Camino de Luz Inminente Vol.2 / Estudio 5 by Manuela Galvis Ángel

CAMINO DE LUZ INMINENTE

CAMINO DE LUZ INMINENTE Reminder - Moderat

ESTA ES UNA EXPERIENCIA A OSCURAS. POR FAVOR NO ENCIENDA LA LUZ , Y SIGA EL CAMINO INMINENTE.

Sara Prada Andrea Yáñez Camila Giraldo Manuela Galvis Lorenza González Estudio 5 2017-2

INDICE Introducción ................................................................... Análisis del video Concepto ......................................................................... Moodboard ...................................................................... Análisis de referentes .................................................... Proceso ............................................................................ Bocetos Maqueta Materiales Montaje ............................................................................ Descripción Narrativa Ejecución What if .............................................................................. Conclusiones .................................................................. Referencias Bibliográficas ............................................

INTRODUCCION

INTRODUCCION El presente documento evidencia el proceso que se llevó a cabo para la conceptualización estética del video Reminder 360 VR (2016) de la banda Moderat, dirigido por Mate Steinforth. Durante la primera etapa del proyecto, se logró identificar el mundo artístico y conceptual bajo el cual fue creado el video, así como la investigación de la banda, el director y distintos referentes visuales. Lo anterior, con el fin de lograr una abstracción que daría paso a la creación de un nuevo concepto que capturaría la esencia del video, y terminaría materializado en un montaje, cuyo desarrollo se busca ilustrar en el presente escrito.

Los elementos conceptuales y formales encontrados a lo largo de la investigación fueron reforzando el sentido del video en distintas maneras. Los primeros fueron la base de creación del montaje, donde se tuvieron en cuenta: la inmersión dentro de una libertad controlada - realidad virtual (360), la luz como elemento transformador y destructor, los símbolos como representación del concepto de decodificación de un mundo desconocido,y la incertidumbre de un camino lleno de obstáculos. Por otro lado, los elementos formales encontrados en el video, tales como las figuras angulares, geométricas y sobredimensionadas entre otros, permitieron comprender las relaciones de poder y el

sentido de la travesía narrada en el video así como la experiencia de los seres que la protagonizan. Siendo así, esto colaboró con la materialización de los conceptos mediante la propuesta de un montaje basado en una experiencia marcada por un camino de figuras geométricas, que sirvieran de guía mediante su iluminación pero a la vez se presentarán como obstáculos. Con todo lo anterior, se obtuvo el sustento conceptual y formal para proponer un universo estético coherente con los elementos principales del video asignado. De este modo se realizó una

reinterpretación de dichos elementos, de manera que también se pudiera plantear un camino definido y lleno de obstáculos, marcado por la luz, donde las figuras geométricas y angulares primaran para la materialización del concepto abstraído. Finalmente, en términos de lo comunicacional se buscó hacer sentir al espectador inmerso en un mundo desconocido, bajo una libertad controlada y con un predominante sentimiento de incertidumbre.

ANALISIS DE VIDEO

A lo largo del video se presenta una atmósfera principalmente oscura, la cual introduce al espectador en un mundo desconocido desde un principio. Dentro de este ambiente de incertidumbre, se acentúa el peligro y poder del entorno mediante las grandes estructuras, montañas y abismos. Éstas se presentan bajo una estética completamente geométrica y angular. Siendo así, la combinación de todos estos elementos permite comprender y enfatizar la dificultad de la travesía presentada en el video. Cuyos protagonistas se muestran con una figura dinámica, delgada y ágil en coherencia con su misión dentro de la historia. Estos individuos sin rostro, se sienten inferiores ante su entorno y ante los otros personajes. Esto se debe a la perspectiva del contraste de tamaños, que permite entender la insignificancia de los protagonistas.

Como parte del camino, se encuentran personajes como los centinelas; seres negros de cuerpos grandes, fuertes y fragmentados que están cubiertos por máscaras, además del dios al que adoran los rebeldes esclavos. Este dios demuestra su supremacía mediante su tamaño exageradamente grande y sus múltiples extremidades. Cubierto, del mismo modo, por una máscara. Sin embargo, se hace evidente su debilidad ante la aparición de la luz. En lo que concierne a la luz, se puede decir que esta cumple con múltiples funciones dentro del universo estético. En primer lugar, demuestra la transición de escenarios enmarcados dentro de la travesía y, a su vez, representa el detonante del cambio dentro de la historia. Lo anterior, teniendo en cuenta su facultad tanto de transformar al momento de usar una máscara, como de destruir al ser emitida por los drones que obstaculizan la travesía.

