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Escoberito Raúl Obregón Lifting Alen Seed El Gato con Botas
Celia Vergara
“No me apetece tanto dedicar mi tiempo y atención a soñar como a aprender a vivir de una manera más consciente”.
Mercedes-Benz Fashion Week Madrid
SUMARIO
RAÚL OBREGÓN
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SUMARIO
CELIA VERGARA
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SUMARIO
2013 FEBRERO
SUMARIO Nยบ 17
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THE FICTION NON STOP
ALEN SEED
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LIFTING
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EL GATO CON BOTAS
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DIRECCIÓN Patricia Guergué Montero mewmagazine@mewmagazine.es mewmagazine@gmail.com DIRECTORA DE ARTE Esther Delgado REDACCIÓN ÁLAVA Vanessa Rino alava@mewmagazine.es REDACCIÓN MADRID madrid@mewmagazine.es REDACCIÓN SEVILLA Noelia Macías sevilla@mewmagazine.es Sonia Múñoz Ruíz Miguel Herrera REDACCIÓN VALENCIA Sergio Jurado valencia@mewmagazine.es REDACCIÓN LA OTRA LATITUD laotralatitud@mewmagazine.es DPTO. FOTOGRAFÍA Santi Xander Edu López Photo DPTO. LO QUE SUENA AQUÍ DENTRO Nuria Arévalo loquesuenaaquiadentro@gmail.com REDACCIÓN Alejandro Domínguez Paloma Díaz Sada Sandra González Rafael Rosco Alberto Mera Nieves Sebastián Sara Astarloa Oliva
Jesús Martínez Reneo COLABORACIONES Doc Pastor Polo Zoya Fotografía
Ojo de Pez Fotografía Ergo Photography
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“La mayor parte de nuestra vida es una serie de imágenes. La vida pasa por delante como las ciudades por la autopista. Pero algunas veces, se detiene un momento, y algo acontece. Y nosotros sabemos que ese instante es más que una imagen. Sabemos que ese momento, y todas las partes de él, vivirán para siempre”. (One Tree Hill)
MEW Magazine
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THE FICTION NON STOP
FOX TE TRAE LO NUEVO DE ‘LADRÓN DE GUANTE BLANCO’
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LADRÓN DE GUANTE BLANCO
Antes del habitual parón vacacional de la cuarta temporada de “Ladrón de guante blanco”, dejamos a Neil Caffrey (Matt Bomer – “Chuck”, “Tru Calling”) sorprendido por la revelación de que Sam Phelps (Treat Williams – “Everwood”) es en realidad su padre, antiguo agente de policía, desaparecido misteriosamente cuando él era un niño tras ser acusado de un caso de corrupción en el cuerpo. Esta y otras sorpresas formarán parte del tronco argumental de los nuevos episodios de la serie que FOX Crime estrenará los martes, a las 22.10 horas, desde el próximo 26 de febrero. Se trata de los episodios que restan de la cuarta temporada de la serie, estrenada en FOX Crime en septiembre y suspendida durante varias semanas por el habitual parón vacacional estadounidense. Creada por Jeff Eastin (“Hawaii”, “Meet the Marks”), “Ladrón de guante blanco” gira en torno al personaje de Neil Caffrey, un falsificador y ladrón de obras de arte, convertido en colaborador del FBI para evitar ir a la cárcel. Atractivo y provisto de un gran sentido del humor, que utiliza siempre en todos sus cometidos, Caffrey se ha ganado a la audiencia de la misma forma que a sus compañeros en la serie, con los que ha creado una verdadera complicidad, especialmente con Peter Burke (Tim Dekay – “Dime que me quieres”), el agente especializado en robos de arte al que le es confiada su custodia y entrenamiento para operar en misiones de recuperación de objetos robados.
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EL ESTRENO DE LOS NUEVOS EPISODIOS TRIUNFA EN ESTADOS UNIDOS Y EN FOX ESPAÑA
“The Walking Dead” sigue batiendo records de audiencia en Estados Unidos y en nuestro país. El esperado regreso de la serie con el estreno del primero de los ocho episodios que restan de su tercera temporada ha obtenido de nuevo el refrendo de un público que se demuestra incondicional de esta producción, cuyos derechos de distribución internacional pertenecen a Fox International Channels, responsable del estreno de la misma en los canales FOX de más de 120 países, incluido por supuesto FOX España.
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THE WALKING DEAD
El pasado domingo 10 de febrero la serie congregó en USA a 12,3 millones de espectadores, el mejor resultado obtenido por la serie en este mercado desde su estreno en 2010. Todo un logro para el canal de cable AMC que emite la serie en Norteamérica. En el caso de España, FOX estrenó el episodio ayer lunes, menos de 24 horas después de su emisión en Estados Unidos, reuniendo a más de 320.000 espectadores y arrojando una cuota de pantalla del 1,42%, un notable resultado fiel a la media obtenida durante el estreno de los primeros episodios de la tercera entrega y un excelente dato para la televisión de pago esta temporada.
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MEDIASET ESPAÑA ADQUIERE “CALL THE MIDWIFE” Y “THE PARADISE”, Una entrañable historia ambientada en el Londres de los años 50 Basada en las memorias de la comadrona Jennifer Worth, cuya publicación supuso un fenómeno literario con más de un millón de ejemplares vendidos, “Call the midwife” (“Llama a la comadrona”) narra la historia de Jenny Lee (Jessica Raine), una joven rica que se traslada al East End de Londres para completar su formación como enfermera y especializarse en la profesión de comadrona. Creyendo que ha sido aceptada en un pequeño hospital privado, Jenny se lleva una sorpresa al descubrir que el lugar al que le han destinado es en realidad un convento de monjas que atiende a las mujeres más pobres de la ciudad. Aunque al principio le supone un choque muy fuerte, la experiencia en el convento terminará cambiando 16 - www.mewmagazine.es
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la vida de Jenny para siempre. Aclamada por la crítica y el público, ganadora de dos TV Choice Awards, un National Television Award y nominada a dos premios BAFTA, “Call the midwife” ha sido la serie con mejor audiencia en la BBC desde 2001, con una media de diez millones de espectadores en su primera temporada.
Unos grandes almacenes en el siglo XIX, marco de la historia de “The Paradise” Joanna Vanderham (“The Runaway”) y Emun Elliott (“Juego de tronos”) protagonizan esta historia costumbrista, adaptación libre de la novela “El paraíso de las damas” de Émile Zola. “The paradise” cuenta la historia de Denise, una joven que se traslada a una ciudad del noroeste de Inglaterra en 1870 con la esperanza de que su tío le de trabajo en la tienda que regenta. Sin embargo, al llegar se encuentra con que éste y el resto de pequeños negocios de la zona están abocados a la ruina tras la apertura de los grandes almacenes “The Paradise” y es en este novedoso establecimiento donde acaba encontrando empleo. Su simpatía y su innata capacidad para las ventas terminan por llamar la atención de Moray, el joven dueño del negocio. “The Paradise”, se estrenó en el Reino Unido en septiembre de 2012 y ha firmado una segunda temporada tras congregar a una media de seis millones de espectadores en su primera entrega.
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ARCO 2013
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ARCO 2013
LA PROMOCIÓN DEL ARTE CONTEMPORÁNEO
Imágenes por: Esther Delgado
La obra seleccionada abarca las vanguardias históricas, los clásicos contemporáneos y el arte actual. Procedentes de 27 países, las 146 galerías incluidas en el Programa General y las 55 que forman parte de los programas comisariados exponen pintura, escultura, instalaciones, fotografía, video, new media, dibujo y grabado. A lo largo de nuestros próximos números os invitaremos a diversas editoriales con lo más destacado de ARCO 2013, de la mano de nuestra directora de arte, Esther Delgado.
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ARCO 2013
La Fundación ARCO, un proyecto renovado para fomentar el coleccionismo y apoyar a la difusión del arte
Como ya es tradición, la entidad volvió a adquirir obras en la Feria que pasarán a formar parte de la Colección de la Institución. Con más de veinticinco años de historia, los fondos de la Fundación ARCO representan una de las colecciones de arte contemporáneo más destacadas de España.
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ALEN SEED
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RUNNING MAN
“Mi música es esencialmente electrónica e influenciada por tendencias de los 70 y los 80.”
Dinámico, dramático y poco hablador. Así es como se define en un escenario. Alen Seed supo que quería dedicarse a esto de la música desde que apenas era un niño. Compositor de altura, tuvo que trasladarse a Londres para poder conseguir la oportunidad que tanto ansiaba: presentar su primer trabajo discográfico. Ahora llega con su primer single, ‘Running Man’, por el que apuesta con absoluta contundencia al definir su sonido a la perfección.
Por: Nuria Arévalo
“Si tengo algún miedo con relación a mi carrera es el de no tener medios para seguir haciendo música.”
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ALEN SEED Para todo aquel que te esté conociendo en estos momentos... ¿cómo te definirías a nivel profesional? Mi música es esencialmente electrónica e influenciada por tendencias de los 70 y los 80. No solo en un plano musical, también estético y visual. No me gusta ponerme límites a la hora de componer o expresarme y el arte es mi religión. Ahora que estás comenzando una carrera musical como solista, ¿cuáles son tus miedos? Me imagino que el de cualquiera que está empezando. Si tengo algún miedo con relación a mi carrera es el de no tener medios para seguir haciendo música. Pero siempre se buscan alternativas. Si algo te importa mucho, siempre se consiguen medios para mantener vivo un proyecto. Para un artista como tú, ¿la música es el mejor instrumento para transmitir cada uno de los sentimientos que nos invaden? Para mí es el único medio. También el cine, la novela, la pintura… pero lo bueno de la música es que puedes fusionar todo. Haciendo música, puedes incluir tus letras, hacer vídeos o diseñar portadas. Todas ellas son mis pasiones e intento que vayan de la mano en mi proyecto. Pero la música es la forma de expresión más potente de todas, sin duda. El videoclip de tu primer sencillo ya ha sido publicado. A la hora de plasmar la letra y la melodía en pantalla, ¿qué es lo que resulta más complicado? En realidad el video que se ha estrenado es un video que hice en casa. Recopilando clips de los 70 y los 80, de mis ciudades favoritas como Los Angeles, Nueva York o Londres. Me grabé a mí mismo con la cam de mi Mac y luego retoqué las imágenes para conseguir un efecto lo más fiel posible a aquella era. Quería mostrar mi mundo y pasar un buen rato. Estoy muy contento con el resultado porque me veo totalmente reflejado. Pero el videoclip de ‘’Running Man’’ se rodará está semana y espero que pronto se entrene. Cuando pienso en un video, normalmente las ideas salen solas. Escucho el tema acabado, cierro mis ojos y las imágenes suelen aparecer. A veces, según escribo la canción ya imagino el video, depende. En cualquier caso no suele resultar complicado. En un videoclip se debe contar una historia de 3 o 4 minutos, ¿crees que siempre se consigue transmitir el mensaje de la canción? Creo que es esencial. Al igual que en una canción hay que conseguir transmitir un mensaje o una emoción en 3 o 4 minutos, en un video también.
