DIBUJO TÉCNICO El dibujo técnico pretende transmitir una información técnica con exactitud, encaminada normalmente a la fabricación de un objeto. NORMALIZACION La normalización del dibujo técnico es el conjunto de normas que regulan todos los elementos que intervienen en el diseño grafico. Regulando: los tamaños de papel a utilizar (formatos), la dureza de las minas, la obtención de vistas, la escala adecuada en cada caso, la forma de acotar, la rotulación, los tipos de líneas, las simbología, la representación de elementos como roscas, engranajes, etc. Las normas ISO. son las internacionales, Las normas UNE son las Españolas (Una Norma Española), Las DIM Alemanas. Las ASA Norteamericanas, las UNI Italianas, Las IRAM las Argentinas (Instituto de Racionalización Argentino de Medidas) ESCALAS Cuando queremos representar un objeto en una hoja de papel, debemos recurrir a las escalas que es un método gráfico que nos permite agrandar o achicar ese objeto de acuerdo al grado de detalle o minuciosidad que se requiera. Estas nos permiten hacer el dibujo guardando las proporciones del objeto real. Las escalas pueden ser: Real (medida que el objeto tiene en la realidad). De ampliación. De reducción. La escala siempre debe ir debajo de cada dibujo, y las medidas indicadas deben ser las reales y no las que usamos para hacer el dibujo.
DIBUJO ARTÍSTICO El dibujo artístico es la disciplina del trazado y delineado de cualquier figura, abstracta o que represente algún objeto real, una forma de expresión gráfica. El dibujo artístico es un lenguaje alternativo de ámbito universal que permite la transmisión de información de toda índole: ideas, descripciones y sentimientos. Dentro del campo del dibujo artístico, algunos críticos dividen dos grupos: aquellos que solo copian un dibujo o modelo ya existente, los cuales hacen uso de su capacidad de observación y motricidad para copiar la imagen tal cual es; y aquellos que dibujan a partir de su capacidad imaginativa y creadora, los cuales desarrollan una alta relación entre cerebro-mano para poder plasmar las imágenes que conciben. Este último grupo es considerado como el de los verdaderos dibujantes, ya que abarcan famosos personajes de la historia y a aquellos que crean famosos personajes animados, mundos irreales, paisajes y seres de fantasía e incluso artefactos que podrían ser útiles en la vida real, aunque también son los más criticados y señalados a diferencia del primer grupo que es bien aceptado, sobre todo a aquellos dedicados al dibujo del retrato y paisajista. "Cualquiera puede ser dibujante, pero no cualquiera puede ser un buen dibujante", es un dicho muy conocido entre los artistas, esto es debido a que quien quiera dibujar, debe conocer muy bien no solo las técnicas y procedimientos sino su entorno y cada elemento que hay en él, por eso hay que ser muy observador, sobre todo paciente, pues no todo dibujo sale a la primera. Entre los elementos que se debe dominar para ser un dibujante artístico están los siguientes.
Necesitas muy poco para empezar a dibujar a lápiz. El dibujo a lápiz es, de hecho, una de las formas más asequibles para participar en actividades artísticas. Una serie tradicional de 2 lapices y trozos de papel son todo lo que necesitas, pero si quieres tomarlo en serio, podras abastecerte de herramientas profesionales del oficio. Esto incluyen un borrador amasado, un bloc de dibujo, y una amplia selección de lápices. Los lápices se clasifican según su espesor. Una combinación de letras y números indican la dureza (H), una punta fina (F) y el nivel de oscuridad (B). Un lápiz estándar para escritura se califica como HB, lo que significa que es duro con una salida oscura. Cuanto más blando sea, más oscuro será. Un lápiz clasificado 9H sera duro, con una salida gris. Considera la compra de una amplia gama de lápices de arte de calidad en una tienda de hobby, oficio o arte para permitir la más amplia variedad de opciones de sombreado y dibujo. Para opciones adicionales creativas, es posible que desees comprar un juego de carbóncillo y un conjunto de lápices de grafito.
Trazos Básicos Varios trazos de lápices se utilizan para conseguir diferentes efectos de tonos. El barrido es una técnica usada para crear bocetos impresionistas. Esto implica sostener el lápiz a un ángulo extremo y barrer el lápiz de lado a lado, gradualmente aplicando más presión y oscurecimiento de los trazos. Un bosquejo completo se puede hacer con este método para producir un trabajo que carece de líneas duras y se basa más en el sombreado para la terminación. El Cross hatching es otro método de trazo usado para crear variaciones de tonos. El Cross hatching se realiza mediante el trazado de líneas cortas horizontales, luego repitiendo el proceso sobre las líneas horizontales con trazos verticales. El Cross hatching es una forma efectiva para crear una textura insinuada en tus dibujos. Los trazos en espiral son útiles para la elaboración de pelo o la adición de un elemento de dibujo a un objeto. Al hacer trazos en espiral, el lápiz rara vez se quita del papel hasta que el diseño se dibuja o colorea.
