their weapons to a United Nations team and a peace treaty was signed in Cuba. In Esteban Peña’s poignant video piece Salt we see an image made of salt showing six hands joining together to symbolise an accord. The hands belong to President Santos (Colombia), President Raul Castro (Cuba) and Iván Márquez (Head of FARC). Over four minutes the artist uses his own hands to erase the historic image, reminding the audience of the fragility of peace, the indefinite nature of politics and the pain and bitterness that remains after the destruction of a promise. In Colombia, salt is used to ward off evil spirits but it also represents an ancient currency. Before the Spanish colonised Latin America, salt was more valuable than gold (a conduit to commune with the spirits of the cosmos). The Spanish gave gold currency, coveting the resource, creating a new source of conflict. Salt

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Buy now, pay later Food of War Mixta 2019

is also the legacy of the Wayuu of La Guajira, the only indigenous people of Colombia never to have been dispossessed from their land. In Britain the phrase adding ‘salt to a wound’ suggests we are exacerbating an already painful situation, in the old testament being turned to a pillar of salt is punishment for disobeying god. This piece encapsulates these references and many more. Omar Castañeda uses gold to play with ideas of value and hierarchy. In his sculpture Heart two bird feet reach out of a gold plated tin can, forming a heart shape. These are encased by a glass jar, presented as a museum relic. For Castañeda, the tin is a crucial motif, referencing the point we desire imports and exoticize foreign commodities, thus abandoning our own traditions. He observes the shift from something being imposed upon

a culture, to a culture expecting, even wanting that imposition. This piece specifically references a phenomena which has arisen from the recent peace-time in Colombia. After the signing of the 2016 treaty, large areas previously dominated by FARC have been opened up to the rest of the country and thus to the rest of the world. This creates both positive and negative impacts especially in the Amazon where biologists and botanists have discovered new plant and animals species and simultaneously previously isolated and protected indigenous communities have been rapidly exposed to the modern world bringing with it disease, technology and an influx of new food including tinned products and most problematically, sugar.

Flia. de la serie Omnia Vanitas Diana VelĂĄsquez AcrĂlico sobre pared 2016

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Commonwealth Sol Bailey Barker Instalación 2017-2019

The introduction of sugar to indigenous communities has rapidly brought with it numerous health issues endangering life in a new way shepherded in by the peace process. New access to previously unchartered jungle territory brings with it new forms of profiteering, with discovery of species comes threat of extinction, with freedom comes exposure to the entrapment of capitalism. Castañeda’s sculpture exists within a bell jar perhaps with irony to remind us that nothing can truly remain contained, refusing a relief from guilt and responsibility. The past prevails in the present. Finally referencing ancient indigenous practices, Castaneda uses gold as a conduit to the modern gods of capitalism and trade. Seeking to understand how the indigenous communities of the Amazon have become so quickly addicted to sugar leading to sudden issues with obesity, Quintina Valero has spent the past months forging connections with Amazon communities. Valero’s photographs are the result of the close relationships she forms with her subjects who frequently have never shared their stories. Her nurturing method of investigating has allowed her insights into some of the world’s most fragile situations for example in her series depicting survivors of the Chernobyl disaster. Organising to spend time in the Amazon has proven particularly challenging as raging forest fires have made vast stretches of the jungle inaccessible and resulted in a large military presence. It is currently unknown whether she will be able to reach her chosen indigenous community to tell their story. Now in 2019 as the peace treaty has ruptured it is impossible to know which conflict will next lay claim to this land.

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Sol Bailey-Barker looks at another era of the history of sugar. In his sculpture Common Wealth he combines a 1910 British cricket bat with 300 spoons. Referring to the period of history from 1655-1834 in which Britain dominated the West Indies with sugar production using both indentured labour from Britain and slaves from Africa; the sugar trade built the infrastructure of the British Empire. The wealth amassed from the exploitation of African slaves and Caribbean resources is embedded into modern Britain, visible in the architecture of cities, the cultural abundance of British museums, the ports, the canals and the configuration of the UK economy. During the height of this period, sugar was entering Britain at a rate which enabled prices to drop to a point where working people could consume the commodity, with sugary tea replacing beer as the staple for workers. The highly addictive import, which provides short term energy boosts, rapidly became a crutch for a nation fuelled to sustain an empire. Bailey-Barker uses a cricket bat to reflect both on the disparity between the lives of the classes and also on how British pastimes spread with the empire, morphing to symbolise other cultures struggle with British imperialism and the break from it. Considering another mono-farmed resource, Nina Ditto’s photographic series Maduro (meaning ‘ripe’ in English) hinges on the pun in the name of the current president of Venezuela, Nicolas Maduro. Unapologetically using the banana as a phallic symbol to highlight the egotistical and macho nature of Venezuelan politicians the piece has a weighty historical context evoking the phrase ‘Banana Republic’ a state that is politically unstable

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The onion Marina Abramovic Video 1996

as a result of the domination of its economy by a single export controlled by foreign capital. Venezuela’s food crisis is not due to a lack of resources, climate change or natural disasters, it is a crisis propelled by politics alone. During Chavez’s presidency high oil prices and seemingly abundant resources justified his unrestrained spending which nationalised farms, factories and corporations and subsidised food. After the death of Chavez in 2013, Maduro took over the role of president inheriting with it a crippling debt teamed with plunging oil prices. His response was to print money, leading to hyperinflation, he curbed imports, strangled domestic industries and when he finally decided to tighten currency control the result was corruption, poverty and widespread hunger. To make matters worse Maduro began to reward political loyalty by giving food subsidies to those who signed up for the Fatherland Card (which tracks voting participation). Juan Cabello’s collage series reflects on the crisis depicting both empty shelves and natural abundance, conflating the world’s exotic perception of Latin American countries with the stark reality of life in Venezuela today. Venezuela’s food crisis is so extreme that its citizens are fleeing across the border into Colombia to seek basic necessities. With over one million Venezuelans now living in Colombia, dogma suggesting they are lazy, incompetent people is spreading to justify why this has happened. The idea that Venezuelans have somehow brought this crisis upon themselves echoes the terrifying words of previous facist leaders and mirrors the sentiments of xenophobic people the world over. Cabello’s piece highlights how hard it can be to reconcile a 97

vastly complex reality with outsider projections of what a country is and represents. It speaks of a power to brand one another’s narratives whilst conveniently turning a blind eye. How can we bring this to the table in search of a solution?

