Madafackismo Underground #02 by Madafackismo Underground

Madafackismo Underground

Director: Brais Iglesias. Editor Gráfico: Lucas Ricca. Coordinación: Laia Gibert, Alaia Rotaeche. Artículistas: Miguel Aizpuru, Macarena Berjano Millán, Javier Caballero, Enrique Campos, Samuel Castellano, Jaime Cuesta, Cristian C, Carlos Gerona, Laia Gibert, Angel Marín Martinez, Jota Martinez, Jordi Prat, Joel M.Ricca, Ignacio Salgado, Sergio Sosa, Diseño de portada: Lucas Ricca. Obra bajo licencia Creative Commons con algunos derechos reservados. (www.amespidermutt.com) ILUSTRADOR: Sebastián Blanchet. FOTOS: Wikimedia Commons (Salvo indicar lo contrario) Esta obra se encuentra registrada bajo licencia Creative Commons, con algunos derechos reservados. Madafackismo no se responsabiliza de las opiniones de sus artículistas (como por ejemplo incitar a tatuarse las tetas o considerar a Kanye West un artista) que para algo son la Créme de la Créme del periodismo músical. Contacto: redaccion@madafackismounderground.com www.madafackismounderground.com

ÍNDICE PINK FLOYD

Madafackismo Underground

OASIS VS BLUR

THE CHARLATANS

RESEÑAS DE DISCOS

ENTREVISTA: NOVEDADES CARMINHA

JUSTIN VERNON

WEEZER

JOAN BAEZ

THE ONLY ONES

FOTORREPORTAJE

DESCUBRIENDO A

CRÓNICAS DE CONCIERTOS

BLUR

NOVEDADES FESTIVALERAS

RUIDO DE FONDO

EL BACKSTAGE

MADAFACKISMO

LA GUINDA FINAL

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PINK FLOYD

THE WALL construyendo muros T

he Wall fue el disco más vendido de la década de los setenta y el tercero más vendido de la historia. El éxito cara al público y crítica fue arrollador, considerándose todavía hoy en día como una de las mayores obras de arte de la historia, no sólo de la música, sino también en el ámbito audiovisual. Sin lugar a dudas, el mejor álbum conceptual de todos los tiempos. El Germen – In The Flesh: En 1978, Roger Waters tenía muchos motivos para construir un muro con el resto del mundo. Tenía toda la fama y el dinero que la banda de rock más importante de la década de los setenta le podría brindar, con un ejército de fans que cada nueva entrega musical convertía en oro y en un éxito de ventas. Pero también cargaba a sus espaldas con unos cuantos traumas y frustraciones. Un ambiente musical saturado de drogas, varios fracasos sentimentales, el miedo de haberse convertido en algo totalmente contrario a sus principios y la carga de ser uno de los hombres más famosos de su tiempo. Huérfano desde los cinco meses de un soldado de la II Guerra Mundial, la ausencia paterna marcará su vida. Por eso las letras de sus canciones transmiten el dolor que causa la guerra, los traumas que produce una madre demasiado protectora y la educación represiva del Reino Unido de los años cincuenta. Pero a veces gracias a los pequeños detalles se consiguen cosas muy importantes. En 1977 durante un concierto celebrado en Montreal dentro de la gira promocional del álbum “Animals”, el comportamiento agresivo de un fan de primera fila condujo a Waters a escupirle en la cara. Nadie en aquel momento se podría imaginar que un mal gesto más típico de una banda punk que de los Floyd, un simple escupitajo, se convertiría en el germen 4

de uno de los álbumes de rock más importantes de la historia. El batería Nick Mason recuerda este hecho en su biografía, Dentro de Pink Floyd, con cierta ironía: “Si la confrontación en Montreal le cambió la vida al desventurado fan al que escupió Roger, eso sigue sin saberse; sólo hace falta añadir que nunca ha contratado a un abogado, ni ha reclamado derechos de autor por ser una inspiración creativa”. A Roger nunca le gustaron mucho las giras. Cuentan sus ex compañeros de banda que siempre estaba tenso e irritable; disgustado con la industria musical en general. Una enorme sensación de frustración, una sensación de preguntarse qué estaban haciendo ahí. Conocer la respuesta le irritaba todavía más. Al fin y al cabo no se trababa de otra cosa más que de dinero y ego. Roger Waters encontró la prueba inamovible de que su planteamiento artístico había tocado fondo. Sin embargo, como todo buen creador, convertiría sus demonios y miedos en arte. Disgustado consigo mismo y con lo que se habían convertido algunos shows multitudinarios de Pink Floyd, comenzaría a construir en su mente un muro que lo separaría del público durante los conciertos de la banda; un muro que ladrillo a ladrillo se alzaría también como refugio de todas sus paranoias y miedos. Ladrillos que representaban conceptos como la guerra, el fracaso sentimental, la sobreprotección materna, el aislamiento social, el consumo de drogas por parte de las estrellas de rock, el comportamiento alienado de los fans, el sistema educativo como freno

para la

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“Para los cuatro integrantes de Pink Floyd, los shows debían aportar lo visual y sonoro como lo más importante, dejando a la propia banda en un segundo plano en la penumbra de los escenarios.”

Madafackismo Underground para la creatividad, la represión policial o la locura (enfermedad que motivó el abandono de la banda por parte de Syd Barrett – miembro fundador de Pink Floyd). El Concepto – Another Brick In The Wall: El 30 de Noviembre de 1979 un extraño vinilo aparecería en las tiendas de Reino Unido. La portada simplemente era una superficie asfixiante, una pared inquebrantable que parecía sobrepasar los márgenes mismos del cartón. En pleno apogeo del punk y el postpunk británico, con bandas como The Clash, Sex Pistols o Joy Division, aparecería un nuevo álbum de Pink Floyd que llevaba por nombre The Wall. El álbum nos retrata la vida de una estrella del rock ficticia llamada “Pink”. La historia del personaje es la historia de Waters. La muerte de su padre en la Segunda Guerra Mundial en una acción en la que los mandos británicos sacrificaron a muchos soldados en la batalla de Anzio, la sobreprotección materna que le producía sentirse todavía más inseguro, la opresión de la educación británica que reprimía cualquier atisbo de sensibilidad artística, los fracasos sentimentales o el aplauso garantizado de un público anónimo y masificado que le empuja hasta el umbral mismo de esa imbecilidad que nos espera en los albores del éxito son algunos de los traumas que tanto Waters como el propio “Pink” llevan a su espalda. El muro representa ese estado de aislamiento social que cualquier estrella de rock en estado depresivo puede llegar a vivir, con el fin de protegerse del mundo y de su propia vida, pero que al final le conduce a un mundo de fantasía autodestructiva. The Wall es, en sí mismo, un ejercicio psicoanalítico en donde el protagonista, fruto de todos los traumas que la vida le ha deparado, alcanza su punto álgido de locura al transformarse, en su imaginación, en un dictador fascista que encarna la opresión contra la que lucha, convirtiéndose a sí mismo en aquello que más teme. El rock star que lo tiene todo y se encuentra por encima del bien y del mal, el comienzo de la enfermedad. Finalmente se celebra “un juicio” ficticio y simbólico contra “Pink”, que termina con la condena de derribar el muro y exponer sus propios sentimientos, abrirse al mundo exterior en una liberación final que permite a “Pink” volver a formar parte de la sociedad. Uno de los pilares que aleja radicalmente este disco de las obras anteriores de Pink Floyd es, sin duda alguna, la confrontación de dos fantasmas con el Yo de 6

Madafackismo Underground Roger Waters. Su propio padre, como hemos comentado líneas arriba, pero también su amigo y ex compañero de banda, Syd Barrett. Es más que evidente que la figura de Syd supuso un antes y un después en el genio de Waters, quién temía encerrarse tanto en sí mismo hasta el punto de llegar a transformarse en lo que el propio Barrett se convirtió, un diamante loco, un lunático. Su propia vida le convierte en un solitario, como a Barrett, hasta que finalmente, como Pink, fabrica un muro para aislarse del dolor y de los sentimientos, para no sentirse culpable por tener esos sentimientos. La sociedad tiene ciertas reglas, son externas porque están antes de que el individuo nace, pero a veces el hecho de que estén no significa que sean las reglas correctas. Pink, por ejemplo, creció en un ambiente bastante conservador en el que el maestro de su escuela era el típico profesor estricto y detestable que maltrata a sus alumnos con métodos antiguos como la vara, no les deja expresarse libremente, y se burla de ellos y de sus ideas, pero también es reprimido por su esposa. La proyección de la amargura de los profesores en sus alumnos se convierte en otro ladrillo en el muro al ritmo de la famosísima “Another Brick in the Wall Part II”. Todo un canto de protesta que causó más de una controversia e incluso fue prohibida en varios países por el contenido de su letra. Acompañada de un coro de escolares y un afiladísimo solo de guitarra, compone una canción que no deja de ser una obra maestra. La tesis del psicoanálisis está muy presente en la obra. La figura materna y las mujeres como elemento castrante de la personalidad. Por un lado, la madre de Pink sobreprotege a su hijo, impidiéndole desarrollarse y llegar a ser un adulto. Por otro lado, la incapacidad de hacerse comprender por su mujer y los fracasos de pareja. Además, la II Guerra mundial, la guerra como metáfora. La guerra como competición por ser el mejor. El individualismo extremo moderno, en el que Waters no se siente a gusto. La idea de The Wall era la idea de Waters. Según Rick Wright, el resto de componentes de la banda nunca hubiesen accedido a grabar el disco si hubiesen tenido otra opción. Pero había muchas deudas e impuestos que pagar. La delicada situación financiera de la banda era una realidad. En resumen, The Wall es una gran metáfora sobre la alineación en la sociedad, pero sobre todo de cómo una persona llega al punto de refugiarse en lo más profundo de su ser para evadirse de la realidad. 7

Madafackismo Underground La Gira – Is There Anybody Out There?: Tras el enorme éxito que causó el nuevo trabajo de Pink Floyd en la escena musical, la banda decidió llevar a cabo una corta gira interpretando íntegramente The Wall entre 1980 y 1981 pero sólo en unas pocas ciudades (Londres, Los Ángeles, Nueva York y Dortmund). Recordemos que a pesar del éxito comercial, la situación económica de la banda era crítica por aquel entonces. No obstante, esto no les frenó a la hora de embarcarse en su gira de conciertos más ambiciosa hasta la fecha, incluyendo en sus shows un gigantesco muro que se construía ladrillo a ladrillo entre el grupo y el público, consiguiéndose así el objetivo de Waters; que el público comprendiese el mensaje sin la necesidad de respirar el sudor de los rock stars; con proyecciones a cargo de Scarfe y todo un elenco de marionetas gigantes al estilo “Animals”, que representaban la figura del profesor, la madre, la mantis como símbolo de opresión, etc; y que harían palidecer hasta al mítico cerdo volador Algie. Los conciertos eran representaciones teatrales que finalizaban con el muro siendo derribado con una explosión durante The Trial (El Juicio), dejando a los miembros del grupo “desnudos” ante el público. Irónicamente, Rick Wright, que había abandonado el grupo por desavenencias con Waters durante la grabación en 1979, y que participaba en los shows de la gira como músico a sueldo, fue el único que sacó beneficio económico de una gira cargada de pérdidas. La Película – The Show Must Go On: El impacto que produjo en 1979 la aparición de la ópera rock de Pink Floyd llegó al cine. En 1982 se filmó por la Metro-Goldwyn-Mayer bajo el título de Pink Floyd The Wall con Alan Parker como director y el líder de los Boomtown Rats, Bob Geldof, como “Pink”. También participaron en escenas Bob Hoskins y la joven Joanne Whalley. El guión fue escrito íntegramente por Waters y el argumento son las canciones del disco, no existiendo prácticamente diálogos. La idea de incluir actuaciones en vivo de la banda se desechó pronto, quedando la película compuesta íntegramente por las escenas rodadas por Parker y una gran cantidad de animaciones a cargo de Gerald Scarfe, que contribuyeron a reflejar el universo de locura del protagonista, incluyendo los icónicos martillos andantes que son uno de los grandes símbolos de la banda.

“Lo que impide que nos comunique muros del dogmatismo y siento decirl nicación, los muros del comercio; que

Madafackismo Underground A todo el mundo le impactó desde el primer momento la magnífica escena en la que los alumnos son tratados como filas de personas llevadas al matadero para convertirse en carne picada. La película permitiría alcanzar una comprensión mucho mejor de la historia de Pink. Cumplió perfectamente su función como complemento al álbum y plasmación de su concepto, ayudando así a entenderlo mejor y disfrutarlo como es debido. La película pronto se convertiría en obra de culto. Bob Geldof hasta que trabajó en la película no era ni mucho menos un gran admirador de la música de Pink Floyd, más bien todo lo contrario. Después de su participación, el músico quedaría muy marcado por el papel y la relación con las letras de Waters. Behind The Wall: The Wall no es un álbum inocente ni lo pretende. En 1980, en Sudáfrica, “Another Brick in the Wall II” fue prohibida oficialmente por el Gobierno por “incitar a los jóvenes a realizar disturbios”. Uno de los temas más emblemáticos del álbum había sido adoptado como himno entre los estudiantes negros que protestaban contra el régimen del apartheid que por aquel entonces hacía estragos en las escuelas del país. 21 de Julio de 1990. Berlin celebra su reunificación. Si el Muro de Berlín cayó un año antes, Waters decidió volver a construirlo y demolerlo otra vez ante una multitud agolpada en la explanada de Postdammer Platz, tierra de nadie durante la Guerra Fría. Waters ya no está en Pink Floyd pero conserva los derechos de The Wall tras una agria disputa judicial con David Gilmour. Berlín se convirtió en la fiesta que parecía augurar un cambio en el final del milenio, una nueva oportunidad para la vieja Europa y, sobre todo, para los modelos económicos que no tardarían mucho en solidificarse.

emos los unos con los otros son los lo, los muros de los medios de comue se alzan entre los seres humanos.”

El macroevento contó con invitados de lujo como Marianne Faithfull, Van Morrison, Bryan Adams, Scorpions o Sinead O´Connor, entre otros. Como anécdota cinéfila, puntualizar que de aquí sacó Scorsese la versión de Confortably Numb con The Band y Van Morrison, que usa en Los Infiltrados.

Roger Waters, Madrid, 2011

Madafackismo Underground Los seguidores de la banda, que sólo se han vuelto a reunir para participar en el concierto benéfico Live8 organizado precisamente por Bob Geldof en Julio de 2005, nunca se resignaron a la disolución de una banda que abrió nuevas vías frente al sonido y a las letras de otros. Pink Floyd no se parecía en nada a lo visto hasta entonces. Roger Waters es un músico concienciado. Durante su última gira mundial que finalizó en 2013, donde interpretaba al completo The Wall, no ahorró comentarios políticos y sociales e incluso llegó a pedir el boicot cultural contra Israel mientras no caiga el muro de Cisjordania.

Estamos sin lugar a dudas ante la última gran obra maestra de Pink Floyd, pues sus posteriores trabajos (The Final Cut, A Momentary Lapse of Reason, The Division Bell y el recientemente estrenado The Endless River) aunque notables en muchos aspectos, no son más que meras sombras de lo que el cuarteto británico logró durante la década de los setenta.