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RUNNING MAN ¿Cuál es el objetivo que quieres cumplir en el mundo de la música? Encontrar a más personas que compartan mi forma de expresión y mi prisma a la hora de ver las cosas o entender el mundo. También pelear por la tolerancia, por el derecho a saber y por vivir vidas plenas y sin límites. ¿Es Alen un artista que quiera encasillarse en un género en específico? Soy un artista muy ecléctico. Me gusta aprender y enriquecerme cada día de cosas nuevas. Pero soy muy fiel a mi esencia. No me gustan las etiquetas. Más de medio mundo se empeña en clasificar todo y a todos. Esto es un aburrimiento. ¿Cómo te autodefinirías encima de un escenario? Dinámico, dramático y normalmente poco hablador. Resides en Londres... ¿Has encontrado más oportunidades fuera que dentro de casa? He encontrado la oportunidad de trabajar con productores y músicos que sienten de verdad este género y que comprenden mi mundo. Mis artistas y bandas favoritas son casi todos ingleses por lo que vivir allí me ha abierto esa puerta. Canto en inglés y este tipo de sonido tiene una respuesta más masiva en Inglaterra, Suiza, Alemania… Incluso Canadá. Pero en España hay demanda de este tipo de música. Tal vez sea más escasa pero hay. Simplemente cada país tiene su cultura y sus preferencias.
“londres es inspiración pura.”
¿Cómo fue la decisión de trasladarte a Londres? Es una de mis ciudades favoritas y siempre he visitado Reino Unido con bastante frecuencia. El principal motivo por el que me marché a Londres fue mi música. Pero también fue porque en mí siempre hay una necesidad vital de estar residiendo en un lugar que me permita crecer y expresarme sin barreras. Un lugar donde el arte esté por todas partes, incluso en lo más cotidiano. Londres es inspiración pura.
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ALEN SEED Desde tu llegada a la gran ciudad inglesa has tenido la suerte de codearte con grandes productores internacionales, ¿cómo ha sido trabajar con Greg Haver y Joe Cross? No sucedió por arte de magia o de la noche a la mañana. He trabajo muy duro en mi música en los dos últimos años. Que productores de la talla de Joe Cross y Greg Haver aceptasen trabajar conmigo es un sueño hecho realidad. Me han ayudado a encontrarme, he aprendido mucho y me han presentado a gente genial. He viajado por todo el país haciendo el disco, desde Manchester a Oxford, de Bristol a Cardiff… una experiencia inolvidable y muy enriquecedora. ‘Running Man’ es tu carta de presentación... ¿Qué tiene de especial este tema para que apuesto por él como el primer single de tu carrera en solitario? Tengo un especial cariño a ‘’Running Man’’. Cuando empezamos a trabajar en él, recuerdo que pensé, ‘’este soy yo, este es mi sonido’’. Y cuando escuché la canción terminada sabía que reflejaba a la perfección mi personalidad y mi identidad. Fue la primera vez que sentí que ya me había encontrado. También está cargada de significado para mí porque mientras trabajé en ‘’Running Man’’ atravesé un momento lleno de conflictos personales. Si sumas todo esto a que el tema en sí define muy bien el resto de disco, tenía claro que esta canción tenía que ser mi single debut. Nos definen tu primer proyecto discográfico como ‘muy visual y cinematográfico’... ¿Es lo que estabas buscando? Sí. Siempre busco expresarme no solo con mi música sino también con imágenes. El cine y la fotografía también son fuertes pasiones mías. También me gusta que los conciertos sean muy visuales. Si pudieses elegir componer la banda sonora de un proyecto cinematográfico, ¿qué proyecto sería? Alen Seed: Es uno de mis sueños. Me encantaría componer la banda sonora de una película de ciencia ficción o un drama. Un proyecto muy épico y cargado de metáfora, mensaje y emociones muy intensas. La tecnología evoluciona a pasos agigantados... y quizá sin prever algunos déficits como las descargas ilegales y la repercusión que está sufriendo el mercado musical... pero, ¿qué crees que le hace falta al público para que apoye la música? ¿O qué crees que tiene que ofrecerle el mercado musical al público para convencerle a descargarse un tema de forma legal? Alen Seed: Siempre hay que ofrecerle al público algo interesante para que el público se interese por lo que haces. Para que la gente compre tu música y se gaste su dinero en ti, te tiene que querer. No basta con que le parezca pegadiza tu canción o agradable tu video. Tienes que moverles emociones profundas, se tienen que sentir conectados
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RUNNING MAN fuertemente con lo que ofreces para que compren tu música. Si les parece que ‘’estás bien’’ probablemente se descarguen de forma ilegal tu canción, pero si les mueve de verdad compraran tu música e irán a tus conciertos. De todos modos, es una cuestión educacional y cultural. Y de conciencia. Cada persona tiene su escala de valores en su vida. Hay quien le parece caro pagar por una canción que cuesta 0.99€ y ve bien gastarse 5€ en tabaco o 200€ en alcohol en tan solo un fin de semana y otras que prefieren ir al cine, comprar libros o música. Cualquiera de las dos son muy respetables. Que cada uno lleve la vida que quiera con los intereses que cada uno quiera.
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FASHION WEEK MADRID
Mercedes-Benz Fashion Week Madrid 2013 Más de 40.000 personas visitaron Mercedes-Benz Fashion Week Madrid febrero 2013. • • • •
La 57º edición de este certamen reunió a 42 creadores que presentaron sus colecciones en desfile, y a 20 diseñadores emergentes, que exhibieron sus propuestas en el Showroom de EGO, en el CIBELESPACIO, con venta directa al público. Las colecciones de los jóvenes creadores Rabaneda, Moisés Nieto y Etxeberría recibieron una favorable acogida en su estreno dentro del programa general. El diseñador Juan Duyos recibió el premio L’Oreal París a la mejor colección de esta edición y Antonio Navas, el premio L’Oreal Paris al mejor modelo de la pasarela que, por primera vez, recayó en un modelo masculino La joven diseñadora valenciana Pepa Salazar fue la ganadora de la primera edición del premio Mercedes Benz-Fashion Talent, dirigido a promocionar internacionalmente al mejor creador joven de la plataforma EGO.
Del 18 al 22 de febrero, el pabellón 14.1 de Feria de Madrid acogió la más completa panorámica de la creación y el diseño español, durante la celebración de la 57º edición de MERCEDES-BENZ FASHION WEEK MADRID (MBFWM), evento organizado por IFEMA. A lo largo de sus cinco jornadas de celebración, esta plataforma que tiene como principal objetivo contribuir a la promoción de la moda española y su diversidad creadora, registró un total de 40.322 visitantes, que acudieron tanto a los desfiles, como a conocer las novedades mostradas por las marcas y cabeceras de moda presentes en el CIBELESPACIO –área de stands junto a las dos pasarelas-. Las dos pasarelas del pabellón 14.1 -denominadas Mercedes-Benz y como novedad, Bertha Benz- fueron escenario de presentación de las propuestas para el Otoño/Invierno 2013/14 de los 42 diseñadores consagrados y emergentes más relevantes del momento. A ellos se sumaron una veintena de jóvenes diseñadores emergentes que, como en cada edición, pre-
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sentaron sus colecciones en el Showroom de EGO, situado en el CIBELESPACIO, con venta directa al público. En esta ocasión, los desfiles se desarrollaron de lunes a viernes, sin incluir fin de semana, como venía siendo habitual en los últimos años, si bien al margen de este aspecto, el calendario ofreció una estructura similar a la de años anteriores. Así, de lunes a jueves se desarrollaron los desfiles de los creadores consagrados, y el viernes se dedicó íntegramente a los jóvenes creadores de EGO.
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ANA LOCKING
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HANNIBAL LAGUNA
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Nuevo premio para los jóvenes de EGO
Asimismo, esta convocatoria de MBFWM supuso el punto de partida de una colaboración, auspiciada por las distintas pasarelas patrocinadas por Mercedes-Benz en el mundo, y dirigida a premiar en cada edición al mejor diseñador joven de la plataforma EGO, promocionándolo internacionalmente. Este nuevo premio, denominado Mercedes Benz-Fashion Talent, recayó en esta primera edición en la diseñadora valenciana, Pepa Salazar, quien gracias a este premio tendrá la oportunidad de presentar en la siguiente temporada su colección en la fashion week de México. Asimismo, en septiembre próximo, un joven diseñador internacional premiado con este mismo premio en otro país desfilará en el programa de EGO, junto al resto de talentos emergentes españoles.
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PEPA SALAZAR
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VICTORIO & LUCCHINO
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ROBERTO VERINO
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ÁGATHA RUÍZ DE LA PRADA
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Rabaneda, Etxeberría y Moisés Nieto, nuevas incorporaciones
Otras de las novedades de esta edición de MBFWM fue la incorporación de los jóvenes diseñadores Rabaneda, Etxeberría y Moisés Nieto al programa general de desfiles. La presentación de sus colecciones junto a los creadores consagrados obtuvo una favorable acogida por parte de la crítica. En los tres casos, son creadores cuya rápida trayectoria profesional ha resultado suficiente para demostrar su talento.
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RABANEDA
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RABANEDA
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MOISÉS NIETO
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LIFTING Agradecimiento especial: TEATRO TALÍA PITI ALONSO (DYP COMUNICACIÓN) Por: Sergio Jurado @MEWVAlencia Miren Ibarguren, Elisa Matilla, Pepa Rus y Josele Román forman el racimo de talentos que da vida a una comedia con trasfondo crítico sobre el mundo de las apariencias. Se trata de lo último de Félix Sabroso y Dunia Ayaso, una obra que gira magistralmente desde lo racional a lo surrealista y que tiene como título: LIFTING. La función está vertebrada por diecisiete escenas independientes en las que las cuatro actrices entran y salen de situaciones muy distintas, con una ligereza asombrosa, provocando sorpresa en el espectador. Miren, Elisa, Pepa y Josele ofrecen registros interpretativos muy dispares a partir de los ocho o nueve personajes que cada una de ellas representa a lo largo de una obra que posee el humor como denominador común. LIFTING luce una puesta en escena diáfana y sencilla, donde el protagonismo lo recibe el texto y el trabajo de las actrices, grandes profesionales que se complementan a la perfección, que disfrutan de sus escenas y que logran transmitirlo al público. Según palabras de una de las protagonistas, Elisa Matilla: “En los cambios de una escena a otra, lo sorprendente es que con dos mesas y cuatro sillas pasemos de estar en un quirófano a estar en un coche. Es algo que mantiene el interés del público sobre qué es lo que van a montar las actrices para la siguiente escena”.