La ópera de los cerdos Simone Mattar & Food of War Instalación Gastroperformance 2017-2019

The pain of being a survivor and an outsider is brought into sharp focus in Marina Abramovic’s piece The Onion in which she stares at the camera and eats a raw onion as tears run down her face. Her voice-over laments a life of feeling inadequate and culminates at the point where she expresses her shame over the war in Yugoslavia, the way she looks and her wanting of anything. The piece ends with ‘I want not to want anymore.’ Her eating of the onion feels evocative of Eve eating the forbidden apple in the Garden of Eden, the timeless link between a quest for knowledge and exposure to pain, as if her wants beget inevitable punishment. This piece speaks of a women’s visibility within any contemporary societal structure, associating the female struggle to articulate oneself publicly with a feeling of shame projected on acts of bravery and self-belief. In contrast to Ditto’s piece Maduro, here our female protagonist must consume what is bitter rather than what is ripe is she wishes to take centre stage. The piece echoes Abramovic’s earlier works for example ‘Art must be Beautiful, Artists must be Beautiful’ proposing the inseparability of body and mind by challenging apparent limitations of physical stamina. The Onion does also provide a message of hope as Abramovic’s endurance and willingness to exposure her own struggle is a reminder of our capacity to overcome adversity from others and perhaps most poignantly here, from within. 98

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One man who fought in the face of adversity and had great hope for his country, Jorge Eliécer Gaitán was a politician and leader of Colombia’s socialist movement in the 1940s. Gaitan dreamt of uniting the people and was both adored and despised. After his assassination in 1948 (which arguable sparked La Violencia) his daughter preserved his brain and heart in formaldehyde, hoping one day for it to be scientifically studied. Unfortunately due to the lack of precision in the preservation process over time the formaldehyde dried out and the brain and heart congealed in the semi-abandoned Gaitan museum in Bogotá. Artist German Arrubla recently gained access to this museum to create a photographic series of Gaitan’s brain in its current condition which he shows looks uncannily like chocolate. This is what becomes of a great leader, after a peculiar act of love from a child who hopes the future may learn from the past, a past now congealed and indecipherable.

Simone Mattar presents Opera of the Pigs, a challenging gastroperformance about corruption and power, which exposes her audience to a cacophony of snorts, grunts, animal expressions and human explanations. Through a sung narrative Mattar reveals in three acts how the pig will continue to inhabit the deepest dreams of cooks and poets, holding a sacred place in the subconscious of humanity. Historically the pig symbolises money and poverty, celebration and repulsion, luck and greed. The pig has been used as a metaphor throughout human history, banished by some faiths and cultures whilst being understood as a mirror of humanity by others.

Using the dramatic traits of opera; its plasticity, theatricality, the convergence of mythos, reality, metaphor and characters portrayed with absurdity and sincerity; this piece presents an art form used and adapted throughout the centuries in the same way the pig has been Reflecting on how food can be adapted through local recipes over an expression of love, curator and time. The opera form allows the artist writer Hernan Barros describes his to indulge in political satire whilst mother as the first gastro-performer maintaining distance from the subject, he encountered. As a child, Barros protected in part by the absurdity of refused to eat so his mother found the performance. endless ways to turn his food into artworks that related to elements Within Colombia this piece takes on of the world which excited her son, a new historical context referencing referencing what he was learning at the introduction of the pig to Latin school, watching on TV or reading American in the 16th Century by the in books all in the form of arepas. Spanish conquistadors. Now pork is a Barros maintained a fascination with staple of the Colombian diet found in how food can become performance almost every meal. and how this can be used to approach awkward or contentious In August 2019, Iván Márquez and subject matter. As a curator and Jesús Santrich of FARC released a and collaborator within this project Youtube video announcing their return this is most clearly evidenced in the to war after just three years of peace. Food of War’s collaboration with Justifying conflict because they feel the government has not upheld Simone Mattar. their side of the deal it is unknown 100

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Agradecimiento a la escuela de gastronomĂa Mario Moreno por su vinculaciĂłn en el evento inaugural de Food of War.

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how many retired FARC soldiers will chose to rejoin the conflict after experiencing lives outside of guerrilla warfare. The peace treaty has not ended all conflict and other violent forces have profiteered in the recent peace period. It has, however, shown many the possibility of a life beyond constant conflict allowing guerrilla soldiers to return to their families and enjoy the most basic and important elements of human life such as sharing food together. Peace at the Table is more than just an exhibition, it seeks to turn the museum into an active forum of discussion and heightened sensitivity to the web of motivations for and efforts against conflict. Over a period of three months the Museum of Contemporary Art symbolically becomes the table, at which all voices are invited to sit together to share their piece of this vast narrative helping to unravel the dense knot of Colombian history which is ultimately a global history. The artworks become the food, to be chewed on and digested becoming part of the audiencesâ&#x20AC;&#x2122; constitution. The works must be consumed and digested in order for the audience to share an internal culture and to see through each otherâ&#x20AC;&#x2122;s eyes. Thus the entire show is a gastroperformance, a multi-sensory opera which holds space for ideas and opinions in a safe context. It is an invitation to find new ways of living through open communication beginning with the simple act of sharing food.