CONCEPTO

Es un destino inevitable, donde la destrucción y la transformación guían el sendero originado por la luz; marcando y limitando las posibilidades del camino. Es una travesía llena de incidentes e impedimentos que constantemente se oponen a las convicciones del ser, inmerso en una libertad controlada, en un mundo fabricado, se puede elegir qué observar más no el camino a recorrer. En este arduo camino se vive la impotencia del sin retorno, dejando atrás toda esperanza, pues la destrucción ha forzado el rumbo hacia la incertidumbre. Este ser de identidad rebelde lucha por no pertenecer a esta distopía, pero al encontrarse frente a un abismo sin escapatoria, es obligado a aceptar aquello a lo que se niega pero que finalmente es lo único que lo libera. Es aquí donde la luz, como recurso tecnológico, pone en juego la identidad del ser respecto a lo que el destino le impone, en la medida en que se presenta como una fuerza más avanzada y superior. Al encontrarse bajo un estruendo lumínico, el ser

trasciende a una dimensión desconocida. Esta luz pone en duda su devenir, hacia la iluminación o la ceguera, al tener el poder tanto de destruir como de transformar. Es una búsqueda sin sentido, donde las acciones son insignificantes ante un universo sobredimensionado de arquitectura imposible, que le impide la superación, obligándolo a adaptarse al sistema. Ante este mundo que debe ser decodificado, se utilizan los símbolos para descifrar un camino lleno de obstáculos e incertidumbre de la vida misma.

MOODBOARD

REFERENTES

Mathieu River's LIGHT FORM

Rivers, M. (2012) Light Form.

Se trata de una pieza artística que busca combinar tanto la tecnología cómo el arte dentro de la experiencia de la audiencia y funciona así como una clara representación de la interacción a través del uso de luz, mediante el uso de una pantalla sólida y desigual. Esta estructura fue construida con plásticos semi transparentes, y cuenta con un proyector integrado e infrarrojo de detección el cual refleja la luz de manera única para crear así una interacción sensorial en su audiencia. En este sentido se tomó el presente referente en consideración, como una premisa de las formas para comunicar la luz, ya que este presenta una estética geométrica. De este modo, fue una de las fuentes de inspiración para la creación de nuevas esculturas para el montaje con la misma tendencia de iluminación interior y morfología, valiéndose de su complejidad para enfatizar el carácter de las

figuras como obstáculos y guías a la vez para el espectador. Cabe mencionar que además de la forma geométrica que adoptaron las piezas basadas en el referente, se tuvo en cuenta también la manera en que la obra dispone la luz, ya que esta va más allá de un recurso tecnológico pues busca crear en el espectador una experiencia sensorial. Fue ese mismo principio el que se buscó trabajar para el montaje,de manera que a través de la luz al interior de las figuras se generara una experiencia para el espectador y a través del efecto de las mismas en sus sentidos pudiera llegar a sentir la incertidumbre característica del video Reminder.

Anila Quayyum Aghas INTERSECTIONS

Rivers, M. (2012) Light Form. Agha, A. Q. (s.f.). Intersections.

En Michigan, esta artista Pakistaní usa este cubo de madera para crear arte de sombras dentro del cuarto que la contiene, usando un bombillo para proyectarlo. A través del juego entre la luz y las sombras, Anila buscaba generar patrones geométricos los cuales se encuentran en espacios sagrados islámicos. El objetivo de la instalación explora la dualidad entre lo público y lo privado, la luz y las sombras, lo estático y lo dinámico, por medio de la simetría de los diseños geométricos. Las proyecciones que genera el cubo hacen que se cree una experiencia para el espectador, al poder caminar y ser parte de las imágenes reflejadas. Por otra parte, los símbolos que se evidencian en la instalación, son patrones extraídos de la Alhambra, que representan la compleja expresión de curiosidad y exclusión, que viven las mujeres que crecen en Pakistán. En la instalación, se ve la intersección de la historia, la cultura y el arte, con el fin de revivir las memorias del pasado. A partir de este referente se comprendió que los símbolos pueden ser un gran medio de comunicación ya que pueden abarcar diversos significados. Se observó que la proyección de los símbolos alrededor de un espacio enriquece la experiencia del

espectador, ya que puede cambiar la perspectiva y dimensionalidad del escenario. Pero más importante, comprendimos que con este tipo de instalación se podía exponer la dualidad entre la luz y la oscuridad. A partir de lo anterior, rescatamos y adoptamos la idea de una figura geométrica que proyectara símbolos para transmitirle al espectador un sentimiento de incertidumbre e inmersión. Sin embargo, es importante recalcar que no se quería proyectar la sombra, como en “intersections”, sino se buscaba proyectar la luz, y para ello hicimos los símbolos en negativo. Al ver como las proyecciones alteraban la perspectiva del espacio se quiso poner la figura en el centro del espacio, al igual que el cubo, pero se agregó valor al hacer que este girara. Esto, con el fin de que la persona se sintiera inmersa en un vórtice de incertidumbre. Esta instalación resolvió varios aspectos técnicos del montaje, ya que se entendió que con el simple hecho de tener una estructura ahuecada con luz interior, se podía comunicar lo necesario. De esta forma, se podría realizar un montaje con pocos elementos que revelaran la complejidad del concepto. Por último, el reflejo de los símbolos logró complementar y aportar a la estética del montaje junto con la secuencia de las figuras geométricas, para así transportar al espectador a un mundo extraño lleno de incertidumbre.

The Esplanade ONG KENG SEN

Hee Cho, M. (2012) The national Broadway company.

