ORGANIZA
DOMINGO 25 AGOSTO 2013
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COMPETENCIA TALENTO NACIONAL
DIARIO SANFIC DOMINGO 25 AGOSTO 1
SANFIC ÁRBOL DE LOS SUEÑOS DEGAS FAMFESTIVAL
SANFIC AUTOCINESANTIAGO A MIL SANFIC REGIONES Festival de Cine Las Condes FIESTA
TEATRAL EN TALCA CHILE ANIMA A CHILE Encuentro SANFIC
Familiar de Arte Colores de Esperanza FESTIVAL DE TEATRO
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SANFIC ENCUENTRO FAMILIAR DE ARTE Y RECICLAJE: PURO CHILE SANFIC AUTOCINE Apoyando la Discapacidad Intelectual
CONCIERTO GOTAS DE ANÍS
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LOS SUEÑOS DEGAS FAMFESTIVAL
SANFIC AUTOCINESANTIAGO A MIL SANFIC REGIONES Festival de Cine Las Condes FIESTA TEATRAL EN
TALCA CHILE ANIMA A CHILE Encuentro SANFIC
Familiar de Arte Colores de Esperanza FESTIVAL DE TEATRO
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ENCUENTRO FAMILIAR DE ARTE Y RECICLAJE: PURO CHILE SANFIC AUTOCINE Apoyando la Discapacidad Intelectual CONCIERTO GOTAS DE ANÍS Festival de Cine Las Condes FAMFESTIVAL 2011 DEGAS SANFIC FAMFESTIVAL SANTIAGO A MIL SANFIC AUTOCINE ÁRBOL DE LOS SUEÑOS FIESTA TEATRAL EN TALCA SANFIC CHILE ANIMA A CHILE Colores de Esperanza ÁRBOL DE LOS SUEÑOS FESTIVAL DE TEATRO EXIT SANFIC ENCUENTRO FAMILIAR DE ARTE Y RECICLAJE: PURO CHILE Apoyando la Discapacidad Intelectual SANFIC Cine Las Condes Escultura Cantalao Puro Chile SANFIC REGIONES Entrete Vacaciones
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CREAMOS ACCESO A LOS ESTRENOS DEL CINE MUNDIAL
ENCUENTRO
FAMILIAR DE ARTE Y RECICLAJE: PURO CHILE SANFIC AUTOCINE Apoyando la Discapacidad Intelectual CONCIERTO GOTAS DE ANÍS Festival de Cine Las Condes FAMFESTIVAL 2011 DEGAS SANFIC FAMFESTIVAL SANTIAGO A MIL SANFIC AUTOCINE ÁRBOL DE LOS SUEÑOS FIESTA TEATRAL EN TALCA
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SANFIC
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Festival de Cine Las Condes Escultura Cantalao Puro Chile SANFIC REGIONES Entrete Vacaciones
CONCIERTOS SINFÓNICOS CON MÚSICA DE PELÍCULAS SANFIC
AUTOCINE La ciudad y las palabras
DOMINGO 25 AGOSTO 2013
contenidos / 25 AGOSTO 01
SOY MUCHO MEJOR QUE VOS
Entrevista a Ché Sandoval
02
ALGO SOBRE MUJERES
03
ALFONSINA Y EL MAR
04
PURGATORIO
Entrevista a Cristóbal Cohen y Marcelo Hermosilla
Entrevista a Davide Sordella
Entrevista a Rodrigo Reyes 05
COMPETENCIA NACIONAL
Entrevista a directores de cortometrajes chilenos en competencia
Presidenta Directorio SANFIC María Catalina Saieh
Fundadores SANFIC Carlos Núñez Gabriela Sandoval
Director Artístico Adjunto Jorge Tacla
Directora de Producción Ejecutiva Viviana Bendeck
Director Ejecutivo SANFIC Marcelo Forni
Co-Fundadores SANFIC Jorge Tacla Fundación CorpArtes
Directora de Producción Artística Gabriela Sandoval
Productor de Contenidos y editor diario digital Joel Poblete
Gerente General CorpArtes Jacqueline Plass
Director Artístico Carlos Núñez
Periodistas y redactores Carola Manzo Matías Pérez Joel Poblete Fotografías Andrés Lagos
Diseño Constanza Casas 3
ENTREVISTA Ché Sandoval, director de “Soy mucho mejor que vos” (Chile)
COMPETENCIA INTERNACIONAL -¿Por qué decidiste que tu segundo largometraje fuera un “spin off” de tu ópera prima? “No fue una decisión premeditada anterior a hacer “Te creís la más linda”. En 2008, cuando “Te creís la más linda…” aún no había estrenado, pero ya había recibido buenos comentarios y apoyo en work in progress del país, L90 abría su concurso. Ellos pedían un teaser más argumento. Era domingo en la tarde y el concurso cerraba esa noche; yo despertaba con resaca y no había grabado…de hecho ese día leí las bases y me di cuenta que tenía que grabar algo. Como no tenía nada pensado ni de producción me acordé de algo por lo que yo opté en “Te creís la más linda” (y repetí en “Soy mucho mejor que vos”): que cada secundario tenga historia propia y no esté ahí sólo para escuchar al protagonista. Entonces revisé la película y pensé que la historia del Hombre de La Barra (interpretado por Sebastián Brahm) era la más potente. Puse esa escena de teaser e inventé un argumento. En ese tiempo el proyecto se llamaba “Te creís la más talentosa”. La gente enganchó con la idea, Brahm también y me puse a escribir. Mi primera versión de guión era muy distinta a lo que quedó (deben haber sobrevivido 2 escenas), con el tiempo fue ganando espesor hasta convertirse en este peliculón que es hoy en día (jejeje). 4
