9/11-11/9 by Museo de Arte y Diseño Contemporáneo

Exposiciรณn Colectiva 10 mayo - 05 agosto 2017 sala 1 - MADC

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Esta publicación fue realizada para 9/11-11/9, exposición colectiva exhibida en la Sala 1 del Museo de Arte y Diseño Contemporáneo (MADC); San José, Costa Rica, del 10 de mayo al 05 de agosto de 2017.

/ ÍNDICE / 5. 911 La -no- generación 119.

31. Paraíso tropical

7. Many young voices

33. Wilson ilama

8. Grandes tragedias, grandes oportunidades

35. Sara Mata

9. Hitos de una generación divergente

37. Diana Barquero Pérez

11. A mano armada

39. Sergio Rojas Chaves

13. Albertine Stahl

41. Una Costa Rica linda

15. Christian Salablanca Díaz

43. Andy Retana

17. Anna Matteucci Wo Ching

45. Marton Robinson

19 y 47. Róger Muñoz Rivas

49. Andrés Gudiño

21 y 46. Mariela Richmond

51. Pamela Hernández

23. Materialidad y representación

53. MADConversa

25. Adolfo Ramírez Salas

54. Créditos

27. Emmamuel Zúñiga Salas 29. Alejandra Ramírez

/ 911 La -no- generación 119 / Históricamente la Sala 1 del Museo de Arte y Diseño Contemporáneo (MADC) se ha reservado para artistas de trayectoria y con una producción consolidada. La mayoría de excepciones a esta regla tácita, tienen que ver con los montajes dedicados a muestras colectivas que parten de convocatorias abiertas a nivel regional, tal es el caso de Artistas Emergentes e Inquieta Imagen. Existen muchos argumentos entorno a estas decisiones, como las características de la sala, la prioridad del tránsito de los visitantes y la posibilidad de generar diálogo entre obras y autores. Después de más de dos décadas de operación del Museo, es preciso replantearse algunas prácticas que se han ido enquistando en lugares comunes y llegan a parecer obvias. Para la programación de la agenda expositiva 2017 nos planteamos el reto a lo interno de dar forma a estructuras museológicas más flexibles; tanto en lo que compete a la forma que adquieren las exposiciones en el espacio, como al proceso de producción que involucra al equipo técnico y de montaje, a la interacción con la comunidad artística local y a la relación con diferentes públicos. La premisa decidida fue abrir el espacio “principal” del MADC a propuestas de artistas muy jóvenes. Daniel Soto, curador jefe del MADC, estableció un diálogo horizontal con los artistas invitados, casi todos ellos menores de treinta años. Abrir la antigua sala de añejamiento de los rones finos a artistas jóvenes para que exploraran a su gusto sinnúmero de posibilidades, suscitó una reacción muy acorde con los desafíos de estas nuevas generaciones: ¿Cómo se administra la libertad? ¿Cómo se construyen modelos de trabajo con la institución museística, basados en la participación y la corresponsabilidad más que en la asunción de una estructura jerárquica con roles y funciones prestablecidas? Para una generación que ha crecido bombardeada de imágenes (la mayoría sin filtros) es vital poder contar con herramientas que apoyen la toma de decisiones y parámetros críticos de discernimiento. Dentro de 9/11-11/9, los mismos artistas además de generar conscientemente sus obras, digirieron y dirigieron el proceso de diálogo con las obras de sus pares. Se podría decir que hay varios conceptos fundacionales que no cambian, o al menos no cambian demasiado de generación en generación; como la política, la violencia, las relaciones de poder,

el paisaje y el impacto de la tecnología. Tal vez en lo que se puede detectar un mayor cambio es en cuanto a la forma de asumir el contexto, la narrativa y los lenguajes. Parece que ya no existe tanto temor de permearse por contextos ajenos o de obviar la afirmación de contenidos locales. Adoptar lenguajes globales para hablar de sus propias preocupaciones -que son globales también- es una opción que ni se cuestionan. Simplemente es. Es lo que ellos son. Existe mayor espacio para la experimentación y evidentemente, son más versátiles en el uso de los diferentes lenguajes. El paisaje sigue presente y vigente, claro; pero es distinto, es un paisaje artificial, no representación, es una construcción.

Otro eje que tal vez sí puede ser trazado un poco más atrás es el del arrastre y compromiso en la producción; es decir, por qué y cuándo se producen las obras. Generaciones más jóvenes plateaban casi siempre su producción ligada estrechamente a un proyecto concreto y un espacio, una posibilidad fija, pre establecida. En este sentido, muchas veces esta condición termina provocando que el cuerpo de la obra no necesariamente sea un discurso rígido y lineal; es más bien una atomización conceptual coherente con la experimentación y la facilidad de permutación.

Otra característica muy interesante, sobre todo después de las réplicas de la Bienal de Pintura de 1972, es la astucia de desapegarse del status quo -añejo- y afrontar su obra por el propio material, el lenguaje en sí mismo, esa afinidad por las propiedades físicas. Hasta hace poco, era una constante preocupación discursiva la aspiración de ser y sentir la “centroamericaneidad”. A esta generación le preocupa la política, sí, pero ya no a nivel de manifiesto, ni de campaña, ni de redención. Les interesa la política como un continuum, como un proceso libre en que no dictan ni adoptan un parlamento o un rol prescrito. Su interés versa hacia la forma: las propiedades del material, la vida de las imágenes en la web, la superficie de las noticias. Estamos ante prácticas contemporáneas incipientes que aportarán una reconstrucción desasociada de un neo imaginario local, que va desde la provocación hasta la ausencia completa.