Para este referente se encuentra el trabajo del director chino Ong Keng Sen, el director del Festival internacional de artes de Singapur, quien se ha especializado en las artes asiáticas contemporáneas. En este se puede apreciar la puesta en escena bajo su dirección, donde se hace uso del teatro The Esplanade para enfatizar a los personajes y sus relaciones de distancia o cercanía a través de la luz. Lo anterior se entiende al observar cómo el escenario se encuentra dividido mediante los focos de luz que generan en sí mismos nuevos espacios de tensión. Asimismo se resalta la intención del director de disponer las luces de esta manera bajo su enfoque de generar eventos experienciales donde prima el humanismo y las relaciones humanas. Esta misma manera de generar una versatilidad en el espacio ha sido inspiración para el montaje presentado, de manera que el uso de las luces de este referente ha sido básico para el desarrollo tanto conceptual como técnico.

Teniendo en cuenta que unos de los principales elementos que se buscó comunicar fueron, la dualidad de la luz y la presencia de un camino definido; la puesta en escena de Keng y su uso del escenario permitió entender una manera distinta de representar un camino a través de la ausencia y aparición de la luz. De igual forma, se entendió que el espacio se podría transformar mediante la oscuridad total interrumpida por focos de luz que guiaran al espectador y que mediante las diversas intensidades y secuencias de la misma, hicieran referencia a una dualidad. Lo anterior fue aplicado en el montaje mediante los distintos ritmos en la aparición de las luces de las figuras dispuestas en el montaje. Esto permitió manejar la atención de la audiencia y la creación de una experiencia dentro de una nueva atmósfera, donde primó el contraste entre la luz y la oscuridad y la relación entre una figura y otra para marcar el camino.

Gabby O’Connor WHAT LIES BENEATH

Connor,G.(2011)What Lies Beneath Instalación

La presente instalación está inspirada en los icebergs y como lo indica su nombre, hace referencia a lo que se encuentra bajo los mismos; a aquello que se encuentra escondido y que es mucho más grande de lo que aparenta ser. Esta obra fue realizada en 2011 por Gabby O’Connor, una artista australiana graduada de la Victorian College of Arts de Melbourne que mediante su instalación permitió la abstracción de ideas principalmente formales para el montaje. A través de este trabajo se pudo apreciar la realización de una escultura muy similar a las que se buscaba crear, además del efecto que las mismas generaban al ser iluminadas desde su interior. En este caso la artista forma dicha pieza geométrica a partir de retazos de papel en forma de triángulos, que al ser unidos mediante grapas de distintas formas generaron diversos volúmenes y que además por sus facultades de transparencia, permitieron el paso de la luz.

Con todo esto se reconoció una pauta técnica en el presente referente, sobre la necesidad de utilizar un material que permitiera el paso de la luz, bajo la búsqueda de figuras que guiaran un camino mediante la misma, pero a la vez se presentaran como obstáculos para el espectador. Teniendo en cuenta este propósito, la forma angular y geométrica presente en la obra de O’Connor resultó útil frente a las intenciones y los elementos presentes en el video analizado. Así pues, se concretó la morfología de las figuras para el montaje con ayuda del referente pero buscando una reinterpretación de la técnica mediante la inclusión de figuras de piso y techo, cuyas partes se unieran mediante dobleces, fueran más irregulares y permitieran el paso de la luz mediante el pergamino cuero.

PROCESO

BOCETACION

Mediante el presente boceto, se buscaba plantear un montaje donde primara la idea del vórtice. Así pues, se quería representar la dualidad con uno en el techo y otro en el piso, estando ambos rodeados de bombas que obstaculizaran el paso. De este modo se buscaba llevar a la audiencia a estas dos zonas de concentración (los vórtices) que junto con las bombas reflejaran la dualidad de la luz y el trastorno de los valores mediante su disposición. En este sentido, las bombas propuestas para el techo serían oscuras, y las del piso serían blancas, mostrándose así lo contrario a lo normalmente establecido, sobre la oscuridad en el precipicio y la luz emanando del cielo.

Para esta propuesta de montaje se quería resaltar la importancia de la luz, y cómo ésta es tanto la que guía el camino, como la que tiene el poder de enceguecer. Para ello teniendo en cuenta el referente de la instalación de Adris Pavilion en WMF, se planteó una estructura que contará con diversos agujeros que permitieran que las personas introdujeran su cabeza en ellos y tuvieran así un sentimiento de incertidumbre sobre lo que se encontrarían dentro de los agujeros con diversas intensidades de luz. Así pues, se buscaba también reflejar el concepto de una libertad controlada al permitir a la audiencia elegir el agujero a observar dentro de opciones predeterminadas sobre lo que encontrarían dentro de los mismos y las sensaciones que se generarían mediante la ausencia o presencia de luz.