A partir de esto puedo decir, desde mi experiencia, que uno puede trabajar una historia cualquiera y que los temas que a uno le interesan aparecerán en el camino y que uno puede hacer muy propia una historia, más allá del vínculo inicial con la primera idea. A veces la gente cree que el vínculo idea-autor debe ser desde el comienzo, yo no lo creo así. Creo en el trabajo de las ideas y que en ese trabajo es donde uno se la juega como autor, no en la etapa donde uno busca esencias. Ahí a veces se cometen errores”. -Cristóbal deambula por Santiago al igual que Javier en Te creís la más linda ¿Qué tipo de ciudad quisiste retratar esta vez? “Mi idea en este film era mantener ciertas cosas de “Te creís la más linda y cambiar otras”. Tenía que mantener el espíritu rocanrollero y punk, el habla cotidiana, los rostros desconocidos, el vínculo con la calle y con la noche y su atmósfera resacosa, y la comedia ácida que no sólo te hace reír, pero debía mejorar técnicamente, hablar de otros temas (algo muy importante) y hacer una película más madura, con personajes muy potentes, llevando la acidez de la película a niveles mayores, más que para generar risa, para generar incomodidad. Temía perder el espíritu callejero y no llegar al nivel de los temas que me estaba
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proponiendo, pero creo que cumplí con creces en ambos aspectos. En ese sentido, más que la ciudad, quería retratar a personajes más complejos, más oscuros, a los que la vida se les está arrancando. En “Te creís…” las cosas no importan, el otro día será uno nuevo y las decisiones son light, si bien es una noche formadora (o deformadora), no les cambia la vida determinantemente a los personajes en esa noche. En “Soy mucho mejor que vos, las decisiones son importantes y decidoras. Por lo tanto la decadencia y la soledad ya no son tiernas y dignas de dar un abrazo, sino que son terribles y culposas. La película busca instalarse en una clase media alta, con un cuico de familia conservadora que no logró surgir como esperaba y que le teme a todo: a que el proyecto de familia lo maneje su mujer; a su decadencia económica; a que su pyme definitivamente lo frustre y a que su masculinidad (el hombre proveedor y protector) desaparezca junto a la desaparición de su figura como padre. Es una película que habla de lo peor de Chile reflejado en el Naza (el personaje interpretado por Brahm). Y que habla, sin hablar sino que mostrando, de traumas que creemos que están solucionados en el país en su discurso oficial, pero de los que aún no salimos. El Naza es un hijo del Chile actual. Además de todo esto, la película es una comedia muy divertida”. -Nuevamente el sexo es uno de los temas que desarrollas. ¿Cómo trabajas esta temática en tus guiones? ¿Tienes referencias o exponentes? “Mis películas siempre parten de las ideas más básicas que se te puedan ocurrir. Como dije antes, creo que la complejidad de las películas llega más adelante. En la primera, la idea inicial era “un eyaculador precoz buscando reivindicarse en una noche”; en esta era “un tipo con un pene gigante que igual es infeliz”. En ambos casos son temas sexuales, pero no son los temas más importantes de la película, sólo motores de partida. De hecho el tema del pene gigante del personaje pasa a segundo y tercer plano. Para mí los temas importantes tienen que ver con conflictos de género y con la sociedad chilena. Sí creo que la sexualidad, es un buen punto de partida porque, por un lado, hace conexión con el público de forma directa y, por otra parte, a partir de ella se puede hablar de traumas de una sociedad o de una persona y complejizar mucho, como lo hace Woody Allen. Es posiblemente de los temas más estudiados y aún seguimos hablando de él. Es un lugar común, pero a la vez es un tabú. Y está muy conectado a las relaciones amorosas y a los corazones rotos, y al despecho, y a todo eso que vende. Tiene esa doble arma que busco (es masivo, pero es complejo). Si bien no lo había pensado hasta este