Tras su estreno en Málaga, LIFTING se detiene en el Teatro Talía de Valencia, para luego visitar Bilbao y, finalmente, Madrid. Fue precisamente en el Talía donde el equipo de MEW Magazine tuvo oportunidad de asistir a una rueda de prensa en la que Dunia y Félix (directores y guionistas de películas como Los años desnudos o La isla interior y de otras obras de teatro como La gran depresión) explicaron que LIFTING no se posiciona ni a favor ni en contra de la cirugía estética, sino que “lo que hace es utilizar la excusa de la cirugía para hablar de las apariencias en ámbitos como las relaciones de pareja o la corrupción política, entre otros”. Pepa Rus se pronunció diciendo que la obra “es una crítica a la obsesión por todo: por la soledad, por el físico, por esa superficialidad y frivolidad que estamos viviendo”; y Miren Ibarguren añadió que “LIFTING lo lleva todo a la locura más extrema, para hacer de ello la comedia”. Y es que la comedia es un género infinito que permite hacer crítica social, generar empatía con el público y contar muchas cosas con el extra de provocar la risa. Hay una frase que Pepa Rus dice durante la obra y que define muy bien la esencia de LIFTING: “Con los tiempos que corren, con los problemas que hay, la falta de amor y la escasa solidaridad, ¡qué estén ustedes peleando para ver quién se sube un poquito más la ceja!”.
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LIFTING
“Yo espero experimentarlo todo y curarme de todo en vida, morirme sin nada por hacer�. 54 - www.mewmagazine.es
MIREN IBARGUREN
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juzgar por el encuentro en el Teatro Talía, podía definirse a Miren Ibarguren como alguien peculiar, casi tan entrañable como su personaje de Aída, pero menos ingenua; igual de tierna que Soraya, pero más contundente; bromista con frases como: “Yo para tener 85 años estoy muy bien” (haciendo referencia al contexto de la cirugía que se aborda en la obra), pero también categórica para afirmar que la cirugía estética “es un parche muy sano” porque, según la propia actriz, “muchas veces uno está preocupado por algo que le está haciendo la vida imposible, una infancia tremenda, y puede decirse: ‘¡Bienvenida sea!’”. Aunque si algo tiene Miren es la cualidad de ser cautivadora, sobre todo en las distancias cortas, de tú a tú, cuando suelta una broma repentina e ingeniosa, cuando ofrece la mejor de sus sonrisas y muestra el entusiasmo de la niña que aun lleva dentro, o asimismo cuando se pone más reflexiva para hablar de asuntos relacionados con su carrera: Miren ¿qué crees que aporta LIFTING a tu trayectoria profesional? Una nunca conoce sus límites y, si te plantean una cosa tan extrema como lo que se hace en esta obra, con la necesidad de hacer varios papeles tan diferentes y, además, pasándolo tan bien como lo pasamos, es realmente un lujo. Llamaste la atención de la gran mayoría a partir de tu trabajo en Escenas de matrimonio y, actualmente, no se puede ser más admirada que tú por ese papel de Soraya en Aída, ¿cómo se lleva eso de que un personaje que interpretas consiga tener semejante notoriedad y repercusión? Es que yo no lo siento, no lo llevo de ninguna manera porque no me doy cuenta… Yo voy a mi trabajo, luego salgo, voy a hacer la compra, es decir, llevo una vida súper normal. Claro, sí soy consciente de que te está viendo un montón de gente, porque gracias
a Dios la serie va fenomenal. ¡Y es que Soraya es muy maja! (risas)… La verdad es que hay unos guionistas maravillosos. Al margen del cariño que todo el mundo tiene a tu papel de Soraya, tú aparentas ser una persona tierna y dulce. ¿Qué es lo que más te dice la gente por la calle? La gente de la calle conoce a Soraya, no conoce a Miren. Pero lo que más me dicen es: ‘¡Qué graciosa eres!’. Si un admirador te pidiera que le dedicaras unas palabras y que no fueran las típicas que los artistas ponen a todo el mundo (‘Con cariño... Un beso…’), sino que tuvieran algo especial, que dejaran ver parte de tu alma, ¿qué escribirías? Porque nos queda tanto juntos. Te quiero. Miren.
“La gente de la calle conoce a Soraya, no conoce a Miren”.
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PEPA RUS
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an familiar resulta a todo el mundo La Macu de Aída, que Pepa Rus consigue impactar por su templanza y delicadeza, por sus buenos modales, por su saber estar y por la calidez con la que habla; pero algo tiene en común con el exitoso personaje de la serie de Telecinco: su cercanía. Pepa es humilde, sincera, una chica con suerte que parece de esas incapaces de emborracharse de éxito; de esas mujeres que, por muchos elogios que reciban, nunca dejarán de tener los pies en el suelo: En alguna ocasión has confesado que uno de tus mayores defectos podría ser la inseguridad, ¿el éxito, como el que tú estás logrando, hace que una persona supere esa inseguridad? Bueno, todo va por etapas... Pero no tiene nada que ver el éxito con la inseguridad porque, además, en esta profesión, cada vez que empiezas algo nuevo puede que no tenga nada que ver con lo que habías hecho antes; así que no sabes si vas a hacerlo bien o no. Estar en una serie de éxito te da muchas alegrías, una estabilidad, el placer de lo que estás haciendo y que la gente se divierta con ello, pero yo creo que la inseguridad profesional permanece siempre porque con cada trabajo nuevo siempre piensas que se han equivocado eligiéndote (risas). Hay una frase que acompaña al título de esta obra: “por más que me hago no me hallo”, ¿en qué ocasiones tú has pensado algo parecido? ¡Muchas veces! Hay muchos días que te levantas y no sabes ni qué ponerte, ni qué decir; todo empieza y dices: ‘Por más que me ponga y que haga…’ (risas). ¿De qué manera ha cambiado tu vida en los últimos años? Tuve la suerte de acceder al casting de Aída y, a partir de ahí, de repente, profesionalmente he tenido muchísima suerte.
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Estar en una serie así te hace de trampolín para que te conozcan y para poder conocer gente maravillosa con la que te apetece trabajar, como me ocurría con Félix y Dunia (directores de LIFTING), y de repente te llaman un día… ¿Quién consideras que te dio la gran oportunidad de tu vida? Mi madre y mi padre (risas). Tengo una familia maravillosa y ellos son los que me han apoyado siempre en todo. Pero también es cierto que hay mucha gente que me ha dado muchas oportunidades como, por ejemplo, el equipo de Globomedia, ahora el equipo de LIFTING, o cuando hice Karaoke, Chirigóticas¸ obras con las que pude empezar a hacer teatro… ¡A nivel profesional he tenido muchos angelitos de la guarda! Si tuvieras que escribirte algo a ti misma en un autógrafo, ¿qué sería? Pa’ lante. ¡Suerte! A ser feliz.
“¡A nivel profesional he tenido muchos angelitos de la guarda!”.
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“Con cada trabajo nuevo siempre piensas que se han equivocado eligiéndote”.
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“Hago el personaje de una actriz que está en guerra porque se la come la edad y yo la entiendo muy bien”. 58 - www.mewmagazine.es
ELISA MATILLA
Reconocida por sus trabajos en televisión, cine y teatro, Elisa Matilla dijo durante la rueda de prensa que LIFTING era una crítica, pero también “se puede decir que tiene mucha mala leche”. Todo lo contrario a mala leche es lo que derrocha esta veterana de la interpretación, alguien a quien entusiasma la vida y su profesión y que, tan rica y feliz siente su alma, que no puede evitar dar las gracias constantemente, no puede prescindir de su sonrisa ni quiere dejar de ilusionarse por todo lo que hace. Hablar con ella, con ese tú a tú particular que MEW Magazine pudo tener con cada una de las actrices de LIFTING, fue en el caso de Elisa un encuentro personal con la sabiduría y la profesionalidad que dan las tablas: Eres una actriz con una amplísima carrera, has hecho tanto comedia como drama, y tienes experiencia suficiente en el mundo de la interpretación como para contestar a la siguiente pregunta: ¿Cómo se explica eso de que la comedia, para que funcione, tiene que pasar por el drama? La comedia tiene que tener mucha verdad, igual que el drama. Cuando se trabaja el drama, se trabaja una situación a la que llegar; cuando se hace la comedia, se trabaja esa situación a la que intentas llegar y, además, le das la vuelta. En la comedia hay que sumar los defectos de los personajes, una cosa de la que yo siempre hablo, porque para mí eso es lo que produce la comedia. Un entierro puede estar lleno de comedia, por ejemplo: se presenta un entierro y es todo triste, pero hay una persona que es tacaña y otra que es muy escrupulosa, de manera que el simple hecho de pedirse un pañuelo puede producir la comedia.
de una misma obra? Es que cada público es diferente, por eso es tan distinto el teatro del cine o de la televisión. En el patio de butacas, cada noche la energía que se concentra es diferente y eso el actor lo tiene que percibir. Sobre todo en las comedias, cuando se estrenan, cuenta la opinión de los espectadores porque ellos son los que deciden reírse en cada momento, ellos son los que te dan pistas para potenciar determinadas cosas en las siguientes funciones. El público es el que da las claves, no es que las descubra el actor o la actriz. ¿Qué te está enseñando la obra LIFTING? La facilidad para cambiar de registro, de un personaje a otro, tan diferentes entre sí. Por ejemplo, las pelucas como elementos de caracterización se obviaron porque, durante los ensayos, nos dimos cuenta de que era muy fácil ver que los personajes eran distintos, tan solo con las voces y con poco que hiciéramos… Creo que fue un acierto retirarlas porque el público, nada más encender la luz, se da cuenta de qué tipo de personaje le estás presentando. Tú también has experimentado la faceta de productora en teatro, ¿qué tiene que tener una obra para que la gente que paga una entrada quede contenta? LIFTING tiene todos los ingredientes porque la gente se lo pasa bien y, además, es una obra muy sorprendente. Lo que más llama la atención es que sea sorprendente, que resulte novedosa; es muy importante hacer cosas novedosas en el momento en que nos encontramos.