Teniendo en cuenta los referentes escogidos de las obras de la artista alemana Angela Glajcar en su obra “Weiss ist das Neue Schwarz” (Blanco es el nuevo negro), se planteó la idea de representar el camino característico del concepto mediante la misma idea de capas. Lo anterior buscando que dichas capas se dispusieran a modo de obstáculos y generarán un camino definido, agregando la aparición de unas luces de distintas intensidades entre las mismas. Lo anterior con el propósito de evidenciar la dualidad de la luz que puede guiar pero también puede enceguecer y de igual modo generar incertidumbre mediante etapas de oscuridad. Con todo esto, se pretendía generar la inmersión presente en el video, llevando al espectador a vivir una especie de travesía definida y llevándolo a tener que superar diversos obstáculos.

Para esta propuesta se buscó seguir la estética del video Reminder de Moderat y para ello se planteó el uso de cristales dispuestos de forma circular para rodear a la persona y enfatizar su inmersión. Así pues, se analizaron obras de Cornelia Parker, Justine Khamara y la agencia creativa Neocha entre otros, y se planteó la idea de continuar con la ingravidez comunicando un mensaje a través de los materiales de estas figuras. Así pues, algunas de las figuras suspendidas estarían hechas de espejo y otras de un material no reflectivo, para así demostrar los dos tipo de luz con el contraste entre lo claro (reflejos) y lo oscuro (sombras) para reflejar la dualidad y generar una inmersión del espectador.

Teniendo en cuenta el referente de Troika, así como las otras ideas anteriormente planteadas, se buscaba hacer un camino de luz. En este caso se planteó que el camino fuera una superficie inestable. La idea se basaba en unas piedras o camino un poco elevado del piso para que de esta forma la persona no pudiera avanzar sin la presencia de la luz. Esto con el fin de crear un ambiente de incertidumbre, y así generar la idea de que la persona podía elegir qué observar pero no el camino a recorrer. Además de esto, se quería que en cada estación hubiera diferentes elementos. Por ejemplo, en una estación se buscaba poner cristales que reflejaran luz, en otra bombas negras que impidieran el paso y en otra usar elementos que generaran sombras, entre otros. Esta idea fue descartada porque podría ser peligroso una superficie inestable en la oscuridad. Por otro lado, se decidió simplificar las estaciones en donde, en vez del uso de diferentes elementos en cada una de ellas, escoger el más acorde al concepto, para usarlo en todo el recorrido.

Para la propuesta que inspiró el montaje final, se propuso la creación de piedras geométricas inspiradas en las rocas angulares y sobredimensionadas presentes en el video de Moderat. Lo anterior con la intención de enfatizar la insignificancia del ser humano y retomar la idea de la ingravidez, junto con proyecciones que en la oscuridad revelaran la forma de dichas figuras además de los símbolos que se pondrían en las mismas.

IDEA FINAL Justificaciรณn conceptual Ventana

Ventana

Mรกquina de humo

Cableado Controlador luz y mรกquina de humo

Luces Led

Camino a seguir

Figuras en pergamino

Mรกquina de humo

Cableado

Mediante la integración de la anterior idea y teniendo en cuenta la instalación de Gabby O’Connor, Ong Keng Sen, Anila Quayyum Aghas y Mathieu River, se propuso generar un montaje que se valiera de los mismos elementos de la oscuridad, las grandes figuras angulares y la luz de una manera diferente. Lo anterior consistió en generar un camino marcado por la luz como ya se había insinuado en algunas de las ideas anteriores, pero acompañado de estas figuras angulares. De este modo estas no sólo estarían colgadas sino también dispuestas en el suelo. Éstas, en un mismo orden de ideas, no tendrían proyecciones, como se había pensado en un principio, sino que emanarían una luz desde su interior que al prenderse y apagarse de manera consecutiva indicarían los pasos dentro del camino. Este hecho colaboró con la intención de mostrar la dualidad de la luz de una manera diferente, al ser las figuras una representación de la luz como guía pero obstáculo a la vez. Asimismo, se planteó que la disposición de estas figuras en el espacio sería en forma de espiral para retomar la idea de un vórtice que marca un camino definido. Por otra parte, se mantuvo la idea de los símbolos mediante la propuesta de una pieza central al final del camino que a la vez estaría localizada en el centro del salón. Dicha pieza no estaría hecha de un material “transparente” como las otras figuras, sino de uno negro que sólo permitiría pasar la luz a través de cortes con las formas de símbolos, para así generar su proyección en la pared y

además hacer que la misma rotara por todo el salón para generar un momento final de confusión e incertidumbre que representara la decodificación presente en el video. Finalmente, se cerraría la experiencia con es misma luz apuntando hacia abajo al espectador con una intensidad mucho más potente que todas las demás, que mostrara la luz enceguecedora mencionada en el análisis del video Reminder. Siendo así, la propuesta de toda esta experiencia buscó enfatizar principalmente tres conceptos claves, la dualidad de la luz y la libertad controlada y la inmersión. El primero se representaría como ya se mencionó, mediante la facultad de la figuras de luz capaces de guiar pero a la vez obstaculizar, así como la luz del final con la intención de confundir y enceguecer al espectador. Por otra parte en cuanto a la libertad controlada, se buscó proponer un camino donde las personas tuvieran la libertad de moverse en el espacio pero que su recorrido a la vez fuera controlado por las figuras de luz que al iluminar el espacio en tiempos determinados, le indicaran al espectador hacia dónde moverse y que no le dejaran otra opción más que seguir la luz ante los persistentes momentos de oscuridad absoluta. Finalmente, se enfatizó la inmersión mediante la secuencia de las figuras que rodeaban al espectador al final, además de los símbolos proyectados alrededor de todo el salón junto con el sonido sincronizado con todo lo anterior.

