Proyecto Tesis 2016 by Museo de arte contemporáneo

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Septiembre - Octubre

CONSTRUIMOS FUTURO

CORPORACIÓN UNIVERSITARIA MINUTO DE DIOS

MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO DE BOGOTÁ EQUIPO EDITORIAL

Presidente P. Diego Jaramillo Cuartas, cjm

Autor Corporativo Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá - MAC Corporación Universitaria Minuto de Dios - UNIMINUTO

Rector General Dr. Leonidas López Herrán Vicerrector General P. Harold Castilla Devoz, cjm Rector Sede Principal Dr. Jefferson E. Arias Gómez Directora General de Investigaciones Amparo Vélez Ramírez

Editor y Director Gustavo A. Ortiz Serrano Editor Ejecutivo Wilmar Tovar Leyva Autores Colaboradores Gustavo A. Ortiz Serrano Artistas Proyecto TESIS 2016

Coordinadora General de Publicaciones Rocio del Pilar Montoya Chacón

Asistentes de Dirección Karen Jaramillo Alexandra Ferrucho

Coordinadora de Publicaciones Sede Principal Paula Liliana Santos Vargas

Revisión de Textos Wilmar D.Tovar Leyva Diseño, diagramación y concepto gráfico Martha Carrizosa

Dirección Gustavo Ortiz Serrano Curaduría Juan David Quintero

Carátula Raúl Devia Zamora Diagramación geométrica Año: 2016

Museografía Equipo MAC

Fotografía Alejandro Triana L. Artistas Proyecto TESIS 2016

Comunicación Alejandro Triana Laverde

Edición fotográfica Gusdigital

Educación Tatiana Quevedo Mogollón

Impresión Buenos y Creativos S.A.S.

Investigación Wilmar Tovar Leyva

Tiraje Quinientos ejemplares

Gestión Administrativa Karen Jaramillo, Alexandra Ferrucho Diseño Raúl Devia Zamora

Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá - MAC www.mac.org.co Carrera 74 # 82 A - 81 Bogotá D.C. - Colombia 2016

Producción Equipo MAC

AÑO 2. / N° 5. / Sep – Oct / 2016 ISSN: 2422 – 1856

Producción y Montaje Iván Cano, Juan David Quintero, Jon Ferrara Artistas Proyecto TESIS 2016

Publicación del Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá - MAC. Contiene artículos inéditos resultado de la convocatoria en el campo de investigación de las prácticas artísticas contemporáneas universitarias a nivel nacional. Publicación y proyecto expositivo financiados en alianza estratégica con IDARTES – Gerencia de artes plásticas. Corporación Universitaria Minuto de Dios - UNIMINUTO. Todos los capítulos publicados en son seleccionados por el Comité Editorial de acuerdo con criterios establecidos. Están protegidos por el Registro de Propiedad Intelectual. Los conceptos expresados en los artículos competen a sus autores, son su responsabilidad y no comprometen la opinión de UNIMINUTO. Se autoriza su reproducción parcial en cualquier medio, incluido electrónico, con la condición de ser citada clara y completamente la fuente, siempre y cuando las copias no sean usadas para fines comerciales.

Este proyecto forma parte de la alianza estratégica con:

CONTENIDO La realidad exponencial Gustavo A. Ortiz Serrano Universidad de los Andes Mariana Noreña Gutiérrez Lina María Rodríguez Perico Sonia Rojas López Universidad Antonio Nariño Jonathan Casallas Universidad de Antioquia Daniel Felipe Escobar Velásquez Esteban Lara Valencia Universidad de Caldas Sonnia Yepez Carlos A. Martínez M. Universidad Distrital Francisco José de Caldas - ASAB William Raúl Marín Pinzón Universidad del Atlántico Wilman Fonseca Gisella López Ariza Universidad del Cauca Sandra Marín Diana Alexandra Patiño Julian M. Paz José Euclides Piamba Germán Alberto Sánchez Paula Andrea Yunda Bravo Universidad del Tolima Jennifer Andrea Gutiérrez Torres Paola Varón Rivas Universidad El Bosque Natalia Murcia Gutiérrez Universidad Industrial de Santander - UIS Gabriela Ballesteros Contreras Pontificia Uninersidad Javeriana - Bogotá Natalia Felacio Jiménez Pontificia Uninersidad Javeriana - Cali Jose Muñoz Aura Rico Universidad Jorge Tadeo Lozano Andrea Gabriela Duarte Joseph Hernández Universidad Nacional de Colombia Juanita Fajardo Ardila Nicolás Williamson Universidad Pedagógica Nacional Paula Varela & Jonnathan Castiblanco Academia de Artes Fábula Vanessa Gutiérrez Academia de Artes Guerrero Mauricio Combariza Escuela de Artes y Letras Carla Ramos Leaño Fundación Universitaria Bellas Artes de Medellín Alejandro Agredo U. & Daniel Alejandro Ochoa A. Sara Bustamante Muñetón Cristina Jaramillo Álvarez Laura Tobón Echavarría Alejandro Serna, Estiven Pino & Guillermo Londoño CIDE - Corporacion Internacional para el desarrollo educativo Paula Andrea Malagón Acta de Jurado “Proyecto Tesis 2016”

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La realidad exponencial Este año tiene una particular importancia para el Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá - MAC, se celebran 50 años del inicio de sus labores en 1966, desde el origen este museo se planteó como un espacio alternativo y de periferia que prestara un servicio a toda la comunidad residente del barrio Minuto Dios y sus alrededores; la carencia de espacios culturales el contexto de una ciudad tan cosmopolita como Bogotá sigue siendo evidente, por eso un museo de estas características tiene una pertinencia invaluable, sobre todo por su permanencia a lo largo de estas cinco décadas dentro del campo cultural de la ciudad. Son muchos los proyectos generados por el MAC para estimular los nuevos valores del arte joven a lo largo estos 50 años; en su primera etapa el Salón de arte joven, La bienal internacional de arte joven y el Salón de agosto, luego el Salón de nuevas expresiones plásticas, el Salón nacional de artes plásticas y en la última etapa el Proyecto S.A. y el Proyecto TESIS. El compromiso con el arte joven no es algo circunstancial, es un compromiso real y permanente que ha servido de plataforma a mas de cinco generaciones de artistas tanto nacionales como internacionales; podemos decir que casi cualquier artista que se ha destacado en el campo de las artes visuales ha tenido algún tipo de relación con el MAC, esto no sólo nos enorgullece sino que nos compromete aún más con las nuevas generaciones de artistas plásticos en nuestro país. La versión 2016 del proyecto TESIS es la confirmación de este compromiso continuo con la cultura y con las prácticas artísticas contemporáneas, sabemos que no es fácil iniciar una carrera en este campo y por tanto el acceder a un espacio consolidado a lo largo de cinco décadas, tiene un gran valor para todos aquellos que se abren camino como protagonistas del lenguaje visual. Los proyectos que se presenten en la versión 2016 tienen todas las características propias de un lenguaje que se está construyendo, que se deja permear por nuestra realidad en todos los campos, pero con especial énfasis en lo social, en las luchas y los anhelos que tiene nuestra nación, en los sueños fallidos, pero también en las esperanzas, en los caminos que se abren en este nuevo momento histórico donde se ha iniciado una etapa de consenso para finalizar el conflicto armado en Colombia; los artistas visuales emplean todos los recursos que están a su alcance: desde las herramientas más sencillas como el dibujo, hasta las más complejas como la programación, el audiovisual, la instalación y la acción performática. Con gran satisfacción vemos la diversidad de estos trabajos y en ellos el reflejo de la diversidad de nuestro país; entender estas diferencias, aceptarlas y valorarlas es parte de esta nueva etapa histórica que vivimos en Colombia, podemos expresarnos en cualquier lenguaje, podemos disentir, podemos divergir, podemos interactuar, podemos construir, podemos dialogar , podemos soñar. Todo este abanico de posibilidades se abren, se multiplican, cuando somos capaces de entender las diferencias y aceptarlas como parte de la construcción de una realidad compleja, en un mundo complejo, en un universo complejo. Desde hace 50 años, El Minuto de Dios entendió el arte como la forma más amplia de diálogo entre las diferencias, como el espacio de inclusión, el punto de encuentro y el sistema de construcción colectiva de la realidad; deseamos que los próximos 50 años permitan ampliar de manera exponencial estas condiciones en beneficio de todos los ciudadanos. Gustavo Ortiz Serrano Director Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá - MAC