minuto, creo que no hay mejor manera de comenzar una película, con una premisa sobre la sexualidad que pretendes complejizar”. -En esta cinta contaste con un presupuesto más alto. ¿Temiste perder el espíritu que habías conseguido con “Te creís la más linda”? ¿Cómo fue la experiencia? “Como dije antes era uno de mis temores. Más que el presupuesto, era el hecho de que la otra película la hice sin saber que estaba haciendo una película, sino que me sentía haciendo un trabajo para la Escuela, entonces fui muy libre en todo sentido. Ahora tenía que consolidar esa puesta en escena y lo lógico fue repetir y hacer aún más metódica toda la pre producción y los ensayos con actores, que era lo que más me preocupaba. Después de eso también pensé en la plata, en la cantidad de luces, en el uso de grips y de técnicos con más experiencias. Pero era un temor estúpido porque obviamente la experiencia solo suma. El proceso de ensayos lo metodicé y la película quedó mucho mejor en lo que se refiere a lo técnico y con el espíritu punk que había tenido la otra”.
Ché Sandoval, Chile 5
-Para “Soy mucho mejor que vos” realizaste casting de actores, a diferencia de tu película anterior. ¿Qué buscas en los actores que trabajaran en tus películas? “En esta película hay tanto actores como no actores. Es un mix de 50 y 50, diría de buenas a primeras. En la otra fue similar, un mix. No sólo no actores. En ambas películas los protagonistas no son actores, de hecho. La combinación es similar. No varió en absoluto. En mis películas busco verdad. Siempre parto desde el rostro y ahí se me ocurre “ah, este es perfecto para X papel”. Luego en los ensayos vemos si puede actuar o no. Acá hubo personajes muy difíciles de llevar a cabo, pero que quedaron muy bien desde lo actoral. Pero sí intento que el habla que tengan sea la que ellos usan. Odio el habla impostada: el rico haciendo de pobre, o de chilote o lo que sea. Entonces hago mucha lectura de guión, donde con cada actor (o no actor, sea cual sea el caso) hacemos lectura de su escena con el resto de la gente que participe de la escena en cuestión. Ahí cambiamos el 80% de los diálogos que escribí yo previamente. Los discutimos hasta que todos se sientan cómodos con lo que dicen y se vuelve a escribir. Además de que encontramos la esencia de la escena en esa conversación. Es un trabajo colectivo hermoso
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(creo que es la etapa que más disfruto de hacer cine). Además vamos viendo si faltan transiciones, o si sobran… o a veces en mi primera versión los personajes dicen 2 veces cosas muy similares y las cambiamos. No sé, en esas lecturas pasa de todo y ahí encuentro lo que busco en los actores y en la escena y en la película. No hay ningún momento en que uno tenga que dejar de agregar complejidad a lo que escribió. Pero obviamente que busco buenas actuaciones y un habla fluida. Cuando encontré a Nicolás Alaluf, que interpreta al hijo de el Naza, fue amor al habla a primera vista. Había un niño que actuaba bien antes de él, pero este habló y dije, “ya está, necesito esta fluidez” y luego su actuación es maravillosa. Soy un convencido de que uno, con trabajo, puede hacer actuar bien a cualquiera. El peor de los actores de la película debo ser yo. En resumen, un buen rostro, buen habla y alguien con carisma y energía. Si tiene eso, lo lanzo al set seguro de que va a funcionar”. “Soy mucho mejor que vos” se exhibe en Cine Hoyts Parque Arauco, este domingo 25 a las 21:30, y el martes 27 a las 16:20.