Fiorella Resenterra, Directora MADC San José, agosto 2017 5

Diana Barquero Pérez

Andrés Gudiño

Pamela Hernández

Wilson ilama

Sara Mata

Anna Matteucci W

Alejandra Ramírez

Andy Retana

Mariela Richmond

Marton Robinson

Sergio Rojas Chaves

Christian Salablan

Wo Ching

nca Díaz

/ Many young voices /

Es posible estudiar un contexto histórico a través de la lectura e interpretación de las obras de arte de sus contemporáneos. A la inversa, también resulta factible comprender dichas obras mediante el análisis del contexto. El ejercicio se puede hacer en ambos sentidos y obtener similares resultados. Las generaciones humanas, desde las ciencias sociales, se dividen en periodos de aproximadamente 20 años y se estudian por el rango de edad, por características generales y por ideales colectivos. A los nacidos entre 1980 y 2000 se les ha señalado duramente -por lo menos desde el prejuicio- como una generación perdida, desentendida y aferrada solamente a lo superficial. Róger Muñoz Rivas

Adolfo Ramírez Salas

Los hijos de los Baby Boomers son conocidos por tener menos de 35 años, ser egocéntricos, dispersos, excéntricos, perezosos, tecnológicos, impacientes y que se adjudican derechos. Crecieron bajo el paraguas de la prosperidad económica, las comunicaciones e Internet, también bombardeados con multiplicidad de contenidos. El acceso que poseen al conocimiento es abundante, están acostumbrados a absorber información, pero no necesariamente a filtrarla. Es quizá la generación más preparada en estudios académicos de toda la historia de la humanidad, pero la dificultad, falta de interés o de estímulos por encontrar un trabajo estable, los ha marcado mundialmente; prefieren migrar que adaptarse a los entornos. Se han relacionado tanto con la tecnología que han ignorado relacionarse con los demás.

Albertine Stahl

Emmanuel Zúñiga Salas

/ Grandes tragedias, grandes oportunidades / El término Millennial se desprende del hecho que es la generación que cumplió la mayoría de edad con la entrada del nuevo milenio, uno de los acontecimientos que generó más incertidumbre en nuestro tiempo. Aunque inicia en los años 80, el grupo más característico se enfoca en quienes nacieron en el despertar de los 90’s, por lo que, quizá su recuerdo más trágico relacionado con el acontecer mundial es el ataque terrorista a las Torres Gemelas en Nueva York y más recientemente, los asesinatos de Saddam Hussein, Osama Bin Laden y Muamar el Gadafi. Quince años después, les atormenta casi de igual manera la presidencia de Donald Trump. La relación de fechas resulta casualmente impresionante. Pareciera que, desde nuestra visión de Occidente, la historia contemporánea es una sucesión de acontecimientos trágicos e impactantes, pero para los costarricenses la guerra sigue siendo un estadio de ficción, la economía una incertidumbre y la religión un problema no resuelto. Las nuevas generaciones se enfrentan ante un mundo frío y despiadado, en donde la guerra empieza en el individualismo y la indiferencia se expande hasta el último confín de los continentes. Los “niños del milenio” -como se les conocía cuando apenas daban sus primeros pasos- consideran que vivimos mediados por los conflictos bélicos, el crimen organizado, el poder hegemónico y el exceso de tecnología. Sin embargo, creen que la igualdad social, la conectividad bien empleada y la comunicación mediática transparente, pueden ser la clave para el devenir de la humanidad.

/ Hitos de una generación divergente /

Es recurrente que se critique siempre a la generación más joven, ocurrió en su momento con la generación X, con los Baby Boomers, con la Generación Silenciosa y ahora con quienes apenas cursan sus estudios primarios… cada una es “la más problemática”. Las características que presentan cada una de estas se repiten en las siguientes, lo que varía es el contexto. Debido a ello, la cultura, la tecnología y el pensamiento social, afectan puntualmente en cada generación; marcan un hito que es relevante y que, como generación, puede que los identifique.

Algunos de los indicadores de dicha transición son aceptar la responsabilidad de sí mismos, tomar decisiones independientes y alcanzar la independencia financiera (Arnett, 2008, p. 17). Estos se relacionan estrechamente con el individualismo, por lo que el sentido de colectividad lo interiorizan al pasar a la etapa adulta.

Daniel Soto Morúa Curador MADC

La conectividad y el acceso a la información son, quizá, ese eslabón que une a estos jóvenes y mediante el cual han sobresalido por el bajo miedo al riesgo. El contexto es relevante; en el pasado, la juventud y la corta experiencia eran obstáculo para la inserción laboral y el éxito profesional; el crecimiento estaba ligado a la disponibilidad y aumento de recursos, conocimiento e inversión económica. El fácil dominio que poseen por las tecnologías les ha permitido marcar una pauta respecto a sus predecesores. Bajo este concepto de adultez emergente (transición lenta e intermitente hacia la etapa adulta), se puede establecer un vínculo entre los millennials y la necesidad de sentirse libres, ser escuchados y tener opinión propia. Sin embargo, la socióloga estadounidense Kathleen Shaputis los describió como la generación Peter Pan; unos se convierten en emprendedores, otros no se cansan de estudiar, otros trabajan arduamente y algunos ni estudian ni trabajan (los Ninis). En todo caso, presentan una tendencia a demorar algunos “ritos de paso” hacia la edad adulta, como casarse y tener hijos, finalizar los estudios y vivir con sus padres. Resulta contradictorio el interés que poseen por la autonomía y la independencia, viviendo bajo el auspicio paternal, por lo que se considera un efecto “búmeran” entre el ir y el venir de la libertad.

/ A mano armada /

La política (y la politiquería), la comunicación mediática y las relaciones de poder son prácticas que frenan a la región centroamericana para surgir de la pobreza. A pesar de la ausencia de ejército y conflictos militares, la manipulación de los discursos oficiales y hegemónicos influyen directamente en nuestro desarrollo como nación. Sumado a esto, nuestra geografía es puente para que el crimen organizado y el tráfico ilícito se comercialice entre el norte y el sur del continente.

Albertine Stahl El año de la cámara digital para retratos personales Instalación: objetos de yeso, polvo de mármol y pigmento mineral 2017 Progreso, tecnología y fragilidad. Tres conceptos en tensión constante. El primero parece ser nuestro objetivo final, el segundo el vehículo y el tercero, ese lazo que los une. Nuestros deseos colectivos chocan contra la realidad de la impermanencia humana. Vivimos en un mundo de contradicciones en donde los logros tecnológicos se enfrentan a lo más íntimo de nuestra condición. Fast Food vs hambrunas, superestructuras vs catástrofes naturales, hiperconectividad vs vigilancia, analfabetismo vs censura. La artista plantea un diálogo con los espectadores sobre la incapacidad que tenemos como sociedad para poseer conciencia sobre la burbuja en la que solemos vivir. Hemos construido un mundo de falsedades y placebos, y no nos importa vivir así, dormidos e incapacitados ante la violencia, el caos, la crueldad y la muerte. Los cuestionamientos de su obra invitan al espectador a reflexionar sobre estas ficciones y recordarnos que nuestra miopía es (s)electiva.