Mariana Noreña Gutiérrez Usted Estaba Aquí Lápiz sobre papel 33 x 45 cm 2015

La serie comprende un ejercicio de representación tipológica que pretende coleccionar imágenes de pies, utilizándolas como forma de retrato. Esta compilación surge con el objetivo de invitar al espectador a desnudar los pies para destapar las huellas más intimas y profundas de quien pertenecen. El proceso de construcción y lectura de los retratos se presenta en forma de matrioska, esto con el fin que el espectador pueda entrever el fondo de cada retrato. Paso a paso. Capa a capa. En cada retrato hay una exploración de los detalles únicos que se encuentran en los pies de cada persona, los cuales funcionan como huellas o evidencias estratigráficas de su historia. En la memoria se busca la esencia del sujeto retratado, que al igual que los caminos que transita, se encuentra en constante cambio. Mientras que el observador encuentra en el sujeto una acumulación de experiencias, interpreta sus detalles, arrugas, formas, sombras y deformaciones como características determinantes de quien ha caminado y seguirá caminando.

Lina María Rodríguez Perico Del libro de emblemas al espacio monacal: los emblemas de amor divinos del Monasterio de Santa Catalina de Siena (Arequipa, Perú) Monografía Investigación contexto del arte virreinal peruano 2016

En el Monasterio de Santa Catalina de Siena de la ciudad de Arequipa, Perú, se conserva una serie anónima de veinticinco pinturas al óleo datadas en el siglo XVIII, las cuales tienen por tema los emblemas de amor divino del libro devocional Affectos divinos con emblemas sagradas (1638). Éste corresponde a la traducción castellana del Pia Desideria de Hermann Hugo, célebre obra jesuita publicada por primera vez en Amberes en 1624, ampliamente difundida y traducida en los siglos XVII y XVIII. Se trata de la serie pictórica más completa de emblemas del Pia Desideria, y su versión castellana, sobre la cual se tiene noticia en el contexto del arte virreinal peruano, lo cual hace de éste un objeto de especial importancia. Adicionalmente, las pinturas están ubicadas en el mismo espacio que ocuparon en el momento de su ingreso a la clausura, lo cual hace posible estudiarlas como parte del espacio en el que operaron originalmente. Dentro de los múltiples interrogantes que suscita esta serie, mi investigación se centra en el por qué y el para qué de la representación de este programa místico al interior del Monasterio de Santa Catalina, aspecto sobre el cual la bibliografía existente no ha ahondado de manera significativa. Este texto propone algunas respuestas a esta cuestión, producto de una serie de reflexiones en torno al cambio de sentido y función del que fueron objeto estas imágenes al trasladarse del libro de emblemas a las pinturas del claustro, es decir, al integrarse a un nuevo espacio físico e ideológico.

Sonia Rojas López Obra en proceso Video montaje sobre fotografía Dimensiones variables 2015

Obra en proceso es un proyecto de grado que presenta al espectador en formato instalación, el estudio de las dinámicas diarias que siguen los obreros habitantes de un mundo paralelo al nuestro. Este funciona bajo ciertas condiciones diferentes a las que nosotros experimentamos a diario. Una piedra suspendida y cinco videos de paisajes, exponen el imaginario y la sensación que sentiría cualquiera de nosotros si por alguna razón llegara a ser parte de este mundo en miniatura. Cuando la sensación del tiempo se distorsiona y comienza a concebirse como algo denso, pesado e infinito, la configuración mental de los individuos que viven bajo este estado, poco a poco comienza a mutar. La relativa inmensidad física de estos lugares de escala reducida envuelve a sus habitantes en una soledad abrumadora y hace de su presencia algo casi insignificante. Finalmente, los obreros que se convierten en metáforas del trabajo del artista, desarrollan un gusto particular por los procesos sin finalidad donde pueden derrochar, en actividades de construcción, todo el tiempo que su mundo les permite.

Jonathan Casallas Papas que se alejan como las nubes Óleo sobre lienzo 50 x 70 cm y 30 x 40 cm 2015

En nuestro país y en nuestra cultura, La papa, hace parte de nuestra historia y de una historia personal. La Papa, es el vínculo con el campo desde la ciudad; Para pocos la ciudad se torna benéfica, para mí la ciudad es el retrato de lo que alguna vez fue campo, un campo donde su idea era independiente a una vida industrial, pero ahora la soledad de los cuerpos yacen entre pensamientos mostrados entre imágenes perdidas con un horizonte, los recuerdos de lo que es el campo buscan una forma de pertenecer en la ciudad. Viendo la situación actual del campo que es olvidado, el éxodo por la fábrica y en búsqueda de una ciudad, nace un paisaje pensado desde la ciudad. Cada uno es en memoria a la rur-urbanidad a la que está sobreviviendo, un recuerdo de una manera a la cual la gravedad es el misterio, es un ascenso del campo a la ciudad, donde se vive en un mundo atrapado de concreto, con una identidad campesina. Esta obra es algo mágico algo poético, algo de surrealismo, que toma elementos de mi entorno que mezclo con los lugares que pretendo habitar, del entorno cotidiano, agricultura y ciudad compartiendo algo muy sensible, con algo de humor que es fantástico, de las suaves texturas que me brinda este alimento, son los gestos de una matriz paralela de una trayectoria en la ciudad pensando en campo.

Daniel Felipe Escobar Velásquez Árbol de Navidad/Filosofía de ayer, cliché de hoy Instalación Dimensiones variables 2014

“Árbol de navidad/La filosofía de ayer, el cliché de hoy” es una pieza que reúne a manera de instalación una serie de reproducciones de obras de la historia del arte, las cuales todas al estar en conjunto pueden cambiar radicalmente la forma en que puedan ser vistas; esta función de agrupar es muy propia de la figura del curador -en museos o galerías-, que consiste en clasificar y reunir dentro de un mismo espacio una serie de obras con el fin de ponerlas bien sea en dialogo o en tensión, idealmente para potencializar o crear un hilo conductor en base de un eje temático. Me apropio entonces de forma un tanto satírica; jugando, pervirtiendo y cuestionando el rol y de las estrategias del curador, tanto como para llevar el ejercicio curatorial a un ámbito meramente decorativo, cotidiano y tradicional como lo es un Árbol de navidad.