DOMINGO 25 AGOSTO 2013
ENTREVISTA Cristóbal Cohen y Marcelo Hermosilla, directores de “Algo sobre mujeres”
COMPETENCIA DE CINE CHILENO -¿Qué los motivó para realizar un documental sobre las mujeres? “En este documental, y en la mayoría de nuestros trabajos anteriores, la temática está inspirada en la observación directa de nuestro entorno cotidiano. Y ahora fue el turno de las mujeres, que, con su absoluta omnipresencia en nuestra cotidianidad, se merecían este espacio de reflexión”.
-¿Qué tipo de características tienen las protagonistas? “Las protagonistas, como dijimos antes, son mujeres de diferentes países y edades que responden a un cuestionario de siete preguntas, que es el mismo para todas; también nos preocupamos que fueran mujeres anónimas comunes y corrientes, mujeres promedio con las que cualquier mujer podría sentirse identificada”.
-En “Nosotros” se enfocan en los ancianos. En este nuevo documental también está presente la vejez. ¿De qué manera desarrollaron esta tal temática? “En “Nosotros”, la vejez se muestra en esa sola etapa; mientras que en “Algo sobre mujeres”, la insertamos dentro de un proceso más amplio y a priori, y, lo que es más relevante, desde múltiples voces femeninas de distintos países y grupos etarios”.
-¿Cuáles fueron las visiones femeninas que se reiteraron? “A modo de adelanto, una sola curiosidad: la mayoría de las mujeres entrevistadas reconoció sentir envidia o haber sentido envidia por otras; confesión que no esperábamos escuchar de forma tan radical y sincera”. “Algo sobre mujeres” se exhibe en Cine Hoyts Parque Arauco, este domingo 25 a las 22:30, y el martes 27 a las 16:30.
-¿Con qué sorpresas se toparon durante la realización de la película? “Cada día de filmación nos llevamos la sorpresa de descubrir algo nuevo y revelador sobre el complejo mundo de las mujeres”.
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ENTREVISTA Davide Sordella, director de “Alfonsina y el mar” (Italia-Chile)
-¿En qué te inspiraste para realizar “Alfonsina y el mar”? “Hace un tiempo trabajé en un proyecto en una pequeña mina en Bolivia, cuyo objetivo era llevar la televisión a un lugar donde nunca había llegado. Fue una experiencia increíble y el punto de partida para el guión de “Alfonsina y el mar”. Sin embargo, es importante señalar que el tema principal de la película es la utopía, el deseo de un inicio desde cero en una tierra virgen. Es como en el film “Fitzcarraldo”, de Herzog (que además es el nombre de la cadena televisiva en “Alfonsina y el Mar”), en donde quieren llevar la ópera a la selva. Es el sueño epopéyico básico de nuestra historia como individuos”. -¿Qué elementos tienen Lucía y Warmi para ofrecer a la otra? “Lucia y Warmi son los dos lados de una misma moneda. Son como la maestra y la pupila, la madre y la hija. Son amigas, se quieren. El amor y la solidaridad entre estas dos mujeres surge sin brechas culturales ni generacionales. También es el encuentro entre dos modos de ver la vida: por un lado, una mujer que ha huido de su país y su pasado, esperando con esto resolver todos sus problemas. Por el otro, una mujer que nunca ha dejado el lugar en el que vive, pero sueña con las luces de la gran ciudad y espera ansiosa el momento de irse. Este encuentro cambiará para siempre sus vidas”. 8
-¿Cómo fue trabajar en el desierto chileno? ¿Qué elementos entregó Humberstone a la película? “El desierto es un lugar mágico, especialmente Humberstone. Parece que el tiempo no pasa por ahí. Es una ciudad que se quedó suspendida en su época. Nos conmovió profundamente ver que aún están los dibujos hechos por los niños en la escuela. Fue una experiencia muy fuerte grabar ahí, en el silencio de la noche. Fue muy diferente a grabar en un estudio o en una escenografía reconstruida. Humberstone es uno de los personajes de la película. La luz del desierto es fantástica: está en el límite entre las aguas cristalinas del océano y las dunas doradas del desierto. Es una tierra en donde todo existe entre el sueño y la realidad”. -¿Consideras que la TV es un avance en la sociedad? ¿Qué piensas de la meta de Lucía? “La televisión es uno de los medios de comunicación más importantes en nuestra vida. Como cualquier otro medio, el hecho de que sea o no beneficioso para quien tenga acceso a ella depende de cómo se use. Al final es sólo una caja tecnológica, que podemos llenar con historias maravillosas o con basura, todo depende de nosotros. Creo que un rol importante es el que juega el público, cada día más activo. Por eso creo que internet cambiará la televisión, tanto en su forma como en su contenido. En la película, quisimos destacar el hecho de que llevar