MAQUETA

1ra

Foto por: Andrea Yañéz

Como medio para tangibilizar las ideas de nuestras propuestas de montaje, se prosiguió a la elaboración de una maqueta del salón asignado para el montaje, el S1102. Tras el reconocimiento de las medidas y elementos del mismo, se realizó la maqueta con una escala de cinco centímetros por metro. En ella, se colocaron todos los elementos presentes en el espacio tales como los tableros, enchufes, letreros, ventanas y las divisiones del piso, con el objetivo de facilitar la ejecución del montaje al momento de elaborarlo en tamaño real. De este modo se tuvo en cuenta todo aquello que podría afectar la estética así como elementos técnicos importantes para la instalación.

2nda

Foto por: Andrea Yañéz

Para una siguiente versión de la maqueta, se decidió adicionar el elemento faltante del techo, para así tener en cuenta las luces y los enchufes con los cuales se podía contar para el montaje. Ahora bien, para este momento se adicionaron las piezas del montaje tal y como se esperaba hacerlas en realidad, siendo estas figuras geométricas hechas de papel pergamino tomadas de modelos 2d, distribuidas alrededor del salón (piso y techo) a manera de camino y obstáculos a la vez. Bajo estas figuras específicas, se tuvo en cuenta el propósito de hacer unas piezas sobredimensionadas que además de representar los conceptos de libertad controlada y dualidad de la luz, también pudieran enfatizar la insignificancia del ser humano. Así pues, se manejó la

escala con un modelo de personas muy alejado de la verdadera figura humana, que al ser puesto junto a las figuras y a su vez comparado con el espacio, puso en evidencia la exageración de la escala que se estaba pretendiendo manejar. Gracias a esto, se decidió reducir el tamaño de las figuras que para esta versión llegaban a ser incluso más grandes que la puerta del salón y que con tales condiciones serían realmente difíciles y costosas de realizar. Finalmente, para esta versión de la maqueta, aún no se había decidido incorporar la luz que marcaba el camino dentro de las figuras sino a un lado, marcando una especie de estaciones mediante bombillos circulares que se instalarían en el piso; siendo esta una idea igualmente más difícil de realizar.

3ra

Foto por: Andrea Yañéz

Finalmente, para la tercera y última versión de la maqueta, se logró imitar el espacio lo más fielmente al real, habiendo corregido los temas de la escala exagerada, la luz dentro de las figuras y la incorporación de personas a escala semejantes a la figura humana. Todo esto permitió generar un mejor acercamiento al montaje final ya que no sólo se modificaron estos aspectos sino que también se intervino el espacio mediante cortinas que señalaron las zonas que se debían tapar para oscurecer el salón. Además de esto, se incorporó una pequeña versión del circuito para mostrar la manera en que se esperaba iluminar las figuras, y finalmente se adicionó la figura central negra que reflejaría los símbolos al final de la experiencia. Todo este proceso permitió la claridad de las proporciones, materiales y modelos específicos de las figuras, para llevar a cabo el montaje de una manera ordenada y definida con objetivos claros para la instalación real.

Foto por: Andrea Yañéz

MATERIALES

FIGURAS Pergamino cuero: 30 pliegos

ESPACIO Cinta gruesa gris Cinta craft

Cinta transparente doble faz Cartulina negra Nylon

Bolsas de basura Tela negra Tijeras Escaleras altas

LUZ Tiras LED Arduino Tip 122 (convertidores de voltaje) Fuente de poder de 12 voltios 3 Amperios Cables macho - macho

MONTAJE

A partir del proceso de conceptualización, bocetación, maquetación e investigación de referentes y materiales, las siguientes páginas muestran el resultado de lo que fue el montaje. Este tiene como fin reflejar el concepto Camino de luz inminente, mediante la efectiva comunicación de un universo estético coherente.

DESCRIPCION

NARRATIVA

5 4 6

9-13

1. Se introduce el montaje mediante la presentación de un texto que le brinda una premisa al espectador de lo que vivirá en el interior del salon: “Esta es una experiencia a oscura. Por favor no encienda ninguna luz y siga el camino inminente.” 2. El espectador es guiado, con los ojos cerrados, al interior del espacio oscuro. 3. Se da la apertura a la experiencia con el comienzo de un sonido que transporta al espectador a un mundo extraño de incertidumbre. 4. Se ilumina la primera pieza geométrica que guía al inicio de la travesía a recorrer. 5. El espectador continúa su recorrido cuando después de un momento de completa oscuridad se enciende la siguiente escultura. 6. La penumbra vuelve a invadir el espacio de inquietud, pero es un alivio cuando la siguiente pieza comienza a titilar continuamente. 7. Vuelve la bruma que es después iluminada por la siguiente escultura que permite que el espectador avance en su travesía.

