IRREVERSIBLE - AGOSTO 2015 by Ines Betania Diaz Nuñez

Deposito Legal cb-5237776541 -Año 2015. -Edición N° 8. 550 Bsf

INÉS DÍAZ PABLO IRANZO ¿TINTA DE VINO? CARTELES DE DIEGO LA IMPRENTA DEL FUTURO

SIGFREDO CHACÓN MAIKOL DE SOUSA RUBEN MORENO PABLO IRANZO DIEGO BERMUDEZ DISEÑO GRÁFICO EN ECUADOR GUILLERMO ALARCÓN IMPRESIÓN EN 4D INÉS DÍAZ EBER CAJAL RENATO ARANDA TINTA DE VI

Directora. Ninoska Torres. Diseño Editorial: Inés Díaz Mérida – Venezuela Agosto 2015

Bosquejo es una editorial que está dedicada principalmente al Diseño Gráfico en América Latina, donde se busca expandir el conocimiento de nuestros lectores en cuanto a lo que está en boga en nuestro continente en el área de diseño. En esta edición vamos a presentar varios perfiles de diferentes Diseñadores Latinos, aparte de eso estaremos hablando del Diseño Gráfico en Ecuador con diferentes de sus exponentes.

ej Bosqu

Estudio arte puro en la Escuela Cristóbal Rojas (1963-1966), de la que se retira por desacuerdos con los principios de enseñanza que predominaban en esa institución. Entre 1966 y 1970 realiza estu dios en el Instituto Neumann, de donde egresa como diseñador gráfico. En 1971, en compañía de Ibrahim Nebreda y Willian Stone, desarrolla la instalación denominada El autobús, prematuro evento en que delataba sus aspiraciones vanguard istas, colocando un viejo autobús como centro de una experiencia estética en la que se mezclaba toda suerte de materiales, además de un estruendoso radiorreceptor para proporcionar y delatar una atmósfera de la brutal realidad que por esos años empezaba a revelar el creciente desarrollo del país. Estudia diseño tipográfico en el London College of Printing. A su llegada al país en 1975, se encarga de la ejecución de todo el aspecto gráfico para el III FITC. En 1976 es designado por el MBA como responsable de su departamento de diseño y, al año siguiente, ingresa como profesor en el Instituto Neumann. En ese mismo año forma parte, con Santiago Pol, Gerd Leufert, Álvaro Sotillo y Nedo M.F., del equipo que realiza todas las estampillas emitidas en el país. Entre 1972 y 1989, salvo por la aplicación en el dibujo de una estética conceptual en donde juega con problemas de percepción y que exhibió en “Actualidad del dibujo en Venezuela”

Sigfredo Chacón detiene su actividad expositiva dedicándose por entero al diseño gráfico. Por esta época su notoriedad lo lleva a ubicarse entre los mejores diseñadores gráficos del país A partir de la segunda mitad de los ochenta, en el momento en que se da la llamada "ruptura estética de la vanguar dia venezolana" y que Milagros Bello califica de "década heteróclita, que mezcla lo pictórico y lo extrapictórico, de replanteamiento y préstamos de los programáticos de las vanguardias" Sigfredo Chacón prepara una serie de dibujos y pinturas (realizadas de 1984 a 1987) que exhibe en la Sala RG en 1989: 25 trabajos sobre papel en mediano formato y 25 trabajos sobre tela en gran formato.

Do you copy? Sigfredo Chacón 2009

Utilizando materiales no convencionales, como el esmalte industrial y el asfalto combinados con la encáustica, el pastel y el acrílico, hablan de la impor tancia que representa la exaltación del material por parte del artista. En estos trabajos, Chacón traza y demarca una línea enérgica que delimita y a la vez rebasa el plano; esta línea no permanece sola, sino que es cruzada, difuminada, intervenida y hasta transparentada por la adición de diversos matices en donde se nota la preferencia por una amplia escala de grises, que naciendo del fondo pasan a ocupar un primer plano. . La línea, como un gesto radical, se define pura, simple y primaria en consonancia con los procedimientos de diseñador gráfico.

Do you copy? Sigfredo Chacón 2009

Como señala Lourdes B. Extremados en sus posibi lidades durante su segunda exposición en la Sala RG en 1990. En el catálogo de la exposición, Vicente Lecuna manifiesta: "Chacón propone un mapa; cartografía que asume escasos rudimentos para su representación: planos y líneas, herramien tas más que maquinarias, metodologías más que resultados, materiales más que construcciones. Se puede decir que estas exposiciones representan un hito en su segunda etapa, lo cual también se observó en la exposición colectiva "Nueva pintura abstracta: ocho plan teamientos" (Sala RG, 1990) y en el Salón de Pintura 50 Aniversario del BCV (1990), donde recibe el gran premio de pintura. Durante los primeros años de la década de los noventa algunas de sus propuestas serán el espacio como elemento, la nada como forma y el espacio como concepto visual que no se eterniza en un estilo, sino que se metamorfosea constantemente profundizando en sus posibilidades. El carácter expresivo de sus obras están en la acumulación de capas pictóricas que evidencian su proceso de construcción e inspiración" (1991).

Do you copy? Es una obra que se encuentra celosamente resguar dada por un perro labrador y que utiliza franjas amarillas "tráfico" y negras. Colores no solamente característicos de las señales de precaución, sino que también son los tonos de piel de la minúscula rana punta de flecha, animal que posee el veneno más potente del mundo. Él solamente se ríe de las similitudes.

Do you copy? Sigfredo Chacón 2009

Incluso hasta se apena por la lectura de una obra que busca ser una copia de sí mismo. ¿O lo es? Sólo Chacón lo sabe y lo presenta en la muestra Do you Copy? "Son varias ideas reunidas, mez cladas. Se trata de revelar la fuente. ¿Qué es original y qué es copia? Y no solamente en cuanto a obra sino también a las influen cias. En el arte un artista sigue el camino de otro implementado a veces diferentes técnicas.

Do you copy? Sigfredo Chacón 2009

Y eso es algo que no se puede negar. Con estas piezas trabajo la obra original y luego la calco. De allí partió todo: cuestionar de dónde parte. ¿O es que las copias se convierten en original y las originales en copia? ¡Es una contradicción!", dice el artista. La exposición que se presenta en Periférico Caracas/Arte Contemporáneo cuenta con la copia de obras realizadas en los años noventa por el artista: pinturas collages-acrílicos, plantillas de calco e instalaciones. Pero entre ellas deambulan las goteras de Jackson Pollock. Los movimientos de su cuerpo al lanzar la pintura sobre tela. Allí está él, repetido una y otra vez. "Es una disección de la idea de la abstracción. Por eso pensé en Pollock como símbolo de lo que es el arte abstracto a nivel social. Su símbolo es importante, por eso me pregunté cómo sería una Pollock en acuarela, cómo hubiera sido uno en grafito.

Entonces salieron las telas de Do you copy? La primera la hice en 1995", dice Chacón y define la muestra como didáctica, creada para los jóvenes. Apesar de que la exposición mira hacia el cuestio namiento sobre la originalidad, el artista afirma que las obras no son una copia "sino una idea con otra solución" que repite una y otra vez para cerrar este ciclo. En ellas él sólo advierte la importancia de repeticiones pero bajo el manto crítico consciente. "Cada vez que se hace la obra siempre hay varia ciones en ella. Repito la obra para que la contradic ción de la obra se hiciera más evidente. Es como reiterar que ella no es la original. Son ideas que se mezclan que en el fondo son una sola cosa: obra".

Además, Chacón presenta la serie Emotional Painting. A ellas las define como: "esquemas racio nales geométricos que son contrastados con trozos libres expresionistas". "Ahora se duda más sobre el origen de las cosas. Pero esto se trata simplemente de revelar la fuente y hacerla presente. Allí está el original, pero quiero que el espectador se pregunte: Do you copy? Que la pregunta se man tenga viva y presente. Yo simplemente veo la pintu ra como principio y fin. He tratado de extraer de ella lo máximo", dice Chacón.

1990 Gran premio de pintura, Salón de Pin tura 50 Aniversario del BCV. 1992 Mención de honor, obra bidimensio nal, III Bienal de Guayana. 1994 Premio de obra bidimensional, Mención honor IV Bienal de Guayana. Do you copy? Sigfredo Chacón 2009

Maikol de Sousa

“La new school del diseño gráfico” Maikol de Sousa a.k.a Borneo Modofoker. Venezolano nacido en la ciudad de caracas es la new old school del diseño gráfico, la ilustración y el street art. Es un joven caraqueño que desde niño siempre le llamó la atención el diseño gráfico y poco a poco su estilo gráfico ha ido evolucionando involucrándose con categorías como Wall Design, Street Art, Toy Design, T-shirt Design y Tipográfi co entre otras. Este muchacho también es parte del team FXN que expuso en el Centro Cultural de Burlanda en España junto al señor Art3sano , y ha dado su talento gráfico a grupos de la movida como son Sucios Brothers, Jinko Biloba y Vokodek Music por nombrar algunos. Es la representación de querer super arse día a día y sobresalir en un medio en el que constantemente surgen nuevos talentos. Su conex ión con las raíces del graffiti, el aprendizaje académico y la experi encia reflejan lo mejor de la vieja escuela en cada una de sus obras. Se recibió como diseñador gráfico en venezuela y desde 2008 inició su proyección como artista urbano logrando parti cipación y reconocimiento en distintos medios a nivel nacional e internacional. Luego de su trabajo como director de arte en ogilvy venezuela, Borneo dejó su zona de confort para lanzarse a una nueva experiencia al sur del continente. Llegó a buenos aires a principios del 2010 enbúsquedaa de nuevos conocimientos. El trabajo constante y el aprendizaje con cada una de sus obras, le permitió convertirse en un artista reconocido.