Inició su formación en el Centro Nacional de Artes en El Salvador, posteriormente, estudió Bellas Artes con énfasis en pintura en la Universidad de El Salvador. Ha formado parte, en dos ocasiones, del programa EspIRA/La Espora (Managua, Nicaragua) y a una beca para el programa Visions of Art (Berlín, Alemania), donde se especializó en pintura en el campo expandido. Es parte del programa de promoción de artistas salvadoreños Y.ES Contemporary Art El Salvador. Colectivamente, ha participado en Costa Rica en exposiciones en Galería Art Flow, XX Bienal Centroamericana, Museo de Arte y Diseño Contemporáneo, C.R.A.C. Art, Museo Regional de San Ramón y Satisfactory; mientras que en El Salvador su obra se ha mostrado en el Centro Cultural de España, Museo de Arte de El Salvador y el Museo de Santa Tecla. Individualmente ha expuesto en la Sala Poligráfica de TEOR/éTica (San José, Costa Rica). Fue invitada como residente a The Fountainhead Foundation (Miami, EUA) en mayo de 2018.

Christian Salablanca Díaz Kira al medio día

Fotografía digital impresa sobre papel 2015

Que nuestro placer de ser comidos sea más grande que el de otros

Videoinstalación: proyección de video (1:50 minutos) y hacha de hierro intervenida con texto grabado 2017 La violencia presente en sectores de alta criminalidad es lo que da pie a su producción artística. El uso recurrente del lenguaje en sus diversas manifestaciones -escrito, oral, corporal- se mezcla con referencias relacionadas a la animalidad y sus procesos de deshumanización. La preocupación que el artista muestra por la violencia diaria se traslada a sus obras que transmiten un mensaje directo y agresivo; pero alejado del sensacionalismo. Su discurso habla sobre los procesos de deshumanización causados por las economías ilícitas de subsistencia, tales como el narcotráfico, el crimen organizado y las peleas clandestinas; pero al mismo tiempo, plantea que la violencia responde al orden natural de los seres vivos mediante la sobrevivencia del más fuerte. Desmedidamente, esto se convierte en un patrón transgeneracional.

Estudió Arte y Comunicación Visual (distinción Cum Laude) en la Universidad Nacional de Costa Rica. Realizó la residencia de Arts Collaboratory, con un proyecto de autopublicación en Cráter Invertido (México) y también participó en la Residencia Académica para Artistas Centroamericanos (RAPACES, Managua, Nicaragua) de EspIRA/La Espora. En Costa Rica ha expuesto colectivamente en el Museo de Arte y Diseño Contemporáneo, TEOR/éTica, Museos del Banco Central, Museo Nacional y Centro Nacional de la Cultura. También, en la Galería Valenzuela Klenner (Colombia), LL Proyectos (Honduras), Centro Cultural Oswaldo de Andrade (Sao Paulo, Brasil), California Lutheran University (California, EUA), Galería Peggy Phelps de la Universidad de Clairemount (Los Ángeles EUA), La Casita (ARTBO, Bogotá, Colombia), entre otros. Individualmente se ha presentado en la Galería Terminal, Alianza Francesa y en la Sala 1.1 del Museo de Arte y Diseño Contemporáneo (Costa Rica). Durante 2017 formó parte de la residencia FLORA ars+natura (Colombia).

Anna Matteucci Wo Ching De lejos

Acrílico sobre tela 2016 - 2017 El nacionalismo encausa violencia. El otro resulta una amenaza para mí, o más bien, para cada uno de nosotros como individuos. La repetición de patrones es solo una manera de perpetuar las relaciones de poder, las representaciones mediáticas y la invisibilización de quien tiene menos. Su interés se centra en el arte como espacio de experimentación. Así, problematiza a partir de lenguajes tecnológicos y apropiación de imágenes de comunicación masiva sobre los discursos hegemónicos que rigen nuestra sociedad. La televisión se considera uno de los rituales de más impacto de nuestra época -al igual que la religión y las celebraciones cívicas- pues siempre está presente en nuestras vidas. Nos acompaña, informa, entretiene y educa, pero también nos adormece, distrae y nos hace caer bajo discursos de poder que se repiten a lo largo del tiempo.

Estudió Psicología en la Universidad de Costa Rica, Género, Sociedad y Políticas Públicas en la Facultad Latinoamericana en Ciencias Sociales (FLACSO-PRIGEPP), Artes Plásticas con énfasis en Diseño Pictórico, también en la Universidad de Costa Rica y actualmente cursa la maestría Académica en Comunicación y Desarrollo, en el mismo centro de estudios.

Tiene experiencia en proyectos de acción social, investigación y docencia vinculados al tema de derechos humanos de personas migrantes y refugiadas, con perspectiva de género. Cuenta con cuatro exposiciones individuales en Costa Rica, en el Centro Cultural de España, en la Sala 1.1 del Museo de Arte y Diseño Contemporáneo, en la Casa Cultural Amón y en C.R.A.C. art. De manera colectiva ha expuesto en más de 10 ocasiones, algunas de ellas en el Museo de Arte Costarricense, Centro Cultural de España, Valoarte, Museo de Arte y Diseño Contemporáneo, IX Bienarte en el Museo Calderón Guardia, Satisfactory (todas las anteriores en Costa Rica), en la That Gallery (Hong Kong, China), en dos proyectos expositivos de la Residencia Académica para Artistas Centroamericanos (RAPACES, Nicaragua), entre otras.

Róger Muñoz Rivas Estudios 2015-2017 “Qué asco la naturaleza”

Técnica mixta: grafito, lápiz de color y plumilla sobre papel, objeto encontrado (madera, látex y cartón) y objeto intervenido 2015-2017 Como un chiste en seco, su trabajo parte de interrogantes sobre la ironía, lo siniestro y la ficción. Desde lo absurdo, relaciona estos conceptos con una serie de producciones y construcciones de la cultura popular, la cotidianidad, los pastiches televisivos e Internet. La producción artística refleja lo monstruoso y la decadencia de su época y entorno. Preocupado por las consecuencias de la cultura visual, escarba en la “basura cultural” que lo rodea y genera material a partir de ello, como un intento cínico de subir la expectativa y sabotearla mediante la desilusión. Implementando la ironía y el humor como un acto agotado, coloca la relación ser humano/naturaleza en un escenario tragicómico, en el cual lo placentero se ve envestido por la anomalía, la cual puede permanecer oculta o develarse tal cual.