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El colectivo artístico Comida de Guerra fue creado a principios de la década pasada en Londres por dos artistas Colombianos inspirados inicialmente por fenómenos sociales y culturales provenientes del Medio Oriente. Con el apadrinamiento de los artistas británicos Gilbert and George, el colectivo y su manifesto fueron lanzados oficialmente en una exhibición en el este de Londres. El conflicto entre Rusia y Ucrania, el desastre nuclear de Chernobil y el desarrollo del Gastroperformance fueron los siguientes pasos en el camino de Comida de Guerra.

y recibir una nueva era en armonía no sólo con el medio ambiente sino con nosotros mismos.

Con artistas en su mayoría provenientes de Europa y Colombia, era cuestión de tiempo que Comida de Guerra dirigiera su atención hacia América Latina, trabajando diferentes temas en países como Brasil, Perú y México.

La diversidad está presente en el centro de Comida de Guerra pero no mediante la asignación de simples cuotas de representación. La relación entre comida y conflicto puede tener una amplia gama de variables y es más probable que se encuentren mediante una mezcla heterogénea de subjetividades. La fuerza que corre detrás de cada artista refleja no sólo sus luchas internas sino también sus ansiedades políticas, las obsesiones personales y, en mayor medida, la esencia de su propio núcleo, en este caso proyectado en lo que Comida de Guerra es y en lo que podría convertirse. Para cada exhibición, no siendo esta una excepción, se eligieron artistas de diferentes nacionalidades, puntos de vista políticos, géneros y edades para ensamblar conceptos similares con diferentes procedimientos en una deconstrucción continua de las relaciones políticas y económicas de poder que subyacen a los procesos detrás de la comida.

Comida de Guerra en Colombia marca el inicio de un nuevo camino donde el colectivo y los artistas invitados a colaborar son inspirados tanto por la complejidad de las historias de conflicto relacionados con la comida en el país como por las iniciativas que buscan sanar y empoderar a traves de trabajar los frutos de la tierra.

Iniciativas para adoptar nuevos cultivos, directrices innovadoras de comercio y la interacción con la globalización son algunas de las estrategias relacionadas con la comida como ruta para dejar la ilegalidad y construir una nueva nación. Lo que alguna vez fue la raíz del conflicto, es ahora la razón para edificar la paz, aquella la que todos le queremos dar la bienvenida en nuestros corazones y en nuestras mesas.

La comida ha jugado un papel importante en los conflictos ya que está conectada a la falta de apoyo a los campesinos, a la presencia de grupos al margen de la ley que controlan grandes extensiones de tierra e incluso está en el centro del debate en lo que se refiere a los programas de erradicación de cultivos ilícitos los cuales usan sustancias químicas que ponen en peligro al Desde los derechos LGTB, la medio ambiente, la tierra, el agua y a la responsabilidad ecológica, la protesta población. política, el abastecimiento de alimentos, la colonización occidental, la variedad .Tras la firma de los acuerdos de La de temas que ejemplifican la intersección Habana en el 2016, los cultivos y el de alimentos y conflictos es casi tan trabajo de la tierra se han convertido amplia como la cantidad de recetas en el camino para dejar atrás la guerra que se preparan en este planeta. Si se 106

disecciona adecuadamente, un plato de comida tiene el potencial de ser una biopsia sociopolítica de su propio tiempo. La forma en que se transporta, se sirve, se come, sus elementos, las técnicas de cocina, todo refleja profundamente su ubicación, la cultura, la tradición, la economía y demás factores. La experiencia estética en Paz en las mesas ? es un menú de arte que da fe de tal afirmación y es para el colectivo una primera aproximación a lo que hace a Colombia tan rica y única. El país atraviesa tiempos complicados enfrentando las complejidades del posconflicto, la polarización, la migración venezolana y el manejo de los recursos naturales recientemente accesibles. Sol Baily Barker, Zinaida Kubar y Marina Abramovic son algunos de los artistas internacionales que participan en este exposición, cada uno en diferentes etapas de su propia carrera, contribuyen de manera más abstracta al trabajar conceptos más universales, mientras que los artistas locales tienden a hablar directamente con los problemas que afectan a sus propias comunidades. Otros, como Raúl Marroquín y Omar Castañeda, son colombianos residentes en el extranjero que incluyen problemas globales reflejados en representaciones locales como las arepas o la panela. Líderes en su propio campo como Raúl Marroquín (Videoarte), Marina Abramovic (Performance) y Simone Matar (Gastroperformance) cuyos trabajos en medios audiovisuales añaden capas adicionales de sabor a la receta curatorial, se presentan aquí como eventos importantes y diseñados especialmente para romper el flujo pacífico de una exposición tradicional.

Espinosa, Adriana Ramírez e Ingrid Cuestas sazonan la exposición con tres eventos diferentes trabajando un proceso de integración de la comunidad transgénero con sus vecinos y detractores (Espinosa), utilizando el intercambio de la mesa como parte de la reconciliación política (Ramírez) e incluso como reivindicación de los verdaderos héroes de la cadena alimentaria, los pequeños productores y sus tradiciones que destacan la Gastrosophia (Cuestas). Quintina Valero (Fotografía) y Rafael Gómez-Barros (Escultura), ambos audaces tanto técnicamente como en sus posturas sociales, aportan piezas sobre los oprimidos, las víctimas del sistema, los sobrevivientes a su manera y manifiestos en el trabajo de estos artistas. La guerra y la comida se relacionan debido a las capas subyacentes de poder que cimentan sus bases, de ahí la forma en que se intersectan en tantos rincones. Cada artista encuentra un vórtice relevante para su propia práctica, una conección tan válida como cualquier otra pero tan única que aporta un tejido importante al tapiz de discursos en que se está convirtiendo el colectivo. La telaraña tejida por las cadenas de comida y conflicto se despliega casi translúcida en un patrón interminable, entrelazado frente a nuestros ojos y expandiéndose a través de nuestros estómagos. Está en todas partes, en nuestras mesas, refrigeradores y supermercados, es difícil de evitar y nos empuja hasta el punto de concluir que si somos lo que comemos, entonces todos somos Comida de Guerra.