Desde entonces, su carrera profesional ha evolucionado y le ha permitido trabajar con varias marcas reconocidas, como Puma, Converse, Coca-Cola, Orbital, Edding, Movistar, entre otras. Su creación más conocida son las famosas barbas, personajes con los cuales se identifica y con los que ha llegado hasta el museo de La Gaîté Lyrique en PARIS. Actualmente Borneo sigue en la búsqueda de nuevos estilos y nuevos recursos con los cuales hacer intervenciones y plasmar sus obras.

A su vez, complementa su vida de artista trabajando como director de arte en una agencia de publicidad digital, donde también ha tenido reconocimientos por su trabajo original. Su lema: No Competecia, Solo Estilo. El último reconocimiento que obtuvo Maikol fue el segundo lugar en el concurso nacional “un cartel por la diversidad cultural” organizado por el Ministerio de la Cultural junto al Instituto de las Artes de la Imagen y el Espacio. Ha tenido participación en diferentes eventos nacionales e internacionales, entre ellos: concurso nacional de poster (Aprecio a la Diversidad Cultural) realizado en Venezuela en el Museo Carlos Cruz Diez obteniendo el 2do lugar, entre otros eventos. En Argentina, Borneo ha sido destacado con la invitación a participar en el Puma Urban Art Bs.As 2010. Meses después, participa en el KONEX Bs.As donde logra pintar junto a Jeremyville.

También fue invitado a Dictar taller de Character Design en la Universidad de Palermo Bs.As, y recibe la invitación para participar en el evento de Street Arte BA, Bs.As. Actualmente es miembro del equipo de productores de Pinta-Pintar (evento de música, street art y multimedia) en Bs. As. Aquí en Venezuela participo en el Concurso Nacional de Poster, realizado en el Museo Carlos Cruz Diez obteniendo el segundo lugar. Internacionalmente, primer lugar en la categoría War Character Design realizada en La Casa de la Cultura en Burlada España. Borneo es un vivo ejemplo del estilo artístico y profesionalismo en el diseño bien customizado. Otro de los reconocimientos que obtuvo Maikol fue el segundo lugar en el concurso nacional “un cartel por la diversidad cultural” orga nizado por el Ministerio de la Cultural junto al Instituto de las Artes de la Imagen y el Espacio.

Arte sobre Cartón. Serie-Animales

Barbas 2015 Barbas 2015 forma parte de nuevos ejercicios que vengo desarrollando y nada mejor que ir a la calle y recuperar un espacio ya deteriorado, una buena oportunidad de regalar un poco de color y originalidad a la ciudad.

Barbas en Belgrano Barbas en Belgrano, viene a recuperar un viejo espacio en la ciudad de buenos Aires, esta pieza esta ubicada en el barrio de Belgrano y fue realizada con pintura Latex y Aerosol.

90’s Style Art Estilo fresco, los 90′s fue una década de individualidad donde el manejo del color era clave, permitiendo a los hom bres usar colores vivos en sus prendas de una manera que no se veía antes. El secreto de esta tendencia demostra ba claramente el estilo de vida que llevaba cada persona, algo en particu lar de esta época fue ponerse colores que no combinaran tales como Rosa y celeste, verde y naranja, estos estaban entre las posibles combinaciones que lucían extremadamente modernas. Cantantes como The Fresh Prince, o Left Eye de TLC impulsaron el uso de colores brillantes durante esta época y es así como basados en todas estas referencias proveniente de los años 90´s doy origen a esta serie titulada “90´Style”

Ruben Moreno

Actualmente se concentra en la dirección del estudio grangris, además de desempeñarse como docente de la cátedra de Infografía en el Instituto de Diseño Darias, labor que ha ejercido durante los últimos 7 años. También es conferencista, facilitador de talleres y libre ejecutor del bello oficio de la Comunicación Visual.

Tipnis

¿QUÉ ES GRANGRIS? La experiencia lo ha llevado a compartir el desarrollo de múltiples proyectos de comu nicación visual en los cuales ha participado desde la generación y reformulación conceptual hasta la aplicación en los medios publicitarios necesarios. Acompañamos a quienes acuden a nosotros desde el proce so creativo, enten demos nuestra labor de servicio y lo aceptamos con compromiso. En grangris procuran generar amigos y relaciones que perduran en torno al diseño gracias a la maravillosa forma que tiene esta disciplina de interactuar con el mundo.

Es fundamental que el diseño gráfico comunique, especialmente el cartel, porque es la pieza con la que el diseñador gráfico puede jugar con el mayor número de herramientas ilustrativas, pero tiene que comunicar. El diseño comunica, y funcio na. Sino comunica no es diseño, es arte. Esta es una de las opiniones personales que tiene este gran diseñador en cuanto a sus diferentes carteles, a continuación hablare mos de los más destacados.

Walls Down: Cartel de promoción de las

virtudes que confrontan a la segregación social, evento organizado por la Universidad San Ignacio de Loyola en Lima, Perú por la invitación de Walls down 2011: 5th international poster exhibition 2011

La Constitución

Marcus Vinícius da Cruz de Melo Morais:

Invitacion personal realizada por La Bienal del Cartel de Bolivia BICeBé® y Diseñadores gráficos Bolivia®, para la creación de un cartel en homenaje a Marcus Vinícius da Cruz de Melo Morais, en el marco de La Paz FestiJazz Internacioal, conmemorando el centenario de su natalicio con una importante exhibición de carteles de diseñadores bolivianos y latinoamericanos.

Rey de Balas

Marcus Vinícius da Cruz da Melo

Rey Rey de de Balas: Balas: Cartel Cartel de de Protesta Protesta Social, Social,

sobre sobre la la elección elección de de la la violencia violencia por por vía vía democrática, democrática, Publicado Publicado en en espacios espacios urbanos urbanos en en diferentes diferentes espacios espacios de de lationoamerica. lationoamerica.

Ana Ana Frank Frank yy el el Tiempo: Tiempo: Tributo Tributo aa Ana Ana

Frank Frank en en la la convocatoria convocatoria para para un un exhibición exhibición en en conmemoración conmemoración del del holocausto. holocausto.

Tipnis: Invitación de los amigos de Bolivia para colaborar en la protesta en contra de la deforestacion del tipnis.

La lengua que somos, FILUC 2011:

Cartel seleccionado en el concurso para uso como imagen y promoción de la 12va Feria Internacional del Libro, Universidad de Carabobo, Venezuela 2011. Cartel seleccio nado para la 12va Edición de Bienal Interna cional del cartel en México, México 2012. Cartel seleccionado para Lahti Poster Trienal 19th International Poster Exhibition in Finland 2014

Señales de Evolución: Cartel invitacional

para la celebración de los 15 años del Instituto de Diseño Darias, entorno a la muestra de Señales de Evolución, donde se aborda el tema del progreso (o no) del hombre y sus sircunstancias a través del cartel. La Lengua que Somos

Señales de Evolución

PABLO IRANZO

Si calculo demasiado como se verá algo que hago, me enfrío y dejo de disfrutarlo

Venezolano nacido en Mérida y criado en Barquisime to, se mudó a Caracas hace 15 años con el fin de formarse como Diseñador Gráfico. Pablo es artista, ilustrador y Comunicador Visual freelance con traba jo sobresaliente en las áreas de diseño, ilustración, fotografía y motion graphics. Su humor negro: Lo heredó de su padre, quien también es artista. Ese afán por dibujar como loco es algo que empezó a desarrollar a los 7 años aproxima damente. Pablo se motiva muchísimo por cosas grotescas o como él menciona “algo de humor negro”. Brotesde Inspiración: Cuando trabaja en animación le gusta usar cosas muy espontaneas. No pasa por desapercibido ni un simple elemento: le saca provecho a todo. Cuenta no tener inspiración alguna, dibuja dándole rienda suelta a cosas que no tienen un por qué. El sólo hecho de dibujar sin un fin o para solucionar algo, únicamente por el disfrute de hacerlo y que a las personas les guste, es para él inspiracional. Cine: El séptimo arte es algo que vemos que también está presente en varias trabajos de Pablo Irazo. De hecho podría considerarse como otra de sus pasiones como se evidencia al revisar las páginas de su tumblr.

Freddy- Serie Vomitos Epícos

¿Qué ha hecho en este campo? Desde la intervención de afiches originales del séptimo arte, creación de post ers para films ficticios y hasta la elaboración de un trabajo que él llamó Diario de cine 1992-2011 y que merece la pena revisar. Compañías + Grupos de Rock + Murales: Además de sus trabajos fotográficos e ilustraciones Pablo ha trabajado para varias compañías importantes de diseño en la ciudad de Caracas, Venezuela, incluyendo Totuma Comunicaciones. También ha realizado posters, flyers, CD´s, cancioneros y franelas para la banda de indie-rock Venezolana la Vida Boheme. Pablo temerario: No se describe como un fanático del orden ni por las cosas que van por lo seguro, para él siempre hay que ser arriesgado y explorar.

Botanical Power

A partir del 2008 se iniciaría una alianza con La Vida Boheme de encontrar un artista que desarrollara la imagen gráfica de la banda, All Of The Above propiciaría esta unión que no se limitaría en el diseño del arte de un disco o un par de flyers, sino que llegaría al punto de definir la experiencia de ir a un show de La Vida. “Todo apuntaba exponer las manchas de pintura como evidencia de un crimen sanguinario… Luego fue creciendo ese monstruo que era más tímido antes y ahora marca la imagen de los conciertos.” Recientemente Pablo Iranzo estuvo a cargo de la dirección artística del cortometraje en 3D Hoy No se Hace Pastel de Chucho.

Al observar el grueso de la obra de Pablo Iranzo se hace evidente por qué el artista habla de la espontaneidad y el accidente como la única constante en su obra. “No los puedo dejar afuera. Si calculo demasiado como se verá algo que hago, me enfrío y dejo de disfrutarlo.” Desde el año 2001, cuando culminó sus estudios en comunicación visual, la carrera de Pablo ha sido un baile entre el diseño, ilustración y los motion graphics, explorando una gama importante de técnicas y acercamientos estéticos que hablan de la idiosincrasia de su trabajo.