8. Caen las tinieblas y se enciende otra figura que tanto obstaculiza el camino del espectador pero también deja contemplar el camino a seguir. 9. Después de una oscuridad angustiosa se prende la pieza que da fin al recorrido, un destino inevitable que conduce al espectador al centro del espacio. 10. Un silencio estremecedor conquista el espacio, seguido de una repentina iluminación consecutiva de todas las esculturas. Marcando así un rápido ritmo, el espectador se ve envuelto en un vórtice de confusión. 11. Posteriormente, una radiante esfera geométrica revela símbolos enigmáticos por todo el espacio, mientras gira con rapidez. 12. Inesperadamente, toda guía de luz se desvanece, dejando al espectador perdido en la incógnita del espacio y acompañado por un sonido progresivo y tensionante. 13. De repente, un impetuoso rayo de luz se enciende encima del espectador, dejándolo enceguecido y absorbiendolo hacia la inevitabilidad del destino.

EJECUCION

OSCURECIMIENTO El primer obstáculo fue el oscurecimiento de todo el salón. Debido a que el montaje se iba a efectuar en las horas de la mañana, mucha luz iba a entrar por las dos ventanas y era necesario evitarlo.Se cubrieron los bordes de las ventanas con “duct tape”. La cinta se pegó entre la cortina y los tableros y, de la misma manera, se utilizó tela quirúrgica negra para rellenar posibles huecos y así, evitar la entrada de luz. El problema fue que las ventanas se cubrieron en la noche, y por ende, al otro día en la mañana fue evidente que continuaba entrando luz. A causa de esto, se reforzaron los bordes con otra capa de cinta aislante. Después, fue necesario cubrir la luz que entraba debajo de la puerta. Se utilizó tela negra, y con cinta se pegó a la parte inferior de la puerta. Por otro lado, se vio necesario cubrir otras luces como las que emitían los letreros de advertencia y el bombillo azul del videobeam. Se logró el objetivo con un poco de cinta y cartulina negra.

Por último, cuando se instalaron los leds de las figuras se observó que eran demasiado potentes y alumbraban los tableros blancos y las otras figuras. Por esto, toda la estética de misterio y mundo distópico se veía comprometida, debido a que el espectador no sentiría la incertidumbre de donde estaba y cuál era el siguiente paso a seguir. Teniendo en cuenta lo anterior, se optó por cubrir los leds con cinta, pero como consecuencia, la luz cambiaba de blanca a amarilla y este color eliminaba la sensación de frialdad que se buscaba. Después, se intentó cubrir con papel, pero tampoco se logró el efecto deseado. Finalmente, se cumplió el objetivo mediante el efecto del humo que difuminó la iluminación de los tableros.

HUMO Para crear una atmósfera de incertidumbre, tal y como la del video Reminder de Moderat, se propuso poner humo para el montaje. Inicialmente se planteó el uso de hielo seco ya que su bajo costo y fácil uso lo hacía ideal para lo que se quería mostrar, sin embargo, 2kg de hielo seco podían durar hasta 30 minutos, tiempo que no era suficiente para la experiencia que se quería transmitir. Fue así como se decidió alquilar una máquina de humo para el día del montaje la cual funcionó perfectamente, y permitió llenar el espacio de humo antes de que las personas ingresaran al salón. Este elemento fue esencial ya que permitió ocultar el cableado del piso y los tableros, y así generar la atmósfera ideal que se buscaba, además de enfatizar la incertidumbre y resaltar las luces provenientes de cada figura.

Foto por: Manuela Galvis

CODIGO Las luces fueron un elemento fundamental en nuestro montaje, y para la realización de las mismas se efectuó programación en Arduino. Arduino es un sistema que permite mediante la conexión de diversos componentes, en este caso las luces. Estas, se programaron para que se encendieran y se apagaran en una secuencia que no sólo iba de acuerdo con la música sino que también era la encargada de que las personas que visitaran el montaje realizaran el recorrido de la manera como se tenía previsto. Hablando más técnicamente, se usaron tiras LED de luz blanca conectadas a Tips 122,para convertir el voltaje, ya que la Arduino solo pasaba cinco voltios y estas tiras LED necesitaban de doce para que funcionaran adecuadamente.

CABLEADO El circuito del montaje funcionó conectado a un elemento central(Arduino), el cual controlaba los tiempos en los cuales se iluminaban las diferentes tiras LED y la secuencia de prendido y apagado de las mismas. Para el montaje, los cables debían estar dispuestos de manera de vórtice y debían ser escondidos para que su apariencia no dañara la estética del montaje. Por ello, se decidió ocultar las tiras LED dentro de la base de las figuras de piso, y tapar los cables con cinta craft para que se camuflaran con el color del piso.