Estudió Artes Plásticas con énfasis en Diseño Pictórico en la Universidad de Costa Rica. En Costa Rica, ha participado en proyectos como El Tanque - Laboratorio de ideas, del Museo de Arte y Diseño Contemporáneo, la Residencia/Open Studio de C.R.A.C. art y Taller de escritura para artistas, bajo la dirección de Adrian Flores Sancho. Colectivamente ha expuesto en Despacio, Galería Terminal y TEOR/éTica; individualmente en la Alianza Francesa (Costa Rica) y en el RRD (Ciudad de México). Su trabajo se encuentra en colecciones privadas en Costa Rica y Panamá. Actualmente forma parte del programa educativo SOMA (2017-2019) en la Ciudad de México.

Mariela Richmond Silla “Sin título”, diseñada para la obra “La noche árabe”

Instalación escenográfica: tubo de hierro galvanizado lacado al calor 2016 Colección Compañía Nacional de Teatro

Se mueve entre la caja negra del teatro y el cubo blanco del museo. No comprende los límites. La mezcla que logra realizar entre las artes escénicas y las visuales define su trabajo como producto de la investigación y el análisis del cuerpo y del espacio, materializado en lo vestimentario y lo objetual. Trabaja para alguien o algo más, debido a la funcionalidad que requieren las piezas.

Estudió Artes Plásticas con énfasis en Diseño Gráfico y Enseñanza de las Artes Plásticas en la Universidad de Costa Rica y ha cursado talleres de escenografía en México, Argentina, Chile y República Checa. Además, ha realizado talleres de museografía, curaduría, dramaturgia de espacio y del vestuario, escritura performática y creación sonora, pedagogía, edición audiovisual y procesos colaborativos de artes visuales y escénicas.

La síntesis en su trabajo todavía está en construcción pues es muy fragmentario, la artista/escenógrafa/diseñadora prefiere pensar en los procesos interminables y en las fugas del pensamiento y que el lenguaje que surja, se convierta en canal poderoso de fuerzas minúsculas, como un aglomerado. Aunque usualmente se evidencia en la puesta en escena de un espectáculo, aquí se presenta su investigación como experimentación instalativa/performática de objetos que, sumados a la palabra teatral y poética, son pensados como nuevas posibilidades de activación e interacción entre el objeto y el espectador.

Formó parte en la Residencia Académica para Artistas Centroamericanos 2009 y 2010 (RAPACES, Granada, Nicaragua) y Alter Academia en TEOR/ éTica (Costa Rica). Recibió el Premio Nacional de Escenografía 2014 y ha obtenido dos veces el Primer Lugar en la muestra Bon Art Petit, realizado por la Alianza Francesa (Costa Rica). Colectivamente, ha expuesto en Costa Rica en el Museo de Arte y Diseño Contemporáneo, TEOR/éTica, Alianza Francesa, Galería Nacional, Museos del Banco Central y otros; mientras que en el extranjero ha participado en Image Factory Art Foundation (Belice), Plataforma Bogotá (Colombia) y una exposición itinerante en El Salvador, Guatemala y Nicaragua. De manera individual ha expuesto en la Casa Figueres Ferrer y en el Centro Nacional de la Ciencia y la Cultura (ambas en Costa Rica). Ha realizado diseño, gráfica y espacialidad para la escena en reconocidos espacios costarricenses, como el Teatro Expressivo, Danza Universitaria, UNA-DANZA, Compañía Nacional de Teatro, Teatro 1887 y demás.

/ Materialidad y representación / Más que conceptos o el interés por la representación, las posibilidades y la experimentación técnica ocupan el oficio de algunos artistas. Se alejan de la creación de contenidos y se enfocan en lo matérico, en las propiedades físicas de la imagen y en el estudio detallado de las metodologías. Más que el resultado t, el proceso y el lenguaje son los principales protagonistas; es el estudio de la imagen a través de la propia imagen.

Adolfo Ramírez Salas Sin título

Óleo sobre tela 2016-2017

Sin título

Óleo sobre tela 2017 La materialidad es un aspecto determinante para la pintura. Antes de ser forma o contenido, la pintura es materia, por lo tanto, narrativa por sí misma. En este caso, lo representado muestra un aparente desinterés, ya que está únicamente depositado en cómo entender el acto mismo de pintar. En su producción artística, la búsqueda de imágenes iniciales es aleatoria, pero la selección final para componer la obra es detallada y precisa; aunque es solamente un referente -nunca un modelo de copia o representación con carga simbólica- cuya única intención es ser traducida al lenguaje pictórico. La materialidad es, entonces, un detonante para configurar, sobreponer, acumular y sustraer el pigmento; para entender sus posibilidades a nivel de escala, gestualidad, textura y composición, aspectos propios de la sintaxis visual. Las líneas de investigación surgen como una necesidad de entender la pintura desde la pintura, o sea, como una práctica artística capaz de generar conocimiento desde sus propios componentes y no como una herramienta de producción de imágenes ligadas a otras aéreas del conocimiento.

Estudió Artes Plásticas con énfasis en Diseño Gráfico en la Universidad de Costa Rica y actualmente cursa la licenciatura en Diseño Pictórico en el mismo centro de estudios. Cuenta con dos exposiciones individuales, la primera titulada Homogéneo, presentada en el Centro Cultural e Histórico José Figueres Ferrer en 2013, y LITTLE PRAYER, en el Museo Regional de San Ramón en 2016. Ha expuesto de manera colectiva en el Museo Regional de San Ramón, en C.R.A.C. art., en el Museo de Arte y Diseño Contemporáneo y en la Galería Francisco Amighetti (todas en Costa Rica).