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un medio tan poderoso e invasivo a un territorio que aún no se contamina con nuestra cultura, puede ser una gran oportunidad, pero también un tremendo shock. Lucía quería reinventar la televisión, pero terminó haciendo los mismos programas de siempre. Cambiar las cosas no es fácil si primero no cambiamos nosotros”. -¿Cómo manejan la relación de codirectores con Pablo Benedetti, con quien firmas la película como K. Kosoof? “Con Pablo estudiamos juntos en la London Film School. Es muy fácil para nosotros trabajar juntos, principalmente porque confiamos en el otro plenamente. El método que ocupamos es que él se enfoca más en la cámara, y yo en los actores”. “Alfonsina y el mar” se exhibe en Cine Hoyts La Reina, este domingo 25 a las 20:10, y el lunes 26 a las 18:00.
Alfonsina y el mar, película en cartelera de SANFIC9, Sección Visiones del Mundo
K. Kosoof (los italianos Davide Sordella y Pablo Benedetti), directores de Alfonsina y el mar 9
ENTREVISTA Rodrigo Reyes, director de “Purgatorio” (México-Estados Unidos)
-¿De dónde nace la intención de realizar “Purgatorio” “Los temas de la naturaleza del ser humano, el origen de la violencia y los conflictos, nuestra capacidad para el bien y el mal, son cosas que siempre me han interesado. La frontera contiene todos estos temas dentro de sí misma, por eso quise plasmar en el cine la experiencia de esa complicada región. Para mí la frontera es algo muy personal, muy amarrado a mi vida. Dentro de mi identidad como migrante, como alguien que vive entre las culturas de México y los Estados Unidos, de alguna manera siempre cargo con esa línea. Por mucho tiempo, mi relación con la frontera fue algo inconsciente, pues me preocupaba más por las diferencias culturales que se viven en el día a día. Sin embargo, a finales del 2009 me lancé por las carreteras de México con un amigo de la universidad. Deambulamos por todo el país durante más de cuatro meses, desde Tijuana hasta Cancún. De ese viaje salieron dos películas: “Memorias del Futuro” y “99 Años Después de la Revolución Mexicana”, pero también nació la curiosidad por hacer algo enfocado en la frontera. Había acabado el viaje, y yo seguía pensando en ella, intentando comprenderla y entender el lazo que me unía a esa región. Pronto me di cuenta que tenía que regresar con un nuevo proyecto”. -¿Qué son para ti las fronteras? “Las fronteras son espacios de la imaginación, son 10
inventos que usa el ser humano para dividir el mundo con la intención de darle orden. Ese acto de intervenir en el mundo y separarlo en partes es fascinante pues construye y destruye a la vez. Las fronteras obligatoriamente generan orden y caos, pues unos se tienen que quedar fuera, al otro lado de la raya. Ahora, una frontera como la de México y Estados Unidos manifiesta físicamente todos estos conflictos y contradicciones. Es un símbolo que parte de lo que somos como seres humanos”. -¿Qué dificultades encontraste durante la filmación de “Purgatorio”? “A menudo se piensa que por grabar en un espacio violento, los cineastas se están exponiendo a un grave peligro para lograr la película. Pero por lo menos en este caso no fue así. Yo diría que las dificultades fueron más bien técnicas, más del trabajo de hacer cine. “Purgatorio” se rodó bajo un marco de reglas de juego muy limitadas. Las escenas tenían que grabarse con planos, no con cámara en mano. La decisión que tomaras no podía corregirse tan fácilmente, teníamos que comprometernos con un punto de vista. Además, los personajes los conocíamos tan sólo unas horas o incluso unos minutos antes de grabar. Teníamos que tener bien presente nuestro arsenal técnico y aplicarlo de manera constante para lograr el estilo y la cohesión que tiene la película”. -¿Qué momento de tu documental consideras el más potente?