Esteban Lara Valencia Regreso Fotografía 80 x 55 cm c/u 2015

Regreso, es una serie fotográfica donde el retorno se hace protagonista, el recorrido vital y el recuerdo creación, transitar por los lugares donde pase parte de mi niñez, generar una cartografía sensorial y relacional fue condición importante para esta serie, la sorpresa, el encuentro, la narrativa, la ficción, son conceptos develados al volver a estos lugares, ahora 16 años después regreso con un imaginario diferente reconstruyendo las imágenes y recuerdos fraccionados que alguna vez viví.

Sonnia Yepez Cuna Objeto de madera y 30 tubos de neón 100 x 80 x 100 cm 2013

La obra “Cuna” nace con la idea de materializar el miedo producido por la ausencia paternal, los barrotes fluorescentes de la obra corresponden al llamado de la persona ausente […] es como si La metamorfosis de Kafka se hubiese materializado: los espectadores se convierten en insectos atraídos por la cálida y brillante luz […] (Gompertz, 2013, p. 381) Si bien la obra evidencia un miedo a la oscuridad (nictofobia), también está cargada de una connotación religiosa y espiritual, “Hágase la luz, y la luz se hizo”, “Y Dios vio la luz y la luz era buena” o “Yo soy la luz del mundo”. La luz represente una vuelta a la tranquilidad, la iluminación se presenta con el buen hacer, con el bien. El resultado final de “Cuna” es la adaptación de lo que puede ser un insectocutor, que atrae por la cálida luz al espectador, pero que lo puede lastimar removiendo los recuerdos de su interior haciendo que surja, aunque sea por un instante, sus capas más profundas.

Carlos A. Martínez M. Objetos Naturales Escultura en cedro rojo y tolúa 37 x 35 x 7 cm 2015

En el trabajo de investigación-creación “Objetos Naturales” abordo los diferentes tópicos que rodean al objeto en nuestro contexto familiar, socialcultural y artístico. Y cómo estos se convierten en referentes de nuestra forma de habitar. Especialmente las prendas de vestir que luego de ser usadas, conservan en su forma o apariencia los registros de un cuerpo y la instantánea de un momento vivido, categorías éstas que signan al objeto como un referente de nuestra cultura y de nuestra forma de “ser” y “estar”.

William Raúl Marín Pinzón ExHumaciones Instalación Dimensiones variables 2015

Entendemos por Exhumación al acto de extraer después de un tiempo, los vestigios de algo. Este término se convirtió en la motivación de mi trabajo de grado, el cual está relacionado con mi historia, con un proceso artístico que culmina en una instalación. Contenedor de las exhumaciones de diferentes objetos con los cuales recupero, apropio e interpreto de forma personal en beneficio de una postura artística, basada en la memoria, el recuerdo y el olvido. Es creencia popular, que en el instante previo a la muerte, la persona hace un inventario de su vida, retomando los pasos que ha dado en el transcurso del viaje que ha sido su existencia. Es a partir de allí que el proyecto Exhumaciones hace una revisión, recoge e interpreta los pasos, mutándolos en piezas artísticas (objetos investidos de afecto, de huella, de cicatriz). Nos convertimos en lo que somos y actuamos en correspondencia a partir de múltiples legados familiares, sociales, culturales, políticos, económicos y demás. Mi abuela cocía lenta y continuamente, sus días pasaban en esa labor llena de silencio y entrega, cada puntada tenía su sello e iba dirigido a cada uno de sus seres querido; cada una de esa prendas estaba unida por el mágico hilo de su amor fraternal, pues la conexión que hago hoy en día no se limita a unir las dos telas sino que une le pasado con el presente y rehace las imágenes atándolas a mi ser.

Wilman Fonseca Paradoja Visual Ilustración digital 46 x 31 cm c/u 2015

El presente proyecto artístico se hace un recuento desde una percepción subjetiva, de las diversas actividades u representaciones sociales en el que se encuentra rodeado el artista desde una forma u otra, planteando una renovada visión de la realidad que permite una nueva sustitución de la imagen asentada en aspectos grotescos que configuran a los personajes de cada una de las acciones cotidianas. Varios aspectos fueron necesarios para la materialización del proyecto desde un modo investigativo bajo diferentes puntos como lo subjetivo, lo cotidiano, lo surreal y digital en la propuesta, sin dejar de lado la observación y un soporte fotográfico que permitió derivar la construcción de la imagen basándose en cada uno de los elementos que provoca o crea una acción como lo son el sujeto el objeto y el espacio. Partiendo de estos puntos ejecuta una serie de dibujos elaborados a mano donde se observa una línea estilizada y fina por medio trazos que componen sombras y enmarcan los rasgos de los personajes u objetos, para luego crear una fusión del personaje con aquellos elementos que dan cierta singularidad a la acción.

Gisella López Ariza Tenoria Serigrafía y mural Dimensiones variables 2016

La propuesta apunta a la exploración de la memoria histórica siguiendo los parámetros planteados por la filosofía de la historia en la contemporaneidad. Se resuelve desde el arte a un personaje periférico por censurable. La gráfica popular y el espacio público son tanto la técnica como el soporte consecuentes con la masificación de la idea abstraída de La Negra Eufemia Tenorio. La resolución está conformada por dos diseños de posters de 70 x 50 cm cada uno, el primero con una imagen de La Negra resultante del imaginario producto de la memoria colectiva y la literatura. El otro con el incisivo refrán usado por la mujer “Lo bueno siempre jode”, en el que da cuenta de la noción de su perspectiva existencial. Su casa de citas o burdel hacía parte de itinerario de bohemia del grupo de Barranquilla, personajes ilustres del arte y de los procesos intelectuales entre los que estaban el maestro Alejandro Obregón, y el Nobel Gabriel García Márquez, así como Álvaro cepeda Samudio. La propuesta busca retratar lo macondiano de este suceso. En el que una persona en la primera mitad del siglo XX, a pesar de su condición de mujer, ex prostituta y proxeneta detenta un espacio en la memoria colectiva así como inmortalidad literaria al estar reseñada en algunas obras de los autores ya mencionados.