Brais Iglesias Castro @Bricepinkfloyd

“El muro representa ese estado de aislamiento social que cualquiera estrella de rock en estado depresivo puede llegar a vivir, con el fin de protegerse del mundo y de su propia vida, pero que al final le conduce a un mundo de fantasía autodestructiva.” 10

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OASIS VS BLUR L

legaban los años 90 y con ello entrábamos en una nueva oleada de bandas que venían a marcar una época, con el objetivo de acabar con el sonido Seattle o grunge, que había ocupado el hueco dejado por el indie, llegando desde el otro lado del Atlántico dejando todas sus influencias. Sólo una banda conseguía mantenerse en aquellos años de vacío musical inglés en la pomada, y no fueron otros que los Smiths. La banda liderada por Morrissey fue la única que conseguía mantenerse en primera línea del panorama musical con sus letras y sonidos sencillos y directos, lejos de la pomposidad que aportaba lo existente en aquel momento. Y para romper aquella hegemonía del grunge, comenzó a fraguarse en Londres un nuevo estilo, una serie de bandas bajo las influencias de grupos como The Kinks, los Beatles, los Rolling Stones, o más recientemente, The Smiths como ya comenté. Una vuelta a la simbología mod, al orgullo británico, en definitiva a aquello que conformó de nuevo el cool britannia, que volvió a llevar la capital mundial de la música a Londres. Estas nuevas bandas conformaron el britpop, que tuvo en Suede, Ocean Colour Scene, Pulp, Radiohead, etc... a algunos de sus más ilustres representantes; pero si hubo dos bandas que destacaron sobre el resto y que fueron los auténticos guías, no tanto musicales, sino espirituales, fueron Blur y Oasis, o Oasis y Blur. La prensa británica montó una guerra, un combate entre ambos grupos, un cara a cara que sus protagonistas se encargaron de elevar y acentuar. La fecha señalada, cuando sonó la campana del comienzo del combate, fue mediados de agosto del año 1995. Aquellos fueron los días en los que comenzó la gran lucha, como se encargó de enmarcar aquella portada de NME, a lo pugilístico, entre Blur y Oasis, entre Albarn y Liam; dos bandas referencia de una generación musical enfrentadas por ver quién se llevaba el cinturón de campeón británico de la música. Al igual que ocurrió en su día entre los 12

Beatles y los Rolling, la prensa necesitaba encontrar un vencedor y una banda que dominara el momento musical. Ambos con estilos diferentes, un estilo Mourinho (los Gallagher) vs Guardiola (Albarn y Coxon), la descarada arrogancia que desprendía por los poros Liam Gallagher contra la corrección de Albarn. Estilos musicales diferentes, las canciones llanas y directas de Oasis, vs la capacidad de renovación y variedad de Blur. Las parkas, gafas a lo Lennon y Adidas de los Gallagher, vs las Harrigton, Fred Perry y camisetas futboleras de los componentes de Blur.

1º ASALTO.

La publicación de Roll With It por parte de Oasis hizo que Blur adelantara su Country House al mismo día. ¿Resultado final? Victoria de Blur, vendieron 274.000 copias por las 216.000 de Oasis. El primer asalto para los de Damon Albarn. En estos primeros meses lo más sonado fueron las declaraciones de Noel diciendo que no le importaría que Damon Albarn y Alex James contrajeran el sida y murieran. Las declaraciones cruzadas eran la constante y nos dejaron perlas como ésta.

2º ASALTO.

Morning Glory supuso el primer golpe para Oasis, un directo a la mandíbula que bajó las defensas de Blur y con el que los Gallagher tuvieron la oportunidad de soltar una serie de golpes que terminó en la gala de los Brit Awards; esto terminó por noquear por primera vez a Albarn y cia. Cuando recogieron el premio los hermanos Gallagher, Liam a la cabeza, entonaron el Parklife cambiándolo por Shitlife. Corría el año 1996 y por entonces Oasis ya iba cogiendo ventaja frente a Blur, y más tras la gira por EEUU de ambas bandas donde Blur salió mal parado ante la escasa repercusión que tuvieron al otro lado del charco.

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3º ASALTO.

Las dos noches de Oasis en Knebworth, donde tocaron en agosto de 1996 ante más de 250.000 personas y con más de 2.000.000 de solicitudes de entradas para dichos días, dejó totalmente claro que el público los había elegido a ellos.

camino, ya fuera Phil Collins o Robbie Williams, pasando por James Blunt o Franz Ferdinand. Oasis siguió publicando discos, llegando a vender casi 80.000.000 millones de copias a lo largo y ancho de su carrera. Tras su separación, Liam junto al resto de componentes de la banda montaron Beady Eye, con escaso éxito, mientras que Noel sigue con su carrera en solitario con Noel Gallagher’s High Flying Birds.

Albarn comentó que tras aquellos días, tras publicar The Great Space, incluso la gente le gritaba por la calle “¡Oasis! ¡Oasis!”, que no podía salir de casa sin que le El proyecto de Albarn, James y Coxon, tras vender recordaran a los Gallagher; decía que fue una batalla cerca de 25.000.000 millones y su pronta separación, deparó en la carrera en solitario de cada uno de ellos, que le ayudó a comprender muchas cosas. por un lado Damon y su trabajo con Gorillaz donde La gran batalla apenas duró dos o tres años, años que obtuvo una cierta repercusión, y la carrera de Coxon elevaron la escena y estas bandas a cotas mundiales, si en solitario, ligado al desarrollo de su sello discográfico. bien a nivel global el éxito de Oasis fue mayor que el Hasta que hace unos años volvieron a reunirse para dar de Blur. Casualmente también estos fueron los mejores una serie de conciertos y actualmente están lanzando su años de ambas bandas. Los de Albarn no tardaron en nuevo trabajo. separarse, mientras que los Gallagher seguían repitiendo sus peleas por los escenarios de todo el planeta y lanzando críticas hacia todo aquel que se cruzara en su

Javier Caballero @milic82 13

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THE CHARLATANS

ola madafackas, hoy os presento a “The Charlatans”, nombre de una legendaria banda que a los pocos años de su fundación se vieron obligados a modificar por “The Charlatans UK”, puesto que los derechos del nombre inicial pertenecían a un grupo americano de los años 60. Originarios de Manchester, Reino Unido, esta banda se formó allá por el año 1989 cuando varios amiguetes decidieron que no se les daba nada mal hacer sonar sus instrumentos. Sus fundadores originarios fueron Jon Baker (guitarra), Martin Blunt (bajo), Jon Brooken (batería), Rob Collins (teclados) y la voz del grupo, incorporado después de probar a varios, Tim Burgess. Todos ellos formaron junto con sus coetáneos, The Stone Roses, Happy Mon14

days, James o Inspiral Carpets el sonido Madchester, Britpop o Baggy. Entre sus características están el rock psicodélico, indie y el dance-rock, todo ello bien mezclado y agitado, como diría el mismísimo James Bond. “The Charlatans UK” cuenta con 14 discos, desde 1990 hasta la actualidad, 25 años dando guerra musicalmente hablando, deleitándonos con su sonido, aunque claro está, con luces y sombras como no podía ser de otro modo... si bien es cierto, que con más de lo primero que de lo segundo.

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Some Friendly (1990). Primer disco de la banda y del que nacieron dos de los temas que a día de hoy se mantienen en la cresta de la ola sonora y que los define claramente. Los tan escuchados “The Only One I Know” y “Then”. Ambos temas los llevo en el repertorio de mi coche sí o sí. Con este disco, empezaron con fuerza y consiguieron copar el número 1 de las listas británicas nada más publicarse. En él se aprecia el tan característico teclado “charlatans”, baterías a contrasentido y guitarras, acompañados de coros y la voz melódica de T. Burgess, que suenan templadas, sin fuerza pero con estilo. Otra característica es el punto funky en los teclados en los temas “You’re Not Very Well”, “Believe You Me” o “Flower”. El disco termina con otro buen tema, “Sproston Green”, como guinda al pastel.

Between 10th and 11th (1992). Segundo disco de la banda y en opinión de ellos mismos, el menos exitoso, de salida. Igual lo decían por los plátanos de la portada del disco, pero no, nada de patinazo y para eso se encargó la crítica que lo catalogó como uno de sus mejores discos de toda su historia. La voz de Burgess suena más asentada que en el anterior disco, así como los teclados. Se respira en todo el disco un estilo más pop que en el anterior. Entre los éxitos de este disco se encuentran “Weirdo” y “Tremelo Song”, otros de los temazos que aún a día de hoy suenan muy actuales. Destaco igualmente “The End of Everything”, “Page One” o “Chewing Gum Weekend” que suenan con mucha fuerza. El disco termina con la pegadiza “(No One) Not Even The Rain)”.

Up To Our Hips (1994). Tercer disco de la banda recibido muy bien por la crítica. La banda sigue su camino evolucionando hacia nuevos sonidos sin olvidar sus melodías, como se puede apreciar en la canción que abre el disco “Come In Number 21” con coros muy pegadizos. Sigue con “I Never Want An Easy Life If me And He Were Ever To Get There”, tema en el que se aprecia claramente el indie dance. Los temas “Can’t Get Out Of Bed” y “Jesus Hairdo” son de un estilo más Britpop, que tanto sonaba por aquella época. Destaco por su diferencia con respecto a lo que habíamos escuchado hasta ahora “Feel Flows”, tema guitarrero que más bien recuerda a otros estilos más rockeros. Termina el disco con un buen tema: “Inside-looking Out”.

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The Charlatans UK (1995). Cuarto disco de la banda. La evolución ha llegado hasta el estilo más funky del grupo, recordando en ocasiones al Loaded de Primal Scream. Tellin’ Stories (1997). Estamos probablemente ante uno de los mejores discos del grupo, el más vendido, a pesar del duro contratiempo que supuso durante su grabación el fallecimiento de unos de sus componentes, el teclista y alma del grupo Rob Collins, en un accidente de tráfico. Lo sustituyó Martin Duffy de Primal Scream. El resto de miembros siguieron adelante y sin duda dieron con la tecla consiguiendo un sonido más consistente. Destacan los temazos “One To Another”, “Tellin’ Stories” o “How High”.

“Us And Us Only” (1999). Difícil papel el de este disco teniendo en cuenta su antecesor. El grupo tuvo que esforzarse de lo lindo y así se lo reconoció la crítica. Introdujeron sonidos más cercanos al rock&roll que al pop. El parecido con los Stone Roses se aprecia muy claramente en el primer tema del disco: “Forever”.

“Wonderland” (2001). Si algo no puede criticársele a esta banda es su continua actualización y cambio de registros. En este disco vemos la parte más bailable del grupo, el dance-rock. Incluso la voz de Burgess adopta un falsete muy característico. En el tema “You’re So Pretty” casi acarician con las manos a los mismísimos Rolling Stones. En el tema “Is It In You”, se escucha la voz de Tom distorsionada, al estilo de Bono con el Achtung Baby. Estamos ante un disco fresco, diferente y divertido.

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“Live it Like You Love It” (2002) Disco en directo con los temas más exitoso hasta el momento.

“Up To The Lake” (2004) Para mi uno de los mejores discos de la banda. Cambio radical respecto al disco Wonderland, vuelta más al estilo Charlatans de los primeros discos con un aire más calmado y relajado, como si se pusieran a crear las canciones mirando al lago de la portada del disco. La madurez del grupo es un hecho. Este disco es el único no estrenado en U.S.A. Destaco “Up To The Lake”, “Dead Love” , “Cry Yourself to Sleep” o “High Up Your Tree”. 16

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Simpático” (2006) En un intento de levantar el ánimo de sus seguidores, vuelven a intentar enriquecer su estilo y en este disco se decantan por el reggae, como puede apreciarse en “For Your Entertainment”, “City of the Dead” y “The Architect”. Destaco el tema que abre el disco “Blackened Blue Eyes”, de un estilo más cercano al de los primeros discos.

“You Cross My Path” (2008) Ante la falta de éxito del anterior disco y en un intento por recuperar el apoyo de sus incondicionales, lanzan este disco, el cual regalan a través de Internet. Se trata de la regreso a sus orígenes, con su teclado que tanto éxito les dió, como puede apreciarse en “Missing Beats (Of a Generation)”, guitarras y voces melódicas “You Cross My Path” (para mí la mejor del disco). Además, en algunos temas se observa el parecido con New Order, como por ejemplo en “Bad Days” o “The Misbegotten”.

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“Who We Touch” (2010). En palabras de Burgess, este disco significa para ellos un viaje sentimental y se observan tintes tristes y melancólicos. Significa la vuelta definitiva a los Charlatanes originales con temas como “Your Pure Soul”. “Tellin’ Stories Live (2012). Disco en directo con los temas más exitosos hasta el momento. “Modern Nature” (2015). Disco recién estrenado que merece una reseña aparte.

Angel Marín Martínez @angelmrnz 17

Madafackismo Underground RESEÑA DE DISCOS

NOEL GALLAGHER´S HIGH FLYING BIRDS

C H A S I N G Y E S T E R D AY L

os más de 20 años que lleva Noel sobre los escenarios le dan un legado que es imposible de discutir, estamos ante una de las grandes referencias del rock de las últimas décadas, alguien que marcó con su banda una época. Todos sabemos que detrás de la mayoría de las grandes canciones de Oasis estaba el sello de Noel, aportando la diferencia y calidad en la banda de los hermanos Gallagher, siendo Liam quien buscaba siempre el regreso al rock inglés de siempre, y Noel quien trataba de darle pequeñas notas de color a la línea del grupo. Esto es algo que hemos podido ver en las carreras por separado de ambos hermanos: si bien Beady Eye continuaba una línea marcada y a la que Liam se aferraba, Noel Gallagher’s High Flying Birds, se muestra con la máxima de que si algo funciona, mejor no tocarlo (algo que nos hace ver con su repetitiva estética de camisa blanca y vaqueros) pero a la vez intentando dar un pequeño giro que por momentos deje ver sus mejores ideas creativas. La autoproducción del disco seguramente nos está presentando al Noel más sincero y puro consigo mismo, y posiblemente estemos en el puente que sirva para unir dos orillas creativas de alguien que tanto ha dado por ahora en el rock de las últimas décadas.

buena compañía de batería que mueve una correcta canción con bastante ritmo y que puede ser un buen tema para oír en directo. De nuevo seguimos devorando temas y encontramos más ritmos que nos transportan a su anterior banda, “The girl with X-Ray eyes” o “The dying of the light”. Según uno va avanzando en el disco, sí que descubre unos toques de cierta “madurez”, una entrada en nuevas vías por las que explorar y crear su propio sonido. ¿Mejor o peor? A mí personalmente me parece que no están a la altura de su leyenda, pero sí debemos agradecer ese intento de abrir caminos a algo nuevo y diferente. Es aquí donde más chirría el disco: canciones como “The Mexican” más valdría que ni apareciesen en el mismo, o el toque a jazz que podemos encontrar en “The Right Stuff ”, con una dulce melodía y que tanto nos hace recordar a su querido Paul Weller. En la última canción, “Ballad of the mighty I”, encontramos la colaboración del ex miembro de los Smiths, Johnny Marr, que presta sus acordes en este tema.