Emmanuel Zúñiga Salas Proyección

Acuarela sobre papel 2015

Sin título

Acuarela sobre papel 2015

Amarillo cadmio claro + Violeta magenta sobre Verde cobalto oscuro + Carmín permanente

Acuarela y lápiz sobre papel 2017

Verde cobalto oscuro + Carmín permanente sobre Amarillo cadmio claro + Violeta magenta

Acuarela y lápiz sobre papel 2017

Módulo cromático por complementarios

Acuarela sobre papel 2017

Módulo en gris háptico

Acuarela y lápiz sobre papel 2017

Representar no significa, necesariamente, hacer referencia de la realidad, sino realizar una operación para producir una situación específica; por lo tanto, para él, la imagen es un sistema en constante vibración que tiene la capacidad de manipular nuestros deseos y concepciones sobre el mundo. La no figuración no está divorciada del contenido, pues a través del de color, sutiles capas de pintura o formas geométricas, es posible comunicar. El adecuado uso de la técnica, el grado de transparencia en el material escogido y la temporalidad involucrada en el proceso de ejecución, son clave en su manera de producir.

Egresado del Conservatorio de Castella en Artes Plásticas. Actualmente cursa la licenciatura en Diseño Pictórico en la Universidad de Costa Rica. De manera colectiva, su obra se ha expuesto en Costa Rica en el Museo de Arte y Diseño Contemporáneo, Centro Cultural de España, Instituto Cultural de México y elCentro Cultural e Histórico José Figueres Ferrer. Recibió la Mención de honor en el “Salón Chile 2017”, organizado por la Embajada de Chile en Costa Rica y la Galería Nacional del Centro Costarricense de Ciencia y Cultura. Individualmente se ha presentadoen la Sala Poligráfica de TEOR/éTica y en La 1.1 Estudio del Museo de Arte y Diseño Contemporáneo, ambos en Costa Rica.

Pruebas de color y densidad

Acuarela, tiza blanca y lápiz sobre papel 2016 - 2017 Exploración técnica Técnica mixta: acuarela, collage, fotografía análoga, paleta, bitácora y negativos fotográficos intervenidos con rapidógrafo. Examinar las propiedades físicas de la imagen y el estudio detallado de los procesos. Observar, analizar y manipular cuidadosamente la materia con el fin de captar el sentido de la imagen, mediante un proceso metódico y ordenado, casi obsesivo.

Alejandra Ramírez Serie “A”

Óleo sobre tela 2016

Preludio sobre Lori, de la serie “B”

Óleo sobre tela 2017

Su principal interés es la producción y la búsqueda de imágenes que problematicen su configuración o tiendan a ficcionar sus contenidos, por lo tanto, a crear incertidumbre; pensado desde lo cinematográfico, lo documental y lo pictórico. Más que la obra como producto final, comprende la práctica como inacabada y el proceso como un conjunto heterogéneo de inquietudes que está en constante cambio y crecimiento. Esta producción no surge de lo antojadizo; tampoco de lo estacionario, sino de la reflexión de lo que vemos, preguntas que rozan con los intereses personales de la artista y que los vincula con los otros y con lo otro, o sea, lo ajeno nutre su discurso. Poner en evidencia a los demás es un reflejo para mostrar lo que ella no dice.

Estudió Artes Plásticas con énfasis en Diseño pictórico en la Universidad de Costa Rica, centro donde actualmente cursa la carrera de Diseño Gráfico. Ha participado en la Residencia Académica para Artistas Centroamericanos (RAPACES, Nicaragua) y en el Taller de video mapping realizado por el Instituto de Investigaciones en Arte de la Universidad de Costa Rica y el Museo de Arte y Diseño Contemporáneo. También participó en los talleres “Tocar, no dominar” y “Memorias Cuir” impartidos en el marco de la X Bienal Centroamericana en el Centro Cultural de España (Costa Rica).

Ha expuesto de manera colectiva en la Escuela de Artes Plásticas de la Universidad de Costa Rica, en la Alianza Francesa, con Membrana Colectivo en la Sala 1.1 del Museo de Arte y Diseño Contemporáneo, en el Instituto de México y en la Galería Terminal (todo lo anterior en Costa Rica). Fuera del país ha expuesto, de igual manera en colectivo, en el Estudio Abierto de la Residencia Académica para Artistas Centroamericanos (RAPACES, Nicaragua), en la Muestra Iberoamericana de estudiantes del Sexto encuentro BID, Central de Diseño (España), en el Festival del Cartel (La Habana, Cuba) y en el Centro Cultural de España (Nicaragua). Fue ganadora del Premio Inquieta Imagen 2017 en el Museo de Arte y Diseño Contemporáneo (Costa Rica), donde también realizó su primera exposición individual en La 1.1 Estudio, durante el 2018.

En 2018 ha sido seleccionada en la residencia “La última” en Despacio (Costa Rica).

/ ParaĂso tropical /

La relaciĂłn que tenemos los costarricenses con la naturaleza es uno a uno. Vivimos inmersos en una selva y procuramos que, a pesar de los avances tecnolĂłgicos y el crecimiento urbano, esa particularidad se mantenga. Poseemos el 5% de la biodiversidad mundial, por lo que el paisaje lo concebimos en una multi tonalidad de verdes y azules. La preocupaciĂłn y el asombro que han tenido los artistas por representar y conceptualizar el paisaje hilvana la historia del arte costarricense.

Wilson ilama C. Naïf

Diorama, video digital 2016-2017 El paisajismo tradicional costarricense traído a la contemporaneidad. Así puede definirse el proceso metodológico y de creación del artista, quien se interesa, sobretodo, en el paisaje entendido como concepto y fenómeno sensorial. En su trabajo el espectador resulta fundamental, pero no es ni el objetivo final ni quien rige la investigación, sino más bien es un “transeúnte ocioso y voyeurista” que se pone a prueba bajo las nociones de experiencia, realidad, cotidianidad y expectativa. Su interés entre la interacción del humano y las tecnologías autónomas transportan al espectador a paisajes idílicos, en donde la experiencia estética y el disfrute morboso desde la provocación, reflejan la comodidad del mundo occidental.

Graduado en Artes Plásticas con énfasis en Diseño Pictórico en la Universidad de Costa Rica, centro donde cursa actualmente la Enseñanza en las Artes Plásticas. También, estudia Ingeniería en Diseño Industrial en el Instituto Tecnológico de Costa Rica. En el país, ha expuesto de manera colectiva en el Centro Cultural de España (The Wrong, III New Digital Art Biennale Pabellón 52 Hertz), Museo de Arte y Diseño Contemporáneo, Escuela de Estudios Generales de la Universidad de Costa Rica, Galería Francisco Amighetti, Museo Regional de San Ramón, Centro Cultural e Histórico José Figueres Ferrer y Galería Talentum. De manera individual ha expuesto en la Facultad de Ciencias Económicas de la Universidad de Costa Rica y la Sala Poligráfica de TEOR/éTica (ambos en Costa Rica).