IRANZO DICE Tu trabajo tiene muchas manifestaciones, ¿Tienes alguna que sea tu favorita? ¿Porqué? Realmente no tengo ninguna favorita, ya que en todas he encontrado oportunidades de expresarme y diver tirme, y ninguna abarca todo lo que me gusta a la vez, pero evidentemente la ilustración se ha convertido en mi casa predilecta porque maneja factores que respon den a menos presión corporativa. De todas formas, animar, diseñar e ilustrar, cada una tiene su resultado satisfactorio cuando te gusta el proyecto. Todos sabemos que la imagen de La Vida Boheme es uno de sus caballos de batalla ¿Cómo ha sido la experiencia de trabajar con ellos? He estado diseñando y conceptualizando la imagen de los discos y elementos gráficos con los que se presenta la banda desde el 2009, y, al igual que sus canciones, ha sido un proceso de reinventarse y sacarle todo el jugo al lenguaje de cada disco. Lo que más he disfrutado de trabajar con ellos, además de formar parte de este increíble movimiento musical, ha sido la libertad de explorar lenguajes gráficos que cruzan el arte y el diseño, y por supuesto, la difusión que ha tenido este trabajo a través de las redes sociales.

Cuadro

¿A mano o digital? Digital es a mano también, pero de ambas maneras, los resultados pueden ser igual de fantásticos. A mano tienes el control total sobre el trazo y la ventaja de la espontaneidad de la mancha. En digital tienes el uso del color y la luz de una manera imbatible. Disfruto muchísimo el encuentro de ambos. Me intriga y emociona cada vez que esca neo algo hecho en tinta o pintado y lo abro en pho toshop, ahí es cuando empieza a tomar otra vida. Para ti, ¿Cuál es la diferencia entre arte e ilustración?

Show

La ilustración puede ser una plataforma del arte. El arte utiliza cualquier medio para ser expresado, incluso una frase puede ser artística. Creo que lo que sucede es que se suele definir arte como aquello que termina guinda do en un marco en una galería, y la ilustración viene con un estigma de estar más cerca de “muñequitos” que de manifestación artística. Pero ¿Porqué no puedo decir que un cuadro de Miró es ilustrado? ¿Porque utilizó óleo y no acrílico? ¿Por qué está enmarcado? ¿Por sus medidas? Es como decir que una película de ciencia ficción sólo pertenece al género porque en ella aparecen naves espaciales. No me interesan los géneros ni las etiquetas. Me interesa lo que te transmite una imagen.

Sabemos que los prints que están disponibles en nuestro site son de una exposición llamada “Del Cuarto Bajo Llave” Cuéntanos sobre ella, sobre sus personajes. Esa expo fue como mi salida del closet como artista. No significa que ahora sea artista solo dedicado a mis obras, pero fue un paso para sacar a la luz y llevar a un sitio mas interesante y “serio” mis trabajos personales. Fue dar el paso de llevar mis ilustraciones pequeñas a un formato mayor. Un proceso más difícil de lo que parece (cubrir un formato no se trata sólo de ilustrar grande), porque me costó sentirme cómodo pintando en tamaño pliego. No tenía un concepto más allá de que fuesen personajes, cada uno de un mundo propio peor compartiendo similitudes gráficas. Creo que expresa todo mi imaginario artístico, personajes violentos y macabros, otros surrealistas y otros simpáticos y coloridos. La variedad es lo que busco, porque así descubres más de ti.

¿Qué opinas de la ilustración en Venezuela? Debe librarse un poco bastante de las tendencias. Por último: Un Color Rojo Un Ilustrador Robert Crumb Una película de cine venezolano “Domingo de Resurrección” Un Consejo Coloca primero tu imaginario por sobre la aceptación de los demás.

My Turn

¿Cuál ha sido tu o tus proyec tos favoritos y en cual te gustaría participar? A parte de el de La Vida Boheme, trabajar diseñando carteles de cine ha sido de lo que más me ha gustado hacer. Me gustaría trabajar en la dirección de arte de algún proyecto animado, pero que el proyecto sea todo mío, jejeje.

Diego

Bermudez

DIE GO Diseñador gráfico colombiano; profesor de la Pontificia Universidad Javeriana Cali. Vinculado a Amnistía Internacional (UK), Icograda (Canadá), Design Histo ry Society (UK), Society for News Design, EE.UU.), Trama Visual (México), Fundació Història del Disseny (España), Open Design Alliance (EE.UU.), Coidigra (Venezuela), Cidyc (Argentina) y Red Académica de Diseño (Colombia). Ponente y tallerista en diferentes lugares del mundo; su trabajo ha sido expuesto y reseñado en Argentina, Bolivia, Cuba, Chile, Ecuador, España, EE.UU., Francia, Italia, Japón, México, Perú, Polonia, Rep. Dominicana, Rusia, Suráfrica, Ucrania, Uruguay y Venezuela. Seleccionado en los libros.

"Latin American Graphic Design", Taschen; "A Tribute to celebrities", Index Book; "Design School Confiden tial", Rockport; "Experimental Patterns", Rockport; "Type Sketchbook", Thames and Hudson; "Design Elements Color Fundamentals", Rockport; y "Consid eraciones acerca del cartel", CDR. Integrante del Conse jo de la revista I+Diseño (España). Coautor del libro "El cartel social desde América Latina". El cartel es una oportunidad para ver de manera diseña da nuestra realidad ya que es una ventana en la cual la sociedad industrial se asomó a la modernidad. Gracias a la expresividad y potencia comunictiva del cartel, los diseñadores gráficos hemos encontrado en ello la posibi lidad de construir estructuras discursivas que involucran a muchas personas que, en un solo instante, logran captar un mensaje gracias a la elocuencia de la gráfica. Tuve la fortuna de aproximarme al cartel de la mano de maestros como Marta Granados, Alain Le Quernec, Gianni Bortolotti, Santiago Pol y Niklaus Troxler, desde ese entonces los carteles se han convertido en compañeros inseparables de mi desarrollo profesional. Acá presento algunos de estos trabajos cuyo lenguaje sigue en constante construcción y que en contadas opor tunidades han sido nominados como finalistas en difer entes bienales y convocatorias a nivel mundial.

Ingeniería Javeriana

Colores por la Vida No al Maltrato Animal

Diego Bermudez se ha destacado en cuanto a los carteles, es por así decirlo, Su pasión, a continuación se mostrara sus carteles con diferentes opiniones:

No al maltrato animal: La cultura, como rasgo fundamental de la identi dad de los grupos humanos, se ha utilizado (y manoseado) para justificar múltiples acciones que hombres y mujeres venimos realizando de tiempo atrás. La tradición ha sido escrita en muchos casos con matices de violencia, la cual, con el paso del tiempo algunos han intentado elevar a categoría de arte. El toreo, tradición traída por los españoles al momento de su infame invasión en el siglo XV, ha sido uno de los estandartes de nuestra malsana herencia hispánica. Por ello, las rancias élites (la mal llamada inmensa minoría) que viven añorando su pasado peninsular, hablan del toreo como manifestación artística representativa de nuestros valores culturales(?). Venidos de Europa. El argumento ligero y falaz que esta manifestación violenta es una expresión tradicional de nuestra cultura (algo que es delicio samente discutible), puede ser igualmente utilizado para justificar la costumbre barbárica de mutilar los genitales femeninos como tradición cultural de Somalia. Por todo ello, en una sociedad como la nuestra, donde las desigualdades y la inequidad son los principales generadores de violen cia, encontrar en expresiones bárbaras y salvajes como las corridas de toros, manifestaciones de nuestra cultura, es algo que no podemos aceptar ni tolerar. El maltrato, la alabanza ante el sufrimiento animal y la crueldad humana son cosas que debemos censurar con firmeza y determinación.

El Último apaga la Luz

La vida es un tango. Un cartel realizado por Diego Bermudez para celebrar el año nuevo y es expresado por un buen tango y en este caso, su alegría por empezar un nuevo año, lo manifiesta con una canción del excelso Gustavo Mederos, tanguero como pocos, tanguero de raza de los cuales pareciera que estuvieran en peligro de extinción.

Ingeniería javeriana se diseña: Desde hace un par de años viene trabajan do en varios proyectos académicos con la Facultad de Ingeniería de la Universidad Javeriana Cali, motivo por el cual fue sido invitado para coordi nar un proyecto de comunicación visual que presente de manera eficiente esta facultad a la sociedad colombiana. Para ello han conformado un equipo liderado por Jaime Aguilar, decano de la facultad y compañero en varias aventuras investigativas, para desarrollar esta importante tarea.

La Vida es un Tango

Anita Gutiérrez es la profesora que junto a Diego estamos trabajando en el diseño de las propuestas, para lo cual Alejandra Medina y Diego Lemos, dos de los más destacados estudiantes, nos están apoyando. Estan trabajando en todo un programa de diseño de identidad que incluye catálogos, plegables informativos, banners, pendones, carteles y demás. El proyecto de comunicación visual para la Facultad de Ingeniería de mi Universidad Javeriana Cali ya está dando sus frutos. El rediseño de todos los plegables informativos, la generación de un sistema visual para toda la facultad y la posibilidad de replicar este esfuerzo a todas las dependencias de la Universidad va por buen camino. Todo se ha logrado gracias al empeño de mi querida Anita Gutiérrez, quien junto a dos talentosos monitores, Alejan dra y Diego, han logrado imprimirle a este proyecto un impulso grandioso. Vitamina V de Vida

40 Ideas | 40 Designers

Este proyecto nacido en el recorda do México, busca que a partir del trabajo de 40 diseñadores de todo el mundo se expresen nuestras opi niones sobre los fenómenos de la violencia y la inseguridad que nos atañen a todos sin importar el lugar en donde estemos. Este cartel intenta decir que la violencia hacia los demás es solo una manera más de hacernos daño nosotros mismos por lo que la tole rancia, el respeto a la diferencia y la capacidad de diálogo nos conducirán a vivir en armonía con los demás. Muchas gracias a los amigos que desde México invitaron a Diego a trabajar en esta iniciativa. Este proyecto lo desarrolló con la invalu able ayuda de su sobrinita Lalita, quien le confesó en la noche de año nuevo que quería ser como el! Así que en la familia se viene otra diseñadora y otra profesora.