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“No quisiera resaltar un momento en particular, porque “Purgatorio” es una secuencia de emociones, es un viaje entero hecho de muchos momentos. Sin embargo, sí que es interesante escuchar las reacciones del público cuando te cuentan que el documental los sorprendió. Por ejemplo, en México, varias veces escuché la observación de que “Purgatorio” le había aportado a alguien la experiencia de re-descubrir su propio país o de comprender el otro lado del muro. Eso sucedió bastante con el personaje del Minuteman, el cazador de migrantes. Es un personaje que podemos odiar, pero si nos damos la oportunidad de escucharlo, vemos que dentro de ese idealismo mal-aplicado que tiene, nos puede ofrecer verdades que nos hacen falta en América Latina: en lugar de emigrar, ¿porqué los mexicanos no derrocan a su gobierno corrupto y construyen su propio país? “Purgatorio” se mueve constantemente, nunca ofrece un punto de vista claro, un camino de salvación o por lo menos de comprensión. Esa falta de respuestas dentro de un universo de preguntas y puntos de vista, es lo que más me gusta”. -¿Qué diferencia tu visión en “Purgatorio” de la frontera México/US respecto de otros trabajos que tocan el mismo tema? “Sin hablar de ningún trabajo en particular, por no entrar en contrastes directos que me parecen poco profesionales, yo diría que trabajé desde un punto de vista poético, siguiendo una ruta emocional. “Purgatorio” es una epopeya que no contiene detalles de fechas ni locaciones. Nunca te dice explícitamente en qué sitio estás. Las escenas y los personajes flotan en un espacio universal por medio de esta técnica. Y la idea no era esconder algo, sino más bien revelar lo que queda debajo de las estadísticas y las noticias: la condición humana, sencillamente. Claro, esto hace que la película no incluya estrategias más comunes como la historia narrada en tres actos, el personaje noble que lucha contra las vicisitudes que le lanza la vida, etc. Pero, si yo hubiese presentado la frontera de esta manera, no hubiese presentado nada nuevo. Sin embargo, mi intención no era ser diferente sólo por llevar la contra, sino por seguir mi propia idea, ser fiel a lo que me llevó a comenzar este proyecto: retratar la experiencia, el alma de la frontera. Me parece que para hablar de un tema tan controversial y polarizante, primero hace falta un cimiento de emociones, una base en la que nos comprendemos como seres humanos y no como bandos opuestos. De alguna manera, la frontera
retratada en “Purgatorio” existe en todo el mundo, en cada lugar donde hay historias de división, de violencia y separación. En América Latina en particular, hemos vivido con muchas fronteras, muchas de las cuales no podemos ver pero se sienten. Por ejemplo, la herencia de la conquista. En ese sentido, creo que “Purgatorio” intenta revelarnos la escala tan profunda que puede tener una frontera, y que va más allá de los datos y las fechas, pues vive en los rincones de nuestra historia y del corazón de los seres humanos”. “Purgatorio” se exhibe en Cine Hoyts Parque Arauco, este domingo 25 a las 18:10, y el martes 27 a las 20:00.