Sandra Marín Rastros fragmentados Escultura en cuero de cerdo, pintura al óleo sobre cuero de cerdo Dimensiones variables 2014 El desarrollo de mi propuesta artística “Rastros Fragmentados” se concentra en una problemática presente y creciente en el municipio de Argelia (Cauca) Esta obra tiene como propósito crear conciencia a través de cuestionamientos en los ámbitos moral, social y político, todo desde una perspectiva estética. Por lo que esta propuesta plástica es algo más que una expresión del sentido común, busca trascender hasta un punto crítico y estético, todo en el marco del contexto socio-económico, haciendo uso del arte como un canal de comunicación y reafirmación de experiencias recolectadas y vividas. La problemática que da origen y sustento a las obras es la violencia generalizada y sistemática derivada del negocio del narcotráfico, así como el control que sobre los cultivos de uso ilícito ejercen los grupos armados al margen de la ley. La obra toma gran importancia en la inevitable temporalidad del ser humano, la que se ve reflejada en lo frágil de la vida, y como esta, en nuestra sociedad puede ser susceptible de ataques injustificados e indiscriminados. Sin embargo, el cegar una vida no es suficiente, o por lo menos no para algunos grupos, ahora se observa aquella “teatralización del exceso” en torno a la muerte que tiene como consecuencia humillar y profanar a los muertos, estigmatizarlos, borrar su identidad y hacerlos un objeto de representación del horror y propagador de miedo. Finalmente en la obra uno de los elementos principales es cuero de cerdo ya que Desde el punto de vista Anatómico y fisiológico, su piel es similar a la der ser humano. Diana Alexandra Patiño Cosmosis Performance Instalación 2016 El cuerpo como crisálida, es una metáfora que nos remite a la encarnación de una metamorfosis del cuerpo como nido, como primer hábitat donde se configuran los primeros afectos del ser humano, es allí a partir del mundo interior del artista, qué conjura el espacio íntimo en un mismo espacio territorio, donde a través del ritual o performance se reconcilian las fuerzas de la vida, en el acto simbólico del tejer y ensimismar la mente al momento presente del tejer, generando esa evocación al vínculo original con el útero o crisálida , reconstruyendo esa umbilicalidad perdida con las fuerzas de la vida latentes en nosotros mismos. Es así, como reminiscencia, que surge este nido crisálida, como necesidad de re construirme desde las huellas de lo ancestral, que han entrecruzado sus almas en los hilos, una memoria unida a las mujeres que anudaban el sentido al mundo en que vivían, manteniendo el estrecho dialogo con la naturaleza a través del tejido, y así revelaban el arquetipo en el cual estamos todos unidos componiendo esta mágica armonía del tejido universal. Tejer es encontrar ese cordón umbilical e ir convirtiéndolo en un tejido vivo como proyección del alma, permitiendo que aflore ese mundo interior donde reside lo sagrado, lo imperecedero, las memorias de hilo que nos recorren como cosmografías ancestrales, trazando un nuevo paisaje cuerpo, un cuerpo ahora territorio donde un habitad de imaginarios y sensibilidades se entrecrucen para pensarse desde el otro, en una cosmosis donde nos encontremos con nuestras fibras humanas.

Julian M. Paz Agua Óleo sobre lienzo 182 x 222 cm 2015 Mi trabajo es una constante observación de mi entorno, teniendo como foco la gestualidad de las personas. Ayudado de la fotografía trato de descubrir el comportamiento cotidiano de la gente a mí alrededor, revelando cosas que sabemos que existen pero que no vemos a simple vista. El arte como medio de expresión me permite crear un lenguaje alternativo de conocimiento, como una herramienta frente a la curiosidad y lo retiniano, como un sistema progresivo de comprensión que se manifiesta primero en la observación y luego en la contemplación, y que finaliza en el la concreción de una imagen autónoma.

José Euclides Piamba Fuerza de la Serpiente Escultura (tejido en cabuya) Dimensiones variables 2015

“Fuerza de la serpiente” es una obra donde se busca la interiorización del ser humano, desde la reflexión espiritual y la percepción de la forma, color, atmósfera. Es también el proceso de tejer, construir sueños de comunidad; que se ve entrelazo y reflejado en cada fibra, en cada nudo; representa la memoria de mis ancestros y los ciclos de familia; es mirar un poco hacia atrás mi niñez, mis días felices en el territorio ancestral del “Yurak Mayu” (Rioblanco). Espiritualidad, cosmovisión identidad, resistencia; son los temas incrustados en esta obra que parte de los espacios territoriales y desde diferentes ángulos de mi vida. Hoy la fuerza de la serpiente se en ruta en una visión y caminar íntimo, desde la medicina ancestral, donde la obra de arte debe cumplir con una misión clara en su función social; “el arte sanación”

Germán Alberto Sánchez Territorios a cuestas “el cuerpo como paisaje humano” Fotografía digital 90 x 59 cm c/u 2015

Exploro lo territorial y sus percepciones, así mismo como la mediación de la carga vivencial con los lugares habitados y la evidencia de conflictos que atraviesan sus dinámicas identitarias en relación al territorio, a través de la integración del paisaje al individuo y al carácter subjetivo que enmarca como pueblo, desde lo cosmogónico a lo histórico y de lo geográfico a lo relativo, aflorando desde lo profundo su sentido, su esencia, conservada en la manera en que afectan nuestro inconsciente y por ende es guardada. El reto es traerla y volverla perceptible en un afecto, en una imagen, develando la interrelación en que se visualiza lo significativo de un espacio construido desde las vivencias, conteniendo las experiencias comunes o extraordinarias que cargan la memoria de quien las vivencia. La propuesta problematiza lo territorial en el hecho estético aquí presentado como Paisaje humano, estructurando la experiencia desde la interacción en contextos caucanos, la cual se empieza a resolver buscando conocer sobre las maneras particulares de representación, que se han creado como sistemas identitarios propios, es allí donde a través de la fotografía capturo y re-creo mundos, (comprendiendo esto último en el esfuerzo de la producción de la imagen plástica), tomando el paisaje y el retrato de forma visualmente analógica a lo que sociológica y antropológicamente sería territorio e identidad respectivamente, dando como resultado la obra Territorios a cuestas. Paula Andrea Yunda Bravo Una Tarde Lápiz sobre papel 90 x 220 cm 2015

Una tarde, parte de la relación entre la luz, espacio y tiempo, donde la percepción aumenta a partir de sentir las diferentes atmosferas del momento. Es un intento por registrar de algún modo el cambio que notamos al observar la vegetación; transmitiendo el movimiento de las nubes, el crecimiento de los árboles y el monte que se desgasta. Al emplear un formato más grande puede jugar con la superficie dejando espacios en blanco, creando formas caprichosas que configuran el paisaje de un mundo.

Jennifer Andrea Gutiérrez Torres Geo Colores De Un Cuerpo Instalación – Modelado en Acilla Dimensiones variables 2016

Las experiencias de racismo en mi infancia me llevaron a preguntarme sobre mi color, a indagar sobre mis antepasados y averiguar sobre sus colores. Así como desde el barro muchas culturas han desarrollado el mito de la creación del hombre, hoy recurro su ambigüedad en su fragilidad y dureza, para entablar un dialogo entre la materia y el concepto. Tomo la forma de mi cuerpo, representada en mi silueta, y con ella a escala compongo un número muy grande de figuras pequeñas en arcilla para obtener el color de mi piel; estas figuras en arcillas de diferentes colores y lugares, hablarán de la tierra, de un cuerpo mestizo de muchos colores; un encuentro con mihistoria, conmigo misma y con mi color… con el color de todos. La instalación está constituida por más de 5000 figuras de 8 diferentes colores de arcilla; las cuales simbolizan los diversos colores de piel o las mal llamadas “razas” humanas. Figuras, que al ir acompañadas de algunas palabras racistas en las paredes y gracias a la intervención del público, se pulverizarán y mezclarán; mostrando así la violencia del racismo, la fuerzadel mestizaje y nos hará reflexionar sobre los colores que componen nuestra piel. Así como desde el barro muchas culturas desarrollaron el mito de la creación del hombre, recurro a este y a su variedad de colores, para neutralizar el mito de las razas entre los seres humanos. Geo Colores de un Cuerpo se enfoca en el racismo desde la experiencia de un cuerpo de muchos colores; en la búsqueda de un color, de una sola raza … el color de todos.

