D Mayo by D Magazine

................................................... MAYO 2012

Portada Fotógrafo: Gregory Batardon Compañia: Les Ballets Jazz De Montréal .................................................................... [ | ] - MAGAZINE Director Editorial Rafael Martín Gómez Coordinador General Daniela Estrada Guarneros Corrector de Estilo Daniel Guerrero Hernández Arte y Diseño Javier Guzmán Barocio Relaciones Públicas Antonio Nuñez Velazquez Impresión Objeto Visual Colaboradores Conny G. Vega Alejandra Monroy Daniela Orlando Enrique Melgarejo Federico C. Arias Guillermo Pimentel Hugo Cabrera Luis M. García Marina Sánchez Miguel Ángel Hernández Oscar Román Ramón Márquez Roberto Mosqueda Roberto Poblete

Publicidad y Marketing ventas@dmag.me

CENTRO CULTURAL UNIVERSITARIO Insurgentes Sur 3000 Contacto www.danza.unam.mx danzaunamprensa@gmail.com facebook/unamdanza twitter/danzaunam 5622 7051 / 5622 7052 / 5622 7091

UNIVERSIDAD NACIONAL AUTÓNOMA DE MÉXICO Rector Dr. José Narro Robles Secretario General Dr. Eduardo Bárzana García Secretario Administrativo Lic. Enrique del Val Blanco Secretario de Desarrollo Institucional Dr. Francisco José Trigo Tavera Secretario de Servicios a la Comunidad M.C. Miguel Robles Barcena Abogado General Lic. Luis Raúl González Pérez Director General de Comunicación Social Enrique Balp Díaz Coordinadora de Difusión Cultural Dra. María Teresa Uriarte Castañeda Director de Danza Mtro. Cuauhtémoc Nájera DIRECCIÓN DE DANZA Jefe de Programación Gabriel Cruz

Jefe de Difusión y Prensa Rafael Martín Gómez Martínez

Asistente Rocío González

Asistente Daniel Guerrero

Asistentes Académicos Jorge Robledo Ávalos Saúl Barragán Ocampo

Enlace Medios Electónicos y Plasmas Gabriela de Pablo

Taller Coreográfico UNAM Gloria Contreras

Asistente de Prensa Juan Hernández

Asistente Ana María Molina

Jefe de Producción Gilberto Ortega

Supervisión e Inscripciones de Talleres Silvia Vargas

Asistentes César Hiram Mendoza Manuel Mendoza

Coordinador de Proyectos Enrique Tovar “Dieck”

Jefe de Unidad Administrativa Carlos Garibay

Relaciones Comerciales Domingo Garzilazo

Asistente de Administración Lucero Rodríguez

Jefe de Logística Miguel Angel Hernández

Personal de Administración Juan Ortiz Guadalupe Vargas Óscar Mendoza Alejandro Barrera

Asistente del Director y Estadística Karina Zamora La Danza del Lápiz Dirección General Rosario Manzanos

Consejo Editorial Domingo Garcilazo, Rafael Martín Gómez, Daniel Guerrero, Cora Flores, Cuauhtémoc Nájera, Rosario Manzanos, Silverio Orduña, Manuel Stephens Editor en Jefe Alejandro Pérez Jefe de Información Silverio Orduña Reporteros Adriana Álvarez, Nidia Cervantes, David Domínguez, Germán García, Rogelio Laguna, Irama Núñez Tancredi, Manuel Stephens Colaboradores Susana Cato, Juan Miranda Corresponsales Alma Cortés, Suiza 2

Texto: Juan Hernández Foto: Gregory Batardon, LIBERAMÆDIA | John Hall y William Hébert ..............................................................................................................................................................................................................................................

LES BALLETS JAZZ DE MONTRÉAL SOFISTICACIÓN Y EXUBERANCIA DANCÍSTICA

La limpieza técnica de los bailarines de Les Ballets Jazz de MontrÉal podría ser suficiente para sorprender al espectador avezado y hambriento de experiencias estéticas sublimes, sin embargo la compañía fundada en 1972 agrega al virtuosismo interpretativo el valor de la creación suprema de metáforas para configurar en escena el estado espiritual del mundo contemporáneo. 4

..............................................................................................................................................................................................................................................

En la complejidad sobria de sus propuestas coreográficas resalta, en primera instancia, la sofisticación de los recursos escénicos; es decir, el uso de tecnología de punta como parte sustantiva del discurso artístico. La amplia trayectoria de la compañía con sede en Montréal refiere, de inmediato, a la realidad de un país desarrollado, en donde la obtención de apoyos para la creación artística no parece ser un problema. Asistir a espectáculos de esta categoría se vuelve un regocijo para el público que atestigua el desbordamiento de recursos escénicos, la pulcritud de la composición visual, el desarrollo diríase perfecto de los movimientos y la fuerte personalidad de bailarines que si bien están abiertos a explorar nuevas rutas con sus cuerpos no abandonan la línea clásica que es su cimiento como intérpretes. Les Ballets Jazz de Montréal, dirigido por Louis Robitaille a partir de 1998, es una compañía sólida artísticamente, que funciona con el tipo de estructura que permite a las grandes compañías del mundo proyectarse en sus lugares de origen pero también de manera internacional. La compañía de Montréal visita a México para presentar tres coreografías: Zero in on, del español Cayetano Soto; Zip zap zoom, de la colombianabelga Anabelle López Ochoa y Rossini Cards, del italiano Mauro Bigonzetti. El trabajo de colaboración de los coreógrafos con Les Ballets Jazz de Montréal constituyen en gran medida la identidad y personalidad de la compañía; es decir, la apertura de ésta a la visión de creadores de diferentes países, cuya concepción particular del arte enriquece el quehacer del colectivo artístico canadiense. Zero in on busca subrayar el poder que el bailarín logra con la energía de su cuerpo y también es una propuesta espacial, cuyo objetivo es crear una sensación de intimidad al acercar la ejecución dancística al espectador. El coreógrafo barcelonés crea dinámicas de movimiento que encuentran en la interpretación virtuosa de los bailarines una exposición sobresaliente de la energía como fuente de la belleza y de la vida. Otro es el discurso de Anabelle López Ochoa, quien maximiza el escenario para figurar 6

el espacio virtual que le es propio a la Internet y da rienda suelta a imágenes que derrochan tecnología para conseguir recrear el universo de los videojuegos, en donde los bailarines son jugadores y al mismo tiempo avatares. La obra ofrece un punto de vista sobre una realidad contemporánea indiscutible, que es la creciente afición al uso de la computadora y de la virtualidad como una dimensión paralela de existencia. El eclecticismo de Les Ballets Jazz de Montréal cierra el programa con Rossini cards, de Bigonzetti, obra que se vuelca sobre los valores estéticos clásicos de la danza y no por ello deja de atender

discursivamente a la contemporaneidad. La música de Rossini es el motor de la obra que dialoga poderosamente con la exaltación sinfónica para ofrecer una pieza de gran belleza plástica, evocación de la pintura barroca a momentos y de una orgásmica sensualidad de los cuerpos de los bailarines que se manifiestan en todo su esplendor a través de la belleza sublime y por momentos perversa de su interpretación. Les Ballets Jazz de Montréal es sin duda una compañía sólida, de altos vuelos artísticos; cuya diversidad y elocuencia discursiva permite que sus obras toquen la sensibilidad de todo tipo de público. 7

Texto: Nidia Cervantes y Silverio Orduña / LDL ..............................................................................................................................................................................................................................................

Aromas de

Shakespeare

A unos días de estrenar Shakespeare y la luna, siempre, en la Sala Miguel Covarrubias del Centro Cultural Universitario de la UNAM, con Tándem Compañía de Danza, la coreógrafa Leticia Alvarado explica que su objetivo no es repetir discursos ni traducir las obras de los artistas que elige. “Desde hace más de veinte años creo obras motivadas por otros: Frida Kahlo, Sor Juana Inés de la Cruz, Tina Modotti, Jean Genet, Mozart, Miguel Ángel. Cada uno de ellos ha marcado parte de mi vida, aún antes de ser coreógrafa. Eso que tengo guardado es lo que ahora desarrollo y saco en las piezas.” Alvarado se considera una fanática de los grandes creadores y su interés es expresar con la danza las pasiones que le provocan. Pero con Shakespeare no fue fácil: “Tenía mis reservas por el tamaño del dramaturgo”, confiesa. Y aclara que no está siguiendo una receta para componer sino que descubrió en su proceso como coreógrafa un genuino interés y admiración por estas personalidades del arte. Se propuso decir algo sobre ellos “en el aquí y ahora”. Compara a Shakespeare con la permanencia de la luna: “Pensaba que hacer algo sobre él era inalcanzable. Quizá no es lo que planeé o imaginé pero es lo que puedo dar a través de la danza.”

Con una temporada del 15 de marzo al 1 de abril, su nueva coreografía retoma elementos de dos obras clásicas del dramaturgo inglés, representativas del teatro isabelino: Romeo y Julieta y Hamlet. La vigencia de Shakespeare (1564-1616), asume Alvarado, es contundente aún después de varios siglos: “Estas dos obras son significativas porque tienen una estructura que propicia una reflexión sobre el tema del amor y la muerte, temas universales, actuales y de todos los tiempos. El ser humano ha sido el mismo desde hace 500 años y vive las mismas complicaciones en la época actual. Por eso Shakespeare pudo hacer muchas obras, por la complejidad del ser humano.” Según Alvarado, ganadora en 1995 del Premio INBA-UAM, el arte dancístico no es el mejor vehículo para expresar la tragedia de forma narrativa: “La danza no es literatura. Está más cercana a la música, a la pintura, a las sensaciones que provoca en el espectador”. En Shakespeare y la luna, siempre, retoma “esencias” de los textos del escritor más connotado de la literatura inglesa pero solo como un acompañamiento. La obra no es dramatizada, lo central está en los especialistas del movimiento: los bailarines. Alvarado, convencida, asume que la complejidad de Romeo y Julieta junto con la de Hamlet no se pueden decir por completo en una hora: “El texto es como un aroma, no la representación de una escena”. Además de coreógrafa y bailarina, Leticia Alvarado es compositora. Su trabajo, afirma, está ligado con la música. Para esta pieza eligió a Händel (1685-1759): “fue un músico prolífico y su trabajo es muy teatral”. Señala que aunque no es contemporáneo de Shakespeare, el estilo barroco de este compositor alemán, radicado en Inglaterra para dirigir la Royal Academy of Music, contiene un dramatismo que no encontró en otros autores. Sugerido por las atmósferas creadas a partir de Händel, la coreografía de Alvarado utiliza la luz

para crear el drama: “es una obra que concebí pensando en la iluminación; generalmente yo no hago eso”. Y agrega: “El lenguaje de la luz es un tejido relacionado con intensidades, como la energía del bailarín. Es un discurso paralelo que acompaña a la coreografía. Si pones una luz donde no va, te mata la escena; si la metes en cinco segundos en lugar de diez, también te dice otra cosa. Importantísimo elemento.” Ante la complejidad de realizar giras con grandes montajes, desde hace años Tándem ha decidido no utilizar escenografía. “A veces nos invitan a festivales y no tenemos el tiempo para hacer un montaje con elementos escenográficos; generalmente llegas, montas el mismo día y das la función. Uno debe pensar a futuro pero eso te exige concentrar más el peso sobre cómo se mueven los bailarines. Esto me ha ayudado a profundizar.” Nueve intérpretes participan en Shakespeare y la luna, siempre, obra que les exige conectarse y conectar al espectador a partir de la dirección de la energía: “Los bailarines tienen un don maravilloso, con un gesto pueden decir muchas cosas, y poseen una gran intuición.” De acuerdo con Alvarado, sus ejecutantes están entrenados con diversas técnicas, pero, apunta, “como decía Guillermina Bravo, se baila con lo que te sobra de técnica, no con la que tienes. Ahí se verá su capacidad. Yo traté de explotar lo que vi en cada uno”. Para ella las coreografías resultan del trabajo en equipo. La función del coreógrafo, según su experiencia, se semeja a la de un director de teatro: debe tener la intuición sobre el carácter de cada uno de sus bailarines, convertirse en el amigo, el confidente, el padre; participar en lo más cotidiano hasta pensar en el tema de la obra, la música, qué bailarines van en cada escena, el diseño del vestuario y más. Dirigida por Alvarado, en 2012 Tándem celebra dieciocho años de trayectoria; el nombre de la compañía corresponde a las bicicletas de más de un asiento y con diversos pedales que se conducen por varias personas, así como el trabajo colectivo que la danza impera. 9

Texto: Conny G. Vega ..............................................................................................................................................................................................................................................