No sería una exhibición de Comida de Guerra si una experiencia gastronómica no fuese presentada como parte de Hernan Barros la experiencia del espectador. Tomás 107

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SEGUNDO SEMESTRE 110

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La XXV Asamblea General del ICOM se realizó en el centro de convenciones de Kyoto, cuyo lema fue Los museos como ejes culturales: el futuro de la tradición. Durante las sesiones se trataron temas relacionados con los retos de los museos en el siglo XXI como: Construyendo futuros sostenibles a través de los museos; Definición del museo; Museos en tiempos de desastres; conferencias magistrales como: Iniciativa para la selva amazónica brasileña, a cargo del fotógrafo Sebatiao Salgado y La Era del Bosque, a cargo del arquitecto Kengo Kuma.

ASAMBLEA

KYOTO

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La Universidad de Keio en alianza con UMAC organizó este seminario de dos días, para explorar el poder de los museos universitarios que desencadenan intercambios de personas y conocimientos de diferentes culturas, a través de un panel de discusión, presentación de ponencias y sesiones de carteles. También ofreció visitas a museos y colecciones universitarias en Tokio.

SEMINARIO

La ponencia Barrio Museo, cultura con significado social, fue seleccionada para este seminario dentro del ciclo sobre ciudadanía y museos universitarios. En la ponencia compartimos la experiencia que llevamos realizando desde hace un poco mas de cinco años con la comunidad habitacional del Barrio Minuto de Dios en la realización de murales de arte urbano y cómo esta experiencia ha potenciado las relaciones entre el museo, la universidad los artistas y los habitantes del barrio. Por sus características únicas este proyecto tuvo gran acogida en el seminario ya que constituyó un ejemplo de cómo un museo universitario puede relacionarse con sus vecinos mas allá de los límites de la universidad.

TOKYO

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CARTOGRAFÍAS PAGANAS

GUAYAQUIL En alianza con el Museo Antropológico y de Arte Contemporáneo de Guayaquil MAAC, se llevó a cabo durante los meses de agosto y septiembre la curaduría de arte urbano cartografías paganas, que incluyó las obras de 40 artistas Ecuatorianos y Colombianos. Tanto en el MAAC como en la Universidad de las Artes de Guayaquil, tuvimos la oportunidad de compartir los procesos y alcances comunitarios del proyecto Barrio Museo que lidera el MAC donde se han integrado artistas, curadores y vecinos.

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Desde su primera edición el Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá ha estado presente en la Feria de Arte Bogotá ArtBo, colaborando con el componente académico, participando de los foros y promoviendo las nuevas generaciones de artistas visuales en Colombia; son quince años en los que hemos visto crecer la actividad cultural de nuestra capital, hemos creado y afianzado importantes relaciones interinstitucionales para ampliar nuestro rango de acción.

ARTBO 15 AÑOS

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El pasado mes de octubre de 2019 tuvo lugar una semana de encuentro museístico en contexto latinoamericano (07.10.2019 – 11.10.2019) organizado por el ICOM Internacional y el ICOM Colombia en alianza con el Museo de la Memoria en la ciudad Santiago de Cali. La semana de talleres se realizó en el Museo de la Tertulia y en la Casa Obeso donde acudieron representantes de museos provenientes de distintos países, así como Perú, México, Argentina, Chile, San Salvador, Brasil y Colombia.

MUSEOS PARA LA RECONCILIACIÓN CALI

Personalmente tuve la oportunidad de ampliar mis conocimientos acerca de las diversas posibilidades museográficas orientadas a las curadurías específicamente en museos de la memoria. En los talleres se indagó sobre distintas propuestas museográficas para el diseño de curaduría entorno a la temática de la memoria en el postconflicto colombiano. Mi aporte como curador del Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá fue dar una visión de integración e inclusión social através de las curadurías en diálogo con su colección, participando así en un encuentro de intercambio cultural, metodológico, conceptual y teórico con los integrantes de los talleres.

Cada dos años durante 3 días, es sector museológico de Latinoamérica ser dispone para encontrarse, discutir, reencontrarse, soñar, tejer redes entre pares museológicos, con charlas, talleres, almuerzos para compartir. Este espacio se convierte en una plataforma para tejer redes, inspirarse, y reprensar los procesos que venimos trabajando en nuestras instituciones. En su tercera versión el Mac tuvo la oportunidad de asistir gracias a la Beca otorgada por el Getty Fundación a la coordinación de educación.

MUSEO REIMAGINADO OAXACA

Podemos decir que fue un espacio muy gratificante lleno de alegrías que nos permitió reformular las acciones que venimos trabajando con nuestras comunidades. La multiplicidad de sabores, olores, lenguas, gestos e ideas tuvieron como punto de reunión a Oaxaca México , donde es relevante el trabajo de los museos comunitarios, en donde tuvimos la oportunidad de compartir con los voluntarios e intercambias saludos y saberes.

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El Consejo Distrital de Patrimonio Cultural, en función de la Alcaldía de Bogotá en el acta 09 del 25 de septiembre 2019, dio a conocer el listado en el cual figuran 118 nuevos bienes de interés cultural distrital. 24 de ellos están ubicados alrededor del Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá y son conocidos, en su conjunto, como el espacio escultórico del Barrio Minuto de Dios.