Paola Varón Rivas El cuerpo ritual, paisaje y territorio Performance (fotografía en acción) Dimensiones variables 2015 Este proyecto nace con el interés de explorar mi quehacer como artista, Construyendo una tesis, a partir de la noción de cuerpo vinculada a la de espacio, paisaje y territorio. El trabajo se ha centrado en la persistente pregunta sobre el proceso ritual en el performance como objeto de representación de identidad cultural del territorio que hábito, dentro del marco de la fotografía contemporánea, acción performance. Una búsqueda corpórea que abandona el cuerpo organizado, a partir de las materias orgánicas que extraigo de la tierra que me permite hacer una analogía entre piel y tierra para darle continuidad al cuerpo y al paisaje, donde le camuflaje se convierte en estrategia de desaparición o perdida ficticia de la individualidad e identidad en miras de anular la propia existencia, fundiéndose en la roca o en la quebrada selvática, transformándose, camuflándose en animal, en vegetal, etc. Vinculando también de manera especial el arte con la vida y con el carácter contemplativo que el artista asume como su territorio. Realizando ejercicios de performance como un hecho ritual y artístico en el departamento del Tolima, Reconociendo el territorio como un espacio de complejidades físicas y estéticas que hacen parte del paisaje, creando identidad por el territorio que se habita. Empleando el cuerpo como un instrumento de creación y conexión con la tierra. Un cuerpo que denomino primer territorio de exploracion el cual está siendo permeado por experiencias propias del performance, tomándose a sí mismo como un observador de lo que le acontece al cuerpo desde lo más sensible e indescriptible en el momento del ritual.

Natalia Murcia Gutiérrez Ínsula Azul Instalación (Mesa y silla de madera, libro ilustrado y acuarelas) Dimensiones variables 2015

La ínsula es una estructura que interviene en la conexión de las emociones con las experiencias. Ínsula, además, se relaciona con la palabra insular, que se refiere a la isla, un territorio que pertenece a un todo pero a la vez es independiente de él. La luz es espacio. La luz le da existencia a las cosas, a nosotros, a los colores, a todo. La luz es color y experiencia, sin la luz no podríamos experimentar los colores porque no existirían. El azul es distancia, es territorio. El azul, al igual que la luz, es experiencia. Sentirse azul es experimentar el azul, es exteriorizar lo que conozco y como me siento con un color, es crear un territorio emocional. Infancia significa “el que no habla”, pero el lenguaje no es solo hablar, no es lo verbal, el lenguaje existe antes de pronunciar la palabra. El lenguaje es símbolo, imagen y sonido. Comunicar es expresar. Las imágenes, los dibujos, los garabatos y demás, son herramientas que podemos usar para hablar sin usar la palabra, tal como lo haría un niño, eso es la ilustración. Ínsula Azul es un proyecto que aborda sensaciones, sentimientos y experiencias relacionadas con diferentes tonalidades del color azul y, a su vez, se conectan con la infancia, el lenguaje y la luz. Aíla es un álbum ilustrado que contiene textos e ilustraciones aludiendo la relación entre emociones y experiencias. Ínsula Azul es una instalación de acuarelas, una silla y mesa donde estarían los ejemplares de Aíla; así cada espectador podría sentarse a leer el libro.

CONSTRUIMOS FUTURO

Gabriela Ballesteros Contreras Valentía Instalación Dimensiones variables 2015

Este es un proyecto artístico cuyo planteamiento surge de la necesidad de subsanar un poco el dolor que causa el asesinato de padre de la autora y la desaparición forzada de amigos, como consecuencia del conflicto interno que vive nuestro país. Las familias que afrontan esta problemática permanecen sumergidas en la incertidumbre de no saber que paso o por qué motivo paso con su ser querido. En 1998 la autora es testigo de esa guerra y al poco tiempo fue tocada directamente con el asesinato de su padre. Durante este proceso se desarrollan exploraciones que surgen de la necesidad y búsqueda incansable de subsanar tanto dolor, concretando la idea que sustenta el proyecto VALENTÍA, en una instalación artística tomando como referente una de las actividades que practicaba su padre recordando los buenos momentos compartidos que se reflejan en la alegría de los colores.

Natalia Felacio Jiménez Algunos despropósitos y otras acciones de una no-distinguida (del sentido de la posibilidad al modo de ser de la obra de arte como despropósito)

Dibujo, texto, objetos intervenidos, video Dimensiones variables 2015

Este proyecto de grado consiste en una búsqueda del modo de ser de la obra de arte como despropósito. En esta búsqueda se discuten algunos puntos conflictivos acerca de las concepciones del sentido de la existencia, así como del sentido de la obra de arte, a partir de la realización de pequeñas acciones denominadas aquí como despropósitos. Plantear un modo de ser de la obra de arte como despropósito permite preguntarse por las posibilidades alternas a una existencia dictada por valores de peso y necesidad, así como a un sentido de lo humano gobernado por su capacidad productiva. Hacer despropósitos, hace posible empezar a considerar el sentido de la posibilidad y el asumirse como una no-distinguida, como formas de entender la existencia desde la duda y la incertidumbre, así como desde la vida gris, lo no espectacular y lo ordinario. De igual forma, la comprensión de la vida desde el sentido de la posibilidad y el ser una no-distinguida, permiten considerar maneras alternativas de ser de la obra de arte, resultando factible pensar la obra desde su modo de ser como despropósito. Este modo de ser de la obra de arte, atraviesa algunas concepciones, bajo las cuales el ensayo y el experimento, los juegos entre lo leve y lo pesado, los juegos entre lo profano y lo sagrado, así como la resistencia a la efectividad por medio de la apertura al error y a la repetición, se convierten en características posibles de la obra.