La Danza EXPRESIONISTA

La Búsqueda de LA LIBERACIÓN.. la Liberación de la

Danza por el Mundo

El siglo XX inicia grandes revoluciones tanto filosóficas, bélicas, tecnológicas y artísticas, rompimientos a los pensamientos de antaño para dar paso a la modernidad. Europa, como un punto geográfico iniciador, es escenario de los grandes maestros de la Vanguardia, corriente pictórica en el arte que impregna a múltiples disciplinas. Dentro de la historia de la danza contemporánea del mundo, la Danza Expresionista es una de las piezas iniciales y forma parte del Expresionismo Alemán. Esta corriente artística es un rompimiento con los esquemas de la danza clásica y busca tanto la libertad del cuerpo como la trascendencia de la mente en el tiempo. El Expresionismo Alemán se desarrolló durante los años 20, como un movimiento que se nutrió de la guerra y la industrialización, dando como resultado el rechazo a las mismas, el desconocimiento de Dios como creador de las cosas y la búsqueda de la verdad a través de la liberación de los instintos, para crear distintas formas de ver y hacer arte. Visualmente, este estilo tiende a deformar la realidad, dándole un enfoque subjetivo a la naturaleza, trabajando sobre la visión del autor o creador. Por ejemplo, el uso dramático de la luz y la oscuridad es una muestra del expresionismo que, llevado al cine Alemán recuerda a filmes como: Metrópolis de Fritz Lang (1927) y Nosferatu de W. Murnau (1922); las cuales que comparten el estilo fotográfico, los gestos exagerados y la irracionalidad de sus historias y personajes. Posteriormente, durante la ocupación Nazi muchos cineastas y artistas alemanes emigran a America y otros países, iniciando el despliegue de esta corriente por el mundo. 11

Un estilo de corta duración, el expresionismo Alemán ciertamente significó una gran influencia e impacto para muchos artistas y es punto de referencia en el estudio de la historia del arte. Figura reconocida de la Danza Expresionista, Karoline Sophie Marie Wiegmann ( Nombre artístico: Mary Wigman, 1886 -1973). Estudió con Emile Jacques Dalcroze (1865 -1950) y, posteriormente, con Rudolf Von Laban (1879 -1958), quienes hicieron grandes contribuciones a la metodología de la danza y la música. Dalcroze introdujo a Alemania su sistema con el que buscaba integrar la libertad corporal que provenía del escuchar música, enlazando el ritmo y movimiento, su interpretación y ejecución, lo que se conoce como los principios de Euritmia. El Sistema Dalcroze existe hasta nuestros días, y es implementado en la enseñanza musical y en terapias musicales. Mary Wigman aprendió el sistema, pero difería un poco en la filosofia, ya que, en su interés por la danza, prefería destacar la libertad del cuerpo, independientemente del ritmo musical. Al trabajar con Von Laban, Wigman se siento comprendida. El trabajo de Laban se centraba en encaminar la danza y el movimiento hacia un punto estructurado y científico. Dentro de sus aportaciones se encuentra la notación Laban, sistema basado en dibujar el movimiento del cuerpo, circunscribiendo la figura humana dentro de un icosaedro, en el que se define el espacio y tiempo del cuerpo en movimiento. La nottación Laban es un sistema que propone registrar gráficamente la danza y es aplicable también en otras disciplinas donde el cuerpo es el instrumento. Laban realizó exhaustivas investigaciones, siguiendo procesos científicos, encaminados a desarrollar teorías y análisis del movimiento. Se publicaron varias reflexiones y ensayos de su autoría, sobre la situación de la danza, el movimiento, la energía y este trabajo sirvió para establecer y desarrollar los conceptos sobre los que se basó la Danza Moderna. Su ideal era devolver la libertad a la danza, que se limitaba en la ejecución del ballet clásico. El trabajo de Wigman se caracterizaba por el uso de máscaras, música, sonidos y elementos nativos asiáticos, africanos. Su gestualidad y dramatismo al bailar fueron su estilo único, así como el movimiento orgánico del cuerpo y los sentimientos dramáticos y pasionales del ser humano; rompió con los esquemas del ballet y su trabajo se impregnó de elementos irracionales. Disfrutó de 12

Pina Bausch

Mary Wigman - Rudolf Von Laban

gran éxito dentro y fuera de su país y estableció su escuela en Dressen (1920 - 1930 - 1942), donde se dedicó a la coreografía y a la formación de bailarines. Aunque el gobierno Nazi en un principio auspició su trabajo, después no lo considero estético, por lo cual suspendió su escuela y, finalizada la guerra, retornó a los escenarios y las aulas. Su coreografía “Danza de La Bruja” (esta grabación en blanco y negro y con los recursos de antaño, se puede ver en Internet), es claro ejemplo de los tintes expresionistas de la época. Dos Caminos para la Danza. Otro destacado estudiante de Laban fue Kurt Joos (1901–1979), con quien fundó la escuela Neue Tanzbühne en Münster (1924). Su trabajo se incluye dentro de la Danza Expresionista, recurriendo a la formación y la disciplina del Ballet. Joos es el iniciador de la Danza-Teatro (Tanztheater); el concepto de este estilo, enlaza la relación entre las palabras y el movimiento y entre la actuación y la danza, uniendo los elementos reflexivos que el Expresionismo dejó en quienes lo vivieron. Tras la ocupación Nazi (1933), Joos se estableció en Londres y en 1949 retorna a Essen para continuar con su escuela. Su frustración y horror contra el imperio se ve reflejado en su coreografía La Mesa Verde (1932). Una de las grandes figuras que ha influenciado al mundo, Pina Bausch (1940 - 2009) pilar de la danza postmoderna, fue alumna de Joos. Sin duda alguna el Expresionismo corrió por las venas de esta de reconocida coreógrafa alemana. En America específicamente en Nueva York, la alumna y asistente de Mary Wiegmann, Hanya Holm (1893 -1992) estableció la Wigman School (1931) aunque cinco años después cambio el nombre a Hanya Holm Studio (1936), con su filosofía propia y las enseñanzas del método de su maestra, rápidamente se coloco dentro del ambiente de la danza, ayudando al desarrollo de la danza moderna. Su trabajo coreográfico puede observarse en la escuela Julliard y en el Bretton College, además del teatro musical en Broadway Destacan Alwin Nikolais y Alvin Ailey como sus alumnos. Muchas figuras iniciadoras de la danza en México, fueron pupilos de Holm, lo que crea un linaje de cómo la Danza Expresionista llego a nuestro país. La Danza Expresionista es una de las piedras bases en el camino a la danza moderna, contemporánea y postmoderna, en el mundo. 13

Texto: Hugo Cabrera

Ilustraci贸n: Paul Raynal

cannes 2012

Marilyn Monroe, la leyenda del cine de los a帽os 50 e icono de la belleza a nivel mundial, es la imagen del 65掳 aniversario del aclamado Festival de Cannes en su edici贸n 2012.

Para esta edición es notable la participación de hermosas actrices y cantantes como Nicole Kidman, Kylie Minogue, Kristen Stewart, Isabelle Huppert y Eva Mendes y de vistosos actores como Brad Pitt, Bruce Willis, Robert Pattinson y Bill Murray. La competencia por la Palma de Oro es reñida, pero destacan los cineastas David Cronenberg “Cosmopolis”, Michael Haneke “Amour”, Ken Loach “The Angels Share“, Andrew Dominik “Killing Them Softly“ y Abbas Kiarostami “Like Someone in Love“.

Sin duda después de su trágico y cuestionado fallecimiento, la reina sola sigue siendo un modelo a seguir dentro de la pantalla grande; es así que el Festival nos deleita con su belleza, homenajeándola con una imagen tan emblemática y brillante, siempre con la seductora manera de ser de esta sensacional flor extinta.

Cabe resaltar que en esta edición no hay presencia española, pero se cuenta con un representante mexicano, Carlos Reygadas “Post Tenebras Lux“, un representante brasileño, Walter Salles “On The Road“ y tres participaciones francesas, Alain Resnais “Vous n’avez encore rien vu“, Jacques Audiard “De rouille et d’os“ y Leos Carax “Holly Motors“.

Cannes da la bienvenida a un nuevo Festival recordando a la maravillosa y multi talentosa Marilyn Monroe, tan recordada por sus actuaciones en “Cómo Casarse con un Millonario“, “Los Caballeros las Prefieren Rubias“ y “Niágara“. La apertura de Festival tan importante no podía sino recaer en alguien tan sexy como Berenice Bejo, a quien recordamos por su ilustrativa actuación en “El Artista“; ella será la presentadora en dicha gala y en el cierre del Festival. “Moonrise Kingdom” del peculiar director Wes Anderson es la encargada de abrir el festival el 16 de Mayo. Anderson, que recordamos con sorprendentes películas como “Los Excéntricos Tenenbaums“, “La Vida Acuática con Steve Zissou“ y “El Fantástico Sr. Fox“, se une nuevamente con Roman Coppola para el guión de esta cinta, siendo así una de las más esperadas. La cinta póstuma del director francés Claude Miller, “Thérèse Desqueyroux”, será la encargada de cerrar el Festival el 27 de Mayo, siendo ésta un homenaje para el cineasta que falleció el 4 de Abril.

Carlos Reygadas

El jurado de este año será Nanni Moretti, director y actor italiano que ganó la Palma de Oro en el 2001 con “The Son’s Room“ y así es como el prestigioso Festival francés realizará una edición más del 16 al 27 de Mayo con el glamour y elegancia que lo caracteriza. 15

Texto: Enrique Melgarejo ..............................................................................................................................................................................................................................................