De Noel Gallagher debemos esperar más, y ya no es que debamos, es que alguien que tiene varios temas que son auténticos himnos y reconocibles por todos, necesitaEl nuevo álbum de Noel tiene un poquito de todo esto, mos que dé un paso adelante y marque su propio estilo. en muchos de sus nuevos temas intenta buscar en las Calidad y clase para ello tiene de sobra. secciones de viento, con pequeñas motas de jazz, pero sin lograr crear en absoluto algo nuevo, y peor aún, algo En resumen, estamos ante una apuesta arriesgada y que que realmente guste y enganche. En otros momentos nos hace entender que el mayor de los Gallagher busca abundan los recuerdos y sonidos a la gran banda que su sitio hacia nuevos sonidos que marquen su propio le catapultó a la fama, esos sonidos Oasis que en va- camino separándole, tanto de Oasis, como de la sombra rios puntos del disco te transportan a épocas pasadas, de su hermano Liam. aquellas melodías de una o dos décadas atrás, y que por desgracia, son las que mejor suenan y golpean del trabajo de Noel. Y sin ir más lejos el disco comienza con ello, “Riverman” te transporta nada más empezar la canción a la acústica de Oasis, una vuelta a lo de siempre. Según avanza el disco tenemos algunos buenos pelotazos bailables, como “In the heart of the moment”, con una 18

Javier Caballero @milic82

RESEÑA DE DISCOS

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MODEST MOUSE

S T RA N G E R S TO OURSELVES

a marca en la pared. Y, ocho años después, otro disco de Modest Mouse. Porque, por mucho tiempo de gestación que haya tenido, sigue siendo un disco del mismo grupo, y se evidencia con la primera escucha. De hecho, el adelanto de Lampshades on Fire ya lo dejaba claro: si no te gustaban antes, no te van agustar ahora. Un disco que no hubiese sorprendido en 2009, eso es Strangers to Ourselves. El grupo no ha sufrido grandes cambios ni ha encontrado nuevas referencias; nadie va a escuchar la influencia de un grupo que no haya visto ya en sus trabajos anteriores. El concepto nuclear del disco es “lo mismo, pero mejor”. Y, a mucha gente, eso le sirve. Pero está curioso, qué coño: Ansel sorprende, y nunca había escuchado un cello en los otros discos como el que toca Jeremiah Green en Strangers. Y se nota el entusiasmo de todos al trabajar, lo que repercute — y mucho, en el resultado final del disco. Vibra, y da la sensación de que en directo sonará mucho mejor. The eagerness, stupid. Y la sinceridad. La honestidad que destila el disco es absoluta. Y no en términos oscuros y fatalistas, sino todo lo contrario: The Best Room es una canción increíblemente dulce, optimista. Y, aun así, aburrida: Modest Mouse tenía letras. Ahora tiene... bueno, palabras unas detrás de otras, pero sin ningún tipo de atractivo. ¿Somos los primates más sexys? ¿En serio, Brock? Esos ocho años de hiato sí que parecen evidenciarse en lo pesado que se llega a hacer el disco.

Ahora. Tíos, más de veinte años. Y lo único que ha cambiado es el espíritu del grupo. Ya no son destructivos, y respetan a su público. Se toman esto como un trabajo serio, y se ve reflejado en la profesionalidad con la que se toman sacar un disco. Pero, de donde no hay... La creatividad no se encuentra en la rutina. No hay innovación en preparar un producto. Veinte años. Veinte años y su discografía es circular, no lineal. Qué cojones pasa en el mundo. En fin. Un disco entretenido, no hay quien se lo quite. A ningún fan le decepcionará, porque no han ido a peor. Me dicen que es un ‘slow burner’. Ni de coña: esto no crece de ninguna manera; lo que veis es lo que hay. Es agradable, pero nada robusto. Qué clase de vuelta es esta, apalancados.

Ignacio Salgado @n_raist

Aburrido. Es como si hubiesen estado grabando durante los ocho años y, por suerte, se les hubiese acabado la cinta: las canciones se estiran más de la cuenta, y acaban por romperse. No se puede alargar una canción cuando la progresividad es nula, cuando no hay una idea subyacente que se desarrolle. No sois Can. Parad. 19

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The Charlatans

LA BIEN QUERIDA

Va por ti, Jon

La Bien Querida se rinde a la electrónica. Después de Romancero, Fiesta y Ceremonia (este último más electrónico y por ende más controvertido), Ana Fernández-Villaverde, La Bien Querida, se ha lanzado con Premeditación, Nocturnidad y Alevosía, un álbum con un original package en forma de cubo, con tres portadas distintas, y que recopila los tres maxi singles del mismo nombre.

NOCModern Nature PREMEDITACIÓN, TURNIDAD Y ALEVOSÍA Decimosegundo disco de la banda inglesa que tomó luz el 26 de enero de 2015. Cuenta con la colaboración de los percusionistas Stephen Morris de New Order, Gabriel Gurnsey de Factory Floor y de Pete Salisbury de The Verve. Fue grabado en su estudio de Big Mushrrom, en Cheshire (condado ceremonial de Inglaterra) y en palabras de Tim Burgess “con canciones que nos hicieron felices”.

“Poderes extraños”, el tema que abre el álbum, recuerda un poco (al menos a quien suscribe) a Mecano, en el buen sentido; al fin y al cabo no deja de ser un pop electrónico. Con este disco La Bien Querida se ha lanzado a la electrónica, con la que ya jugueteó bastante en Ceremonia, y el resultado ha sido mejor de lo esperado: un disco que en conjunto tiene atmósfera, en ocasiones, de banda sonora, por ejemplo, en el tema “Alta tensión”.

Es el primer disco en el que ya no está uno de los fundadores del grupo, el batería Jon Brookes, fallecido en 2013 a los 44 años por un tumor cerebral. Quizás es por eso que en todo el disco se respira un aroma de tristeza y melancolía, con contínuas referencias a la pérdida de Jon, como por ejemplo en el tema que abre el disco, “Talking In Tones”, cuando dice: “…voy a empezar a llenar los vacíos…” o “me siento fortalecido por su Sin embargo, a medida que uno va avanzando en la presencia”, así como en “I Need You To Know”. escucha del disco, peca de exceso en ciertas canciones No es la primera vez que el grupo pasa por esta si- saturadas de sonido y con letras más simples; en otros tuación: ya en 1997 falleció otro de los componentes del temas, introduce en ese sonido electrónico notas árabes grupo, el teclista Rob Collins en un accidente de tráfico, y de rumba. En torno a la sexta canción, al que busca más bien el pop de Romancero se le satura el oído. mientras grababan el disco “Tellin’ Stories”. Como hicieran entonces, sacaron fuerzas y volvieron a publicar un álbum que no tiene desperdicio, tratado con mucho mimo, con canciones como “Come Home Baby”, estilo Charlatans de los primeros discos, pausado en la mayoría de canciones, o “So Oh”. Eso sí, con alguna excepción más movida como “Lean In” o “Let The Good Times Be Never Ending” . El disco cuenta con 11 canciones. Ponte cómodo, sírvete una cerveza y disfrútalo.

Angel Marín Martínez @angelmrnz

En conjunto, para el que no le guste en exceso el pop electrónico, es demasiado; algunos temas llegan al estómago, como “Crepúsculo”, pero otros no dicen nada, son excesivos y muy similares entre sí al oído. Para el que le guste, es un disco perfecto en su evolución desde el álbum debut hasta Ceremonia y este último.

Alaia Rotaeche @aL_rc

RESEÑA DE DISCOS

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ENTER SHIKARI

THE MINDSWEEP

ien es sabido que el “post-hardcore-metalcore-alternativo-trance” no es el género favorito de los lectores de esta revista (seguramente piensen “però què és aquesta merda, Puigarnau”) pero Enter Shikari tiene nuevo disco y me he propuesto hacer una reseña sobre él. Así, del palo. Además, ahora se visten como hardcore-hipsters; hasta se abrochan el último botón de la camisa.

dos canciones que le meten bastante chicha: por un lado, “Dear Future Historians”, la “Constellations” del siglo XXI, aunque un poco cursi a mi parecer (igualmente, soy fotógrafo, no crítico musical). Por otro lado, “The Appeal and the Mindsweep II”, mucho mejor que la primera. Esta última canción, podríamos decir, hace un repaso a la historia de Enter Shikari.

El inicio de The Mindsweep es muy parecido al del anterior disco, A Flash Flood Of Colour –que mola mogollón más-: primero de “tranquis” y luego ascendente. La segunda canción es más enérgica, los siguientes temas nos llevan a través de altibajos donde es probable que nos quedemos dormidos, aunque siempre intentando dejar de lado la imagen más “popera” de Common Dreads.

Algunos pensamos que este nuevo disco iría encaminado hacia el estilo del EP Ratrace (que a mí me moló bastante), pero los ingleses nos han acabado sorprendido con temas que recuerdan a una mezcla de los primeros dos discos, aunque nunca tan buenos. En fin, siempre podemos mirar el lado positivo de las cosas, y es que en verano empiezan gira y podremos ir a hacer unos buenos mosh. Como mi amigo J.E.

Echo de menos más grito… eso sí, las letras siguen en su rollo reivindicativo en plan “voy a cambiar el En resumen, no es el mejor disco de los antiguos mundo... bueno mejor no, voy a hacer mosh en plan Hybrid, pero tampoco está mal, oye. hardcore *inserte grito hardcore aquí*”. Y llegan los singles del disco. The Last Garrison le da caña, es cierto, pero solo en parte. Tengo la sensación de que se han tomado un poleo-menta o una valeriana, porque se han calmado bastante. Los temas no son tan “bestias” como lo que veníamos viendo. La canción “Myopia” vuelve a despertarnos después de un par de temas de bajón: uno se enciende a partir de la mitad del tema, siendo la primera parte una preparación y allanamiento del terreno… eso en directo debe molar). Después de esto me volví a dormir (no sé, estaría borracho) para despertarme en “The Bank Of England”, aunque esperé hasta el último minuto, que es la parte hardcore.

Lucas Ricca @lucsricca

Ya acabando, está “There’s a price on your head”, que se parece demasiado a “Rat Race” (y eso es bueno). Como extra, hay que avisar del final del tema, dubstepillo sano. Creo que de lejos es el mejor tema de todo el disco. Luego van 2121

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Will Butler

P O L I CY

olicy: el debut redondo de Will Butler. “I remember when we were pretty young, where we’d often run together to the setting of the sun”; así arranca una de las estrofas de Take my side, el single que ya habíamos podido escuchar de Policy, el álbum debut en solitario de Will Butler, integrante de Arcade Fire. El propio Butler lo ha definido a la prensa como “música americana, en la tradición de Breeders, Modern Lovers o Bob Dylan”. No han tardado en elevarse voces críticas que dicen que, por esta afirmación, Butler se ha sobreestimado a sí mismo; sin embargo, él remarca “en la tradición”, no “a la altura”.

De pronto, tras envolvernos en un bucle de sonidos guitarreros y algo synth a veces, Will sorprende con Sing to me, en una guinda perfecta al disco, introspectiva e intimista, que lleva a pensar en la vida que llevan los músicos y que puede no ser tan fabulosa como uno puede imaginar. Tan sólo acompañado de un piano, Butler nos habla: “cause I´m tired, like I´ve never been before”. No obstante, decepciona un poco al oyente el tema final, Witness, que desmerece en mi opinión el resto del disco.

El canadiense presenta un disco perfecto para llevar en el coche cuando se coge carretera y manta; uno ya El hermano menor de Win ha demostrado tener talento puede imaginarse recorriendo Iowa en un destartalado sobrado como músico (toca la guitarra, el bajo, el sin- cacharro y con las canciones de Butler de fondo. Su tetizador, es percusionista…) en la banda canadiense, punto fuerte es que ha hecho canciones, no un dispero ha sorprendido con un debut que, tal vez por no co; sabe que actualmente la música prácticamente no haber generado grandes expectativas, es a mi modo de depende de los álbumes y el público demanda temas ver de diez. Comienza con el ya nombrado Take my side, “sueltos”. muy buena apertura, para continuar con la pegadiza Anna y, cuando uno llega a Finish what I started y Son of Butler lo ha comprendido perfectamente, y por ello, God, por fin entiende a qué se refería Butler con aquello también como aperitivo del álbum, que salió el 10 de de “música americana”; en concreto, el segundo sue- marzo aunque él mismo lo colgó en Spotify a princina, muy deliciosamente, a Violent Femmes, y las letras pios de mes, el músico se lanzó un desafío a sí mismo remiten a temas muy frecuentes en el imaginario folk en las redes sociales: se propuso escribir una canción norteamericano. al día durante una semana, todas inspiradas en titulares del diario británico The Guardian, del que se declara Con Something´s Coming y What I want, la que suscribe fiel lector. Temas como la situación actual de Grecia y tenía la sensación de escuchar a Arcade Fire, pero sin las acciones prosoviéticas en Donetsk han servido de ser Arcade Fire. Y es que es inevitable: Butler lleva años material al músico para componer temas originales y haciendo música con el grupo, y, al fin y al cabo, Win y con algo más que emociones. él son hermanos y no se puede obviar que tienen una voz muy similar. Le quedan al canadiense dos temas En definitiva, el canadiense nos regala un disco debut redondos, en cuya composición parece haber pensado: muy personal y que, a mi entender, ha compuesto sin “de acuerdo, soy Arcade; pero éste es mi disco”. Butler pensar en las expectativas y en la crítica: un disco que no reniega (al fin y al cabo no ha abandonado la for- se hace corto y que nos deja con ganas de más. mación), pero hace temas propios, y, si bien la música nos recuerda muchas veces a los temas de la banda, sus letras divergen un tanto a las de Arcade. Quizás recuAlaia Rotaeche erdan más al magnífico tercer álbum de la banda, The @aL_rt Suburbs, más indie-rock y menos electrónico, y cuyas letras remiten a la infancia de los hermanos Butler. 22

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HAVALINA

ISLAS DE CEMENTO

avalina no están viejos ni inservibles. “Viejo e inservible”, grita Cementerio de coches, el noveno corte del nuevo LP de la banda madrileña Havalina, Islas de cemento (Origami Record), en unos 7 minutos de potencia y declaración de intenciones. Quizás si conociste al grupo cuando sacaron Junio (2008) e Imperfección (2009) te pueda la nostalgia de esos Havalina sexuales de Noches sin dormir, Incursiones o Tus huesos, en cambio puedes reconocer el sonido que vienen mostrando desde Las hojas secas y H, su anterior trabajo con una vuelta de tuerca más a un sonido, con muchas influencias claras con identidad propia.

Quizás desde Miedo al agua no les salía un medio-tiempo tan redondo. Este parón en la intensidad continúa con El olmo centenario, otro tema de más de 5 minutos en un álbum que ronda la hora de duración, con arañazos que desaparecen hacia una nueva luz, muy influidos por The Cure en esta parte del LP.