Foto por: Manuela Galvis

SIMBOLOS Ahora bien, el simple hecho de reflejar los símbolos no era suficiente para que la audiencia experimentará la sensación de 360 realidad virtual. Por ende, era imprescindible que los símbolos rotarán alrededor del salón para generar una sensación de inmersión dentro de un vórtice. Primeramente se planteó el hecho que la figura que contenía los símbolos girará y para ello se buscó un pequeño motor rotador. El conflicto en la aplicación del mismo fue que este solo aguantaba un peso máximo de 2kg y no era suficiente para sostener el peso de la luz junto al de la figura. Resolviendo este percance, se entendió que la figura no era la que debía girar sino la fuente de luz.

Por ello, se alquiló una cabeza móvil ya que esta proyectaba no solamente el rayo de luz enceguecedor que se buscaba, sino que tenía la capacidad de girar. La figura de los símbolos se tuvo que agrandar en su base para que la luz cupiera y no se chocara con las paredes de la misma. Además, se redujo el tamaño de los símbolos para que el foco de luz alcanzara a proyectar los símbolos de forma definida. Finalmente, se cambió la forma de la estructura a una más circular, con caras que reflejaran en todas las direcciones la luz de los símbolos.

FIGURAS En el montaje se buscaba mostrar la dualidad de los tamaños y la magnitud de las figuras. En un principio se planteó una escala de 2 metros por figura, para crear esta sensación del hombre como ser insignificante ante su entorno. Pero, su proporción era demasiado grande para un corte a lazer en pliego. Por ende, se redujo la escala a 1.20m. De igual manera, se optó por dividir las figuras en varios pliegos y después unirlas, para así mantener el tamaño que se deseaba. Debido a que las pestañas al unirlas se iban a ver cuando la figura se encendiera decidimos hacerlas lo más pequeñas posibles (1cm) para que no interifieriera en la estética. Antes de hacerlas en el tamaño real se hicieron a escala pequeña para visualizar la forma más sencilla de armarlas y así verificar que la plantilla no tuviera errores.

A partir lo anterior se observó que muchas figuras no estaban bien construidas y por ende había que modificarlas, rehaciendolas varias veces. Una vez corregido, se realizó el corte lazer junto con su grafilación en los dobleces. Al realizar los respectivos cortes se pudo identificar que el color del pergamino cuero no era igual en todos los pliegos. Por otro lado, se tuvo en cuenta la forma en que se iban a pegar las partes. Anteriormente habían sido pegadas con silicona fría pero debido a su lento secado y translucidez en el pergamino, se optó por utilizar cinta transparente doble faz que facilitó dicho proceso.

Foto por: Manuela Galvis

SONIDO Para completar la experiencia de nuestro montaje se decidió hacer uso del sonido como herramienta clave de la experiencia para que, el espectador se sintiera inmerso en el espacio. Para ello, se buscó un sonido que reflejara un ambiente de incertidumbre y por ende se escogió uno que transportara a la persona a un mundo extraño y sombrío. Para aumentar la experiencia y enaltecer las figuras elaboradas, se tomó la decisión de agregarle un sonido a cada pieza y para ello se tomó el sonido del “aerie glow” el cual permitía esa ‘vida’ que queríamos que cada figura tuviera. En adición, para el final del montaje, la música debía hacer sentir a las personas confusión y tensión, y para ello se jugó con las velocidades y el volumen del sonido. Como medida final, se pensaba hacer de este sonido uno envolvente para que el espectador que se encontra recorriendo el camino se sintiera inmerso en el espacio.

En primera medida, se ensayó con unos pequeños parlantes en las diferentes esquinas del salón, pero el sonido no era lo suficientemente fuerte como para hacerle sentir al espectador que estaba viviendo una experiencia inmersiva. La solución que se planteó fue cambiar el parlante por uno de mayor potencia localizandolo y escondiéndolo en el interior de una de las figuras. En este sentido, se configuró la pieza para que estuvieran coordinada con la luz. Para ésto el circuito debía conectarse a la corriente al mismo tiempo que la música se reproducía. Este era un trabajo manual, y por tal razón debió ser practicado varias veces, hasta lograr la sincronización de la música y el recorrido de la luz.

LUZ Una vez se probó el circuito en el salón se pudo observar que ampliarlo al techo sería mucho más complicado debido a que había que pensar en la distribución de los LED y su cableado. Sin embargo, debido a su complejidad respecto al tiempo disponible, se tomó la decisión de sacrificar la luz de las figuras de arriba e intentar iluminarlas con la luz que las de abajo emitieran. De igual forma, se intentó que las figuras grandes iluminaran las pequeñas que las rodeaban, ya que las tiras LED no alcanzaban a cubrir todas las figuras de forma independiente.