La perspectiva, palabra proveniente del Latín perspectiva, es el arte de dibujar para recrear la profundidad y la posición relativa de los objetos comunes. En un dibujo, la perspectiva simula la profundidad y los efectos de reducción. Es también la ilusión visual que percibe el observador que le ayuda a determinar la profundidad y situación de los objetos a distintas distancias. Por analogía, también se llama perspectiva al conjunto de circunstancias que rodean al observador, y que influyen en su percepción o en su juicio. Ya en pinturas egipcias se concebía una dimensional de la superficie a pintar, sin sugerir estrictamente una idea de concepción espacial. Disponían los personajes en mayor tamaño, cuanto mayor importancia tuvieran, Es lo que los historiadores del arte denominan perspectiva jerárquica o teológica. Posteriormente y hasta llegar al final de la Baja Edad Media, los intentos de conseguir una cierta idea de perspectiva se encuentran en la perspectiva caballera, donde los objetos más alejados se sitúan en la parte superior de la composición y los más cercanos, en la inferior. El artista que se considera el antecesor del renacimiento italiano, el pintor gótico Giotto (1267-1336), comenzó a dotar de tridimensionalidad a sus composiciones pictóricas. Los artistas empiezan a buscar la sensación espacial a través de la observación de la naturaleza. Con las obras de Fra Angelico, se logra la sensación de espacio mediante el uso metódico de la perspectiva cónica, donde las líneas paralelas de un objeto convergen hacia un determinado punto de fuga.
GRABADO EN MADERA El grabado en madera es una técnica de grabado que experimentó un gran apogeo en el siglo XIX.1 Hay diferencias esenciales de características entre un grabado en madera y una xilografía. Mientras que una xilografía se realiza sobre una plancha de madera blanda usando gubias u otros elementos de corte, en un grabado en madera el artista realiza la "matriz" "esgrafiando" un bloque de madera con un buril en lugar de usar las mencionadas herramientas de corte, llegando a crear un dibujo muy sofisticado (dentro de lo posible), produciendo por lo general un resultado de trazo más grueso. Los grabados en madera son generalmente pequeños y alcanzan una escala de grises con gran "eclosión". Grabado en madera es una técnica de grabado que experimentó un gran apogeo en el siglo XIX.1 Hay diferencias esenciales de características entre un grabado en madera y una xilografía. Mientras que una xilografía se realiza sobre una plancha de madera blanda usando gubias u otros elementos de corte, en un grabado en madera el artista realiza la "matriz" "esgrafiando" un bloque de madera con un buril en lugar de usar las mencionadas herramientas de corte, llegando a crear un dibujo muy sofisticado (dentro de lo posible), produciendo por lo general un resultado de trazo más grueso. Los grabados en madera son generalmente pequeños y alcanzan una escala de grises con gran "eclosión"
Pintor y grabador alemán. Fue sin duda la figura más importante del Renacimiento en Europa septentrional, donde ejerció una enorme influencia como transmisor de las ideas y el estilo renacentistas, a través de sus grabados. Se formó en una escuela latina y recibió conocimientos sobre pintura y grabado a través de su padre, orfebre, y de Michael Wolgemut, el pintor más destacado de su ciudad natal. Como era habitual en la época, al concluir sus estudios realizó un viaje, que lo llevó a diversas ciudades de Alemania y a Venecia (1494), ciudad a la que regresaría entre 1505 y 1507 y en la cual recibiría las influencias de Mantegna y Giovanni Bellini, además de asimilar los principios del humanismo. Previamente había contraído matrimonio y abierto un taller en su Nuremberg natal, donde se dedicó a la pintura (Retablo Paumgärtner) y sobre todo al grabado. A esta época pertenecen las series de grabados El Apocalipsis, La Gran Pasión y la Vida de la Virgen, convencionales en cuanto a temática pero revolucionarios por lo que se refiere a su concepción y su complejidad técnica. Las figuras, plenas de expresividad, son esculturales y están definidas por una multitud de detalles. La minuciosidad es precisamente uno de los rasgos destacados del estilo de Durero, carácter que es probable que heredara del oficio paterno. Después de su segunda estancia en Italia, pintó algunas obras de grandes dimensiones como El martirio de los diez mil, en las que incorporó la riqueza del colorismo veneciano en composiciones de gran dinamismo y repletas de figuras. También por entonces pintó las figuras de tamaño natural de Adán y Eva, pieza clave de su creación artística. Tal era su fama que fue nombrado pintor de corte del emperador Maximiliano I (1512); también Carlos I lo reclamó. De Maximiliano realizó retratos de carácter, animados por la riqueza y variedad de las texturas, que rivalizan en perfección con los Autorretratos, quizá lo más conocido de su obra pictórica. Alberto Durero gustó de retratarse a sí mismo desde la temprana edad de trece años y mantuvo siempre esta costumbre, reflejo del nuevo interés renacentista por el hombre, y en especial el artista.
Inés Díaz Historia del Dis eño Gráfico