Tras la calma llega la tormenta final y vuelve poco a poco la contundencia, con Luces, un tema de estructura clásico de la banda que ya hemos visto sobre todo en Las hojas secas y que supone un enorme trasbordo a la parte más dura del disco, con la combinación Donde, tema directo de 2 minutos, y la ya nombrada Cementerio Es cierto que Havalina, a medida que ha pasado el de coches, el mejor tema del disco sin ninguna duda. tiempo, se han amargado en sus letras, desapareciendo el amor para, desde una perspectiva más negativa de la El final del álbum nos deja la continuación de Cementerio vida, sacar músculo de la guitarra, bajo y batería, pro- de coches, llamada Lluvia en el cementerio de coches, que en sus bando el Doom, el punk o el stoner rock. Sonidos más 8 minutos resume todo el trabajo en este disco de Havacontundentes para preocupaciones más allá del amor lina: entrada lenta, incrementando el ritmo a lo largo de o desamor. Tras un disco en que nos quedamos que sí la canción y finalización en todo lo alto en una descarga o si no, con temas en su casi cúspide oscura o directos épica de electricidad, igual que una tormenta; pero aún como Norte o Viaje al sol, nos llega un disco de madura- tras ella llega la calma final de Ulmo, para cerrar un disco ción lenta y más calado. superior al anterior, pero que necesita tiempo para entrar en nuestro córtex cerebral. “Cristales rotos sobre asfalto mojado” es el inicio lento con solo la voz de Manuel Cabezalí y un punteo de guitarra, Sergio S. aunque pronto entra el bajo de Jaime Olmedo, nuevo @Sgiostar integrante del grupo, y la batería de Javier Couceiro termina en un frenesí de entradas de los integrantes en la canción. Un comienzo alentador que sepulta la canción que da nombre al título, Islas de cemento, sin ser una canción floja, en consonancia con la atmósfera oscura del disco, se queda como un in-pass al romper El reloj con la esfera rota, primer single del álbum y una canción más punk que da luz con Manuel impecable en el riff de guitarra. Mismo tratamiento sufre La voz de él, tema que no desentona pero repetitivo, y que da más puntos según la escuchas a la primera balada del disco, Ya va siendo hora, en la que Havalina baja revoluciones y la jugada sale ganadora. 23

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N ov e da d e s C a r m i n h a G

eniales e irreverentes, bastante punks, pero con un componente garajero fácilmente perceptible, y a la vez muy rock and rolleros de los de la vieja escuela, del “twist” and “shout” pero con sorna e ironía. Así podríamos describir de una manera apresurada a los chicos de Novedades Carminha. Formado por Jarri (bajo y voces), Carlangas (guitarras y voces) y Xavi (batería y voces), se trata de uno de los grupos de mayor proyección del territorio gallego y que este verano tocarán nada más y nada menos que en el BBK Live de Bilbao, uno de los festivales más importantes de la Península. “Juventud Infinita”, su último trabajo publicado el año pasado, ha cosechado muy buenas críticas en el panorama musical nacional y ha terminado de consolidar a los compostelanos como una de las bandas nacionales más divertidas y gamberras encima de un escenario.

Normalmente se clasifica vuestra música como punk, rock and roll, pop, garage….. Personalmente al escucharos os identifico con bandas como Black Lips. ¿Cómo definiríais vuestra música? Las etiquetas son muy útiles en los supermercados, pero no creo que sirvan demasiado bien para la música. Intentamos hacer buenas canciones, o por lo menos canciones que nos gusten a nosotros. Seguramente seamos una banda de pop si hablamos en términos generales. Si que hay un poquito de punk, otro poco de garage y algo de rock and roll. Es la música que escuchamos, y quizás por esto siempre se intenta comparar a unos grupos con otros. Black Lips es evidente que tienen unos referentes clásicos similares, igual que otras muchas bandas, pero creo que lo interesante de todo esto es intentar buscar un proyecto propio y personal. ¿A quién no le molan los Kinks?

¿Qué bandas os han influenciado más? ¿Cuáles ¿Cómo fueron vuestros inicios en el mundo de la son vuestros referentes musicales? música? Como Novedades Carminha empezamos en 2007. Antes de esto teníamos algunos grupos en el instituto, tocábamos las guitarras en el bar Berberecho de Santiago y silbábamos bastante en la ducha.

Ahora mismo estamos escuchando mucho a Goat, Los Mirlos del Perú y El Coleta. Tenemos muchos discos de los sesenta y setenta en casa, aunque creo que estamos escuchando más cosas que se hacen ahora. Creo que es un buen momento, la gente está mezclando, probando, y están saliendo discos muy buenos, pero siempre está bien revisitar a los Modern Lovers...

¿Podéis explicarles a nuestros lectores la procedencia de este nombre tan peculiar y original como es “Novedades Carminha”? ¿Con qué artista os gustaría compartir escenario? Novedades Carminha es una lencería fundada en los años 70 en Santiago de Compostela. Simplemente nos apropiamos del nombre. Ahora somos bastante colegas de la señora que regenta la tienda, que además es una maravilla en prendas para él y para ella. 24

Con Todd Rundgren. “Juventud Infinita” es quizás vuestro disco más trabajado, con un sonido más depurado. ¿Creéis que se trata de vuestro mejor disco hasta el momento?

Estamos orgullosos de todos los discos que sacamos hasta el momento. Sin duda Juventud Infinita es el que más cerca sentimos y el que más nos gusta como suena, como funcionan las canciones, la proyección en el directo... Estamos contentos, creemos que dimos un paso a todos los niveles y ya estamos trabajando en nuevas canciones para continuar el camino. Para nosotros, nuestro mejor disco siempre va a ser el próximo.

Madafackismo Underground ¿Qué opinión os merece la escena indie nacional en la actualidad? Hay un montón de bandas. Unas que nos gustan más y otras menos, como siempre. Nadie nos va a gustar por ser indie ni dejar de gustar por no serlo. Si la escena indie la forman bandas como Joe Crepúsculo, Guadalupe Plata o Pony Bravo, nos flipa.

En el tema “Antigua pero Moderna” mencionáis a una supuesta groupie moderna de Julio Iglesias, Actualmente en España bandas como Vetusta Morla o recientemente los reciclados Amaral han sido ¿alguna musa os sirvió de inspiración? encasillados dentro de esta etiqueta “indie” ¿Qué A nosotros Julio Iglesias nos flipa. Somos millones de pensaría Lou Reed si levantase la cabeza y viese fans en el mundo. Si existe la groupie fan moderna de semejante panorama? Julio Iglesias, que creemos que si, es una cuestión de justicia.. Si Lou Reed levantase la cabeza se daría una hostia contra la lápida. Nosotros no somos tan osados para decidir En una de vuestras canciones más célebres decís lo que es indie o deja de serlo. Ni que ser indie fuese que “follar está sobrevalorado”. Cómo cantaban sinónimo de calidad... Cada uno que haga las canciones los Happiness en “Amo a Laura”, ¿esperaréis tam- que quiera, toque en donde quiera, coma lo que quiera bién hasta el matrimonio? y folle con quien quiera. Faltaría más. Nosotros estamos seguros de estar en ese terreno del indie que viene Sí de independencia, porque hacemos lo que queremos Estuve el pasado mes de Diciembre en vuestro con- cuando queremos, además no nos queda otra opción. cierto en la Sala Capitol de Santiago de Composte- Como consumidores actuamos igual: compramos los la y si hay una palabra que puede definir vuestros discos que nos apetece tener y vamos a los conciertos directos es “fiesta”... no sé si tropical, atlántica o que nos apetece ver, sin valorar si es indie o no. Nos mediterránea. ¿Cuál ha sido vuestro mejor concier- gusta la música y muy poco las mentes cuadriculadas y las actitudes dogmáticas. Cuando venga Katy Perry, allí to o en el que mejor os lo habéis pasado? estaremos, igual que cuando toquen Foxygen o Death Nos alegramos de que te lo hayas pasado bien. Para no- Grips cerca de nuestra casa. sotros el rock and roll significa baile, diversión y fiesta, y eso es lo que queremos que pase en nuestros concier- A lo largo de estos últimos años en Galicia han tos. Hemos hecho en 2014 sobre cincuenta conciertos surgido una serie de grupos de tendencia undery tocar en casa es especial, pero la verdad es que hubo ground. ¿Podemos hablar de una escena undermuchos conciertos que molaron mucho. Ahora mis- ground gallega o es algo precipitado? mo nos acordamos de los últimos en Valencia, Madrid y Granada, que estuvieron de puta madre. Este año comenzamos la segunda parte de la gira de Juventud Para que haya una escena tiene que haber, además de Infinita y esperamos que cada concierto sea un juergón. bandas, público suficiente, prensa especializada e interesada, un circuito de salas y festivales, y en definitiva En estos últimos años no habéis parado de girar unos pilares más sólidos de los que hay. En los años 80 por España de concierto en concierto y festival en se perdió la oportunidad de crear una industria cultural festival. ¿Alguna anécdota que os apetezca com- potente en Galicia. Ahora es un buen momento para la partir con nosotros? música por la calidad y la cantidad de bandas. Aunque no vivimos ahi y tampoco nos enteramos de cada cosa No nos acordamos de nada. que pasa al minuto. Hay bandas que nos molan mucho y escuchamos a menudo como Sen Senra, Fluzo o Alex ¿Habéis pensado en cruzar las fronteras y aventu- Casanova. raros a realizar alguna gira fuera de España? Sí, en 2015 queremos cruzar el charco y estamos trabajando para que así sea. 25

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TEST MADAFACKISMO Una banda que detestas

Ninguna. Esto no es fútbol. Hay muchas bandas que no nos interesan, pero no las detestamos.

Una película que irías a ver al cine con tu novia Spring Breakers

Un personaje de ciencia ficción que admires Leonard Nimoy

Una famosa a la que te llevarías de vinos por Compostela Ingrid García Jonnson

Por último, ¿Qué será de Novedades Carminha de aquí a 10 años? ¿Cuándo tenéis pensado presentaros a Eurovisión y mudaros a Miami?

No pensamos tan a largo plazo. Esperamos no ir a misa como Mcnamara, ni usar trajes de pepero como Sabino Méndez, ni convertirnos en puretas de los que defienden que todo tiempo pasado fue mejor. Con eso y un baño en la playa de Carnota de vez en cuando nos vale. Brais Iglesias Castro @bricepinkfloyd Fotos: Flora Navarro

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JUSTIN VERNON EL GENIO DE LA BARBA L

a primera vez que escuché una canción de Bon Iver me pasó lo mismo que con aquella chica de tu clase en el instituto, aquella que en un principio no te llama la atención pero que a base de verla a diario y pasando tiempo con ella, te descubre toda la belleza que esconde su persona y acabas por enamorarte perdidamente de ella. Aún así, con tu ceguera adolescente, eres incapaz de percibir en primera instancia. Tras varias escuchas de algunas de sus canciones, la música de Justin Vernon te empieza a entrar, y una vez que lo consigue, estás totalmente perdido: te has enamorado de su música. Eres capaz de escuchar sus temas en bucle, descubriendo matices nuevos en cada ocasión: ese sonido de guitarra de fondo, unos coros en los que no te habías fijado antes pero que ahora te maravillan… como si se tratara de unas pecas que hasta entonces no habías visto, o ese tic de morderse el labio que ahora te encanta de la chica que te gusta. Y todo este símil tiene mucho que ver con nuestro protagonista. Allá por el año 2007, Justin Vernon acaba una larga relación de 6 años con su novia, y en busca de la soledad y un frío lugar, se muda a Medford, Wisconsin, decidiendo hibernar durante 3 meses en la cabaña de su padre. Pero todo este tiempo de nostalgia, desamor y pérdida, sin darse cuenta, acaba en una serie de canciones, y con ayuda de un equipo sencillo formado por una vieja guitarra Silvertone, un micrófono Shure SM57 y otros pequeños utensilios modificados manualmente que encontraba, acaba en la grabación del primer álbum de su banda Bon Iver. Una auténtica maravilla del folk que, tras una gran aceptación por parte de amigos y gente que seguía su blog, llegó a los oídos de los cazatalentos del sello independiente Jagjaguwar, que no dudaron en hacer una distribución adecuada a su calidad, lo que llevó a llamar la atención de algunos de los medios especializados como Pitchfork, que lo catalogaron como uno de los discos del año. 28

El single Skinny Love empezó a ser radiado mundialmente, y la popularidad de Bon Iver comenzó a crecer de manera vertiginosa. Todos los festivales del mundo se lo rifaban, numerosos artistas como Peter Gabriel o Birdy contribuyeron a su fama a través de las covers de algunas de las canciones del álbum, desde la revista Rolling Stone afirmaban que era uno de los mejores discos de ruptura de todos los tiempos, y una de las sorpresas del año 2008... Bon Iver era toda una realidad, y el referente en ese momento del folk en el mundo. Durante el invierno y primavera de ese año, la banda realiza una exitosa gira por USA, tocando los temas del álbum, entre los que destacaban canciones como “Flume”, “The Wolves”, “For Emma” o la aclamada “Skinny Love”. En verano y otoño, Justin y los suyos deciden cruzar el Atlántico y tocar en algunas de las más importantes ciudades europeas y algunos festivales, como el End of the Road o el Primavera Sound de Barcelona, conocido por descubrir y traer siempre joyas antes de que despunten y vayan a otros festivales por un caché mayor. A su vuelta a América comienza a grabar las composiciones destinadas para su segundo álbum, que compagina con conciertos a lo largo de todo el país, pero esta vez en auditorios y teatros de mayor capacidad debido a la popularidad obtenida. El siguiente año de gira, recorren algunos de los festivales más prestigiosos como Bonaroo, Lowlands, Pukkelpop o el mítico Glastonbury inglés, incluso incluyen un mini gira por Australia en primavera. A finales de octubre de 2009 deciden hacer un parón para meterse de lleno en la composición del esperado segundo disco, que no será publicado hasta junio de 2011. Pero el de Wisconsin, como hombre de mente inquieta que es, y con un talento innato para la música, decide innovar alejándose del sonido folk más conservador que disfrutamos en el primer álbum y adentrarse en el mundo de la electrónica mediante arreglos que desembocan en sus nuevas canciones, dotándoles de miles de texturas, pero manteniendo la fragilidad y el calor de sus primeras composiciones.

El resultado es un álbum cuasi perfecto, del mejor folk-electrónico, que se aleja y aproxima a la vez a sus primeros sonidos, que te transporta a mundos oníricos, y que es el perfecto aliado para una tarde de estudio, o el regreso desde el trabajo en coche. Aunque también es un álbum para disfrutarlo en compañía, con esa persona con la que tienes un “feeling” especial. El álbum incluye una lista de diez pistas de gran calidad, pero entre las que podríamos destacar dos de sus singles: Holocene, con sonidos cercanos al primer álbum, y Calgary, más instrumental y compleja que la anterior.

En octubre de ese año y coincidiendo con los últimos coletazos de la gira, dan su último concierto hasta ahora en España, en el palacio de Vistalegre, repasando sus dos trabajos editados y dando un magnífico espectáculo que sus numerosos fans disfrutaron hasta el final. Pero como de no sólo pan vive el hombre, y el inquieto Vernon no iba a ser menos, a la vez que su proyecto con Bon Iver desarrolla otros paralelos, entre los que destaca Volcano Choir, formada junto a algunos miembros de la banda post-rock Collections of colonies of bees, donde destapa su vena más experimental alejándose de ese aire folk que le caracteriza en sus composiciones con Bon Iver.