Foto por: Manuela Galvis

Foto por: Camila Giraldo y Manuela Galvis

Foto por: Camila Giraldo

Foto por: Manuela Galvis

Foto por: Camila Giraldo

WHAT IF

WHAT IF Tras la realización del montaje y la reflexión sobre los aspectos tanto positivos como negativos, se pudo llegar a la conclusión de que varios elementos podrían modificarse para generar una experiencia aún más envolvente e impactante. En una primera instancia, se destacó el hecho de que para un futuro las figuras de arriba también deberían emitir luz, ya que al no tenerla, se pierden un poco entre la oscuridad, tal y como ocurrió con algunas de las figuras pequeñas alrededor de las grandes. Para hacer esto se necesitaría ampliar el circuito del piso, para que cada una de las figuras tanto grandes como pequeñas tuvieran su propio foco. Además de esto se requeriría hacer un segundo circuito para el techo con un largo cableado que estuviera sincronizado con el del suelo, dispuesto de una forma cuidadosa para evitar generar ruido en la estética del montaje.

Asimismo, utilizando las lecciones tras este montaje se plantearía una modificación en los tiempos de la experiencia en cuanto a las luces y el sonido. Se puede decir que la experiencia podría haberse presentado de una manera más fluida para la audiencia, si los tiempos entre la luz de una figura y otra hubieran sido más cortos. Esto debido a que el tiempo que requerirán las personas pasar de una figura a otra era tan largo que podía generar distracción o incluso confusión en cuanto a qué pasaría después. Siendo así se propondrían tiempos más rápidos para el recorrido inicial entre las figuras, así como una mayor fluidez en el sonido, el cual presentó un cambio cortante entre el paso de una etapa de recorrido lento y el momento de confusión y rapidez, cuyos ritmos eran marcados por este.

Finalmente, si se pudiera realizar el montaje nuevamente de una manera más perfeccionada, el elemento de las vendas en los ojos se eliminaría, los acabados de las pestañas de las figuras se unificarían y se agregaría, en momentos determinados del recorrido, una luz tenue desde las esquinas del salón. Lo anterior, con el objetivo de enfatizar el ambiente de incertidumbre de una manera diferente y las figuras dentro de este, siendo el conjunto de ambos una composición interesante para observar bajo éste luz tenue.

CONCLUSION

CONCLUSION Tras haber realizado una amplia investigación tanto de referentes como del video directamente, se puede decir que toda la información obtenida en la primera etapa del proceso, fue representada de manera acertada a través del montaje. Teniendo en cuenta el concepto planteado en un principio, se entiende que cada una de sus partes fue representada de manera articulada y sobre todo, manteniendo un enfoque sobre las facultades analizadas de la luz como eje central del montaje. Habiendo resaltado la dualidad de la luz dentro de la narrativa del video, se pudo entender que ésta sería el elemento que marcaría el ritmo del montaje, de manera que no sólo se utilizó para demostrar lo positivo de la guía y lo negativo de los obstáculos, sino también como un elemento que definió el entorno y su incertidumbre. Además de esto se pudo resaltar también la libertad controlada propia

del camino definido del video y se generó una experiencia envolvente. La audiencia, no sólo tuvo la oportunidad de ver lo que se le presentó, sino que mediante la disposición de la luz y las figuras en el espacio, se vió envuelta en una espacio compuesto por una secuencia con velocidades variadas y elementos inesperados en conjunto con el sonido. Fue de este modo como se logró generar la atmósfera de incertidumbre resaltada en el análisis del video, la cual acompañada de los aspectos de la inmersión, la libertad controlada y la dualidad de la luz, materializó la narrativa del video Reminder, representando así fielmente su esencia. En conclusión, fueron varios aspectos los que ayudaron al entendimiento y al análisis del mundo estético y conceptual del video Reminder. Entre los más relevantes, se encuentra el contraste de tamaños y de color que ayudaron a identificar las

relaciones de poder dentro de la historia. Asimismo, lidiar con la incertidumbre presente en el camino implica decodificar distintos símbolos, los cuales abren puertas a un mundo desconocido. Estos universos presentan en sí un destino que por más que el ser luche en contra del mismo, sus acciones serán irrelevantes ante lo inevitable. Por otro lado, se logró entender que nuestra sociedad es un reflejo de esta distopía, pues mucha gente se ve acorralada y juzgada por los ideales y por la identidad que buscan tener. Además se puede observar cómo la sociedad intenta llevarnos por un camino establecido, una especie de destino inevitable, camino sin retorno en donde nuestras decisiones marcarán el camino a recorrer. En principio la lucha del protagonista por mantener su identidad frente a lo que se le imponía no era tan evidente. Después de analizar el video

cuidadosamente, se entendió la necesidad de la banda de luchar contra las barreras y la dualidad de la construcción y destrucción, que viene desde su propia historia en relación con la caída del muro de Berlín. Para finalizar, el proceso de investigación permitió la conceptualización y abstracción de conceptos claves, que serán de gran ayuda para la creación del montaje. Este montaje dió cuenta de lo aprendido y su materialización espacialmente según el concepto principal encontrado en el universo estético del video de Reminder de la banda Moderat.

BIBLIOGRAFIA

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Manual Vol.1 https://issuu.com/manuelagalvisangel/docs/ manualreminderissuu

Making of Reminder (Time Lapse) video https://www.youtube.com/watch?v=v3pJPMv6r48&t=66s

Camino de Luz Inminente /Video Montaje https://www.youtube.com/watch?v=winKFw4h0hE&t=1s