Del pensamiento abstracto

al movimiento concreto… y al revés

¿Qué mueve a un bailarín? El gusto por bailar. Sí, aunque ¿qué lo motiva? Su pasión. Ajá, pero ¿por qué se mueve? Para sobrevivir. ¡Bueno, hombre! ¡Que pregunto cuál es la razón que genera su movimiento! ¿De dónde se inspira, pues? ¡Ahh, eso! Mira que de varias fuentes, eh. Puede ser una emoción, un recuerdo, un sonido, una visión, un sueño, una idea, un lugar, la música, el silencio, su respiración… Bien. Ahora, acerca de los que ahora se hacen llamar de la danza contemporánea… ¿por qué si tienen un tema claro en sus mentes cuando se mueven, lo que terminan haciendo muchas veces ni se parece a nada, ni se entiende, ni sabe uno qué onda? Déjeme preguntarle algo entonces; ¿Qué entiende usted del ballet, por ejemplo? Que son princesas, y… dan patadotas y… giran y saltan mucho. 16

¿Y del breakdance? Que son rudos y callejeros, y… que hacen machincuepas increíbles. ¿Del tango? Que los argentinos sufren mucho, son seductores y bailan pegaditos moviendo mucho los pies. ¿Merengue? ¿Más sonrisa, más cadera, sopa de caracol? ¿Reggeaton? ¿Perreo? Permítame opinar que tampoco parece muy al tanto del mensaje clarísimo que estas manifestaciones del cuerpo ilustran. Pero por lo menos las identifico y les puedo dar nombre. Aunque no por eso, son menos abstractas que la contemporánea. … Sí, mire. Para usted y muchos otros es fácil identificar cierto tipo de danzas o bailes porque cuentan cierta codificación de sus caracterís-

ticas; de movimiento, de vestuario, de la música con la que se baila, etcétera. Además, si llevan ya algo de tiempo ‘en circulación’, usted seguramente ya las vio por primera vez y preguntó: “¿Qué es eso?”. Alguien le contestó: “Danza de concheros”. Y en adelante, cada vez que usted veía a un grupo de personas moviéndose en círculo con secuencias repetitivas, al ritmo y alrededor de un tambor rodeado de incienso, con cierta vestimenta, tocados con plumas en la cabeza y los conocidos huesos de fraile, ya no preguntó nada. Para usted ya estaba claro que se trataba de la danza de concheros. Sí, pero también me sé eso de los puntos cardinales, y su origen prehispánico, y que por eso se visten así y el sentido ritual que tiene. Ajá. Y yo apostaría que de eso se fue enterando con el tiempo. Porque en lo inmediato, seguro recibió aquella experiencia como ahora recibe a la que se dice danza contemporánea. Y me aventuro a decir que le pasó lo mismo con la cumbia, pero ésta es tan cotidiana y popular, que no tuvo ocasión de desconocerla. La cumbia tiene ya muchísimo tiempo en nuestras fiestas. Alguien hace mucho tiempo, en una época insospechada, dijo: “Esto se baila así”. Y todos asintieron. Y la gente bailó alegre con ella. Hasta que derivó en la cumbia como la bailamos en México. Ahora hasta usted se debe saber unos pasitos. Pues le mentiría si le dijera que no me rifo en los XV años con mi vuelta de doble nudo con tirabuzón. Para otro ejemplo más contemporáneo le ofrezco el Tectonik. Ah, sí. Los que salen en el internet moviendo los brazos rápida y coordinadamente con un rítmico y ligero rebote de sus rodillas. ¿No? ¿¡Lo ve!? Ya sabe de qué le hablo porque esta danza ya tiene una forma clara e identificable. Usted acaba de describir lo que sería su ‘código de movimiento’ o algo así. Alguien lo hizo. Fue bautizado. A alguien más le gustó. Se corrió la voz. Y de pronto a nadie le queda duda de lo que es el Tectonik y de cómo se ve. Aun que no le entendamos nada, sabemos que así se llama. Y quien no lo conozca aún, lo puede buscar en internet. O me va a decir que el Tectonik es muy concreto.

Pues… no, es decir, sí… sí es bastante abstracto. Pero yo podría verle forma como de que están ocultando algo en una mano mientras te distraen con la otra, como un ilusionista; o tal vez hacen como que se hacen una limpia. Claro, podría ser. Si bien éstas son referencias que les adjudica de su propia experiencia, son válidas para usted porque las encuentra en la propuesta de movimiento del Tectonik. A pesar de que ellos hayan tenido un motivo específico para crear su danza, cada individuo verá símbo los diferentes que le harán relacionarse con ella, o no. Ya sé. Ahora usted dice: “Como la danza contemporánea”. Como la danza contemporánea. Ya le había yo comentado que se trata de la búsqueda de un lenguaje propio, así que para los demás puede sernos difícil identificar los símbolos con los que estamos familiarizados. No podremos ponerle nombre y nos será abstracto. Toda la danza es abstracta, entonces. Sí. Del arte abstracto se dice que es el que representa las cosas de una manera diferente de cómo son en realidad. Del símbolo se dice que es la cosa que se toma convencionalmente como representación de un concepto. La danza deja de ser abstracta cuando la relacionamos con alguna de las convenciones que tenemos para representar algo, pues es ahí cuando cobra sentido. Poco o mucho, pero le encontramos sentido; diferente para cada individuo. La nueva danza pasa por dos procesos de materialización. El primero se refiere a la experiencia de trasformar un sueño, un sentimiento, una idea, un impulso físico en un movimiento ‘dancístico’. Luego de ser concebido, los testigos buscarán identificar en él algo que les ayude a darle sentido para sí mismos. Pueden hallarlo o no. Invariablemente, la danza reinterpreta las cosas de cómo son en ‘realidad’; y los símbolos estarán ahí para el que los quiera ver, independientemente de si el creador lo pensó así o no. ¿No? ¿Contesté su pregunta? ¿Cuál era la pregunta? 17

Texto: Roberto Mosqueda ..............................................................................................................................................................................................................................................

nada que ver

En nuestro país alrededor 11 millones de personas fuman más o menos unos 10 cigarros, al día, por los cuales gastan más o menos 20 pesos; lo cual quiere decir que al año gastan siete mil 500 pesos

También, en nuestro país, el mexicano promedio consume 160 litros de refresco al año; lo cual significa que invierte en este tipo de bebidas –si consideramos que cada litro cuesta, más o menos, 10 pesos– mil 600 pesos, en este periodo de tiempo

¿Y sabías que, en ese mismo país, en nuestro país, 72% de la población no gastó ni un solo centavo en comprar libros? ¿Sabías que un porcentaje muy similar a este tampoco ha pagado por ir a un espectáculo de danza o de teatro? ¿Sabías que entonces, de acuerdo a las estadísticas ofrecidas por el Banco Mundial, hay alrededor de 81 millones 664 mil 594 personas que jamás han visto un espectáculo de “El lago de los Cisnes”; o una puesta en escena de alguna compañía de danza contemporánea? Es más, probablemente, ni siquiera tengan idea de qué es esto. Y, muy probablemente, ni siquiera les genere interés alguno saber. ¿Sabías que la mayoría de los mexicanos que sí sabe lo que es un espectáculo cultural; argumenta que no va a éstos debido a falta de tiempo y dinero? Sin embargo, ¿sabías que, de acuerdo a una encuesta publicada en enero de 2011 en El Universal, un 40% de estas personas que afirman no tener tiempo, o dinero para ir a eventos culturales, tiene como pasatiempo favorito dedicar horas de su día a ver televisión –inclusive es una opción mucho más solicitada para “invertir” el tiempo, que descansar? ¿Sabías, por ejemplo, que en otro estudio sacado a la luz por la cadena BBC , afirma que 70% de la población en nuestro país tiene televisión en sus hogares y consume la programación “chatarra” de la tele abierta? Entonces, tenemos a un promedio de 72% de la población mexicana que nunca ha presenciado un espectáculo de danza, y a un promedio de 70% de la población que sí consume los programas televisivos. ¿Sabías que nuestro país es uno de los que poseen mayor tasa de analfabetismo en América Latina; con un porcentaje de analfabetismo de 7.6% de acuerdo al INEGI? ¿Sabías que… todo esto está para reír, para llorar y para reflexionar…? 19

Texto: Conny G. Vega

Foto: Jacqueline López

d an

CÓMO ENTENDER LA Es común que las personas del público tengan incógnitas y dudas al observar cualquier tipo de arte. ¿Qué quiso decir el autor?, ¿en que estaba pensando?, ¿qué significa la mancha en la pared? Estos son algunos ejemplos de lo que puede pasar por la mente del espectador. En la danza contemporánea sucede a menudo cuestionarse de qué trata la obra o coreografía dada la complejidad de los temas, en los cuales se puede ir de lo simple a lo abstracto. El público es el receptor que capta el mensaje del coreógrafo; si se es nuevo al asistir a funciones de danza, podemos recurrir a estos simples consejos para no perder detalle de lo que se aborda en la obra, aprendiendo del movimiento en acción. 20

En el teatro existen reglas y sugerencias

Decida ir a una función de danza - Pida una recomendación a alguien que conozca un poco más del tema, que le sugiera alguna compañía o temática interesante. Consulte las carteleras culturales para verificar direcciones, fechas, costos, horarios y sinopsis. - Las funciones didácticas son una buena elección; aunque en muchas carteleras son recomendadas para niños, también funcionan para el aprendizaje de los adultos. Lleve a sus hijos, sobrinos o niños más cercanos. Aprenderá el doble, ya que ir al teatro siempre resulta una experiencia educativa. - Se agradece que usted pueda pagar por su boleto. Así como usted trabaja en una oficina, empresa, consultorio, fábrica, etc., los bailarines, coreógrafos y los artistas trabajan sobre el escenario. Si usted paga por un boleto de cine para ver a Julia Roberts, también pague para ver a los artistas locales de su comunidad.

- Llegue temprano. Esto le asegura tener un buen lugar. Procure sentarse en medio de la sala, donde logre apreciar claramente a los bailarines sin necesidad de levantar el cuello o forzar su vista. Pregunte a los acomodadores o en taquilla cuáles son los mejores asientos. - Lea el programa de mano e infórmese sobre la compañía. En los textos de los programas podrá hallar referencia sobre el tema a tratar de la obra, el coreógrafo y los bailarines. Previamente puede indagar en internet sobre la compañía viendo algunos videos o leyendo entrevistas y reseñas. Esto ampliará el panorama que tiene de la danza contemporánea y, si el tema es abstracto, le podrá resultar más fácil de procesar y entender, una vez sentado en la butaca de la función. - Apague su celular. Sí, apáguelo. Es incómodo que, en medio de una función, el timbre con sonido de reggaeton suene intensamente. Igualmente es muy incómodo escuchar a alguien tratando de hablar muy bajo; a su alrededor hay más personas y usted resta atención de la obra. Recuerde que el espectáculo está sobre el escenario, no lo dé usted con su plática innecesaria. El silencio es muy agradecido. 21

Comienza la función

Después de la función

- Relájese y disfrute los movimientos de los bailarines y la música. Vaya descubriendo qué es lo que le parece destacable. ¿Es la melodía?, ¿o cuando los bailarines hacen alguna acrobacia o movimiento?, ¿es el color de la luz, la escenografía o el vestuario? Tome en cuenta estos detalles que componen la obra. Muchos coreógrafos tienen inspiración sobre historias de la literatura, paisajes y colores de la pintura, los sonidos y ritmos de la música, las imágenes capturadas por la fotografía. También tratan temas actuales; desde la situación política del país, hasta temas de protesta, situaciones sociales, etc.