LIMPIEZA ESCULTURAS

Artistas como Eduardo Ramírez Villamizar, Rodrigo Arenas Betancurt, Justo Arosemena, por mencionar algunos, tienen un lugar reservado en los espacios comunes del Barrio Minuto de Dios, en donde se exhiben sus obras al aire libre, sin límite de tiempo para contemplarlas. Resistiendo al sol, la lluvia y los vientos, estas obras de arte están disponibles para que cualquier transeúnte que quiera ser testigo de las diferentes etapas del arte reciente de Colombia, se detenga y lea las placas que acompañan a cada escultura que describe la trayectoria del autor, la técnica y el nombre de la misma. Un total de 24 esculturas fueron cobijadas bajo la denominación de bien de interés cultural, título que les brinda “…la protección y defensa necesarias para que

DECLARACIÓN DE PATRIMONIO

puedan seguir permaneciendo en el tiempo, bajo unas condiciones de apropiación y sostenibilidad más adecuadas, tanto en su reconocimiento social como en la conservación de su materialidad”, de acuerdo con la información suministrada por el Instituto Distrital de Patrimonio Cultural – IDPC. El MAC Bogotá, ha sido una de las instituciones que más se ha preocupado por la conservación y protección del espacio escultórico del Barrio Minuto de Dios. Al respecto, su Director Gustavo Ortiz indica que “La declaratoria que se realizó nos honra y exalta el compromiso que ha tenido la Corporación Universitaria Minuto de Dios y el Museo en la conservación de los bienes culturales, además del proceso de inclusión que ha generado diferentes estrategias, entre ellas, lograr que cada obra cuente con texto en braile, video en lengua de señas colombiano y audio -descripción estos dos últimos a través de código QR”. Como parte de la alianza entre el IDPC y MAC, las esculturas fueron limpiadas y están en varios procesos de conservación, lo cual permite evidenciar el compromiso de las dos instituciones por velar por el patrimonio del Minuto de Dios que, con la declaratoria, también pasa a ser de interés distrital. Cada obra está siendo sometida a un proceso de lavado y de recubrimiento para protegerlas del clima. Asimismo, los operarios del IDPC indican que en el momento en que cualquier transeúnte detecte que las obras están siendo vandalizadas o deterioradas pueden comunicarse con la entidad para prestar el respectivo servicio de protección y, de ser necesario, restauración o intervención. Sonia Chaves Comunicaciones MAC

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LÍDERES SOCIALES 26 DE JULIO

#Unlíderenmilugar El P. Diego Jaramillo cedió el espacio del programa Minuto de Dios, para que la líder social Amparo Tolosa Campuzano del sur de Bolívar comunicara la aterradora situación de la población civil en las zonas mas apartadas del país. El Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá se unió a la jornada nacional en favor de la vida de los líderes sociales con una serie de acciones que convocaron a estudiantes, profesores, artistas y líderes sociales amenazados.

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En este 2019 celebramos 53 años de servicio al arte, la educación y la cultura como fuerzas que transforman las dinámicas de su entorno, siendo parte de las problemáticas actuales a través del arte contemporáneo que con su versatilidad, es testigo de los cambios sociales que se generan cuando entendemos la cultura como parte esencial de cada ser humano. El Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá está comprometido con la calidad y así lo demuestra la acreditación de documentos básicos otorgada por la AAM, también es un actor importante en el campo internacional de los museos por su vinculación con el ICOM, el UMAC, el Instituto cultural de Google y la Alianza Americana de Museos.

53 AÑOS MAC

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El CREA de Engativá y el Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá socializaron los procesos de formación artística en música con jóvenes de la localidad. El atrio y la plaza del museo se convirtieron en el punto de reunión de los jóvenes de la localidad al son de los grupos de formación musical en Rock y Ska, la primera agrupación “Transmiseria” hace su composiciones en torno a las problemática urbana y el segundo “Kardamomo” con un trabajo de fusión, incluye líricas mucho mas ácidas.

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La orquesta filarmónica de Bogotá con motivo de la celebración del bicentenario de la independencia nacional ofreció un concierto cámara dentro de las instalaciones del Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá donde participaron el grupo de cuerdas y el quinteto de metales con obras de autores nacionales e internacionales.

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CONFERENCIA

ROCCA

Sebastián Rocca, rapero y productor franco colombiano realizó en la sede del Museo de Arte Contemporáneo la primera sesión de su fundación Escuela del Arte donde compartió su experiencia como productor independiente con un nutrido grupo de jóvenes músicos y raperos; la charla también incluyó estrategias de mercadeo en redes sociales y una sesión de preguntas para resolver inquietudes sobre la conformación de productoras musicales independientes.

MONOS, la película del director Alejandro Landes, escenificada en un paraje montañoso y aislado, donde ocho guerrilleros adolescentes armados mantienen cautivos a un ingeniero estadounidense y una vaca lechera. El tiempo transcurre para los jóvenes combatientes entre juegos, amenazas y ritos iniciáticos, pero la tragedia se cierne sobre todos cuando su aterrado rehén trata de escapar. El conflicto en el contexto colombiano y las múltiples relaciones con la curaduría Food of War que se presenta en el Museo de Arte Contemporáneo, hicieron de esta proyección un espacio de discusión y análisis de las secuelas de la guerra después de la firma de los acuerdos de paz.

PROYECCIÓN

MONOS

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“Continuum” es un espacio para socializar, para reflexionar y entender las violencias ejercidas hacia la población Trans o personas con orientaciones sexuales e identidades de género no normativas, ocasionadas por las estructuras sociales y por los actores del conflicto armado. Este ejercicio no pretende victimizar, por el contrario, quiere proporcionar un espacio para empezar a entender todos los ingredientes que componen la violencia hacia estas comunidades. Así ́ como una receta de cocina tiene sus ingredientes específicos, las violencias hacia las personas apartadas de la heteronorma también los tienen, y en este caso es muy importante conocer y entender todos ellos y como actúan.

CONCIERTO

CAVITO Concierto “Piezas Peregrinas: Homenaje sonoro a Gabo música y literatura” con la canta autora Bogotana Cavito Mendoza. Organizado por el area educativa con motivo de agradecimiento a todas las comunidades y voluntarios, familias, pasantes y artistas que dialogaron en el MAC en el 2019.

CONTI NUUM

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PROYECTO

TESIS 2019

Uno de los proyectos académicos más relevantes durante los últimos dieciséis años en el arte joven colombiano es el Proyecto TESIS, cada año el Museo de Arte Contemporáneo convoca a las academias, escuelas y facultades de arte de las universidades de nuestro país para que seleccionen sus mejores trabajos de grado de las últimas cohortes. La excelencia, la coherencia y la calidad de las propuestas se pueden apreciar cada año durante los meses de septiembre y octubre en las tres salas del museo.