En tu condición de actriz entregada y apasionada, disfrutas de cada nuevo proyecto como si fuera el primero; en el caso del teatro, ¿vives cada función como algo diferente aunque sea dentro
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JOSELE ROMÁN
Félix Sabroso, como director de LIFTING,
dijo lo siguiente de esta mítica actriz nacida en Valencia: “El retorno de Josele Román a las tablas está siendo muy celebrado, a la gente le gusta mucho verla porque está estupenda”. Ella, por su parte, dijo frases tan célebres como: “La última vez que estuve en el Teatro Princesa (uno de los primeros teatros de Valencia), se quemó”. Y lo cierto es que se trata de una mujer que no deja indiferente a nadie, por su tono particular, por su estilismo, por sus experiencias y por su extenso recorrido profesional. Josele es un animal escénico que llevaba un tiempo sin trabajar y que, actualmente, siente que lo necesita como una vía de escape para canalizar la incombustible energía que sigue teniendo: Tus comienzos en el mundo artístico fueron como bailarina… Sí, yo estudiaba con un profesor ruso, Dimitri Konstantinov, que vino a Madrid a dar unas clases; yo me apunté y allí me encontré al cantante Raphael, entre muchos otros artistas. A Dimitri le encargaron hacer las coreografías de óperas que ese año se iban a representar en el Teatro de la Zarzuela, obras como La Cenicienta de Rossini, La flauta mágica de Mozzart, Fausto de Gounod… y él dijo que hacía las coreografías con la condición de que fueran sus alumnas las que actuaran. Es por eso por lo que, de buenas a primeras, yo me encontré en el Teatro de la Zarzuela de Madrid trabajando junto a grandes como Alfredo Kraus, Teresa Berganza, etc., y yo decía: ‘¿Pero qué es esto?’ (risas). El mundo de la danza es uno de los más sacrificados que existe, ¿cuál es el mayor sacrificio que supone el mundo de la interpretación? En la profesión de actriz es sacrificado todo. En primer lugar, los textos te los tienes que aprender de memoria, te los tienes que estudiar y tienes que tomarte todo muy en
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serio. Luego, los movimientos hay que marcarlos igual que te dicen y que todo sea como una mecánica convertida en realidad; porque, si tú haces un movimiento mal, eso te puede producir un lapsus que haga que la letra se te vaya, porque todo va unido. Por otro lado, en teatro, si dejas de trabajar parece que pierdas práctica, porque tienes que memorizar la obra entera, tienes al público delante y no te puedes equivocar; pero yo hace mucho que no estaba en teatro y no creo que haya perdido comba porque, en realidad, venía yo con una carga que tenía ganas de descargar. Muchos te describen como un icono del cine español, ¿qué sientes tú ante una afirmación así? Bueno, es que yo no me daba cuenta de que lo era ni que lo acabaría siendo para el público. Yo hacía papelitos pequeños, hice alguno protagonista o coprotagonista, pero más que nada hacía papeles episódicos. Casi siempre hacía de graciosa, muchos papeles cómicos, aunque también he hecho otras cosas… pero a mí me gusta mucho hacer reír y creo que es bastante difícil. De todo lo que has hecho, en tantas facetas profesionales que tienes, ¿qué es lo que más te enorgullece? Tirando la vista atrás, he hecho alguna película que me ha gustado: La Curiosa, con Vicente Escrivá, etc. También me siento orgullosa de haber trabajado en la música, es mi cara B, pero soy compositora y he hecho mucha música rock. La música me ha ayudado mucho a la hora de hablar en un escenario y tener la fuerza que tiene un músico de heavy, ese ‘vamos a por ellos’ (risas); además enseña a emitir la voz, a no quedarte afónico, a gritar si hace falta. La música me gusta porque te permite soltar toda la energía que tienes, a mí el trabajo del cine me provocaba la ‘enfermedad’ de insuficiencia artística y, por ejemplo, LIFTING me encanta porque me deja soltar toda la energía, toda la marcha y todo lo que tenga dentro.
LIFTING
“Yo hace mucho que no estaba en teatro y no creo que haya perdido comba”.
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lifting Tener la oportunidad de que MEW Magazine recibiera la atención exclusiva de Miren Ibarguren, Pepa Rus, Elisa Matilla y Josele Román, significó también la posibilidad de plantear el breve cuestionario que figura a continuación, tres preguntas comunes realizadas a cada una de las actrices y que, por separado, cada cual responde desde su sentir particular:
“Me parece un lujo que se reú y para hac
En LIFTING quedan retratadas esas amigas que en el fondo son enemigas, las compañeras de trabajo que compiten entre sí, las mujeres que sufren por envejecer, y tantas otras situaciones que la gente vive en su vida cotidiana, ¿qué rol es el que jamás te gustaría experimentar en tu vida real? Miren Ibarguren: Yo espero experimentarlo todo y curarme de todo en vida, morirme sin nada por hacer y decir, por ejemplo: ‘Pues sí, tengo envidia de ella porque es más alta y más delgada. ¿Qué pasa?’. Pepa Rus: No me gustaría nunca envidiar. Hay un personaje que hago en esta función que siente mucha envidia porque la otra persona es delgada y eso no me gustaría… Tampoco me gustaría vivir la soledad absoluta ni obsesionarme con tener veinte años. Realmente, todos los temas que estamos tratando en LIFTING, llevados al extremo, harían a una persona tremendamente infeliz. Elisa Matilla: La competencia entre mujeres es algo que llevo bastante mal. La competencia entre mujeres yo creo que es algo antiguo, está como pasado de moda, y eso en mi vida personal trato de tenerlo lejos. Yo solo quiero gente, da igual hombres o mujeres, que estén a favor.
cas. Andar con falsedades, ir hablando por detrás… ¡todo eso está muy feo! La gente se tiene que respetar y llevarse bien, cada uno tiene sus ideas y su forma de vivir y nadie tiene por qué criticar a nadie. Lo que hace uno es de uno y a nadie le importa.
Josele Román: No me gustaría que una compañera fuera falsa; me gustan las personas sinceras y que, tanto en el trabajo como en la calle, sean auténti-
Todas tenéis que interpretar a diferentes personajes, ¿cuál de todos los que haces en esta obra es el que más disfrutas?
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LIFTING a meter un Playmobil dentro de la cara!’ (risas).
úna tanta gente para reírse cer reír”.
Pepa Rus: Me gusta mucho Mariló, un personaje que hago junto a Miren. Como llevamos tanto tiempo trabajando juntas, la miro y sé lo que le pasa por la mente… pero hay veces que también me asusta (risas). Elisa Matilla: Disfruto mucho dos. Hago el personaje de una actriz que está en guerra porque se la come la edad y yo la entiendo muy bien, pero yo no estoy tan loca como está esa actriz (risas), lo que pasa es que la disfruto mucho porque sé de qué está hablando. Otro personaje que me encanta es el de una pirómana que termina viviendo con un bombero. Josele Román: Disfruto mucho con el primer monólogo que hago, el de una feminista que critica a las otras y que, encima, hace lo mismo que ellas: la primera que se está operando, etc. ¿Cuál es la principal razón por la que la gente no puede perderse la obra LIFTING? Miren Ibarguren: Creo que es un lujo que haya teatros como el Talía y me parece un lujo que se reúna tanta gente para reírse y para hacer reír. Pepa Rus: Porque se van a reír mucho y van a ver esa crítica al mundo que estamos viviendo, plagado de superficialidad.
Miren Ibarguren: Hace unos años salió una mujer francesa que comenzó a utilizar la cirugía como obra de arte y le hemos hecho un homenaje. Yo me acuerdo de ver a esa mujer en un programa y ella salía con dos bultos en la cara, como Saturno y Plutón, e iba por ahí tan contenta, como si llevara una gran obra de arte… Esta señora luego exponía sus operaciones en Internet y me parece mucho arte que a alguien se le vaya tanto la pinza y diga, por ejemplo: ‘¡Me voy
Elisa Matilla: El rato tan bueno que van a pasar viendo LIFTING les va a compensar. Y, además, a la semana siguiente no se van a hacer ninguna operación de cirugía estética (risas). Josele Román: La tiene que ver todo el mundo porque si no se la van a contar y, para que se la cuenten, más vale que la vean.
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ESCOBERITO “Sé que tengo que empezar de nuevo y no me importa”.
Agradecimiento especial: DÑA. ELENA SANZ HOTEL HOLIDAY INN VALENCIA Por: Sergio Jurado @MEWValencia
ESCOBERITO José Luis Barrero fue, durante veinticinco años, el 50% de Sombra y Luz, un exitoso tándem musical que sacó quince discos al mercado y que llegó a conseguir cinco discos de oro. Ahora José Luis vuelve al panorama musical como Escoberito y su primer trabajo en solitario es Vive y deja vivir, un disco de esos que hay que tener en casa o escuchar en el coche a todas horas para dejarse contagiar por el buen rollo y la sensibilidad que tiene este artista sevillano. Encontrarse con Escoberito es tener delante a la bondad personificada, es ver que existen artistas cuyo buen hacer va de la mano de su buen corazón, es toparse con la realidad de un hombre que empieza de cero con la misma fuerza e ilusión que tenía ese niño de doce años al que hacían llamar El ruiseñor de Sevilla. Escoberito nos recibe en el hall del hotel Holiday Inn (Valencia) y, antes de posar para las fotos que acompañan este texto, responde complaciente a nuestras preguntas. Sin dejar que todos los logros que tiene a sus espaldas emborronen ni un ápice de su sencillez y con la humildad de aquel que permanece ajeno al hecho de que su actual single ya lleve más de 46000 visitas en YouTube, el cantante abre su corazón para MEW Magazine:
“A la gente le voy a seguir dando mi temática de canciones verdaderas, con arreglos musicales más modernos, pero conservando mi forma de cantar”
¿Cómo definirías esta nueva etapa de tu carrera? Yo vengo de familia flamenca y ahora he encontrado el momento de hacer algo que me apetecía, hacer algo en solitario. Ahora estamos de promoción y se trata de ponerse de nuevo a la carga, otra vez a las carreteras y a los malos descansos... Buscando diferencias a nivel musical, ¿qué cambia del José Luis de antes al Escoberito de ahora? Yo he pretendido en este disco no salirme de mi registro. Sedo Productions ha tenido la gentileza de permitirme grabar con unos músicos geniales, en uno de los mejores estudios de Europa, y a la gente le voy a seguir dando mi temática de canciones verdaderas, con arreglos musicales más modernos, pero conservando mi forma de cantar. Si se escucha cualquier disco de Sombra y Luz, mi compañero Joaquín tiene la voz grave y flamenca y yo he tenido siempre mi parte de baladista. Entonces, en este disco lo que he pretendido hacer es seguir en mi línea. ¿Qué
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ha cambiado? Que soy más mayor, tengo 45 años y cuando empecé tenía 18, ahora tengo la misma ilusión pero más experiencia y sé en lo que me estoy metiendo. Tú naciste en Sevilla, ¿por qué se dice que hay tanto arte en esa tierra? Yo creo que hay gente con arte en todas las partes de España. ¿Hay más cantidad y salen más a la luz? Sí, pero en España hay arte por todos los lados, tanto bailando, cantando, como poetas, toreros… Con tan solo 12 años compartiste escenario con los Gypsy Kings, ¿qué recuerdas de aquella experiencia? Tuvo lugar en Frankfurt, Alemania, y fue una experiencia muy grata. Fue en las Navidades del 79, en una cancha de baloncesto, y me llevó mi padre… Yo ahí tenía como nombre artístico El ruiseñor de Sevilla, por aquello de Joselito, y tuve la suerte de cantar arriba del escenario
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ESCOBERITO una rumbita de Los Chichos, yo siempre he sido muy Chichero (risas), y se subieron dos de los Gypsy Kings a acompañarme. Lo tengo grabado en cinta de casete, de recuerdo, como algo bonito de aquellas navidades. Además, como cantar era mi trabajo desde pequeño, tuve la suerte de que aquel año pude llevarle a mis hermanos un juguete de regalo y comprarme para mí una máquina de escribir…
arreglos de forma diferente. A la compañía discográfica le ha costado mucho esfuerzo y dinero porque son músicos que, por ejemplo, van con Estopa; el pianista que me ha acompañado, Tato, va con Lolita… En definitiva, se ha definido mi sello como Escoberito y se ha hecho un disco muy variado, con mis baladas como punto fuerte y también presencia de rumbas-pop, etc.