Jose Muñoz Vigilar, Sancionar, Evaluar. Los Medios del Buen Encauzamiento Instalación, fique, huacales, madera, miel de purga y tierra negra Dimensiones variables 2015

El cuerpo está inmerso en un conjunto de realidades políticas y sociales. Cuestionarse sobre los límites del cuerpo, las tensiones, y las relaciones que se desarrollan en un contexto de espacio público; permite discernir sobre lecturas de relación entre cuerpo y espacio, reconociendo así que el espacio, el sujeto, y el cuerpo en sí, están permeados disciplinariamente por las relaciones de poder, por las instituciones de poder y por un conjunto de normativas socioculturales las cuales han demarcado el espacio público y el espacio privado. El presente proyecto de arte titulado como: Entre la Tierra Negra y la Escritura Blanca surge como una revisión crítica que habla sobre las relaciones entre cuerpo y espacio; entendiendo al cuerpo como un objeto contingente, y al espacio como el dispositivo relacional bajo una reflexión generada a partir de las relaciones de poder que se ejecutan entre sujeto e instituciones, que demarcan o generan normativas sobre el deber ser. Un aspecto velado que directamente segrega, excluye y coacciona a los individuos que se encuentran fuera del lineamiento heteronormativo. Este proyecto busca establecer una lectura crítica a partir de una discusión entre lo primitivo y lo institucional entre el cuerpo y el espacio. Se hace uso de materiales orgánicos, mobiliario de espacio público, y proyecciones de video para generar diálogos continuos entre los conceptos de positivo y negativo, presencia y ausencia, contendor y contingente; que permitan exponer una resistencia, en la que el discurso del arte sirve para cuestionarse sobre el individuo y la sociedad.

Aura Rico Palimpsesto Cartel mural retro iluminado 200 x 400 x 20 cm 2016

“Palimpsesto” es una pieza de formato rectangular, creada a partir de cartel mural extraído de las paredes de diferentes zonas de la ciudad de Cali, retro iluminado con bombillas LED. Esta pieza se revela como un manuscrito de ciudad, en el que tanto el transeúnte, como el tiempo y las condiciones ambientales, son factores vitales en la transformación, alteración y escritura de la imagen de ciudad; la cual, cada vez que avanza más en la línea del tiempo, difiere de sí misma retrospectivamente. Los palimpsestos, según la Real Academia Española, son “manuscritos antiguos que conserva huellas de una escritura anterior borrada artificialmente”, es decir, “Palimpsesto” se presenta a si mismo como una superficie que dan cuenta de sí misma y de otras, que conforman mediante el dueto ausencia- presencia una totalidad de días y de eventos; una congregación de fechas, de multitudes, de personalidades y de olvido, que sumadas unas a otras crean una vitalidad perceptible, una vida paralela que se constituye a partir de la nada y del todo, del desecho de la imagen de una ciudad que es una y varias al mismo tiempo.” Sin llegar a suponer un punto de partida o un punto de llegada, la ciudad se transforma, sin génesis ni apocalipsis; imagenes crecientes y cambiantes, dotadas de color y suciedad tan cercanas de ser un discurso y paralelamente despojadas de argumentos, puesto que, aunque se profundice en sus raíces no se encontrará información adicional a la que ya esta siendo expuesta. Superficiales y inalcanzables.

Andrea Gabriela Duarte Gruta Fotografía digital 40 x 60 cm c/u 2016 “Gruta” es un ensayo fotográfico, que como recurso encuentra en el fotomontaje digital, una herramienta que posibilita la creación de universos imaginarios, la construcción de ficciones y simulación de la realidad, poniendo en duda la veracidad de la imagen. El nombre del proyecto nace a partir de una investigación, en donde se encuentra que la palabra “grotesco” del italiano grotessco proviene de grotta es decir “gruta”. Este hallazgo permite definir lo que se quiere evocar en las imágenes, que es la esencia pura y el punto de inicio de una propuesta fotográfica, que se puede llegar a pensar o nombrar como grotesca. Gruta “el espejo de lo que no se quiere ver”, es la interpretación de un cuerpo real, crudo y excesivo en contraste a espacios descuidados, irregulares y desordenados, que componen una relación entre el sujeto y el contexto. Las imágenes encierran el misterio de estas mujeres, que se encuentran ocultas, anónimas y atemporales; algunas de ellas tienen características que aluden a siameses, o bien, seres que se insertan y empoderan en espacios decadentes y abandonados Como herencia del barroco o reinterpretación del mismo, se busca evocar aspectos de iluminación, como luces no justificadas en espacios imposibles o degrades, poses en los cuerpos retorcidas y recargadas. “Gruta” incita al espectador a interpretar estos universos como un algo indefinido, que lo interroga y lo pone en enfrentamiento con “el espejo de lo que no se quiere ver”.

Joseph Hernández Cosmogonía Astrofotografía, fotografía digital 27 x 27 cm c/u 2015

“El hombre desde que perdió la noción de ser ha buscado equivocadamente en los confines de la Tierra una respuesta al origen de su existencia con el fin de encontrar el camino de regreso”. El presente proyecto nace con el propósito de ilustrar fotográficamente el enigma que tiene el ser humano frente a la existencia y el origen del mismo, entrando en congruencia con la percepción extrasensorial de la energía fotosensible que el medio digital ofrece bajo los conceptos de espacio y tiempo. Se propone de manera estética representar el cuerpo humano en contraste con la inmensidad del paisaje nocturno, ya que al integrar la expresión del sujeto con la manifestación del paisajismo fortalece el lenguaje visual primando el sentimiento sobre la racionalidad de la técnica: La astrofotografía. El alcance que posee este proyecto considera en gran medida el prestigio del género fotográfico en el que se desenvuelve puesto que permite demostrar las grandes capacidades que la fotografía digital concede como percepción extrasensorial en comparación a la visión humana y a su vez, ayuda a evidenciar la evolución del arte contemporáneo dirigido a la era digital.

Juanita Fajardo Ardila Contínuum Fotografía 10 x 15 cm c/u 2015

Nuestra vida cotidiana está marcada por un ciclo temporal que se repite todos los días y todas las noches. Gracias a nuestra percepción sabemos que el día comienza cuando aparece el sol y que termina cuando este se esconde tras el horizonte, dándole paso al anochecer. Si permanecemos observantes ante estos fenómenos de tiempo que ocurren en el horizonte, podremos percibir en apariencia los cambios que acontecen más no aprehenderlos del todo. Debido a la mediación de la cámara fotográfica como extensión de nuestra mirada, la compresión del tiempo se hace presente, permitiéndonos percibir minuciosamente la afectación que éste ejerce sobre el paisaje. Esto sucede en Contínuum, una panorámica del horizonte de Bogotá conformada por una serie de imágenes capturadas desde el mismo encuadre y que se afectan entre sí por una relación temporal entre ellas. La obra se compone de una secuencia continua donde la variación entre las fotografías más cercanas es casi imperceptible, sin embargo la diferencia entre sus extremos se puede advertir a simple vista. Por esta razón, la distancia del observador juega un papel determinante en la manera cómo éste percibe la imagen. Por una parte, si mira de lejos puede encontrar una composición abstracta del horizonte, pero por otra, al acercarse, cada una de las fotografías le ofrece un paisaje rico en elementos urbanos que cambian sutilmente de una imagen a otra.