- Enumere las cosas que le gustaron y el porqué. También es importante decir lo que no le gustó y el porqué. Esto le ayudará a identificar las razones de sus gustos, no sólo expresar un simple “me gusta” o un “no me parece”. En ocasiones, estos comentarios se pueden hacer llegar a la compañía mediante una encuesta o en una hoja con su opinión y sus datos. Conocido como retroalimentación “publico-artista”, esto ayuda a detectar si el trabajo se está haciendo correctamente y conforme lo planeado con la obra.

- Al plasmar una idea abstracta a través del movimiento el público obtiene muchas lecturas y significados. Es como leer entre líneas, obtener un mensaje oculto, un código que se descifra en su cabeza. - Pregúntese mentalmente sobre el tema o la historia. ¿Quién es el o la protagonista?, ¿cómo es el personaje?, e incluso ¿a qué héroe de alguna otra historia le recuerda? También podrá reconocer las actitudes de los bailarines/personajes; a esto se le nombra como “actuación”. Habrá ocasiones en que no se cuente una historia, sino los bailarines sólo se mueven, se desplazan y bailan por el escenario, esto tiene el nombre de “divertimento”. - Fuera tabúes. Existen obras que tratan temas nombrados como “fuertes” o “transgresores”, que hablan de cosas difíciles de ver en la cotidianidad como la sexualidad, la violencia, los vicios, los bajos mundos, por nombrarlos de alguna manera. Los coreógrafos toman la decisión de presentar estos temas de manera artística o de forma grotesca. Esto es decisión de los creadores, usted, como público, simplemente tómelo con calma. Uno de los enfoques del arte es reflejar a la sociedad y puede ser como un espejo que toca las realidades humanas. 22

- Si usted tiene dudas con respecto a lo que vio, acérquese al coreógrafo o creador de la obra, quien lo ayudara a que, en palabras y conceptos, traduzca los movimientos y despejar su incógnita. No tenga pena o miedo en preguntar: “¿Qué quiso decir con su coreografía?”, usted podrá explicar que es su primer acercamiento con la danza contemporánea y quiere comprender tanto como le sea posible. - Si la obra le gustó, recomiéndela. Qué mejor hecho que hablar bien de las cosas. Sí le pareció interesante, sugiérala entre sus amistades que puedan tener el mismo interés que usted y vuélvala a ver. El mundo de la danza circula por medio de temporadas y es posible que la siguiente temporada de la misma obra que usted vio se presente en un teatro o espacio diferente al que asistió, resultando en otra experiencia. Al igual se comenta que las obras tienden a madurar, es decir, la repetición afianza el trabajo de los bailarines. Recuerde que usted vio un espectáculo en tiempo real, siempre será distinto pero verdadero. Lo primordial es que decida asistir y apreciar la danza contemporánea. Si usted está sentado en una butaca en este preciso momento, aplique los consejos que aquí le sugerimos. Nunca es tarde para empezar a disfrutar de la Danza.

Texto: María de Lourdes Olmos Espinosa ..............................................................................................................................................................................................................................................

más allá de la perfección o la competencia en sí misma; en ese lugar en el que comprendemos que todos podemos ganar. ganadora escribe en d magazine

LOS SUEÑOS Me decían que era demasiado gorda para jazz, muy vieja para el ballet, muy torpe para el flamenco y que, sin duda, me faltaba gracia, línea, figura… Sin embargo, siempre había querido bailar.

Cuando escuchaba la música, cerraba los ojos e imaginaba todo aquello para lo que no nací, todo lo que la danza me pudo haber dado y que la realidad me negaba. Era feliz en ese universo alterno en el que bailar es para todos: los gordos, los feos, los bajitos, los niños y los viejos; en ese lugar en el que las personas son plenas al compartir momentos de alegría ensayando, creando, soñando al compás de la música y cuya meta va

Hace seis meses decidí que era tiempo de escucharme a mí misma y que, sin importar mi edad, físico o profesión, el único momento que tengo para vivir es ahora y que ese mundo alterno está aquí: la danza es para todos y lo único que tenía que hacer era moverme y entrar en él. Era tal y como lo imaginaba: no hay barreras que te impidan entrar, ni monstruos que te devoren por no saber hacerlo bien, ni cárceles a la que te lleven por insultar al coreógrafo con tu ejecución. Hay, en cambio, muchas personas hermosas dispuestas a enseñarte, compañeros aprendiendo contigo, expertos a quienes admirar y de quienes aprender, retos por superar, muchísimo conocimiento que adquirir y sí, mucho por disfrutar. Hay muchísimas personas con más talento, práctica, energía o pasión pero eso sólo me muestra el camino que quiero seguir. El lugar en el que estás no importa cuando disfrutas lo que estás haciendo y te enfocas en lo verdaderamente importante: vivir la danza en la faceta que tú te encuentras, esforzándote por alcanzar algo más, pero sin dejar ir el ahora. Por supuesto que hay quienes me dicen lo que me falta y lo que me sobra para ser bailarina, hay quienes mueven la cabeza al verme llegar al salón o al verme ensayar, aún escucho comentarios ácidos; sin embargo, hoy veo todo diferente y trato de tomarlo a bien y para mejorar, trato de entender su perspectiva y no molestarme o entristecerme por sus críticas, sino tomar más fuerza y energía y trabajar en lo que me falta. Al mismo tiempo, miro hacia mi mundo anterior y veo que hay personas que se encuentran en donde yo me hallaba, negándose a lo que la danza tiene para darnos, y me gustaría compartir con ellos este amor por bailar, así como la alegría y la paz que me ha dado el no dejar mis sueños, por pequeños que a algunos les parezcan, por inalcanzables que otros me digan que son, por difíciles que yo misma los vea: son por lo que vale la pena vivir. Prefiero empezar tarde que nunca empezar y vivir esforzándome por lo que amo que no haber vivido. La danza me ha enseñado que la felicidad está en todo lo que deseas hacer, así que ¡hazlo! 23

FESTIVAL DE MÉXICO LES BALLETS JAZZ DE MONTRÉAL

Bajo la dirección de Louis Robitaille, y como parte del Festival de México, se presenta LES BALLETS JAZZ DE MONTRÉAL con Zip Zap Zoom, Zero in On y Rossini Cards. La prestigiosa compañía conserva el espíritu de exploración que la caracteriza desde sus inicios, el cual apunta hacia las tendencias contemporáneas sin abandonar su compromiso con la estética clásica. Así, bajo la dirección artística de Louis Robitaille, BJM es un auténtico laboratorio de investigación que reúne a algunas de las figuras más sobresalientes del mundo de la danza y el ballet contemporáneos y pone en escena creaciones que apelan por igual a neófitos y públicos conocedores. En esta ocasión la compañía presenta tres coreografías de ánimo muy diverso en un solo espectáculo.

La coreografía es de Mauro Bigonzetti. Asistente de coreografía: Sveva Berti. La música es de Gioacchino Rossini. Iluminación: Carlo Cerri. El vestuario es de Helena de Medeiros. Fotografías: Gregory Batardon, LIBERAMÆDIA | John Hall y William Hébert

En Zip Zap Zoom las bailarinas penetran el mundo virtual de los juegos de internet, despertando emociones e impulsos “reales” entre los “avatares”, la música electrónica y la realidad virtual. La coreografía es de Annabelle López Ochoa. La asistente de coreografía es Céline Cassone. La música es de Bart Rijnink, Michel Banabila, Kostas Papadopoulos, Henri Sauguet, Juliette Gréco y Thomas Hellman. La dirección de video es de Javier Velázquez y la iluminación es de Daniel Ranger. El vestuario es de Yso. Zero in On. La frase “zero in on someone / something” se refiere a dirigir la atención a alguien o a algo. A partir de este principio, y de una manera un tanto lúdica e intempestiva, el coreógrafo Cayetano Soto crea momentos de total energía y poder. La reducción del escenario de esta obra provocativa obedece también a esa intención de hacer explotar el espacio con la fuerza del movimiento, todo en un lapso muy breve de tiempo. La coreografía, el vestuario y la iluminación son de Cayetano Soto. Asistente de coreografía: Laura Fernández Castillo. La música es de Philip Glass. Rossini Cards. El coreógrafo Mauro Bigonzetti dirige la mayor compañía de Italia llamada Aterballetto. Sus espectáculos los concibe a partir de un enfoque moderno basándose en la más pura técnica clásica. Esta pieza está inspirada en el genio y epicúreo Gioacchino Rossini, personaje que revolucionó la ópera del siglo XIX con piezas como El barbero de Sevilla y Guillermo Tell.

Se presenta Sábado 19 de mayo SALA MIGUEL COVARRUBIAS 19:00 horas Localidad: $150.00 y $ 200.00 No aplica descuentos NO FOTOS

germinal CUERPO ESCÉNICO Trasmutación

La Coordinación de Difusión Cultural de la UNAM, a través de la Dirección de Danza, presenta a GERMINAL CUERPO ESCÉNICO con Transmutación. Espectáculo que nace de un proceso de deconstrucción del texto “Final de partida” de S. Beckett. Es una reflexión sobre el reconocimiento del “otro” y su alteridad; un cuestionamiento de fondo al hombre moderno y a la civilización que ha creado. Una obra que habla, de lo universal desde lo particular, sobre la batalla por sobrevivir a la vida cotidiana y a las situaciones extraordinarias de la misma. No narrativa y de lectura múltiple, abre el espacio para la personal lectura, y encontrar así su propia historia en un ambiente que fusiona al cuerpo que danza y a la palabra que evoca. La idea original y dirección escénica es de Jonathan Maldonado. Interpretación creativa: Iliana Rodríguez Hernández, Gabriel Mosches Ramírez, Pilar Couto y Jonathan Maldonado Gómez. Voz en off: Francesca Guillén. Grabación de voz en off y montaje de audio: Josué Vergara en laboratorio de sonido “la botika”. Música: Juan Pablo Villa, Arvo Part, Sigur Rós y Mogwai, Riceboys Sleeps y Tagaq. Fotografía: Cristina Jiménez y Cecilia Girón. Producción ejecutiva: Germinal Cuerpo Escénico. Vestuario: Iliana Rodríguez Hernández.