Seguías siendo muy joven cuando, tras mucho esfuerzo, comenzaste a cosechar éxitos con Sombra y Luz, ¿cómo se lleva eso empezar de cero otra vez? Yo tengo que empezar de cero, sin lugar a dudas; para darme a conocer como Escoberito tengo que currármelo. Gracias a Dios que me gusta, lo llevo en la sangre, y sé el sacrificio que es porque ya vengo de vuelta; con Sombra y Luz hemos pasado muchas satisfacciones, pero también mucha fatiga: de radio en radio dando el disquito, yendo a las discotecas, regalando el single, cantado aquí y allá, etc. Por lo tanto, sé que tengo que empezar de nuevo y no me importa.
¿Qué canción del disco es la que te llega al alma? Dentro de este disco hay una canción que se llama Porque te quiero que está escrita por mi mujer, Yolanda Mejorada, y que es preciosa… Es la que más me define como cantante. La gente me dice: ‘¡Vaya pedazo de tema!’. Es una canción que me duele cantarla, me veo metido en ella y le echo más garra.
Tu actual nombre artístico sale de ahondar en tus raíces, ¿podrías contarnos de dónde viene exactamente eso de Escoberito? Mi abuelo, que en paz descanse, era Antonio ‘El Escobero’ y cantaba flamenco; pero su padre, mi bisabuelo, hacía escobas de esparto para ganarse la vida en la Sevilla de antaño. Mi familia somos del emblemático barrio de La Macarena y la gente lo veía venir en su mula para vender esas escobas, hechas a mano, a drogerías y demás: ‘¡Ahí viene el escobero!’, ‘¡El escobero, el escobero!’… Así que luego mi abuelo fue Antonio ‘El Escobero’ y yo, en homenaje a ellos, soy Escoberito. Se lo conté a la compañía y me dijeron: ‘¿Pa’ qué más?’. Como Escoberito sacas tu primer trabajo discográfico, Vive y deja vivir, ¿qué encontramos en ese disco? Mi esencia como cantante, pero con los medios de hoy. Me gusta mucho el resultado porque me han acompañado músicos de prestigio y tenían ‘carta libre’ para hacer los
Vive y deja vivir, ¿es un lema presente en tu vida? Sí, lo que pasa es que el título viene de que a mí me gusta mucho la lectura y los artistas somos muy paranoicos de coger frases y Vive y deja vivir le pareció bien a la compañía; pero también es válida esa lectura. Aunque vivir y que te dejen tu espacio, sin nadie que se meta por medio, es muy difícil hoy en día porque hay que convivir con los buenos y con los malos y, sobre todo, el mundo de la parafernalia artística es muy de darse dos besos y pegar una puñalada por la espalda. Tu primer single es La vida entera y en su estribillo dice: ‘La vida entera sin duda yo la daría para que otra vez volviera”. Evidentemente la canción habla de una historia de amor, pero ¿por qué otras cosas daría la vida José Luis Barrero? Sin lugar a dudas, por mi familia: tengo dos niños y una mujer preciosa que siempre ha venido conmigo, durante todas las etapas… Los artistas muchas veces daríamos la vida y a menudo dicen: ‘¡Eso está pasao!’, pero somos así. Unos somos más sensibles, otros son menos…
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ESCOBERITO ¿Cuál es la mejor recompensa que puede tener un artista? El reconocimiento en carne viva es que la gente tenga tu disco, que la gente cante tus canciones… Y lo peor que le puede pasar a un artista es el olvido, cuando ha pasado tu tiempo, cuando ya te dan la patadita, tanto los medios como la gente, porque consideran equivocadamente que ya no eres el mismo; eso es lo que más duele. Por eso muchos artistas se encierran mucho en sí, cogen muchas depresiones, porque en general somos muy sensibles y reconocemos cuando nos están dando la patada.
¿Qué es lo que espera Escoberito de la vida? Espero que mi familia y mis amigos tengan salud. Y, para concluir, un sueño a nivel profesional sería… Seguir, poquito a poco, porque no pretendo pegar un pelotazo y llevármelo calentito; eso es lo que yo creía cuando tenía 18 años (risas). También tengo la espinitita de que en un futuro colaboren conmigo Los Chichos, soy un fanático de ellos y me gustaría que hiciéramos algo juntos… ¡Con esa espinita no me voy a quedar yo!
“Tengo la espinitita de que en un futuro colaboren conmigo Los Chichos”.
Celia Vergara Agradecimiento especial: SIX MADRID HOTEL SENATOR NATIONAL GEOGRAPHIC Entrevista por: Sara Astarloa Imágenes por: Edu López Bisutería: Nature Bijoux Vestuario: Rosa Palo, La Quinta Del Sol, Buddha to Buddha Zapatos: Rosa Palo. @MEWMadrid
“La música me hace conectar con otros, con la verdad y conmigo misma”.
“Recibir un premio es, principalmente, una ayuda para seguir adelante�.
CELIA VERGARA
Cminada elia Vergara es de esos artistas que nacieron para vivir por la música. Noa los Goya y voz por excelencia de Disney, estamos ante una carrera profesional envidiable, sustentada por el trabajo y la constancia.
Celia es artista de raza, de los que no viven en las nubes, ni bajan a golpes a la tierra... Celia, tu carrera profesional empieza a finales de los años 80, ¿qué recuerdas de esos comienzos? Recuerdo que no estaba convencida de que cantar fuera una profesión. Para mí era una forma de comunicación con la cual llegaba a los otros, un lenguaje diferente al utilizado comúnmente. Cantar me salía sin esfuerzo y no le daba mayor importancia hasta me di cuenta de que era una salida profesional. ¿Qué recuerdos tienes de la que fue tu banda Funk Clan Club y con la cual grabaste un disco? Los mejores recuerdos porque vivía la esencia de la música sin problemas de tiempo. Trabajábamos en el local de ensayo entre amigos, componíamos en conjunto, nos reíamos mucho, teníamos concepto de grupo, no teníamos mucho que perder y esa experiencia nos hacía crecer. Tu voz y tu versatilidad son prodigiosas, ¿qué referentes musicales has tenido? Mis padres se conocieron gracias a su amor por la musica y nos lo transmitieron a mi her-
mana y a mi. Entre algunos de esos referentes musicales están Stevie Wonder, Bonnie Raitt, Whitney Houston, Elvis, Scorpions, Tina Turner, Fran Sinatra, Cher y Led Zeppelin. ¿Qué se siente con la nominación a un Goya como Mejor canción grabada por ti? Una sensación muy bonita porque el cine me gusta mucho, y una privilegiada por tener la oportunidad de participar. La canción se llama “Los Falsos Azules” y ya la habíamos grabado hacía tiempo, un día hablando con la compositora le recordé lo que me gustaba esa canción, en ese momento ella estaba componiendo una banda sonora y decidió rescatarla e incluirla en uno de los momentos de la película. Pero luego resultó que no la encontrábamos, hasta que rebuscando en los viejos casetes la encontré y por fin se volvió a grabar. Nos sorprendió gratamente cuando la nominaron.
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“Lo más especial de Chattanooga Big Band es que han pasado por ella los mejores músicos que hay en este país”.
EN PORTADA
A lo largo de las entrevistas que hemos llevado a cabo tanto actores como cantantes han mostrado un pequeño sueño... formar parte de un proyecto de Disney, ya sea como voz en off de un personaje o como la banda sonora del mismo... ¿Cómo le llega su primera propuesta de Disney? ¿Qué sintió cuando le ofrecieron formar parte de su banda sonora? Mi primera propuesta Disney fue para la película Hércules en la cual interpreté “Megara”. Me llamó el productor Santi Aguirre para que hiciera un casting para el papel. Le conocí en una fiesta en casa de otro cantante y amigo común. Santi además de productor es un gran cantante y se hace muy bien a la idea de quién puede dar el perfil de un personaje u otro. Me entregaron una cinta VHS con el stroryboard y la canción interpretada por la cantante original en inglés. Me la prepare bien con la letra en español, pero es cierto que mi color de voz era muy parecido al original. Después enviaron los casting a EEUU y allí es donde me seleccionaron y dieron el visto bueno. Posteriormente trabajé para “Mulán” dirigida por María Caneda, a la cual admiro profundamente. Recuerdo esta grabación en los estudios Sintonía como un día mágico. Pocas veces he vuelto a grabar en estudio con tantas voces a la vez. Supongo que por cambio de criterios económicos. Das voz a grandes personajes de Disney como “Falli” En Mulan, “Megara” en Hércules, El Origen de la Sirenita, “Madre Gothel” en Enredados entre otros, ¿qué tal la experiencia de trabajar con Disney? El personaje de “Mother Gothel” tiene un montón de matices vocales e interpretativos y disfruté mucho grabándolo, pero también guardo un cariño especial al personaje de “Megara” porque fue mi primer trabajo para Disney. Ha ganado el primer premio como cantautora en el festival “Sur Jeréz” y el “Trofeo del Villa de Madrid” con su banda de Funk Clan Club con la cual grabó su primer disco. Cuando uno recibe este
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tipo de premios, ¿siente que todo el trabajo es recompensado? Recibir un premio es principalmente una ayuda para seguir adelante. El Villa de Madrid era un trofeo que yo consideraba muy importante en ese momento. Había seguido a grupos potentes que lo habían ganado en el pasado. Para que te hagas una idea el primer trofeo en el 1978 lo ganaron Paracelso, una banda liderada por el gran Wyoming, los mermelada y Kaka de Lux. Posteriormente fue un trofeo emblemático dentro del Rock español. En nuestro caso nos ayudó a que una discográfica se interesara en nosotros como banda y grabara nuestro disco. Con “Sur Jerez” me sentí agradecida por haber sido la ganadora entre cantautores. Desde 1994 forma parte de la Chattanooga Big Band... ¿Qué característica especial le aporta el trabajo en una orquesta que no aporta cualquiera de sus otros proyectos? Lo más especial de Chattanooga Big Band es que han pasado por ella los mejores músicos que hay en este país. He tenido oportunidad de trabajar con ellos en programas de televisión, entregas de premios importantes, fiestas privadas de gente muy conocida desde el Palacio de la Zarzuela a recientemente el cumpleaños de Cristiano Ronaldo... Además un repertorio que me ha hecho aprender a ser muy versátil, la música totalmente en directo y arreglos musicales muy buenos del Maestro Leiva. Para mí los músicos son la música. Para mí la música es una cosa y la industria musical es otra. La esencia de la música, que es lo que yo busco. La esencia, que es lo que yo busco, está en las personas que interpretan y crean en un momento dado. La música me hace conectar con otros, con la verdad y conmigo misma.