Madafackismo Underground Mención aparte merecen, la excelente Hinnom, TX, la más electrónica del álbum, y en apariencia una composición que puede darnos pistas del futuro sonido de la banda, y Minnesota, WI que da continuidad a Perth, mejorándola notablemente. Tras obtener un éxito mundial de crítica y público inician una gira mundial que les llevará por los continentes americano, europeo y oceánico hasta el verano de 2012, donde volverán a repetir festivales como Bonaroo y tocar en muchos otros nuevos.

Con Volcano Choir, el de Wisconsin ha sacado dos LP, Unmap y Repave, con gira de este último en los años 2013 y 2014, y que en España pudimos disfrutar en el PS del año pasado. Por ahora seguimos sin noticias sobre nuevos trabajos de este joven barbudo que nos tiene encandilados, y que ha conseguido una legión de fans e influir descaradamente en artistas como James Vincent Mcmorrow o incluso en el último trabajo de una de las bandas más aclamadas del siglo XXI como son los británicos Coldplay. Justin, sólo decirte que, desde Madafackismo, esperamos que nos deleites pronto con un nuevo trabajo.

Jaime Cuesta @jaime1971 29

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WEEZER

Entre el surf rock y el punk pop

eezer es un grupo de rock formado en 1992 por Rivers Cuomo, Matt Sharp, Patrick Wilson y Jason Cropper, en Los Ángeles. Su primer concierto fue como teloneros de Dogstar, la banda de Keanu Reeves.

De este álbum podríamos destacar “Only in dreams” y “Buddy Holy”. El videoclip de esta última canción fue dirigido por el ganador del Oscar Spike Jonze, y fue un éxito total. El disco es actualmente doble disco de platino en USA.

Su primera maqueta se denominó “The Kitchen Tapes”, ya que la batería fue grabada en la cocina de Rivers Cuomo; ahí se sentían más a gusto. De esta maqueta hay que destacar la canción ”Paperface”, con un estilo diferente a cualquier otra canción de la banda.

Rivers Cuomo tenía una pierna más corta que la otra, por lo que tuvo que someterse a una intervención muy complicada que consistía en partir las piernas en diversos sitios y recolocarlas mediante un aparato (Illizarov). Durante la recuperación, los dolores eran muy intensos y frecuentes, y Rivers tenía que consumir constantemente analgésicos. Todo este dolor y frustración se vio plasmado en el siguiente disco de la banda, Pinkerton (1996). Esto se nota en letras como la de “The good life”, en la que Cuomo se queja de que no puede caminar sin bastón y que se siente como un puto viejo.

Mientras daban conciertos por clubes de Los Ángeles, los espectadores solían abuchearlos, puesto que eran todos grunges piojosos asquerosos fans de la banda más sobrevalorada de la historia (después de Los Ramones, Los Beatles y U2): Nirvana. Sus canciones, además, no hablaban de ponerse a llorar en una esquina por los niños con cáncer, ni tampoco decían “mírame, soy un bipolar y necesito llamar la atención”. Hablaban de amor, de disparar a policías y de que una relación puede ser perfecta aunque no lo parezca. Viajaron hacia Nueva York para grabar su primer álbum. Este no tiene título alguno, pero fue denominado por los fans como “The Blue Album” (1994). Después echaron del grupo a Jason Cropper y lo remplazaron por Brian Bell, que continúa aún hoy como guitarrista del grupo. Las voces fueron grabadas de nuevo, igual que la guitarra. Este disco tiene tres grandes influencias: Surf Rock, la música Barbershop de los años 30 y el Punk Rock (mayormente Green Day). Es un álbum cuya base musical se confecciona mayormente de acordes de quintas (power chords) y en el que sus harmonías vocales son muy elaboradas. 30

Y así fue como asentaron las bases de la música Emo. Letras que hablan sobre confesiones, como estar harto del sexo, estar obsesionado con jóvenes japonesas o pensar que tu relación con alguien es una puta mierda, que tienes miedo, pero que aún así no puedes abandonarla porque te crees tan inferior al resto del universo que crees que no podrás encontrar nunca a nadie. La crítica (la revista Rolling Stones por ejemplo, que consideran a Kurt Cobain, que no sabe ni manejar una escopeta, mejor cantante que Björk y Thom Yorke -deben ser sordos o algo-) vapuleó el disco y lo consideró uno de los peores del año e incluso de la historia (porque no habían escuchado ninguno de Izal). Aún así, los fans lo aclamaron. Rivers Cuomo decidió dejar la banda y mudarse a Conneticut, donde tuvo varias otras bandas y donde conoció también a Mikey Welsh, quien suplantó al antiguo bajista, Matt Sharp.

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“Recuerdo que me quedé en shock tras ver como el público nos respondía, porque la verdad es que pensaba que éramos buenos, tocábamos canciones que luego se convertirían en grandes éxitos, como “The Sweater Song” y “Say it ain’t so”, y cuando queríamos tocar en locales nos decían “marchaos de aquí, queremos grupos grunges” -Rivers Cuomo en River’s Edge: The Weezer Story. 31

Madafackismo Underground La influencia de Mikey hizo que el disco (sin título, 2001) tuviese un sonido con tendencias tirando al punk y el metal, mediante power chords más distorsionados, voces más agudas y ritmos de bajo más sonoros. Temas como “Hash Pipe” muestran solos con influencias de heavy y mierdas por el estilo. Este álbum fue el que incluía su tema más famoso “Island in the sun”, cuyo videoclip estaba dirigido por Spike Jonze. Pero no todo iban a ser sonrisas… En agosto de 2001 Mikey Welsh ingresa en un hospital psiquiátrico tras intentar suicidarse, seguramente después de escuchar el primer disco de Pereza. En su lugar, Cuomo contactó con un amigo, Scott Shriner, y lo elegió como bajista. Tras completar la banda con su formación actual, Weezer decidió grabar un nuevo disco, Maladroit, el disco menos vendido de la banda. Su composición es más parecida a la de Pinkerton, con agudos estridentes y altibajos herederos del post-grunge. Dos canciones a destacar son “Dope Nose”, que escribió a la vez que “Hash pipe” tras una sobredosis de Ritalin y tomar tres chupitos de tequila. Otra canción a destacar es Burndt Jamb. Weezer siguió sacando discos. En 2005 sacó su 5to disco, “Make Relieve”, con un sonido heredado de Maladroit, pero con algunas novedades. “This is such a pity” tiene grandes influencias del pop de los años 80. Las letras hablan sobre la incapacidad de sentirse normal, las drogas y la falta de estima propia. Destacan “Perfect Situation” y “Beverly hills”, parodiada en un capítulo de Los Simpsons. La crítica fue dispar, medios como IGN le dieron un 9’5 (pero tampoco hay que fiarse, a Call of duty Ghosts le clavaron un 8’2). Otros como Pitchfork Media, propiedad de Ryan Schreiber (conocido en el mundo de la crítica musical por practicar la zoofilia y por el juicio por violar, asesinar y posteriormente violar para después cocinar y comerse a un recién nacido) lo calificaron con un 0’4 sobre 10. En enero de 2008 se presentó la “Mágnum Opus” del grupo “Sin título, 2008”, que contiene canciones muy dispares entre ellas, como “Pork & Beans”, que tiene un estilo propio del grupo; “Everybody get dangerous”, mezcla de hip hop con rock, “Heart songs”, una balada serena; e incluso canciones que no mantienen la coherencia dentro de la misa, como por ejemplo “The greatest man that ever lived (variations on a shaker Hymn)”, que contiene en si diversos géneros (el coro, el glam rock, el power pop...) El disco costó un millón de dólares, contando la producción y distribución, pero fue un éxito total en ventas. 32

Madafackismo Underground Tras acabar la gira, Weezer decidió sacar otro disco más, “Rattitude” (2009), que fue bastante menos exitoso y con menor calidad que los anteriores, pero del que se puede extraer alguna canción decente, como por ejemplo “Put me back together”, que habla sobre un intento de reconciliación y de comer helado; y “Trippin’ down the freeway”, que está “bien”. La novedad es un “feat” con el rapero Lil’ Wayne (hermano negro de Bruce Wayne, conocido mayormente por ser Batman), “Can’t stop partying”. Y luego sacaron “Sin título, 2010”, conocido por su portada con Jorge García, Hugo, el gordo de Perdidos. Por eso y por ser una puta mierda. No, en serio, ni lo escuchéis. Pero nada. Y si queréis escuchar algo, “Where is my sex” se salva algo… pero es una puta mierda. El último disco, “Everything Will be allright in the end” es una compilación de todo el estilo de Weezer, un pupurrí de todos los discos anteriores (menos el de 2010 por suerte), con más influencia de heavy metal, riffs más estridentes, y letras que hablan de temas como el amor, la soledad y el miedo. “Back to the shack”, el primer single, es una disculpa por los dos últimos discos, sobretodo por “Can’t stop partying”. “Da vinci” tiene un estribillo muy genial y pegadizo, con gran influencia del power pop. El clima de optimismo le da un aire más adulto a la banda, un paso que se parece al que hizo The Killers con su último álbum, un paso del pop-rock a algo más serio, con letras más profundas. Actualmente Weezer estaba en gira por Estados Unidos y, a pesar de que estaban en las listas filtradas del festival Primavera Sound (como también lo estaban The Kinks o King Crimsom), siguen sin fechas para España, esta casta tierra.

Joel Ricca @crypto44

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Don’t look back, Baez “The cavalries charged, the Indians fell. The cavalries charged, the Indians died. Oh, the country was young with God on its side.”

iciembre de 1963. Una de las promesas folk del panorama musical hace su aparición junto a un joven llamado Bob Dylan. Algunos ya sospechan quién es. Equipado con su guitarra bajo el brazo y la harmónica colgada del cuello se dirige a la plaza donde el público espera ansioso a la dulce y siempre reivindicativa Joan Baez. Los tiempos están cambiando. Una generación atrevida, marcada por la época e inigualable en la historia de todo el S. XX hace acto de presencia ante un auditorio que clama por los derechos civiles. Frente a la amenaza de una guerra nuclear, ante un Luther King que iba ganando la batalla hacia la igualdad y con una sociedad adormecida que por primera vez despertaba del letargo, las dos personalidades más influyentes de la década al fin se conocían. Llegó el espectáculo. 34

La primera vez que Dylan vio a Baez fue por televisión, y no pudo despegar los ojos de la pantalla. Como él mismo diría en 2004, su voz alejaba los malos espíritus, conectaba directamente con Dios. Dylan ya no olvidaría a la joven reina del folk. Por entonces, él ya estaba con Suze Rotolo. La joven influyó notablemente en la producción de temas políticos y tópicos del cantante. En Enero de 1962 los dos se mudaron al apartamento de Rotolo en West 4th Street. Los padres de la joven, pertenecientes al Partido Comunista de los EEUU, influyeron a Rotolo e, inevitablemente, este ambiente de izquierda marcaría la producción y el pensamiento de Dylan. El álbum ‘Freewheelin’’ tiene mucho de ella. Paralelamente a su relación con Suze, Dylan ya se había encontrado brevemente en 1961 con Joan Baez. El concierto tuvo lugar en el Gerde’s Folk City de Nueva York pero no sería hasta más tarde, con dos conciertos en el café Yana, cuando el encuentro entre ambos diera sus frutos más allá de un tímido saludo. El héroe contracultural, como algunos ya llamaban a Bob Dylan, tuvo la oportunidad de cantar junto a Baez en el Monterey Folk Festival de 1963. Consciente del talento del todavía nonato rey del folk, Joan Baez se lo llevó a su terreno, decidió que el éxito del todavía desconocido Zimmerman era también parte de su responsabilidad. Y así fue como los temas se sucedieron, las voces vibraron al unísono y la magia producida por la simbiosis de dos genios se hizo realidad. With God on our side marcó el principio de una relación legendaria que continuaría musicalmente hablando meses después. En Julio se esperaba la aparición en el Newport Folk Festival de ambos. Dos duetos en el escenario hicieron saltar de nuevo las alarmas de Suze Rotolo. Los asistentes también notaban la química innegable entre los

dos músicos y los rumores comenzaron a extenderse. Fue aquí donde Bob Dylan encontraría el punto de inflexión necesario para despegar en su carrera; el Newport Folk Festival marcaría su despegue, pero también la futura ruptura con Suze Rotolo. El álbum ‘Freewheelin’’ consiguió la popularidad que merecía y Bob Dylan no tuvo que esperar mucho tiempo para convertirse en el icono cultural de la década. “Clara como el aire de otoño, una soprano de grandes vibraciones, […] Recuerda los blues cantados por mujeres de color, Los tristes cantos de los gitanos que pedían exorcizar el pensamiento de la muerte.”

En 1962 y con apenas 21 años Time dedicaba estas palabras a la jovencísima Baez. La revista más demandada entonces se hacía eco de una chiquilla que estaba llamando, cuanto menos, la atención. La izaron como una bandera, era la nueva voz del folk. La heroína de las causas justas cantaba para hacerse escuchar. Y lo consiguió. En el Newport Festival de 59 y ante un auditorio de 13.000 personas se convirtió rápidamente en la estrella del folk revival. Un año más tarde publicaría su primer álbum, titulado ‘Joan Baez’, donde se incluían The house of the rising sun al estilo del bluesman Huddle Ledbetter, Wildwood flower, una canción sobre los Apalaches, o el espiritual negro All my trials. Este primer disco ya mostraba los tintes puristas de la cantante, donde defendía que las verdaderas canciones de folk eran las de

Madafackismo Underground autor anónimo. No obstante, su labor reivindicativa la implicaba también en torno a temas que apoyaban los derechos civiles de la población negra o la lucha por el desarme. La relación con Bob Dylan logró suavizar a Joan, quien empezó entonces a incluir canciones en su repertorio como “Don’t think twice it’s allright”. El año 1963 marcaría un punto de inflexión para ambos: Dylan se convertiría en una estrella internacional al tiempo que comenzarían una relación sentimental que trascendía más allá de los escenarios.