40 Ideas

Jose Guadalupe Posada

Jose Guadalupe Posada: Cada vez que piensa en la gráfica latinoameri cana salta a su mente el nombre del gran Guadalupe Posada. Admiro como nadie su obra, su autenticidad, su fuerza, su carácter, todo. El 13 de enero de 2013 se cumple el cente nario del fallecimiento de este gran grabador universal, por lo que la Bienal de México, en cabeza de Xavier Bermúdez, ha invitado a 50 diseñadores latinoamericanos para que desarrollen un cartel conmemo rativo. Hizo dos opciones, la que se presenta en una entrada antigua de este blog, y ésta, que ilustra un detalle de la anterior. Creo que esta última es más fuerte y refleja el pensamiento de este inigualable artista que plasmó en sus grabados el alma de México y de Latinoamérica. Esta expo se presen tará en Xalapa, capital del Estado de Veracruz, en la Galería Alva de la Canal desde finales de octubre hasta diciembre de 2012.

“En la actualidad existe un debate sobre donde se encuen tran los rasgos culturales identi tarios de nuestros pueblos”

En gran parte de los registros investigados se percibe una especie de olvido o eslabón perdido acerca de los orígenes del diseño gráfico en Ecuador. En los años 80’s Claudio Malo Gonzales, en su investigación titulada Cultura Popular y Diseño (1988), menciona un pasado no muy lejano en donde nuestra sociedad se encontraba dividida básica mente en dos estamentos fundamentales:

Belen Mena

Las élites, dueñas monopóli cas de la cultura, que acopla ban su comportamiento a lo que se hacía en Europa o en el norte, pretendiendo ser más “cultos”; y la otra, conformada por el pueblo ajeno a la cultura de otros continentes, o único heredero de la incultura. En consecuencia la cultura elitista carecía de creatividad y se limitaba a copiar lo hecho en otras partes, mientras su con traparte, en su singular condición, resultaba ser creati va, al punto de proponer rasgos representativos de legítima identidad cultural o lo que hoy se conoce como cultura popular.

Icaza

Lo más raro de mi casa

En la actualidad existe un debate sobre donde se encuentran los rasgos culturales identitarios de nuestros pueblos. Formalmente trataremos este tema conjuntamente con reconocidos diseñadores y artistas del país.Wong, W. (2004) en su trabajo sobre Fundamentos del Diseño, nos habla del diseño como un proceso de creación visual con un propósito; a diferen cia de la pinturas, que transmiten visiones personales y sueños de los artistas, el diseño cubre exigencias prácticas. En la actualidad existe un debate sobre donde se encuentran los rasgos culturales identitarios de nuestros pueblos. Formalmente trataremos este tema conjuntamente con reconocidos diseñadores y artistas del país. El diseño gráfico nacional apunta a los extremos. Tenemos casos de excelencia de diseño, pero que no pasan de 10 diseñadores que están a la vanguardia. Y en el otro lado la extrema vulgaridad, en donde la repetición de lo mismo es lo corriente, copia de tendencia de modas que se ven fundamentalmente en internet. Desde Luego pienso que el diseño gráfico ecuatoriano no le hace honor a la extraordinaria riqueza cultural heredada. El diseño gráfico nacional, actual, es totalmente carente de indemnidad local (salvando excep ciones por supuesto).

Abrazado por un contexto universal diverso y agresivo, el único destino posible para el diseño ecuatoriano, es entender la necesidad de convertirnos en diseñadores locales lo que implica entablar una relación con el lugar, del contexto, desde la perspectiva histórica, cultural, social y política. Comprender que el diseño es una forma de pensamiento, un trabajo intelectual dotado de la posibilidad de generar cambios. Un ejemplo basta, el Ecuador es el primer país del mundo por muertes en accidentes de tránsito… El diseño gráfico puede contribuir significativamente a cambiar esta realidad, o no?.

Ilustraciones Paula Barragan, Johnny Gavilanes, Roberto Ortiz y Diego Lara

Hecho en Ecuador

El trabajo de Pablo Iturralde es reconocido en todo el país, ha sido galardonado en varias ocasiones en bienales de México, Madrid y Ecua dor, sus trabajos han sido publicados en revistas y catálogos internaciona les, ha hecho sus propios aportes editoriales dentro del diseño y la cultura, sus más de 300 logos consti tuyen un patrimonio muy impor tante de la imagen corporativa contemporánea ecuatoriana, la labor que ha hecho dentro del cine a través de la dirección de arte en muchas de las películas de los últimos años es por si misma un enorme aporte a la cultura visual del país. Por su visión del diseño, ha privilegiado las aplicaciones sociales y utilitarias. Entre las más impor tantes están la recuperación visual de la arquitectura, a través de los sistemas de la señalética y rotulación comercial del Centro Histórico, los barrios y parques patrimoniales de la ciudad de Quito y Guayaquil.

Es un diseñador de origen alemán que actualmente reside en Ecuador. Con 76 años de edad, este artista berlinés posee una amplia trayecto ria en la cual destacan diseños de logos, T-shirts, souvenires y materi al utilitario para distintas organi zaciones de Australia, Ecuador, Israel, México y Suecia; además ha participado en el diseño de tapices para paredes, tapetes, alfombras y joyas. Peter inició sus estudios en Dresde y posteriormente los continuó en Dusseldorf. Tiempo después realizó estudios en Italia, Grecia y Francia, donde conoció a Jean Cocteau y Pablo Picasso para quien hizo el afiche del drama “Como se toma los deseos por la cola”, en 1962 llegó a Quito gracias a la invitación de un amigo; a partir de aquel momento se estableció en el país. Ya en Ecuador expone individualmente en el pais y en el exterior sus grabados, serigrafías y tapices.

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Peter Mussfeldt

Ilustración para el libro Love to Mama

Es una diseñadora y artista quiteña que realizó sus estudios preuniversitarios en París y en 1986 obtuvo su Bachelor of Fine Arts en diseño e ilustración en el Pratt Institute de Nueva York, su obra artística ha sido expuesta dentro y fuera del país y ha hecho diseño gráfico para impor tantes empresas nacionales y extran jeras. Paula ha hecho cursos de grabado y pintura en Parsons N.Y. y en el San Francisco Art institute de California. A partir de 1987 Paula crea en Quito su propio taller para el diseño de alfombras, logos, afiches, ilustraciones y portadas, sin embargo su obra más importante la ha desarrollado en el ámbito artístico: pintura, grabado y dibujo; con lo que ha realizado múltiples exposi ciones tanto individuales como colectivas en países como; Estados Unidos, España, Nueva Zelanda, entre otros. Paula es artista permanente en Davidson Gallerie.

Simbiosis

Uno de los diseñadores mas recono cidos del Ecuador. Con una experi encia de casi 15 años, ha recibido premios y distinciones a nivel inter nacional y su trabajo se expone en libros, publicaciones y muestras desde Guayaquil y Buenos Aires hasta Barcelona y Berlín. Jaime también dicta cátedra en varias universidades y es fundador de MUCA | Ciclos Creativos en Ecuador. Desde el 2007 es el fundador del estudio de diseño Nuñez del Arco, principalmente enfocado en proyectos de creación de identidad y branding para compañías interna cionales, instituciones culturales y emprendimientos independientes. Su trabajo ha sido publicado alrede dor del mundo y en el 2010 fue elegido por Taschen como un de los mejores estudios de diseño en Latinoamerica. En el año 2009 fundó MUCA, proyecto educati vo dedicado a construir conferencias, talleres y exhibiciones de diseño. Hecho en Ecuador

Guillermo Alarcon

Guillermo Alarcón, diseñador visual Chileno fundador del estudio Republicofveggie

¿Nos puedes contar brevemente quién eres y a que te dedicas actualmente? Mi nombre es Guillermo Alarcón, tengo 27 años y soy diseñador en comu nicación visual. Me dedico a la generación de proyectos para marcas en diferentes soportes y técnicas, ya sean análogas o digitales. He trabajado en agencias de publicidad y motion graphics, pero hace 2 años decidí indepen dizarme laboralmente. Actualmente tengo un estudio llamado The Motion Union, donde realizamos proyectos audiovisuales y digitales para diferentes marcas.

A la par de esto, realizo trabajos de diseño bajo mi seudónimo Veggie, donde elaboro proyectos que abarcan dirección de arte, branding e ilustración, es en esta instancia donde puedo desarrollar mi trabajo de diseño más personal. Algo así como mi trabajo de autor. El año pasado, junto a 3 socios más realizamos Convite, la primera feria de streetwear en Chile, que consiste en una feria de ropa y accesorios para gente que guste del streetfashion. En ella se juntan marcas nacionales y del extranjero bajo un mismo techo, la gracia de esto es que van marcas muy grandes y marcas de muy bajo perfil, todas habitando y conviviendo a la par. En conjunto a esto también hace un tiempo desarrolle mi propia marca de ropa llamada Caballeros, la cual apunta a un público que guste de las motocicletas, tattoos y todo ese mundo “underground”. Y para terminar, acabo de ser parte de un nuevo conglomerado digital llamado Union Cinco, el cual consiste en la generación de contenido por blogs temáticos, el cual esperamos que este año podamos consolidarnos en el medio digital.

¿Cómo le explicarías a un niño, de manera simple, que es la comunicación visual? La comunicación visual son todos los mensajes que que se observan, ya sea consciente o inconscientemente, es decir, desde como se para un vendedor de helados hasta el sueño que tuviste la noche pasada.