Nicolás Williamson Contacto Instalación escultorica Dimensiones variables 2015

El punto de partida para este proyecto fue el sendero de la Quebrada La vieja que hace parte de los cerros orientales de Bogotá. A través del silencio y la contemplación exploro el lugar y busco aprender su naturaleza. En éste se dan dinámicas muy complejas, en gran parte, por las características de las materias que lo componen. La naturaleza se da en un proceso permanente, se compone de muchas partes que entran en contacto, se encuentran e interrelacionan. Observo intuitivamente cómo se dan estos procesos y a partir de este ejercicio presento una obra que señala esta experiencia. La realización de este proyecto es una forma de materializar y desplazar lo aprendido en este lugar a través de un proceso escultórico con los materiales encontrados en él. Es una obra que explora el equilibrio en las relaciones que se dan en la naturaleza y la conexión entre unas partes y otras. Habla del tiempo, de la forma como un espacio se va transformando con él y de cómo todo está en un contacto continuo y cambiante. Planteó entonces un instalación escultórica en la cual diferentes ramas se apoyan en el espacio para generar un dibujo. El contacto de estas con el edificio es lo que permite la existencia de esta obra. Pienso entonces esta instalación como una relación directa entre el espacio y la obra, el edificio cumple con una función estructural y a la vez poética. Intenta señalar la importancia de cada parte y también su fragilidad.

Paula Varela & Jonnathan Castiblanco Maquinando lo cotidiano Instalación: dibujo, pintura y escultura Dimensiones variables 2015

Trabajo de grado que presenta la experiencia de un taller de dibujo como potenciador de sensibilidad hacia lo cotidiano, con niños de cuarto y quinto grados de la escuela Lorencita Villegas del municipio de Fúquene, Cundinamarca. Para el desarrollo de dicho taller se hizo un estudio teórico y metodológico que permitiera generar una propuesta acorde con el contexto del municipio. El taller buscó aportar al reconocimiento del territorio por parte de los niños, usando elementos propios de las artes visuales como máquinas precinematográficas y herramientas del dibujo propiamente dicho. El resultado del trabajo con los niños se presenta como obra plástica, dentro de los trabajos se encuentran, una infografía que contiene los dibujos realizados por los niños durante los diferentes días del taller, y una serie de maquinas de la mirada, creadas por cada niño de acuerdo a sus intereses y los conocimientos adquiridos en el taller.

Vanessa Gutiérrez Presencia entre la ausencia Carboncillo sobre retablo 172 x 180 x 90 cm 2015

Día a día nos encontramos en el camino a transeúntes, personas pasajeras que están en el fondo, fuera de foco, viviendo una vida que desconocemos; pero en un instante pueden adquirir una presencia espontánea cuando intercambiamos miradas, ya que aparecen en una escena de nuestra historia y nosotros en la de ellos. Algunos, en su condición de transeúntes sumergidos en su rutina, no le dan mucha importancia a quienes pasan a su lado, mirando sin observar a quienes hacen parte de su campo visual, pero hay quienes son conscientes de ese ejercicio de observación y en cierto modo se vuelven presentes en medio de una multitud ausente. Es un encuentro común, pero es una forma de rectificar la mutua existencia, en donde no se pasa desapercibido ya que convergen dos individuos y a pesar de estar envueltos cada uno en su propio pensamiento esa mirada es una interrupción que clama por el hecho de que ninguno puede llenar su vida solo, sino que la construye gracias a esa suma de otras personas que no dicen ni perciben que llenan nuestro entorno, pero que nos complementan sin interactuar, al ser una compañía lejana pero necesaria. Así que, como espectadores constantes del recorrido de los demás, sabemos que detrás de esos ojos hay alguien complejo y en continua construcción como nosotros, pero que no alcanzamos a descifrar por lo efímero del instante. Una coincidencia que quizás suceda una sola vez y que el recuerdo de ese momento se desvanezca entre los otros.

Mauricio Combariza De mi “mundo primero” al ahora. Recorridos, anécdotas y encuentros Instalación con escombro, cemento, mapa y plano encontrados Dimensiones variables 2016

Esta tesis es el resultado del abordaje de una experiencia, “mi experiencia”, la etapa de mi vida a la cual he decidido llamar “mi mundo primero”. Esto tiene que ver con el niño aventurero y rebelde, el que construye su mundo a partir de la relación con este y su entorno, muestro esta conexión con esa etapa de mi vida acudiendo a la memoria, a ese espacio dimensional que atravieso en un viaje casi inmediato montado en la nave de mis recuerdos. Acudo a ese espacio lleno de imágenes y las traigo al “ahora”. Me conecto con esas imágenes tan reales como oníricas, para poder descubrirme, para ver el interior del ser que lo habita y mis costumbres, esas que siguen vigentes en mi presente. Para tal evento, busco usar un lenguaje ceñido a la experiencia como individuo, uso los materiales de esa experiencia, me apropio de los objetos que encuentro. Hablo desde el maestro constructor del ahora y que construye su casa, su hogar, expreso desde el artista, transmito desde el reciclador, que rompe bolsas para encontrar sus manjares y sentires, el que recoge cosas, bultos, escombros, objetos. Construyo la forma como la percibo, desde mi noción de hogar y de casa, aquella en donde guardo mis cosas, como lo hace el pájaro al construir su nido y que recorre su entorno en búsqueda de materiales para hacerlo. Recorro el territorio, espacio comprendido entre los municipios de Soacha, Mosquera Y Funza Cundinamarca. Con el cual pretendo, reconectarme con el niño de ese “mundo primero” y enlazar memorias y experiencias, al presente.

Carla Ramos Leaño Asimilativos Instalación Dimensiones variables 2015

Asimilativo es, en primer término, que asimila o es capaz de asimilar. Es, en segundo lugar, capaz de hacer semejante así mismo algo externo. La autorreferencia tomada subjetivamente como un hecho cuestionable, una formula directa de lo que pasa en la actualidad ante como pensamos sobre el cuerpo, encadenada a una fuerte estructura histórico-teórica occidental que se acomoda a la ilusión. Cuerpo, pensamientos, hábitos, y concepciones rebotan entre la artifi-realidad que se adhieren como una configuración camaleónica y efímera con respecto a la belleza, un agente que acompaña permanentemente las transformaciones y necesidades de una sociedad, generándose a su vez restricciones de una imagen corporal íntima y social. La publicidad como medio persuasivo de esto, logra simplificar dichas limitaciones a nivel de un global contaminante, uno de los factores más lamentables hoy en día es el deseo de lo faltante, ocasionando trastornos psicológicos y físicos a espalda de lo que cruelmente hemos querido adoptar y creer. Asimilativos, es finalmente, la conformación de varios elementos relacionados con la acción repetitiva de arrancar el cabello, el cubrimiento y la intimidad. Un cuerpo que sufre bajo la asimilación de una tricotilomania como un trastorno de imagen, que esto a su vez se reduce en definiciones psicológicas construidas, un cuerpo que es producto irreversible de la historia y en lo más entrañable, preso de la rutina para corregir “de sí mismo” supuestas enfermedades.

Alejandro Agredo Ubaque & Daniel Alejandro Ochoa Arboleda ORBE Plataforma interactiva App en plataforma Android 2016

Existiendo diferentes y numerosas dificultades en el sistema de educación colombiano para personas con discapacidad en la ciudad de Medellín, se propone una solución desde el diseño visual, creando un producto que cumpla con la función de mejorar el proceso de inclusión para dichas personas en las instituciones educativas, llamado orbe. Una aplicación multifuncional que acompaña a padres de familia y docentes de estudiantes con necesidades educativas especiales, cubriendo sus mayores necesidades y temores, una aplicación de uso del profesor que beneficia al estudiante. Orbe también permite la conexión entre docentes y especialistas con el fin de cumplir el derecho a la educación, mejorar la inclusión, permanencia educativa de estas personas y la cultura ciudadana dado que influye también en estudiantes regulares.