Rodrigo Reyes, México 11
ENTREVISTA a directores de cortometrajes chilenos Martín Vallejos, director de “Hombre de campo”
Hombre de Campo
-¿Cómo surgió la idea de filmar este cortometraje? La idea de la historia surgió hace unos años atrás. Me contaron esta increíble historia acerca de la autoasfixiofilia en el campo chileno de los años 40, y la verdad es que quedó en mi cabeza y me sentí en la obligación de retratarla en un cortometraje, y espero algún día en un largometraje. -¿Qué te interesaba contar o mostrar con tu corto? Para mí el cortometraje no es sólo la autoasfixiofilia y el morbo que ésta puede producir en el espectador; lo único que quise contar y creo que lo hice, es “somos el fiel reflejo de nuestros padres”, no importa como ni por qué. Está implícito en nuestras vidas. somos seres humanos. -Menciona entre cinco y diez películas que te gusten mucho y/o sean tus favoritas, de cualquier nacionalidad y época: Las horas (Daldry) - Sonata otoñal (Bergman) - Mejor imposible (Brooks) La naranja mecánica (Kubrick) - Dogville (Von Trier) - El silencio de Lorna (Hermanos Dardenne) - Belleza americana (Mendes) - Monster (Jenkins) ¿Quién le teme a Virginia Woolf? (Nichols) - Amour (Haneke) - La cacería (Vinterberg) -Cinco cineastas a los que admires, de cualquier nacionalidad y época: Stanley Kubrick - Ingmar Bergman - Lars Von Trier - Paul Thomas Anderson Los hermanos Dardenne
Victor Hugo Cárdenas, director de “La última lluvia del verano” -¿Cómo surgió la idea de filmar este cortometraje? Nace motivado por una historia que me contó una amiga en Concepción sobre un hecho en su vida. Su madre había muerto de cáncer cuando ella tenía 17 años y el último tiempo que recordaba con ella era una momento en que las dos se perdonaban por sus errores acostadas en una cama una tarde. Esto, sumado a mis miedos de perder a mi madre, fueron los elementos que compusieron la historia. -¿Qué te interesaba contar o mostrar con tu corto? Mi cortometraje es una oda a las madres, creo que lo que me interesa contar es la importancia de éstas para cada individuo. Me gustaría igual mostrar ese ciclo que se da en la vida en el cual nuestros padres nos acompañan cuando llegamos y luego somos nosotros quienes cuidamos de ellos cuando se van. Si bien me gusta tocar temáticas en las que la muerte siempre está presente, creo que es a partir de la compasión y el dolor que los humanos podemos aprender y crecer.
La última lluvia del verano
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-Menciona entre cinco y diez películas que te gusten mucho y/o sean tus favoritas, de cualquier nacionalidad y época: Sentados Frente al Fuego ( Fernández Almendras) - Las marimbas del infierno (Hernández Cordón) - Todo sobre mi madre (Almodóvar) - Drive (Winding Refn) Volver al futuro (Zemeckis) - Amour (Haneke) - Paisaje en la niebla (Angelopoulos) - El club de la pelea (Fincher) - Trainspotting (Boyle) - Después de Lucía (Franco) -Cinco cineastas a los que admires, de cualquier nacionalidad y época: Alejandro Fernández Almendras - Pedro Almodóvar - Nicolas Winding Refn Andrei Tarkovski - Michel Franco - Michael Haneke
DOMINGO 25 AGOSTO 2013
Marcelo Del Campo, director de “Montaje anónimo”
Montaje anónimo