¿Cómo es la metodología de trabajo en tu estudio? La metodología principal es mirar mucho, es decir, estar en constante búsqueda de referentes y conocimiento. Saber lo que esta pasando actualmente (tendencias, modas) y obviamente ser consciente y entender lo que se hizo en el pasado.

¿Algún trabajo que sea más memorable? Yo creo que un punto súper importante en mi pequeña carrera fue que partí (mucho antes de entrar a la univer sidad) realizando murales y stencils en la calle. Sin esa escuela no hubiese logrado nada de lo que he hecho hasta el día de hoy.

¿Cuál es el encargo ideal? En el que existe un brief acotado pero que piden mi total libertad gráfica y creativa.

¿Haces y estas en muchos proyectos, que te hace mantener la cabeza con nuevas ideas? Internet es sin duda el factor determinante. Observar innumerables proyectos que suceden en diferentes partes del mundo, ver diferentes diseñadores, sin duda, generan hambre, al menos para mi, la gran cantidad de cosas que se hacen a cada segundo en el mundo son razón fundamen tal para estar reinventandose constantemente. Convite

¿Cómo es tu relación con el cliente? De todo tipo, hay clientes que uno odia y otros que caen bien, eso si cada día evitamos tener clientes directos ya que nuestro “cambio de tuerca” con la agencia-estudio es generar conteni do para que las marcas se interesen en el y lo compren, es decir, generar proyectos que satisfagan alguna necesidad y que clien tes se interesen en comprarlo.

¿Cómo se conjuga creatividad con rentabilidad? (Cómo conviertes tu creatividad en un negocio rentable y atracti vo para tus clientes?) La clave es estar siempre despierto, es decir, saber lo que sucede con el diseño, publicidad, negocios y tendencias de todo tipo. De esa manera, uno puede generar productos que son entretenidos (y divertidos de hacer) y los clientes se interesan en tenerlos para no sentirse “fuera de la ola”.

¿Por qué elegiste ser diseñador visual? Primero quería ser publicista, pero por suerte y por acto de magia, me metí a diseño en la Universidad Técnica Metropolitana (UTEM). Desde pequeño quise estar ligado con el mundo de las computadoras, en la enseñanza básica creía que lo mío seria ser ingeniero pero en la enseñanza media me di cuenta que lo mío no era realizar software sino mas bien ocuparlos para generar nuevos proyectos. Siempre lo digo, y tal vez soy extraño para muchos diseñadores, pero si hubiese nacido 10 años antes, no hubiese estudi ado diseño ya que para mi la herramienta del computador es fundamental.

¿Desafíos o metas para el futuro? Que todos mis proyectos crezcan y ojalá se consoliden para poder generar más.

¿Qué consejo le darías a alguien que inicia su propio estudio de diseño gráfico? Que lo importante es ser ordenado, hay tiempos buenos y tiempos malos. Yo recién estoy en eso, es difícil pero no imposible, realmente tiene que ver con la personalidad y metas que uno tenga.

¿Qué errores te han hecho aprender en la evolución de tu trabajo como diseñador? No se si son errores, pero claramente con el training del día a día uno cada vez es más abierto con las ideas y resultados de sus trabajos. Al principio es difícil de comprender que el traba jo por lo general no es para uno, es para otro. Por eso es impor tante generar proyectos personales para que tu creatividad u originalidad y resultados nadie te los pueda frenar o copiar, ya que tu eres tu propio cliente.

The Republic of Veggie LA REPÚBLICA DE VEGETALES CO . Y CCSM Es la obra de Guillermo Alarcón , un diseñador con sede en Santiago Chile . Especializada en la identidad la ilustración y la dirección de arte. CLIENTES Nestlé, Nike, Jack Daniels , Adobe, Vans, CCU , Spafax , Cencosud . PROYECTOS Caballeros ( CCSM ) : Me encanta el paseo en motocicletas y el diseño de las cosas lo involucran con este mundo, así que hago esta pequeña marca en 2012. El diseño y el mundo de las motocicletas son las cosas que me mantienen vivo. Es por ello que desde hace algunos años empecé una marca que combina los dos mundos. Convite : Apoye a sus marcas locales es una cosa muy importante para mí , así que con unos muchachos que hicimos una primera feria de marcas independientes en Sudamérica llama Convite en 2013. Hoy en día es una feria sólida con decenas de marcas.

Milla

Unión Cinco ( U5 ) : red de contenido de marca, esto es mi negocio era digital con unos socios . En pequeñas palabras , trabajamos para hacer que las marcas más " cool". Milla Custom Garage: Milla es un grupoo de motocicleta personalizado basado en Santiago de Chile . Tuvó el honor de crear la imagen corporativa de esta empresa familiar. Heritage Bikes & Coffee: Le realicé imagen de marca. Al mismo tiempo , hice una composición para ser pintado en el frente de la tienda. Chicago, Illinois.

Distorción Social y Jack Daniel 'S: Jack Daniels , en cada publicación en Joia Magazine, tiene una sección donde se invita a algunos artistas y diseñadores para hacer una ilustración de una banda. Por supuesto , mi banda era Social Distortion . Nestle Epecialidades: Cada año, Nestlé hace una publicación con los mejores productos en stock . Tuve el honor de ser seleccionado para una ilustración para el producto " Espe cialidades " , una caja de diferentes tipos de chocolates. VANS LXVI: Illustration for the new models LXVI made by Vans. Lovit All in Card: Lovit lo invitó a formar parte de una baraja de tarjetas diseñadas por diferentes ilustradores y diseñadores del mundo . La tarjeta fue el cuatro de espadas. Nike Airmax History: Nike lanzó de nuevo el modelo clásico AirMax hace unos años. Un modelo que tiene cuatro iconos diferentes distribuidos en diferentes años.

Jack Danies’s

Impresi贸n en 4D

Cuando hablamos del futuro tecnológico tendemos a crear un ideal, como un momento muy lejano; pero el futuro es dentro de una hora, o mañana o dentro de dos años. Pero más allá de estigmatizar, podemos describirlo por las cosas que se están desarrollando ahora o que están próximas a formar parte de nuestra cotidianidad. Como por ejemplo la impresión 4D. La impresión 4D es un devenir de la 3D, una tecnología que desde sus inicios fue catalogada como la tercera revolu ción industrial. El proceso de impresión 3D es la superposición sucesiva de capas de material, a partir de un modelo digital, con el que se pueden imprim ir bio-materiales, guitarras, ropa, comida, vinilos y cualquier objeto cotidiano. El siguiente paso de esta tecnología, la dimensión agregada, sería el tiempo. En este caso con ayuda de una impresora 3D se le otorgaría a la materia la habilidad para responder a su entorno, ya sea la luz, el movimiento, o cualquier otro factor que se le quiera añadir. Estos materiales cambiarán su estructura de acuerdo al estímulo, cabe recalcar que es en cuanto al diseño y estructura.

Impresión en 4D Modelado

La idea fue concebida por Skylar Tibbits, un arquitecto de la Universidad de Filadelfia, quien trabaja en el Insti tuto de Tecnología de Massachusetts. ‘Estamos buscan do la habilidad para programar objetos físicos y materi ales biológicos para que cambien de forma, propiedades e incluso calculen fuera de una materia construida de silicona (refiriéndose a los chips)’ men cionó Tibbits en una conferencia de TED, en donde mostró una impresión 3D, en la que se usaron materi ales inteligen tes que al ponerse en contacto con el agua se pliega en un cubo. En cuanto a sus aplicaciones prácticas, ya se comenta el uso en medicina como nanorobots molde ables a las necesidades del organismo en el que sean introducidos, usados como anti-cancerígenos.

En los textiles, se podrían crear telas que reaccionen a las temperatu ras y luz y estas cambiar de color y forma. Incluso en objetos aún mas cotidianos como muebles o sillas que se armen y desarmen por si solas. Si pensamos en las impresoras 3D, y su rápido acceso al público en general es probable sentir que la 4D ya está aquí. Puedes adquirir una impresora 3D desde 350 dólares, hacer el archivo digital o en su defecto descargarlo de internet y crear cualquier objeto, ahora imagina que este tenga una inteligencia en cuanto a su forma y diseño con infinidades de creaciones. En los laboratorios del MIT ya se trabaja en la evolución de la impresión de 3D. Se trata de la impresión 4D, un concepto que supone el futuro de la manufactura de productos y de la fabricación de estructuras para la construcción, compuestos por materiales inteligentes capaces de expandirse, transformarse y responder a los requerimientos de los usuarios.

Así, por ejemplo, una impresora 3D puede imprimir una figura plana de algunos centímetros de extensión pero al entrar en contacto con el agua, ésta pueda convertirse automáticamente en una mesa o una silla. Desde el año pasado, en el laboratorio de Autoensamblaje del MIT llegó a conceptualizar la impresión 4D, aunque Tibbits, con estudios profesionales en Arquitectura, Computación y Diseño.

“Depositamos dos materiales en una impresora (3D) multimaterial. Uno de estos materiales se expande 150% al contacto con el agua mientras que el otro material es plástico rígido. Este material tiene la información y es la columna vertebral para que cuando combinas esa información con una fuente de energía, en este caso el agua, se transformará en un producto útil”, dijo en una entrevista el líder de los trabajos en el Laboratorio del MIT en Boston.

Impresión en 4D Modelado

Para el desarrollo de las investiga ciones, los investigadores del Laboratorio del Autoensamblaje han trabajado en conjunto con la firma Stratasys, desarrolladora de impresoras 3D, así como Autodesk, quien desarrolla software de diseño digital. Las investigaciones aún están en fase de laboratorio por lo que aún podrían pasar un par de años para que se empiecen a realizar prue bas utilitarias en el mundo.