El rey y la reina del folk habían llegado para quedarse. Sus apariciones conjuntas se hicieron habituales, pero trabajar con el excéntrico Dylan no era nada sencillo: “Yo me ocupaba de saber de qué humor iba a estar Bob. Cuando estaba alegre y animado, era simplemente espectacular. Si estaba deprimido, no había forma de llegar a él.” Baez lo intentaba, y de alguna forma, ese constante tesón por comprender al genio le pasaría factura. Era sencillamente imposible saber lo que pensaba o el por qué de determinada actitud. La absoluta devoción que sentía hacia Bob Dylan suavizaba sus repentinos cambios de humor, pero saber a ciencia cierta si iba a mirar al público o hacer una canción a ritmo de 2/4 era completamente imposible. Y ahí residía su magnetismo. Las giras juntos se sucedieron al mismo tiempo que 35

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Joan Baez veía como sus expectativas se hundían. Mientras Bob se divertía con amigos y músicos en las habitaciones de los hoteles, Baez se caracterizaba por su apatía al tiempo que esperaba su momento a solas con Dylan encerrada en la habitación contigua. Estaban en puntos diferentes, y Joan, al igual que siempre creyó que el héroe de la generación tomaría partido en lo político, también buscaba una luz verde en su relación con él. Pero la leyenda del momento quiso seguir su camino, esta vez a solas. En 1965 cambió todo. Baez supuso que al invitar a Dylan al escenario, él la invitaría de igual forma al suyo. Sin embargo, esa no era su intención, Bob Dylan estaba preparado para tener todo el escenario para él sólo. La relación musical y sentimental de ambos, que duraba ya 2 años, se enfrío hasta tal punto que no sería hasta 1975 cuando sus caminos se volverían a unir. Hasta entonces, Baez, decepcionada por el rumbo que estaba tomando la carrera de Dylan, se separó definitivamente del cantante, el cual le dedicó una polémica canción: “Most likely you go your way and I’ll go mine.” “Me puse a componer este tema, esta historia, este gran vómito de palabras, y de él saqué Like a Rolling Stone. Nunca había compuesto nada así.” De repente Bob Dylan comprendió lo que debía hacer. ¿Quién quería escribir novelas u obras de teatro cuando la poesía manaba libre y pura a través de esta composición? De esas 20 páginas de inspiración surgió la revolucionaria “Like a Rolling Stone”. Era la canción que buscaba, lo que la gente necesitaba. En la radio nunca se había oído un tema así, “Like a Rolling Stone” abrió nuevos caminos nunca antes explorados. Bob Dylan revolucionó el panorama de entonces, pero aún cabría en él otro giro inesperado que rompería con una parte de lo que había sido. A partir de 1965 comenzó a introducir la parte eléctrica que estaba de moda. Adaptándose a los continuos cambios que imperaban en el terreno musical, Bob Dylan subió al escenario a cantar “Maggie’s farm”. Había cogido el viejo tema “Penny’s farm” y lo estaba convirtiendo en algo interesante, pero la esencia folk, la conexión con el público, se había perdido. No era posible compartir la misma clase de intimidad con todos los instrumentos eléctricos que había incorporado al escenario. 37

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Los abucheos y silbidos fueron acrecentándose mientras un indiferente Dylan luchaba contra el ruido de la disconformidad. El nivel subía con la batería, pero el público pedía a gritos que el Bob Dylan de antes regresara al escenario. “¿Estás con nosotros?” le gritaban desde abajo. Detrás del escenario, se amontonaba la vieja guardia: Pete Seeger, Theodore Bikel, los viejos izquierdistas y las facciones de la canción protesta. Sólo se les escuchaba decir: “esto es música pop, no es folk.” Enfadados, incluso Peete Seeger tuvo que ser contenido al intentar cortar los cables eléctricos durante el concierto mientras Theodore Bikel tranquilizaba a todos: “Esto es lo que los jóvenes quieren. Tenemos que ir con el cambio. Esto es lo que pasa ahora.” Y así ocurría. El rock and roll acaparaba ahora los éxitos de ventas. Incluso Joan Baez miraba los nuevos tiempos con expresión de horror, se preguntaba hasta dónde llegaría la depravación que entonces conquistaba al público. Bob Dylan prefería andar sin mirar atrás, Baez caminaba, al contrario, en la cuerda floja. El estallido repentino de otros géneros musicales y el violento freno a las canciones protesta hicieron inevitable el estancamiento de la carrera de la reina del folk. Es en Italia, en 1967, donde decide grabar su álbum ‘Live’ para Ricordi. La gran popularidad de la cantante en Italia y el cariño del público tras su concierto interpretando la Ballata de Sacco e Vanzetti animaron a Joan Baez a continuar. La férrea influencia de Dylan todavía se dejaba notar y es en 1968 cuando Baez tiene en mente un nuevo proyecto LP con canciones de Dylan. ‘Any day now’ sería el mayor éxito comercial en la carrera de Joan Baez. El disco fue capaz de volver a unir brevemente a los dos colosos que antaño animaron a miles de jóvenes con la canción protesta. En 1972 ‘Come from the shadows’ llegó con fuerza. Los tintes políticos del álbum unidos al talento de Joan Baez como autora e intérprete melódica confirmaron la renovación de la cantante. Dos temas constatan la valía del LP: “Prision Trilogy”, sobre la vida en las cárceles, y “To Bobby”, un claro mensaje a Bob Dylan que confirma la apasionada relación que tuvieron en el pasado y su separación en 1965. Diez años más tarde llegaría otro rotundo éxito de ventas que puso de nuevo en boca de todos la relación sentimental de ambos. 38

“Well your burst on the scene already a legend. The unwashed phenomenon, the original vagabond. You strayed into my arms and there you stayed temporarily lost at sea.”

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La desgarradora voz de Joan Baez traspasa cada palabra pronunciada, de manera que la presencia de Dylan, la leyenda viviente, se siente en cada frase de Diamonds and Rust. En 1975 la canción más profunda, íntima y sincera de la cantante logró llegar a los puestos más altos en las listas de ventas. Como un fantasma que acecha siempre el momento de debilidad, así parece pintar Baez al vagabundo, al hacedor de milagros, al mito viviente llamado Bob Dylan. Esta vez sin nada que ocultar, el amor, la devoción y la infinita complicidad forman el triángulo de una relación rota destinada a ser eterna. Cuando en el otoño de ese mismo año se inicia la gira Rolling Thunder Revue encabezada por Dylan y seguida por una caravana de músicos, Joan Baez se une a la cantera de artistas por invitación de Bob. Es aquí donde, después de tantos años, los reyes del escenario descorrieron las cortinas para brindar al mundo la visión de algo inmutable. Cinco temas se sucedieron acorde a lo previsto, primero el set de Joan Baez, más tarde el de Dylan y el tema “Never let me go” como testigo de que aquello que ha unido la música difícilmente puede morir.

Macarena Berjano Millán @Macuels 39

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THE ONLY ONES PUNK EBRIO CON SENSIBILIDAD Una sensible apología de las drogas entre el Punk y el Powerpop, cargada de psicodelia.

he Only Ones se formaron en 1976 en el sur de Londres cuando Peter Perrett, que ya llevaba tiempo sacando demos junto al guitarrista John Perry con su primer grupo, England’s Glory, incorporó al batería ex Spooky Tooth Mike Kellie y al bajista Alan Mair, procedente de los escoceses Beatstalkers. Al incipiente y rabioso sonido Punk se sumaba una sensibilidad especial en las letras y ya se manifestaban de manera clara dos de sus fijaciones: el Amor y la Heroína, y más tarde el Crack, como forma de vida militante. En estos tiempos comienza a estar presente en su música de manera permanente su relación con Zena, su pareja y musa a lo largo de los años. Su primer single, Lovers of Today, autoeditado por el sello Vengeance, fue fulgurante “disco de la semana” y un año más tarde firmaron con CBS. El siguiente single fue “Another girl, another planet”, su consagración como banda de culto y su canción más conocida y exitosa, influencia incontestable para bandas de generaciones futuras que llega hasta la actualidad. Amor y droga se mezclan de manera explícita en un tema versioneado entre otros por gente tan variopinta como The Replacements, The Libertines, Mighty Lemon Drops, Belle and Sebastian, Paul Westerberg o Blink 182. “Another girl, another planet” obtuvo en USA todo el reconocimiento mediático que injustamente se le negó en su propio país por sus continuas alusiones en su letra a las drogas. A pesar de todo, la web All Music Guide calificó este tema como probablemente el mejor single rock jamás grabado. Frente a esto, la inamovible e hipócrita Inglaterra oficial y su puritanismo victoriano, que salía a relucir hasta en los gamberros tiempos del Punk… 40

Su primer álbum, The Only Ones (1978) fue muy bien recibido por público y crítica, grabándose el año siguiente el estupendo Even the Serpents Shine. Ya en 1980 se publicó el póstumo Baby’s Got a Gun, que funcionó bastante bien y fue el preludio de su gira por Estados Unidos teloneando a The Who. La espiral frenética de drogas en la que estaban envueltos sus miembros y un éxito masivo, que aunque más que merecido, no acababa de llegar, fueron el desencadenante dos años más tarde, de la ruptura de la banda, que en poco tiempo se convirtió en una auténtica banda de culto a nivel mundial. En tiempos, por actitud estética y otras afinidades, se consideraba a The Only Ones lo más parecido a Johnny Thunders, errática e incontenible estrella de los New York Dolls. Kellie y Perrett colaboraron como session men en el brillante debut en solitario del neoyorquino, So Alone. A partir de la disolución de la banda, el deteriorado estado físico de Perrett hizo que apareciese y desapareciese como el Guadiana, hasta que a mediados de los 90 resurgió con Woke up Sticky, una gran canción que nos devuelve a sus mejores días, eso si, con la voz más cascada, aunque no por ello menos sugerente. Tiroteos, trapicheos y constantes referencias narcóticas salpicaron la carrera de The Only Ones, una banda con innumerables atractivos que ocupa un lugar preferente en la historia de la época Punk, aunque sean difíciles de encasillar, por su vertiente powerpopera, psicodélica o incluso a veces un poco heavy. Más allá de su historia de amor con las drogas su influencia y el valor de las composiciones de Perrett es incontestable.

En 2008, aprovechando la repercusión que tuvo la aparición de Another girl… en una exitosa campaña de Vodafone reaparecieron The Only Ones en el Later with Jools Holland, programa mítico de la televisión británica donde además de su canción emblemática también interpretaron nuevo material. A partir de aquí, suenan continuos rumores sobre la publicación de este.

The Only Ones mezclan la energía y espontaneidad punk con una sensibilidad especial y muy británica en el tratamiento de los temas más espinosos, siempre presentes en la vida del grupo. La inconfundible voz de Peter Perrett, indudablemente más cascada y castigada por años y años de mala vida todavía suena sugerente, sofisticada y sensual. El mismísimo John Lennon, después de escuchar Prisoners, una de sus canciones, y prendado de la letra y de la voz nasal del South London de Perrett se planteó seriamente la posibilidad de producirles un disco.

Madafackismo Underground En 2009 tuve la oportunidad de asistir a un concierto que dieron en la sala El Sol de Madrid, con el gran Antonio Arias de telonero, y escuchar canciones como Lovers of today, Oh Lucinda (Love becames a habit), No peace for the wicked, The Beast, Out there in the night, Somebody who cares, Another girl… y de propina, Woke up Sticky….

Una gozada. Una noche maravillosa donde el carisma y el talento puro pudo con creces con el deterioro físico de Peter, donde triunfó la clase innata de estos caballeros británicos que han sobrevivido más que dignamente a toda una vida de excesos.

Un hijo de Peter continua la saga y fue miembro fundador de los Babyshambles de Pete Doherty, y ahora forma parte de Love Minus Zero, joven banda inglesa. Sigamos disfrutando de la música y el genio de The Only Ones sin tener que esperar a que cualquier campaña de Vodafone o de alguna compañía de Seguros Ocasionalmente, y dependiendo de su frágil condición nos descubra la valía de Perrett, Kellie, Perry & Mair. física, The Only Ones todavía se dejan ver desde 2007 en lugares muy elegidos donde pueden todavía cautivar a su fiel parroquia. 41

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Los únicos…

The Only Ones Discografía Básica

15 canciones

1978: The Only Ones 1979: Even Serpents Shine 1980: Baby´s got a gun

imprescindibles

Recopilaciones y Directos 1979: Special View 1979: The Big Sleep 1984: Remains 2004: Why don´t you kill yourself ?

1. Another girl, another planet 2. The whole of the law 3. Deadly nightshade 4. Oh Lucinda (Love becames a habit) 5. Lovers of today 6. Trouble in the world 7. No peace for the wicked 8. Peter and the pets 9. As my wife says 10. You’ve got to pay 11. Out there in the night 12. Somebody who cares 13. Fools 14. Happy Pilgrim 15. City of fun Carlos Gerona @charlon05

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Uno de los hobbies del autor es coleccionar cascos de la Primera y Segunda Guerra Mundial. 44

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ERNEST DESCALS

“Nos encontramos, probablemente, ante uno de los mejores pintores del panorama nacional, un artista que ha marcado época en sus ya muchos años de carrera”

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rnest Descals es un pintor catalán nacido en Manresa, en 1956. Desde pequeño su interés por el arte fue latente, le venía de familia. Siempre se vio interesado por todo tipo de representación gráfica, desde la fotografía hasta la ilustración. Altamente influenciado por los oscuros tiempos de la posguerra española, para él, cualquier imagen tenía resonancia de amplias sugerencias. Primero sintió interés por historietas y cómics, circunstancia que hizo posible que desde pequeño empezase a hacer sus propios dibujos, pasándose finalmente a la pintura. La obra de Descals abarca desde acuarelas a carboncillos, pasando por acrílicos y ceras. Desde muy joven se ha presentado a todo tipo de concursos de pintura. Gracias a ello ha conseguido un gran palmarés de premios artísticos y se ha labrado una reputación como artísta. De hecho, cuando tuvo que hacer el servicio militar, ya había realizado diferentes exposiciones de pinturas en varias galerías de arte. Su estilo era diferente a la mayoría de artistas del momento. En total Ernest Descals ha realizado más de 60 exposiciones alrededor del mundo y ha sido galardonado con más de 700 premios por su pintura, lo que lo ha consolidado como uno de los mejores y más claros exponentes de la pintura europea contemporánea. 47

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Las pinturas de Descals destacan por tu trazo intenso y por el realismo de la luz (en contraste con la con el trazo). Ha trabajado también como ilustrador para Cafés del Bages. En el ámbito personal, destaca su pasión por la historia y su amplia colección de cascos de las dos grandes guerras mundiales. Como conclusión, se podría decir que Ernest Descals es uno de los grandes pintores del panorama catalán, un pintor de referencia, cuyas obras de arte nos llevan sorprendiendo muchísimos años, y, por suerte, parece que así seguirá siendo durante mucho tiempo. Un fotorreportaje de Jordi Prat 55

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DESCUBRIENDO A...