EN PORTADA
¿Celia Vergara sería quien es, si la música no formase parte de su vida profesional? Si la música no hubiera sido mi profesión, como lo es desde hace más de 20 años, formaría parte de mi vida. Yo supongo que sería la misma con otras experiencias. ¿Qué significa el Teatro para usted? El teatro es un medio de comunicación muy directo. Yo me considero intérprete y me gusta esa sensación de jugar a ser alguien nuevo. Eso sí, el teatro significa también mucho esfuerzo. ¿Qué se siente cuando le dan la posibilidad de participar en un proyecto como ‘Romeo y Julieta’? Fue un montaje de la compañía a la que pertenezco, Uroc Teatro, para el Teatro Español. Me encanta ese teatro y su localización. El montaje del espectáculo es redondo y llega al corazón y Al mío también… Recientemente hemos participado en otro montaje para el Teatro Clásico: “Otro Gran Teatro del Mundo”. Lo mejor es que en esta ocasión la obra era con música en directo con unos preciosos arreglos del músico Roberto Bazán. ¿Qué te llama más la atención dentro del mundo artístico dejando la música a un lado, teatro, cine, televisión, radio...? Mis trabajos para cine, televisión, teatro y radio siempre han estado relacionados con la música. No la puedo dejar a un lado porque la considero el nexo de unión entre esos medios. Pero si tuviera que decidirme por algo sería por el cine, aunque de momento como actriz solo he trabajado en teatro. También me aportó mucho la experiencia como Vocal Coach en TV. ¿Crees que el artista nace o se hace? Supongo que las dos cosas. Hay una parte innata y otra de interacción y trabajo. A mí me gusta ver el arte como la relación generosa que establece una persona con otra, u otras, a través de sus habilidades y recursos profesionales, los cuales desarrolla a lo
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largo de su vida sin tener en cuenta el resultado. Cuando uno comienza con su carrera profesional, siempre se tropieza con alguien que, directa o indirectamente, le enseña algo que recordará para toda la vida, ¿quién te ha aportado, en su carrera artística, esa enseñanza que nunca olvidarás? Son muchas las personas y distintas las cosas que me han aportado cada una. No podría nombrar a todas porque seguramente alguien se me olvidaría. Siempre he considerado una maestra en muchos aspectos a la compositora Eva Gancedo la cual me dio la oportunidad de cantar para bandas sonoras y con la cual sigo colaborando en los libros didácticos que crea. Estoy muy agradecida a todos los que han confiado en mí como cantante y me han dado trabajo a lo largo de todos estos años. A todos los compañeros de teatro, de estudio de grabación, de escenario, de plató, a los compositores, arreglistas, productores, profesores, alumnos y a los empresarios que creen en la música. A todos los que aman la música. ¿Qué es lo que te hace sonreír por las mañanas? Mis hijos, mi pareja, el desayuno y las canciones. ¿Has cumplido todos tus sueños? Dinos uno que te quede por cumplir… En la actualidad me gustaría grabar un disco con temas propios, dedicar más tiempo a escribir canciones y sobretodo tener actuaciones con mi banda. Eso es lo que me apetece hacer. No me apetece tanto dedicar mi tiempo y atención a soñar como a aprender a vivir de una manera más consciente.
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MÚSICA
CUATRICROMIA ES LO MÁS ESPERADO DE FANGORIA Fangoria presenta su nuevo disco. Cuatricromia llega cargado de lo mejor con una edición especial con 4 ep’s, doble vinilo más un CD álbum digital. Además hay previstas diferentes firmas de disco a lo largo y ancho del país: Madrid, Barcelona, Sevilla, Zaragoza, Bilbao, etc.
LLEGA DE GIRA A MADRID Y BARCELONA David Fonseca dará dos conciertos en España para presentar Seasons en los que contará con Lucía Scansetti como artista invitada. Una buena oportunidad para conocer a uno de los mejores y más completos artistas de nuestro tiempo.
CANTARÁN TUS TEMAS PREFERIDOS El próximo 22 de marzo, Melocos actúa en la Sala Galileo Galilei de Madrid. En este concierto, la banda gaditana cantará los temas que han elegido sus fans a través de una acción en la que todos los que compraron su entrada anticipadamente antes del 15 de febrero podían participar en la elección del repertorio mandando sus diez canciones favoritas. Las diez más votadas sonarán en el concierto del Galileo Galilei.
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MÚSICA
GABRIELLE APLIN, L A NUEVA REVELACIÓN BRITÁNICA Tras alcanzar el Número 1 de la lista británica de singles con “The Power Of Love”’, Gabrielle Aplin, la autodidacta multi-instrumentista de Bath, Inglaterra, de 20 años, lanza su nuevo single / EP ‘”Please Don’t Say You Love Me”’ en Parlophone Records.
FICHAN POR BLANCO Y NEGRO Blindaje 10, realizaron una sesión de fotos que servirá para ilustrar el lanzamiento de su próximo disco, ‘Blinblilandia’, y el single de ‘Sedúceme’, tema que será lanzado en el mes de abril en España gracias al sello discográfico Blanco y Negro, uno de los más importantes de Europa. Las imágenes, que fueron realizadas por el prestigioso fotógrafo colombiano, Juan González, también servirán de apoyo para la nueva web de este grupo samario que es un éxito en países como Paraguay, Chile, Colombia y pronto en España.
NOS PRESENTAN ‘WINGS’ Little Mix, el cuarteto femenino ganador de la serie 2011 de Factor X, publica en España el single Wings, que se lanza a través de Syco/Sony Music. Inspirado en un soul potente mezclado con rítmico r’n’b, Wings refleja la fuerza, la calidad vocal y la alegría de Little Mix, grupo formado por cuatro chicas (Perrie Edwards, Jesy Nelson, Leigh-Anne Pinnock y Jade Thirlwall), que han estado trabajando en su álbum de debut que se anuncia con este single de adelanto, un ejemplo de pop diferente y que crea adicción.
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MÚSICA
“FUERTE (REMIXES)” DE OSCAR REPO, ENTRADA DIRECTA AL Nº4 Oscar Repo vuelve directo al número 4 de la lista de álbumes Dance más vendidos en iTunes con un álbum de impresionantes remezclas de su canción debut “Fuerte” listas para poner a sus fans a bailar y con ganas de más. Incluye remixes funky disco por Juan Belmonte (Ex-Pumpin’ Dolls y remixer de Cher, Santana, TLC, Mike Oldfield, Mónica Naranjo y muchos más, incluyendo 4 números 1 en la lista Billboard USA), y dos remixes, uno dance-house y una emocionante versión a piano de la canción, realizados por el prestigioso DJ y emergente remixer Vicente Fas, quien ya tiene en su haber un número uno en la lista Billboard USA con sus remixes para Dave Aude. 90 - www.mewmagazine.es
MÚSICA
‘REGRESIÓN’, ENCIENDE, EMOCIONA Y ESTIMULA A priori, Murcia y Lima podían ser sólo dos destinos turísticos dispares. En este caso, también es el punto de partida de un nuevo grupo que viene dispuesto a ocupar su hueco en el pop actual. Y a quedarse. Los recursos del grupo no son precisamente limitados. Por eso, respaldados y apoyados, en todo momento, por la figura del productor Raúl de Lara (Varry Brava, Second), KUVE han construido durante los últimos doce meses un disco tan poliédrico como emocionante desde el minuto cero, que recoge y resume la evolución de un grupo ya preparado para compartir con el público su primer disco. “Regresión”, posee todos los ingredientes necesarios que hacen de él un debut que enciende, emociona, estimula y perdura. ¿Ejemplos concretos? Ya podemos disfrutar del videoclip de su primer single, ‘Nadie te dijo’, dirigido por Diana Kunst. “Regresión” está en el mercado desde el pasado 26 de febrero.
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EL GATO CON BOTAS Agradecimiento especial: TEATRO OLYMPIA Por: Sergio Jurado @MEWValencia
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El miaaauuuu…sical “No es un estilo de espectáculo musical al uso”
La maquineta es una compañía artística especializada en teatro musical infantil, que cuenta en su haber con obras como Aladdin, La bella durmiente o La isla del tesoro, entre otras. El último estreno de la compañía ha sido El Gato con Botas que, recientemente, hizo su parada en el Teatro Olympia de Valencia. Así, MEW Magazine se adentra en una historia de toda la vida que se cuenta de manera diferente, singular, renovada. Este miaaauuu…sical muestra cómo el Gato con Botas hace de las suyas para que su amo, Toddy, se convierta en el glorioso Marqués de Carabás y, así, pueda pretender a la encantadora Princesa Evelyn. La hija del Rey no está dispuesta a asumir lo que dicta la tradición y quiere casarse con aquel que le robe el corazón. La magia de los cuentos hace que tengamos delante a la Princesa Evelyn (Noelia Miras) y no queremos dejar pasar la oportunidad de saber su opinión sobre el peculiar minino:
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EL GATO CON BOTAS
¿Qué significa para usted, Princesa, el Gato con Botas? Él ha traído la alegría a mi vida, la felicidad, el divertimento… En palacio todo es aburrido, la vida es gris, nadie es alegre, en palacio no saben reír; y el Gato con Botas llega con la ilusión, con el baile, con el antusiasmo y, lo más importante, trae el amor a mi vida. La Princesa no puede ser más cautivadora, parece capaz de hechizar a cualquiera con su dulzura; no es de extrañar que Toddy haya caído rendido a sus pies… Hablando de Toddy (Antonio Mañas), también queremos preguntarle algo: Toddy (Antonio Mañas)
“Gracias al Gato con Botas he podido mirar más allá” (Toddy)
La Princesa Evelyn (Noelia Miras)
“El Gato con Botas trae el amor a mi vida”. (Princesa Evelyn)
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¿Hubieras podido conseguir a la Princesa sin la ayuda del Gato con Botas? Sin el Gato con Botas hubiera sido imposible, él es el que me salva y me ayuda a conseguir mi sueño después de que mis hermanos me expulsen de casa. Gracias al Gato con Botas he podido mirar más allá de todo lo negro que se me avecinaba y he podido conquistar a Evelyn. Toddy, ¿cómo definir al Gato con Botas? Es muy creativo, un gato que siempre sorprende. Cuando menos te lo esperas y no encuentras solución a tus problemas, él siempre tiene algo que puede ayudarte a conseguir lo que quieres.