Se presenta el 2, 3 y 4 de mayo SALÓN DE DANZA 19:00 horas (5 de mayo no hay función) Entrada libre

多

TEATRO INERCIA A flor de piel

La Coordinación de Difusión Cultural de la UNAM, a través de la Dirección de Danza, presenta a TEATRO INERCIA con A flor de piel, espectáculo que revela las reacciones del cuerpo a los impulsos inconscientes y a las situaciones extremas donde los sentimientos contradictorios se juntan provocando la explosión de las emociones. En esta sociedad impregnada de individualismo, la obra expone la manera en que se relacionan los individuos siguiendo comportamientos socialmente aceptados que entran en conflicto con sus impulsos más profundos, revelando el carácter efímero y frágil de la existencia. Las escenas se van entrelazando unas con otras en coreografías de movimientos cotidianos, fluidos, disociados, entrecortados, que contrastan ritmos lentos continuos, con rapidez incontrolada, cargados de un fuerte contenido expresivo y creciente intensidad dramática. La obra se presenta como un ritual de la vida moderna, formado por una constelación de situaciones y vivencias que no pretenden describir historia alguna, sino llevar al espectador a un mundo donde confluyen varias dimensiones y se intercalan diferentes atmósferas de una manera constante. La creación y la dirección son de Shanti Oyarzabal. Interpretan Teresa Carlos, Daniel Meza, Adrián Hernández y Hana Ruzanska. La iluminación es de Carolina Jiménez y Jazzael Sáenz. El sonido es de Alberto Cerre y la fotografía es de 1000Grau.com. ¿Quieres saber mas? www.shantioyarzabal.com

Se presenta el 8, 9 y 11 de mayo SALÓN DE DANZA 19:00 horas (10 de mayo no hay función) Entrada libre

LeRojazz Memorias en trascendencia

多

La Coordinación de Difusión Cultural de la UNAM, a través de la Dirección de Danza, presenta a LeRojazz con Memorias en trascendencia. Hoy, el viento sopla suave en distintas direcciones. Respiro. Cada inhalación es una nueva oportunidad; cada exhalación, una nueva decisión. Finalmente la vida es eso: elecciones. ¿Qué es más trascendental que la potencia del alma para tener y recordar el pasado?¿Qué mejor sino nuestras memorias para poder encontrar en el caos un camino a seguir? Cada imagen en mi cabeza es una existencia en mi mundo. Yo veo, siento, comprendo. ¿Por qué descubro que todos los instantes vividos son aprendizaje y crecimiento? Imágenes que se agrupan bailando historias, recuerdos dolorosos, bellos o singulares que brotan de mi interior como el agua de la fuente. Cada historia dentro de mí crece con fuerza buscando salir. ¿Las historias? A veces me suceden, otras lo imagino. No importa cómo llegue a mi cabeza, lo importante es que está ahí. Está, y entonces, lo tengo que contar, no puedo callar. Pero, ¿sabes qué sucede? Hay cosas que no puedo expresar con palabras, no hay manera de lograrlo, en ese momento me despojo de mis miedos, cierro los ojos y bailo. Simplemente bailo. DECISIONES / MUSAS / ECLIPSE / ANTES DE QUE AMANEZCA // Intermedio // CRÓNICA DE UN SECUESTRO / TE RECLAMO A TI. La dirección y la coreografía son de Fernando Esteban. La regisseur y la coreografía son de Nadia Alcántara. Asistente de producción y dramaturgia: Bernardo Casillas. Interpretan Julia Barrios, Dayli Mayet, Nadia Alcántara, Bernardo Casillas, Alberto Palestina (alternando) y Fernando Esteban.

Se presenta el 14, 16, 17 y 18 de mayo SALÓN DE DANZA 19:00 horas (15 de mayo no hay función) Entrada libre

CORAZÓN COMPAÑÍA CREATIVA el muro

La Coordinación de Difusión Cultural de la UNAM, a través de la Dirección de Danza, presenta a CORAZÓN COMPAÑÍA CREATIVA con El muro. Este proyecto nace de la necesidad de reflexionar sobre los muros que vamos poniendo en nuestras relaciones, principalmente con las personas más queremos y amamos. Tomo como referencia mi percepción sobre la relación de mis padres antes de su muerte. Pretendo con este proyecto hablar de este tema que puede ser local y personal, pero que constituye también una reflexión universal: los muros en nuestras vidas.

Gutemberg Brito Patatiba. El asistente de dirección es Gilary Negrete. La música es de Rodrigo Espinosa. Canciones principales: Grupo A 4 voces. La fotografía es de Patricia Ortiz. El video es de Luis Damián Sánchez y la edición es de Diego Navarro. El vestuario es de Maribel Medina. El diseño escenográfico es de Bernhard Rehn. Intervención espacial: Jasmin Etemad. Asuntos legales: Doménico Lagana. Plan de negocios: María Fernanda Vargas. Asesor: Daniel Antón Aguilar García.

He escogido un elemento que siento que representa gran parte de lo que fue su relación: un ladrillo. Un primer pensamiento fijo en la mente del niño que fui. Una pared de ladrillos. El aroma que exhala ese ladrillo mientras llueve. Las personas hacen casas con la intención, algunas veces, como era el caso de mis padres, de acercarse, aproximarse y amarse pero la realidad es que muchas de estas casas sólo sirven para levantar muros. Algunos son bastantes visibles y otros son menos evidentes, como una pareja que vive bajo el mismo techo pero duerme en cuartos separados. Si reflexionamos un poco más, en verdad, las casas son muros. Muros con una cubierta, muros que ocultan el proceso interior de quien ahí vive. Muros con puertas, ventanas, muros que se transforman en pasillos o espacios para cruzar el umbral. Habría que tomar en cuenta que los muros también son porosos, tienen perforaciones, partes en las que el muro pierde su mayor fuerza, donde hay fugas de energía, espacios vacíos. El muro pierde su existencia o, al menos, es permeable. Si hablamos de muros, también podemos hablar de muros mentales. Éstos son los que hacen por primera vez realidad a los muros de concreto y ladrillos. El muro ha sido y será para muchos un gran espacio en blanco para plasmar su propia realidad y emociones.

Se presenta el 22, 23, 24 y 25 de mayo SALÓN DE DANZA 19:00 horas Entrada libre

Los intérpretes son Érika Graciela Montes Jiménez, Maribel Medina Méndez, Hugo Antonio Cruz Ramírez, Oscar Álvaro García Posadas y Tatiana Ayesha Gómez Velásquez. La dirección y la iluminación es de 33

VIRGINIA AMARILLA El río

La Coordinación de Difusión Cultural de la UNAM, a través de la Dirección de Danza, presenta a VIRGINIA AMARILLA con El río. “Cada uno debe hacer verdad en sí mismo, el principio de que su vida ya es algo caducado desde el primer momento que empieza a vivirla, pero es necesario tener también, la suficiente fuerza vital para matar esa muerte propia y convertirla en una vida auténtica”. Kierkegaard La obra indaga en nuestras concepciones del amor y del tiempo. ¿Cómo se manifiestan los recuerdos en nosotros?, ¿por qué la memoria elige o inventa recuerdos?, ¿cuál sería mi destino de haber cambiado una elección en el camino? Dos personas que encierran en su encuentro todas las posibilidades de un tiempo que aún nos resulta indefinible. Danza, teatro y multimedia construyen un discurso escénico emotivo que busca exponer nuestra necesidad de permanencia en los otros y la comprensión de quienes somos a partir de, tal vez, lo único que nos hace reconocernos como los mismos a lo largo de la vida: nuestros recuerdos. “Sólo aquello que se ha ido, es lo que nos pertenece” Jorge Luis Borges

La idea original y la dirección son de Virginia Amarilla* La coreografía e interpretación son de Virginia Amarilla e Iván Ontiveros. La edición musical es de Roberto Cabezas. Multimedia de Hiram Sandoval Kat, Roberto Cabezas. El vestuario es de Victoria y Eugenia Amarilla y la iluminación es de Mauricio Ascencio y Adriana Ruiz.

Se presenta el 29, 30 y 31 de mayo y 1 de junio SALÓN DE DANZA 19:00 horas Entrada libre

*Becaria FONCA,“Creadores Escénicos en Danza Contemporánea 2007-08 y 2010-11”, Categoría B.

Diseccion P.1

Body PARTS

FOTOGRaFíA: JACQUELINE LÓPEZ BAILARINES: Paulina Del Carmen Javier Moreno Alan Ramirez

.....................................................

Texto: Daniela Orlando ..............................................................................................................................................................................................................................................

FI HABLAR DE MARTHA GRAHAM ES HABLAR DE DANZA CONTEMPORÁNEA y vic ev ersa

Aunque es considerada la madre de la danza moderna, Graham inauguraría la idea de la contemporaneidad tras dejar el gran legado técnico que renovaría por completo la idea de la danza de principios del siglo XX, y llevaría a la cúspide los estudios formales del cuerpo y sus posibilidades estéticas. La contracción y el release son los principios fundamentales de la Técnica Graham; el primero tuvo origen observando la reacción física que provoca el desconsuelo. Graham lo tradujo al movimiento en un impulso que parte de la pelvis y que sucede consecuentemente por toda la columna vertebral, acompañada de la exhalación, dando una imagen de “hundimiento” sobre sí mismo. Sin embargo, esta no es una pose pues una correcta contracción debe involucrar todos los músculos del torso para mantenerla activa, es decir, elevada, como parte de un ejercicio de fuerzas contrarias que mantiene el movimiento continuo.

una danza mucho más sensible en términos humanos pero también sensible y perspicaz en entrenamiento, de tal forma que pudieran realizarse movimientos más atacados y efusivos a través de una especie de remembranza muscular: Perhaps what we have always called intuition is merely a nervous system organized by training to perceive.

El trabajo de memoria muscular graba en el cuerpo los movimientos que se han aprendido anteriormente, reactivándose fuera de lo “consciente” para generar espontaneidad de forma más agresiva y frenética y permitiendo también llegar al límite de los movimientos y su riesgo, pero ejecutados con precisión y control. Así entonces, el principio de respiración y de energía renovable enfatiza aspectos importantes: el movimiento vale por sí mismo, es decir, que la expresión y la sensibilidad se transmiten por el movimiento y no por una suerte de dramatización “actoral”. Así también, el movimiento parte del centro del cuerpo a la periferia lo cual se M.Graham - 1966 traduce en movimientos amplios y grandes.

“ Ugliness may

actually

be beautiful if it cries out

with the

voice of

poweR

El release es la oposición a la contracción pero es, también, interdependiente. De la misma forma que la contracción, inicia el movimiento en la pelvis pero ésta busca la máxima extensión de la columna. Sucede en la inhalación, pero así como la contracción lleva la energía al centro del cuerpo, el release propulsa la fuerza física hacia afuera, liberando la energía en un ejercicio de renovación constante.

”

Graham optaba por una danza que fuera física y atlética a partir de una comprensión intrínseca del sistema nervioso que conectara lo emocional con lo muscular en distintos niveles de exterioridad;

Además de convertirse en un hito, Martha Graham logró hacer de la revolución dancística un método y una técnica capaz de desarrollarse por sí misma, que, aunque basada en la técnica clásica, logra sus propios objetivos y formas de contemplar y ejecutar el movimiento como danza. Creó una disciplina física y sensible hacia uno mismo, dejando el camino abierto a la creatividad y la posibilidad de romper los horizontes en términos artísticos, proponiendo a la danza como un idioma universal en un mundo cada vez más global.