NOS VISITAN

Los invitamos a ver el catálogo especializado de TESIS escaneando este código QR

El embajador del Reino de los Países Bajos, Jeroen Roodenburg y la agregada cultural Natalia Román Echeverri visitaron las instalaciones de nuestro museo y de nuestra universidad en compañía del Padre Diego Jaramillo, el Padre Harold Castilla y el director del MAC.

Recibimos muy complacidos la visita del artista Antonio Caro, quién recorrió nuestro Proyecto Tesis 2019.

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De corea nos acompañó nuevamente el artista Yoon Don Hui, quién participó en una residencia artística en el 2018; vino en compañía de otros colegas a realizar un documental sobre Colombia.

Fruto de los contactos realizados en la feria ArtBo recibimos la visita de Moiz Zilberman con quien encontramos muchos puntos en común para la promoción de artistas jóvenes e intercambio en las ciudades de Berlín y Estambul.

Acompañamos al Museo de Oro en la celebración de sus 80 años de fundación; es el museo antropológico mas insigne de nuestro país y pionero en muchas iniciativas museológicas.

El P. Bernardo Vergara, director de la Fundación Eudes, visitó el proyecto Tesis 2019.

Muy complacidos de la visita de Michelle Adams, representante de Google Art Project para Latinoamérica con quien se concretaron nuevos proyectos culturales que se estarán ejecutando en el 2020.

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Recibimos durante la curaduría Food of War al museólogo holandés Peter Van Mensch quien ha investigado sobre la museología social en la contemporaneidad.

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EDUCATIVAS 132

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# SOM OS ARTE MAC

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En concordancia con el pilar misional de UNIMINUTO, Proyección Social, el equipo educativo MAC conformado por voluntarios, pasantes, intérpretes y amigos, en el segundo semestre del 2019, tuvo como propósito hacer del museo un punto de encuentro ciudadano, con el fin de junto con las comunidades generar pensamientos creativos que contribuyan a transformar las realidades sociales. A través de la interacción e interpretación de los significados y contextos en torno a las problemáticas estéticas y sociales que aborda el arte contemporáneo. Por consiguiente, nos permitiremos a modo de síntesis, compartir distintos procesos pedagógicos, diálogos, herramientas y reflexiones, en términos de mediación cultural, resultantes de un trabajo en red que se ha construido solidariamente con diversos actores, comunidades, artistas, docentes y públicos. Aprovechamos esta oportunidad para agradecer a todos los que han aportado, a los que hoy ayudan y a los que llegarán con sus contribuciones, a sumar al fortalecimiento de relaciones significativas que nos permitirán sin lugar a dudas, avanzar de manera colectiva en la identificación de oportunidades de mejora en beneficio del bien común.

¿Qué me ha dejado el voluntariado en mi vida? “El voluntariado ha dejado en mi vida mucha sensibilidad, pensar no sólo en mi, sino a saber que puedo ayudar a muchas personas y conocer un poco más de ellas.” ¿Qué me han dejado las comunidades? “Amor, tener claro que por pensar y ser diferentes no somos malos, la diversidad es hermosa. “

VOLUNTARIOS

“El voluntariado en mi vida me ha servido mucho para aprender a servir a los demás, es una satisfacción personal hacer algo sin esperar nada a cambio y poder aportar un granito de arena a los demás utilizando mis habilidades, aprendiendo a trabajar en equipo y aprendiendo no solo de la institución si no también de los públicos. Es un construir entre todos, y es algo que enriquece el alma.” Intérpretes MAC

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PROYECTO DE VIDA

Como Museo tenemos la responsabilidad de diseñar estrategias para conectarnos con nuestras comunidades más cercanas, razón por la cual desde el 2015, en alianza con el cuerpo docente del curso transversal Proyecto de Vida de Bienestar Institucional UNIMINUTO S.P, se tomó la decisión de diseñar una estrategia educativa para que los estudiantes de primer semestre de UNIMINITO S.P visitaran el MAC y lo identificaran como parte de su territorio universitario, ya que identificamos que muchos en el transcurso de su vida universitaria y barrial no sabían que MAC les pertenecía. Y por ende no era evidente una apropiación social por el mismo. Ya han pasado 5 años, de los cuales con orgullo podemos decir que 20.161 estudiantes entraron en diálogo con el Museo, en una visita interpretada, acción que nos ha permitido mutuamente reconocer, aprender, corregir, proponer e identificar posibles acciones, relecturas y futuras vistas. Transformar el entorno por medio de la interpretación del arte, pensar en nuevas maneras de comportarnos como ciudadanos y profesionales, han sido determinantes en las visitas, vividas junto con los estudiantes, docentes y talleristas intérpretes. Durante 15 días el museo madruga de 7 a.m. a 10 p.m. con el objetivo pedagógico de propiciar la participación activa de los estudiantes. Este grato encuentro hemos nombrado #SOMOSARTEMAC, el cual busca que la visita al museo sea coherente con el módulo de ciudadanía que se desarrolla en el curso Proyecto de Vida, de manera tal que el paso por le MAC permita hacer relecturas de las relaciones culturales, al interpretar la constitución simbólica y matérica de las obras que componen las exposiciónes temporales.

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ASÍ SOMOS 5

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ENCUENTRO DE MEDIACIÓN ¡ASÍ SOMOS! es una iniciativa que surge desde el 2017, con el fin de plantear un espacio de diálogo e intercambio entre diferentes instituciones educativas, culturales y museales, interesadas en la educación y la mediación cultural; con el fin de crear una comunicación interinstitucional a largo plazo en beneficio de los públicos y de los colegas del sector.