Y si bien el Laboratorio aún no realiza trabajos en conjunto con centros de investigación en el país, el investigador considera que existe el potencial de crear una sinergia para el desarrollo de esta tecnología. Muchas veces os hemos hablado de la gran importancia que tendrá en el futuro la impresión 3D. Una tecnología que, sin duda, nos depara buenos avances en campos muy diversos. La medicina, la educación o la automovilística son solo algunas de las áreas donde la impresión 3D promete una auténtica revolución.

“Las aplicaciones futuras pueden verse en la medici na, la construcción, en la manufactura o en las indus trias de materiales avanzados donde las partes puedan autotransformarse de materias primas hasta estructuras finales sin la necesidad de la intervención humana”, explicó. Skylar Tibbits reconoce que por separado, tanto la impresión 3D como los materiales inteligentes de por sí ya son un gran avance pero su conjunción crean un potencial revolucionario al abrir un horizonte de creación de productos y estructuras autoarmables e inteligentes desde el material y por ejemplo, desarrollar infraestructura de forma rápida y eficiente en lugares de alto riesgo para la construcción. “La impresión en 3D permite la construcción de estructuras más ligeras y eficientes, pero los materi ales inteligentes permiten crear estructuras que, sin la necesidad de dispositivos adicionales, pueden ensamblarse automática mente en poco tiempo, sin mecanismos fallidos, lo que significa un gran avance en la creación de sistemas inteligentes”, Tibbits dice que en México existe investigación y desarrollo en las áreas de biotecnología e investigación de materiales.

Pero el cambio tecnológico que trae consigo la impresión 3D solo acaba de empezar. Y es que la fabricación de cualquier producto que podamos imaginar no está totalmente implantada en la socie dad, pero quién sabe, igual en menos tiempo del que pensamos, todos contamos con una impresora 3D para producir lo que deseemos. Y cuando la impresión 3D solo acaba de mostrarnos una pequeña parte de lo que puede llegar a ser, la historia nos demuestra que la revolución de la ciencia y la tecnología es imparable. Porque, aunque parezca increíble, la impresión 4D acaba de aterrizar en nuestras vidas, tan solo unos segundos después del despegue de las impresoras 3D.

Impresión en 4D Modelado Digital

Los costos asociados a la impresión 3D todavía son demasiado altos para que se pueda hablar de soluciones hogareñas, pero la tecnología está en el camino correcto, y ya conocemos bien su potencial para el arte, el diseño, e incluso la fabri cación de piezas de repuesto. Sin embargo, MIT ha realizado una presentación en la que simple mente se agrega una dimensión extra al proceso de impresión. ¿Qué significa esto? Que además de imprimir en tres dimensiones, el resultado de dicha impresión se puede ensamblar por sí solo después de cierto tiempo.

Que se ensamblen por sí solos. En la última conferencia TED que se llevó a cabo en Los Angeles, el arquitecto y científico Skylar Tibbits de MIT presentó un método de impresión en cuatro dimensiones, a través del cual un objeto puede alterar su forma al transcurrir cierto tiempo desde su impresión. El método utiliza una impresora 3D especial creada por Stratasys, y un material que combina plástico convencional con una capa inteligente que absorQ be agua. La impresora por sí sola no representa ningún cambio drástico, sin embargo, el agua asume el rol de fuente de energía para que esta capa inteligente pueda alterar la forma del material rígido.

La idea de comprar algunos muebles ha estado circulando en mi cabeza. No sé cuándo ni dónde, pero la idea está ahí, e imagino que más allá de mi gusto por lo retro, probablemente lo más razon able en cuanto a costo sean opciones modernas que demandan un proceso de ensamblado. Dicho proceso es uno de los más molestos para el comprador promedio. La frase en inglés “Some Assembly Required” ha sembrado dolor en algunos hogares, y con buena razón, porque nunca falta el caso en el que el“Some” se queda muy corto. La impresión 3D tiene el potencial de eliminar eso, creando piezas y objetos sin que sea necesario agregar un solo tornillo, pero esto limita la complejidad de los objetos, a menos.

Además de MIT, en el proyecto también ha participado la gente de Autodesk, e insisten en que la impresión 4D está inspirada en los procesos de la naturaleza para repli carse. Por ahora, la impresión 4D es poco más que una prueba de concepto, pero en el futuro será posible crear estructu ras más complejas, además de reemplazar el agua como fuente de energía. Calor, vibraciones y sonido pueden convertirse en alternativas viables. Por alguna razón no me parece tan descabellado colocar una silla junto a una estufa, y que el calor se encar gue de activar el proceso de ensamblado. Aún estamos lejos de que la impresión 4D cambie para siempre nues tros muebles, pero nos enseña que el trabajo ya ha comenzado.

Impresión en 4D Ilustración

Impresión en 4D Ensamblaje

Edici贸n Septiembre

“El diseño simplemente es la combinación del arte con una serie de conceptos que nos lleva a ser unos grandiosos comuni cadores visuales”

Nacida en Caracas, Venezuela, Inés es un diseñadora gráfico, estudio ftografía en C&C Centro de Arte y Diseño en el 2012, luego emprendió con sus estudios de Diseño Gráfico en el IUT. Antonio José de Sucre. A continuación hablaremos un poco e indagaremos en la opinión de esta gran profe sional del diseño gráfico:

Para cumplir con las responsabilidades en un ámbito laboral, el diseñador debe asumir un perfil profesional éticamente virtuoso. ¿Con qué virtudes te proyec tarías como profesional del diseño? Una de esas tantas virtudes que tenemos que desarrollar como diseñadores debe ser la virtud de innovar, cuando se llega al área laboral puede ser un trabajo bastante tedioso por la indecisión de algunos clientes, pero cuando se tiende a innovar en el diseño estas indecisiones se hacen bastante escasas. Cabe destacar que la responsabilidad y la honesti dad también son uno de esos valores claves para el éxito como un diseñador gráfico.

¿Qué representa un reto o un desafío para ti en las diferentes ramas del diseño? Retos son todos y cada uno de los proyectos que me he llegado a plantear a lo largo de la carrera, una de las cosas que más me cuesta.

¿Algún consejo para las personas que aspiran el diseño gráfico como una carrera profesional? El diseño gráfico no es una carrera fácil, mi consejo para todas esas personas que quieren incursionar por el mundo del diseño es que lleguen con ganas de trabajar y estudiar, muchas personas piensan que el diseño es solo hacer dibujitos lindos y ya, cuando es todo lo contrario, somos comunicadores gráficos, tenemos que resumir la cotidianidad en algo fácil de captar. Esto tiene una serie de estudios para poder llegar al diseño correcto. Me ves de Parte en Parte

En lo que al diseño respecta es el dibujo realis ta, pero cuando llega el momento de hacer alguno lo mejor que puedo hacer es tomar el reto, afrontarlo y realizarlo.

Una frase muy personal que ilustre sobre la importancia del diseño gráfico -Menos es más- Esa es una de las frases que me ha marcado en el diseño gráfico, ya que el diseño no es montar una imagen y escribir dos cositas, es usar tu mente para comunicar visualmente algún objetivo, y cuando lo haces sencillo y el espectador la capta a la primera vista tanto por la sencillez como por el mensa je, ahí es cuando te das cuenta de que es un BUEN diseño y que el esfuerzo lo da todo.

¿Que conceptos o valores te interesa imprimir en tus proyectos personales? Como lo dije anteriormente, innovar en cada diseño es mi mayor satisfacción en cada proyecto que hago, sin la innovación en cada diseño para mí sería como engañarme a mi misma.

Lenceria Urbana

¿En qué te inspiras cuando realizas tus proyectos personales? Me inspiro en la naturaleza y en todos esos elementos que la componen, porque en resu midas cuentas la naturaleza es todo lo que nos rodea y el diseño va por ese mismo camino de convertirse en un todo.

Como proyectas tu carrera profesional en un futuro? Me proyecto exitosa con mi propia empresa.

Qué color sientes que te define Describe las cualidades de tu trabajos fotográficos? como profesional? Me gusta que las fotos que tomo sean buenas desde que Si elijo un color que me defina pulso el botón de la cámara, y creo que esa es una de las may sería el morado, porque me ores cualidades, sin un buen concepto y una buena com considero una persona creati- posición, la fotografía es vacía. va en cada uno de los aspectos de mi vida, no sólo en el Para ti ¿Qué es arte y que es diseño? diseño, también en la manera Para mí el arte es la libertad de expresarse de la manera que de vestir, comer, bailar etc. mejor nos parezca, los sentimientos siempre van a influir, pero siempre con una buena estética, y el diseño simplemente es la combinación del arte con una serie de conceptos que nos lleva a ser unos grandiosos comunica dores visuales. ¿Crees que exista alguna fórmula para llegar al resultado ideal en tus proyectos?

Expresión Artística

Todo proyecto necesita una serie de pasos, empezando por la investigación, la conceptualización, el proceso de boceteo que puede llevar infinidades de correcciones hasta llegar al arte final que sería el proyecto final. Esa es por así decirlo mi manera de realizar mis proyectos, pero hay personas que hacen todo lo contrario e igual les funciona perfectamente, al final lo que importa es la motivación y las ganas que tengas de dejar fluir tus conocimientos con tu creatividad.

Aparte de la creatividad ¿Qué más influye en tu diseño? Toda la cultura general que he obtenido con el pasar de los años, es algo súper chévere porque todo lo que ha transcurrido en mi vida, tanto cosas positivas como negativas… Son reflejado totalmente en mis trabajos igual pasa con mi sentido del humor. ¿Cuál crees que es la condición actual del diseño localmente? En Mérida hay talento de sobra, es una compe tencia fuerte y que con el pasar de los tiempos va creciendo y eso es algo tan positivo porque si crece el diseño localmente, nos hace ser una población desarrollada y culta.

Foto Documental - Galería GAF

“Forma,estilo y color son palabras magicas en boca del diseñador”

¿Qué te introdujo al mundo del Diseño Gráfico?

¿Cuál es tu inspiración a la hora de hacer una obra?