EL GATO CON BOTAS
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EL GATO CON BOTAS Dicen que los gatos nunca vienen cuando se les llama, pero que acuden sin falta cuando no se les hace caso; aunque el Gato con Botas es especial. Roberto Doctor encarna al astuto gato y, también, es el director de la obra. Cuando llamamos a este entrañable gatito, acude entusiasmado a hablar con el equipo de MEW Magazine: Protagonista y, al mismo tiempo, director. ¿Cuáles son los pros y contras de desempeñar esta doble función? Yo estoy encantado de poder trabajar en los dos campos. Como director disfruto muchísimo de la creación del espectáculo, desde crear un argumento o adaptar un texto hasta saber explotar lo mejor de mis actores. Como actor disfruto mucho de espectáculos como éste porque trabajamos para niños, un público muy difícil y quizás muy menospreciado; parace que con los niños todo vale, que se van a tragar todo lo que hagas y yo creo que es al revés: los niños son muy exigentes y, si no captas su atención desde el primer minuto, inmediatamente se dan la vuelta y se ponen a hacer otra cosa. Por otro lado, como también nos dirigimos a adultos, tenemos que hacer un esfuerzo doble para que ellos también encuentren su atractivo… al fin y al cabo los padres son los que pagan las entradas. La historia de El Gato con Botas viene de lejos, ¿qué tiene este Gato con Botas para ser diferente a otros? Este Gato con Botas, para empezar, tiene de especial que está adaptado al público familiar, pero respetando todas las bases del cuento clásico. Otro ingrediente esencial lo ponen las sorpresas musicales, no es un estilo de espectáculo musical al uso, sino que tiene números muy diferentes entre sí (música disco de los años 80, un calipso caribeño, etc.) que se entremezclan creando algo muy bonito. También es muy importante la interacción con el público y no solo los personajes actúan en el patio de butacas sino que, además, el espectador se convierte en cómplice del argumento y 96 - www.mewmagazine.es
disfruta de la obra de una forma más activa. ¿Qué motivaciones son las que tiene el Gato con Botas para actuar como actúa a medida que se va desarrollando el argumento? Se trata de un gato pícaro y astuto que está a disposición del que sea su amo en ese momento. Yo siempre he querido ver en este cuento que cuando el viejo molinero deja el gato en herencia a su hijo más pequeño, Toddy, lo hace porque sabe que es el que más lo va a necesitar y el que más va a disfrutar las aventuras que el gato le pueda hacer vivir. Hablamos de un gato que no se conforma con hacer que su dueño consiga comida para el día siguiente o un trabajo estable, sino que es un gato que va a lo grande: convierte a Toddy en un marqués y hace que se case con una princesa. ¿Qué es lo más complicado de meterse en la piel del Gato con Botas? Yo estoy acostumbrado a hacer los personajes característicos cómicos, que funcionan como hilo argumental para ayudar a que otros personajes consigan su fin; pero el Gato con Botas requiere que haga otro tipo de registro porque no puede ser un personaje cómico por sí mismo, sino que lo gracioso del Gato con Botas está en las situaciones que él provoca. Así que para mí ha sido muy interesante, porque me ha permitido hacer un tipo de personaje distinto del que yo suelo hacer. ¿Con qué sentimientos saldrá del teatro todo aquel que venga a ver El Gato con Botas? Con sentimiento de satisfacción por haber pasado un rato muy divertido, muy entretenido, y hacerlo en familia, que eso es muy importante... Nosotros vemos, desde el escenario, que los padres ayudan a sus hijos a participar en el espectáculo y, por otro lado, también son los niños los que animan a los padres. De manera que se ve a una familia disfrutando al completo de una misma ac-
EL GATO CON BOTAS tividad y sabes que, cuando salgan del teatro, se irán comentando juntos y, en definitiva, hará que se lleven un buen recuerdo. En definitiva, recuperar la ilusión que tanta falta hace… Para eso está el teatro.
“Es un gato que va a lo grande: convierte a Toddy en un marqués y hace que se case con una princesa”
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COMIC
La Liga Del Siglo XXI. referencias por doquier Por: Doc Pastor
Que Alan Moore es un genio es algo que
a ningún lector de cómic se le escapa. Que sea entendible todo lo que hace es ya arena de otro costal, gran parte de su obra requiere unos conocimientos y reflexiones ciertamente avanzados que hace que no siempre sea comprensible. La muestra más clara y conocida sería su “Watchmen” que cobra un mayor sentido con cada lectura, y que lejos de tener una primera lectura clara no se pueden siquiera empezar a entenderla hasta la tercera o cuarta vez que uno se acerque a ella. Todo el que diga que lo ha entendido de a la primera o está mintiendo o es que solo se lo ha leído en una ocasión. Si seguimos en su línea de héroes, quizá el término “super” no es desde ningún punto de vista el más adecuado, hay que citar a “Promethea” que es más una guía y manual de magia que otra cosa, y por supuesto “La liga de los caballeros extraordinarios”, que en un principio era un panfleto de aventuras con conocidos personajes de la literatura inglesa del XIX y que ha ido avanzando, evolucionando más bien, hacia un estudio sociológico e ideológico de lo que ha sido el XX y parte de este apenas catado XXI. Es totalmente imposible coger esta último volumen, sencillamente titulado “The League of Extraordinary Gentlemen: Century: 2009”, de 100 - www.mewmagazine.es
una primera sentada y no leerlo entero, para volver inmediatamente a una segunda pasada más relajada y días después (con una cierta dosis de reflexión y previa consulta) atacar por tercera vez para dejar que la grandeza de este capítulo final nos inunde. Vamos a repasar algunas de las referencias que hay, no todas que sería imposible, y que quizá os hayan pasado desapercibidas. Mucho ha pasado desde esa primera aventura en que Mina Murray, divorciada de Harker y ya con el pasado recuerdo de lo sucedido en la novela “Dracula”, comandaba un variopinto grupo de aventureros que tenían su origen en la tinta y los folletines pero que llegaban aquí a nuevos niveles. Solo ella y Allan Quatermain, presentado en origen como un acabado héroe consumido por la droga, sobreviven gracias a la eterna juventud de la que ambos gozan y que comparten con Orlando (el mismo de Matteo Maria Boiardo) lo que les hace ser testigos de la historia, caer en el tedio y el desánimo mientras todos los demás mueren y por supuesto tomar parte en increíbles lances que solo podría imaginar la mente de Alan Moore. Recordemos por un momento el final del volumen anterior. Murray ha desaparecido o al menos los otros dos protagonistas no logran encontrarla. Orlando sigue cambiando alternativamente de sexo y termina abandonando al antaño gran héroe británico, cansado
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de su autocompadecimiento y su cada vez peor adicción a las drogas. Queda entonces él solo, abandonando en un tugurio de mala muerte, incapaz de adaptarse a los nuevos tiempos y sentado sobre sus propios meados, de forma literal. Los años pasan y regresamos a Londres, esa mágica ciudad en que esta Liga vive sus aventuras y que casi llega a parecer el centro del Universo, pero tras hacer antes una parada en una guerra en la que Orlando entabla una charla con el Coronel Cuckoo, un personaje creado por Gerald Khers y que es solamente la primera de las muchas referencias que el guionista británico introduce estas páginas, y así al terminar esta especie de prólogo para entrar de lleno en el Londres de la actualidad, o algo muy parecido.
Esta ciudad es mucho más brillante que la
nuestra, pero todos sabemos eso de que según hay más luz también más sombras, y por eso los callejones son más oscuros, ocultando a villanos y malvados que buscan bastante más que un enriquecimiento personal, además de dejar libertad a la imaginación como muestra el anuncio de “Aquaman 2” con Vincent Chase, una referencia directa a la recomendable serie “El Séquito”. En ese Londres de fantasía luce cual joya de
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COMIC Steed y en las que ella parece confiar más que nada, el motivo es sencillo y así lo explica el personaje: “Supongo que es porque todas estuvimos enamoradas del mismo hombre”, en un cálido guiño a los platónicos amores que compartieron con John Steed (o no tan platónicos, dependiendo de las lecturas).
la corona la sede de los Francmasones de Vauxhall, un edificio de ensueño que es el cuartel general de la inteligencia militar británica, o al menos de su parte más secreta (y no hay mejor secreto que el que está a la luz). Allí nos daremos de bruces con unos agentes solamente llamados J3 y J6, que no son otros que James Bond encarnados por Roger Moore y Daniel Craig, explicando de paso el porqué va cambiando de rostro y es que “se había convertido en una institución nacional”, como explica una mujer que se nos presenta bajo el nombre de “Madre”. Esto es un homenaje a la recomendable serie “Los Vengadores”, todo un icono de los años sesenta, y por supuesto no podía ser otra que Emma Peel (aunque en “Los Nuevos Vengadores” se supo que dejó ese nombre) la que ahora ocupe ese cargo, algo que es evidente por la referencia que ella misma hace a su padre, John Knight, por el collar de pinchos en su escritorio tan icónico del episodio “Un toque de azufre” y la fotografía de un hombre con bombín y paraguas que sin duda alguna es John Steed. Estas dos referencias, la de Bond y “Los Vengadores” aparecerán de nuevo más tarde. La primera mostrando al primer James Bond como un hombre anciano en silla de ruedas con “noventa y tantos y está agonizando”, como nos sabremos al principio de la obra. Y la segunda ya al final cuando hagan aparición las otras tres compañeras que tuvo John 102 - www.mewmagazine.es
Claro que no solo de agentes secretos vive el guionista, y cualquier lector algo inquieto habrá repasado varias veces la antigua cueva (por así decirlo) en la que estaban nuestros protagonistas en el anterior volumen. Numerosas imágenes llaman la atención pero para el que escribe hay dos por encima: un póster de Tarzán, que además esta firmado con su título nobiliario (Lord Greystoke), cerca de una foto de Nomi Malone, nombre del personaje de Elizabeth Berkley en “Showgirls”.
Como declarado fan de “Doctor Who”, em-
blema de los seriales británicos por excelencia y derecho propio, no puedo evitar que el vello se me erice cuando en una misma página hacen aparición un Cibermen (en su iniciática versión de los años sesenta), además de la primera y última encarnación del Doctor paseando juntos en alguna fantástica aventura temporal, en la que debe estar implicado Jack Harknees que un par de viñetas antes que ellos está por detrás de los protagonistas de este tomo.