Desde su inicio a ésta su quinta versión, se ha convertido en un punto de encuentro y colaboración, entre educadores de museos, mediadores culturales y personas interesadas en estos campos de acción, con el fin de profundizar sobre el papel que los departamentos educativos, sus metodologías, develar las distintas acciones que se realizan y las perspectivas sobre el quehacer de la educación al interior de estos espacios. Esta propuesta se nutre de los acuerdos comunes conversados entre los participantes a los encuentros, convirtiéndose en puntos de partida para continuar con las siguientes actividades. Por ello cada semestre ¡Así Somos! varía de sede, entre las instituciones vinculadas, con el fin de conocernos como sector y dar a conocer a profundidad nuestras prácticas. Para éste segundo semestre de 2019 los anfitriones serán el Museo del Oro y el

Museo de Arte Miguel Urrutia, quienes abrirán sus puertas para recibirnos durante la jornada. La sesión de trabajo comprenderá dos momentos: el primero se realizará en el Museo del Oro durante la mañana y el segundo momento en el Museo de Arte Miguel Urrutia, en las horas de la tarde. ¡Así Somos 5! busca reconocer el papel y los aportes del trabajo educativo en los proyectos curatoriales , pensar los públicos en condición de discapacidad y las mediaciones complejas como oportunidades para crear experiencias creativas y significativas. Sumado a ello se propone explorar de manera colectiva los conceptos de la copia, la réplica y la apropiación como formas del trabajo en red y cuestionar si podrían considerarse como metodologías del trabajo educativo, al compartir proyectos y metodologías para ser apropiados y reinterpretados por otros.

Colaboradores y participantes ¡Así Somos 5!

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TALLER PENSAR CREA-ACTIVAMENTE

“Los talleres que hemos realizado en “Pensar creativamente a través del diálogo para trasformar el barrio minuto de Dios” se han llevado a cabo durante tres meses, de septiembre a noviembre. En estos encuentros hemos querido desarrollar el pensamiento multisensorial_: pensamiento crítico, creativo y ético (cuidadoso) a partir de la propuesta de filosofía para Niños de Lipman. Estos escenarios han sido creados gracias al proyecto MARFIL de la mano de Víctor Andrés Rojas y de Alejandra Herrero Hernández desarrollando Ciudadanía Creativa, una propuesta de Angélica Sátiro para crear nuevas y mejores formas de vida a través del pensamiento”.

edad, su clase social o su nacionalidad; personas perseverantes, disciplinadas, automotivadas, con capacidad de autocorregirse y de volverlo a intentar. Personas capaces de reconocer la diversidad de la personas a su alrededor y de trabajar en equipo para generar un bien colectivo, por lo que creo que es importante que se generen más espacios de diálogo como el proyecto MARFIL, espacios que nos incomodan, nos sacan de nuestra zona de confort, desencajan nuestro molde, pero que al final nos abren los ojos a perspectivas completamente distintas del contexto que habitamos y que nos inquietan a explorar y cuestionar aquello que consideramos inamovible“.

Alejandra Herrero Hernández

Julián Cotera

“El proyecto MARFIL me hizo cuestionarme que muy a menudo se dice que invertir en educación es clave para mejorar la sociedad y cambiar al mundo y es cierto, pero es importante destacar que la educación utilizada como facilitadora de cambio solo alcanza su poder transformador cuando está orientada a cultivar personas excepcionales que sean capaces de desplegar su autonomía a través de un pensamiento,creativo,crítico y ético.

“Mi nombre es Cristian Alexander Pérez Conejo, soy estudiante de la licenciatura en educación física recreación y deporte de la universidad minuto de dios, voy en Vll semestre, y en verdad me gustaría iniciar diciendo que este proceso que se llevó en este tiempo con Alejandra fue algo de gran impacto y aclaro que fue de manera positiva, donde me permitió el ver las cosas de una manera más detallada y de saber apreciar un poco el día a día, el saber que somos en realidad, me permitió conocer más de mí y de conocer bien lo que hay en la sociedad, en verdad muy agradecido con todo este maravilloso proceso, pero más que agradecer, es llegar a entender que es lo que le faltaba a tu vida un respiro, y que está persona tan maravillosa que fue Alejandra te permitió encaminar, y más que eso, que fuera uno mismo el conductor de sus cambios”.

Cuando me refiero a personas excepcionales, pienso en seres humanos sensibles y responsables de ellos mismos, de otros y de las realidades que los rodean; personas que se preocupan por potenciar sus dimensiones humanas, que respetan y aceptan a los demás por sus opiniones, por su color de piel, su orientación sexual, sus creencias, su

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El área educativa del MAC , recibió una invitación por parte de NC- Arte para , realizador un taller como parte del Laboratorio de Experiencias Públicas LEP en el marco del la feria ARTBO” .

ARTE

INCLUYENTE

A esta invitación respondimos de manera positiva, y realizamos un taller para entrar en diálogo con los públicos , tomando como eje central los procesos de inclusión que se vienen desarrollando en el MAC. Donde buscamos junto con los psrticipantes reconocer la importancia de los sentidos ( más allá de la percepción visual) en las experiencias artísticas, con el fin de propiciar un escenario en el que pudieramos reflexionar sobre cómo todas las personas podemos hacer parte del circuito artístico y tener una experiencia estética sin importar nuestras realidades sociales o los sentidos con los que percibimos el mundo. De esta manera la estimulación multisensorial más allá de la percepción visual, a través de un encuentro significativo con algunas obras que conforman la colección del MAC su historia y fin misional, fue el eje del taller . En el cual se propició una creación de plastica con los ojos cerrados lo que nos permitiera reconocer que es posible diseñar estrategias para permitir el acceso todos hacen parte del circuito y los que todavía no están él. Agradecemos a NC-Arte la grata invitación y a todos los participantes al taller .