-¿Cómo surgió la idea de filmar este cortometraje? En uno de los Talleres de Realización de mi escuela, se nos dio la oportunidad de acceder al Teatro Municipal de Santiago. Fue allí cuando me clavé con José Ureta, tramoyista del teatro. Don Pepe fue muy amable y nos hizo a Camila Sherman (directora de fotografía) y a mí, un recorrido un poco más detenido y detallado que al resto. Transitamos por el subterráneo (foso), escenario y pisos superiores (puentes), quedando tremendamente fascinados con la articulación y los articuladores de todas las faenas referidas al estreno de una obra. En ese momento, nació en mí el deseo de documentar aquel mundo tan hermoso en lo arquitectónico como en lo humano. -¿Qué te interesaba contar o mostrar con tu corto? Inicialmente, el proyecto tenía dos líneas argumentales. Primero, la que se ve en el documental: expresar que la tramoya tiene tanto o más dificultades que la danza, por ejemplo, y debería estar a un mismo nivel de reconocimiento. Y segundo: traer al presente un nombre del pasado que fue enterrado inmerecidamente en el anonimato. Me refiero a Santiago Quintanilla, quien junto al bombero Tenderini, murió en el terrible incendio de 1870. Cargué de un alto contenido poético la visualidad y sonoridad de las tomas referidas a este secundario eje, complejizando tremendamente el rodaje. No funcionó. Al final, frustradamente, decidimos dejar el tema del homenaje a los tramoyistas como el solitario asunto del corto. -Menciona entre cinco y diez películas que te gusten mucho y/o sean tus favoritas, de cualquier nacionalidad y época: Esta pregunta y la siguiente son las que más me complican. Advierto de antemano que los listados de ambas son mucho más extensos. En ambas respuestas, me detendré solamente en un integrante de la lista. M (Lang) Ran (Kurosawa) - El séptimo sello (Bergman) - Luces de la ciudad (Chaplin) Apocalpse now (Ford Coppola) - Serpico (Lumet) - Memorias del subdesarrollo (Gutiérrez Alea) - El viaje (Fernando Solanas) - Taxi para tres (Lübbert) y Nostalgia de la luz (Guzmán). Esta última, porque creo que marca el norte de lo que los que pretendemos ser los nuevos documentalistas chilenos, deberíamos tener en cuenta. La memoria, la justicia y la poesía, conjugadas las tres, deberían ser, a mi juicio, las claves del documental chileno. -Cinco cineastas a los que admires, de cualquier nacionalidad y época Cinco chilenos: Aldo Francia, Raúl Ruiz, Patricio Guzmán, Andrés Waissbluth y Marcela Said. Marcela, por su declarado interés en la simplificación formal para facilitar el entendimiento de los contenidos, sin caer en facilismos. La cito: “...hay gente que hace películas de autor y que está, no sé, preocupada de cosas estéticas... y no les interesa llegar, como me interesaba a mí con “Opus Dei”, llegar a millones de espectadores, y a lo mejor les interesa más un reconocimiento del Festival de San Sebastián que el reconocimiento de sus pares o querer aportar a la sociedad”.
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SOCIALES
Carlos Núñez, Marcelo Forni, Catalina Sandino, Catalina Saieh, Jacquelinne Plass y Viviana Bendeck
INAUGURACION SANFIC9 La noche del viernes 23, en Cine Hoyts Parque Arauco, se realizó la apertura de la novena edición de SANFIC, contando con la presencia como invitada especial de la actriz ganadora del Oso de Plata en el Festival de Berlín y nominada al Oscar por “María llena eres de gracia”, la colombiana Catalina Sandino, quien es una de las protagonistas del film “Roa”, que inauguró nuestro certamen. El evento fue conducido por el periodista Ignacio Franzani y contó con la presencia de los directores de SANFIC, junto a destacadas figuras de la cultura, el arte y la empresa.
Mariana Loyola y Rodrigo Pardow
Ignacio Santa Cruz y Mateo Iribarren
Catalina Saieh, Marcelo Forni y Jacquelinne Plass 14
Matías Bize y Carlos Flores
DOMINGO 25 AGOSTO 2013
Sebastián Inostroza , Marcelo del Pino y Gabriela Sandoval
Ignacio Franzani
Amparo Hernández y Nicolás López
Carlos Núñez, Patricia Velasco y Jorge Tacla
Shawn Garry, Viviana Bendeck, Paola Bendeck y Gabriela Sandoval
Cosmo Gonik y James Katz 15
16