Texto: Alejandra Monroy Becerra ..............................................................................................................................................................................................................................................

RETRO SPECTIVA

La Reconstrucci贸n del Yo La transformaci贸n constante Intervenci贸n postmoderna de la Realidad Mexicana.

“La Reconstrucción del Yo La transformación constante Intervención postmoderna de la Realidad Mexicana”... Pues sí, es una reconstrucción del “yo”, pero también la abstracción de este tercer mundo mexicano. Saúl y Rodolfo Maya construyen un espacio en el que ponen al límite a los bailarines y desafían al público a interactuar en el mismo espacio, probablemente esperando que los individuos que se atrevan a entrar en esta radiografía cultural puedan viajar a sus límites también. Esta pieza tuvo lugar en el Salón de Danza de la Dirección de Danza de la UNAM del 20 al 23 de marzo. En este trabajo, los hermanos Maya, quienes son personas inmersas y conectadas con la sociedad en la que viven, tienen los ojos bien abiertos y nos ponen frente a un gran espejo en el que contemplamos a individuos que se mientan la madre en una situación en la que no importa quienes son ni a quienes insultan porque todo es un atentado contra nosotros mismos. También vemos personas oprimidas que se encuentran con sus semejantes opresores y, finalmente, entre todos se oprimen, crean barreras imposibles de traspasar, están a veces de un lado y, a veces, del otro. Hoy las personas se interesan por construirse una imagen desesperadamente; despojándose de su identidad personal, dejan de lado la exploración de sí mismos para convertirse en algo que funcione en el instante presente. De lo anterior vemos testimonio cuando los personajes de esta obra utilizan ropa para cambiar de piel a su antojo. El trabajo personal de un individuo, o el trayecto de la sociedad hacia un objetivo determinado, lo hace estar ciego para lo que le rodea. Pareciera que la alta especialización fragmenta a la humanidad y crea infinidad de grupos incapaces de integrarse que, de fondo, tienen las mismas características psicológicas en lo que a las relaciones interpersonales y la búsqueda de un pedazo de poder se refiere. Todo el abanico de personalidades se encuentra integrado en esta abstracción mexicana y, al final, en la vida, como en la obra de Las Bestias, todo termina en una gran fiesta. Para ver un fragmento del video: www.streamingdance.net 49

Texto: Luis M. García ..............................................................................................................................................................................................................................................

Festival de México 28 edición 2012 LA Danza hace eco en el mes de

MAYO

Del 2 al 20 de Mayo la danza contará con distintas e importantes presentaciones ya que el Festival de México ( FMX ) traerá a los escenarios de la capital, como el Centro Cultural Universitario de la UNAM, variadas exposiciones dancísticas de talla internacional. Celebrando su edición número veintiocho, el Festival de México difunde múltiples disciplinas artísticas que parten desde la música y el teatro hasta la danza, la ópera y la literatura. También incluye actividades académicas como conferencias y distintos talleres culturales, así como restauraciones y dinámicas en museos. Igualmente da cabida a proyectos alternativos de diversas disciplinas como Aural, Animasivo, Radical Mestizo y Xcéntrico, quienes seguirán haciendo su aparición este 2012. Anteriormente conocido como “Festival de México en el Centro Histórico”, desde 1985 ha organizado actividades dedicadas a las artes escénicas, las artes visuales, labores académicas e infantiles y diversas dinámicas al aire libre. En entrevista para D Magazine, el Dr. Gerardo Estrada, director del Festival de México, mencionó que la tarea del Festival “comenzó muy modestamente hace 28 años por un grupo de ciudadanos inquietos por el destino del Centro Histórico de la Ciudad de México y que encontraron la fórmula de asociar la música, la danza y el teatro con los escenarios del Centro de la Ciudad de México para llamar la atención de conservarlo y preservarlo”.

“Poco a poco el Festival fue creciendo, se fue modificando y adquiriendo cada vez mayor importancia; ha llegado a ser muy grande con el apoyo de las autoridades federales, el CONACULTA, y de las autoridades del gobierno de la Ciudad así como de varios patrocinadores privados. Este es el Festival de México”, añadió Estrada. “También se trata de seguir asociando a la Ciudad de México con eventos artísticos, espectáculos artísticos de gran calidad, de alta cultura, de alto rigor que existen en el mundo. El Festival tiene el compromiso de brindar cada año espectáculos de vanguardia, de búsqueda, aunque sean de títulos clásicos pero interpretados de una manera diferente, estrenos en nuestro país de cosas que nunca se han presentado”, terminó. Para las presentaciones de danza, recintos como el Teatro de la Ciudad, el Teatro de la Danza (Centro Cultural del Bosque) y el Teatro Jiménez Rueda albergarán respectivamente a las puestas en escena de Blanca Nieves del Ballet Preljocaj, S’envolver de Estelle Clareton & Montréal Danse, y Revelación 14,1 del ensamble Neuer Tanz. “Viene también la compañía de Les Ballet Jazz de Montréal. En Québec, Canadá, en particular, en este momento hay un movimiento dancístico muy importante en el que destacan la calidad y la innovación”, comentó Gerardo Estrada. En un solo espectáculo conformado por tres coreografías, Les Ballets Jazz de Montréal presentará durante el FMX “Zip Zap Zoom”, “Zero In On” y “Rossini Cards”, cuya dirección coreográfica corrió a cargo de Anabelle López Ochoa, Cayetano Soto Ochoa y el coreógrafo italiano Mauro Bigonzetti, respectivamente. Dichas presentaciones se realizarán el 19 de Mayo en la Sala Miguel Covarrubias del Centro Cultural Universitario de la UNAM. La compañía, bajo la dirección artística de Louis Robitaille, ha mantenido su expansión con energía y espíritu de exploración que le han caracterizado desde sus orígenes en 1972, apuntando hacia las tendencias contemporáneas sin abandonar su compromiso con la estética clásica. Afirmó el director del Festival, Gerardo Estrada, que “la estrella desde el punto de vista de la danza del Festival es el Ballet de Angelin Preljocaj, una compañía de danza francesa con un coreógrafo, el señor Preljocaj, que desde hace mucho tiempo ha venido trabajando y se ha convertido en

una de las compañías más oídas en Francia, con un gran prestigio”. Fundado en 1985 por el coreógrafo y bailarín francés Angelin Preljocaj, el Ballet Preljocaj presentará en este Festival el espectáculo dancístico Blanca Nieves, donde participarán 26 bailarines con vestuario del diseñador Jean-Paul Gaultier y acompañados por la música del compositor Gustav Mahler. “Este año nos ha puesto una coreografía de Blanca Nieves, este viejo cuento de los Hermanos Grimm, logrado con música de Mahler y con un vestuario muy audaz de Jean Paul Gaultier, el modisto francés. Es una coreografía que reúne muchos elementos nuevos sobre un tema tradicional”, aseguró el Dr. Estrada. Para las artes escénicas y la difusión eficaz de la cultura en sus muchas representaciones siempre es una tarea difícil el seleccionar qué obras presentar y los contenidos de las mismas. El Dr. Gerardo Estrada confiesa que “en el mundo de la cultura siempre estamos batallando con los presupuestos. El problema es la relación calidad – costo dentro de un presupuesto que se sabe limitado. Esa adecuación es lo que nos cuesta mucho trabajo siempre, entre lo que deseamos y lo que podemos, pero calidad siempre hay en el mundo”. “Tenemos grupos asesores en el que participan: la UNAM, entre otras instituciones de una manera muy fundamental, y el Instituto Nacional de Bellas Artes, a través de sus directores de danza o de teatro que son los que nos ayudan a ir localizando las obras más significativas. El Festival tiene un perfil y así el público lo reconoce, de buscar vanguardias y cosas diferentes”. La inauguración del FMX dará comienzo el día 2 de Mayo con la participación del pianista de origen coreano Sunwook Kim junto a la Orquesta Sinfónica Nacional, bajo la batuta del Maestro Carlos Miguel Prieto, presentándose en el Palacio de Bellas Artes e interpretando obras de Beethoven, Brahms y Schumann. Asimismo, la clausura del Festival se celebrará al aire libre en la Plaza de la República el 20 de Mayo a cargo de las agrupaciones de fusión musical y electrónica Panóptica Orchestra, Sonidero Mestizo y La Banda Regional Mixe. 51

UNA FRASE PARA LA DANZA

El bailarín mueve su cuerpo al ritmo de la melodía e interpreta historias, personajes, sentimientos y pasiones, sobre el escenario. Además Recibe el aplauso del público ya que transmite con su cuerpo la energía del movimiento. Tal vez la danza no utilice la palabra hablada como en el teatro, pero existen frases y reflexiones de coreógrafos, bailarines y artistas, que simplemente llevan una enseñanza sublime. AQUÍ Te presentamos mensajes y palabras cargadas de emociones, que bailan en el corazón.

“La danza es un poema en el que cada movimiento es una palabra.” Mata Hari, 1876 - 1917 Bailarina exótica y de burlesque de principios de 1900.

“La danza es el único arte en el que nosotros mismos somos el material del que el arte está hecho.” Ted Shawn, 1891 - 1972. Pionero de la danza moderna en EUA.

“La danza no es solo transmisión de una técnica, sino también de un impulso vital profundo.” Isadora Duncan, 1877 - 1827. Pionera de la Danza Moderna en EUA.

“Los grandes bailarines no son geniales por su técnica, son geniales por su PASIÓN.”, “El cuerpo nunca miente.” Martha Graham. 1894 -1991. Bailarina y coreógrafa estadounidense precursora de la danza contemporánea.

“Vive como si fueras a morir mañana, trabaja como si no necesitaras el dinero, baila como si nadie estuviera mirando.” Bob Fosse, 1927 - 1987. Coreógrafo americano reconocido por su estilo Broadway Jazz. 52

“Debes producir para el público no para ti misma. Toma una idea, analízala y de un pequeño tema haz miles de variaciones. Crea una imagen y vuélvela al revés. Da un motivo a tu danza. Crea una danza en una forma nueva, jamás antes usada, que posea contenido en cada instante, en cada dibujo”. George Balanchine, 1904 - 1983. Coreógrafo de Ballet clásico, que reformó y modernizó el ballet.

“Me convierto en las estrellas y en la luna. Me convierto en el amante y en el amado. Me convierto en el vencedor y en el vencido. Me convierto en el amo y en el esclavo. Me convierto en el cantante y en la canción. Me convierto en el conocedor y en el conocido. Sigo bailando... Luego queda la eterna danza de la creación. El creador y la creación emergen en un todo de goce. Sigo bailando... y bailando... y bailando. Hasta que sólo queda... la danza.” Michael Jackson, 1958 - 2009. Bailarín y cantante afroamericano destacado por su estilo al bailar.