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TALLER

LA PARED

CUERPOS, MEMORIA, Y REDES DE AFECTO El Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá de la mano con el Centro de Rehabilitación Visual, viene reflexionando sobre sus procesos de inclusión , a razón de ello luego de analizar las acciones realizadas a lo largo de dos año , decide dar un giro pedagógico e iniciar , una fase de experimentación de la mano con los artistas que han dialogado con el MAC, de nuevas estrategias que permitan cargar de sentido los procesos creativos del arte y porque no potencializar o proponer caminos de la mano con las comunidades , para juntos poder abrir caminos de reconocimiento, al visibilizar el poder ser considerados actores del circuito artístico y no solo consumidores del mismo. Relacionar las experiencias personales de los participantes, con el trabajo colaborativo producto del acto de pintar y cómo de este se nutren las redes de afectos. Relacionarnos de manera colectiva con el significado emocional del “gesto o acto de salir a pintar en un muro”, a partir del reconocimiento sonoro y corporal; estimulación sonora, háptica y propioceptiva; por medio de elementos detonantes que componen el universo de las producción plástica en el campo del graffiti. Relacionar las experiencias personales de los participantes, con el trabajo colaborativo producto del acto de pintar y cómo este se nutre redes de afectos Reflexionar el cómo se recorre y habitan las calles de una ciudad a través de los sentidos más allá de lo visual.

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NUESTRAS

MEMORIAS

“Nuestras Memorias es una iniciativa que nace del acercamiento de la Fundación Social Soplando Vida y el MAC, con el ánimo de crear talleres que fortalecieran los lazos entre pares y las relaciones interpersonales, con el fin de integrar al grupo. Para ello se contaron con actividades lúdicas rompe hielo y de cierre. y se busco relacionar la visita al MAC y sus lógicas museales: coleccionar, conservar, investigar, comunicar, exponer, servir con el patrimonio personal de los usuarios de la fundación” . Lorena Pienda A la luz de esta iniciativa nos pusimos en contacto con la Licenciatura en Artísticavirtualde UNIMINUTOS.P,donde junto con la Pasante Lorena Pineda, se co-diseñó el proyecto denominado Nuestras Memorias, con el fin de Propiciar un encuentro entre los usuarios de Soplando Vida fundación social y colaboradores del MAC Y LEDA. Reconocer el Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá, identificar patrimonio personal, aplicar ejercicios propios del MAC: dio como resultado el diseño una exposición efimera dentro del MAC en el que asistieron los acompañantes de los usuarios .

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ARTIVÁ

Artivá “Circuito Artístico y Cultural de Engativá” “Con el fin de fortalecer los procesos artísticos y culturales de la localidad de Engativá en la ciudad de Bogotá, distintas organizaciones del sector han venido trabajando en dichos procesos con el objetivo de ofrecer a la comunidad, espacios de esparcimiento cultural con ofertas artísticas de participación, para involucrar y beneficiar a los(as) ciudadanos con la creación de eventos y actividades correspondientes al desarrollo, resignificación y promoción de los oficios del arte, la cultura y la productividad “ Gestores culturales de Engativá Para el 2019 el MAC apoyamos al circuito con un “taller de gatos” en el marco de su pre lanzamiento, donde buscamos reconocer junto con los participantes que todas las formas de representación y creación artística son válidas. por medio de la exploración de diferentes formas de representación de gatos que existen en barrio museo al crear formas felinas con diferentes materiales. Sumado a ello el Director y curador del MAC contribuyeron a selecionar el ganador de las piezas gráficas del circuito.

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ÁNGEL LOOCHKART

UN ÁNGEL PINTOR

lugar, su propio nombre, luego el descubrimiento de los arcángeles de Sopó, población cercana a Bogotá, bellamente ataviados con trajes vaporosos de sedas y encajes, sus enigmáticos cuerpos andróginos que levitan en seductoras poses, coronados de flores, con luengas cabelleras ensortijadas. De allí nacen los afilados rostros de los personajes de Loochkart, con ojos grandes, nariz fina y boca sensual; son creaturas que se mimetizan en los carnavales, en las rumbas desenfrenadas, en las esquinas de las noches bogotanas.

En su natal Barranquilla, seguramente observó con detenimiento las iguanas que trepaban en los árboles de su casa, escuchó la algarabía de las cigarras al atardecer y se dejó llevar por la brisa que traía olores de mar y sal.

El personaje favorito del Carnaval de Barranquilla para Loochkart era el Congo, de hecho, muchas veces se disfrazó con su enorme tocado lleno de flores, la cara blanca, los pómulos rojos, el peto, la capa y los pantalones Con ancestros holandeses pero engargolados. El Congo le permitió a caribeño en todo el sentido de la Loochkart realizar mezclas inéditas de palabra por su generosidad, su color, gozarse cada pincelada hasta excelente conversación, su amistad construir el rostro trágico y cómico de sincera y su sentido vital que le llevó a cada danzante. entender de una forma particular las diferentes expresiones del ser humano. Ángel está ahora totalmente libre, seguramente en una danza con Su pintura la inscriben dentro del arcángeles donde puede acariciar expresionismo, pero habría que sus alas, en una batalla de flores que profundizar un poco más, ya que es se diluyen en el aire y se impregnan el vitalismo, entendido este como esa en los rostros andróginos para resaltar pulsión sin la cual un ser como Ángel la mirada, los labios y las cabelleras; Loochkart no podía existir y en eso recorrerá las calles empedradas de se emparenta con Modigliani, uno de nubes de la puerta de oro hasta llegar sus mentores, con Rembrandt, que al cumbiódromo donde lleva el bando lo introdujo en la noche, con Scheile como gran Congo, ataviado con de quien bebió la misma trementina el mas bello y refulgente traje para que le hizo lanzar del pincel trazos celebrar la guacherna del carnaval eterno: Quien lo vive es quien lo goza. delirantes y orgiásticos. Su fascinación por los ángeles tenía varias fuentes, en primer

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Gustavo A. Ortiz Serrano Director MAC 151

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Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá Carrera 74 N° 82 A – 81 / Tel.: (57) 1 2916520 – Ext:. 6160

www.mac.org.co

Bogotá - Colombia

Curadurías 4

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