CHICHARRÓN El pasado mes de Diciembre se cumplía un año de la disolución (como ellos mismos quisieron llamarla) de una banda gallega inclasificable musicalmente, probablemente desconocida para el oyente a menos que éste viniera siguiendo los pasos de las bandas de Limbo Starr o del entorno de bandas que desde hace unos años han surgido a la sombra del sonido Triángulo de Amor Bizarro. Esa banda se llamaba Franc3s y justo antes de irse componían el que fue su último sencillo que veía la luz a principios de 2014: El Sentido De La Lucha. Poco después, para regocijo de unos cuantos que perdíamos la cabeza por la música de los de Carballo, su vocalista, Alberto Martínez Vecino comenzaba el año con un nuevo proyecto, en compañía de gente que lleva tiempo dedicándose a la música, como Rubén Domínguez (Telephones Rouges), Diego Gende, Xurxo Meis y Mar Catarina. Chicharrón continúa la senda iniciada con El Sentido De La Lucha, homenaje al desaparecido Alberto Gende, senda en la que se pierde toda la inocencia y el ruidismo de Franc3s para dar paso a una nueva etapa acústica y más madura, pero igual de oscura que la anterior y que marca la trayectoria de este disco. La mayoría de las pistas hablan de la pérdida, del desamor, aunque el grupo se describa a sí mismo en un “álbum conceptual sobre el amor como salvación” utilizando esa carga como tratamiento liberador. Así, en una entrevista radiofónica realizada a Alberto en la Parada de los Monstruos cuando en Mayo de 2013 en su pueblo llevaba lloviendo desde Septiembre del año anterior, decía que no le quedaba otra que entretenerse componiendo melancólicamente. Esa lluvia y los recuerdos del desaparecido Gende, una terapia más de comunicación echando fuera la culpabilidad: “tristeza y dolor” dice Caída Horizontal, “deseo un Invierno vacío y eterno” que se repite en Por Mi Grandísima Culpabilidad, punzan las letras atormentadas de Chicharrón. Grabado durante 56

el pasado año en el Estudio A Ponte de Santiago de Compostela, masterizado por Roberto Mallo (artífice del sonido de discos como los de Puma Pumku, Pablo Und Destruktion, Triangulo de Amor Bizarro, Trajajo!,..). Un disco que por momentos introduce al oyente en un subidón pleno con canciones como “Peluquero De Maíz” (auténtica obra de arte en forma de canción) o “El Amor No Aguanta Un Mareo” que transportan a los tiempos en los que la electricidad de las guitarras se mezclaba sin ningún rubor con los teclados psicodélicos. Sin renunciar a los orígenes, en “Ha llegado El Tiempo De Los Asesinos” (se te vienen a la mente los “lobos” de Su Sombrero Señor, Es Un Viaje Muy Corto de Franc3s) regresan por un momento al pop retumbante y desgarrador. “Que No Te Conozcan Por Lo Que Haces” trae consigo el chirriar folk de guitarra, para llegar al final con las canciones más crudas que hacen aflorar sentimientos apesadumbrados y resignación (“quédate conmigo”) de Definitivamente Inacabado. Teclados con melodías en bucle siguen dando un toque psicodélico que evoca por momentos desde el primer country del que se tiene conocimiento, el de The Carter Family, hasta el country moderno que completan un final del disco de una forma magistral: “mañana será otro día” sale de la voz susurrante de Alberto entre el efecto resonador de guitarra, sin dobro y con teclado en Las Huellas De Los Lobos Sobre La Nieve Siguen Siendo Lo Único Real. Como repetían de manera profética, allá por 2010, los ferrolanos Carrero Bianco en la terapéutica canción Gafas De Sol: “el futuro es tan brillante que tendré que usar gafas de sol”. Igual es que ese futuro ya es el presente de la música en Galicia.

Jota Martinez @maniobraevasion

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CRÓNICA DE...

Los Punsetes + Sierra Llegué a la sala con un par de latas de más, relativamente pronto (es decir, media hora después de la apertura de puertas). Tiempo suficiente para bordear la Moby Dick, el local raruno de al lado y comprar una litro en el chino de detrás.

Un recorrido por las canciones más queridas, más pegadizas y más coreadas: momentos de euforia con “Dos Policías”, “Corte Limpio” y tantas más. Ahora, por favor: las cuatro niñas intentando empezar un pogo. Con Los Punsetes. ¿Qué coño hacen? No estamos en un concierto de Sudor. ¿Harían vuestros padres un pogo Ya más animado, y muerto de ganas por ver a Sierra, con Los Punsetes? Pues eso, cada cosa en su momento. conseguí un buen sitio para ver a mi querido Hugo (Margarita, Prisma en Llamas) arrancar con mucha fuerza. Y Tampoco sé por qué había tanta gente fumando en la nunca mejor dicho: su primer EP, Tiene Mucha Fuerza, sala. Pero todo mi cariño al chaval que me invitó a un es una pasada. Desde la primera canción compuesta, petardo. Se te quiere. “La chica del cohete”, se nota la influencia de los Pegamoides. Y a uno con eso le tienen ganado. Melodías No hay mucho más que decir. Un concierto muy enpegadizas y muy bailables, y emociones a cañonazos, tretenido, esperado, y con nada fuera de lo razonable. sin medias tintas; no pido más. La composición es una Sabíamos a lo que íbamos y lo tuvimos. Para qué más. maravilla, y el directo no fue para menos. Corto (qué Lo que pasase luego… será algo nuestro. se le va a hacer; apenas tienen material que llevar a los instrumentos), pero muy intenso, de los que dejan con Ignacio Salgado ganas de más. Definitivamente, a Hugo hay que seguirle @n_raist la pista. Y a la gente se la sudaba. Nunca lo entenderé. En fin, Los Punsetes. No voy a explicar quiénes son ni qué música hacen; quien no lo sepa a estas alturas es porque no tiene Internet. Al concierto. Tras un par de canciones, no sabía muy bien si estaba en la Moby Dick o en la Joy Eslava, y lo único que anclaba mi mente al continuo espacio-tiempo era el vestuario de Ariadna. Un playlist muy parecido al del concierto anterior. Entiendo que no hay demasiada cancha para jugar (tocan bastante, para qué engañarnos), pero me supo a poco habiéndolos visto hace apenas unos meses. Alguna pega tenía que poner.

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BIZNAGA Biznaga son mitad madrileños, mitad malagueños, y hacen punk del bueno en pleno siglo XXI. Su nombre se debe a los ramilletes de jazmín que se venden en las calles de Málaga y acaban de colar su primer LP, Centro dramático nacional, en el top 10 de álbumes españoles de la revista Rolling Stone.

Para ser una banda semidesconocida fuera de Madrid, los asistentes de las primeras filas se sabían todas las canciones y bailaban pogo enfurecidos, como si no hubiera mañana.

El cantante (Álvaro), que en vez de andaluz parecía recién salido de Hernani, daba paso a la siguiente canción sin dar tiempo a respirar y no se dirigió al Sus influencias van desde los clásicos del punk británico público en toda la noche. Siguió la velada con canhasta bandas como Eskorbuto o los más góticos Paráli- ciones como “Cul de sac” u “Ocio”, para terminar sis Permanente y los primeros Gabinete Caligari. En por todo lo alto con “Adalides de la nada”, converticuantos a las letras, Biznaga no dejan títere con cabeza: da en un auténtico himno generacional: “Juventudes son la banda sonora perfecta para los tiempos de crisis comatosas, juventudes abolladas, adalides de la nada”. y corrupción generalizada que vivimos. Sus canciones están llenas de crítica social, rabia y cabreo generalizado. Es un gustazo que surjan bandas como estos Biznaga en los tiempos que corren. Se echa en falta más El pasado viernes 6 de marzo visitaron el Kafe Ant- punk y más música comprometida en el panorazokia de Bilbao por primera vez y no perdimos ma nacional, tan dominado por el indie insulso y los la oportunidad de acercarnos a disfrutar de su di- grupos de radiofórmula. Sin duda,una de las reverecto. La banda ofreció un concierto aceleradísi- laciones del año. Les seguiremos la pista de cerca. mo de poco más de media hora, repasando los temas de su primer largo y sus anteriores EPs. Biznaga salieron muy enchufados a una sala casi llena con Fiebre, que nos recordó a los RIP. Después cayeron temas como Las brigadas enfadadas, Divino fracaso o Máquinas blandas con ese grandioso “la universidad no sirve para nada”, ampliamente coreado por el público.

Miguel Aizpuru @Aizpurusolano

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BLUR Madafackismo Underground EL REGRESO DE

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e puede pensar en, vamos a decir, cualquier año empezado por 2000 sin sentirse tremendamente viejo y nostálgico? Probemos: hace ya 12 años del 2003, 12 años del ThinkThank, en otras palabras: 12 años del último álbum de los británicos Blur.

¿Feeling old yet? Tranquilos, por esa época algunos aún jugábamos a tazos. Aunque si nos sentimos mal eso ya poco importa con la bomba que es la noticia de la vuelta de la banda al estudio. Después de este tremendísimo largo silencio discográfico, el último 19 de Febrero Damon Albarn y los suyos anunciaban, desde algún local de comida oriental del Chinatown londinense, ese tan ansiado comeback. El álbum, The Magic Whip, y sus 12 canciones, no ha sido anunciado en ese emplazamiento por casualidad. Y es que parte de la grabación ocurrió en Hong Kong, ciudad que va a influenciar enormemente tanto el sonido como la estética del propio disco (y si no, sólo hay que echar un vistazo a la portada o al videoclip del nuevo single, Goout). Un sonido más urbano, que Damon incluso se lanzó a comparar con el de la trilogía de David Bowie en Berlín. ¿Y por qué romper el silencio? Recordemos que la banda, aún sin material nuevo, nunca ha dejado de llevarse bien y de tocar por allí y por allá en conciertos muy concretos. “16 años –recordemos que Graham Coxon no partició en el último disco - parecía un descanso suficiente para hacer algo fresco”, decía Damon. El mismo Graham apuntaba, asimismo, el sentimiento tedioso que sentían –al menos él- al tocar un día tras otro las mismas canciones. Necesitaban un empuje, y la intensidad y ritmo frenético de Hong Kong parecía un buen punto de partida. Marcador y agenda… 27 de abril es la fecha señalada para su lanzamiento, para que algunos nos pongamos a analizar canción a canción y repitamos, para que otros simplemente se dejen llevar al baile, para que otros muchos no puedan esperar a comprar algún ticket que otro… porque habemus conciertos, y habemus conciertos en España. Los afortunados que puedan permitírselo, podrán disfrutarlo en directo el 20 de junio en el ya mítico Hyde Park, y/o alguno de los tres días (atención) del Festival Internacional de Benicassim. Lo que viene siendo un bombazo para los blurers (con pasta) de nuestro país. 61

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Dos adelantos de lo que será el nuevo sonido de

Blur

Sacamos el rotulador más chillón que tenemos, marcamos las fechas grandes en nuestra agenda, vamos a comprar unas cuantas chaquetas de deporte (Adidas, si puede ser)… Nos preparamos, porque lo que viene puede ser –lo analizaremos en próximos números- grande. ¿Y cómo se nos presenta? Go out es el “bienvenidos otra vez, chicos” definitivo. Es el sonido Blur puro, podría haber sido una cara B del The Great Escape y nadie se habría dado cuenta. Suena por primera vez en nuestros oídos y sabemos que no puede ser otra cosa que la magnífica conexión entre la expresiva guitarra de Coxon y la voz medio ahogada, estirada, de Damon. Todo se explica a través de este tándem y un sentimiento extraño que nos lleva a Asia. Quién sabe, igual es que ya estamos sugestionados del todo. Goout es, sin duda, esa canción que quizá no gane a nuevos seguidores, pero sí el corazón de los que siempre hemos seguido su sonido de cerca. There are too many of us, “that’s plain to see”, nos dicen en un video en el que no cabe una mosca. Es una canción que amarás o detestarás; un tema que trae cola, que algunos comparan con Gorillaz, otros con Everyday Robots, y otros con anteriores álbumes de la banda… pero ¡venga ya! Damon Albarn es el denominador común de todos, ¿cómo no va a recordarnos a todo eso en algún momento? Las comparaciones siempre fueron odiosas, y en este caso, absurdas. Para servidora, una canción que gana con las escuchas, una canción delirante, misteriosa, que va creciendo: con carácter. Para otros, un simple coñazo. Sea como sea, juzgad vosotros mismos. Y hablando de comparaciones, echad un vistazo al vídeo y a la pose de Damon frente al micro. ¿Rivalidad, burla…? Ahí lo dejamos.

TIMELINE DE BLUR 62

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Y mientras esperamos, ¿qué hacemos?, ¿cómo vamos a calmarnos? Ya os aseguro yo que hacer un revival de sus hitazos no ayuda, y menos si no tienes entrada en mano. Así que desde aquí, os invitamos a empezar a tararear y aprenderos la letra de los dos adelantos (“Go out”, el que ya veremos si es single indiscutible, y “There are too many of us”) que la banda nos regala para no dejarnos en ascuas. Y si vais a vivirlo en directo, empezad también a practicar los dos o tres movimientos frenéticos estrella de vuestro repertorio.

Si algo caracteriza a Blur es el tándem y perfecto balance entre el mantenimiento de su fórmula clásica y la innovación, que aún está por ver –pero algunos afortunados ya adelantan-. Sea como sea, estos dos singles si algo demuestran es que Blur, como Coldplay, no necesita de nuevas fórmulas; pero tampoco, como Noel Gallagher y su rock plácido, fórmulas llanas, rutinarias, o que impliquen poco riesgo. Blur arriesga en su propia personalidad, una personalidad que los hizo triunfar en los 90. ¿Será The Magic Whip un poderoso misil que haga revivir el pop británico, y ese riesgo que es el sonido de Blur en particular, dentro de la generación actual?

Laia Gibert @souulmeetsbody

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N OV E DA D E S FESTIVALERAS Este último mes ha sido bastante movido en el panora- Por su parte, el LOW ha anunciado a Foals, The Strypes ma nacional de festivales que comienzan a mostrar sus y Reptile Youth, que se unen a los cabezas de cartel del cartas para vender abonos como churros. año pasado en Benicàssim: The Libertines y Kasabian. Una de las sorpresas ha sido el anuncio del fichaje de Morrissey por parte del SOS 4.8. Actuará el 1 de mayo en Murcia, a no ser que se entere de que en el recinto del festival venden carne. También están en el line-up del SOS The Vaccines, The National y Metronomy.

En Barcelona, además del Primavera, del que ya hablamos extensamente el mes pasado, tenemos el Cruïlla, que contará con FFS (Franz Ferdinand y Sparks) y Jamie Cullum. También en la ciudad condal nace un nuevo festival, el Hard Rock Rising, que podría llevarse el premio al cartel más raro (por no decir otra cosa más soez) de la temporada con: Kings Of Leon, Lenny Kravitz, Juanes, Avicii, Vetusta Morla y Steve Angello. Además se especula con la inclusión de Robbie Williams en las próximas semanas.

El #Melvinismo sigue por todo lo alto con la inclusión en el cartel del FIB de Blur como cabezas de cartel y de FFS, o lo que es lo mismo, la interesante unión entre Franz Ferdinand y Sparks. Recordemos que el FIB contará como principales reclamos entre el 16 y 19 de julio en Benicàssim con The Prodigy, Florence and the Otros festivales a tener en cuenta son el ContempoMachine, y Noel Gallagher. Repetid conmigo un mes pranea con Pet Shop Boys como headliners; el BIME más: “Melvin Benn es mi pastor; nada me falta”. de Bilbao con Imagine Dragons; o el Lapso, un nuevo festival en Santiago, que se celebra el 30 Abril con The El mismo día que el FIB confirmaba a Blur la gente del National, The Gift y Best Boy. También durante este Arenal Sound confirmó bandas de mestizaje (aplausos mes de abril se celebran en la Comunidad Valenciana para ellos) de la talla y la calidad (guiño, guiño) de La dos festivales, el San San Festival en Gandia con KaPegatina, La Pulquería y La Sra. Tomasa; y unos días kkmaddafakka como artista internacional invitado y los después al dúo de electrónica Nervo, dos gemelas aus- principales grupos del indie nacional; y en Puerto de Satralianas de muy buen ver pero que por desgracia se gunto la primera edición del interesante MBC Fest con dedican a fabricar temas EDM de escaso gusto. Las Carl Barat and The Jackals, Future Islands, The Horrors ultimas y recientes confirmaciones incluyen al libanés y un potente apartado electrónico con gente del prestiMika, la indie electrónica de Mystery Skulls desde Texas, gio de Yuksek y Alex Metricc. Un festival al que echar los mancunianos We Have Band, Ángel Stanich, Dukes, un ojo, en el que no podremos faltar, y del que haremos Sunset Sons, Space Elephants, Bigott, The River y San- un bonito (esperemos) reportaje en el próximo número dro. Estos grupos se unen a gente como OK Go, The de Mayo. Kooks, Rudimental, Nero y un montón de grupos nacionales que tocan todos los años en el Arenal Sound. Por otra parte, el Sun 101 de Málaga ha anunciado que no celebrará su segunda edición. Una pena. El BBK Live también ha jugado fuerte este último mes con Mumford & Sons, que ofrecerá su único concierto en un festival español en 2015. También estarán en Cristian C. Bilbao: Of Montreal, Black Rebel Motorcycle Club, @sickcris Disclosure (esto ha dolido Melvin, te perdono pero que no vuelva a pasar), Bleachers, Dover, Of Monsters And Men, Vintage Trouble, James Bay, Catfish And The Bottlemen, Marmozets y Bear’s Den. El BBK celebra su décimo aniversario con Muse como cabezas de cartel, quienes presentarán su próximo trabajo “Drones”. 64

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RUIDO DE FONDO Como en Madafackismo Underground nos apasionan las redes sociales y todo lo relacionado con este mundo, cada mes seguiremos atentos a las publicaciones que postean los propios artistas, como datos curiosos, algo gracioso e interesante, recomendaciones de algún artista internacional o nacional… Comenzamos con las canadienses Tegan and Sara que acudieron con estos “vestidos” a la ceremonia de los Oscars y con una nominación a la mejor canción original para “Everything Awesome”. Hasta aquí todo correcto. Las burlas no tardaron en llegar, y muchos eran los que se preguntaban quiénes eran: algunos decían que eran las hijas de Zapatero, mientras otros preferían no saberlo

#THANKSZANE Este hashtag no llegó a ser Trending Topic pero sí que tuvo mucha actividad el 5 de Marzo ¿Motivo? Zane Lowe se despedía de la audiencia como locutor de BBC Radio.