“No es cómo se mueve el cuerpo, sino qué es lo que lo mueve”, “Bailemos, bailemos, de otra forma estamos perdidos”. Pina Bausch, 1940 – 2009. Coreógrafa Alemana precursora del Posmodernismo en la danza..

“No trato de bailar mejor que nadie. Sólo trato de bailar mejor que yo.” Mikhail Baryshnikov, 1948. Reconocido como el mejor bailarín clásico del mundo.

“La danza es mi religión y me entrego con devoción a practicar y difundir esa fe misteriosa. No puedo deslindarme de esta creencia, incluso cuando me tomo vacaciones, después de unos días, necesito volver a conectarme con mi cuerpo, como el aire que respiro, escuchar la música y recuperar ese espacio introspectivo para reflexionar.” Paloma Herrera. Bailarina argentina solista principal del ABT Ballet en NY.

“El movimiento es vida”. Sylvie Guillem, 1965. Bailarina francesa de clásico reconocida como la mejor de esta ultima década. 53

Texto: Hugo Cabrera

Foto: Cortesía Cranämour

S TRAC A

T S AAS B

MFOR venymoderna erefl jo 54

d a ude n

o j na za

Empieza desde la mirada del espectador: una serie de sujetos que aceleran su cuerpo con movimientos exagerados hasta llegar al escenario, introduciéndose todos poco a poco en una especie de orificio en el centro de algo a lo que no se le encuentra una forma concreta; una catarsis en este orificio que es la representación de un agujero en un pulmón por el que respiramos o dejamos de respirar. Hablar sobre danza abstracta es tan irreal como describirla, las propuestas y la renovación de la misma danza son lo que ofrecen su propia abstracción. Criticada, y poco comprendida en muchas ocasiones, la danza abstracta o danza expresionista tiene como fin recuperar la liberación del cuerpo sin ser tan estricta con la estética de los movimientos y el cuerpo.

Este conjunto genera una especie de danza/teatro donde la música puede variar desde rock, clásica u operística, hasta industrial, electrónica o minimalista; siempre interviniendo con el estilo de danza, el cuerpo plasma con el movimiento el ritmo de la música y se mezcla con los elementos que existen dentro de la puesta. Así se rompe el concepto de lo ideal para dar paso a un espectro más amplio de pasos, cuerpos, movimientos, música y todo ello cobra un significado subjetivo para el cuerpo y el pensamiento. Puede que el espectador se sienta muy lejos de la realidad o que en verdad no comprenda absolutamente nada de lo que pasa a su alrededor, se pierdan todas las líneas básicas que conoce de la danza y se sienta familiarizado con una obra de teatro. Dentro de este concepto existen historias que pueden ser profundas o simbólicas, que jueguen con la originalidad y los sentimientos humanos y provoquen en el espectador algo más que sólo la admiración de la belleza por el baile y existen, también, historias cortas de trágicos finales. El planteamiento de preguntas en ambas direcciones, los lados extremos del hombre o la “simple“ y despiadada vida, es un tema que puede ser coreografiado con la autoexpresión abandonando el mecanismo clásico y utilizando coreografías que rompan la escala de lo tradicional. La creación de escenas para el espectador con imágenes que impacten y que se graben en la memoria y bailarines con agresividad en momentos de la vida cotidiana son elementos de la naturaleza que intervienen con la despiadada angustia de los sentimientos encontrados y comunican ideas nacidas para manifestarse. Ya sean ideas de oriente, occidente o una mezcla de ambas, el propósito de la danza abstracta es brindar al espectador el encuentro entre la mente y el cuerpo proveniente del interior y esa necesidad de revitalización artística, ejemplos de eso son la Danza Butoh o la Jatiswaram. Vivir la experiencia e intentar entender el desafío que nos proponen, la posibilidad de adentrarse intensamente en las ideas y sentimientos comunicados con la transformación del arte es un mensaje con una causa noble y poder puro. 55

Texto: Federico Arias C. Arias

rungoldenboys 56

..............................................................................................................

.........................................................................................................................

RunGoldenBoys es una banda de post-rock formada en el 2009 en Coyoacán, Distrito Federal. Formada por Federico Martínez en la guitarra y secuencias, Argel Maldonado en la guitarra, secuencias y ambientes, Carlos Cepeda en la batería y Víctor Terrazas en el bajo, RunGoldenBoys sigue la línea del Post-Rock y decide tomar este género para poder experimentar entre varias atmósferas y sonidos pero con su sello característico. Dándose a conocer poco a poco en la escena nacional con su primer material “Entropía”, RunGoldenBoys espera una mayor apertura de este género en el país. El proceso de creación de su sonido es el resultado de la experiencia y una buena comunicación; no sólo se ven como una banda, sino como una familia y un círculo en el cual se sienten con mucha confianza tanto entre ellos como con la gente que siempre ha estado apoyando el proyecto desde el principio. A todo esto se suman todas sus influencias musicales que, en este caso, son muy variadas; se trata de describirse y redescubrirse musicalmente para poder aprender un poco más y crear nuevas cosas. “Entropía” es el primer EP y debut de esta banda. Como su nombre lo indica, este EP describe perfecto lo que podemos esperar de este disco de corta duración: siete canciones que nos transportan a ambientes muy tranquilos con melodías sentimentales, llenas de riffs pesados que liberan toda la energía posible que estos cuatro integrantes puedan tener y saturadas de secuencias y sintetizadores en los cuales intentan experimentar y redescubrirse en su propio universo musical. No hay que perderle la pista a estos chicos dorados y su entropía, ya que se presentarán en noviembre en el Imagina Post-Rock Festival que se llevará a cabo en Tepoztlán, Estado de México. Entropía se puede descargar de manera gratuita en: www.rungoldenboys.bandcamp.com Sus redes sociales son : www.twitter.com/rungoldenboys www.facebook.com/rungoldenboys www.soundcloud.com/rungoldenboys 57

Texto: Óscar Román

Foto: Cortesía PanKute

DECORA STYLE

EXCENTRICIDAD POR las capas

Colores brillantes, clips enormes para el cabello, moños alocados y montones de capas y accesorios conforman esta moda, conocida como Decora por saturar la decoración en la indumentaria, en las calles de Harajuku, distrito popular por su concentración de modas y jóvenes en Japón.

esencia luciendo poco o casi nada diferente; en el caso de Decora derivan las “Decora Lolita” y las “Dark Decora”. Las “Decora Lolita” suman el estilo Decora con el de Lolita, caracterizado por vestidos de aristocracia del tipo Rococó y Victoriano. El término proviene de la integración paulatina de la vida occidental en los usos y costumbres de la sociedad japonesa, así como la idealización del pasado aristocrático.

Los accesorios pueden incluir juguetes de plástico y joyas que hagan juego pero, sobre todo, que hagan ruido al caminar. El estilo se remonta a los 90 con el auge de un cantante japonés de un solo éxito, Tomoe Shinohara. Al desaparecer su popularidad, también lo hizo el Decora aunque resurgió de nuevo en 2003 y, de nueva cuenta, a finales del 2011. Las tendencias para los nipones pasan aún más rápido que las temporadas convencionales, pues les encanta la originalidad que, en ocasiones, de este lado del charco, nos parece un tanto descabellada; todo tiene que ver con su cultura y, sobre todo, con la forma de expresión. Por estas razones muchas modas se olvidan para después resurgir con modificaciones y nombres distintos; de hecho, muchas veces les ganan a las editoriales y, cuando se publican, han vuelto a pasar de moda. Ese caso aplica también para los Decora, caracterizados por utilizar colores cálidos en su vestir como rojo, naranja y rosa. Les gusta, además, utilizar como complementos muñecos de peluche, pines y cualquier cosa que se puedan colgar o pegar, así como calcetas sobre medias o calentadores. Entre más saturado el estilo, mejor. Decora tiende a recordar niñas tiernas y pequeñas, aunque los varones lo usan de igual manera pues visten shorts, pescadores o bermudas acompañados de guantes y bufandas e incluso moños en el cabello y marcado rubor en las mejillas. Como en todos los estilos japoneses, hay hibridaciones que dan como resultado conceptos a veces totalmente diferentes y, otras veces, conservan su

Las “DecoLoli”, como también se les llama, usan enaguas, encajes y volantes junto con accesorios para el pelo, pulseras ruidosas, collares, peluches y sombrillas en colores pasteles azul, rosa, verde o lila. Por lo general usan vestidos a la altura de la rodilla o más cortos con medias o calcetas largas. El estilo “Dark Decora” implementa como base de la ropa el negro, en contraste con colores más vivos como el rojo, menta, amarillo, morado o blanco, y tiene las mismas bases de usar de manera saturada los accesorios y poner muchas capas de ropa. Diversos estilos se pasean por las calles de Japón tratando de ser la tendencia del momento, por lo cual es difícil definir una sola moda que esté en voga pues, al ser tantas personas congregadas, los gustos son muy variados aunque casi en todos los ámbitos y géneros los zapatos con plataforma están resurgiendo. No necesariamente con tacón ni tampoco con plataforma exagerada, el zapato con plataforma aparece en todas las formas de calzado e incluso para los varones en tenis y zapatos formales; existen también algunas con formas geométricas que rebasan el tamaño del pie. Tips para el estilo: - Comprar online, podrías encontrar ofertas muy buenas. - Usar sombras con brillos y tatuajes de agua, cualquier cosa que te haga brillar. - Capa + capa + capa es la esencia del estilo. En esta época del año las faldas de tul son la opción al usar leggins o medias para no morir de calor. - Las uñas con colores neón son un toque que resalta. - No combines todo al azar, usa un solo color o haz mezclas de 2 a 3 tonos como máximo. 59

Texto: Ramón Márquez

Foto: Cortesía DefenseGo

DEPORTE

CARRERA COMO ESPARCIMIENTO

El deporte o actividad de esparcimiento ha formado parte de la vida del hombre desde sus inicio; se puede mencionar la caza como primer actividad física para poder vivir hasta llegar a la actividad por esparcimiento, como puede ser una caminata, o la actividad física con fines de competencia, como puede ser la carrera. En esta ocasión se profundizará en el maratón y ultra-maratón. Esta actividad se remonta hasta la antigua Grecia gracias al mito sobre un soldado griego que perdió la vida debido a la fatiga por recorrer la distancia entre Maratón y Atenas (40 km) y anunciar la victoria sobre el ejército persa. Lo que realmente sucedió fue que recorrió esta distancia aproximadamente seis veces, de Atenas a Esparta, pero el mito se volvió muy popular hasta que se creó una competencia a la que se le nombró maratón y después se agregó a los Juegos Olímpicos en 1896. La carrera es un deporte que se puede practicar en cualquier momento a cualquier hora y en, prácticamente, cualquier lugar ya que sólo se necesitan un par de tenis y ropa deportiva. Gracias a la investigación y los avances tecnológicos ahora hay ropa y calzado especial para cada tipo de carrera que se desee practicar.