Sara Mata Verde Lluvioso

Fotografía digital impresa sobre papel y retablada 2017

Amarillo Amanecer

Fotografía digital impresa sobre papel y retablada 2017

Violeta Celaje

Fotografía digital impresa sobre papel y retablada 2017 Paisaje, estética artificial y construcción de nuevos imaginarios naturales. La investigación de campo la comprende desde la observación del entorno y del estudio detallado de la naturaleza. Su inquietud se basa en entender cómo se relaciona el ser humano con los diferentes elementos que conforman su hábitat; a partir de ello, analiza lo que la rodea y replantea el paisaje natural a través de un artificio casi exótico. La construcción de elementos ficticios -originados desde lo natural- resultan en la concepción de paisajes perfectos, atractivos y ornamentales, diseñados para ser disfrutados en una sociedad mercantilista. El sistema capitalista nos ha vendido la idea que podemos obtener lo que queramos, ella nos ofrece paisajes creados a la medida.

Estudió fotografía en la Universidad Véritas. En Costa Rica ha expuesto individualmente en la Sala 1.1 del Museo de Arte y Diseño Contemporáneo y de manera colectiva en Fotoveritas, en el Centro Cultural de España, Alianza Francesa, Galería Nacional, Galería Equilátero y el Museo de Arte Costarricense. También ha participado en Two Columns Gallery (Florida, EUA) y en la Feria del Millón (Baranquilla, Colombia). Formó parte de la Residencia Académica para Artistas Centroamericanos (RAPACES, Matagalpa, Nicaragua) y Alter Academia en TEOR/éTica 2017 (Costa Rica). En 2016 obtuvo el premio Young Lions Costa Rica, en la categoría Print, y en 2017 obtuvo el premio por la Categoría bidimensional en el Salón Nacional de Artes Visuales, organizado por el Museo de Arte Costarricense.

Micropaisajes II Micropaisajes III

Diana Barquero Pérez Micropaisajes II

Instalación: Petri Dish, agar Sabouraud con microorganismos, microscopio y proyección 2017

Micropaisajes III

Instalación: acrílico sobre vidrio y microscopio 2017 Transformación y afectación. Todos los seres vivos y la materia inerte son vulnerables y afectados por entes externos, produciendo cambios a veces irreversibles. Trabajando desde una noción expandida de lo pictórico, relacionándolo con el paisaje y con lo que la artista ha denominado sujeto matérico, la activación del proceso de afectación sobre este sujeto se vuelve el foco principal. Este, trasciende el concepto de conciencia y se convierte, más bien, en objeto de experimentación, el cual puede verse afectado por un cambio leve, drástico o llegar a su destrucción total, de sí mismo o de su contenedor. Mediante estas obras que se reconstituyen progresivamente, la artista enfatiza y reafirma que la materia ni se crea ni se destruye, sólo se transforma.

Cursó estudios de pintura en la Universidad de Costa Rica y actualmente cursa el master “Estrategias del espacio” en la Weisensee Kunsthochschule (Berlín, Alemania). Formó parte de la residencia artística EspIRA/ La Espora (Nicaragua), Alter-academia de TEOR/éTica 2016 (Costa Rica) y fue seleccionada para producir en los Estudios Abiertos de C.R.A.C art (Costa Rica).

De manera colectiva ha expuesto en Costa Rica en el Museo de Arte y Diseño Contemporáneo, Centro Cultural de España, Galería Equilátero, TEOR/éTica y Museo Calderón Guardia. También, en la Novena Bienal de Artes Visuales del Istmo Centroamericano (Guatemala), en la Bienal Internacional de Artes Visuales Universitarias (UAEM, Toluca, México), Tercera muestra internacional del libro arte (Palo Alto, California, EUA), Museo de Arte Moderno Carlos Mérida (Guatemala) y otras más. Cuenta con cinco exposiciones individuales en Costa Rica, en El Tanque - Laboratorio de ideas del Museo de Arte y Diseño Contemporáneo, Galería Equiláterio, Teatro Nacional, Centro Cultural de España y Centro Cultural e Histórico José Figueres Ferrer.

Sergio Rojas Chaves Cómo mirar a un rey (de la serie LagoLeón)

Videoinstalación: impresión digital sobre papel, estatuas de concreto, armadura de madera y zinc Video HD 2:25 minutos 2017 ¿Hasta dónde llegan los límites de un territorio? ¿Estamos realmente definidos por ellos? ¿El supuesto poder que tenemos por sobre los demás individuos y las demás especies nos hace superiores? ¿Está nuestra identidad delimitada meramente por la supuesta superioridad biológica? El antropocentrismo es el eje que da vida a sus propuestas, o sea, la percepción del ser humano como centro absoluto de todos los sistemas biológicos. Con esta base, investiga y se cuestiona sobre la pertenencia del ser humano en la tierra y cómo se construyen conceptos como territorio, identidad, domesticación y pertenencia basados en la individualidad.

Estudió artes visuales en la Universidad de Victoria (Canadá) y posee estudios parciales de arquitectura en la Universidad de Costa Rica. Ha expuesto de manera individual en la Alianza Francesa y en El Tanque - Laboratorio de ideas del Museo de Arte y Diseño Contemporáneo (ambos en Costa Rica), en Dc3 Art Projects (Edmonton, Canadá) y en Open Space, (Victoria, Canadá). Colectivamente ha participado en proyectos con Xchanges Gallery & Studios (Victoria, Canadá), en el Archivo Abierto de la Fundación YAXS (Ciudad de Guatemala) y en la X Bienal Centroamericana (sede Limón, Costa Rica). Participó en la residencia Karaoke todos los días y en el Festival de Performance de Despacio y en la residencia Alter Academia 2017 en TEOR/éTica (Costa Rica).

/ Una Costa Rica linda / Las luchas sociales por la igualdad y el progreso han ido de la mano en la historia del país. Las garantías sociales fueron adquiridas gracias a las disputas de panaderos y zapateros con el fin de tener mejores condiciones laborales. Hoy, los problemas que afectan a los ciudadanos se relacionan con las reformas de comprender la justicia y los derechos universales. Si queremos vivir en un estadio de “felicidad y paz” como sugiere el estereotipo que nos hemos ganado, debemos comprender la diversidad desde la inclusión, la aceptación y el respeto.