Los murcianos Second han tenido que recurrir lamentablemente al Crowdfunding para poder grabar su octavo disco pidiendo 15.000€ a sus seguidores. No obstante, la respuesta obtenida ha sido excelente porque en menos de doce horas han conseguido recaudar la cifra de 20.000€.

Para quien no lo conozca, Zane Lowe fue locutor de BBC Radio durante 13 años y dio a conocer a grandes bandas como Arctic Monkeys, Bloc Party y Kasabian. También fue fundamental para relanzar otras muchas. Además realizó numerosas entrevistas en su programa a artistas y productores, como Rick Rubin, Morrissey, Jay Z, Kanye West, Queens Of the Stone Age o Radiohead. Ahora su futuro está en Apple, pero antes de marcharse numerosos artistas como Enter Shikari, Arctic Monkeys, Alt J, Peace, The National, Mark Ronson, Foals, Jamie T… se despidieron de él.

¿Sabías que…?

¿Sabías que un hombre de 42 años llamado Roger Tullgren cobrará un subsidio por discapacidad del Estado sueco después de haber conseguido que su obsesión por el heavy metal haya sido declarada adicción?

En esta sección invitamos a realizar cualquier sugerencia, crítica o propuesta y a que se pasen por nuestros perfiles de Facebook y Twitter.

Samuel Castellano @samuel13c 65

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EL BACKSTAGE PRENSA MUSICAL EN ESPAÑA: CRÓNICA DE UNA MUERTE INESPERADA Teorizo, o divago, sobre el estado moribundo del periodismo musical desde una revista que apenas si ha empezado a gatear. Qué arrogancia, qué osadía, ¡qué cinismo! ¿Quién te crees que eres? ¿Un regeneracionista? ¿El Pablo Iglesias del gremio? ¿Vienes aquí a salvarnos del antiguo régimen? ¿A prometernos un nuevo orden? ¿Una revolución? No le va a faltar razón a quien se haga alguna de esas preguntas, lo reconozco. Pero servidor se cortó la coleta hace tiempo –conviene cortársela para prevenir la alopecia, háganselo saber al camarada Iglesias- y, en realidad, esto no será ningún rapapolvo. Tampoco traigo soluciones. No sé si hay remedio. Traigo correlaciones, causas, efectos, y hasta puede que los neocoms me echen una mano. En esta historia también hay un “régimen del 78”, una casta, estómagos agradecidos; hay días de putas y cocaína y una resaca de nivel 10 en la escala Charlie Sheen que nos dejó conectados al respirador, entre la UCI y la morgue. Dando bocanadas histéricas como un pez expulsado de la pecera, desorientado, y en el bolsillo sólo la varilla de plástico con la que removimos el último gintonic.

...Y LAS TINIEBLAS CUBRÍAN LA SUPERFICIE DEL ABISMO Érase que se era un paisito de rancio abolengo y pasado imperial devenido en la pandereta de un general cuasi eunuco (o semi-eunuco). Cuarenta años de versión oficial, de cuadrarnos con el sol de cara. En nuestra sombra, un yugo, una flecha y una mantilla. Mientras, allende ese océano o esas cordilleras en otros tiempos conquistados, Elvis erizaba pezones con la onda expansiva de sus descargas pélvicas, Morrison cruzaba al otro lado en una bañera parisina y Bowie, Iggy y Lou se esnifaban el muro de Berlín. El pop y el rock and roll se habían olvidado de España, a excepción hecha de algunos niños bien, futuros progres. 66

Muerto el único testículo hábil del dictador se acabó la rabia (o casi), pero la cicatriz de la cuchillada cultural autoinfligida no iba a desaparecer. No desapareció. No ha desaparecido nunca. ¿Y qué podíamos hacer? Sin recursos, sin más referente que el viaje a Londres, boina calzada hasta el tabique nasal, para volver luciendo un conato de melena, con el cesto de las morcillas lleno de plástico negro. Nos inventamos una escena. Y nos inventamos revistas, y fanzines (antes de saber qué demonios era un fanzine); nos inventamos nuestros propios panfletos musicales desde donde narrar las excelencias de todos aquellos artistas que a los mayores les sonaban a condenación eterna y a los chavales de la casa les molaban mazo, les enrollaban a tope, les hacían flipar en colores. Era la Edad de Oro del pop español y un puñado de plumillas autárquicos estaban ahí para contarlo.

NUNCA DEBÍ TOMAR ESE AVIÓN, AHORA ESTOY EN OTRA DIMENSIÓN El aprendizaje duró lo que tardó el estadista sevillano en entregar su chaqueta de pana a la hoguera de las vanidades. España tenía que ser moderna. Ya. Guerra dijo que a este país no lo iba a conocer ni la madre que lo parió. Aunque una madre reconoce a su hijo siempre, no importa cuánto pegamento esnife ni de qué color se pinte la cresta, llevaba razón el diputado que más tiempo ha calentado un sillón del hemiciclo. La cara nos la habíamos lavado. El kiosquero tuvo que hacerle un hueco a regañadientes a cantantes invertidos, travestidos, de los que bien que necesitarían dos milis de las de antes, entre las cenizas de El Alcázar y las columnas jónicas del ABC. Vibraciones, Popular 1, Rock Especial (aka Rockdelux), Ruta 66, El Gran Musical, Heavy Rock, los estertores de Disco Express (la verdadera decana), más una docena de intentonas de las que, esta vez sí, no se acuerdan ni las madre que las parieron. Nuestras Mojo, Rolling Stone, Spin, NME... Más o menos. Con cada nueva cabecera, el advenimiento de un pope dispuesto a contarnos qué escuchar (y, sobre todo, qué no escuchar). Toda iglesia necesita a su párroco y si de algo sabemos en este país es de sotanas.

Un buen párroco sabe arengar, sabe fidelizar; sabe cómo hacerte volver a cruzar las puertas del templo el domingo siguiente. Y el otro, y el otro, y el otro...

LA FIBRA ÓPTICA MATÓ A LA ESTRELLA DEL PAPEL De Manrique a Ordovás, de la familia Martín a Jaime Gonzalo o Santi Carrillo, todos captaron perfectamente el mensaje: uno se debe a sus feligreses. Algunos lanzaron una enmienda a esa totalidad: a sus feligreses y a los amigos, y a aquella discográfica tan maja que paga tan bien si entrevistas a su chico de oro. Lograron lo impensable; profesionalizarse ejerciendo de algo que sus padres ni siquiera considerarían un trabajo de verdad. Lo hicieron bien. Lo hicieron muy bien. Se aliaron con las tribus urbanas, tomaron partido por los nuevos románticos, por los punks, por los rockeros de pelo en pecho, por los mods, y el afecto fue mutuo hasta el via crucis de Cobain y más allá. A los más jóvenes del lugar, incluso a los propios editores de estas páginas, les sonará tan lejano como las historias del estraperlo en la Guerra Civil, pero hubo un tiempo en que la cita con el stand de revistas era tan sagrada para los cofrades de los cuatro acordes como lo es para el chonismo ibérico un podio en Amnesia. Observen, observe a través de la bola de cristal que brilla encima de la camilla: -¿Ha llegado ya mi revista? - No. - ¿Ha llegado ya mi revista? - No, todavía no. - ¿Y hoy? ¿Ha llegado? -No, pero ha llegado esta otra que... - Quiero heroína, no polvos de talco. El día menos pensado cambio de camello.

Madafackismo Underground Sí mirar la obra desde el otro lado de la valla, mascullando críticas al lamentable estado de la mezcla. Falta arena. Falta calidad. Lo que ellos construyeron por pura inconsciencia se volatilizó dentro de la fibra óptica. En mis tiempos, dice un miembro de la vieja guardia, te pagaban por colocar esos ladrillos, ahora esos obreros me acaban de comentar que lo hacen gratis, que así se promocionan, que les da prestigio. ¿Has probado el prestigio al ajillo?, suelta otro carcamal que, cuentan, hace años fue a pedir una Coca Cola para Keith Richards. Y ese es un recuerdo que se perderá en el éter de la red, como la dignidad del que trabaja a cambio del suculento prestigio, como las fotos pixeladas de Jenna Jameson. Tal vez sea mejor así, que las revistas de música perezcan al mismo tiempo que la propia música va poco a poco desplazándose hacia la sección de complementos de Zara. Pero eso daría para otra parrafada, una sobre festivales que compran grupos al peso o ciudadanías que apuestan por el acceso libre a la cultura descargándose por la patilla los discos de los artistas que dicen admirar. No me queda tiempo. Por ahí viene Sor Ivonne y su inyección acabará conmigo, al menos temporalmente. Lo dejaremos para otra ocasión si es que los románticos de Madafackismo Underground insisten en que siga lanzando pedruscos sobre su tejado. Hasta aquí la crónica exprés de una escena exprés.

EnriqueCampos @enrique__campos

¡Ah, la devoción juvenil! Cómo no pecar de soberbia, cómo no creerte una rockstar si el espíritu adolescente también desespera por ti, también espera por ti. Si las propias rockstars comparten las rayas contigo o aceptan las que tú traes de casa; si, al fin y al cabo, todas las rayas conducen al despacho del A&R. La endogamia es un buen negocio. Pero no contaba esta casta de predicadores en negro sobre blanco con el invento de un tal Tim Berners-Lee, un alucinado que pretendía enviar textos y lo que no eran textos de ordenador en ordenador a través de una simple línea telefónica. ¿Acaso alguien creyó que Colón llegaría a las Indias viajando hacia el oeste? Internet no era una opción. No supieron, no quisieron, o quizá no les tocaba renovarse. Tampoco morir. 67

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MADAFACKISMO Bono es casta (y U2, también).

mpezamos por defender en un artículo en Bandalismo.net que U2 mola y terminamos dándolo todo en la próxima convención del Partido Popular Europeo. No. Hay límites que un madafacka jamás debe sobrepasar y el dejar de hatear a Bono ¡es evidentemente uno de ellos!

seer ningún producto Apple a través del cual pudiesen entrar en mi vida con nocturnidad y alevosía. Una sensación similar a la que le podría haber ocurrido al madafacka alfa, tito Noel Gallagher, si la “jefa” le obligase a acompañar a su hija al concierto de Ed Sheeran en Wembley. Un asco.

Yo soy fan de cuando Bono era un cabrón auténtico, cuando subía al escenario en tacones y cantaba “Sunday Bloody Sunday” sin pudor alguno. Cuando no llevaba gafas de modernos y el presidente de Estados Unidos no lo invitaba a sus fiestas privadas. ¿Veis como no soy tan hater? ¡El concepto es haterlover! Mitad hater, mitad lover. Fijaros si ha cambiado el cuento que una de sus canciones más emblemáticas como es “Bad” ha desaparecido de sus últimos setlist. ¿No es motivo suficiente como para hatear a Bono (el irlandés, no el manchego, que ese nos cae bien) un rato? Ahora nos intenta meter por las orejas broza de sus últimos trabajos que, por mucho que a mis bienqueridas amigas fans de U2 les guste, es una música tan neutra que nadie recordará ni una triste canción de aquí a 5 años. Va a ser cierto que el HAMOR ciega a uno. Y, créanme, mis amigas HAMAN con verdadera pasión a Bono y U2.

Resumiendo, U2 es casta. Cuanto antes lo reconozcáis, mejor. Si eres fan acérrimo de Bono ahora mismo estarás cogiendo un cuchillo de la cocina o cualquier otro objeto punzante con el cual obligar a que me retracte de todo lo escrito, palabra por palabra. Y si no eres fan de U2 y encima te cae mal Bono, es posible que estés con una Voll-Dam Doble Malta en la mano soltando insultos de cualquier índole como si fueses un forofo ultrilla tirado en el sofá y viendo por televisión a la estrella del eterno rival tirándose una mandarina desde la línea de triple. La realidad es tozuda. En los últimos trabajos de los irlandeses no hace falta darles muchas escuchas para encontrarse con el sabor de los U2 más rancios, que hace preguntarse cómo un banda capaz de haber dado al mundo discos como War o The Joshua Tree, no es capaz ahora, no de reinventarse o de revolucionar absolutamente nada, sino simplemente dejar de darnos una y otra vez la misma balada de mechero que no parece otra cosa más que un producto elaborado a partir de descartes de discos anteriores. Desde estas humildes líneas le exigimos a Bono que abandone la violencia musical, entregue las armas y devuelva el “I Still Haven’t Found What I’m Looking For” a la ciudadanía!

Un tema que daría por si solo para escribir un artículo es el patrón común que siguen mis amiguitas fans de U2. Todas están güenas y todas quieren arrastrar al hermano, padre, abuelo, novio, follamigo o conocido de turno para que las acompañen a algún concierto de Barcelona. Verídico. En algún caso incluso han aprovechando la (oportuna) coincidencia nominal entre el líder de P.D: Le suplico a la señorita @robyiinthesky y al resto U2 y el dinosaurio del PSOE para arrastrar a un pobre de mis amigas groupiefans de U2 que no me lo tengan septuagenario hasta Barcelona corriendo con todos los muy en cuenta. ¡Os quiero igual! ;) gastos como si de un viaje del inserso se tratase. Vale. Debo reconocerle a Bono sus grandes esfuerzos por intentar convencerme de que “Songs Of Innocence” es un gran disco al fijar la fecha de publicación el mismo día de mi cumpleaños. Trolleo puro y duro, amics. Nunca me he sentido más afortunado de no po68

El Madafacka @Madafackismo

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LA GUINDA FINAL POR SEBASTIAN BLANCHET

“...y la rivalidad entre Oasis y Blur pasó a mejor vida.” 69

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