Para dar una idea clara, y sin profundizar mucho, existen la explosiva carrera de velocidad (100, 200 y 400 m), las carreras cortas de 5 y 10 km, la carrera de medio fondo (21 km), la carrera de fondo (maratón de 42.2 km) y el ultra maratón (50, 100 km, 50 y 100 mi). Las carreras se organizan casi cada fin de semana en la Ciudad de México y en las principales ciudades del país. Como buena fuente para carreras cortas, medios maratones y maratones hay páginas web como runmx.com o asdeporte.com, en las que se puede encontrar la información necesaria si se decide practicar este deporte. El maratón ha tenido mucha demanda, tanto de atletas como de espectadores, y destacan los Maratones de Nueva York y de Boston como los más concurridos y para los cuales hay que calificar para poder asistir (es decir tener récord en tiempo comprobable en otros maratones de acuerdo a la edad) pero existen en todo el mundo, incluyendo México. Con el afán de trasladar las carreras a un nivel más todo terreno y agregar dificultad, se han organizado carreras cortas en las que hay obstáculos como recorrido pecho tierra, barras para pasar una trampa de lodo, bardas, rocas e, incluyendo un poco más de reto, cumplir con ciertas misiones. A esta carrera se le conoce como “Carrera Brutal” pero sólo es de

8 y 10 km y se realiza en León, Guanajuato. El pasado 15 de abril se llevó a cabo una carrera en el Nevado de Toluca en la que el recorrido, de 24 y 26 km fue por las Lagunas del Sol y la Luna y por rocas con cierta escalada; esta carrera es más demandante físicamente por la complejidad de la ruta ya que en todo momento es subida. El ultra maratón en nuestro país es una disciplina relativamente antigua ya que un par de indios tarahumara hicieron un recorrido de 100 km de Pachuca a la ciudad de México en el año de 1926 y fue éste uno de los primeros ultra maratones registrados en el mundo, lo cual nos debería dar orgullo ya que hemos sido pioneros en este deporte. En el conocido “Ultra maratón de los Cañones” o “Reto Sierra Tarahumara”, a unos 410 km de la ciudad de Chihuahua, el grupo étnico de los Rarámuri sigue siendo el oponente a vencer. Este en realidad es un deporte extremo ya que es una prueba a la capacidad mental y física y requiere mucho entrenamiento y valor para llegar a la meta. Esta carrera se hace una vez al año y el recorrido incluye ascenso y descenso de la famosa barranca Sinforosa, además de que las temperaturas están alrededor de 40 °C; además, las barrancas pueden cobrar la vida de algún deportista que no vaya preparado para ello. Lo que hace que este grupo étnico siga siendo el rival a vencer es que ellos tienen entrenamientos con la vida diaria y no hay mejor entrenamiento que ese para poder ganar una competencia de este tipo. El ultra maratón normalmente es en montaña y, debido a las características del mismo, no hay tantos abastecimientos como en un maratón o carrera, por lo tanto es recomendable contar con cierto equipo para poder practicarlo.

INFO El equipo necesario es un cinturón de hidratación y/o “camelback”, es decir, una mochila de hidratación con una capacidad de dos litros y compartimentos para barras energéticas, tennis de montaña impermeables con agarres laterales y más rigidez en la parte inferior para evitar un poco algún tipo de lesión al pisar piedras, ropa de secado rápido, normalmente de poliéster, calcetines con ajuste especial para evitar ampollas y crema anti rozaduras. Por lo intrínseco de este deporte es totalmente deseable no practicarlo solo. Como se puede ver, la carrera es un deporte que, siendo tan antiguo, ha evolucionado tanto que se puede adaptar a cualquier gusto, así es que nunca es tarde para intentarlo. 61

Texto: Guillermo Pimentel

rpg’s

¿eso qué es?

Los RPGs, por sus siglas en inglés, significan “Role Playing Game” y son juegos en los que se toma el rol de algún personaje inventado de acuerdo a reglas determinadas; es como vivir en el cuerpo de otro. No se necesita gran cosa para poder jugarlos, sólo se requiere de mucha imaginación y seguir algunas reglas básicas (actualmente existen también RPGs para consolas de videojuegos).

Un tipo muy específico de RPG es el Rol de Mesa, donde lo necesario para jugar son algunos dados, libros de reglas, hojas de personaje y la pura imaginación. Un RPG, en términos muy simples, es como leer un libro interactivo, es decir, se lee la historia y puede hacerse lo que se desee con los personajes, así como también pueden hacerlo los demás jugadores con los que eventualmente se tendrá que interactuar. El primer paso es elegir el tipo de juego y sus respectivas reglas. Existen muchos como Dungeons & Dragons, Vampiro, D20 moderno, etc. y cada uno de ellos tiene sus propias reglas, escenarios y épocas. Después, se crea un personaje y puede hacerse con él lo que se desee, desde cómo se verá hasta cómo pensará; la intención de esto es crear a un personaje que pueda ser interpretado por el jugador, es decir, el jugador tendrá que asumir el rol del personaje creado y hacer suyas tanto su fuerza, su destreza y su carisma como sus poderes, sus atributos y su forma de pensar. Ya establecidas las reglas y creados los personajes, empieza el juego: Existirá una persona que fungirá como el “cuenta-cuentos” y su rol es contar una historia en la que todos los jugadores puedan

desarrollar a sus personajes así como jugar con todos los personajes que no sean de la invención de algún jugador, conocidos por sus siglas en inglés como NPCs o Non Playing Characters. Cuando el juego comienza es necesario entrar en el rol del personaje creado. Un Guerrero-Orco, por ejemplo, deberá actuar tal y como fue creado, pensar como si se fuera él y tomar decisiones como si se estuviera en su lugar. Los juegos de Rol de Mesa más conocidos son Dungeons & Dragons y Vampiro. En D&D el jugador se encuentra en la época medieval y existen razas de todo tipo: orcos, elfos, humanos, enanos (imagina El Señor de los Anillos). Las historias son de muchos tipos pero, por lo general, el objetivo es salvar al mundo, o al menos a la región del jugador, del mal y, algunas veces, del bien... D&D se juega con dados de 20 caras para hacer cualquier acción y, dependiendo del resultado, el personaje golpeará, brincará, encontrará lo que busca o lo que sea que se desee hacer. Del 2 al 19 es la eficacia del tiro, un 20 significa que la acción fue tan buena que además hace algo extra positivo y, por el contrario, un 1 significa que el personaje fue tan malo en su acción que habrán repercusiones hacia él o sus compañeros. Después, el jugador tirará un dado de 4, 6, 8, 10, 12 o hasta 100 caras (dos dados de 10 caras) para determinar las últimas variables. En Vampiro, el jugador está en la época moderna y elige a un vampiro con todo y su mitología. Existen muchos clanes (o razas) para jugarlo y, dependiendo de lo que se elija, será el personaje. El objetivo es hacer todo lo posible para que los ideales del personaje o clan se cumplan, es decir, no es un juego tan cooperativo y se presta a muchas intrigas y tiene un tinte detectivesco. Vampiro se juega con solamente dados de 10 caras, se realiza una tirada de determinados dados para hacer la acción del personaje y luego vuelve a tirarse otro determinado número de dados para especificar la eficacia de dicha acción. Como puede verse, el Juego de Rol es algo muy simple de jugar y merece una oportunidad ya que puede llegar a ser muy absorbente. Dependiendo del elegido, para crear la historia se pueden recrear desde batallas intensas hasta escenarios épicos pues se puede desde luchar contra un dragón ¡hasta pelear al lado de Han Solo en el Halcón Milenario! 63

Texto: Roberto Poblete

Ilustración: Chantal Stained

Sueño de ablación El jardín era un piélago. El pasto se extendía a sus anchas. En medio de esa llanura se erguía un castillo naranja fogoso; tenía unas puertotas de hierro y madera. Había un solo árbol. En el cielo estaban desdibujadas las presencias del sol y de la luna; no era posible distinguir al uno de la otra. El niño las contemplaba inexpresivo. Caminó y sintió el pasto en sus pies. Al cerrar sus ojos el jardín desapareció y, al abrirlos, el niño se dio cuenta de que estaba en su casa, en su cuarto. Una gran pantalla blanca emitía una luz tan poderosa que casi cegaba; vagamente recordaba la abyección de un hospital y un ruido tan estridente que lo obligaba a taparse las orejas con las manos. Con lentitud, esa potencia fue disminuyendo o el niño, que tuvo que sufrirla, se fue acostumbrando a ella. Frente a la pantalla, ahora argéntea, las puertas de un clóset guardaban algo. Sobresalían de las puertas unos pies amoratados, casi negros porque comenzaban a pudrirse. Sin duda eran del mismo tamaño que los del niño. El cadáver y el niño eran idénticos. El cuerpo estaba 64

boca abajo con rigor mortis. Con la velocidad del relámpago vino el recuerdo del asesinato: él mismo había sido el ejecutor. Una voz por encima de su hombro dijo: «Este cuerpo hiede. Sácalo». El niño miró atrás, al menos para decir algo con la mirada, pero ya no había a quien mirar. La blancura comenzó a tomar fuerza otra vez y el niño, con un cuchillito, desmembró con lentitud un cuerpo que era como el suyo, como si cortara su carne y observara tal cosa en un espejo. La sangre maloliente era como petróleo. Mientras terminaba de usar el cuchillo, su familia llegó. El miedo anegó su interior cuando escuchó que tocaban a su puerta. Comenzó a llorar porque no supo hacer otra cosa. Salió de su cuarto para alejar a su padres que estaban a punto de entrar y ver el matadero aquél –donde estaba la luz, la pantalla grande como una luna, la sangre bruna, su cadáver– pero al verlos temió que lo tacharan de impostor; ante ellos, ya no supo si de verdad era él o era el otro.

SALA MIGUEL COVARRUBIAS Coordinador:Juan Manuel Reyes Administrador: Gabriel Torres Secretaria: Lorena Juárez Coordinador Técnico: Mario Rodríguez Asistente del Coordinador Técnico: Federico Vite Jefe de Iluminación: Marco Antonio Barragán Iluminación: Lourdes Aviña, Manuel Escobar, Pedro Inguanzo, Gerardo Arenas y Alejandro Celedón Jefe de Audio: Julio Colunga Audio: Martín Tapia Jefe de Tramoya: Tomás López Tramoya: Juan Carlos Dimas, Juan José Jiménez, José Angel Ortuño, César Robles y Osvaldo Pedraza Jefe de Traspunte: Ricardo Velásquez Vestuario: Patricia Sánchez, Adriana Carbajal, Yolanda Segura y Yadira Llanos Prefectos: Sergio Hernandéz, Elvia Ibarra y Agustín Sánchez Taquilla: Abraham Rabadán, Rosalia Vargas y Ma.de los Ángeles Retiguin

SALÓN DE DANZA Coordinador General: Gilberto Ortega Asistente: Vania Sahuer Coordinación Logística: Miguel Ángel Hernández Martínez Iluminación: César Hiram Mendoza Video y Multimedia: Manuel Mendoza Tramoya y Piso: Oscar Mendoza, Juan Ortíz y Alejandro Barrera

www.danza.unam.mx www.issuu.com/magazined/docs/mayo2012 www.youtube.com/videomasdanza