COMIC Pero si dos guiños se llevan la palma son los dos últimos: Harry Potter y Mary Poppins. El primero de ellos nos da serias explicaciones sobre la saga literaria infantil-juvenil de los últimos tiempos, de cómo todo es una mentira y que en realidad el joven mago es el anti cristo, el encargado de traer el fin del mundo. Toda una declaración por parte de Alan Moore que no duda en lanzar así una brutal crítica hacia una historia que ha vendido millones de copias en todo el mundo, pero que muy claramente él considera muy por debajo de las críticas que ha recibido. No es así con Mary Poppins, que en realidad es una imagen que ha elegido Dios para aparecerse antes nosotros, como bien explica al decir que sale en todas las páginas de la Biblia. No hay duda del respeto que le tiene a este personaje, que se nos muestra en su encarnación cinematográfica al dejarnos ver un primer plano de su característico mango de paraguas. El enfrentamiento entre una creación y otra es inevitable, al igual que el resultado entre las obras de P.L. Travers y J.K. Rowling. Llegamos así al final, que cierra el círculo trayendo de nuevo a Emma Peel (ahora con sus compañeras, como ya se ha comentado al principio), y por supuesto el canto del cisne será en África, lugar de eterno descanso para Allan Quatermain.
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Raúl Obregón Agradecimiento especial: PUERTO DELICIA Entrevista por: Noelia Macías Imágenes por: Sonia Ruíz Múñoz @MEWSevilla
“Los músicos preferimos la noche al día”.
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“Me mueve el buen gusto musical. La gente que se lo curra de verdad”.
¿Quién es Raúl Obregón? Soy músico. Empecé mi trayectoria a los quince años, más o menos,... Comencé a estudiar saxofón pero, rápidamente, me di cuenta que eso no iba a ningún sitio. Descubrí que mi vocación verdadera era cantar. A partir de ahí... con 16 años comencé como corista, me llamó José Luis Figuereo y empecé mi trayectoria profesional. Mi vínculo con la música se fue agrandando, trabajé con artistas de todo el panorama español, haciendo giras y trabajando en estudio, grabando discos, etc. ¿Cómo definiría su sonido? ¿Cuál es el sello musical que le caracteriza? Es una apuesta por el buen gusto musical y por la calidad. Hace tiempo que hay carencia de ello. Y la variedad sobre todo. Después de más de diez años, ¿qué es lo que te ha impulsado a lanzarte en este proyecto? La madurez artística. Porque he tenido ocasiones de poder realizar mi trabajo en solitario pero no era el momento. Y ahora me encontraba más preparado. Con más tablas, con más formación. Y con la seguridad para enfrentarme a un público que siempre hay que tenerle muchísimo respeto. ¿Cuál es el objetivo que desea cumplir? Personalmente, vivir. Vivir, humildemente, haciendo lo que me gusta. No pido grandes éxitos ni ser super famoso. Soy músico de vocación y no de toda esta parafernalia que pertenece al mundo de la música. La parte ostentosa. No me gusta para nada eso. Me mueve el buen gusto musical. La gente que se lo curra de verdad. La gente que intenta transmitir algo.
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‘Lo que puede haber sido’ es su primer single... ¿Qué características tiene para que lo haya seleccionado como el principal? Este tema es una composición a la que le tengo mucho cariño que habla de algo que todo el mundo se pregunta alguna vez en la vida: ¿Qué podría haber sido si yo hubiera hecho esto? Le he dado otra perspectiva. Lo he mirado desde otra óptica porque el tema en cuestión lo compuse poco después de fallecer mi padre e intenté plasmar que hubiera sido... cuando no le puedes comunicar lo que te gustaría haberle dicho. Son estos dos contextos. ¿Un lugar donde componer? En la playa de mi tierra que siempre ando ahí... me gusta llevarme la guitarra y toco poquito, lo básico para componer... en verano y con buen tiempo irme a la playa con mi guitarra a un sitio que no haya mucha gente y la verdad es que casi siempre te viene la inspiración. En invierno en el estudio. ¿Cree que la madrugada es el mejor momento de inspiración? Totalmente. ¿Por qué? Porque no hay ruido. En la madrugada no oyes el estrés de la ciudad. En mi caso vivo en el centro de Cádiz. En la madrugada entras en un mundo aparte y te concentras más. Los músicos preferimos la noche al día.
ENTREVISTA
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CARTELERA
MAMÁ “¿Has subido a ver a las niñas?” Por: Sandra González
El pasado 8 de febrero Universal Pictures presentó en España la nueva producción de Guillermo del Toro, “Mamá”, dirigida por Andrés Muschietti. Basada en el corto que el propio director hizo años antes, “Mamá”, ha llegado a España tras ser un gran éxito en taquilla en EEUU. Debido a esta repercusión, aquí ha contado con una gran afluencia de público en las salas de cine. La historia trata de dos niñas, Victoria y Lilly, cuyo padre asesina a su madre y se las lleva al bosque y en una casa que había allí intenta matarlas. Pero, un espíritu se lo impide. Las niñas permanecen allí durante 5 años y mientras tanto su tío Lucas (Nikolaj Coster-Waldau) y su novia Annabel (Jessica Chastain) las buscan incesantemente hasta que dan con ellas. Comienzan una nueva vida con dificultades al principio para adaptarse, pero poco a poco, Victoria irá estrechando lazos afectivos con sus tíos. Aunque Annabel se muestra un tanto reacia a cuidar a las niñas no le queda más remedio que atenderlas porque Lucas sufre un accidente que lo deja en coma. Sin embargo, no sólo Annabel cuidará de las niñas, alguien más, oculto entre las paredes hace el papel de madre. La investigación comienza. Aquí es, un poco, donde cojea la historia. La idea 110 - www.mewmagazine.es
es, un poco, donde cojea la historia. La idea es muy buena pero, a mi parecer, llega un momento en el film en el que se quiere acabar como sea y cualquier cosa vale. La trama del personaje de Lucas está un poco inacabada y es como de pegote. Sufre un coma, despierta y dicen que a los dos días le darán el alta, cosa que no ocurre. Debido a un sueño que tiene decide por sí mismo abandonar el hospital e investigar lo que pasa. Llega al bosque e incluso llega a encontrar la casa. Pues bien, cuando su novia va por la carretera de repente aparece él de la nada, se encuentran…por casualidad. Así, la película ha contado tanto con admiradores como detractores. Además, creo que, mostrar al espíritu demasiado pronto es un error, dado que se trata de una película de terror. Sin embargo, los efectos y el gran papel que hace la niña que interpreta a Lilly son maravillosos, sin duda sobresalientes. Es lo más destacable del film. En definitiva, gran dirección y buena idea pero acabada “con prisas”.
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Blue Valentine “Gosling y Williams son la pareja con la química más palpable de la gran pantalla en esta dolorosamente tierna historia de amor (…) maravillosamente fascinante”. USA Today
Tras la premiere mundial de BLUE VALENTINE en el Festival de Cine de Sundance, Todd McCarthy, crítico de cine de la revista Variety, escribió: “Gosling y Williams interactúan maravillosamente bien. La profunda inmersión de cada uno de ellos en sus papeles dan como resultado comportamientos auténticamente reales”. Para el director y guionista Derek Cianfrance llegar a esa “auténtica realidad” fue el resultado de más de doce años de innumerables borradores, muchos rechazos y la producción de un “manifiesto” que serviría de guía ascética, detallando la mirada, el sentimiento y los sonidos de la película. En 1998 Cianfrance estaba ante una Xerox viendo como las copias de su guión caían a una bandeja. Pensó que su película se vendería en pocos meses. Después de que todos los estudios lo rechazaran, se refugió en el cine comercial y documental para pagar sus facturas. Los meses se convirtieron en años y llegó un momento en que Cianfrance no podía hablar más sobre BLUE VALENTINE con sus familiares y amigos. Todos echaban sus ojos para atrás y miraban fijamente la desilusión de su cara. Un día, siete años después de acabar el proyecto, se sentó frente a su mujer a la hora de la cena y se sintió como un “fraude” por no haber conseguido lo que se había propuesto. 112 - www.mewmagazine.es
Nada fue fácil para Cianfrance con este proyecto: casi pierde a su actriz protagonista, se enfrentó a problemas financieros, tuvo que cambiar las localizaciones de California a Nueva York y muchos otros problemas. Para añadir complejidad al tema, Cianfrance invitó a Michelle Williams y Ryan Gosling a unirse a él en unos extraordinarios y poco ortodoxos ensayos y rodajes similares a los métodos interpretativos que hicieron famosos a Stanislavski y más tarde a Lee Strasberg y a Stella Adler. Fue una dura preparación a la que Williams y Gosling se sometieron de manera valiente e incondicional. Pasaron semanas como sus personajes, viviendo en su casa, comprando en su ciudad con un presupuesto basado en los ingresos de un pintor y una enfermera. Los flashbacks en los que la pareja se conoce se rodaron en primer lugar. Se filmaron en una o dos tomas y casi siempre con un solo actor en la escena para captar la sorpresa del otro actor. Algunas escenas fueron improvisadas. Las escenas de “su proceso de enamoramiento” tenían lugar en espacios abiertos para dar la sensación de que la pareja tenía todo un mundo de posibilidades a su alrededor. Por el contrario, las escenas contemporáneas eran claustrofóbicas. Las escenas en las que su matrimonio empieza a fracasar se rodaron una y otra vez, a
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veces incluso llevando a los actores a la extenuación. Se filmaron un mes después de las escenas románticas y se pidió a los actores que cogieran tanto peso como pudieran para representar de manera física como la relación les pasaba factura. Podríamos decir que Cianfrance rodó dos películas: una historia de amor y una tragedia. Y después, en el duro proceso de montaje de un año de duración, creó algo nuevo. El resultado es sobrecogedor. Cianfrance capta un crudo y naturalista retrato de una relación a la vez que representa como dos almas jóvenes conectan a través de la música, el baile y las bromas mientras esperan en la parada del autobús. Muchas cuestiones se presentan en esta película: ¿Cómo hacer para retener el amor?¿Es esto posible?¿Qué hacer cuando no consigues tus sueños o la vida no marcha como habías planeado?¿Qué hacer cuando tu compañero no resulta como esperabas? Cianfrance sabe que su público es lo suficientemente inteligente como para encontrar las respuestas a todo esto. Ninguno de los personajes es bueno o malo, está en lo cierto o se equivoca. Solo son personajes reales. Es en esta realidad que el público, especialmente las parejas casadas, pueden sentirse identificadas o al menos ver reflejada en la pantalla grande la parte de ellos mismos que difícilmente suelo verse en público.
“Una montaña rusa emocional, definitivamente la película que hay que ver” Harpers Bazaar
“Un logro considerable. La película vive y respira verdad emocional” Variety
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