Desde muy pequeño siempre tuve un instinto artístico que principal mente se representaba con el dibujo, inicié dibujando garabatos y cualquier clase de idea que por mi mente pasara, aunque no fue hasta después de salir del bachillerato que comencé a considerar estudiar o formar una carrera en el mundo del arte, surgieron otras opciones que tome principalmente por la comodi dad, y no fue hasta cursar una carre ra técnica en informática que consideré absolutamente construir una carrera en el arte, en este caso el diseño gráfico. Pienso que fueron esa serie de acontecimientos que me llevaron a tomar la carrera oficial mente y al desenvolverme sin pro blemas me di cuenta que representa ba mi opción ideal.

Me llama la atención representar la belleza o lo que personalmente significa la belleza, por esto suelo realizar representaciones de mujeres y enfocarme en distintos aspectos del rostro e intentar hacerlo limpio y atractivo a la vista, la mujer es un enigma en muchas perspectivas a la vez contradictoria y profunda.

¿Qué rama del diseño te gusta más? Intento formarme integralmente, es decir, que mis conocimientos en todas las ramas del diseño estén lo más parejo, aunque me llama la atención la imprenta, la fotografía.

Mirarla

¿Con que estilo te defines? La creación está presente en todos los aspectos de la vida y puede surgir en cualquier momento, pero cada uno tenemos una serie de lugares y situaciones en las cuales nos es más fácil crear, por lo que tenemos que llevar a cabo nuestro contexto creativo. Suelo plasmar mi contexto creativo en momentos tranquilo y todo esto me ayuda a fortalecer mi estilo. Las personas muestran diferentes grados de creatividad a lo largo de su vida. Normalmente nos ajustamos a un patrón o estilo de pensamiento creativo.

¿Cómo sería para ti tu cliente ideal? Pienso que como diseñadores o profesionales tenemos el deber de aprender a adaptarnos a la gran variedad de clientes que existen, ya que de eso depende la demanda que tengamos. Cabe mencionar que sí existen clientes complicados pero se debe asumir cada propuesta con responsabilidad, seriedad y profesionalismo para crear confianza en el cliente y a la vez auto-educarnos en cuanto a la relación cliente diseñador para satisfacer las necesidades de los actuales o próximos clientes.

Catrina Ligera

¿Cómo te ves en un futuro? Como un artista integral, completo que ha experimentado, y que se desenvuelve en todas las áreas del diseño gráfico y el arte, que defiende sus ideales y sus bases como artista en cada proyecto que desenvuelva.

¿Algo que te guste aparte de la pintura y el diseño gráfico? En términos generales, me gusta la danza, la música , el cine y en más general todo lo relacionado al aspecto artístico.

Exposiciones Realizadas: Desde mediados del 2011 y a finales del 2012 participé en distintas exposiciones colectivas con motivos folklóricos y representando principalmente aspectos de El Vigía, atribuido a mi participación y preparación en el Taller de Artes Plásticas del Centro Cultural Mariano Picón Salas en el Vigía. En Marzo del 2013 presenté mi primera y única exposición individual la cual llevaba por nombre Visiones que tuvo una apertura de un mes a salón abierto, la cual contenía mis distintos trabajos organizados por categoría, estilo y técnica. Con “visiones” pretendía exponer las visión subjetiva que lleva consigo el arte y el diseño, aspectos en los cuales pretendo desenvolverme equitativamente. Actualmente tengo un proyecto parado de exposición, en donde pretendo mostrar mis últimas ilustraciones elaboradas a tamaño tabloide y con técnicas mixtas, y exposiciones de proyectos en lienzo.

Osiris de una Mirada

¿Qué técnicas utilizas en tus pinturas? Inicialmente mi técnica era muy básica, muy plana, mi dibujo carecía de volumen y de apariencia realista, los trazos eran descuidados y espontáneos y manejaba solo degradados con el lápiz intentando siempre mejorar, luego de varias piezas inicié mezclando otras herramientas de acuerdo a como iba mejorando mis ilustraciones, como creyones realizando solo detalles de combinaciones simples a combinaciones más complejas, todo mi objetivo es interpretar un estilo muy realista y personal de lo que observo en una muestra a representar. Defino mi técnica como siempre mixta, ya que mezclo distintas técnicas para encontrar o personalizar mi estilo, aunque en algunas piezas la desarrollo en una sola técnica ya que no es necesario mezclar varias técnicas porque con una sola expreso bien el mensaje que quiero, en la mayoría de piezas intento representar mis obras de manera personal y la encuentro mezclando las técnicas adecuadas.

Compagino diferentes capas de ilustración con acierto y gusto de negros, blancos y grises y establezco relaciones de armonía, contraste y equilibro entre todos los elementos que intervienen. Todo ello, es subjetivo y puede obtenerse de diversas maneras, de allí nacen varias disposiciones de capas y pueden ser muy equilibridas aun teniendo cantidades de elementos y técnicas. Últimamente experimento con la técnica al óleo de manera autodidacta logrando piezas relativamente aceptables. Actualmente mi dibujo no tiene tantos errores y puedo lograr una imagen mas similar a la muestra, pero uno de mis objetivos en mi técnica de mis trabajos artísticos es encontrar una técnica mixta que sea única, en la cual maneje la mayor cantidad de herramientas a mi alcance sin saturar el trabajo, intentando que mi técnica represente o se relacione con mi estilo y con las características de mis obras. A veces se presenta el miedo a una hoja en blanco, y puede ser terrible. Es un bloqueo ante un papel, y en ecosiones lo solucione de esta manera. Evito hacer cualquier otra cosa que no tenga que ver con esa actividad , me ubico seriamente a pensar sobre el tema , Investigo y buscar cosas, mirando proyectos anteriores, recolecto cualquier información que puede ser útil, boceteo o miro todas las partes del problema por separado.

Olor a Rosa

La Respiración

¿Apoyas el diseño nacional? Relativamente apoyo el talento nacional en toda su extensión aunque muchas veces no estoy de acuerdo con ciertos lineamientos o criterios que se han construido, pero respeto todo el trabajo que se desenvuelve en el país y toda su evolución, me enfoco o determino la importancia del talento joven y la desorientación que contiene la juventud y en ocasiones el potencial que se desperdicia por ausencia de guias motivacionales que inspiren a explotar el trabajo venezolano. “La creatividad es el trabajo del diseñador; el grafito la herramienta”

Amante del cartel y apasionado de mi profesión

Diseñador gráfico por la Universidad Autónoma Metropolitana y diplomado en Dirección de Cre atividad Gráfica Publicitaria por el Centro Avan zado de Comunicación. Ha sido académico de diseño en la Benemérita Universidad Autónoma de Puebla y actualmente en el Instituto de Estu dios Superiores en Arquitectura y Diseño ambas en la ciudad de Puebla, en México, además ha impartido cursos, talleres y conferencias en la ciudad de París y en más de 15 universidades en la república mexicana. Sus carteles han sido expuestos de manera indi vidual en la Ciudad de México y en París; de manera colectiva en Barcelona, Milán, Argentina, Colombia entre otros. Además su trabajo ha sido seleccionado en los concursos de cartel más importantes del mundo como Toyama, Varsovia, Brno, Chaumont, Sofía, Mons, Colorado, Lathi, Bolivia y México. Ha recibido premios y distin ciones nacionales e internacionales entre los que destacan en 2005, Primer premio en la 2ª. Bienal Iberoamericana del Cartel en Bolivia; 2004, Medalla de Bronce en la categoría de cartel cultural en la Octava Bienal Internacional del Cartel en México; en 2003.

¿Cuál es tu proceso de creación de un diseño?

Award Winner en la 13th Colo rado International Invitation Poster Exhibition en Colora do, USA y en 1998, Medalla de Bronce en la categoría de cartel inédito en la Quinta Bienal Internacional del Cartel en la Capital de Mexico. Diseñador mexicano, que se a dado a la tarea de mostrar su excelente trabajo en el área gráfica y que gustosamente nos comparte su experiencia y el amor que le tiene a lo que hace, pero en propias palabras, se presenta de la siguiente forma: ” Mi nombre es Renato Aranda soy mexicano, diseñador gráfi co, amante del cartel y apasio nado de mi profesión, desa rrollo todo tipo de proyectos gráficos aunque me he desen vuelto más en el área cultural.

No ocupo un mismo proceso para la creación, o para algún objeto de diseño o de comu nicación porqué considero que todos los proyectos, unos de otros, son diferentes. Ahora bien dentro de esta diferencia siempre me formu lo dos preguntas en el proceso y son: ¿Qué voy a decir? y ¿Cómo lo voy a decir? Intuición

Trabajo para diversas entidades públicas y privadas, así como desarrollo trabajo personal y colectivo, además de que com plemento mi labor profesional con la docencia; imparto confer encias, cursos y talleres de diseño en diversas universidades de mi país y el extranjero; doy cátedra y asesoro tesis en un instituto de diseño en la ciudad de Puebla. A sido Ganador de dos Bienales del Cartel en México, y de la Colorado Invitational Poster Exhibition, es uno de los cartelistas mexicanos más reconocidos a nivel internacional.

Homenaje José Marti

No a la Guerra

Estas dos simples preguntas muchas de las ocasiones te dan la pauta para no perder la brújula en cuanto a lo que busco comunicar, crear, conceptualizar y diseñar. Los puntos que son constantes y que por lo regular sigo (a veces unos puntos más a veces menos), se pueden incluir otros tantos pero en general son: entrevista, recopilación de información, análisis de la información, desarrollo de bosquejos, diseño, ensayo y error (al momento de diseñar), selección de las propuestas, presentación al cliente, refinamiento y entrega. ¿Consideras que hay un estilo que defina tu trabajo? Seguramente si lo hay, (aunque te pueda decir que no), al ver el conjunto de las cosas que trabajamos o que trabajo y más allá de una cuestión gráfica o estética, enfatizamos en la forma de hacer las cosas. No sé si un pensamiento, un estilo (o se quiera definir de otra manera), pero si busco que tenga una razón de ser, todo lo reinterpre tado o creado, debe tener esta esencia y seguir estos tres aspectos: 1.- Forma.- Todo lo referente a la parte gráfica, uso de recursos, de materiales y de técnicas. 2.- Contenido.- El mensaje, la información, la idea, o lo que queremos expresar tenga o no una comunicación abstracta. 3.- Función. Busco siempre que todos los elementos plasmados en los trabajos cumplan con una función tangible o intangible.