Andy Retana American Standard

Transferencia sobre porcelana comercial reutilizada y lustre de oro 2017 Señalar las injusticias. Cuestionar la moral. Desmitificar lo utópico de la sociedad actual.

Estudió Artes Plásticas con énfasis en Diseño Escultórico y en Diseño Cerámico en la Universidad de Costa Rica. Participó como artista en residencia en la Stonehaus Architectural Ceramics (Pensacola, Florida, EUA) y cursó el módulo Marketing para el artista por el Node Center for Curatorial Studies (Berlín, Alemania). En Costa Rica ha participado en exposiciones colectivas en la Galería Nacional, el Centro de Conservación del Patrimonio Cultural, Museo Regional de San Ramón, Museo de Arte y Diseño Contemporáneo, Museo de Arte Costarricense, Museo Calderón Guardia, Museos del Banco Central de Costa Rica, Centro Cultural de España y en la Galería de Artes Plásticas de la Universidad de Costa Rica.

El artista pertenece a una generación que migró hacia Estados Unidos en los años 90 buscando el sueño americano, hecho que ha marcado su perspectiva de mundo. Entiende la realidad desde una óptica autobiográfica, carece de una arraigada identidad costarricense, pero tampoco se aferra a la estadounidense que lo vio crecer. Los vínculos familiares son los que enlazan su pasado y dan sentido al presente. Así, impulsado por sus propias condiciones y experiencias relacionadas a la migración e identidad sexual, pretende plasmar la voz de una generación inconforme que busca una sociedad más justa, y que al mismo tiempo trata de desmantelar los mitos sobre una CosHa realizado talleres de arte comunitario desde 2010 ta Rica utópica. A través de artquetipos masculinos hasta la fecha en diversas zonas de Costa Rica. En de dos contextos cercanos para él, se proyecta su 2015 obtuvo el Primer lugar en la Trienal Nacional de identidad y crítica los enfoques impuestos al género. Cerámica, exhibida en el Museo Calderón Guardia y en 2017 obtuvo una mención en Inquieta Imagen, organizada por el Museo de Arte y Diseño Contemporáneo. En 2018 ha sido seleccionado en la residencia “La última” en Despacio (Costa Rica).

Marton Robinson Black Star Line

Videoinstalación Rótulo colección Asociación Universal de Desarrollo Negro y Liga de Comunidades Africanas (UNIA) 2017 ¿Qué significa ser costarricense? ¿Cómo se construye un imaginario nacional? ¿Puede existir más de uno? Negritud, identidad y nacionalismo son los conceptos que evidencian su producción. El artista es descendiente de segunda generación de jamaicanos emigrantes a Costa Rica, por lo que carga con un peso histórico familiar en el cual la discriminación, experiencia y falso exotismo son variables constantes. Por ello, concibe su trabajo como parte de su vivencia diaria, se nutre de todo aquello que le sucede y a partir de ello crea nuevos significados que cuestionan sobre la identidad y la experiencia de la diáspora. Mediante su obra intenta crear plataformas que permitan el diálogo y la inclusión, con la intención de fragmentar modelos de exclusión institucionalizados. Él, es el otro.

Graduado en Ciencias del Movimiento Humano, y Arte y Comunicación Visual de la Universidad Nacional de Costa Rica; actualmente cursa el Master in Fine Arts en la University of Southern California (EUA). Formó parte de la residencia Alter Academia 2016 en TEOR/ éTica (Costa Rica). En Costa Rica ha expuesto colectivamente en el Museo de Arte Costarricense, Museo de Arte y Diseño Contemporáneo, Despacio, TEOR/éTica y Terminal. También, en Tufts University Art Gallery (Massachusetts, EUA), California Lutheran University (California, EUA), 15th Annual Regent Park Film Festival (Toronto, Canada), The New Wight Gallery (UCLA, California, EUA), Artesur (Paris, Francia), Harold M. Williams Auditorium, The Getty Center (California, EUA) y otros. Individualmente, se presentó en la Sala Poligráfica de TEO/éTica. En 2015 obtuvo una mención en Inquieta Imagen, organizada por el Museo de Arte y Diseño Contemporáneo.

Mariela Richmond Alarma “Sin título”, diseñada para la obra “Desaire de elevadores” Instalación escenográfica: lámina de hierro galvanizado lacado al calor y dispositivo lumínico 2015 Colaboración de Joan Villaperros Colección Compañía Nacional de Teatro

RĂłger MuĂąoz Rivas En el nombre de los vegetales

Video digital 2:04 minutos 2017

Andrés Gudiño Sin título

Técnica mixta: óleo sobre tela y carboncillo sobre papel Video digital 2:10 minutos 2017 Provocar, cuestionar y generar diálogo son los intereses principales del artista, quien expone desde el hedonismo y la perversión reprimida la temática de la sexualidad desde una perspectiva ominosa, o sea, de aquello que nos llama la atención y nos causa curiosidad pero que no somos capaces de hablar. ¿Morbo? ¿Moral? ¿Apariencias? La identidad sexual es una construcción impuesta y mediada por las relaciones de poder; sin embargo, el juego que se crea entre obra y público pretende abrir un espacio para la duda. El espectador se enfrenta al hedonismo del artista en un juego de falsa inocencia. A través de figuras extrañas -amorfas y antropomorfaseste puede darse a la tarea de interpretar y reflexionar sobre los discursos que nos han impuesto, marginando y discriminando a minorías; en muchos casos, promovidos por la política y la educación excluyente.

Graduado de Artes Plásticas con énfasis en Diseño Pictórico en la Universidad de Costa Rica, posee estudios en arquitectura por el mismo centro de estudios. Ha expuesto de manera colectiva en el Museo de Arte y Diseño Contemporáneo, Galería Francisco Amighetti, Galería Terminal y Centro Cultural e Histórico José Figueres Ferrer (Costa Rica). Individualmente se presentó en la Sala 1.1 del Museo de Arte y Diseño Contemporáneo. Participó en la residencia Alter Academia 2017 en TEOR/éTica y en el Festival de Performance en Despacio (Costa Rica).