Comprender que el paso del tiempo afecta a aquello que es orgánico, sin importar los intentos por evitar estos procesos de transformación, lleva a la manifestación del deseo de perdurar mediante la conservación de la memoria, para dar continuidad a una tradición. Es así como aparece la idea del ciclo, del círculo de la vida; al que posteriormente, se adhieren conceptos como la muerte, el recuerdo, el olvido, la ausencia y la relación con los seres queridos que son rememorados. Para finalmente materializarse a partir de metáforas relacionadas con el tejido: utilizado para transmitir además del conocimiento, una cosmogonía que si bien podría durar mucho o poco, eventualmente se transformará y desaparecerá. La carpeta de crochet, de forma más específica, es el elemento elegido para conjugar todos los conceptos desarrollados. Por tener un patrón, generalmente circular, que se repite y da como resultado un ritmo que produce movimiento, para convertirse en un ciclo; que se relaciona no solo con procesos biológicos, sino también con la transmisión de saberes y su renovación a través de las generaciones. La huella se convierte en el medio para tratar de preservar el constante anhelo por permanecer, que es a la vez una certeza de la imposibilidad de detener el paso del tiempo. Una marca que no perdura, dibujada con sal o algún polvo sustituto. Se toma el espacio por cierto tiempo; se acopla a las arquitecturas hasta que por la acción del transcurrir, las formas se van haciendo indefinibles, cambian, se desvanecen y desaparecen.

Sara Bustamante Muñetón Anamnesis Intervención con dibujo en el espacio Dimensiones variables 2015

Cristina Jaramillo Álvarez Entre-tejidas. De puntos a puntadas Instalación, tejido de punto con franela - video Dimensiones variables 2015 El tejido, labor destinada a la mujer por excelencia, para hacer indumentaria o simplemente pasar el tiempo, se convirtió en el pretexto de largas reuniones donde fue testigo y cómplice de esa construcción de memoria familiar, además de espacio para el encuentro, el diálogo y el intercambio de saberes. Es así como se pretende reivindicar la acción de tejer, interpretando esta labor desde el lenguaje de las artes plásticas contemporáneas, como metáfora de memoria, intercambio generacional, roll sociocultural, para seguir abriendo espacios para compartir y resaltar la importancia de la figura femenina dentro de la familia y la producción de nuevas memorias a través del tejido. El cuerpo es también una parte muy importante para el desarrollo de este tejido, ya que son las manos las únicas herramientas, se convierte el cuerpo en un instrumento para “dar a luz” a este tejido y el contacto con las demás mujeres, el trabajo en equipo, es determinante para ejecutar esta acción. El tiempo es también un elemento esencial, su carácter de infinito nos sugiere la posibilidad de seguir en construcción con el transcurrir del tiempo. La creación de atmósferas para sumergirse en uno mismo, es lo que ha dirigido mi práctica durante mis años de formación como artista, enfocándome en la memoria neuropsicológica, el recuerdo y los obstáculos que aparecen a la hora de tratar de recordar, pues generalmente los recuerdos son borrosos, distorsionados y difíciles de comprender. Muchas veces, para evocar un recuerdo nítido, se necesita de la presencia de una melodía, de un olor, de un objeto determinado o incluso de la inmersión en metáforas visuales y sonoras que despierten aquel recuerdo olvidado en el tiempo.

Laura Tobón Echavarría Memorias del Mar Stop Motion en Carboncillo / Vídeo 1,14 seg 2015

Mi obra ha tenido la necesidad de apropiarse del espacio a través de instalaciones y video proyecciones, para crear un juego entre la luz y sombra, para aludir a la facilidad con la que se desvanece el recuerdo y a la dificultad para recuperarlo. Por una necesidad personal mi trabajo hace referencia a las experiencias sensoriales universales de la nostalgia, la contemplación, la calma, la introspección, posibilitando el paso a un estado profundo del inconsciente, que despierte recuerdos del pasado, alterando la cotidianidad y permitiendo sumergirse en el pensamiento más íntimo. Durante mi proceso artístico he tenido como hilo conductor el océano, el interés por trabajar la memoria neuropsicológica en consonancia con éste surge ya que bajo la superficie del océano existe una profundidad que acerca al ser humano a la intimidad, entendida como el espacio donde puede expandirse la imaginación que va ligada a la memoria y permite evocar recuerdos y deseos más ocultos.

Alejandro Serna Velásquez, Estiven Pino Benítez & Guillermo Londoño Piedrahíta Kryptos street art interactiva Transmedia Plataforma Web 2016

Kryptos es una plataforma web sobre el street art de la ciudad de Medellín, que busca promover, sus artistas y colectivos visuales, aprovechando las posibilidades de la transmediación. También se busca generar una red de amantes del street art y contribuir a la creación colaborativa de nuevos entornos con intervenciones gráficas guiados por la premisa de “historias sobre la ciudad de Medellín”, lo que desencadenará en un constante cambio urbanístico posicionando a la ciudad como un referente para el turismo gráfico. En la plataforma web Kryptos se generan recorridos virtuales por medio de video scroll, donde se enseñan las intervenciones graficas existentes en la ciudad de Medellín y se muestra un breve perfil del artista o el colectivo que los elaboró y algunos locales comerciales para visitar.

Paula Andrea Malagón Memoria colectiva Fotografía 30 x 40 cm c/u 2015

Memoria colectiva es un proyecto que muestra el paso del tiempo de los colectivos y busetas de Bogotá. Pero este transcurrir del tiempo no se ve reflejado en una serie de fotografías en diferentes tiempos, sino en la huella que el tiempo y las personas dejan en aquellos espacios; es decir, el desgaste y deterioro, a través de ellos resaltar cuanto tiempo estuvo con nosotros ese transporte, destacar su importancia en nosotros, y la tristeza de su abandono. Se decide escoger este espacio significativo para la sociedad, pues se rumoraba que a partir del primero de junio del 2015 no habría buses tradicionales sino solo buses del Sistema Integrado de Transporte Público SITP. Por ello la necesidad de recolectar archivo para la historia del transporte de Bogotá; pero no un archivo de características e iconos, como ya lo hemos visto anteriormente, sino esa tristeza de su desaparición y su abandono por medio del deterioro, para evidenciar un estado en vía de extinción a través de la metáfora de lo arruinado, desgastado y olvidado. Diana Turbay, Moraba, La Castaña y Villa de los Alpes son algunos de los pocos paraderos de buses tradicionales que quedan. Estos fueron los lugares donde se fotografiaron más de 15 buses y colectivos de Bogotá. Mostrando un lugar y objeto tan cotidiano donde miles de bogotanos han dejado su rastro, registrando una parte de la tradición que será remplazada por otra, donde el lléveme en 1000 ya no se escuchará, donde solo se oirá un Gracias con acento español.

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