No a la Guerra

¿Es distinto trabajar para el mercado europeo que para el latino americano? ¿Por qué? Definitivamente, la percepción sobre le diseño es muy diferente -sin que demeritar la calidad de la mano de obra- los niveles de exigencia son distintos y la forma de diseñar también, por ponerte un ejemplo, si hago un proyecto de diseño mexicano o latino para Europa, segura mente hecho mano de los “cliches” que tienen sobre nuestra cultura, (color, formas, elementos) para hacer el diseño, ahora bien el resulta do gráfico, de comunicación y de diseño es muy distinto si el mismo tema se aplica a cualquier país de Latinoamérica. Tu trabajo redunda en la imagen indígena. ¿Crees, por tu experiencia y la de otros estudios, que hay un proceso de identidad del diseño latinoamericano? Sin duda, tenemos “tatuados” nuestra identidad y aflora de manera espontánea. He procurado hacer proyectos de tipo social o cultural y tocando temas indígena, esto comenzó hace cinco años y poco a poco buscamos crear un arraigo, conocimiento u sobre todo valorización de nuestras raíces.

¿En que consiste el proyecto San Lunes? El proyecto consistió en dos etapas, la primera en donde un grupo de diseñadores desarrollaron un "dingbat" o fuente iconográfica con el tema "México", para que en la segunda etapa otro grupo de diseñadores desarrollaran una colección de carteles y de animaciones usando los dingbats ya diseñados, desarrollando el mismo tema.

“Tinta de Vi es un proyecto que nace de la necesidad de llevar a cabo las locuras del estudio”

No hubo éxito ya que el exceso de papel arruga ba el papel y no tintaba lo suficiente. El sigui ente paso fue deshidratarlo dejándolo reposar al sol, pero el polvo obtenido que parecía ser pigmento resultó ser otro fracaso. Reducir el vino en la cocina (horno con ventilador, cazuela a fuego lento…), imprimir con vino en una impresora doméstica… Más pruebas fallidas. Llegados a este punto, cuando el estado de desánimo se apoderó del estudio, cuentan que oyeron la llamada de Dios que les dijo: “hijos, tranquilos, no lloréis, subid al tejado a fumar un cigarrillo” (lugar al que van a fumar cuando están nerviosos), y allí , entre todos los restos de botes de las pruebas que habían estado hacien do durante semanas, observaron cómo en algunos sitios en los que habían colocado vino crudo, se había formado una especie de “moco morado” ¡perfecto para imprimir!.

“Tinta de Vi es un proyecto que nace de la necesidad de llevar a cabo las locuras del estudio”, y por ello es por lo que el estudio catalán Ladissenyadora decidió un día que debido a su gusto por el vino y el mundo de las etiquetas debían crear su propia marca de vino. Acostumbrados a trabajar para clientes cuyas tiradas suelen ser de decenas de miles de botellas, su marca debería tratarse de una edición limitada de 100 o 200 botellas que les permitiera dar un trato especial a cada una y poder desarrollar como ellos dicen “una etique ta imposible”. Para otorgarle ese estatus de etiqueta imposible decidieron que usarían el propio vino para imprimir, y que su marca sería “Tinta de vi”. La oportunidad surgió de uno de sus clientes bodeg ueros, que aceptó pagar en especias, y al día siguiente llegaron al estudio 150 botellas de su mejor vino. La odisea de imprimir con vino comenzó entonces. Empezaron con la idea de aprovechar el ciclo de elaboración del vino e imprimir con las lías que salían de la crianza, pero tras intentarlo con varias técnicas (serigrafía, letterpress…).

Empaque Botella de Vino

El obtener la pasta de vino fue un resultado exitoso, que dio lugar a un proyecto muy nove doso, que logró fusionar de manera híbrida y funcional los ámbitos de la innovación, el diseño y la viticultura. Finalmente, de forma espontánea, dejaron algu nas bandejas con vino en el techo del estudio y l a sustancia morada que se formó tenía el color y textura adecuada para imprimir las etiquetas. De aquí en adelante, la viticultura se fundió con el arte, el diseño y el ingenio humano. ¿El resul tado? Tinta De Vi.

Proceso de Impresión

Detalle del Empaque

EL PROCESO Aventurarse en algo así requiere su tiempo. El proce so hasta dar con la tinta de vino adecuada para impri mir ha sido costoso [podéis compro barlo en el vídeo del making of, abajo]. «Dos meses de trabajo, aproximadamente, pero dado que había otros proyectos que atender en el estu dio, no hemos dedicado todo ese tiempo por entero», aclara Jordi. Hasta dar con la fórmula precisa «ha habido más errores que aciertos».

Nuestra extrañeza le lleva a Jordi a aclarar que lo que aparentemente puede parecer un disparate no lo es tal: «antiguamente se imprimía a base de pigmentos elaborados con alimentos». Por otro lado, nos explica que «encima de una pantalla de serigrafía puedes poner todo lo que quieras; otra cosa es imprimir». Y aunque ni la tinta de cala mar ni la de sardina salieron adelante y por tanto desconocemos su olor sobre las etiquetas del producto, sí que sabemos que las etiquetas de tinta de vino huelen «a vino y a bodega», pero con un aroma atenuado.

En una primera fase, Ladissenyadora estuvo presente en el proceso de creación del vino, ese primer intento no funcionó. Después experi mentaron con los cartuchos de tinta de su impre sora doméstica de chorro de tinta; los rellenaron con la tinta creada y ¡sorpresa!, vieron que funcionaba aunque el color era un «rosa atenua do». Finalmente, la solución llegó dejando que el vino secara al sol, dando como resultado la textura como mermelada que finalmente se llevó al impresor quien atónito les dejó una hora para hacer la tirada. El cromatismo es la otra cualidad que hace que las etiquetas de tinta de vino sean únicas. «El vino se oxida según la humedad, la temperatura, la luz…», aclara Jordi, «el sol va a su ritmo y eso deja su huella» lo que inevitable mente provoca que cada una de las etiquetas tenga su propio matiz burdeos.

Arte, Pintura y Ecología...

Imagen Corporativa de la Marca

Una parte importante del trabajo de Ladyssenyadora se invierte en embellecer las botellas que sacan al mercado las bodegas de vino. No es para menos teniendo en cuenta la ubicación del estudio de diseño en el corazón de la zona vinícola del Penedès. Este tipo de encargos llegan con unas pautas bien marcadas y unas necesi dades condicionadas por la fabricación en masa que requieren estos productos. Pero hay veces que el estado de ánimo exige salir de la rutina. En este caso la oportunidad se presentó tras un pago en especias. En contra prestación por un trabajo que realizaron para una bodega, Ladyssenyadora recibió 150 botellas de vino en su estudio. La primera tentación fue beberlas pero pronto se les ocurrió una idea mejor. Crear su propia marca de vino de edición limitada y en lugar de optar por una tinta normal, aprovechar los ingredientes del tinto para elabo rar la etiqueta. El resultado es Tinta de vi. “Un reto que nos marcamos para crear una etiqueta imposible”, dice Raimon Benach, cofundador de Ladyssenyadora.

Tras unos meses de experimentación el estudio catalán muestra orgullosamente su nueva creación pero admite sin reparos que para llegar hasta aquí tuvieron que pasar por bastantes altibajos. El camino, confie san, ha estado trufado de fracasos hasta llegar a la solu ción. “Empezamos con la idea de aprovechar el ciclo de elabo ración del vino y conseguir imprimir con las lías que salían de la crianza del vino. Aunque lo inten tamos con varias técnicas (serigrafía, letterpress…) no tuvimos éxito. Surgi eron problemas como el exceso de agua que arrugaba el papel y no tintaba lo suficiente. Así que en un arrebato de lucidez decidimos deshidra tar esta espe cie de chapapote dejándolo reposar al sol. De esta forma podíamos conse guir un polvo muy fino de un precioso color. Pero lo que nosotros creíamos que era pigmento no resultó ser más que otro fracaso”, rememo ra Benach. Tras este revés, volvieron a la carga con una inmersión en la cocinas para intentar reducir el vino. “Probamos varias técnicas como el horno con ventilador, cazuela a fuego lento, consigui endo así diferentes texturas y tonos de color”. “Como empezábamos de cero, decidimos comenzar el proceso a pequeña escala con una impresora domésti ca. Aun así, no logramos conseguir el color deseado, ya que lo que hacen este tipo de impresoras es aplicar una capa muy fina de tinta, y nos quedaba todo de un color muy rosa pálido.

Aun así os invitamos a que probéis a imprimir cualquier tipo de líquido en impresoras domésticas, puede llegar a ser muy divertido y conseguir resulta dos sorprendentes”.Benach y sus com pañeros no se dieron por vencidos. “A continuación probamos con la serigrafía, y sí, podíamos imprimir con ello. Quedaba un color burdeos muy atractivo, pero el exceso de azúcar impedía que secara bien. También teníamos un problema de textura, al reducirlo en la cocina, no conseguimos más que una textura de un vinagre balsámico que daba problemas de reventado”. La etiqueta imposible se resistía y el desánimo empezó a calar entre los miembros del estudio. Con el añadido de que “nosotros y nuestras familias estábamos aburridos del olor a vino, ya que al cocinarlo el perfume de bodega que empapó el estudio y nuestras casas se hizo inaguantable”. La naturaleza les acababa de brindar la fórmula secreta para diseñar el etiquetado de su nuevo vino. Había nacido Tinta de vi.

Tinta de Vino - Detalle