Pamela Hernández ¿Qué es la felicidad?

Proyecto de investigación sobre la felicidad en la población del Gran Área Metropolitana de Costa Rica. Etapa 1 - Instalación: proceso estadístico y dibujo sobre papel 2016-2017 Colaboración del Dr. Mauricio Molina, Catedrático en la Escuela de Filosofía de la Universidad de Costa Rica Entender los objetos como reflejo de los afectos concebidos de forma tangible, representaciones de la supervivencia en la sociedad, expresiones de las emociones y formas de comunicación que pueden quedar plasmadas en el tiempo y en la memoria. Los objetos son reflejo de quienes somos. Su trabajo se centra en la recolección, excavación, acumulación y colección de objetos propios y ajenos, testimonios de encuentros, ideas, pensamientos y recuerdos plasmados en algún soporte. Esta “antropología afectiva” demuestra que los seres humanos desarrollamos nuestra personalidad basada en la genética, la crianza y en las circunstancias que nos suceden como individuos, aspectos que la artista interpreta y transforma para cuestionarse qué es la felicidad, cómo construimos los imaginarios de bienestar y cómo se puede erigir la identidad de una región.

Realizó la Estancia para la Cración Artística (AMEXCID, CENART y Fundación para las Letras Mexicanas) en la UNAM, Escuela Nacional de Artes Plásticas, Academia San Carlos (México). De manera colectiva ha expuesto Costa Rica en el Museo de Arte y Diseño Contemporáneo, Galería Roberto Sasso, Museo Nacional, Galería Equilátero, TEOR/éTica, Valoarte y Galería Nacional, así como en la Galería ATEA (Ciudad de México). Individualmente se ha presentado en C.R.A.C. art y en la Sala 1.1 del Museo de Arte y Diseño Contemporáneo (Costa Rica).

/ MADConversa con artistas /

Discusiones con Darío Escobar (Guatemala) Se trabajó a partir de interrogantes sobre la profesión del arte, con el objetivo de ampliar el panorama de artistas que están empezando su producción y se acercan tímidamente al mercado voraz del arte. Posteriormente se hizo un recorrido por la exposición y cada artista tuvo la oportunidad de comentar su obra y recibir retroalimentación de Escobar, uno de los personajes del mundo del arte latinoamericano contemporáneo más trascendentes. Discusiones con Éder Castillo (México)

Conversatorio “Una Costa Rica linda: comunicación mediática y hegemonías del poder” Ponentes: Anna Matteucci Wo Ching, Andy Retana y Eduardo Ulibarri La conversación tuvo como partida la polémica en la escogencia de los temas que abordan los artistas contemporáneos, cómo manejan la relación con los medios y cómo afecta esto a la exposición de la obra en espacios museales. Moderador de las actividades: Daniel Soto Morúa.

Se entabló una conversación entre los artistas participantes y el artista, curador e investigador mexicano, sobre su proceso artístico y visualización a futuro en el mundo del arte. Castillo es autodidacta y se ha enfocado en la investigación sociocultural y el arte en espacios públicos. Su interés por diversas disciplinas como la arquitectura, las nuevas tecnologías y la antropología lo ha llevado a desarrollarse profesionalmente en el campo de la curaduría, la docencia y la gestión cultural. En una conversación uno a uno compartió sus experiencias. Conversatorio “Paraíso tropical: más de un siglo de representación” Ponentes: Sara Mara, Sergio Rojas Chaves y Efraín Hernández Se enfocó en el paisaje como uno de los temas centrales en la historia del arte costarricense. También, se abordó el aspecto de cómo el MADC ha ofrecido espacios expositivos a artistas de diversas generaciones para apoyarlos en su producción.

Conversatorio “Ficción de contenidos y materialidad en la obra contemporánea” Ponentes: Adolfo Ramírez, Alejandra Ramírez y Adrian Flores Sancho La discusión giró en torno al trabajo y quehacer del artista contemporáneo, su enfoque hacia la producción y la comunicación del mensaje hacia los públicos.

JUNTA ADMINISTRATIVA MADC 2017: Presidenta: Sylvie Durán | Vicepresidenta: Karina Salguero Moya | Secretaria: Loida Pretiz | Vocal 1: Jurgen Ureña | Vocal 2: María José Chavarría. JUNTA NACIONAL DE CURADORES: Eunice Báez, Adriana Collado-Chaves, María José Chavarría,

Rolando Barahona-Sotela, Fernando Ramírez, Marta Rosa Cardoso, María José Monge, Fiorella Resenterra, Daniel Soto Morúa y Diego Van der Laat.

JUNTA FUNDACIÓN PRO MADC 2017: Presidenta: Karina Salguero Moya | Secretaria: Adriana Gómez | Tesorera: Gisela Salazar | Vocal 1: Jurgen Ureña | Vocal 2: Diego Van der Laat. CRÉDITOS DE ESTA PUBLICACIÓN: Curaduría del catálogo: Daniel Soto Morúa | Texto de presentación: Fiorella Resenterra | Textos: Fiorella Resenterra y Daniel Soto Morúa | Diseño gráfico: Adriana Artavia | Fotografía: Adriana Artavia, Priscilla Carranza y Diego Lee. AGRADECIMIENTOS: A los 16 artistas por su motivación y compromiso con la exposición. A Robert

Rodríguez por sus recomendaciones. A Teodoro Symes, Winston Norman y Laura Hall de la Asociación Universal de Desarrollo Negro y Liga de Comunidades Africanas (UNIA) porque su ayuda fue fundamental para la producción de la obra de Marton Robinson. A Darío Escobar por viajar desde Guatemala para trabajar con los artistas. A Eder Castillo por dedicar el tiempo de taller con los artistas. A Efraín Hernández, Adrian Flores y Eduardo Ulibarri por conversar y debatir con nosotros. A los acontecimientos del siglo XX y del XXI por dar pie a los contenidos de esta exposición.

MUSEO DE ARTE Y DISEÑO CONTEMPORÁNEO. Ministerio de Cultura y Juventud. Ubicado en el Centro Nacional de Cultura. Avenida 3, calles 11 y 15, San José, Costa Rica. info@madc.cr | www.madc.cr | Teléfonos (506) 22579370, (506) 22223489. Fax (506) 22578702, TODOS LOS DERECHOS RESERVADOS MADC 2017.